Ritratto di Leonardo da Vinci, presumibilmente opera del suo allievo Francesco Melzi. 1510-1512 Biblioteca Reale al Castello di Windsor, Inghilterra.
Leonardo da Vinci (Leonardo da Vinci), nome completo Leonardo di ser Piero da Vinci (Leonardo, figlio del signor Piero da Vinci), durante la sua vita il nome era spesso scritto anche Lionardo nei documenti italiani e Lyenard de Vince (Lienard de Vence ) in francese. Nacque il 15 aprile 1452 secondo il calendario giuliano nel comune di Vinci o nel borgo di Anchiano, situato a 3 km da esso, ora regione Toscana, Italia; morì il 2 maggio 1519 secondo il calendario giuliano nella tenuta Clos (Clus, Cloux), ora Clos-Lucé (Clos Lucé) nella città di Amboise (Amboise), dipartimento dell'Indre-et-Loire, regione del Centro, Francia. Si tratta di uno degli artisti più famosi al mondo; anche una delle persone più talentuose della storia - ricercatore, ingegnere, inventore, musicista, architetto, scrittore, scenografo teatrale e regista - che ha ottenuto risultati brillanti in tutti i settori della sua attività, spesso molto in anticipo sui tempi.
Leonardo è il figlio illegittimo di Sir Piero di Antonio da Vinci. Suo padre era un notaio che lavorava costantemente a Firenze. La professione è stata ereditata in famiglia dal 1339. La madre di Leonardo, Katerina, era di "buon sangue", cioè bello, ma da una classe inferiore della società. Ser Piero non poteva sposarla; potrebbe anche essere stato contrattualmente legato alla sua futura prima moglie. Tuttavia, il Leonardo illegittimo fu adottato dalla famiglia come un figlio d'amore, e Caterina fu sposata con un amico di famiglia, il vasaio Antonio di Piero Buti del Vacca, soprannominato "Il Bullo" (Accatabriga) dal paese di Campo Zeppi. Accatabriga rimase in buoni rapporti con la famiglia da Vinci per tutta la vita e nel 1472 fece da testimone alla conclusione del contratto tra Piero da Vinci e suo fratello Francesco, zio prediletto di Leonardo.
Secondo le tradizioni dell'epoca, in una delle tenute di campagna nascevano figli illegittimi di un membro di famiglie rispettabili. Nel caso di Leonardo si trattava di una casa nel borgo di Anchiano, che è considerata la sua casa.
Anchiano, a 3 km da Vinci. La casa dove sarebbe nato Leonardo da Vinci. Regione Toscana, Italia.
Città di Vinci. Sullo sfondo il campanile della chiesa di Santa Croce, regione Toscana, Italia.
Fin dall'infanzia, Leonardo ha conservato l'amore per le piante e gli animali. Per amore di loro ha rinunciato alla carne ed è diventato vegetariano (senza costringere i suoi vicini a farlo), per non "vivere uccidendo gli altri" e non essere un "cimitero ambulante". Leonardo indossava il lino, preferendolo alla seta e al cuoio, che costano la vita alle creature viventi che provano dolore.
Tutti coloro che conoscevano Leonardo hanno notato il suo fascino naturale, la generosità e la sottigliezza del trattamento. È cresciuto spiritoso e attento. Nel corso degli anni, la cautela si è trasformata in segretezza. Ciò ha portato al fatto che, nonostante i 10mila fogli di appunti lasciati da Leonardo, sappiamo molto poco di lui e della sua vita personale.
Da ragazzo, Leonardo ha imparato a scrivere e contare. Probabilmente, all'età di 10-11 anni, iniziò a frequentare la scuola elementare di Vinci, scuola d "abaco. Lì si insegnava in italiano, Leonardo da solo padroneggiava il latino già in età adulta. Fin dalla prima infanzia disegnava e scolpiva , suonava strumenti musicali, studiava le basi di alcuni mestieri. I figli illegittimi non potevano studiare all'università e Leonardo non riceveva un'istruzione sistematica. Si definiva "analfabeta", ("omo sanza lettere"). solo con la mano sinistra, ma da destra a sinistra e specularmente: i manoscritti di Leonardo da Vinci sono leggibili allo specchio e contengono errori, abbreviazioni del proprio sistema e parole del dialetto toscano, senza segni di punteggiatura se non punti occasionali.
Il primo esempio della sua calligrafia che ci è pervenuto è la firma di un paesaggio raffigurante il colle di Monsummano, 8 km a nord-ovest di Vinci. Nell'angolo in alto a sinistra della figura ci sono 2 linee:
Di di Santa Maria delle Neve
addi 5 daggosto 1473
Nel giorno della Madonna della Neve
Leonardo Da Vinci. Veduta di Monsummano. Frammento. Galleria degli Uffizi. Firenze. Italia.
Qui non si specchiano solo le lettere, ma anche i numeri. Le rare iscrizioni realizzate "come previsto" - spiegazioni dell'immagine per estranei - sono scritte con fatica.
L'uomo più colto del suo tempo, Leonardo da Vinci, comprendeva tutte le scienze da autodidatta. Per lui "analfabetismo" significava integrità, libertà dalle idee e dalle delusioni altrui. Ha firmato con orgoglio "Leonardo Vinci dissepolo della sperientia" - "Leonardo Vinci, studente di esperienza".
L'originalità per Leonardo era particolarmente importante nell'arte. Nel suo Trattato della pittura scrive come dopo i Romani la pittura cadde in decadenza perché gli artisti "si imitarono sempre l'un l'altro... Dopo di loro venne Giotto fiorentino. Nato nelle montagne deserte, dove vivevano solo capre e simili animali, egli, incline per natura a tale arte, cominciò a disegnare sulle rocce i movimenti delle capre, di cui era spettatore; e così cominciò a fare tutti gli animali che incontrava nella zona: in questo modo superò non solo i maestri della sua epoca, ma di tutti i secoli passati".
Intorno al 1466 Leonardo fu portato dal padre a studiare e lavorare nel suo studio a Firenze di fronte al Palazzo del Bargello. Al giovane iniziò ad essere insegnata la matematica, nella quale mostrò una straordinaria acutezza. Le sue domande sconcertarono l'insegnante. Intorno al 1467 Leonardo divenne apprendista del pittore, scultore e gioielliere fiorentino Andrea del Verrocchio, primo e unico maestro di Leonardo.
Il primo periodo fiorentino di vita e creatività (1464 - 1482).
Secondo il biografo del Vasari, Ser Piero scelse alcuni disegni del figlio e "li portò ad Andrea Verrocchio, che era il suo migliore amico, e lo esortò a dirgli se Leonardo avrebbe avuto successo nel disegno. Colpito dalle enormi inclinazioni che vedeva nei disegni del novizio Leonardo, Andrea sostenne Ser Piero... e fece subito entrare il ragazzo nella sua bottega, cosa che Leonardo fece più che volentieri e cominciò... a esercitarsi in tutti gli ambiti dove il disegno è compreso. Nella Firenze del XV secolo, solo chi sapeva disegnare voluminose figure di persone era considerato un artista. Secondo il contratto, ai ragazzi veniva insegnato il disegno, le basi della prospettiva, i principi della rappresentazione del corpo umano e del lavoro con i colori; l'insegnante ha anche fornito loro carta e modelli. Verrocchio fu il miglior disegnatore della sua generazione e forse il miglior maestro: Perugino e Ghirlandaio studiarono sotto di lui.
Studio o bottega (la parola bottega - "bottega", "bottega" - poi chiamata bottega d'arte generale) Verrocchio si trovava in via Ghibellina. Era un'impresa industriale dove contemporaneamente preparavano stampi per fondere campane, finimenti cuciti e selle finite, fabbricavano e cuocevano ceramiche, facevano bandiere e stendardi, creavano sculture in marmo, legno, bronzo e terracotta, forgiavano armature e facevano saldature. La familiarità con tutte queste arti applicate in seguito tornò utile a Leonardo. Ha imparato l'arte della gioielleria, la tecnica di realizzare stampi e l'intaglio nella pietra e nel legno. Secondo i contemporanei, Leonardo era impegnato nella scultura, eseguendo figure di putti cherubini su grandi sculture del Verrocchio e scolpì anche teste di uomini e donne anziani. Avendo imparato a fare i pennelli con le proprie mani, a macinare i colori, a fare gli smalti e ad applicare la doratura, l'apprendista iniziò a dipingere con i colori.
Verrocchio non era impegnato negli affreschi, nella sua bottega i quadri venivano dipinti su tavole di legno, più spesso di pioppo bianco. Per prima cosa si disegnavano i contorni del disegno su un grande foglio di carta chiamato "cartone", poi si pungevano questi contorni con un ago sottile. Premendo il cartone sulla tavola, è stato cosparso di carbone frantumato o pomice e la polvere è penetrata attraverso i fori, lasciando segni sulla tavola bianca come la neve innescata.
Nella bottega Leonardo imparò a scrivere con la tempera all'uovo, una miscela di colori con tuorlo d'uovo. Si asciuga rapidamente e diventa più chiaro di qualche tono. Come aggiunta decorativa alla tempera, usavano la pittura ad olio, la cui ricetta era stata portata dal fiammingo poco prima. L'olio ha aggiunto luce e lucentezza ai dipinti. Se a una tempera ad asciugatura rapida le ombre venivano rappresentate con linee e sfumature, i colori ad olio si asciugano più lentamente e consentono di lavorare con un pennello, raggiungendo la perfezione, cosa estremamente importante per Leonardo. Gli esperimenti con nuove tecniche causarono la perdita e il danneggiamento di molte delle sue opere, ma permisero ai pittori delle generazioni successive di evitare errori fatali.
Tutti gli studenti dello studio hanno partecipato all'esecuzione degli ordini per i dipinti del Verrocchio. Nel 1470 a Leonardo furono affidati i dettagli del dipinto "Tobia e l'angelo". A quanto pare, è stato lui a dipingere il cane, il pesce e i riccioli dei capelli del giovane. Leonardo, cresciuto nella natura, amava raffigurare animali e piante. Vasari riferisce di aver sempre tenuto cani e gatti. Ha dipinto i frutti e le foglie con tanta cura che gli altri artisti sono rimasti sbalorditi: "come può una persona avere tanta pazienza".
Nel 1468 fabbriceria, cioè il dipartimento di costruzione della principale cattedrale fiorentina - Santa Maria del Fiore - ordinò alla bottega del Verrocchio di realizzare il progetto dell'architetto Brunneleschi, che mezzo secolo fa costruì l'edificio di questa cattedrale con la famosa cupola. Era necessario incoronare la lanterna in cima alla cupola con una palla dorata con una croce. Una tale sfera di rame doveva avere un diametro di 8 piedi (circa 2 m), il suo peso era superiore a 2 tonnellate. I maestri hanno affrontato un difficile compito ingegneristico: saldare la sfera, sollevarla sopra la cupola e saldarla. Il giovane Leonardo ha partecipato alla risoluzione di questo problema. Il 27 maggio 1471 la sfera fu sollevata sulla cupola con l'ausilio di una gru e saldata per 3 giorni con una fiamma che veniva accesa riscaldando il metallo al sole mediante specchi concavi.
Sfera in rame dorato che corona la lanterna della cupola del Duomo di Santa Maria del Fiore a Firenze.
Nel processo di lavoro, Leonardo ha conosciuto i disegni di Brunneleschi, le cui idee in seguito lo hanno ispirato a inventare molti meccanismi e macchine. Allo stesso tempo, ha visto per la prima volta l'organizzazione del lavoro durante l'attuazione di un progetto di ingegneria su larga scala.
Il 1 luglio 1472 Leonardo entrò a far parte della confraternita fiorentina degli artisti, che si chiamava Compagna di San Luca (Società di San Luca, patrono dei pittori), pagando 32 soldi per l'adesione. Da quel momento fu ufficialmente considerato un artista praticante ("dipintore"). Da quel momento Leonardo continuò a lavorare con Verrocchio, non più come allievo, ma come socio.
Il fratello maggiore di Verrocchio, l'abate della comunità di San Salvi (chiesa di San Salvi) Simone di Cione ha aiutato a ottenere l'ordine - l'immagine del Battesimo di Cristo. Verrocchio dipinse Cristo e Giovanni Battista, Leonardo - un angelo inginocchiato e un paesaggio sullo sfondo. Questo paesaggio ricorda molto la veduta di Monsummano.
Andrea del Verrocchio, Leonardo da Vinci. "Battesimo di Cristo". Il dipinto è stato dipinto intorno al 1470-1475. Olio e tempera su tavola. Firenze, Galleria degli Uffizi.
Dice il Vasari che questo fu l'ultimo dipinto del Verrocchio: "Quando Andrea dipinse su un albero un'immagine raffigurante San Giovanni che battezza Cristo, Leonardo fece un angelo con sopra delle vesti e, benché fosse ancora giovane, la completò in modo che l'angelo di Leonardo risultò molto migliore delle figure del Verrocchio, e questa fu cagione che Andrea non volle più toccare i colori, offeso che qualche fanciullo lo superasse in abilità.
Gli esperti non sono propensi a credere a questo aneddoto. Anche la figura dell'emaciato Giovanni Battista, dipinta dal Verrocchio dalla sua stessa scultura di Cristo, fa una profonda impressione. Dopo questo quadro il Verrocchio ne creò altri che non sono pervenuti fino a noi. Ma l'angelo di Leonardo era già scritto nello stile che 18 anni dopo la marchesa Isabella d'Este chiamerà "dolorosamente tenero". chiede di ripetere qualcosa di simile per loro.
In ogni caso, questa è l'ultima opera congiunta di Leonardo e del suo maestro che ci è pervenuta. Sono sopravvissuti due dipinti, dipinti da Leonardo nella bottega del Verrocchio, ma a lui commissionati personalmente: "L'Annunciazione" e "Madonna con garofano".
Leonardo Da Vinci. "Annunciazione". 1473-1475. Olio e tempera su tavola Galleria degli Uffizi. Firenze. Italia.
