Vengono nominate le città con le ragazze più belle. Musica Classica Cos'è la musica classica

La rivista Travellers Digest ha scelto 10 città del mondo dove vivono le donne più belle

Alla vigilia delle festività natalizie, la rivista di viaggi Travellers Digest ha stilato una classifica delle città abitate dalle ragazze più belle. Per diversi anni, gli esperti della pubblicazione hanno intervistato rappresentanti del sesso più forte in giro per il mondo. Mosca ha preso il posto d'onore nella top ten, tuttavia, secondo questo studio, ci sono posti dove ci sono più bellezze.

Stoccolma apre la top ten delle città con belle donne. Qui, secondo gli esperti, ogni donna è una bellezza.

“Entri in qualsiasi negozio e vedi una modella dietro il bancone. E non è in un negozio, è ovunque. Inoltre, queste donne sanno molto sulle feste e su come ottenere e allo stesso tempo dare piacere a un partner. Sono educati, socievoli, amichevoli e non hanno inibizioni", afferma Travellers Digest.

La top tre in termini di bellezza femminile è chiusa dalle ragazze di Buenos Aires. C'è un numero enorme di belle donne che non si trovano in nessun'altra città dell'Argentina. Queste donne sono sempre belle e naturali.

Segue la Bulgaria, o meglio, Varna. È qui che tutti i sogni degli uomini possono trasformarsi in realtà. Non esiste una legge sulla droga, vodka economica, spiagge bellissime e un mare di luoghi che sorprendono per la loro bellezza naturale.

Le ragazze di Varna sono educate, educate e ben curate. La bellezza e il fascino sono i tratti distintivi di tutti i bulgari.

"Puoi parlare incessantemente delle donne di Los Angeles, ma quando vedrai queste bellezze, molto probabilmente rimarrai senza parole", osserva la pubblicazione. Queste donne differiscono dalle donne americane di tutte le altre città sia per l'aspetto che per quante ce ne sono per chilometro quadrato. È per questo motivo che tutti gli americani si sforzano di trasferirsi in California.

Tra le donne russe non ci sono solo molte bionde alte dagli occhi azzurri, la maggior parte di loro sarà attenta all'opinione di un uomo e cercherà di farlo sentire bene ea suo agio. Questa combinazione unica è la ragione principale per cui molti uomini cercano di entrare in questa città.

In Venezuela, come sai, il maggior numero di vincitori del concorso Miss Universo, questo da solo suggerisce che qui ci sono molte belle donne. Le donne venezuelane non sono solo belle: è molto facile comunicare con loro e sanno molto su come divertirsi.

Montreal è lontana dalla Francia, ma ha molte bellezze dal fascino francese. Montreal ha molte università e college, la città è piena di giovani volti freschi, ragazze vestite alla moda, molte delle quali parlano francese, il che equivale a comunicare nella lingua dell'amore.

A un uomo che vuole conquistare la signora di Montreal si consiglia non solo di prendersi cura del proprio stile, ma anche di imparare un paio di serenate in francese.

Alcune delle donne più belle del mondo, secondo gli intervistati, vivono in Israele. I residenti di Tel Aviv attirano soprattutto uomini con grandi occhi espressivi, non solo marroni, ma anche intriganti di verde.

“È noto che le ragazze israeliane di età superiore ai 18 anni prestano servizio nell'esercito. E questo significa che se decidi di tradirla, preparati a metterti nei guai. Rischioso, ma che emozione!”, avvertono gli esperti.

L'ultimo (ma comunque onorevole) posto in classifica è occupato dalla capitale olandese. Per le strade di Amsterdam le donne preferiscono le biciclette alle automobili. Oltre al fatto che le ragazze olandesi sono molto atletiche, sono sempre vestite alla moda e abbastanza rilassate.

"Tutto ciò li rende molto belli e fa sì che gli uomini dedichino più tempo alle bellezze", scrive Travellers Digest.

