Во второй половине XIX века сначала в Европе, а затем и в России возникло художественное направление в искусстве - модерн (от фр. moderne - современный). Отличительными особенностями этого стиля является замена прямых линий и углов более естественными, «природными» линиями, расцвет прикладного искусства с преобладанием криволинейных растительных орнаментов, образующий композиционную структуру произведения.
Для живописи модерна характерны сочетание орнаментальных фонов и натуралистической осязаемости фигур и деталей, силуэтность, использование больших цветовых плоскостей или нюансной монохромности. Скульптура модерна отличается динамикой и текучестью форм, графика - игрой изысканных хрупких линий и силуэтов.
В России в конце 1890-х годов было основано художественное объединение «Мир искусства», утверждавшее приоритет эстетического начала в искусстве в противовес остросоциальной направленности передвижников и стремившееся к модерну и символизму.
В состав объединения в разные годы входили художники А. Н. Бенуа, Л. С. Бакст, Н. К. Рерих, М. В. Добужинский, Е. Е. Лансере, А. П. Остроумова-Лебедева, К. А. Сомов и другие. К «Миру искусства» были близки И. Я. Билибин, К. А. Коровин, Б. М. Кустодиев, В. А. Серов, М. А. Врубель, И. И. Левитан, М. В. Нестеров, К. Ф. Юон и другие.
Рассмотрим подробнее творчество отдельных художников, наиболее ярких представителей русского модерна этого периода – М. А. Врубеля, В. А. Серова, В. М. Васнецова.Врубель Михаил Александрович (годы жизни 1856–1910) - русский художник, яркий представитель модерна и символизма. Врубель достиг высот практически во всех видах и жанрах изобразительного искусства: живописи, графике, декоративной скульптуре, театральном искусстве. Наследие Врубеля включает многочисленные живописные полотна, декоративные панно, фрески и книжные иллюстрации.
Ещё во время учёбы в Академии художеств Врубель по приглашению А. Прахова, известного искусствоведа того времени, участвовал в реставрационных работах в храмах Киева. Врубель выполнил для Кирилловской церкви несколько композиций взамен утраченных, написал икону "Богоматерь с Младенцем" и предложил комиссии эскизы росписей Владимирского собора. Эскизы эти комиссией были отвергнуты по причине несоответствия их византийской традиции - Врубель модернизировал их, наполнив трагическим психологизмом, свойственным концу XIX века. Тем не менее, работы эти оказали большое влияние на становление Врубеля, как художника.Для самобытной манеры Врубеля характерен особого рода кристаллический рисунок, мерцающий сине-лиловыми сумрачными гранями.Во многих картинах Врубеля раннего периода царит атмосфера волшебной сказки. «Царевна-Лебедь» - картина Врубеля, написанная на основе сценического образа героини оперы Н. А. Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане».
Царевна с печальным лицом на полотне Врубеля таинственна и загадочна. На фоне спускающихся над морем сумерек выделяются светлым пятном крылья Царевны, написанные в особой «врубелевской» манере, подобные огранённым драгоценным камням.
М. А. Врубель. Демон сидящий. 1890 г.
Одним из центральных образов в творчестве Врубеля можно назвать образ Демона, как образ силы человеческого духа, внутренней борьбы и сомнений. В начале 1890-х годов Врубель пишет иллюстрации к поэме М. Ю. Лермонтова «Демон», тогда же начинает работу над «Демоном сидящим», позднее пишет «Демона летящего» и «Демона поверженного».
В первой картине этого цикла Врубель трактует образ демона, как духа не столько злобного, сколько страдающего и скорбного, при всём этом духа властного и величавого. Трагически сцепив руки, Демон сидит в окружении фантастических цветов на фоне гор в алом закате. Огромные глаза Демона печальны, взгляд устремлён вдаль. Фигура Демона словно зажата между верхней и нижней рамой картины, что визуально приближает к зрителю и усиливает драматичность образа.
В продолжение этой темы, в «Демоне летящем» Врубель изображает Демона, как могучего властелина мира, а в «Демоне поверженном» Демон написан на краю гибели, фигура его изломана, но выражение его лица поражает экспрессией, дух Демона не сломлен.
Во всех этих картинах ярко проявляется индивидуальный стиль Врубеля, всё написано с эффектом мерцающих кристаллических граней, что делает эти картины похожими на драгоценные витражи или панно. Такого эффекта Врубель добивался, используя вместо кисти мастихин, мазки краски получались в этом случае плоскими и густыми.
М. А. Врубель. Демон поверженный. 1902 г.
В 1902-м году Врубеля поражает тяжелый душевный недуг, одной из причин которого была смерть маленького сына Врубеля. В поздний период творчества, проведённый в основном в частных клиниках Москвы и Санкт-Петербурга, Врубель создаёт ряд работ, переходных от модерна к авангарду.
Картина позднего периода «Шестикрылый серафим» (известна и под другими названиями - «Ангел с мечом и кадилом», «Азраил» и «Херувим»), созданная в стенах клиники В.П. Сербского, относится к высшим достижениям творческого пути Врубеля.В этом произведении художник наделил Серафима гипнотизирующим взглядом самой судьбы, а меч и светильник в его руках выглядят как символы жизни и смерти: сталь источает ледяной холод, споря с живым и горячим светом лампады. Изумительный по красоте колорит картины напоминает византийские мозаики и витражи.
