РУССКИЕ ХУДОЖНИКИ МОДЕРНА.
Немного искусствоведения:
Эпоха русского модерна, недолговечная по времени, оставила нам великолепные образцы национального зодчества, монументально-декоративного и прикладного искусства, живописи, скульптуры, графики, сценографии, печатных изданий, костюма, посуды, изумительных по красоте ювелирных изделий.
Новый стиль-модерн стал складываться в 90-х гг. XIX в. в Европе.
Его идеолог А. Ван де Вельде писал в 1894 г.: “...художники, слывшие до сих пор “декадентами”, превратились в борцов, которые кинулись в поток новой, многообещающей религии”.
Стиль модерн рождался в атмосфере глубокой неудовлетворенности существующим искусством. Романтизм, некогда обещавший так много, остался лишь прекрасной эстетической утопией.
По сложившейся традиции модерн часто рассматривают или слишком формально как систему орнаментации, или слишком “философично” как проекцию на искусство идей А. Бергсона, 3. Фрейда, Ф. Ницше, Т. Липпса.
И то и другое неверно. Модерн не сводится к декоративизму, его своеобразие заключалось в том, что он сам был “художественной философией”, выраженной несколько запутанным языком символизма.
Модерн предложил грандиозную “перестройку”- искусства. Однако многое оказалось нереализованным, и самое существенное то, что стиль этот просуществовал недолго, всего около 10- 15 лет. Поэтому модерн остался в истории искусства серией уникальных образцов, имеющих, как правило, парадоксальный характер.
Модерн начинался в различных видах искусства и начинался несистематически; его первые шаги можно видеть в керамике П. Гогена, и в картинах Ж. Сёра, и в
“Данаиде” О. Родена, и в архитектуре А. Гауди, и в стенных росписях Дж.
Уистлера, и в эскизах М. Врубеля - произведения 80-х гг. XIX в.
Уже в 90-е гг. модерн сознательно ориентируется на равноправие всех видов искусства. Модерн принципиально ориентировался на универсальную одаренность художника; его работа в разных видах искусства только приветствовалась.
Поэтому архитектор выступал как живописец и как мастер декоративных ремесел; живописец занимался скульптурой (вспомним универсальную деятельность ван де Велде, Ч. Р. Макинтоша, художников группы “Наби”, М.Врубеля, С. Выспяньского, А. Майоля, Г. Гимара). Эти мастера мыслили творчество синтетично, и в этом был залог их успеха.
В России модерн представляло художественное объединение «Мир искусства», сформировавшееся в конце 1890-х.
Б. М. Кустодиев. Групповой портрет членов объединения Мир искусства. 1916-1920. Русский музей, СПб
Основателями «Мира искусств» стали художник А. Н. Бенуа и театральный деятель С. П. Дягилев. Ядро объединения составили выпускники гимназии К.И.Мая. Громко о себе заявило это объединение, организовав «Выставку русских и финляндских художников» в 1898 году в Музее центрального училища техники рисования барона А.Л. Штиглица.
В состав объединения входили художники Л. С. Бакст, М. В. Добужинский, Е. Е. Лансере, А. П. Остроумова-Лебедева и К. А. Сомов.
К «Миру искусства» были близки такие мастера, как И. Я. Билибин, А. Я. Головин, И. Э. Грабарь, К. А. Коровин, Б. М. Кустодиев, Н. К. Рерих, В. А. Серов, М. А. Врубель, И. И. Левитан, М. В. Нестеров.
Классический период в жизни объединения пришелся на 1900-1904 - в это время для группы было характерно особое единство эстетических и идейных принципов. Художники устраивали выставки под эгидой журнала «Мир искусства». После 1904 объединение утратило идейное единство и к 1924 году распалось.
Я сделал подборку картин-двойников «мирискусстников» специально для увлеченной эпохой модерна La bellе epoque.
Константин Сомов
Итальянская комедия
Обе картины написаны в 1914 г. Первая картина находится в частной коллекции. а вторая была написана для аукциона "Мира искусства" в пользу раненных в Первой мировой войне и хранится сейчас в Национальной картинной галерее Армении в Ереване.
Константин Сомов
Арлекин и дама
Первая картина 1912 года (Третьяковка), вторая - 1921 года (Русский музей, СПб)
Валентин Серов
Одиссей и Навзикая
Обе картины написаны в 1910 году, первая находится в Третьяковке, вторая - в Русском музее. Помимо размера, они разнятся деталями.