Top 10 città con le ragazze più belle
1. Stoccolma, Svezia
2. Copenaghen, Danimarca
3. Buenos Aires, Argentina
4. Varna, Bulgaria
5. Los Angeles, California
6. Mosca, Russia
7. Caracas, Venezuela
8. Montréal, Canada
9. Tel Aviv, Israele
10. Amsterdam, Olanda

Anna Karenina. Lev Tolstoj

La più grande storia d'amore di tutti i tempi. Una storia che non è uscita di scena, filmata innumerevoli volte - e ancora non ha perso il fascino sconfinato della passione - passione distruttiva, distruttiva, cieca - ma tanto più ammaliante per la sua grandezza.

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Maestro e Margherita. Michele Bulgakov

Questo è il romanzo più misterioso dell'intera storia della letteratura russa del XX secolo. Questo è un romanzo che è quasi ufficialmente chiamato il "Vangelo di Satana". Questi sono Il Maestro e Margherita. Un libro che si può leggere e rileggere decine, centinaia di volte, ma soprattutto, che è ancora impossibile da capire. Quindi, quali pagine de Il Maestro e Margherita sono state dettate dalle Forze della Luce?

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Cime tempestose. Emilia Bronte

Romanzo giallo, incluso nella top ten dei migliori romanzi di tutti i tempi! La storia di una passione tempestosa, veramente demoniaca, che eccita l'immaginazione dei lettori da più di centocinquanta anni. Katie ha dato il suo cuore a suo cugino, ma l'ambizione e la sete di ricchezza la spingono tra le braccia di un uomo ricco. L'attrazione proibita si trasforma in una maledizione per gli amanti segreti, e un giorno.

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Eugenio Onegin. Alexander Pushkin

“Hai letto "Onegin"? Cosa puoi dire di Onegin? Queste sono le domande che si ripetono costantemente tra scrittori e lettori russi ”, ha osservato lo scrittore, editore intraprendente e, tra l'altro, l'eroe degli epigrammi di Pushkin, Faddey Bulgarin, dopo la pubblicazione del secondo capitolo del romanzo. Per molto tempo ONEGIN non è stato accettato per valutare. Nelle parole dello stesso Bulgarin, è “scritto nei versi di Pushkin. È abbastanza."

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Cattedrale di Notre Dame. Victor Hugo

Una storia che è sopravvissuta ai secoli, è diventata un canone e ha dato ai suoi eroi la gloria dei nomi comuni. Una storia d'amore e tragedia. L'amore di coloro a cui l'amore non è stato dato e non è stato permesso - dal rango religioso, dalla debolezza fisica o dalla volontà malvagia di qualcun altro. La zingara Esmeralda e il sordo campanaro gobbo Quasimodo, il prete Frollo e il capitano dei tiratori reali Phoebe de Chateauper, la bella Fleur-de-Lys e il poeta Gringoire.

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Via col vento. Margherita Mitchell

La grande saga della guerra civile americana e il destino della ribelle e testarda Scarlett O'Hara è stata pubblicata per la prima volta oltre 70 anni fa e non è invecchiata fino ad oggi. Questo è l'unico romanzo di Margaret Mitchell per il quale ha vinto un premio Pulitzer. La storia di una donna che non si vergogna di essere uguale né a una femminista incondizionata né a una convinta sostenitrice della costruzione di case.

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Romeo e Giulietta. William Shakespeare

Questa è la più alta delle tragedie d'amore che il genio umano possa creare. Una tragedia che è stata filmata e sarà filmata. Una tragedia che non lascia il palco fino ad oggi - e fino ad oggi sembra che sia stata scritta ieri. Passano anni e secoli. Ma una cosa rimane e rimarrà per sempre immutata: "Non c'è storia più triste al mondo della storia di Romeo e Giulietta ..."