Картину «Шестикрылый серафим» можно назвать многозначным финалом всего творческого пути Врубеля в поисках образов Демонов и Ангелов.
|
В. А. Серов. Автопортрет. |
В ранний период творчества Серов был близок к русскому импрессионизму, в работах этого периода художник видел свою главную задачу в непосредственности восприятия модели и природы и их правдивом пластическом решении. В солнечной разработке света и цвета, в передаче сложной гармонии рефлексов, воздушной среды Серов воспевает юность и красоту своих моделей.
|
В. А. Серов. Девочка с персиками. 1887 г. |
За картину «Девочка с персиками» Серов получил премию Московского общества любителей художеств.
В. А. Серов. Похищение Европы. 1910 г.
Со временем импрессионистическая манера Серова становится более сдержанной, приближаясь к одноцветной живописи и приобретая черты нового стиля модерн, наиболее ярко проявившихся в таких работах, как «Портрет Иды Рубинштейн» и «Похищение Европы».
Картина «Похищение Европы» решена Серовым в манере монументального декоративного панно. Сюжетом художнику послужил древнегреческий миф о похищении обернувшимся быком Зевсом Европы, дочери царя Агенора.
Композиция полотна с высоким горизонтом построена Серовым на ритмичном диагональном движении форм. Активное движение плывущего быка останавливается поворотом его головы, равновесием двух волн, между которыми в центре оказываются головы Европы и Зевса. Условно написанные волны создают ощущение мерного движения, фигуры дельфинов повторяют движение волн и плывущего Зевса, усиливая динамику всей композиции.
Колористическое решение картины построено на гармонии синего и оранжевого цвета: ярко-рыжее пятно фигуры быка на сине-фиолетовом море смотрится красиво и выразительно. Разбросанные по поверхности воды густые «пятна» синего цвета, изображающие водную рябь, передают движение волн и организуют картинную плоскость, как и чёткие контуры всех фигур.
В. А. Серов. Портрет Иды Рубинштейн. 1910 г.
Вершиной стиля модерн в творчестве Серова стал портрет Иды Рубинштейн, знаменитой танцовщицы и актрисы того времени. В этом портрете Серов не стремился воссоздать её реальный образ, главной задачей художника здесь стала стилизация натуры и передача сложности характера модели. Сохраняя конкретные индивидуальные черты модели, её внешний облик, характер, пластику, Серов соединяет в композиции реальное и условное, что являлось отличительными стилистическими особенностями модерна.
Серов изобразил Иду Рубинштейн на портрете вызывающей, великолепной, но, одновременно, облик актрисы тонок и лиричен. Художник воспроизводит фигуру модели в сложном повороте гнутыми линиями, предельно заостряя ее контур. Сама композиция, отвечающая требованиям модерна, не выявляет пространство, в котором изображена актриса, фон портрета плоский и условный, что создаёт ощущение, что Ида Рубинштейн не сидит, а распластана, прижата к стене.
При первом же показе на Международной художественной выставке в Риме в 1911-м году картина произвела скандальное впечатление: публику шокировало и то, что знаменитая танцовщица, которую принимали в обществе, позировала обнаженной, и то, что Серов использовал совершенно новые композиционные и живописные приёмы, отличающие стиль модерн.
В парадных портретах Серова в этот период также усиливается острота глубоких социально-психологических характеристик. При передаче портретной характеристики модели Серов зачастую использует гиперболизацию и гротеск, создавая современную духу времени картину.Образцом такого парадного портрета с чертами модерна можно назвать «Портрет княгини О. К. Орловой», в котором утончённая живописная техника соединяется с иронией и лёгкой насмешкой. Серов писал этот портрет по заказу самой княгини, но многие современники отмечали бескомпромиссность взгляда художника на заказчицу и подозревали его в сарказме.
Ольга Орлова изображена в претенциозной позе: огромная шляпа, соболий палантин, откинутый назад и обнажающий плечи, сжимающие жемчужное ожерелье руки, выставленный напоказ кончик лакированной туфельки – всё это придаёт образу княгини вычурное изящество. В стилистике модерна Серов использует нервные, угловатые контуры силуэта фигуры, совмещённые с реалистичностью и материальностью детальной проработки.
|
В. М. Васнецов. Автопортрет. 1873 г. |
Главным направлением творчества Васнецова становится былинно-историческая живопись, где художник преобразовывает русский исторический жанр, соединяя в нём мотивы средневековья с поэтической атмосферой русских сказок.
Многие из произведений Васнецова по своей стилистике приближаются к типичным для модерна декоративным картинам-панно, переносящим зрителя в мир грёз.
В. М. Васнецов. Витязь на распутье. 1882 г.
Под впечатлением от русских былин в конце 19-го столетия Васнецов пишет монументальные полотна «Богатыри», «Витязь на распутье».
Сюжет картины «Витязь на распутье» основан на мотивах былины «Илья Муромец и разбойники». В начальных эскизах к этой картине Васнецов разворачивал витязя лицом к зрителю. Но для большей выразительности и эмоциональности образа в окончательной версии художник увеличил размер холста, стала монументальней фигура витязя, глубина композиции уменьшилась и стала более плоской, приближенной к панно. Исчезла в последнем варианте и дорога, чтобы у витязя не осталось другого выхода, кроме как указанного на камне.
В основе одной из самых известных картин Васнецова «Алёнушка» также лежит фольклорный сюжет русской народной сказки «О сестрице Алёнушке и братце Иванушке».Толчком к написанию этой картины послужила случайная встреча художника с одной простоволосой крестьянской девушкой. В её милом лице Васнецов увидел особенную русскую душу, с её тоской, одиночеством и чисто русской печалью в глазах.