Константин Сомов
Влюбленные (фарфор)
Обе статуэтки сделаны в 1905 году, одна хранится в Музее фарфорового завода им. Ломоносова в Питере, местонахождение другой - неизвестно (скорее всего в частной коллекции).
Константин Сомов
Поцелуй
Первый вариант написан в 1914 году (частная коллекция), второй - в 1918, как иллюстрация к "Книге маркизы".
ОСТАЛЬНЫЕ КАРТИНЫ В КОММЕНТАРИЯХ...
Модернизм в архитектуре представлен разными течениями, которые появились в начале 20 века в противовес романтическому Модерну . Заметим, что существует много путаницы в определениях этих двух стилей или направлений.
Модерн или модернизм: как разобраться
Модернизм в архитектуре СССР (Конструктивизм) Конструктивизм
Получил признание в Советском Союзе в прошлом веке в 1920-е годы и начале 1930-х годов. Он сочетал передовые технологии и технику с общепризнанной в государстве целью — построения коммунизма. Наделён механистическими и динамическими формами.
Абстрактный стиль или абстракционизм
Данное направление соприкасается с авангардом и продвигает отказ от изображения реальных форм вещей. Такие архитектурные стили и их особенности, как кубизм и супрематизм — его производные.
Заменяет симметрию и статику на асимметрию и равновесие масс.
Модернизм в архитектуре СССР (Абстракционизм). Я. Чернихов. Композиция №28 (1925–1933 гг.) Модернизм в архитектуре Голландии: Де Стейл (De Stijl)
Данный стиль образован как художественное движение обществом художников, в голландском городе Лейден в 1917 году. Ещё именуется неопластицизмом . На движение Де Стейл повлияли картины кубистов и движение DaDa с их идеями об идеальных геометрических формах. А работы Де Стейл, в свою очередь, повлияли на стиль Баухауз и Интернациональный стиль. Влияние этого движения на архитектуру можно увидеть больше всего в доме Ритвельд Шредер, который является единственным зданием, созданным исключительно с использованием принципов De Stijl — белые и серые стены, черные дверные рамы и множество элементов, окрашенных в яркие основные цвета.
Стиль Де Стейл. Дом Ритвельд Шредер, Голландия Модернизм в архитектуре Германии: Баухаус
Здание Bauhaus, Дессау, Германия Стиль получил название, благодаря одноимённому художественному объединению, основанному в Германии немецким архитектором Вальтером Гропиусом. Несмотря на свою относительную недолговечность (с 1919 по 1933 год), он оказал огромное влияние на дизайн двадцатого века, классический современный стиль и авангард.
Одной из основных целей Баухауза было сочетание широкого спектра искусств — архитектуры, скульптуры, живописи с ремеслами и техникой, где функциональность стоит на первом месте.
Минималистский внешний вид зданий, ориентация на упрощенные геометрические формы, отсутствие декора является признаком революционных принципов Баухауза — красоты и простоты.
Минимализм
Истоки минималистской архитектуры восходят к кубизму, De Stijl и Bauhaus. В некотором роде, эти движения были похожи между собой.
Здание Farnsworth House, 1951, Mies, штат Иллинойс, США Например, движение Де Стиль одобрило простоту и абстракцию и уменьшило художественное оформление до его основной формы и цвета. Они основывали свою философию дизайна на функционализме, прямолинейности плоскостей и устранении декоративной отделки поверхности, как это показано в доме Шредера Ритвельда.
С другой стороны, Баухаус был основан как художественная школа в Германии с целями продвижения массового производства и объединения ремесел с технологиями. Баухаус разделял принципы Де Стиль в функционализме, чистоте и уменьшении формы.
Всего несколько секунд на видео показывают суть минимализма:
В дополнение к Bauhaus и De Stijl минималистская архитектура находилась под влиянием традиционной японской архитектуры, оценив её простоту.
Этот стиль демонстрирует определенные характеристики формы, света, пространства и материала наряду с такими методами как
- сокращение,
- упрощение и
- унификация.
Минималисты считают эти характеристики сущностью архитектуры.
Минимализм устраняет несущественные детали, уменьшая и уплотняя содержимое проекта до минимума необходимых элементов, параметров и средств, таким образом определяя его форму.