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Il grande Gatsby. Francesco Fitzgerald

Il grande Gatsby non è solo l'apice del lavoro di Fitzgerald, ma anche uno dei più alti successi nella prosa mondiale del 20 ° secolo. Sebbene l'azione del romanzo si svolga nei "turbolenti" anni Venti del secolo scorso, quando le fortune venivano fatte letteralmente dal nulla e i criminali di ieri diventavano milionari dall'oggi al domani, questo libro vive fuori dal tempo, perché, raccontando i destini spezzati della generazione "Jazz Age".

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Tre moschettieri. Alessandro Duma

Il romanzo storico avventuroso più famoso di Alexandre Dumas racconta le avventure del guascone d'Artagnan e dei suoi amici moschettieri alla corte del re Luigi XIII.

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Conte di Montecristo. Alessandro Duma

Il libro presenta uno dei romanzi d'avventura più emozionanti del classico della letteratura francese del XIX secolo, Alexandre Dumas.

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Arco di Trionfo. Erich Remarque

Una delle storie d'amore più belle e tragiche della storia della letteratura europea. La storia di un rifugiato della Germania nazista, il dottor Ravik, e della bellissima Joan Madu, invischiata nell'"insostenibile leggerezza dell'essere", si svolge nella Parigi prebellica. E il momento inquietante in cui questi due si sono incontrati e si sono innamorati l'uno dell'altro diventa uno dei personaggi principali dell'Arco di Trionfo.

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La persona che ride. Victor Hugo

Gwynplaine è un lord di nascita, da bambino è stato venduto a gangster-comprachos, che hanno fatto di un bambino un bel giullare, scolpendogli sul viso una maschera di "risate eterne" (nelle corti della nobiltà europea di quel tempo c'era una moda per storpi e mostri che divertivano i proprietari). Nonostante tutte le prove, Gwynplaine ha mantenuto le migliori qualità umane e il suo amore.

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Martin Eden. Jack Londra

Un semplice marinaio, in cui è facile riconoscere l'autore stesso, percorre un percorso lungo e pieno di difficoltà verso l'immortalità letteraria ... Per caso, trovandosi in una società secolare, Martin Eden è doppiamente felice e sorpreso ... e il dono creativo si è risvegliato in lui, e l'immagine divina della giovane Ruth Morse, così diversa da tutte le persone che conosceva prima ... D'ora in poi, due obiettivi gli stanno inesorabilmente davanti.

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Sorella Kerry. Teodoro Dreiser

La pubblicazione del primo romanzo di Theodore Dreiser è stata così difficile che ha portato il suo creatore in una grave depressione. Ma l'ulteriore destino del romanzo "Sister Kerry" si è rivelato felice: è stato tradotto in molte lingue straniere, ristampato in milioni di copie. Nuove e nuove generazioni di lettori sono felici di immergersi nelle vicissitudini del destino di Caroline Meiber.

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Tragedia americana. Teodoro Dreiser

Il romanzo "An American Tragedy" è l'apice del lavoro dell'eccezionale scrittore americano Theodore Dreiser. Ha detto: “Nessuno crea tragedie - la vita le crea. Gli scrittori li ritraggono solo. Dreiser è riuscito a rappresentare la tragedia di Clive Griffiths in modo così talentuoso che la sua storia non lascia indifferente il lettore moderno.

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Emarginati. Victor Hugo

Jean Valjean, Cosette, Gavroche - i nomi degli eroi del romanzo sono diventati da tempo nomi comuni, il numero dei suoi lettori per un secolo e mezzo dalla pubblicazione del libro non è diminuito, il romanzo non ha perso la sua popolarità. Un caleidoscopio di volti di tutti i ceti della società francese della prima metà del XIX secolo, personaggi vividi e memorabili, sentimentalismo e realismo, una trama tesa ed emozionante.

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Le avventure del buon soldato Schweik. Yaroslav Gasek

Romanzo fantastico, originale e teppista. Un libro che può essere percepito sia come una "storia di un soldato" sia come un'opera classica, direttamente correlata alle tradizioni del Rinascimento. Questo è un testo frizzante che fa ridere fino alle lacrime, e un potente invito a "deporre le armi", e una delle prove storiche più oggettive nella letteratura satirica..