Для поиска пейзажного мотива к этой картине Васнецов выполнил множества этюдов с берега реки Ворь в Абрамцеве, у пруда в Ахтырке.
Впервые «Алёнушка» была выставлена на выставке передвижников в 1881-м году и по отзывам известного критика того времени И. Э. Грабаря была названа одной из лучших картин русской школы.
|
В. М. Васнецов. Крещение Руси. 1890 г. |
Вершиной творчества Васнецова можно назвать росписи киевского Свято-Владимирского собора, в них художник в какой-то степени обновил византийские каноны, внося в них лирически-личностное начало и особый «русский» психологизм.
В основе всех сюжетов росписей собора было положено осмысление религиозной истории России, как наследницы Византии, и места России в мировой культуре и истории.
Фреска «Крещение Руси» стало одной из центральных композиций Свято-Владимирского собора над входом на хоры. Сюжетом самой фрески Васнецов избрал момент крещения киевлян в водах Днепра. В композиции фрески художник совмещает торжественность и некоторую пафосность, соответствующие изображённому моменту, с ярко выраженным индивидуализированным центральным образом князя Владимира Святославовича, внося романтическое начало в канонический сюжет.
В. М. Васнецов. Бог Саваоф.
Фреска Свято-Владимирского собора. 1885-1896 гг.
Под модернизмом (в широком смысле) понимают общее название направлений, развивавшихся в искусстве и архитектуре конца XIX – первой половины XX века. Термин охватывает такие течения этого периода, как: дадаизм, сюрреализм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, функционализм и др. Слово «moderne» (фр.) означает «новый», «современный». Это движение стало переломным по содержанию. В его основе лежит отказ от прошлых традиций, стилей, форм и конструкций. В европейском и американском искусстве термин относится только к одному направлению в искусстве, называемому «модерном» (югендстиль, ар нуво и др.). Таким образом, « » и модернизм – это два разных понятия.
История возникновения
В конце XIX века художники (особенно импрессионисты) стали устраивать свои выставки, а торговцы картин – популяризировать работы живописцев. Представление о том, что искусство должно правдиво отражать реальные предметы, уходило в прошлое. Гоген и Мунк окончательно подорвали в начале XX столетия теоретические основы реализма. Начинают бурно развиваться новые течения, в свою очередь, порождавшие другие модернистские движения. Особенно радикальным и влиятельным оказался кубизм, ставший прародителем абстракционизма.
Каждое из течений имело свою идейную, эстетическую, художественную и стилевую специфику, но их общей тенденцией стал протест против социально-деструктивных процессов, происходящих в буржуазном обществе и отказ от канонов реализма и романтизма.
«Сбросить Пушкина и Достоевского с парохода современности», – призывал Маяковский-футурист. Похожие лозунги и призывы звучали от модернистов разных школ и течений искусства XX века.
Революции и войны, в которые втянуто большинство стран мира, способствуют пересмотру прежних представлений о цвете, форме, красоте и пространстве. Париж становится центром паломничества для художников со всего мира. Знаменем нового века становятся стремление к резкой, разрушительной деформации, поиск новых, экспериментальных форм выражения.
Черты стиля
Ощущая дисгармонию мира, нестабильность положения художника в капиталистическом мире, несвободу, модернисты отрицают способность предшествующей культуры противостоять новому миру, полному хаоса и разрушений. По их мнению, искусство прошлого не может адекватно выразить и запечатлеть то, что происходит в современном им мире. остался далеко в прошлом.
Отсюда и главная черта модернизма – антитрадиционализм, порой даже воинствующий. Причём это сказывается во всём: в эстетике, в принципах, изложенных в программах и манифестах (к примеру, один из манифестов футуристов назывался «Идите к чёрту!»).
Экстравагантность, эпатаж, – постоянные спутники модернистов.
В их творениях мир зачастую предстаёт жестоким, абсурдным, противоречивым, а человек – одиноким, бессильным и обречённым. Мрачный колорит, пессимистическое настроение, тревожное предчувствие, сознание неизменности бесчеловечного мира – таков эмоциональный фон модернистских произведений в литературе (Ф. Кафка, А. Камю), театре (Э. Ионеско, Ж.П. Сартр), живописи (Сальвадор Дали, О. Цадкин), музыке (А. Шенберг, К. Пендерецкий). В их работах явно ощущается трагедия отчуждения личности, крушение гуманизма, исторического тупика.
Русские модернисты воспринимались советской критикой враждебно из-за отказа от классических традиций, субъективизма и абсурдности, стремления стереть границы между искусством и действительностью.
Архитектура
Архитектурный модернизм – переломное по содержанию движение в архитектуре XX столетия. Оно связано также с отрицанием прошлых форм, методов, конструкций и обновлением старого стиля. Охватывает период, начиная с самого начала века и до 70-80 г.г. (в Европе), когда на смену пришли новые тенденции в ). Общее модернистское движение включает в себя несколько архитектурных стилевых направлений:
- европейский функционализм (20-30-е годы);
- и рационализм 20-х годов;
- «баухауз» в Германии;
- интернациональный стиль;
- органическая архитектура.
Всё это ветви одного дерева – архитектурного модернизма. Общее кредо – созидание нового, соответствующего сегодняшнему дню. Установка на новизну архитектурных сооружений является первостепенным принципом. Планируемые проекты должны содержать инновационные идеи, касающиеся внешних и внутренних форм конструкции.