Функционализм
Архитектурный стиль 20 века, который привёл в соответствие здания и сооружения с их функциями. Зародился в Германии, в школе «Баухауз», и Нидерландах. Хотя функционализм и не является исключительно современной концепцией, он тесно связан с современным стилем архитектуры, который сложился в течение второй четверти 20-го века.
Автор: Foto: Jonn Leffmann, CC BY 3.0 , Ссылка
Прогрессивная строительная техника, необходимость в новых типах зданий, изменения культурных и эстетических идеалов повлияли на популярность этого направления. Главным лозунгом в архитектуре становится удовлетворение практических потребностей. Самое сильное влияние направления наблюдалось в Германии, Чехословакии, СССР и Нидерландах.
Брутализм
Модернизм в архитектуре Индии. Брутализм. Здание Текстильной ассоциации (Mill Owners’ Association Building), Ахмедабад Модернизм в архитектуре Брутализм представляет с 1950-х до середины 1970-х годов. Бруталистские здания имеют повторяющиеся модульные элементы функциональных зон, которые отчетливо сформулированы и сгруппированы в единое целое. Поверхности литого бетона сделаны, чтобы подчеркнуть основной материал конструкции с текстурой деревянной опалубки, используемой для литейных форм. Строительные материалы, используемые в этом стиле включают кирпичи, сталь, стекло, необработанный камень. Представляет резкий контраст с изысканными и орнаментированными зданиями, построенными в элитном стиле Beaux-Arts (Боз-Арт).
Как иллюстрацию путаницы в течениях Модерн и Модернизм, можно посмотреть короткое видео (скорее всего сделанное на основе англоязычных источников), в котором модернистские здания идут в одном ряду с Модерном.
Во второй половине XIX века сначала в Европе, а затем и в России возникло художественное направление в искусстве - модерн (от фр. moderne - современный). Отличительными особенностями этого стиля является замена прямых линий и углов более естественными, «природными» линиями, расцвет прикладного искусства с преобладанием криволинейных растительных орнаментов, образующий композиционную структуру произведения.
Для живописи модерна характерны сочетание орнаментальных фонов и натуралистической осязаемости фигур и деталей, силуэтность, использование больших цветовых плоскостей или нюансной монохромности. Скульптура модерна отличается динамикой и текучестью форм, графика - игрой изысканных хрупких линий и силуэтов.
В России в конце 1890-х годов было основано художественное объединение «Мир искусства», утверждавшее приоритет эстетического начала в искусстве в противовес остросоциальной направленности передвижников и стремившееся к модерну и символизму.
В состав объединения в разные годы входили художники А. Н. Бенуа, Л. С. Бакст, Н. К. Рерих, М. В. Добужинский, Е. Е. Лансере, А. П. Остроумова-Лебедева, К. А. Сомов и другие. К «Миру искусства» были близки И. Я. Билибин, К. А. Коровин, Б. М. Кустодиев, В. А. Серов, М. А. Врубель, И. И. Левитан, М. В. Нестеров, К. Ф. Юон и другие.
Рассмотрим подробнее творчество отдельных художников, наиболее ярких представителей русского модерна этого периода – М. А. Врубеля, В. А. Серова, В. М. Васнецова.Врубель Михаил Александрович (годы жизни 1856–1910) - русский художник, яркий представитель модерна и символизма. Врубель достиг высот практически во всех видах и жанрах изобразительного искусства: живописи, графике, декоративной скульптуре, театральном искусстве. Наследие Врубеля включает многочисленные живописные полотна, декоративные панно, фрески и книжные иллюстрации.
Ещё во время учёбы в Академии художеств Врубель по приглашению А. Прахова, известного искусствоведа того времени, участвовал в реставрационных работах в храмах Киева. Врубель выполнил для Кирилловской церкви несколько композиций взамен утраченных, написал икону "Богоматерь с Младенцем" и предложил комиссии эскизы росписей Владимирского собора. Эскизы эти комиссией были отвергнуты по причине несоответствия их византийской традиции - Врубель модернизировал их, наполнив трагическим психологизмом, свойственным концу XIX века. Тем не менее, работы эти оказали большое влияние на становление Врубеля, как художника.Для самобытной манеры Врубеля характерен особого рода кристаллический рисунок, мерцающий сине-лиловыми сумрачными гранями.Во многих картинах Врубеля раннего периода царит атмосфера волшебной сказки. «Царевна-Лебедь» - картина Врубеля, написанная на основе сценического образа героини оперы Н. А. Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане».