Il quadro fu dipinto per la sagrestia del monastero di San Bartolomeo, che si trovava fuori le porte di San Frediano a sud-ovest del centro di Firenze, nel comune di Monte Oliveto, Monte Oliveto. Nelle pose di Gabriele e Maria si può notare l'influenza del Verrocchio e del Botticelli a lui vicini. La mano di Leonardo si fa sentire nella magistrale raffigurazione del paesaggio, e soprattutto nel trasferire le esperienze previste dal canone solo sui volti dei personaggi, senza gesti spettacolari e pathos eccessivo. Improvvisamente apparve un angelo che interruppe la lettura di Maria. C'è imbarazzo e umiltà sul suo viso, sul volto di un angelo: consapevolezza del significato del momento. Nella mano sinistra tiene un giglio, simbolo di Firenze. La caratteristica brama di Leonardo per il corso naturale delle cose è evidente. Il 25 marzo si celebra l'Annunciazione e, per creare un'atmosfera primaverile, il prato davanti alla casa di Maria viene cosparso di fiori. In futuro, Leonardo mostrerà la flora solo in condizioni naturali e in stretta conformità con la stagione, che è data dalla trama.
In una deviazione dal canone, le ali dell'arcangelo non sono in tutta la sua altezza, ma più corte, come quelle di un vero uccello. Più tardi, un artista sconosciuto li ha allungati con vernice castagna, in modo che il paesaggio originale trasparisse attraverso le estremità delle ali.
L'Annunciazione, un dipinto dell'artista ventenne, combina caratteristiche e testi innovativi con citazioni ed errori. Sul lato destro dell'immagine ci sono gli errori di calcolo degli studenti in prospettiva. Quindi, il muro che va al cipresso è un po' corto, e il leggio che sta davanti alla Vergine è troppo grande. Sembra che sia più vicino allo spettatore di Maria, motivo per cui l'artista ha dovuto allungare la mano destra, che giace sul libro. Eppure, i contemporanei hanno visto in questa immagine il lavoro di un genio. La sola magnifica raffigurazione di tessuti e tendaggi, segno distintivo di Leonardo, fu ammirata dalla maggior parte dei suoi colleghi.
Leonardo Da Vinci. "Madonna col Bambino" ("Madonna con garofano"). Intorno al 1473 Monaco, Alte Pinakothek. Germania.
L'immagine scritta sulla lavagna ci è pervenuta in cattive condizioni, e ora non si vedono i dettagli che i contemporanei ammiravano. Il vaso di fiori di vetro era sudato, così che la rugiada su di esso sembrava un condensato naturale apparso sulla foto. La Madonna indossa una spilla di topazio, che erediterà la Madonna Benois e la Madonna delle Rocce.
Nella bottega del Verrocchio, Leonardo realizzò molti altri dipinti che sono ancora considerati perduti. Si tratta del cartone "Adamo ed Eva che peccarono in paradiso in terra" per un sipario, la cui immagine fu tessuta per ordine dei Medici in dono al re portoghese Fernando I, e la "Testa di Medusa", un olio pittura su legno.
Ai primi di aprile del 1476, un anonimo custode della morale scrisse una denuncia alla guardia notturna di Firenze contro il diciassettenne aiutante o apprendista del gioielliere Jacopo Saltarelli. Il giovane avrebbe fornito servizi intimi a "dozzine di uomini", e sono stati chiamati i nomi di 4 di loro: il gioielliere Pasquino, Leonardo, il corpetto Baccino e l'aristocratico Tornabuoni.
A Firenze circa 130 persone sono state accusate di omosessualità. all'anno, uno su cinque è stato riconosciuto colpevole. La sodomia come crimine terribile era punibile con una multa, gogna, marchiatura, esilio, persino rogo (estremamente raro). La guardia notturna era obbligata ad arrestare l'imputato. Furono rilasciati "fino al processo" e assolti il 7 giugno 1476.
Al giorno d'oggi, la maggior parte dei ricercatori non dubita dell '"orientamento sessuale non tradizionale" di Leonardo, sebbene avesse anche legami con le donne. Riuscì a sfuggire alla punizione, ma l'accusa e la detenzione preventiva hanno fortemente influenzato la vita e la futura carriera del giovane. Forse a causa di uno scandalo di troppo alto profilo, solo Leonardo tra tutti gli artisti fiorentini di spicco non godeva del mecenatismo del sovrano Lorenzo Medici (Lorenzo il Magnifico). La segretezza e il sospetto si sono intensificati nel carattere dell'artista, così come il suo odio per ogni mancanza di libertà o qualche tipo di restrizione. La segretezza ha lasciato molte delle sue idee non scritte e quelle scritte inedite. È significativo che una delle prime invenzioni di Leonardo meccanico sia stata una macchina per rompere le sbarre dei sotterranei, che è una vite con fermo e collare. Così nel 1480 fu proposto l'attuale metodo per rompere le porte d'acciaio con l'aiuto di martinetti.
Durante il processo Verrocchio ricevette subito 2 ordini di lavoro a Pistoia, città a 35 km da Firenze, dall'inizio del XV secolo soggetta alla Repubblica Fiorentina. La bottega avrebbe dovuto dipingere un altare con l'immagine della Madonna e San Donato, e scolpire un cenotafio marmoreo in onore del cardinale Niccolò Fortaguerri per la cattedrale principale della città (Duomo, Duomo, o Cattedrale di San Zeno, San Zeno) . Affinché Leonardo potesse guadagnare denaro e riprendersi dopo il processo, fu mandato a Pistoia. Qui diresse i lavori del giovane Lorenzo di Credi, che dipinse la pala d'altare, e realizzò un modello in terracotta del cenotafio. A Pistoia gli amici di Leonardo divennero poeti locali, con i quali non perse i contatti per molto tempo.
L'unica statua superstite di Leonardo da Vinci fu realizzata a Pistoia intorno al 1477. Questa è una piccola statua in terracotta di un angelo su un piedistallo vicino alla porta occidentale della chiesa del villaggio di San Gennaro, San Gennaro (tra Lucca e Pistoia, 11 km a est di Lucca).
Ginevra de Benci (Ginevra de "Benci) nacque nel 1457. La famiglia di banchieri Benci in tutta Firenze era seconda per ricchezza solo alla famiglia Medici. Il padre di Ginevra, Amerigo de Benci, filantropo e collezionista, era direttore di una delle banche medicee.Si ritiene che ordinò il ritratto in occasione delle nozze della figlia con il mercante di stoffe Luigi di Bernardo Nicollini (1474).Ma anche l'ambasciatore veneziano Bernardo Bembo, innamorato di Ginevra, potrebbe essere un probabile cliente.La loro storia d'amore, secondo i contemporanei, era platonica, un omaggio all'allora moda per la filosofia platonica.Ginevra era considerata l'ideale di un giovane fiorentino: bellezza e dono poetico, uniti a gusto ed educazione.
Leonardo Da Vinci. Ritratto di Ginevra di Benci. Circa 1476-1478. Tempera e olio su tavola. Washington, Galleria Nazionale d'Arte.
Il suo ritratto è stato il primo ritratto di Leonardo, è stato dipinto ad olio su una tavola di legno. Parzialmente raggiunto il nostro tempo: originariamente era una cintura. Il ginepro dietro la schiena della ragazza riproduce il suo nome (in italiano, ginepro è "ginepro", ginepro). Sul rovescio della tavola Leonardo pose uno stemma con il motto latino "Virutem forma decora", "La forma adorna la virtù". Secondo l'artista vicino e Ginevra stessa, gli insegnamenti di Platone, la bellezza esteriore accompagna la bellezza spirituale. Sullo stemma un ramo di ginepro - simbolo di Ginevra - è circondato da una corona di alloro e foglie di palma. Questi sono i dettagli dello stemma Bembo, che sottolinea il legame tra loro. Il Bembo fu ambasciatore a Firenze dal gennaio 1475 all'aprile 1476 e dal luglio 1478 al maggio 1480. Dopo la sua partenza, il marito di Ginevra mandò la moglie "per migliorare la sua salute" nel villaggio, dove morì intorno al 1520.
Leonardo Da Vinci. "Madonna Beneis". Circa 1478-1482. Olio trasferito dalla tavola alla tela. San Pietroburgo, Museo Statale Ermitage, Russia.
Il dipinto divenne oggetto di imitazione da parte dei contemporanei più giovani di Leonardo, tra cui Lorenzo di Credi e Raffaello. Non si sa dove si trovasse la "Madonna con un fiore" nei secoli XVI-XVII. C'erano prove che questa immagine esistesse una volta. Diversi schizzi nei musei europei dovevano chiaramente elaborare la sua composizione: "Madonna con un gatto" al British Museum, "Madonna con cesto" al Louvre e, infine, lo schizzo con un mazzo di erba di prato più vicino al soluzione artistica finale - anche al British Museum.
Alla fine del XVIII secolo, la "Madonna con un fiore" finì a San Pietroburgo, nella collezione del più grande conoscitore russo di pittura, il generale di artiglieria Alexei Ivanovich Korsakov. Dai suoi eredi, il mercante-pescatore di Astrakhan Alexander Petrovich Sapozhnikov acquistò la Madonna; poi andò in dote alla nipote Maria Alexandrovna Benois, che la espose al pubblico nel 1908 mentre preparava una mostra di dipinti provenienti da collezioni private russe. Nel 1912, gli esperti europei non avevano dubbi sull'autenticità del dipinto. Marie Benois voleva che l'opera di Leonardo rimanesse in Russia e la diede all'Ermitage imperiale a un prezzo inferiore a quello che gli antiquari europei erano disposti a pagare: 150.000 rubli contro 500.000 franchi (190.000 rubli) a Londra. La nobiltà del proprietario era apprezzata dalla società: i pagamenti venivano effettuati a rate e continuarono dopo la rivoluzione, quando l'Eremo cessò di essere Imperiale.
Il mercante Sapozhnikov, dopo aver acquistato il dipinto nel 1824, scoprì che la tavola su cui era dipinto era marcita. Poi, nel 1824, laureato all'Accademia delle arti, il restauratore dell'Hermitage Evgraf Yegorovich Korotky tradusse la "Madonna" su tela. Nel processo di traduzione, la base dell'immagine dell'autore doveva essere sacrificata.
Leonardo Da Vinci. "Madonna Litta". 1478-1482. Hermitage, San Pietroburgo, Russia.
Leonardo Da Vinci. Schizzo di cavalieri per il dipinto "L'Adorazione dei Magi". 1481 circa. Inghilterra, Cambridge, Fitzwilliam Museum.
Leonardo Da Vinci. "Adorazione dei Magi". 1481-1482. Galleria degli Uffizi. Firenze. Italia.
Il dipinto fu commissionato da Leonardo da Vinci nel 1481 e aveva lo scopo di decorare l'altare della chiesa di San Donato Scopento, situata nei pressi di Firenze da Porta a San Piero Gattolino (oggi Porta Romana). L'artista però non portò a termine quest'opera, lasciandola a Firenze quando partì per Milano nel 1482. La Madonna col Bambino è circondata a semicerchio da una folla che si è avvicinata alla Sacra Famiglia per inchinarsi a lui. Ci sono molti tipi fisionomici di persone di tutte le età qui rappresentate; tra loro ci sono giovani cavalieri. Anche gli animali, come avrebbe visto spesso Leonardo in seguito, sembrano condividere i sentimenti umani. Sullo sfondo del quadro, dalle rovine del palazzo, la cui scala vuota dà l'impressione di essere surreale, irrompe un corteo di viandanti e cavalieri. Il lato destro della composizione raffigura una battaglia equestre, il cui significato rimane poco chiaro. Due alberi al centro - una palma e un leccio - fungono da assi attorno ai quali si attorciglia la spirale dell'intera composizione, come se si inserisse a sinistra - tra la figura di un vecchio, immerso nei suoi pensieri, e sulla a destra - la figura di un giovane (indica la Madonna col Bambino). Nella foto vediamo anche cavalli che vagano senza cavalieri, il che, forse, simboleggia la natura, non ancora soggiogata dall'uomo. E nelle profondità dell'immagine, le alte cime montuose, usuali per le composizioni di Leonardo da Vinci, compaiono solo negli schizzi, fanno un'impressione maestosa.
Quello fu il primo periodo fiorentino della vita e dell'opera di Leonardo: 1464 - 1482. Allo stesso periodo appartengono dipinti dell'artista come "San Girolamo", "San Sebastiano".
Leonardo Da Vinci. "San Girolamo". 1480-1482. Vaticano, Pinacoteca Vaticana.
Primo periodo milanese (1482-1499).
Leonardo da Vinci viene invitato alla corte di Lodovico Sforza e arruolato nel collegio degli ingegneri ducali. Si esibisce a Milano come ingegnere militare, architetto, ingegnere idraulico, scultore, pittore. Ma è caratteristico che nei documenti di questo periodo Leonardo sia prima definito "ingegnere", e poi "artista".
Leonardo Da Vinci. "Madonna nella Grotta". 1483-1486. Olio su tavola (trasferito su tela). Louvre, Parigi, Francia.
"Madonna nella Grotta" - la prima opera pienamente matura di Leonardo - afferma il trionfo della nuova arte e dà un quadro completo dell'eccezionale abilità di da Vinci. L'icona fu commissionata dai monaci della chiesa intitolata a S. Francesco nel 1483. Perfetta coerenza di tutte le parti, creando un insieme strettamente saldato. Questo insieme, cioè la totalità delle quattro figure raffigurate, i cui contorni sono meravigliosamente ammorbiditi dal chiaroscuro, forma un'esile piramide, liscia e morbida, in completa libertà, che cresce davanti a noi. Tutte le figure sono unite indissolubilmente dalle loro vedute e dalla loro posizione, e questa associazione è piena di affascinante armonia, poiché anche lo sguardo di un angelo, rivolto non ad altre figure, ma allo spettatore, per così dire, esalta l'unico accordo musicale di la composizione dell'immagine. Questo sguardo e questo sorriso, che illuminano leggermente il volto di un angelo, sono pieni di significato profondo e misterioso. La luce e le ombre creano un certo stato d'animo unico nella foto. Il nostro sguardo si perde nelle sue profondità, nei seducenti varchi tra le rocce scure, all'ombra delle quali trovarono rifugio le figure create da Leonardo. E il segreto di Leonard, traspariva dai loro volti, e negli anfratti bluastri, e nel crepuscolo delle rocce a strapiombo. Tutti i vari elementi dell'immagine, apparentemente contraddittori, si fondono insieme, creando un'impressione di olistico e forte. "Madonna nella grotta" mostra la padronanza dell'artista dell'abilità realistica che tanto impressionò i suoi contemporanei. Il dipinto era destinato a decorare l'altare (la cornice del dipinto era un altare ligneo intagliato) nella Cappella dell'Immacolata della Chiesa di San Francesco Grande a Milano.
Leonardo Da Vinci. "Dama con l'ermellino". Dipinto intorno al 1488-1490. Olio su tavola. Museo Czartory, Cracovia, Polonia.