Главные принципы архитектурного модернизма:
- применение современных строительных материалов;
- функциональный подход к решению внутреннего пространства сооружений;
- отсутствие украшений в декоре;
- отказ от исторических реминисценций в облике конструкций;
- «интернациональный характер» сооружений.
Архитектурный модернизм базировался на новейших достижениях и открытиях научно-технического, промышленного прогресса, на передовых идеях своей эпохи. Социальные идеи архитекторов-модернистов отличались явным демократизмом и даже «левизной» во многих декларациях и манифестах.
Предшественниками архитектурного модернизма считаются так называемые «неостили»: отечественный модерн, югендстиль в Германии, австрийский сецессион, ар-нуво во Франции и . Последующий стиль – постмодернизм – призывал архитекторов вернуться к традиционным истокам и не выдвигать на первый план функциональность сооружений.
Коттедж в Тбилиси – архитектура модернизма
Интерьер
Модернизм предполагает использование самых передовых идей в разработках интерьеров зданий. Приветствуется применение стекла, пластика, металла. Основная черта – чёткая геометричность пространства.
Как уже было сказано, модернистский стиль не привязан к какой-либо истории или национальности. Он максимально демократичен и интернационален. Стремление к функциональности и минимализму – это основное в интерьере. Зато приветствуются разнообразные эксперименты с цветом и формой, а также игра с пространством. Тем не менее, практичность, удобство помещения ставится во главу угла.
Для стен в стиле модернизм характерны разнообразные конструктивные элементы: сборные и разборные, алюминиевые или железобетонные, арочные, балочные или винтовые. Важно, чтобы в основе их использования лежали логика и целесообразность.
Потолок
Как правило, белый или светлых оттенков, зачастую с глянцевым эффектом. В большинстве случаев создаются многоуровневые несимметричные потолки для создания эффекта игры с пространством.
Напольное покрытие
Выбор обусловлен назначением комнаты. В остальном – ограничений нет. Орнамент, текстура – строгие и чёткие. Если выбирается ковёр, то он должен быть ярким, однотонным, геометрической формы. Ковролин – нейтрального цвета.
Мебель
В интерьере, предлагаемом модернистами, должна присутствовать мебель массового производства. Возможны и оригинальные конструкции с контрастным сочетанием цвета и фактуры. Для отделки мебели используются пластик, стекло, хромированные и никелированные материалы. Одна из особенных примет стиля – отделка мебели искусственной кожей.
Декор
В элементах декора ощущается постоянная борьба со старыми стилями. Если используются шторы на окнах, то они должны быть выполнены из необычных тканей. Или же совершенно нейтральные, практически незаметные, чтобы акцентировать внимание на интерьере в целом.
Цветовая гамма
Предпочитаются нейтральные тона, часто в сочетании с перламутровым, серебристым или цветом «металлик». Уже ближе к постмодернизму добавляются яркие, насыщенные цвета.
Немаловажная деталь модернистского интерьера – неординарные картины и фотографии, развешенные на стенах. Естественно, что такой интерьер украшают картины художников-модернистов.
Игра с пространством создаётся путём установки конструкций-трансформеров: разноуровневый пол, свободная планировка, акцентированные оконные и стенные ниши. Раздвижные или складчатые двери и многофункциональная мебель способствуют быстрому изменению пространства. Окна – важная часть интерьера: должны быть огромными, иногда на всю стену.
В модернизме акцентируется внимание на тех конструкциях, которые в обычном интерьере пытаются скрыть. Это лестницы, отопительные трубы, различные балки. Если эти элементы и декорируются, то с сохранением их естественности.
Если говорить в целом, то модернизм – это уход от условностей и канонов, поэтому, создавая подобный интерьер, хозяин подчёркивает тем самым аналогичный интерьеру образ жизни. Стиль идеально подходит молодым людям, пропагандирующим «new style», а также всем желающим получить динамику и практичность в общем интерьере дома.
Скульптура
Живопись модернизма была богатой и разнообразной, однако скульптура нередко оспаривала её первенство, зачастую находя собственные пути и решения. К примеру, экспрессионизм в скульптуре был менее ярким и значительным, достигнув своего апогея в . Зато сюрреализм породил в первой трети XX столетия так называемую «мобильную скульптуру», созданную американцем Александром Колдером. Его скульптуры, кратко именуемые «мобилями», представляют собой изящно подвешенные проволочные конструкции. Они сцеплены друг с другом так, что начинают двигаться при малейшем дуновении ветерка.
Уже после 1945-го года и в живописи, и в скульптуре появились эпичность, масштабность (К. Бранкузи), которые расширили диапазон скульптуры и развили само понятие в другом направлении. Теперь уже важными стали две тенденции: упрощённость форм и родство с архитектурой.
В скульптуре модернизма присутствуют обтекаемые и органические формы (изгибы, напоминающие человеческое тело).
Шедевр советского модернизма – масштабная скульптура Веры Мухиной «Рабочий и колхозница», выставленная в 1937 году в Париже.
Среди зарубежных скульпторов-модернистов выделяется имя Джорджа Сигала, создававшего свои знаменитые фигуры из гипса и полиестера.
Модные веяния
Уже в самом начале XX века под влиянием бурных процессов в мире и искусстве свежие веяния проникли и в моду. Новая мода попала во власть чистой геометрии. Женский костюм стал определяться строгой конструктивностью. Появляются новые имена в мире моды. В 1920 году в Париже открыла свой модный салон авангардистка Соня Делоне, которая украшала свои модели яркими узорами разных геометрических форм.