Царевна с печальным лицом на полотне Врубеля таинственна и загадочна. На фоне спускающихся над морем сумерек выделяются светлым пятном крылья Царевны, написанные в особой «врубелевской» манере, подобные огранённым драгоценным камням.
М. А. Врубель. Демон сидящий. 1890 г.
Одним из центральных образов в творчестве Врубеля можно назвать образ Демона, как образ силы человеческого духа, внутренней борьбы и сомнений. В начале 1890-х годов Врубель пишет иллюстрации к поэме М. Ю. Лермонтова «Демон», тогда же начинает работу над «Демоном сидящим», позднее пишет «Демона летящего» и «Демона поверженного».
В первой картине этого цикла Врубель трактует образ демона, как духа не столько злобного, сколько страдающего и скорбного, при всём этом духа властного и величавого. Трагически сцепив руки, Демон сидит в окружении фантастических цветов на фоне гор в алом закате. Огромные глаза Демона печальны, взгляд устремлён вдаль. Фигура Демона словно зажата между верхней и нижней рамой картины, что визуально приближает к зрителю и усиливает драматичность образа.
В продолжение этой темы, в «Демоне летящем» Врубель изображает Демона, как могучего властелина мира, а в «Демоне поверженном» Демон написан на краю гибели, фигура его изломана, но выражение его лица поражает экспрессией, дух Демона не сломлен.
Во всех этих картинах ярко проявляется индивидуальный стиль Врубеля, всё написано с эффектом мерцающих кристаллических граней, что делает эти картины похожими на драгоценные витражи или панно. Такого эффекта Врубель добивался, используя вместо кисти мастихин, мазки краски получались в этом случае плоскими и густыми.
М. А. Врубель. Демон поверженный. 1902 г.
В 1902-м году Врубеля поражает тяжелый душевный недуг, одной из причин которого была смерть маленького сына Врубеля. В поздний период творчества, проведённый в основном в частных клиниках Москвы и Санкт-Петербурга, Врубель создаёт ряд работ, переходных от модерна к авангарду.
Картина позднего периода «Шестикрылый серафим» (известна и под другими названиями - «Ангел с мечом и кадилом», «Азраил» и «Херувим»), созданная в стенах клиники В.П. Сербского, относится к высшим достижениям творческого пути Врубеля.В этом произведении художник наделил Серафима гипнотизирующим взглядом самой судьбы, а меч и светильник в его руках выглядят как символы жизни и смерти: сталь источает ледяной холод, споря с живым и горячим светом лампады. Изумительный по красоте колорит картины напоминает византийские мозаики и витражи.
Картину «Шестикрылый серафим» можно назвать многозначным финалом всего творческого пути Врубеля в поисках образов Демонов и Ангелов.
|
В. А. Серов. Автопортрет. |
В ранний период творчества Серов был близок к русскому импрессионизму, в работах этого периода художник видел свою главную задачу в непосредственности восприятия модели и природы и их правдивом пластическом решении. В солнечной разработке света и цвета, в передаче сложной гармонии рефлексов, воздушной среды Серов воспевает юность и красоту своих моделей.
|
В. А. Серов. Девочка с персиками. 1887 г. |
За картину «Девочка с персиками» Серов получил премию Московского общества любителей художеств.
В. А. Серов. Похищение Европы. 1910 г.
Со временем импрессионистическая манера Серова становится более сдержанной, приближаясь к одноцветной живописи и приобретая черты нового стиля модерн, наиболее ярко проявившихся в таких работах, как «Портрет Иды Рубинштейн» и «Похищение Европы».
Картина «Похищение Европы» решена Серовым в манере монументального декоративного панно. Сюжетом художнику послужил древнегреческий миф о похищении обернувшимся быком Зевсом Европы, дочери царя Агенора.
Композиция полотна с высоким горизонтом построена Серовым на ритмичном диагональном движении форм. Активное движение плывущего быка останавливается поворотом его головы, равновесием двух волн, между которыми в центре оказываются головы Европы и Зевса. Условно написанные волны создают ощущение мерного движения, фигуры дельфинов повторяют движение волн и плывущего Зевса, усиливая динамику всей композиции.
Колористическое решение картины построено на гармонии синего и оранжевого цвета: ярко-рыжее пятно фигуры быка на сине-фиолетовом море смотрится красиво и выразительно. Разбросанные по поверхности воды густые «пятна» синего цвета, изображающие водную рябь, передают движение волн и организуют картинную плоскость, как и чёткие контуры всех фигур.