Leonardo Da Vinci. "Ritratto di un musicista". 1485-1490. Olio su tavola. Biblioteca Ambrosiano, Milano, Italia.
Leonardo Da Vinci. L'ultima Cena. 1494-1498. Olio e tempera su intonaco. Santa Maria della Grazia, Milano, Italia.
Il secondo periodo di vita e di lavoro fiorentino (1500-1506).
Schizzo del ponte sul Corno d'oro, realizzato da Leonardo da Vinci "Notebook" (Parigi).
I fiorentini mantennero in quegli anni rapporti amichevoli con i turchi. In una lettera al Sultano, Leonardo scrive: "Ho sentito che hai intenzione di costruire un ponte da Galata a Istanbul, ma che non l'hai costruito per mancanza di un maestro esperto".
Leonardo propose di costruire un ponte sotto il quale potessero navigare i velieri.
Nel taccuino di Leonardo, risalente alla stessa epoca, si trova una tale annotazione, accompagnata da un disegno: “Il ponte da Pera a Costantinopoli, largo 40 cubiti, alto 70 cubiti dall'acqua, lungo 600 cubiti, cioè 400 oltre il mare e 200 a terra; forma le proprie fondamenta. L'essenza del progetto di Leonardo si riduceva alla costruzione di un ponte a forma di arco molto dolce, con fissaggio rigido delle estremità per mezzo di "nidi di rondine" - una tecnica che, come osserva Heidenreich, Leonardo aveva pensato poco prima in relazione al progetto della cupola del Duomo di Milano.
Se intendiamo il cubito fiorentino (~0,5836 metri), otteniamo una larghezza di 23,75 metri, un'altezza di 40,852, una lunghezza di 350,16, di cui 233,44 metri sopra l'acqua. Queste cifre sono chiaramente fantastiche. Il più grande ponte di questo tipo sull'Addu fu costruito nel 1370-1377. e aveva una luce di 72 e un'altezza di 21 metri.
Nella cittadina norvegese di As è stato inaugurato un ponte pedonale di 100 metri progettato da Leonardo da Vinci. Questa è la prima volta in 500 anni in cui un progetto architettonico di un maestro molto in anticipo sui tempi riceve una vera incarnazione. "Le forme architettoniche degli anni '70 sembrano più antiquate del disegno di Leonardo", ha detto l'iniziatore del lavoro, l'architetto Webburn Sand.
Leonardo da Vinci progettò questo edificio per il sultano turco. Il ponte doveva essere attraversato sul Corno d'oro a Istanbul. Se il progetto fosse stato realizzato, questo ponte sarebbe stato il ponte più lungo del suo tempo: la sua lunghezza era di 346 metri. Tuttavia, Leonardo non riuscì a realizzare il suo progetto: il sultano Bayazet II rifiutò le proposte dell'artista fiorentino.Ma il collega norvegese di Leonardo da Vinci - l'artista Verbjorn Sand - è riuscito a convincere il dipartimento stradale della Norvegia a decidere sull'attuazione del progetto di mezzo migliaio di anni fa. Il nuovo ponte ripete esattamente tutti i vantaggi progettuali ed estetici del ponte Leonardo.
Questo ponte fungerà da attraversamento pedonale ad un'altezza di 8 m sopra l'autostrada E-18, 35 km a sud di Oslo. Durante la realizzazione del ponte, è stato necessario sacrificare solo un'idea di Leonardo da Vinci: il legno è stato utilizzato come materiale da costruzione, mentre 500 anni fa il ponte doveva essere costruito in pietra. Una versione in pietra del ponte sarebbe stata troppo costosa ei norvegesi hanno scelto pino e teak come materiali da costruzione. Di conseguenza, la costruzione del ponte è costata 1,36 milioni di dollari.
Battaglia di Anghiari (Battaglia di Anjaria). 1503-1505. Pittura murale nella Sala del Maggior Consiglio di Palazzo della Signoria, Firenze 
Copia di Rubens da un affresco di Leonardo da Vinci. Gesso nero, inchiostro e acquarello su carta. Louvre, Parigi, Francia.
La composizione del dipinto ricorda una piramide, che unisce volumi arrotondati, morbide curve di linee e volti sorridenti sfumati, conferendo alla tela un'atmosfera di tenerezza e, allo stesso tempo, un mistero irrisolto. Cristo abbraccia un agnello, a simboleggiare la sua futura sofferenza, mentre Maria cerca di trattenerlo.
La variante dell'agnello fu menzionata per la prima volta in una corrispondenza del 1501 tra il capo dell'ordine carmelitano, Fra Pietro da Novellara, e Isabella d'Este. Novellara vedeva nella calma di Anna, in contrasto con la preoccupazione di Maria per il bambino, un simbolo del fatto che la Chiesa non avrebbe voluto impedire la Passione di Cristo. Una versione precedente di St. Giovanni al posto dell'agnello è descritto in dettaglio da J. Vasari:
Tutto ciò che è semplice e bello si è rivelato nel volto della Madonna, che, per la sua semplicità e bellezza, può dare quel fascino che dovrebbe avere l'immagine della Madre di Dio, perché Leonardo voleva mostrare la modestia e l'umiltà della Vergine, piena con sommo gioioso compiacimento nel contemplare la bellezza del figlio, che tiene teneramente sulle ginocchia, e il modo in cui osserva con i suoi occhi purissimi l'ancora piccolissimo S. Giovanni, amoreggiando ai suoi piedi con un agnello, senza dimenticare il lieve sorriso di S. Anna, che a stento trattiene il suo giubilo alla vista della sua progenie terrena, divenuta celeste, sono reperti veramente degni della mente e del genio di Leonardo.
Leonardo Da Vinci. Giovanni Battista. 1512. Olio su tavola. Louvre, Parigi, Francia.
Periodo romano della vita e della creatività (1513-1516).
Leonardo Da Vinci. Monna Lisa (La Gioconda). 1514 - 1515. Olio su pannello di pioppo. Louvre. Parigi, Francia.
Fino a poco tempo fa si pensava che questo ritratto fosse stato dipinto molto prima, a Firenze, intorno al 1503. Credevano al racconto del Vasari, che scriveva: “Leonardo si impegnò a completare per Francesco della Gioconda un ritratto della Monna Lisa, sua moglie, e dopo lavorandoci per quattro anni, lo lasciò incompiuto. Questo lavoro è ora con il re francese a Fontainebleau. A proposito, Leonardo ricorse al seguente trucco: poiché la Madonna Lisa era molto bella, mentre dipingeva il ritratto, teneva persone che suonavano la lira o cantavano, e c'erano sempre giullari che la tenevano allegra e le toglievano la malinconia che di solito è dipinto riferito a ritratti eseguiti.
Tutta questa storia è sbagliata dall'inizio alla fine. Secondo Venturi, "Monna Lisa, poi Gioconda, fu la creazione della fantasia del romanziere, biografo aretino, Giorgio Vasari". Venturi nel 1925 suggerì che la Gioconda fosse un ritratto della duchessa di Costanza d'Avalos, la vedova di Federigo del Balzo, cantata in un poemetto di Eneo Irpino, che cita anche il suo ritratto dipinto da Leonardo. Costanza era l'amante di Giuliano Medici, che dopo il matrimonio con Filiberto di Savoia restituì il ritratto a Leonardo.
Più di recente, Pedretti ha avanzato una nuova ipotesi: il ritratto del Louvre ritrae la vedova di Giovanni Antonio Brandano detto Pacifica, che fu anche amante di Giuliano de' Medici e diede alla luce il figlio Ippolito nel 1511.
Comunque sia, la versione del Vasario è dubbia perché non spiega in alcun modo perché il ritratto della moglie di Francesco del Giocondo sia rimasto nelle mani di Leonardo e sia stato da lui portato in Francia.
Solo la clamorosa fama de "L'ultima cena" può essere paragonata all'innegabile fama di cui la Gioconda gode da secoli. Leonardo va oltre lo schema di ritratti da lui precedentemente utilizzato, sviluppato da Antonello da Messina. Dà un'immagine a mezzo busto del modello in un leggero giro di tre quarti, con lo sguardo rivolto verso lo spettatore. Lo sfondo non è più ombreggiato, evidenziando nettamente la figura, ma è un paesaggio, “surreale, come visto in un sogno, e insieme panoramicamente accurato, saturo di vapori umidi e foschia nebbiosa. Questo non è un paesaggio visto da qualche parte e non un gioco di immaginazione, ma natura naturans (natura creativa (lat.), l'emergere e il decadimento delle cose, la transizione ciclica della materia da uno stato solido a uno stato liquido, vaporoso. Questo è una vera e propria sintesi di studi paesaggistici e di quei bozzetti topografici che Leonardo realizzò per uno scopo pratico (il progetto di regolare il corso del fiume Arno con l'ausilio di un canale e di inondare d'acqua la Valdichiana, preparando il quale dovette portare a termine numerosi mappe dell'area situata tra il Mar Tirreno e l'Appennino). , che ha contribuito a coniugare l'immagine della persona ritratta, sul cui volto è impressa l'ironia, e il paesaggio, sintetizzando in sé la grandezza del mondo, che una persona cerca di rivelare e spiegare, ma che, insieme ad esso, contiene molti misteriosi e cose inesprimibili.
In questo quadro Leonardo ha raggiunto tale armonia non solo attraverso una composizione più approfondita, ma anche attraverso mezzi pittorici, grazie ai quali tutto è visibile come attraverso una leggera foschia che copre piccoli dettagli, ammorbidisce i contorni e crea transizioni impercettibili tra forme e colori. Così, ha lasciato molto alla nostra immaginazione ed è per questo che la Gioconda ci colpisce, guardando lo spettatore come se fosse vivo. Lo stesso vale per il paesaggio, dove Leonardo ci mostra come la terra "cresce" dalle rocce e dall'acqua, e per il volto della Gioconda dal sorriso misterioso. Cosa sta pensando Monna Lisa? In pratica, dipende da cosa pensiamo noi stessi, guardando la sua immagine.
Forse lo stesso Leonardo era un po' come lei: la gente lo considerava sempre equilibrato e amichevole, ma nessuno sapeva esattamente cosa avesse in mente.
Da un articolo di S. N. Roerich Mona Lisa: L'immagine non può essere descritta a parole: più a lungo la guardi, più aumenta il suo impatto su di te e inizi a sentire quel fascino straordinario che ha affascinato così tante persone nel corso dei secoli.
Ultimo periodo di vita: Francia, Amboise (1516-1519).
Francesco I disse di Leonardo da Vinci: "Non crederò mai che ci fosse un'altra persona al mondo che sapesse tanto quanto Leonardo, non solo in scultura, pittura e architettura, ma anche perché era il più grande filosofo".
Nel 1516 Leonardo accettò l'invito del re francese e si stabilì nel suo castello di Clos Luce, dove Francesco I trascorse la sua infanzia, non lontano dal castello reale di Amboise. Nel titolo ufficiale del primo artista, ingegnere e architetto reale, Leonardo riceveva una rendita annua di mille ecu In Francia Leonardo dipingeva a malapena, ma organizzava magistralmente feste di corte, progettava un nuovo palazzo a Romorantan con una prevista modifica del fiume canale, un progetto di canale tra la Loira e la Saone, la principale scala a chiocciola a due vie nel castello di Chambord. Due anni prima della sua morte, la mano destra del maestro divenne insensibile e difficilmente poteva muoversi senza assistenza. Leonardo, 67 anni, ha trascorso a letto il terzo anno della sua vita ad Amboise. Il 23 aprile 1519 lasciò testamento e il 2 maggio morì circondato dai suoi allievi e dai suoi capolavori a Clos Luce. Secondo Vasari, da Vinci morì tra le braccia del re Francesco I, suo caro amico. Questa leggenda inaffidabile, ma diffusa in Francia, si riflette nei dipinti di Ingres, Angelika Kaufman e molti altri pittori. Leonardo da Vinci fu sepolto nel castello di Amboise. Sulla lapide era incisa un'iscrizione: "Le ceneri di Leonardo da Vinci, il più grande artista, ingegnere e architetto del regno francese, riposano nelle mura di questo monastero".
Principale erede fu il discepolo e amico Francesco Melzi, che accompagnò Leonardo, che per i successivi 50 anni rimase il principale gestore del lascito del maestro, che comprendeva, oltre a dipinti, attrezzi, una biblioteca e almeno 50mila documenti originali su vari argomenti, di cui solo un terzo è sopravvissuto fino ad oggi. Un altro allievo del Salai e un servitore ottennero ciascuno la metà delle vigne di Leonardo.
Alcune tendenze nell'arte dell'Alto Rinascimento furono anticipate nell'opera di artisti eccezionali del XV secolo e si espressero nel desiderio di maestosità, monumentalizzazione e generalizzazione dell'immagine. Tuttavia, il vero fondatore dello stile dell'Alto Rinascimento fu Leonardo da Vinci, un genio la cui opera segnò un grandioso cambiamento qualitativo nell'arte. Il significato della sua vasta attività, scientifica e artistica, divenne chiaro solo quando furono esaminati i manoscritti sparsi di Leonardo. I suoi appunti e disegni contengono brillanti intuizioni in vari campi della scienza e della tecnologia. Fu, nelle parole di Engels, "non solo un grande pittore, ma anche un grande matematico, meccanico e ingegnere, al quale le più diverse branche della fisica devono importanti scoperte".
L'arte per l'artista italiano era un mezzo per comprendere il mondo. Molti dei suoi schizzi servono come illustrazione del lavoro scientifico e allo stesso tempo sono opere di alta arte. Leonardo incarnava un nuovo tipo di artista: uno scienziato, un pensatore, che colpisce per l'ampiezza delle vedute, la versatilità del talento. Leonardo è nato nel villaggio di Anchiano, vicino alla città di Vinci. Era il figlio illegittimo di un notaio e di una semplice contadina. Ha studiato a Firenze, nella bottega dello scultore e pittore Andrea Verrocchio. Una delle prime opere del giovane artista - la figura di un angelo nel dipinto "Battesimo" del Verrocchio (Firenze, Uffizi) - spicca tra i personaggi congelati dalla sottile spiritualità e testimonia la maturità del suo creatore.