Уже через 10 лет засверкала новая звезда – Коко Шанель, уделявшая значительное внимание ювелирным украшениям. Под её влиянием рождается новый женский идеал – самостоятельная, независимая дама, равноправный партнёр мужчины. Парижанки укоротили причёски, а затем и юбки, надели платья без рукавов. Возникло новое направление в мире моды – «гарсон», ориентирующееся на полудевичьи и полумальчишеские фигуры.
После 1930-х г. дамская мода несколько смягчается, становится более женственной. Ювелирное искусство также спешит вслед за модой: появляются разнообразные броши, подвесные кулоны, серьги и браслеты чётких геометрических форм. В эти годы среди ювелиров, почувствовавших новые веяния в искусстве, на первый план выходит мастер Луи Картье, стоявший у истоков стиля «ар-деко.
Деятели
Утрату традиционных ценностей, характерную для культуры XX века, легче всего проследить в живописи. Это особенно заметно у мастеров, жизненный путь которых совпал с переломными моментами эпохи.
Наиболее значимыми художниками модернистских направлений стали: Анри Матисс («Севильский натюрморт», «Танец», «Музыка», «Красная комната»); Амедео Модильяни, изображавший женские портреты; Пикассо («Женщина с веером», «Авиньонские девушки»); В. Кандинский (основоположник абстракционизма).
Наивысшим выражением крайностей модернистского искусства вошла в историю картина Каземира Малевича «Чёрный квадрат».
Начало XX столетия в русской литературе ознаменовалось появлением целой плеяды поэтов – модернистов. Это и символисты (В. Брюсов, А. Блок, А. Белый, З.Гиппиус и др.); акмеисты (А. Ахматова, О. Мандельштам); футуристы (В. Хлебников, В. Маяковский).
Все они оставили богатое наследие, которое отражает мироощущение и философские концепции той эпохи. Зарубежная литература ознаменовалась появлением нового стиля, называемого «потоком сознания», представителями которого являются В. Вульф и М. Пруст.
Инновационные модернистские течения не обошли стороной и музыкальное искусство. Среди композиторов-новаторов можно отметить такие имена, как Р. Штраус, К. Дебюсси, Ян Сибелиус, И. Стравинский, С. Прокофьев, Д. Шостакович.
Если бы жил Гауди…
Выводы
Итак, главной особенностью модернистского искусства стал отказ от традиций и поиск новых форм и концепций. Стилевое новаторство становится самоцелью. В результате эпоха модернизма привнесла в искусство множество идей. Модернизм во многом определил пути современного искусства. Стоит помнить, что именно в эту эпоху появилась профессия «дизайнер», благодаря которой каждый человек может создать в своём доме неповторимый, своеобразный интерьер. Так появился однотонный и других комнат, создавались узкие прихожие с дизайном строгого модернизма и .
В каждом из видов искусства можно, хотя и условно, применить совместные черты, определенные общности сюжетов и мотивов. Так и в модерне, при своих особенностях каждой национальной школы, все-таки проявляется преимущественное тяготение к своему кругу сюжетов, мотивов или тем, хотя этот круг обязательно окажется близким по основанию к другому.
Художники модерна ничего не знали о глубинной сути восточного искусства. Они не имели точных представлений о восточной философии, но каким-то интуитивным, внутренним образом почувствовали самую суть восточного искусства. Заслуга художников модерна заключается в том, что они увидели восточную красоту, и сумели своеобразным способом передать это глубокое чувство в своих работах.
Основные черты стиля модерн можно отожествлять с «философией жизни»: «идея роста, проявления жизненных сил, порыва, непосредственного, неосознанного чувства, прямое выражение состояния души, пробуждение, становление, развитие, молодость, весна. Например, в немецкой живописи мы находим бесчисленное множество «Вихрей», «Танцев», «Вакханалий», в которых эта идея биологизма может выявиться достаточно адекватно, а к этой идее еще и прибавляется мифологическое начало. Особенно часто ко всем этим мотивам обращались мастера Югендстиля, среди которых - Ф. фон Штук (1863-1928), Л. фон Хофман (1852-1932), Г. фон Габерман (1849-1929).И в других национальных школах мы найдем немало подобных мотивов. Вспомним «Вихрь» Ф.А. Малявина (1869-1940), мотивы танца у С.В. Малютина (1859-1937), А.Н. Бенуа (1870-1960) и других» .
Основные черты модерна в живописи состоят в показе человеческих страстей: например, популярен был мотив поцелуя. Знаменитый «Поцелуй» П. Беренса стал одним из первых решений этого мотива. Поместив в центре две головы, что слились воедино, художник окутал их волосами, превратив их в узор, орнамент. Климт, в картине того же названия, стремился уравновесить порыв и абстрагированный декоративизм. Женское лицо, повернутое прямо на зрителя, выражает страсть откровенно и прямолинейно.
Очень часто художники изображают юных героев так, Ф. Ходлер (1853-1918), в картине «Весна», подчеркивал мотив пробуждения чувств и становление жизненных сил. «Парафразом ходлеровской темы стала одна из картин К.С. Петрова-Водкина - «Юность». Молодых героев мы постоянно встречаем и в произведениях Хофмана» .
Объединение разных «живых» форм проявляется в частом изображении сатиров, кентавров, сфинксов. Этому стилю характерно изображение частей живой природы: цветок, листок, птичка, бабочка, которые выступают как определенное понятие, символ. Особенно любимыми птицами были лебедь и фазан: один символ обреченности, второй - солнечности. Преобладающими мотивами модерна являются так же маки, ирисы, лилии и другие растения, змеи, ящерицы, лебеди, волны. Стебли, листья и цветы как будто увядших экзотических растений сплетаются в причудливые узоры, в котором иногда появлялись фигуры женщин или фантастических существ.