В. А. Серов. Портрет Иды Рубинштейн. 1910 г.
Вершиной стиля модерн в творчестве Серова стал портрет Иды Рубинштейн, знаменитой танцовщицы и актрисы того времени. В этом портрете Серов не стремился воссоздать её реальный образ, главной задачей художника здесь стала стилизация натуры и передача сложности характера модели. Сохраняя конкретные индивидуальные черты модели, её внешний облик, характер, пластику, Серов соединяет в композиции реальное и условное, что являлось отличительными стилистическими особенностями модерна.
Серов изобразил Иду Рубинштейн на портрете вызывающей, великолепной, но, одновременно, облик актрисы тонок и лиричен. Художник воспроизводит фигуру модели в сложном повороте гнутыми линиями, предельно заостряя ее контур. Сама композиция, отвечающая требованиям модерна, не выявляет пространство, в котором изображена актриса, фон портрета плоский и условный, что создаёт ощущение, что Ида Рубинштейн не сидит, а распластана, прижата к стене.
При первом же показе на Международной художественной выставке в Риме в 1911-м году картина произвела скандальное впечатление: публику шокировало и то, что знаменитая танцовщица, которую принимали в обществе, позировала обнаженной, и то, что Серов использовал совершенно новые композиционные и живописные приёмы, отличающие стиль модерн.
В парадных портретах Серова в этот период также усиливается острота глубоких социально-психологических характеристик. При передаче портретной характеристики модели Серов зачастую использует гиперболизацию и гротеск, создавая современную духу времени картину.Образцом такого парадного портрета с чертами модерна можно назвать «Портрет княгини О. К. Орловой», в котором утончённая живописная техника соединяется с иронией и лёгкой насмешкой. Серов писал этот портрет по заказу самой княгини, но многие современники отмечали бескомпромиссность взгляда художника на заказчицу и подозревали его в сарказме.
Ольга Орлова изображена в претенциозной позе: огромная шляпа, соболий палантин, откинутый назад и обнажающий плечи, сжимающие жемчужное ожерелье руки, выставленный напоказ кончик лакированной туфельки – всё это придаёт образу княгини вычурное изящество. В стилистике модерна Серов использует нервные, угловатые контуры силуэта фигуры, совмещённые с реалистичностью и материальностью детальной проработки.
|
В. М. Васнецов. Автопортрет. 1873 г. |
Главным направлением творчества Васнецова становится былинно-историческая живопись, где художник преобразовывает русский исторический жанр, соединяя в нём мотивы средневековья с поэтической атмосферой русских сказок.
Многие из произведений Васнецова по своей стилистике приближаются к типичным для модерна декоративным картинам-панно, переносящим зрителя в мир грёз.
В. М. Васнецов. Витязь на распутье. 1882 г.
Под впечатлением от русских былин в конце 19-го столетия Васнецов пишет монументальные полотна «Богатыри», «Витязь на распутье».
Сюжет картины «Витязь на распутье» основан на мотивах былины «Илья Муромец и разбойники». В начальных эскизах к этой картине Васнецов разворачивал витязя лицом к зрителю. Но для большей выразительности и эмоциональности образа в окончательной версии художник увеличил размер холста, стала монументальней фигура витязя, глубина композиции уменьшилась и стала более плоской, приближенной к панно. Исчезла в последнем варианте и дорога, чтобы у витязя не осталось другого выхода, кроме как указанного на камне.
В основе одной из самых известных картин Васнецова «Алёнушка» также лежит фольклорный сюжет русской народной сказки «О сестрице Алёнушке и братце Иванушке».Толчком к написанию этой картины послужила случайная встреча художника с одной простоволосой крестьянской девушкой. В её милом лице Васнецов увидел особенную русскую душу, с её тоской, одиночеством и чисто русской печалью в глазах.
Для поиска пейзажного мотива к этой картине Васнецов выполнил множества этюдов с берега реки Ворь в Абрамцеве, у пруда в Ахтырке.
Впервые «Алёнушка» была выставлена на выставке передвижников в 1881-м году и по отзывам известного критика того времени И. Э. Грабаря была названа одной из лучших картин русской школы.
|
В. М. Васнецов. Крещение Руси. 1890 г. |
Вершиной творчества Васнецова можно назвать росписи киевского Свято-Владимирского собора, в них художник в какой-то степени обновил византийские каноны, внося в них лирически-личностное начало и особый «русский» психологизм.