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Iliade. Omero

L'attrazione delle poesie di Omero non è solo che il loro autore ci introduce in un mondo separato dalla modernità da decine di secoli eppure insolitamente reale grazie al genio del poeta, che ha conservato nelle sue poesie il battito della vita contemporanea. L'immortalità di Omero sta nel fatto che le sue brillanti creazioni contengono riserve inesauribili di valori umani universali: ragione, bontà e bellezza.

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Erba di San Giovanni. Giacomo Cooper

Cooper è riuscito a trovare e descrivere nei suoi libri quell'originalità e quella luminosità inaspettata del continente appena scoperto, che è riuscito ad affascinare tutta l'Europa moderna. Ogni nuovo romanzo dello scrittore era atteso con impazienza. Le emozionanti avventure dell'impavido e nobile cacciatore e inseguitore Natty Bumpo hanno conquistato lettori sia giovani che adulti..

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Dottor Zivago. Boris Pasternak

Il romanzo "Il dottor Zhivago" è una delle opere eccezionali della letteratura russa, che per molti anni è rimasta chiusa a una vasta gamma di lettori nel nostro paese, che ne erano a conoscenza solo attraverso critiche di partito scandalose e senza scrupoli.

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Don Chisciotte. Miguel Cervantes

Cosa ci dicono oggi i nomi di Amadis il gallico, l'inglese Palmerine, il greco Don Belianis, il White Tyrant? Ma è stato proprio come parodia dei romanzi su questi cavalieri che è stato creato "L'astuto Hidalgo Don Chisciotte della Mancia" di Miguel de Cervantes Saavedra. E questa parodia è sopravvissuta per secoli al genere parodiato. "Don Chisciotte" è stato riconosciuto come il miglior romanzo nella storia della letteratura mondiale.

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Ivanhoe. Walter Scott

"Ivanhoe" è un'opera chiave nel ciclo di romanzi di W. Scott, che ci porta nell'Inghilterra medievale. Il giovane cavaliere Ivanhoe, tornato segretamente dalla Crociata in patria e diseredato per volere del padre, dovrà difendere il suo onore e l'amore della bella Lady Rowena... Re Riccardo Cuor di Leone e il leggendario rapinatore Robin Hood verranno in suo aiuto.

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Cavaliere senza testa. Canne Mine

La trama del romanzo è costruita così abilmente da tenerti con il fiato sospeso fino all'ultima pagina. Non è un caso che l'emozionante storia del nobile mustanger Maurice Gerald e della sua amata, la bella Louise Poindexter, che indagano sul sinistro segreto del cavaliere senza testa, la cui figura, quando appare, terrorizza gli abitanti della savana, sia piaciuta moltissimo ai lettori dell'Europa e della Russia.

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Caro amico. Guy de Maupassant

Il romanzo "Caro amico" è diventato uno dei simboli dell'epoca. Questo è il romanzo più potente di Maupassant. Attraverso la storia di Georges Duroy, che sta facendo la sua “strada verso l'alto”, si svela la vera morale dell'alta società francese, lo spirito di venalità che regna in tutti i suoi ambiti contribuisce al fatto che una persona ordinaria e immorale, come l'eroe di Maupassant, raggiunge facilmente successo e ricchezza.

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Anime morte. Nikolaj Gogol

L'uscita del primo volume di "Dead Souls" di N. Gogol nel 1842 provocò un'accesa polemica tra i contemporanei, dividendo la società in ammiratori e oppositori del poema. "...Parlando di "Dead Souls", si può parlare molto della Russia..." - questo giudizio di P. Vyazemsky ha spiegato il motivo principale della controversia. La domanda dell'autore è ancora rilevante: "Rus, dove stai andando, dammi una risposta?"