Tra le prime opere di Leonardo c'è la Madonna col fiore conservata all'Eremo (la cosiddetta Madonna Benois, 1478 circa), decisamente diversa dalle numerose Madonne del XV secolo. Rifiutando il genere e i dettagli meticolosi insiti nelle opere dei maestri del primo Rinascimento, Leonardo approfondisce le caratteristiche e generalizza le forme. Le figure di una giovane madre e del bambino, finemente modellate dalla luce laterale, riempiono quasi tutto lo spazio del quadro. Naturali e plastici sono i movimenti delle figure, organicamente collegati tra loro. Si stagliano chiaramente sullo sfondo scuro del muro. Il cielo azzurro e limpido che si apre attraverso la finestra collega le figure con la natura, con il vasto mondo dominato dall'uomo. Nella costruzione equilibrata della composizione si avverte uno schema interno. Ma non esclude il calore, il fascino ingenuo, osservato nella vita.
Madonna con Gesù Bambino e Giovanni
Battista, 1490 circa, collezione privata
Salvatore del mondo
intorno al 1500, collezione privata
Nel 1480 Leonardo aveva già una propria bottega e riceveva ordini. Tuttavia, la sua passione per la scienza lo ha spesso distratto dall'arte. La grande composizione d'altare "Adorazione dei Magi" (Firenze, Uffizi) e "San Girolamo" (Roma, Pinacoteca Vaticana) è rimasta incompiuta. Nella prima, l'artista ha cercato di trasformare la complessa composizione monumentale dell'immagine dell'altare in un gruppo a forma di piramide, facilmente visibile, per trasmettere la profondità dei sentimenti umani. Nel secondo - a una rappresentazione veritiera dei complessi angoli del corpo umano, lo spazio del paesaggio. Non trovando una giusta valutazione del suo talento alla corte di Lorenzo Medici con il suo culto della squisita raffinatezza, Leonardo entrò al servizio del duca di Milano, Lodovico Moro. Il periodo milanese della creatività di Leonardo (1482-1499) si rivelò il più fruttuoso. Qui la versatilità del suo talento di scienziato, inventore e artista si è rivelata in tutta la sua forza.
Ha iniziato la sua carriera con l'esecuzione di un monumento scultoreo: una statua equestre del padre del duca Lodovico Moro Francesco Sforza. Un grande modello del monumento, unanimemente lodato dai contemporanei, perì durante la presa di Milano da parte dei francesi nel 1499. Sono sopravvissuti solo i disegni: schizzi di varie versioni del monumento, immagini di un cavallo impennato, pieno di dinamiche di un cavallo, poi un cavallo solennemente sporgente, che ricordano le soluzioni compositive di Donatello e Verrocchio. Apparentemente, quest'ultima opzione è stata tradotta in un modello della statua. Superava notevolmente le dimensioni dei monumenti di Gattamelata e Colleoni, il che diede motivo ai contemporanei e allo stesso Leonardo di chiamare il monumento "il grande colosso". Quest'opera ci permette di considerare Leonardo uno dei maggiori scultori dell'epoca.
Non è pervenuto fino a noi un solo progetto architettonico realizzato di Leonardo. Eppure, i suoi disegni e progetti di edifici, idee per creare una città ideale parlano del suo dono di architetto eccezionale. Il periodo milanese comprende dipinti di stile maturo: "Madonna nella grotta" e "L'ultima cena". "Madonna nella grotta" (1483-1494, Parigi, Louvre) - la prima pala d'altare monumentale del Rinascimento. I suoi personaggi Maria, Giovanni, Cristo e l'angelo hanno acquisito caratteristiche di grandezza, spiritualità poetica e pienezza di vita espressiva. Uniti dallo stato d'animo di premura e azione - il Cristo bambino benedice Giovanni - in un armonioso gruppo piramidale, come il chiaroscuro alimentato da una leggera foschia, i personaggi della leggenda evangelica sembrano essere l'incarnazione di immagini ideali di pacifica felicità.
(attribuzione a Carlo Pedretti), 1505,
Museo degli antichi popoli della Lucania,
Vallio Basilicata, Italia
Il più significativo dei dipinti monumentali di Leonardo, L'Ultima Cena, eseguito nel 1495-1497 per il monastero di Santa Maria della Grazie a Milano, lo porta nel mondo delle passioni reali e dei sentimenti drammatici. Partendo dall'interpretazione tradizionale dell'episodio evangelico, Leonardo dà una soluzione innovativa al tema, una composizione che rivela profondamente sentimenti ed esperienze umane. Riducendo al minimo la rappresentazione dell'ambientazione del refettorio, riducendo deliberatamente le dimensioni del tavolo e spingendolo in primo piano, si concentra sul drammatico culmine dell'evento, sulle caratteristiche contrastanti di persone di diverso temperamento, la manifestazione di una complessa gamma di sentimenti , espresso sia nelle espressioni facciali che nei gesti, con cui gli apostoli rispondono alle parole di Cristo: "Uno di voi mi tradirà". Un deciso contrasto con gli apostoli sono le immagini del Cristo esteriormente calmo, ma tristemente pensieroso, che è al centro della composizione, e del traditore Giuda appoggiato al bordo del tavolo, il cui profilo aspro e predatore è immerso nell'ombra. La confusione, sottolineata dal gesto di una mano che stringe convulsamente una borsa, e un aspetto cupo lo distinguono dagli altri apostoli, sui cui volti illuminati si legge un'espressione di sorpresa, compassione, indignazione. Leonardo non separa la figura di Giuda dagli altri apostoli, come facevano i maestri del primo Rinascimento. Eppure l'aspetto ripugnante di Giuda rivela l'idea del tradimento più nitida e profonda. Tutti e dodici i discepoli di Cristo si trovano in gruppi di tre, su entrambi i lati dell'insegnante. Alcuni di loro saltano in piedi eccitati dai loro posti, rivolgendosi a Cristo. L'artista subordina i vari movimenti interni degli apostoli a un ordine rigoroso. La composizione dell'affresco colpisce per la sua unità, integrità, è rigorosamente equilibrata, centrica nella costruzione. La monumentalizzazione delle immagini, la scala del dipinto contribuiscono all'impressione del profondo significato dell'immagine, subordinando l'intero ampio spazio del refettorio. Leonardo risolve ingegnosamente il problema della sintesi tra pittura e architettura. Posizionata la tavola parallela alla parete, decorata da un affresco, ne conferma il piano. La riduzione prospettica delle pareti laterali rappresentate nell'affresco, per così dire, continua lo spazio reale del refettorio.
L'affresco è gravemente danneggiato. Gli esperimenti di Leonardo con nuovi materiali non resistettero alla prova del tempo, registrazioni e restauri successivi quasi nascosero l'originale, che fu cancellato solo nel 1954. Ma le incisioni e i disegni preparatori sopravvissuti consentono di riempire tutti i dettagli della composizione.
Dopo la presa di Milano da parte delle truppe francesi, Leonardo lasciò la città. Cominciarono gli anni del vagabondaggio. Per ordine della Repubblica Fiorentina, realizzò il cartone per l'affresco "Battaglia di Anghiari", che avrebbe dovuto decorare una delle pareti della Sala del Consiglio in Palazzo Vecchio (palazzo del governo cittadino). Nella creazione di questo cartone, Leonardo entrò in competizione con il giovane Michelangelo, che eseguì la commissione per l'affresco "Battaglia di Kashin" per un'altra parete della stessa stanza. Tuttavia, questi cartoni, universalmente riconosciuti dai loro contemporanei, non sono sopravvissuti fino ad oggi. Solo vecchie copie e incisioni ci permettono di giudicare l'innovazione dei geni dell'Alto Rinascimento nel campo della pittura di battaglia.
Nel pieno di drammaticità e dinamica della composizione di Leonardo, viene dato l'episodio della battaglia per lo stendardo, il momento di massima tensione delle forze dei combattenti, si svela la crudele verità della guerra. Allo stesso periodo appartiene la creazione del ritratto della Gioconda (La Gioconda, 1504 circa, Parigi, Louvre), una delle opere più famose della pittura mondiale. Straordinaria è la profondità e il significato dell'immagine creata, in cui le caratteristiche dell'individuo si combinano con una grande generalizzazione. L'innovazione di Leonardo si è manifestata anche nello sviluppo della ritrattistica rinascimentale.
Plasticamente elaborata, chiusa in silhouette, la maestosa figura di una giovane donna domina un paesaggio lontano avvolto da una foschia bluastra con rocce e canali d'acqua che si snodano tra loro. Il complesso paesaggio semi-fantastico si armonizza sottilmente con il carattere e l'intelletto della persona ritratta. Sembra che l'instabile variabilità della vita stessa si avverta nell'espressione del suo volto, ravvivato da un sorriso appena percettibile, nel suo sguardo calmo, fiducioso e penetrante. Il volto e le mani ben curate del patrizio sono dipinti con sorprendente cura e morbidezza. La foschia più sottile, come se si sciogliesse, di chiaroscuro (il cosiddetto sfumato), che avvolge la figura, ammorbidisce i contorni e le ombre; non c'è un solo tratto acuto o contorno angolare nell'immagine.
Negli ultimi anni della sua vita, Leonardo dedicò la maggior parte del suo tempo alla ricerca scientifica. Morì in Francia, dove giunse su invito del re francese Francesco I e dove visse solo due anni. La sua arte, ricerca scientifica e teorica, la sua stessa personalità hanno avuto un enorme impatto sullo sviluppo della cultura mondiale. I suoi manoscritti contengono innumerevoli note e disegni che testimoniano l'universalità del genio di Leonardo. Qui ci sono fiori e alberi accuratamente tracciati, schizzi di armi, macchine e dispositivi sconosciuti. Insieme a immagini analiticamente accurate, ci sono disegni che si distinguono per la loro straordinaria portata, epicità o sottile lirismo. Appassionato estimatore del sapere sperimentale, Leonardo si adoperò per la sua riflessione critica, per la ricerca di leggi generalizzanti. "L'esperienza è l'unica fonte di conoscenza", ha detto l'artista. "The Book of Painting" rivela le sue opinioni di teorico dell'arte realistica, per il quale la pittura è sia "una scienza che la legittima figlia della natura". Il trattato contiene le affermazioni di Leonardo sull'anatomia, la prospettiva, cerca schemi nella costruzione di una figura umana armonica, scrive sull'interazione dei colori, sui riflessi. Tra i seguaci e gli allievi di Leonardo, però, non ce n'era uno che si avvicinasse al maestro in termini di talento; privati di una visione indipendente dell'arte, assimilarono solo esternamente il suo modo artistico.
Leonardo Da Vinci. 15/04/1452, Vinci - 02/05/1519, Clu
L'attenzione senza precedenti ora prestata da storici e romanzieri alla personalità di Leonardo da Vinci è la prova di una svolta in relazione alla cultura del Rinascimento, una rivalutazione del contenuto spirituale del "più grande sconvolgimento progressivo" che è alla base della moderna civiltà europea. In Leonardo vedono una sorta di quintessenza dell'era emergente, sottolineando ed evidenziando nel suo lavoro sia il legame con la visione del mondo del tempo precedente, sia la demarcazione cardinale con essa. Misticismo e razionalismo convivono nella valutazione della sua personalità in un equilibrio incomprensibile, e anche l'enorme patrimonio scritto del maestro, giunto fino ai nostri giorni, non riesce a scuoterlo. Leonardo da Vinci è tra i più grandi scienziati, anche se pochissimi dei suoi progetti sono stati realizzati. È anche una delle più grandi figure d'arte, nonostante abbia creato pochissimi dipinti (oltretutto non tutti sono sopravvissuti) e ancor meno sculture (non sono sopravvissute affatto). Ciò che rende grande Leonardo non è il numero di idee incarnate, ma il cambiamento nel metodo dell'attività sia scientifica che artistica. In senso figurato, ha cercato di "comprendere l'organismo di ciascun oggetto separatamente e l'organismo dell'intero universo" (A. Benois).
Leonardo Da Vinci. Autoritratto, ca. 1510-1515
Infanzia e adolescenza Leonardo ha documentato ben poco. Il padre, Piero da Vinci, era notaio ereditario; già nell'anno della nascita del figlio si esercitò a Firenze e lì presto divenne famoso. Di sua madre si sa solo che si chiamava Caterina, proveniva da una famiglia contadina, e subito dopo la nascita di Leonardo era sposata con un ricco contadino, un certo Accatabrigio di Piero del Vaccia. Leonardo fu accolto nella casa paterna e cresciuto dalla matrigna senza figli, Albiera Amadori. Cosa e come gli è stato insegnato, quali sono stati i suoi primi esperimenti nel disegno - non è noto. È solo indiscutibile che suo zio Francesco, con il quale Leonardo da Vinci mantenne i rapporti più cordiali per tutta la vita, ebbe una grande, se non decisiva influenza sulla formazione della personalità del ragazzo. Poiché Leonardo era un figlio illegittimo, non poteva ereditare la professione del padre. Vasari riferisce che Piero era amico di Andrea Verrocchio e una volta gli mostrò i disegni di suo figlio, dopodiché Andrea portò Leonardo nella sua bottega. Piero si trasferì a Firenze con la sua famiglia nel 1466, quindi Leonardo da Vinci si trovò nella bottega (bottegue) del Verrocchio all'età di quattordici anni.
Le opere più grandi eseguite dal Verrocchio durante il periodo degli studi di Leonardo con lui furono la statua del David (Firenze, Bargello), commissionata dalla famiglia Medici(si ritiene che il giovane Leonardo da Vinci abbia posato per lei), e il completamento della cupola del Duomo di Firenze con una palla d'oro con una croce (l'ordine della città fu ricevuto il 10 settembre 1468 e completato nel maggio 1472 ). Nella bottega di Andrea, il migliore di Firenze, Leonardo da Vinci ha avuto l'opportunità di studiare tutti i tipi di belle arti, architettura, teoria della prospettiva e, in parte, di conoscere le scienze naturali e umane. A quanto pare, la sua formazione di pittore fu influenzata non tanto dallo stesso Verrocchio, ma da Botticelli e Perugino.
Nel 1469 Piero da Vinci ricevette l'incarico di notaio della Repubblica fiorentina, e poi di numerosi monasteri e famiglie importanti. A questo punto era vedovo. Trasferitosi finalmente a Firenze, Piero si risposò e portò Leonardo a casa sua. Leonardo ha continuato i suoi studi con Verrocchio e ha anche studiato scienze in modo indipendente. Già in questi anni conobbe Paolo Toscanelli (matematico, medico, astronomo e geografo) e Leon Battista Alberti. Nel 1472 entrò a far parte della corporazione dei pittori e, come testimonia un'iscrizione nel libro della corporazione, pagò un compenso per organizzare la festa di S. Luca. Nello stesso anno torna nella bottega di Andrea, poiché il padre era rimasto vedovo una seconda volta e si era sposato una terza volta. Nel 1480 Leonardo da Vinci aveva la sua bottega. La prima opera pittorica di Leonardo, oggi conosciuta, è l'immagine di un angelo nel dipinto "Il Battesimo di Cristo" (Firenze, Uffizi). Fino a poco tempo fa, il dipinto era considerato (sulla base del rapporto Vasari) dall'opera del Verrocchio, il quale, visto quanto l'allievo lo superasse in bravura, avrebbe abbandonato la pittura.