В основе всех сюжетов росписей собора было положено осмысление религиозной истории России, как наследницы Византии, и места России в мировой культуре и истории.
Фреска «Крещение Руси» стало одной из центральных композиций Свято-Владимирского собора над входом на хоры. Сюжетом самой фрески Васнецов избрал момент крещения киевлян в водах Днепра. В композиции фрески художник совмещает торжественность и некоторую пафосность, соответствующие изображённому моменту, с ярко выраженным индивидуализированным центральным образом князя Владимира Святославовича, внося романтическое начало в канонический сюжет.
В. М. Васнецов. Бог Саваоф.
Фреска Свято-Владимирского собора. 1885-1896 гг.
В каждом из видов искусства можно, хотя и условно, применить совместные черты, определенные общности сюжетов и мотивов. Так и в модерне, при своих особенностях каждой национальной школы, все-таки проявляется преимущественное тяготение к своему кругу сюжетов, мотивов или тем, хотя этот круг обязательно окажется близким по основанию к другому.
Художники модерна ничего не знали о глубинной сути восточного искусства. Они не имели точных представлений о восточной философии, но каким-то интуитивным, внутренним образом почувствовали самую суть восточного искусства. Заслуга художников модерна заключается в том, что они увидели восточную красоту, и сумели своеобразным способом передать это глубокое чувство в своих работах.
Основные черты стиля модерн можно отожествлять с «философией жизни»: «идея роста, проявления жизненных сил, порыва, непосредственного, неосознанного чувства, прямое выражение состояния души, пробуждение, становление, развитие, молодость, весна. Например, в немецкой живописи мы находим бесчисленное множество «Вихрей», «Танцев», «Вакханалий», в которых эта идея биологизма может выявиться достаточно адекватно, а к этой идее еще и прибавляется мифологическое начало. Особенно часто ко всем этим мотивам обращались мастера Югендстиля, среди которых - Ф. фон Штук (1863-1928), Л. фон Хофман (1852-1932), Г. фон Габерман (1849-1929).И в других национальных школах мы найдем немало подобных мотивов. Вспомним «Вихрь» Ф.А. Малявина (1869-1940), мотивы танца у С.В. Малютина (1859-1937), А.Н. Бенуа (1870-1960) и других» .
Основные черты модерна в живописи состоят в показе человеческих страстей: например, популярен был мотив поцелуя. Знаменитый «Поцелуй» П. Беренса стал одним из первых решений этого мотива. Поместив в центре две головы, что слились воедино, художник окутал их волосами, превратив их в узор, орнамент. Климт, в картине того же названия, стремился уравновесить порыв и абстрагированный декоративизм. Женское лицо, повернутое прямо на зрителя, выражает страсть откровенно и прямолинейно.
Очень часто художники изображают юных героев так, Ф. Ходлер (1853-1918), в картине «Весна», подчеркивал мотив пробуждения чувств и становление жизненных сил. «Парафразом ходлеровской темы стала одна из картин К.С. Петрова-Водкина - «Юность». Молодых героев мы постоянно встречаем и в произведениях Хофмана» .
Объединение разных «живых» форм проявляется в частом изображении сатиров, кентавров, сфинксов. Этому стилю характерно изображение частей живой природы: цветок, листок, птичка, бабочка, которые выступают как определенное понятие, символ. Особенно любимыми птицами были лебедь и фазан: один символ обреченности, второй - солнечности. Преобладающими мотивами модерна являются так же маки, ирисы, лилии и другие растения, змеи, ящерицы, лебеди, волны. Стебли, листья и цветы как будто увядших экзотических растений сплетаются в причудливые узоры, в котором иногда появлялись фигуры женщин или фантастических существ.
Выразительность живописи модерна иногда достигалась сочетанием больших цветовых плоскостей (Л.С. Бакст в России, Э. Мунк в Норвегии), или тонко нюансированной монохромией (М.А. Врубель, А.Н. Бенуа). Характерно для живописи модерна парадоксальное сочетание декоративной условности, орнаментальных ковровых фонов и вылепленных со скульптурной четкостью и осязаемостью фигур и лиц первого плана (Г. Климт в Австрии, Ф. Кнопф в Бельгии, М.А. Врубель в России). Эффект глубины или перспектива для художников того времени имела второстепенное значение, всё изображение, кроме фигур героев, выглядело плоским, а в иных случаях казалось украшенным «аппликациями».