Выразительность живописи модерна иногда достигалась сочетанием больших цветовых плоскостей (Л.С. Бакст в России, Э. Мунк в Норвегии), или тонко нюансированной монохромией (М.А. Врубель, А.Н. Бенуа). Характерно для живописи модерна парадоксальное сочетание декоративной условности, орнаментальных ковровых фонов и вылепленных со скульптурной четкостью и осязаемостью фигур и лиц первого плана (Г. Климт в Австрии, Ф. Кнопф в Бельгии, М.А. Врубель в России). Эффект глубины или перспектива для художников того времени имела второстепенное значение, всё изображение, кроме фигур героев, выглядело плоским, а в иных случаях казалось украшенным «аппликациями».
Живопись стиля модерн была наполнена поэтикой символизма, сочетая характерные для него образы со сложным ритмом, линейной композицией в союзе с декоративным цветовым пятном. Признаками стиля модерн считаются особая плавность форм, вытянутые фигуры, подчеркнутые контуры, чёткие одноцветные поверхности. В период модерна эстетика изогнутой линии, появившаяся еще в живописи французских постимпрессионистов, а затем усиленная восточными влияниями, приобрела конструктивный характер.
Для названий произведений искусства периода «модерна» характерны экзотические определения: «павлиний глаз», «цвет красной парчи», «сине-зеленый атлас павлиньих перьев», «перламутр нежной ночи». В этих тонких нюансах хранились и возрождались классические мотивы и материалы, а также редкие техники эмалирования, иризации и росписи стекла эмалями, краклэ - приемы венецианского стеклоделия эпохи Возрождения. Ювелирная отделка деталей, использование необычных материалов смело проникают в живопись модерна.
Таково искусство Густава Климта (1862-1918) - австрийского живописца, театрального декоратора и художника-графика. Яркие синие, зеленые, красные цвета его картин, уплощенность рисунка, орнаментальность, необычная фактура из мелких квадратов и прямоугольников вызывают в памяти византийские мозаики и японскую графику. Г. Климт соединял живопись маслом с аппликацией и инкрустацией, введением в картину смальты, майолики, меди и латуни, полудрагоценных камней и кораллов. С его живописью связывают «золотое время» модерна.
В русском искусстве самым ярким представителем периода модерна был Михаил Александрович Врубель (1856-1910). Своеобразие его живописной манеры заключается в бесконечном дроблении формы на грани, как бы окрашенные изнутри светом и цветом, наподобие кристаллов или фантастических каменных цветов.
Стиль модерн является одним из ранних направлений такой общемировой художественной тенденции, как модернизм в искусстве. Благодаря модернизму художники вышли за рамки традиционного реализма, открыв принципиально новое. Художники эпохи модерна в большинстве своем имели разные идеи, но одну цель -- запечатлеть свои чувства и переживания своеобразно и впечатляюще в их новой живописи. Основные черты модерна, в огромном количестве проявлений удивительно разнообразили живопись XX века.
Модерн - cтиль в eвpoпeйcкoм и aмepикaнcкoм иcкyccтвe нa pyбeжe XIX-XX вeкoв. Мoдepн пepeocмыcливaл и cтилизoвaл чepты иcкyccтвa paзныx эпox, и выpaбoтaл coбcтвeнныe xyдoжecтвeнныe пpиeмы, ocнoвaнныe нa пpинципax acиммeтpии, opнaмeнтaльнocти и дeкopaтивнocти. Объeктoм cтилизaции мoдepнa также cтaнoвятcя и пpиpoдныe фopмы. Этим oбъяcняeтcя нe тoлькo интepec к pacтитeльным opнaмeнтaм в пpoизвeдeнияx мoдepнa, нo и caмa иx кoмпoзициoннaя и плacтичecкaя cтpyктypa - oбилиe кpивoлинeйныx oчepтaний, oплывaющиx, нepoвныx кoнтypoв, нaпoминaющиx pacтитeльныe фopмы.
Лев Бакст "Портрет Андрея Львовича Бакста, сына художника"
Тecнo cвязaн c мoдepнoм - cимвoлизм, пocлyживший эcтeтикo-филocoфcкoй основой для мoдepнa, опиpaясь нa мoдepн, кaк нa плacтичecкyю peaлизaцию cвoиx идeй. Модерн имел в разных странах разные названия, которые в сущности являются синонимами: Ар Нуво - во Франции, Сецессион - в Австрии, Югендстиль - в Германии, Либерти - в Италии.
Алнксандр Бенуа "Купальня маркизы. " 1906
Для живописи модерна характерно стремление к созданию самостоятельной художественной системы. Одним из основоположников этих идей стала понт-авенская школа с Полем Гогеном. В отличие от других стилей, картины и панно модерна рассматривались как элементы интерьера, придавая ему новую эмоциональную окраску. Поэтому декоративность стала одним из главных качеств живописи модерна.
Густав Климт "Жизнь и смерть" (1908 -1916 г.г.)