Battesimo di Cristo. Un quadro del Verrocchio, dipinto da lui con i suoi allievi. La destra dei due angeli è opera di Leonardo da Vinci. 1472-1475
Tuttavia, un'analisi effettuata dal personale degli Uffizi ha mostrato che il lavoro è stato svolto collettivamente da tre o anche quattro artisti secondo le tradizioni delle botteghe medievali. Ovviamente, il ruolo principale tra loro è stato interpretato da Botticelli. L'appartenenza della figura dell'angelo sinistro di Leonardo è fuor di dubbio. Dipinse anche parte del paesaggio - dietro la schiena dell'angelo ai margini della composizione.
L'assenza di prove documentali, firme e date sui dipinti ne rende molto difficile l'attribuzione. All'inizio degli anni '70 del Quattrocento vengono attribuite due "Annunciazioni" che, a giudicare dal formato allungato orizzontalmente, sono predelle d'altare. Quello che è conservato nella collezione degli Uffizi è incluso in alcune delle poche opere giovanili di Leonardo da Vinci. La sua esecuzione piuttosto secca e le tipologie dei volti di Maria e dell'angelo ricordano le opere di Lorenzo di Credi, compagno di Leonardo nella bottega del Verrocchio.
Dipinto di Leonardo da Vinci "L'Annunciazione", 1472-1475. Galleria degli Uffizi
L'"Annunciazione" del Louvre, risolta in maniera più generalizzata, è attualmente attribuita alle opere di Lorenzo.
Leonardo Da Vinci. Annunciazione, 1478-1482. museo di Louvre
La prima opera datata di Leonardo da Vinci è un disegno a penna raffigurante un paesaggio con valle fluviale e rocce, forse la veduta lungo la strada da Vinci a Pistoia (Firenze, Uffizi). Nell'angolo in alto a sinistra del foglio è l'iscrizione: "Nel giorno di S. Maria della Neve 5 agosto 1473". Questa iscrizione - il primo esempio noto della calligrafia di Leonardo da Vinci - è stata realizzata con la mano sinistra, da destra a sinistra, come in un'immagine speculare.
Leonardo Da Vinci. Paesaggio con valle fluviale e rocce, realizzato il giorno di S. Maria della Neve 5 agosto 1473
Agli anni Settanta del Quattrocento appartengono anche numerosi disegni di carattere tecnico: immagini di veicoli militari, strutture idrauliche, filatoi e per rifinire i tessuti. Forse furono i progetti tecnici che Leonardo da Vinci realizzò per Lorenzo de' Medici, al quale, secondo la biografia del maestro (scritta da autore ignoto, pare, poco dopo la morte di Leonardo), fu vicino per diverso tempo.
Leonardo da Vinci ricevette il suo primo grande ordine per un dipinto grazie alla petizione del padre. 24 dicembre 1477 Piero Pollaiolo fu incaricato di scrivere un nuovo altare (in luogo dell'opera di Bernardo Daddi) per la cappella di San Bernardo in Palazzo Vecchio. Ma già una settimana dopo apparve un decreto della Signoria (datato 1 gennaio 1478), secondo il quale l'opera veniva trasferita «per annullare ogni altro ordine finora fatto in qualunque modo, qualunque esso fosse, e a chiunque, Leonardo, figlio del signor [notaio] Piero da Vinci, pittore. A quanto pare, Leonardo aveva bisogno di soldi e già il 16 marzo 1478 si rivolse al governo fiorentino con una richiesta di anticipo. Fu pagato 25 fiorini d'oro. Il lavoro, tuttavia, progredì così lentamente che non fu completato quando Leonardo da Vinci partì per Milano (1482) e fu trasferito ad un altro maestro l'anno successivo. La trama di questo lavoro è sconosciuta. Il secondo ordine, fornito da Leonardo Ser Piero, fu l'esecuzione di una pala d'altare per la chiesa del monastero di San Donato a Scopeto. Il 18 marzo 1481 stipulò un accordo con il figlio, specificando il tempo esatto per il completamento dei lavori (in ventiquattro, al massimo trenta mesi) e indicando che Leonardo non avrebbe ricevuto un anticipo, e se non avesse incontrato la scadenza, quindi tutto ciò che sarebbe stato fatto da lui, diventerà proprietà del monastero. La storia però si ripeté, e nel luglio 1481 l'artista si rivolse ai monaci chiedendo un anticipo, lo ricevette, e poi altre due volte (in agosto e settembre) prese i soldi per la garanzia di un'opera futura. La grande composizione "L'Adorazione dei Magi" (Firenze, Uffizi) è rimasta incompiuta, ma anche in questa forma è una di "una di quelle opere su cui si basa l'intero ulteriore sviluppo della pittura europea" (M. A. Gukovsky). Numerosi disegni sono conservati nelle collezioni degli Uffizi, del Louvre e del British Museum. Nel 1496 l'ordine dell'altare fu affidato a Filippino Lippi, che dipinse un quadro sullo stesso soggetto (Firenze, Uffizi).
Leonardo Da Vinci. Adorazione dei Magi, 1481-1482
Non completato e "S. Girolamo” (Roma, Pinacoteca Vaticana), che è un dipinto di fondo in cui la figura del santo penitente è elaborata con eccezionale accuratezza anatomica, e alcuni dettagli minori, come il leone in primo piano, sono solo delineati.
Un posto speciale tra le prime opere del maestro è occupato da due opere completate: "Ritratto di Ginevra d" Amerigo Benchi "(Washington, National Gallery) e" Madonna con un fiore "(San complesso vita spirituale, segna le prime manifestazioni di un ritratto psicologico nell'arte europea. L'immagine non è stata completamente conservata: la sua parte inferiore con l'immagine delle mani è stata tagliata. Apparentemente, la posizione della figura assomigliava alla Gioconda.
Leonardo Da Vinci. Ritratto di Ginevra de Benci, 1474-1478
La datazione della "Madonna col fiore, o Madonna Benois" (1478-1480) è stata adottata sulla base di una nota su uno dei fogli del Gabinetto dei Disegni degli Uffizi: "...bre 1478 inchomincial le due Vergini Marie". La composizione di questo dipinto è riconoscibile in un disegno a penna e bistro conservato al British Museum (n. 1860. 6. 16. 100v.). Eseguito con una tecnica di pittura a olio nuova per l'Italia, il quadro si distingue per la leggerezza trasparente delle ombre e la ricchezza delle sfumature di colore, con uno schema cromatico complessivamente sobrio. Un ruolo insolitamente importante nel creare un'impressione olistica, collegando i personaggi con il loro ambiente, qui inizia a svolgere il trasferimento dell'ambiente aereo. La fusione del chiaroscuro, sfumato, rende i confini degli oggetti impercettibilmente instabili, esprimendo l'unità materiale del mondo visibile.
Leonardo Da Vinci. Madonna con un fiore (Madonna Benois). OK. 1478
Un'altra opera giovanile di Leonardo da Vinci è la Madonna con il garofano (Monaco di Baviera, Alte Pinakothek). Forse quest'opera ha preceduto l'apparizione della Madonna Benois.
Vasari riferisce che in gioventù Leonardo da Vinci realizzò con l'argilla "diverse teste di donne ridenti", da cui furono realizzati anche ai suoi tempi calchi in gesso, oltre a diverse teste di bambini. Cita anche come Leonardo abbia raffigurato un mostro su uno scudo di legno, "molto disgustoso e terribile, che avvelenava con il suo alito e incendiava l'aria". La descrizione del processo della sua creazione rivela il sistema di lavoro di Leonardo da Vinci - un metodo in cui la creatività si basa sull'osservazione della natura, ma non con l'obiettivo di copiarla, ma per creare qualcosa di nuovo sulla sua base. Leonardo ha agito in modo simile in seguito, quando ha dipinto il dipinto "Testa di Medusa" (non conservato). Eseguito ad olio su tela, rimase incompiuto alla metà del XVI secolo. era nella collezione del duca Cosimo de' Medici.
Nel cosiddetto Codice Atlantico (Milano, Pinacoteca Ambrosiana), la più vasta raccolta di appunti di Leonardo da Vinci sui vari campi del sapere, a pagina 204 si trova una bozza di lettera dell'artista al sovrano di Milano, Lodovico Sforza ( Lodovico Moro). Leonardo offre i suoi servizi come ingegnere militare, ingegnere idraulico, scultore. In quest'ultimo caso si tratta della realizzazione di un grandioso monumento equestre a Francesco Sforza, padre di Lodovico. Poiché Moro visitò Firenze nell'aprile del 1478, si presume che anche allora abbia incontrato Leonardo da Vinci e abbia negoziato per lavorare a Il cavallo. Nel 1482, con il permesso di Lorenzo Medici, il maestro partì per Milano. È stato conservato un elenco delle cose che ha portato con sé - tra cui molti disegni e due dipinti: “La Madonna completata. L'altro è quasi di profilo. Ovviamente intendevano Madonna Litta (San Pietroburgo, Museo di Stato dell'Ermitage). Si ritiene che il maestro lo abbia terminato già a Milano intorno al 1490. Un bellissimo disegno preparatorio per esso - l'immagine di una testa di donna - è conservato nella collezione del Louvre (n. 2376). Un attivo interesse per quest'opera da parte degli studiosi sorse dopo la sua acquisizione da parte dell'Eremo Imperiale (1865) dalla collezione del duca Antonio Litta a Milano. La paternità di Leonardo da Vinci è stata più volte negata, ma ora, dopo ricerche e mostre del dipinto a Roma e Venezia (2003-2004), è stata generalmente riconosciuta.
Leonardo Da Vinci. Madonna Litta. OK. 1491-91
Ci sono molti altri ritratti eseguiti con l'intrinseca eleganza di Leonardo, ma compositivamente sono risolti in modo più semplice e non hanno quella mobilità spirituale che rende affascinante l'immagine di Cecilia. Si tratta del "Ritratto di donna" di profilo (Milano, Pinacoteca Ambrosiana), del "Ritratto di musico" (1485, ibid.) - forse di Francino Gaffurio, reggente del Duomo di Milano e compositore - e del cosiddetto "Bella Feroniera" (ritratto di Lucrezia Crivelli?) dalla collezione del Louvre.
Leonardo Da Vinci. Ritratto di un musicista, 1485-1490
Per conto di Lodovico Moro, Leonardo da Vinci si è esibito per Imperatore Massimiliano il quadro "Natività", di cui un anonimo biografo scrive che era "venerata dagli intenditori come un capolavoro di un'arte unica e sorprendente". Il suo destino è sconosciuto.
Leonardo Da Vinci. Bella Ferroniera (Bella Ferroniera). OK. 1490
Il più grande dipinto di Leonardo, realizzato a Milano, fu la celebre Ultima Cena, dipinta sulla parete di fondo del refettorio del convento domenicano di Santa Maria delle Grazie. Leonardo da Vinci iniziò l'esecuzione diretta della composizione nel 1496. Questa fu preceduta da un lungo periodo di riflessione. Le collezioni di Windsor e dell'Accademia di Venezia contengono numerosi disegni, schizzi, schizzi relativi a quest'opera, tra i quali si distinguono soprattutto per la loro espressività le teste degli apostoli. Non si sa esattamente quando il maestro abbia completato il lavoro. Di solito si crede che ciò avvenne nell'inverno del 1497, ma una nota inviata dal Moro al suo segretario Marchesino Stange e relativa a quest'anno dice: "Chiedi a Leonardo di finire la sua opera nel refettorio di Santa Maria delle Grazie". Luca Pacioli riferisce che Leonardo completò il dipinto nel 1498. Non appena il quadro vide la luce, iniziarono a pellegrinarvi pittori che lo copiarono più o meno con successo. "Ci sono dipinti, affreschi, grafica, versioni a mosaico, così come tappeti che ripetono la composizione di Leonardo da Vinci" (T.K. Kustodieva). I primi sono conservati nelle collezioni del Louvre (Marco d'Oggiono?) e dell'Hermitage (n. 2036).
Leonardo Da Vinci. L'Ultima Cena, 1498
La composizione dell'Ultima Cena nel suo "volume arioso" sembra essere una continuazione della sala del refettorio. Per ottenere questo effetto, il maestro ha permesso un'ottima conoscenza della prospettiva. La scena gospel appare qui "vicina allo spettatore, umanamente comprensibile e allo stesso tempo non perde né la sua alta solennità né il suo profondo dramma" (M. A. Gukovsky). La gloria di una grande opera, tuttavia, non poteva salvare L'Ultima Cena né dalla distruzione del tempo né dall'atteggiamento barbaro delle persone. A causa dell'umidità delle pareti, le pitture cominciarono a sbiadire già durante la vita di Leonardo da Vinci, e nel 1560 Lomazzo nel suo Trattato della pittura riportava, anche se un po' esagerando, che il dipinto era "completamente crollato". Nel 1652 i monaci allargarono la porta del refettorio e distrussero l'immagine dei piedi di Cristo e degli apostoli accanto a Lui. Anche gli artisti hanno contribuito con la loro parte di distruzione. Così, nel 1726, un certo Belotti, “che sosteneva di avere il segreto per ravvivare i colori” (G. Seil), riscrisse l'intero quadro. Nel 1796, quando le truppe napoleoniche entrarono a Milano, fu allestita una stalla nel refettorio, ei soldati si divertirono a gettare frammenti di mattoni sulla testa degli apostoli. Nel 19 ° secolo Il Cenacolo fu più volte ristrutturato e durante la seconda guerra mondiale, durante i bombardamenti di Milano da parte degli aerei britannici, crollò la parete laterale del refettorio. I lavori di restauro, iniziati nel dopoguerra e consistenti nel consolidamento e nella parziale ripulitura del dipinto, si conclusero nel 1954. Dopo oltre vent'anni (1978), i restauratori iniziarono una grandiosa attività di rimozione degli strati tardivi, che si concluse solo nel 1999 Diversi secoli dopo, puoi di nuovo vedere i colori luminosi e puliti della vera pittura del maestro.