Живопись стиля модерн была наполнена поэтикой символизма, сочетая характерные для него образы со сложным ритмом, линейной композицией в союзе с декоративным цветовым пятном. Признаками стиля модерн считаются особая плавность форм, вытянутые фигуры, подчеркнутые контуры, чёткие одноцветные поверхности. В период модерна эстетика изогнутой линии, появившаяся еще в живописи французских постимпрессионистов, а затем усиленная восточными влияниями, приобрела конструктивный характер.
Для названий произведений искусства периода «модерна» характерны экзотические определения: «павлиний глаз», «цвет красной парчи», «сине-зеленый атлас павлиньих перьев», «перламутр нежной ночи». В этих тонких нюансах хранились и возрождались классические мотивы и материалы, а также редкие техники эмалирования, иризации и росписи стекла эмалями, краклэ - приемы венецианского стеклоделия эпохи Возрождения. Ювелирная отделка деталей, использование необычных материалов смело проникают в живопись модерна.
Таково искусство Густава Климта (1862-1918) - австрийского живописца, театрального декоратора и художника-графика. Яркие синие, зеленые, красные цвета его картин, уплощенность рисунка, орнаментальность, необычная фактура из мелких квадратов и прямоугольников вызывают в памяти византийские мозаики и японскую графику. Г. Климт соединял живопись маслом с аппликацией и инкрустацией, введением в картину смальты, майолики, меди и латуни, полудрагоценных камней и кораллов. С его живописью связывают «золотое время» модерна.
В русском искусстве самым ярким представителем периода модерна был Михаил Александрович Врубель (1856-1910). Своеобразие его живописной манеры заключается в бесконечном дроблении формы на грани, как бы окрашенные изнутри светом и цветом, наподобие кристаллов или фантастических каменных цветов.
Стиль модерн является одним из ранних направлений такой общемировой художественной тенденции, как модернизм в искусстве. Благодаря модернизму художники вышли за рамки традиционного реализма, открыв принципиально новое. Художники эпохи модерна в большинстве своем имели разные идеи, но одну цель -- запечатлеть свои чувства и переживания своеобразно и впечатляюще в их новой живописи. Основные черты модерна, в огромном количестве проявлений удивительно разнообразили живопись XX века.
Подробности Категория: Разнообразие стилей и направлений в искусстве и их особенности Опубликовано 21.07.2015 14:07 Просмотров: 3324Понятие «модернизм» неоднозначно, его употребляют в более широком и в более узком смыслах.
В переводе с французского языка этот термин означает «современное искусство» (фр. modernisme, от moderne – современный).
1. Первый, более широкий, смысл термина – обозначение новых явлений в искусстве и культуре примерно со второй половины XIX по первую половину XX вв. Это очень большой период, включающий многочисленные течения и стили, начиная с символизма . Сюда входят новейшие направления не только в искусстве, но и в культуре, и в гуманитарной мысли, т.е. по существу это авангард .
«Модерновый» памятник Гоголю Н.А. Андреева – «magnum opus» (1909). Москва, Пречистенский бульвар
«Magnum opus» – лучшая, наиболее амбициозная работа писателя, художника или композитора.
В российско-советской эстетике понятие «модернизм» чаще всего и применяли именно для обозначения всех авангардно-модернистских явлений с позиции консерватизма по отношению ко всему новаторскому, т.е с негативной оценкой. Модернизм в основном подвергался критике за отход от традиционной культуры (прежде всего, традиций XIX в.).
2. В более узком значении термин «модернизм» обозначает одно из трёх главных направлений искусства XX в.: авангарда, модернизма и постмодернизма .
В чём же различия этих терминов, когда они по существу обозначают одно и то же?
Модернизм, конечно же, наследует достижения авангарда, но не принимает его эпатажность, бунтарство и скандальность. В этом отношении перед авангардом модернизм выступает как академизм: принимая творческие находки авангарда (кубизм , абстракционизм , конструктивизм , экспрессионизм и т.д.), он их представляет уже классикой , естественно продолжившей историю мирового искусства.