Для живописи характерно парадоксальное сочетание декоративной условности, орнаментальных «ковровых фонов» и «вылепленных» со скульптурной чёткостью фигур и лиц первого плана (Г. Климт, Ф. Кнопф, М. А. Врубель), а также больших цветовых плоскостей (Л. С. Бакст, Э. Мунк) и тонких подчеркнутых нюансов (Врубель, Бенуа). Все это придавало картинам большую выразительность. Также символизм привнёс в живопись модерна символику линии и цвета; были широко представлены темы мировой скорби, смерти, эротики; распространённым стало обращение художников к миру тайны, сна, легенды, сказки и др. Ярким образцом живописи модерна являются полотна Густава Климта. Художники модерна творили во всех странах Европы и Америки: Австрии, Великобритании, Германии, Италии, Голландии, России, США и др.
Альфонс Муха "Зодиак" 1896 г.
Модернизм - (от фр. modern - современный) общее название ряда направлений искусства первой половины XX в., для которых характерны отрицание традиционных форм и эстетики прошлого. Модернизм близок авангардизму и противоположен академизму.
В русской эстетике «модерн» означает исторически предшествовавший модернизму художественный стиль конца XIX — начала XX века (русский модерн, ар нуво, югендстиль, сецессион и др.), поэтому необходимо различать эти два понятия, с тем, чтобы избежать путаницы.
Модернизм — совокупность художественных направлений в искусстве второй половины XIX — середины XX столетия Наиболее значительными модернистскими тенденциями были импрессионизм, модерн, экспрессионизм, нео- и постимпрессионизм, фовизм, кубизм, футуризм. А также более поздние течения — абстрактное искусство, дадаизм, сюрреализм. В узком смысле модернизм рассматривается как ранняя ступень авангардизма, начало пересмотра классических традиций. Датой зарождения модернизма часто называют 1863 год — год открытия в Париже «Салона отверженных», куда принимались работы художников. В широком смысле модернизм — «другое искусство», главной целью которого является создание оригинальных произведений, основанных на внутренней свободе и особом видении мира автором и несущих новые выразительные средства изобразительного языка, нередко сопровождающиеся эпатажем и определенным вызовом устоявшимся канонам.
Авангардизм - общее понятие,объединяющее все виды экспериментальных,модернистских, подчеркнуто необычных начинаний в искусстве, поисков в искусстве 20 века.
Казимир Малевич "Спортсмены" (1930 -1931)
Общие черты всех авангардных направлений - постоянная конфронтация со всеми устоявшимися и признанными направлениями и постоянная готовность выдвигать новые небывалые художественные принципы, способные ошеломлять художественную среду и публику. Для этой цели используются приемы, методы, темы, образы, ранее считавшиеся несовместимыми с искусством. Постоянное внедрение в искусство столь "невероятных", "немыслимых " новшеств создавало вокруг авангарда атмосферу постоянного напряжения, революционных ожиданий, скандалов и столкновений.
Модернизм в живописи и изобразительном искусстве
С приходом модерна в конце XIX и начале XX веков произошел основной качественный сдвиг. Живопись, начиная с постимпрессионизма, перестает описывать в основном виденное, а начинает в картине выражать взгляд автора, его чувства, его правду, его видение, желая передать в изображаемом то главное, что невозможно выразить копированием действительности. Существует стремление изобразить настоящую действительность, скрытую за внешним видением. В лучших произведениях модернистского искусства появляются произведения, относительно самостоятельные, живущие своей собственной жизнью, жизнью искусства и картины, но одновременно и с более правдивым изображением жизни, чем это делалось в произведениях классической живописи. Реальность картины становится в искусстве более существенной, чем реальность жизни. Нет, это не отказ от эстетических идеалов прошлого, а стремление выразить их более высокой степенью познания, своим качеством, более близким человеку XX столетия.
Поиск новых выразительных средств для изображения невероятно быстро меняющихся отношений в обществе, экономике, науке и технике вызывает появление трудно распознаваемого множества изобразительных стилей и направлений, внезапно появляющихся, исчезающих и возобновляющихся в измененном виде. Казалось бы, что уже не может появиться ничего нового, но процесс развития современного искусства вовсе не закончился и, очевидно, никогда не закончится. Еще прошло не так много времени, чтобы объективно отличить главные художественные тенденции последних десятилетий развития живописи от поверхностной эксцентричности. Изобразительные стили начала XX века уже изучены и оценены и пока являются основой всего развития модернистского искусства. Не все эти процессы нам понятны, не во всех мы разбираемся, иногда они кажутся нам бессмысленными. Однако история должна была бы нас научить, что ко всему новому в искусстве сегодня нужно относиться с толерантностью, чтобы завтра не выглядеть смешными.
Но все-таки существует граница, отделяющая искусство от остальных творений человечества. Она невидима, с трудом определяема, исторически переменчива. Каждый ее определяет сам, на основе своего эстетического вкуса и жизненного опыта. Мы должны стремиться к тому, чтобы эта граница была великодушной, нам необходимо попытаться быть максимально толерантными. И в то же время мы не должны акцептировать в искусстве экстравагантность, псевдоискусство, если, конечно, мы сумеем его с уверенностью разознать. Время, которое прошло с появления картин основных направлений и стилей модернизма, показало, что большинство лучших произведений этого периода нам понятны и признаваемы нами. Более того, кроме некоторых исключений (абстрактная живопись), при их оценке мы можем пользоваться критериями, используемыми при оценке произведений классической живописи. В связи с этим это основное направление в современной живописи стало обозначаться как классический модерн. История искусства все больше склоняется к мнению, что историческим межевым камнем между классической и современной живописью, было творчество французского художника Поля Сезанна (1839 - 1906 гг.), произведения которого нельзя включить ни в какое направление, однако из него исходили многие его последователи. В его произведениях победил цвет. Краской он заменил свет и тень, цвет у него служит средством моделировки объема и формы. В своих картинах он создает новый, объективный мир, самостоятельный мир картины, создает картину устойчивой структуры и закономерностей. Обычно произведения П. Сезанна упоминаются с творчеством остальных основоположников модерного искусства: В. Ван Гогом и П. Гогеном, но только их мы называем постимпрессионистами.