Ovviamente, subito dopo il suo arrivo a Milano, Leonardo da Vinci si dedicò al progetto del monumento a Francesco Sforza. Numerosi schizzi testimoniano i cambiamenti nell'idea del maestro, che in un primo momento voleva presentare il cavallo che si impenna (in tutti i monumenti equestri allora esistenti, il cavallo era raffigurato mentre camminava tranquillamente). Una tale composizione, nonostante le enormi dimensioni della scultura (circa 6 m di altezza; secondo altre fonti - circa 8 m), creava difficoltà di fusione quasi insormontabili. La soluzione del problema si trascinò e Moreau incaricò l'ambasciatore fiorentino a Milano di scrivere a un altro scultore fiorentino, che riferì Lorenzo Medici in una lettera del 22 luglio 1489. Leonardo doveva fare i conti con Il cavallo. Tuttavia, nell'estate del 1490, i lavori del monumento furono interrotti dal viaggio di Leonardo e Francesco di Giorgio Martini a Pavia per dare consigli sulla costruzione della cattedrale. Ai primi di settembre iniziarono i preparativi per le nozze di Lodovico, e poi il maestro svolse numerosi incarichi per la nuova sovrana, Beatrice. All'inizio del 1493, Lodovico ordinò a Leonardo di accelerare i lavori per mostrare la statua durante le successive celebrazioni nuziali: l'imperatore Massimiliano sposò la nipote di Moro, Bianca Maria. Il modello in creta della statua - "Il grande colosso" - fu completato in tempo, nel novembre 1493. Il maestro abbandonò l'idea originale e mostrò il cavallo che camminava con calma. Solo pochi schizzi danno un'idea di questa versione finale del monumento. Era tecnicamente impossibile fondere l'intera scultura in una volta, quindi il maestro iniziò il lavoro sperimentale. Inoltre furono necessarie circa ottanta tonnellate di bronzo, che riuscirono a raccogliere solo nel 1497. Tutto andò ai cannoni: Milano si aspettava un'invasione da parte delle truppe del re francese Luigi XII. Nel 1498, quando la situazione politica del ducato era temporaneamente migliorata, Lodovico commissionò a Leonardo da Vinci di affrescare la sala del Castello Sforzesco - Sala delle Acce, e il 26 aprile 1499 firmò una donazione per una vigna nelle vicinanze di Milano. Questo fu l'ultimo favore reso dal duca all'artista. Il 10 agosto 1499 le truppe francesi entrarono nel territorio del Ducato di Milano; il 31 agosto Lodovico fuggì dalla città; il 3 settembre Milano si arrese. Gli arcieri guasconi di Luigi XII distrussero la statua d'argilla mentre gareggiavano nel tiro con la balestra. A quanto pare, anche dopo, il monumento fece una forte impressione, poiché due anni dopo il duca di Ferrara Ercole I d'Este ne negoziò l'acquisizione. L'ulteriore destino del monumento è sconosciuto.
Leonardo da Vinci rimase per qualche tempo nella città occupata, quindi, insieme a Luca Pacioli, si recò a Mantova alla corte di Isabella Gonzaga. Per ragioni politiche (Isabella era la sorella di Beatrice, la moglie di Moreau, morta a quel tempo - nel 1497), il margravio non volle patrocinare l'artista. Tuttavia, voleva che Leonardo da Vinci dipingesse il suo ritratto. Senza fermarsi a Mantova, Leonardo e Pacioli si recarono a Venezia. Nel marzo del 1500 il costruttore di strumenti musicali Lorenzo Gusnasco da Pavia scriveva a Isabella: "Qui a Venezia è Leonardo Vinci, che mi mostrò un ritratto di contorno di Vostra Grazia, il più possibile eseguito secondo natura". Ovviamente si trattava di un disegno attualmente conservato al Louvre. Il maestro non ha mai eseguito un ritratto pittoresco. Nell'aprile del 1500 Leonardo e Pacioli erano già a Firenze. In questo breve - poco più di due anni - tranquillo periodo della vita di Leonardo da Vinci, fu principalmente impegnato nella ricerca tecnica (in particolare, il progetto di un aereo) e, su richiesta del governo fiorentino, partecipò ad un esame per individuare le ragioni dell'insediamento della Chiesa di San Salvatore sul colle di San Miniato. Secondo Vasari, mentre Filippino Lippi ricevette un ordine per una pala d'altare per la chiesa della Santissima Annunziata. Leonardo "dichiarò che avrebbe fatto volentieri un simile lavoro", e Filippino gli diede gentilmente l'ordine. L'idea del dipinto "Sant'Anna", a quanto pare, è venuta a Leonardo da Vinci a Milano. Esistono numerosi disegni di questa composizione, oltre a magnifici cartoni (Londra, National Gallery), ma non ha costituito la base della soluzione finale. Esposto dal maestro dopo la Pasqua del 1501 per la visione pubblica, il cartone non è sopravvissuto, ma, a giudicare dai documenti sopravvissuti fino ad oggi, fu la sua composizione che fu ripetuta dal maestro nel noto dipinto del Louvre . Così, il 3 aprile 1501, il vicario generale dei Carmelitani, Pietro da Nuvolario, che era in corrispondenza con Isabella Gonzaga, la informò, descrivendole dettagliatamente la composizione del cartone, che, a suo avviso, l'immagine di S. Anna è incarnata dalla Chiesa, che non desidera "che le sue sofferenze siano allontanate da Cristo". Non è chiaro quando sia stato completato esattamente il dipinto dell'altare. Forse il maestro lo terminò in Italia, dove fu acquistato da Francesco I, secondo Paolo Giovio, senza però precisare quando e da chi. In ogni caso i clienti non lo ricevettero e nel 1503 si rivolsero nuovamente a Filippino, ma neanche lui soddisfò i loro desideri.
Alla fine di luglio del 1502 Leonardo da Vinci entrò al servizio di Cesare Borgia, figlio Papa AlessandroVI, che a questo punto, cercando di creare i propri possedimenti, conquistò quasi tutta l'Italia centrale. In qualità di capo ingegnere militare, Leonardo viaggiò in Umbria, Toscana, Romagna, elaborando piani per fortezze e consigliando ingegneri locali per migliorare il sistema di difesa, creando mappe per esigenze militari. Tuttavia, già nel marzo 1503 era di nuovo a Firenze.
All'inizio del primo decennio del XVI sec. comprende la creazione dell'opera più famosa di Leonardo da Vinci - il ritratto della Gioconda - "La Gioconda" (Parigi, Louvre), un dipinto che non ha eguali per numero di interpretazioni e controversie che ha suscitato. Il ritratto della moglie del mercante fiorentino Francesco del Giocondo unisce la sorprendente concretezza della realtà con una tale ambiguità spirituale e generalizzazione dell'universale che supera i confini del genere, cessa di essere un ritratto nel senso proprio del termine. "Questa non è una donna misteriosa, questo è un essere misterioso" (Leonardo. M. Batkin). Già la prima descrizione del dipinto data dal Vasari è contraddittoria, il quale assicura che Leonardo da Vinci vi lavorò per quattro anni e non lo terminò, ma scrive subito con ammirazione che il ritratto “riproduce tutti i minimi dettagli che la sottigliezza della pittura può trasportare."
Leonardo Da Vinci. Mona Lisa (La Gioconda), ca. 1503-1505
Un altro dipinto realizzato da Leonardo da Vinci in questi anni, Madonna col fuso, è descritto dettagliatamente da Pietro da Nuvolario in una lettera a Isabella Gonzaga del 4 aprile 1503. Il vicario riferisce che l'artista lo completò per il segretario di Luigi XII . Il destino del dipinto è sconosciuto. Un buon esemplare del XVI secolo ne dà l'idea. (collezione del duca di Bucclew in Scozia).
Nello stesso periodo Leonardo ritorna all'anatomia, iniziata a Milano nell'edificio del Grande Ospedale. A Firenze, medici e studenti universitari, con speciale permesso del governo, lavoravano nei locali di Santa Croce. Il trattato di anatomia, che il maestro stava per compilare, non fu attuato.
Nell'autunno del 1503, tramite il gonfaloniere stabile Pietro Soderini, Leonardo da Vinci ricevette l'ordine per una grande opera pittorica - dipingere una delle pareti della nuova sala - la Sala del Consiglio, annessa nel 1496 al Palazzo della Signoria. Il 24 ottobre l'artista riceve le chiavi della cosiddetta Sala Pontificia del Monastero di Santa Maria Novella, dove inizia la lavorazione del cartone. Per ordine della Signoria ricevette un anticipo di 53 fiorini d'oro e il permesso di ricevere "di volta in volta" piccole somme. La data di completamento era il febbraio 1505. Il tema dei lavori futuri era la battaglia di Anghiari (29 giugno 1440) tra fiorentini e milanesi. Nell'agosto del 1504 Michelangelo ricevette un ordine per un secondo dipinto per la Sala del Consiglio: La battaglia di Kashin. Entrambi i maestri portarono a termine l'opera in tempo ei cartoni furono esposti al pubblico nella Sala del Consiglio. Hanno fatto un'ottima impressione; gli artisti iniziarono subito a copiarli, ma era impossibile determinare il vincitore in questa competizione unica. Entrambi i cartoni non sono stati conservati. La parte centrale della composizione di Leonardo da Vinci era la scena della battaglia per lo stendardo. È solo di lei che ora si può avere un'idea grazie a un disegno di Raffaello (Oxford, Christ Church Library), da lui eseguito nel 1505-1506, nonché una copia di Rubens (Parigi, Louvre). Tuttavia, non si sa da cosa esattamente Rubens, che visse in Italia nel 1600-1608, fece la sua copia. Un anonimo biografo di Leonardo da Vinci riferisce che dopo la morte del maestro nell'ospedale di Santa Maria Novella, si poteva vedere gran parte del cartone "Battaglia di Anghiari", e apparteneva anche "al gruppo di cavalieri rimasti nel palazzo" Esso. Nel 1558 Benvenuto Cellini nella sua "Biografia" scrive che i cartoni erano appesi nella Sala Papale e, "finché erano intatti, erano una scuola per il mondo intero". Da ciò possiamo concludere che negli anni Cinquanta del Cinquecento il cartone di Leonardo, almeno nel suo insieme, non esisteva più.
Leonardo Da Vinci. Battaglia di Anghiari, 1503-1505 (particolare)
Contrariamente alla consuetudine, Leonardo completò rapidamente il dipinto sulla parete della Sala del Consiglio. Secondo una fonte anonima, ha lavorato su un nuovo terreno di sua invenzione e ha utilizzato il calore dei bracieri per asciugarlo il prima possibile. Tuttavia, il muro si è asciugato in modo non uniforme, la sua parte superiore non ha trattenuto la vernice e il dipinto si è rivelato irrimediabilmente danneggiato. Soderini pretendeva il completamento dei lavori o il rimborso. La situazione si risolse provvisoriamente partendo per Milano, invitato dal suo vicerè Carlo d'Amboise, marchese de Chaumont, l'artista stipulò un accordo con la Signoria, in base al quale si impegnava a rientrare entro tre mesi, e in caso di violazione dell'obbligo di pagare una penale di 150 fiorini d'oro 1 giugno 1506 Leonardo da Vinci si reca a Milano Carlo d'Amboise, con lettera del 18 agosto, chiede al governo fiorentino di lasciare l'artista ancora per qualche tempo a sua disposizione. In una lettera di risposta (datata 28 agosto) è stato dato il consenso, ma con la condizione del rimborso del debito. Poiché il denaro non è stato inviato, Soderini il 9 ottobre si appella nuovamente al viceré chiedendo il rispetto dell'accordo. Infine, il 12 gennaio 1507, l'ambasciatore fiorentino presso la corte di Francia informa i membri della Signoria che Luigi XII desidera lasciare Leonardo a Milano prima del suo arrivo. Due giorni dopo, il re stesso firmò una lettera dello stesso contenuto. Nell'aprile del 1507 Leonardo riacquistò la sua vigna e ai primi di maggio poté pagare 150 fiorini. Il re giunse a Milano il 24 maggio: Leonardo da Vinci partecipò attivamente all'organizzazione di cortei e rappresentazioni in questa occasione. Grazie all'intervento di Louis, il 24 agosto, si è concluso il lungo processo dovuto alla "Madonna nelle rocce". Il quadro rimase a disposizione del maestro, ma questi, insieme ad Ambrogio de Predis (ormai morto Evangelista), dovette eseguirne un altro sullo stesso soggetto entro due anni (Londra, National Gallery).
Dal settembre 1507 al settembre 1508 Leonardo da Vinci fu a Firenze: fu necessario litigare a causa dell'eredità. L'anziano Ser Piero, padre di Leonardo, morì nel lontano 1504 all'età di novant'anni, lasciando dieci figli e due figlie.
Sant'Anna con la Madonna e il Cristo Bambino. Dipinto di Leonardo da Vinci, c. 1510
A Milano, Leonardo da Vinci terminò Sant'Anna e realizzò molti altri dipinti, il più famoso dei quali è Giovanni Battista (Parigi, Louvre). Attualmente anche il Bacco ivi conservato è riconosciuto come opera di Leonardo.
Leonardo Da Vinci. Giovanni Battista, 1513-1516
Leda era anche nella collezione reale francese. Il dipinto fu menzionato per l'ultima volta nell'inventario di Fontainebleau nel 1694. Secondo la leggenda, fu distrutto su richiesta di Madame de Maintenon, l'ultima amante di Luigi XIV. Un'idea della sua composizione è data da diversi disegni del maestro e da diverse ripetizioni differenti nei dettagli (la migliore è attribuita a Cesare da Sesto ed è conservata agli Uffizi).
Oltre ai dipinti, Leonardo da Vinci si trovava a Milano per progettare un monumento al maresciallo Trivulzio, che era al servizio dei francesi. Si ritiene che a questo progetto sia associato un piccolo modello in bronzo nella collezione del Museo di Budapest. Se è così, allora Leonardo da Vinci è tornato all'idea di una composizione dinamica con un cavallo al galoppo.