Модернизм в изобразительном искусстве
Наиболее значительными модернистскими течениями были импрессионизм , экспрессионизм , нео- и постимпрессионизм , фовизм , кубизм , футуризм , абстрактное искусство , дадаизм , сюрреализм . О каждом из этих течений в той или иной степени Вы можете узнать на нашем сайте, поэтому мы не будем подробно останавливаться на них подробно.
Датой зарождения модернизма часто называют 1863 г. – в этот год в Париже был открыт «Салон отверженных». Вот об этом следует сказать немного подробнее, т.к. эта выставка открыла путь к зрителю картин малоизвестных авторов-новаторов.
«Салон отверженных»
Парижский салон – самая значительная французская художественная выставка. Картины для неё отбирало специальное жюри, в основном ориентированное на традиционное искусство и традиционные вкусы публики. Презентация работ на Парижском салоне, особенно если при этом были положительные отклики в прессе, являлось для художников важным моментом: это вело к признанию их творчества и к финансовому успеху – легче было найти покупателя.
Естественно, что у художников-новаторов было мало шансов попасть на выставку, хотя многие из них уже смело заявили о себе: К. Моне , Э. Мане , П. Ренуар , Ж. Базиль, А. Сислей и др. Поступало много жалоб на организаторов салона.
В 1863 г. выставку посетил Наполеон III (Луи-Наполеон Бонапарт, племянник Наполеона I). Ему показали некоторые из отвергнутых работ, и он посчитал, что они мало чем отличаются от тех, что были приняты жюри. Император выступил в газете с заявлением по этому поводу и принял решение о том, что отвергнутые произведения будут выставлены напоказ в другой части Дворца Индустрии. Выставка эта будет добровольной, и тем, кто не пожелает принять в ней участие, нужно будет лишь уведомить администрацию, которая незамедлительно возвратит им их работы. Так состоялся «Салон отверженных».
На нём были выставлены три полотна и три гравюры Э. Мане, по три полотна К. Писсарро , Я.Б. Йонкинда, работы П. Сезанна , А. Гийомена, А. Фантен-Латура и др. «Салон отверженных» начал свою работу раньше официального салона, и с самого начала экспозиция привлекла много посетителей, больше, чем официальный салон. Много внимания «Салону отверженных» уделила и пресса, хотя большинство статей были негативными. Такой же в основном была и реакция публики. Примером может быть картина Э. Мане «Завтрак на траве».
Э. Мане «Завтрак на траве»
Э. Мане «Завтрак на траве» (1863). Холст, масло, 208 х 264,5 см. Музей Орсе (Париж)
Первоначально картина называлась «Купание». Она предназначалась для Парижского салона, но не была допущена к выставке вместе с тремя тысячами других полотен.
Эта картина вызвала непонимание и обвинение в декадентстве (упадке, культурном регрессе), начиная с её сюжета: двое одетых мужчин с нагой женщиной на природе. Публику возмущало также, что обнажённая женщина бесстыдно смотрит прямо на зрителя. Кроме того, женщина и оба мужчины были узнаваемы современниками, у них были определённые жизненные прототипы (моделью женщины была Викторина Мёран, французская художница и любимая модель Эдуара Мане). Картина создавала впечатление происходящего не на природе, а в студии – свет почти не даёт теней.
Стиль картины порывает с академическими традициями того времени. А каковы они были? Ответ даёт картина с таким же сюжетом. Эта картина не вызывает никаких вопросов и сомнений.
Джеймс Тиссо «Завтрак вчетвером (1870)
Модернизм в архитектуре
Архитектурный модернизм включает следующие архитектурные направления: функционализм 1920-1930-х годов; конструктивизм и рационализм 1920-х годов в России; движение «баухаус» в Германии, архитектурный ар-деко стиль, интернациональный стиль, брутализм (от французского «béton brut» - «необработанный бетон»), органическая архитектура (органическая архитектура видит свою задачу в создании зданий и сооружений, раскрывающих свойства естественных материалов и органично вписанных в окружающий ландшафт).
Здание школы в Дессау в стиле «баухаус»
Национальный королевский театр в Лондоне (архитектор Д. Ласдан) в стиле брутализм
«Дом над водопадом» (архитектор Ф. Л. Райт, 1936-1939). Этот загородный дом построен на юго-западе штата Пенсильвания (США)
Представителями архитектурного модернизма считают Фрэнка Ллойда Райта, Вальтера Гропиуса, Рихарда Нойтра, Людвига Мис ван Дер Роэ, Ле Корбюзье, Алвара Аалто, Оскара Нимейера и др.