В последующем обзоре стилей модернистского искусства я не указываю их время, однако они приблизительно следуют во времени один за другим, в зависимости от периода их возникновения. В бурном развитии модернистской живописи большинство этих стилей снова и снова возвращалось, менялось, переплеталось и т. п. При этом творчество некоторых ярких личностей современного искусства из-за их индивидуальности и разнородности трудно отнести к какому-нибудь определенному стилю (Пикассо, Кандинский , Клее и т. п.). Разделяя картины на живописные стили, необходимо осознать, что существует очень мало картин, встречающихся нам, которые бы полностью соответствовали определенному стилю, так как его основу составляет только большинство произведений создателей стиля. Большинство картин представляет собой смешение разных, характерных для данной эпохи, стилей живописи, причем в картине преобладает какой-либо один стиль.
Стилей современной живописи существует несколько сотен, не найти, пожалуй, двух одинаковых, но я, как автор (Роберт Урбасек, прим. ред.), позволю себе это также подтвердить.
Общее направление, обозначающее художественные течения, появившиеся после импрессионизма . Художники отказывались изображать только зримую действительность, а стремились изображать ее основные, закономерные элементы. Широкий спектр постимпрессионизма содержит зарождение взглядов на объективные закономерности живописи (Сезанн), изображение воображаемых процессов (Редон), сюрреализм (Ван Гог), примитивные источники нашего общества (Гоген) или поэтичность действительности (Руссо). Принципы художественных тенденций и изобразительных элементов постимпрессионизма стали основой направлений в современной живописи.
АБСТРАКТНОЕ ИСКУССТВО
Изобразительной абстракции, несложности и освобождению предметов от лишних несущественных элементов, простоте подчинено все изобразительное искусство, несмотря на его направления. Абстрактное (также беспредметное, неконкретное, нефигуральное, безобъектное, чистое) искусство - это изобразительное проявление, которое не изображает и не представляет никакой реальный предмет. После реализма это наиболее широкое изобразительное направление. Абстрактным изображением художники хотят, так же, как и наука, достичь границы ощутимой и видимой действительности, показать людям новый мир, пока еще не выраженный изобразительными средствами. Абстрактная живопись представляет собой поиск абсолютных ценностей, управляющих нашей жизнью принципов, сущности всего, конечной правды. К ценностям изобразительных средств абстрактного искусства относятся, прежде всего, элементы геометрии, ритмизованные плоскости, элементарная знаковость, значимость и комбинации красок и по-новому понимаемые пространственные отношения. В принципе абстрактную живопись можно разделить на два основных направления: геометрическую абстракцию и абстрактный экспрессионизм.Геометрическая абстракция
Изобразительные направления геометрической абстракции основаны на приеме, заключающемся в простом изображении объектов предметной действительности в форме, цвете, пространстве, объеме и т. д., доводя до самого минимума - отсутствия связи с настоящими предметами. Изобразительными средствами служат главным образом геометрические фигуры. Конструктивные направления абстракции (неопластицизм, советский конструктивизм, супрематизм, кинетизм, леттризм, оп-арт) отличались своим упором на одно какое-либо изобразительное средство.
Леттризм
Носителем художественного сообщения является буква в качестве самостоятельной формальной единицы или как символическое обращение к сфере языковой коммуникации (большая группа авторов).
С помощью взаимосвязей между геометрическими отношениями и цветом (и черным, и белым) создает зрительную иллюзию движения или других оптических эффектов (Церо, Вазарелли , Дешамп).
Широко используемое направление модерного и современного искусства. Характерным является рациональная черта творчества: расчетливость изобразительных элементов и их отношений в картине, связь с техникой. В картине преобладает целесообразность и логичность конструкции (Татлин, Мохоли-Надь).
Абстрактный экспрессионизм
Абстрактный экспрессионизм основан на сильной эмоциональности. Он подчеркивает непосредственную выразительность художественного исполнения. В качестве изобразительных средств используются ритм, гармония, динамичность, письмо жестов. Отдельные направления (ташизм, дееспособная живопись, информель, минимал-арт, концептуальное искусство, структуральная абстракция и т. д.) отличались друг от друга своим упором на одно из художественных изобразительных средств. Этот изобразительный стиль пользовался среди художников большой популярностью и, кажется, что и в настоящее время он преобладает.
Ему свойственно цветное пятно, наносимое художником прямо из тубы поливанием, распылением и т. п. Он отвергает рациональные составные части творчества (сюжет, композиция) и подчеркивает автоматичность, случайность и спонтанность создания. Картина передает психическое и физическое состояние художника в момент творческого процесса (очень широкий круг авторов).
Запечатляет состояние художника в процессе творчества, но возникающее контролируется определенным воображением мастера. Спонтанное неповторимое исполнение, не ставящее своей целью передачу содержания, передает душевное состояние художника во время творческого процесса. Кроме остальных средств, в этом стиле используется и классическая кисть. Большое значение имеет рука художника (очень широкий круг авторов).
Источники: (3)
Ссылки:
От: Волков Олег, 130577 просмотров