Nel 1511 truppe Papa GiulioII in alleanza con la Serenissima e la Spagna espulsero i Francesi. Negli anni 1511-12 Leonardo visse a lungo con il suo amico, il nobile Girolamo Melzi, nella sua tenuta di Vaprio. Il figlio di Girolamo, Francesco, divenne allievo e appassionato ammiratore dell'anziano maestro. Nel 1513 fu eletto al soglio pontificio Leone X de' Medici, con il fratello Giuliano, interessato all'alchimia, Leonardo da Vinci era amico. 14 settembre 1513 Leonardo parte per Roma. Giuliano gli nominò uno stipendio e gli assegnò i locali per il lavoro. A Roma il maestro elaborò progetti per la sistemazione della zecca pontificia e la bonifica delle paludi del Ponto. Vasari notò che Leonardo da Vinci eseguì due dipinti per il datarius papale (capo dell'ufficio) Baldassarre Turini da Pescia - "Madonna" e l'immagine di "un bambino di straordinaria bellezza e grazia" (non rintracciato).
Il 31 dicembre 1514 morì Luigi XII e Francesco I, che gli succedette, riprese Milano nel settembre 1515. Si ritiene che Leonardo abbia incontrato il re a Bologna, dove il papa ha negoziato con lui. Ma, forse, l'artista lo aveva già visto - a Pavia, ai festeggiamenti in onore del suo ingresso in città, e contemporaneamente realizzò il famoso leone meccanico, dal cui petto apribile uscivano gigli. In questo caso, a Bologna, Leonardo da Vinci era al seguito di Francesco, e non Leone X. Ricevuta un'offerta per andare al servizio del re, il maestro nell'autunno del 1516, insieme a Francesco Melzi, partì per Francia. Gli ultimi anni della vita di Leonardo da Vinci furono trascorsi nel piccolo castello di Cloux, non lontano da Amboise. Gli fu data una pensione di 700 ecu. Nella primavera del 1517, ad Amboise, dove il re amava visitare, si celebrava il battesimo del Delfino, e poi il matrimonio del duca di Urbino, Lorenzo Medici, e della figlia del duca di Borbone. Le celebrazioni sono state progettate da Leonardo. Inoltre si occupò della progettazione di canali e chiuse per migliorare il territorio, realizzò progetti architettonici, in particolare il progetto per la ricostruzione del castello Romorantin. Forse le idee di Leonardo da Vinci servirono da base per la costruzione di Chambord (iniziata nel 1519). 18 ottobre 1516 Leonardo visitò il segretario del cardinale Luigi d'Aragona. Secondo lui, a causa della paralisi della mano destra, l'artista "non può più scrivere con la sua solita tenerezza ... ma può ancora disegnare e insegnare agli altri". Il 23 aprile 1519 l'artista fece testamento, secondo il quale manoscritti, disegni e dipinti diventavano proprietà di Melzi. Il maestro morì il 2 maggio 1519, secondo la leggenda, nelle mani del re di Francia. Melzi trasportò i manoscritti di Leonardo da Vinci in Italia e li conservò fino alla fine dei suoi giorni nella sua tenuta di Vaprio. L'ormai noto "Trattato della pittura", che ha avuto un enorme impatto sull'arte europea, è stato compilato da Melzi sulla base degli appunti del maestro. Si sono conservati circa settemila fogli di manoscritti di Leonardo da Vinci. Le loro più grandi collezioni sono nella collezione dell'Istituto di Francia a Parigi; a Milano, nella Bibliotheca Ambrosiana (Codice Atlantico) e nel Castello Sforzesco (Codice Trivulzio); a Torino (Codice del Volo degli Uccelli); Windsor e Madrid. La loro pubblicazione iniziò nel XIX secolo. e ancora una delle migliori edizioni critiche dei manoscritti di Leonardo sono due volumi di testi commentati pubblicati da Richter nel 1883 (Richter J. P. Le opere letterarie di Leonardo da Vinci. Londra, 1883. vol. 1-2). Integrati e commentati da C. Pedretti, furono ristampati a Los Angeles nel 1977.
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Altri scienziati ritengono che il punto stia nelle peculiarità del modo artistico dell'autore. Presumibilmente, Leonardo ha applicato la vernice in un modo così speciale che il volto della Gioconda cambia continuamente.
Molti insistono sul fatto che l'artista si sia raffigurato in una forma femminile sulla tela, motivo per cui si è scoperto un effetto così strano. Uno scienziato ha persino trovato sintomi di idiozia in Mona Lisa, motivandoli con dita sproporzionate e mancanza di flessibilità nella mano. Ma, secondo il medico britannico Kenneth Keel, il ritratto trasmette lo stato pacifico di una donna incinta.
Esiste anche una versione che l'artista, presumibilmente bisessuale, dipinse il suo allievo e assistente Gian Giacomo Caprotti, che gli fu accanto per 26 anni. Questa versione è supportata dal fatto che Leonardo da Vinci gli lasciò in eredità questo dipinto quando morì nel 1519.
Dicono... ...che il grande artista debba la sua morte al modello della Gioconda. Quelle ore di sessioni estenuanti con lei hanno sfinito il grande maestro, dal momento che la modella stessa si è rivelata un biovampiro. Di questo si parla ancora oggi. Non appena il quadro fu dipinto, il grande artista se ne andò.
6) Realizzazione dell'affresco "L'ultima cena" Leonardo da Vinci ha cercato a lungo modelli ideali. Gesù deve incarnare il Bene, e Giuda, che ha deciso di tradirlo a questo pasto, è il Male.
Leonardo da Vinci interruppe più volte il lavoro, andando alla ricerca di modelli. Una volta, mentre ascoltava il coro della chiesa, vide in uno dei giovani coristi l'immagine perfetta di Cristo e, invitandolo nel suo studio, ne fece diversi schizzi e schizzi.
Sono passati tre anni. L'Ultima Cena era quasi completata, ma Leonardo non trovò mai un modello adatto per Giuda. Il cardinale, incaricato di dipingere la cattedrale, affrettò l'artista, chiedendo che l'affresco fosse completato il prima possibile.
E dopo una lunga ricerca, l'artista ha visto un uomo sdraiato nella grondaia: giovane, ma prematuramente decrepito, sporco, ubriaco e cencioso. Non c'era tempo per gli studi e Leonardo ordinò ai suoi assistenti di consegnarlo direttamente alla cattedrale. Con grande difficoltà lo trascinarono lì e lo misero in piedi. L'uomo non capiva davvero cosa stesse succedendo e dove si trovasse, e Leonardo da Vinci catturò su tela il volto di un uomo impantanato nei peccati. Finito il lavoro, il mendicante, che ormai si era già un po' ripreso, si avvicinò alla tela e gridò:
Ho già visto questa foto!
- Quando? Leonardo era sorpreso. “Tre anni fa, prima che perdessi tutto. A quel tempo, quando cantavo nel coro e la mia vita era piena di sogni, un artista dipinse Cristo da me ...
7) Leonardo aveva il dono della lungimiranza. Nel 1494 fece una serie di appunti che dipingono immagini del mondo a venire, molti dei quali si sono già avverati e altri si stanno avverando ora.
"Le persone si parleranno dai paesi più lontani e si risponderanno" - stiamo parlando, ovviamente, del telefono.
"Le persone cammineranno e non si muoveranno, parleranno con coloro che non lo sono, ascolteranno coloro che non parlano" - televisione, registrazione su nastro, riproduzione del suono.
"Ti vedrai cadere da grandi altezze senza alcun danno per te" - ovviamente paracadutismo.
8) Ma anche Leonardo da Vinci ha tali enigmi che confondono i ricercatori. Forse riesci a capirli?
"Le persone getteranno via dalle proprie case quelle provviste che avrebbero dovuto sostenere le loro vite".
"La maggior parte della razza maschile non potrà riprodursi, perché i loro testicoli saranno portati via".
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I dipinti di Leonardo da Vinci sono belli e pieni di misteri. Sono portati a un grado di perfezione impensabile, perché il maestro ha lavorato su ciascuna delle sue creazioni per diversi anni.
La nostra lista comprende tutti grandi dipinti di Leonardo da Vinci, con foto, nomi e informazioni dettagliate su ciascuno di essi. L'elenco non comprendeva disegni di invenzioni, caricature, nonché dipinti, in relazione ai quali i critici d'arte dubitano che appartengano al pennello di Leonardo. Inoltre, non sono incluse nella selezione copie di dipinti che non sono sopravvissuti fino ad oggi.
Anni di scrittura: 1490.
Dov'è: Galleria dell'Accademia, Venezia.
Materiali: carta, penna, inchiostro, acquerello.
Dimensioni: 34,3 x 24,5 cm.
Se dici che questo non è un dipinto, ma un disegno, avrai assolutamente ragione. L'Uomo Vitruviano infatti è un disegno, un'illustrazione realizzata da Leonardo per il libro del grande architetto romano antico Marco Vitruvio e posta in uno dei suoi diari.
Tuttavia, questo disegno non è meno famoso dei dipinti elencati nella nostra lista. È considerato non solo un'opera d'arte, ma anche un lavoro scientifico. E dimostra le proporzioni ideali del corpo umano.
Dopo aver studiato matematica e geometria, in particolare l'opera di Vitruvio, la sete di conoscenza di Leonardo raggiunse il suo apice. In Vitruvian Man, ha applicato l'idea di simmetria universale, il rapporto aureo, o "proporzione divina" non solo alla dimensione e alla forma, ma anche al peso.
- 6 palmi = 1 cubito;
- lunghezza dalla punta della base più lunga alla base più bassa di 4 dita = 1 palmo;
- 4 palmi = 1 piede;
- apertura delle braccia = altezza;
- 4 palmi = 1 gradino;
- 4 cubiti o 24 palmi = l'altezza di una persona.
Altri dipinti famosi in tutto il mondo di Leonardo da Vinci che incorporano la sezione aurea sono la Gioconda, L'Annunciazione e L'Ultima Cena.
Anni di scrittura: 1478 — 1480.
Dov'è: Alte Pinakothek, Monaco di Baviera.
Materiali: dipinto ad olio su tavola.
Dimensioni: 42 x 67 cm.
Molti storici dell'arte attribuiscono quest'opera al giovane Leonardo, quando era ancora apprendista nella bottega pittorica del Verrocchio. Ci sono una serie di dettagli che supportano questa versione, come i dettagli del volto della Madonna, il disegno dei suoi capelli, il paesaggio fuori dalla finestra e la luce morbida e diffusa caratteristica dell'artista italiano.
Purtroppo gli anni non hanno risparmiato il quadro e, a causa di un restauro improprio, la superficie dello strato pittorico è risultata irregolare.
Anni di scrittura: 1472 — 1476.
Dov'è: Uffizi, Firenze.
Materiali: dipinto ad olio su tavola.
Dimensioni: 98 x 217 cm.
Fu con "l'Annunciazione" che Leonardo da Vinci esordì come artista. Questo dipinto sarebbe stato realizzato in collaborazione con Andrea del Verrocchio, alla cui bottega fu affidato all'età di 14 anni. A favore della paternità del futuro famoso maestro italiano, parla la straordinaria accuratezza anatomica caratteristica di tutte le opere di Leonardo, nonché una serie di schizzi nei diari giunti fino ai nostri giorni. A favore della paternità di un'altra persona - la natura dei tratti e la composizione dei colori con cui è stata scritta Maria; contengono piombo insolito per da Vinci.
È interessante notare che, se guardi l'immagine in piedi proprio di fronte ad essa, si notano alcuni difetti nell'anatomia. Ad esempio, la mano di Mary sembra essere leggermente più lunga di quanto sia tipico per i normali abitanti del pianeta Terra. Tuttavia, se vai sul lato destro dell'immagine e guardi da lì, la mano di Mary si accorcia magicamente, lei stessa diventa più grande e il centro di gravità della trama viene trasferito sulla sua figura, come prescritto dalla trama. Molto probabilmente, la presunta irregolarità nel fisico è il risultato di un'illusione ottica attentamente progettata: l'immagine doveva essere sospesa ad angolo rispetto allo spettatore.
Anni di scrittura: 1476
Dov'è: Uffizi, Firenze.
Materiali: dipinto ad olio su tavola.
Dimensioni: 177x151 cm.
E Leonardo ha scritto quest'opera in collaborazione con il suo maestro. Secondo Giorgio Vasari, che ha compilato la biografia dell'artista, Verrocchio ha incaricato il giovane apprendista (al momento della stesura del quadro Leonardo aveva 24 anni) di dipingere la figura di un angelo dai capelli bianchi nell'angolo sinistro del quadro . L'insegnante rimase così colpito dall'abilità dello studente che, caduto in disgrazia, non dipinse più.
Anni di scrittura: 1474 — 1478.
Dov'è: Galleria Nazionale d'Arte, Washington.
Materiali: dipinto ad olio su tavola.
Dimensioni: 38,8 x 36,7 cm.
La ghirlanda di alloro e rami di palma sul retro dell'immagine suggerisce che raffigura una donna difficile. La prima ghirlanda indica le sue ricerche poetiche e la seconda indica che non è estranea alla misericordia e alla compassione. Questa impressione è confermata dalla bellezza severa e un po' severa della modella, dalla sua pelle di alabastro pallido e dalle sue palpebre abbassate, come in un pensiero. Le sue attività intellettuali sono indicate anche dalla quasi totale assenza di gioielli e abbigliamento enfaticamente modesto. E giustamente - il dipinto raffigura la poetessa Ginevra de Benci.
Il modo dell'immagine (soprattutto l'ombreggiatura con le dita - Leonardo ha appena iniziato a padroneggiare questa tecnica, quindi lo strato di vernice è irregolare in alcuni punti) parla già ad alta voce dell'abilità del creatore. Luci soffuse particolarmente caratteristiche e il paesaggio sullo sfondo, come se fosse avvolto da una foschia luminosa.
Anni di scrittura: 1479 — 1481.
Dov'è: Hermitage, San Pietroburgo.
Materiali: pittura ad olio su tela.
Dimensioni: 48 x 31,5 cm.
"Fantasma di una donna anziana" con "collo rugoso", "corpo gonfio" e "sorriso sdentato" - parole così poco lusinghiere descrivevano l'immagine di uno storico dell'arte americano, che fu incaricato di stabilire la paternità dai proprietari - la famiglia Benois. Nonostante tutti gli epiteti colorati, lo attribuiva ancora come appartenente al pennello di Leonardo da Vinci - sia il modo di dipingere che la luce soffusa e diffusa insita nell'artista, che crea naturalmente il volume di due figure, parlano a favore di questo.
Uno dei dettagli simbolici è una pianta crocifera, che suggerisce quale destino attende il bambino. Tuttavia, né la madre né il bambino lo sanno ancora. Suona con noncuranza e lei lo guarda con un sorriso.
Anni di scrittura: 1479 — 1482.
Dov'è: Uffizi, Firenze.
Materiali: dipinto ad olio su tavola.
Dimensioni: 246 x 243.
Uno dei dipinti del grande artista, scultore, scienziato e ingegnere del Rinascimento, purtroppo, è rimasto incompiuto. Leonardo si trasferì in un luogo di residenza a Milano e non sarebbe tornato. Fortunatamente, i clienti hanno mantenuto il dipinto incompiuto. È notevole per la sua composizione non standard e il ricco significato simbolico.
Ad esempio, Maria siede sotto una quercia, simbolo dell'eternità, una palma cresce in lontananza - un segno di Gerusalemme, e le rovine di un tempio pagano all'orizzonte - la distruzione della religione pagana, che era sostituito dal cristianesimo.
Anni di scrittura: 1480 — 1490.
Dov'è: Pinacoteca Vaticana.
Materiali: dipinto ad olio su tavola.
Dimensioni: 103x75 cm.
Nonostante il fatto che il quadro sia rimasto incompiuto, ha fatto una forte impressione sui contemporanei. Ciò è dovuto principalmente alla straordinaria accuratezza anatomica dell'immagine del corpo umano, per la quale Leonardo era famoso.
Un destino difficile attendeva l'immagine: dopo un po 'il lavoro è stato segato e le assi sono state utilizzate per gli scopi più bassi. Si presume che uno degli amanti dell'arte abbia trovato parte dell'immagine sotto forma di un coperchio del petto.
Anni di scrittura: 1478 — 1482.
Dov'è: Museo dell'Ermitage.
Materiali: tempera, tavola.
Dimensioni: 42 x 33.
La maestria del grande artista italiano si è manifestata, tra l'altro, nei dettagli che raccontano una sorta di storia. Ad esempio, l'abito rosso di una donna è dotato di tagli speciali per l'alimentazione, uno dei quali è cucito. Apparentemente, ha deciso che era ora di smettere di allattare. Ma uno di loro è stato strappato in fretta: sono visibili i punti e le estremità pendenti del filo.
Anni di scrittura: 1483 - 1490 e 1495 - 1508.
Dov'è: Louvre e Galleria Nazionale di Londra.
Materiali: dipinto ad olio su tavola.
Dimensioni: 199x122 cm
Nel mondo esistono due opere quasi identiche di Leonardo con lo stesso nome. Uno è a Parigi e l'altro è a Londra. La prima versione di da Vinci fu ordinata per la porta dell'altare, e con una trama ben definita. Tuttavia, l'artista, a quanto pare, riteneva che il suo talento e la sua abilità gli dessero il diritto ad alcune libertà. Di conseguenza, ce n'erano così tanti che i clienti si rifiutavano di pagare per il lavoro. È iniziata una causa a lungo termine, che tuttavia si è conclusa con relativo successo. La seconda versione iniziò ad essere appesa in chiesa, e la prima scomparve dai radar della critica d'arte per circa centocinquant'anni, finché non fu ritrovata nel tesoro dei re francesi.
Come molti altri quadri di Leonardo, anche questo è pieno di messaggi cifrati. Il ciclamino accanto a Gesù simboleggia l'amore, la primula - la virtù, l'acanto - la risurrezione imminente e l'erba di San Giovanni - il sangue versato dai martiri cristiani. È stata questa immagine che l'autore del sensazionale "Il Codice Da Vinci" ha cercato di utilizzare come illustrazione delle sue costruzioni, dove ha affermato che in realtà il significato della trama tradizionale è completamente diverso.
Anni di scrittura: 1485 — 1487.
Dov'è: Biblioteca Ambrosiana, Milano.
Materiali: dipinto ad olio su tavola.
Dimensioni: 43 x 31.
L'unica immagine ritratto di un uomo tra i famosi dipinti di da Vinci. Inizialmente, gli storici dell'arte credevano che il dipinto raffigurasse lo stesso Duca di Milano, mecenate e amico di Leonardo da Vinci (per quanto una persona che occupa una tale posizione sociale possa essere amica di qualcun altro). Finché non si scoprì successivamente che il giovane stringeva tra le mani un cartiglio, che iniziava con le parole "canto angelico". Pertanto, il dipinto è stato ribattezzato "Ritratto di un musicista". E un certo numero di critici d'arte ipotizzano audacemente che si tratti dello stesso Leonardo, perché anche la musica faceva parte della sua sfera di interessi.
Anni di scrittura: 1488 — 1490.
Dov'è: Museo Czartoryski, Cracovia.
Materiali: dipinto ad olio su tavola.
Dimensioni: 54,8 x 40,3 cm.
Sebbene la paternità del geniale artista italiano sia stata talvolta messa in dubbio, al momento i critici d'arte erano d'accordo: questo è uno dei migliori dipinti di Leonardo da Vinci, se non il più perfetto dal punto di vista pittoresco. Si ritiene che l'artista, che adorava enigmi e cifre, abbia crittografato il suo nome nell'immagine di un animale bianco nelle mani della modella. In latino, la famiglia dei mustelidi si chiama gale, e il nome della ragazza è Caecilia Gallerani.
La pelle bianca come la neve di un ermellino (e molto probabilmente il ritratto la raffigura) è un'audace sfida allo status alquanto dubbio della mantenuta del Duca di Milano. Secondo le credenze popolari, questo animale apprezza così tanto il suo pelo bianco immacolato da essere pronto a morire piuttosto che macchiarlo di sporcizia.
Anni di scrittura: 1495 — 1498.
Dov'è: Chiesa di Santa Maria delle Grazie, Milano.
Materiali: affrescare.
Dimensioni: 460x880 cm.
Uno dei dipinti più famosi di Leonardo da Vinci, infatti, non lo è. Questa è una specie dell'esperimento più grande e infruttuoso del grande scienziato italiano. Alla fine del XV secolo, il duca di Milano ordinò al famoso artista di dipingere il muro del monastero per una cifra che oggi equivarrebbe a 700mila dollari.
Si presumeva che l'artista, come molti prima di lui, avrebbe dipinto su intonaco bagnato: dopo la lucidatura finale, tale pittura sarebbe stata forte e duratura. Tuttavia, l'affresco impone i propri limiti - oltre al modo specifico di applicare i colori (è necessario scrivere immediatamente e in bianco, ulteriori correzioni sono impossibili), solo alcuni pigmenti sono adatti. E poi la loro luminosità diminuisce, "mangiata" da una superficie ben assorbente.
Per Leonardo, che era scettico nei confronti delle autorità, che raggiungeva tutto da solo e, a quanto pare, era orgoglioso di questa circostanza, tali restrizioni erano insopportabili. Con vero scopo rinascimentale, ha deciso di scartare l'eredità del passato e rielaborare l'intero processo, dalla composizione dell'intonaco alle vernici utilizzate. Il risultato era prevedibile. Lo strato pittorico dell'affresco iniziò a crollare due decenni dopo la fine dei lavori. Oltre alle soluzioni tecniche infruttuose, anche il quadro ha risentito del tempo.
Dapprima gli abitanti del monastero decisero di segare le gambe di Cristo, realizzando una porta in questo luogo, e poi pittori mediocri, cercando di rinnovare il dipinto, ne stravolsero spudoratamente la trama (ad esempio, la mano di uno degli apostoli si trasformò in . .. una pagnotta). L'edificio fu allagato, poi ne fu ricavato un fienile e una bomba colpì il tempio durante la seconda guerra mondiale. Fortunatamente l'affresco non ne è stato danneggiato. Non sorprende che appena il 20% del dipinto originale sia sopravvissuto ai nostri giorni.
È interessante che sia stata questa immagine fatiscente e di volta in volta colorata che per molti anni è stata il dipinto più famoso di da Vinci - ma cosa c'è, l'unico disponibile per un semplice spettatore. Il resto era tutto tenuto dai ricchi di questo mondo. Lo status quo è cambiato solo con il trasferimento della Gioconda dalla camera da letto di Napoleone al Louvre.
Degli altri due affreschi realizzati da da Vinci, fino ad oggi sono sopravvissuti solo frammenti.
Anni di scrittura: 1493 — 1497.
Dov'è: Louvre, Parigi.
Materiali: dipinto ad olio su tavola.
Dimensioni: 62 x 44 cm.
Una leggenda interessante è collegata a uno dei dipinti più famosi di Leonardo da Vinci. Quando il dipinto è arrivato in Francia, uno dei proprietari vi ha fatto un'iscrizione: "ferroniera". Questa parola misteriosa (così come l'indubbia bellezza di una donna) ha eccitato per molti anni l'immaginazione di persone vicine all'arte.
Il galante "storico dell'amore", Guy Breton, che ha già vissuto ai nostri tempi, ha composto un'intera storia. Presumibilmente, la bellezza senza nome era l'amante di Francesco I, e iniziò a indossare i suoi gioielli per nascondere il livido ricevuto durante la notte con il re.
Molto probabilmente, il dipinto di Leonardo da Vinci dal titolo "Bella Ferroniera" raffigura Lucrezia Crivelli. Era una delle amanti del mecenate di Leonardo, il duca di Milano. E il nome deriva dalla sua decorazione sulla fronte - ferroniere.
Anni di scrittura: 1500 — 1505.
Dov'è: Galleria Nazionale, Parma.
Materiali: dipinto ad olio su tavola.
Dimensioni: 24,6 x 21 cm.
L'immagine incompiuta di una giovane donna con un'acconciatura sciatta (da qui l'altro nome del dipinto - La Scapigliata, spettinata) è scritta in modo simile ad altre opere incompiute - con colori ad olio con una piccola aggiunta di pigmento. I critici d'arte, tuttavia, ritengono che il contrasto tra i capelli appena delineati e il volto superbamente eseguito facesse parte dei piani dell'artista.
Probabilmente, Leonardo si ispirò a un passo dell'antico scrittore Plinio il Vecchio, popolare durante il Rinascimento. Disse che il grande artista Apelle lasciò deliberatamente incompiuta la sua ultima immagine della Venere di Cosso e che gli ammiratori lo ammiravano più delle altre sue opere.
Anni di scrittura: 1501 — 1517.
Dov'è: Louvre, Parigi.
Materiali: dipinto ad olio su tavola.
Dimensioni: 168 x 112 cm.
I contemporanei hanno apprezzato molto la vivacità e la naturalezza delle espressioni facciali di tutti e tre i partecipanti alla scena, in particolare il misterioso mezzo sorriso caratteristico di Leonard, con cui Anna guarda sua figlia e suo nipote.
2. Monna Lisa (La Gioconda)
Anni di scrittura: 1502 — 1516.
Dov'è: Louvre, Parigi.
Materiali: dipinto ad olio su tavola.
Dimensioni: 76,8 x 53.
È forse difficile trovare una persona nel globo che non conosca la Gioconda. Questa è sicuramente l'opera più famosa del talentuoso italiano. Molti misteri e misteri di questo dipinto di Leonardo da Vinci non sono stati finora risolti:
"Mona Lisa" ha avuto un significato speciale nella vita dell'artista: non è un segreto che a volte, portato via da qualcosa di nuovo, tornasse con riluttanza al lavoro interrotto. Lavorò però alla Gioconda con passione ed entusiasmo. Perché?
Non è chiaro esattamente chi sia raffigurato nel ritratto. Era la moglie del mercante del Giocondo? O la stessa donna che ha posato per La Dama con l'ermellino? Esiste persino una versione in cui Salai, uno degli apprendisti dell'artista, da lui raffigurato in almeno altri due dipinti, ha fatto da modello per Mona Lisa.
Di che colore era originariamente il vestito della Gioconda? Apparentemente, Leonardo ha nuovamente sperimentato con i colori, e ancora senza successo, quindi non è rimasto nulla del colore originale delle maniche. I contemporanei, tra l'altro, ammiravano la lussuosa colorazione dell'immagine.
E, infine, un misterioso mezzo sorriso: sorride affatto o è solo un'illusione abilmente creata dall'artista a causa delle ombre agli angoli delle sue labbra?
Anni di scrittura: 1508 — 1516.
Dov'è: Louvre, Parigi.
Materiali: dipinto ad olio su tavola.
Dimensioni: 69 x 57 cm.
L'ultimo dipinto dell'artista, che presumibilmente raffigura Salai, uno degli apprendisti dell'artista, che, per ragioni sconosciute, godeva della disposizione speciale di Leonardo. Il maestro perdonò molto il discepolo. Fino al furto di denaro per un mantello acquistato in anticipo, in cui Salai era drappeggiato per "Bacco" - un dipinto sopravvissuto fino ad oggi solo sotto forma di copia. Un viso viziato, riccioli accuratamente arricciati e un mezzo sorriso particolarmente immodesto facevano sorgere alcuni dubbi sulla natura del rapporto tra maestro e apprendista.
Tuttavia, è difficile capire qualcosa dai diari dell'artista: dopo le accuse di sodomia in giovane età, ha accuratamente evitato di menzionare la sua vita personale ovunque. Per testamento, ha lasciato il suo patrimonio e denaro, tra l'altro, a Leonardo allo stesso Salai e ad un altro dei suoi assistenti.
Autoritratto di Torino di Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci - Autoritratto di Torino
Anni di scrittura: dopo il 1512.
Dov'è: Biblioteca Reale, Torino.
Materiali: sanguigna, carta.
Dimensioni: 33,3 x 21,6 cm.
È considerato un autoritratto dell'artista, disegnato all'età di 60 anni. Il ritratto è realizzato con un bastoncino per disegnare da caolino e ossidi di ferro, motivo per cui il dipinto ha una tinta giallastra. Attualmente non esposto per fragilità.
C'è ancora polemica sulla paternità dell'opera popolare, nonostante l'ombreggiatura vada da sinistra a destra, come era consuetudine per Leonardo, ma alcuni storici dell'arte lo considerano un falso. Secondo alcuni rapporti, durante la fotografia a raggi X, è stato trovato un dipinto sotto l'immagine di un vecchio, presumibilmente datato al XVII secolo.
Il dipinto più costoso di Leonardo da Vinci in una collezione privata: Il Salvatore del mondo
Prezzo:$400 000 000
Anni di scrittura: 1499 — 1507.
Dov'è: collezione privata.
Materiali: dipinto ad olio su tavola.
Dimensioni: 66x47 cm.
A un'asta di Christie's nel novembre 2017, il dipinto è stato incassato ben 400 milioni di dollari. Ora è conservato nella collezione privata di uno dei principi sauditi e potrebbe essere esposto nella filiale del Louvre in questo paese.