Ascolta qualcosa dai classici: cosa c'è di meglio?! Soprattutto nei fine settimana, quando vuoi rilassarti, dimenticare le preoccupazioni della giornata, le preoccupazioni della settimana lavorativa, sognare il bello e tirarti su di morale. Pensa, i classici sono stati creati da autori brillanti così tanto tempo fa che è difficile credere che qualcosa possa sopravvivere così tanti anni. E questi lavori sono ancora amati e ascoltati, creano arrangiamenti e interpretazioni moderne. Anche nell'elaborazione moderna, le opere di brillanti compositori rimangono musica classica. Come ammette, le opere classiche sono ingegnose e tutte le ingegnose non possono essere noiose.

Probabilmente, tutti i grandi compositori hanno un orecchio speciale, una speciale sensibilità al tono e alla melodia, che ha permesso loro di creare musica apprezzata da dozzine di generazioni non solo di loro compatrioti, ma anche di appassionati di musica classica in tutto il mondo. Se dubiti ancora che ti piaccia la musica classica, allora devi incontrarti e vedrai che, in effetti, sei già un fan di lunga data della bella musica.

E oggi parleremo dei 10 compositori più famosi al mondo.

Johann Sebastian Bach

Il primo posto è meritatamente di proprietà. Un genio è nato in Germania. Il compositore più talentuoso ha scritto musica per clavicembalo e organo. Il compositore non ha creato un nuovo stile musicale. Ma è stato in grado di creare la perfezione in tutti gli stili del suo tempo. È autore di oltre 1000 saggi. Nelle sue opere Bach ha combinato diversi stili musicali con cui ha incontrato nel corso della sua vita. Spesso il romanticismo musicale era combinato con lo stile barocco. Nella vita Giovanni Bach in quanto compositore che non riceveva il riconoscimento che meritava, l'interesse per la sua musica sorse quasi 100 anni dopo la sua morte. Oggi è definito uno dei più grandi compositori mai vissuti sulla terra. La sua unicità come persona, insegnante e musicista si rifletteva nella sua musica. Bach pose le basi della musica moderna e contemporanea, dividendo la storia della musica in pre-Bach e post-Bach. Si ritiene che la musica Bach cupo e cupo. La sua musica è piuttosto fondamentale e solida, sobria e concentrata. Come le riflessioni di una persona matura e saggia. Creazione Bach influenzato molti compositori. Alcuni di loro hanno preso un esempio dalle sue opere o ne hanno utilizzato temi. E i musicisti di tutto il mondo suonano musica Bach ammirando la sua bellezza e perfezione. Una delle opere più famose "Concerti di Brandeburgo"è un'ottima prova che la musica Bach non può essere considerato troppo cupo:

Wolfgang Amadeus Mozart

Giustamente considerato un genio. All'età di 4 anni suonava già liberamente violino e clavicembalo, a 6 anni iniziò a comporre musica, ea 7 già improvvisava abilmente su clavicembalo, violino e organo, gareggiando con famosi musicisti. Già all'età di 14 anni Mozart- un compositore riconosciuto, e all'età di 15 anni - un membro delle accademie musicali di Bologna e Verona. Per natura, aveva un orecchio fenomenale per la musica, la memoria e la capacità di improvvisare. Ha creato un numero incredibile di opere: 23 opere, 18 sonate, 23 concerti per pianoforte, 41 sinfonie e molto altro. Il compositore non voleva imitare, ha cercato di creare un nuovo modello, che riflettesse la nuova personalità della musica. Non è un caso che la musica in Germania Mozart chiamata "la musica dell'anima", nelle sue opere il compositore ha mostrato i tratti della sua natura sincera e amorevole. Il più grande melodista attribuiva particolare importanza all'opera. opere Mozart- un'era nello sviluppo di questo tipo di arte musicale. Mozart ampiamente riconosciuto come uno dei più grandi compositori: la sua unicità sta nel fatto che ha lavorato in tutte le forme musicali del suo tempo e in tutte ha ottenuto il massimo successo. Una delle opere più riconoscibili "Marcia turca":

Ludwig van Beethoven

Un altro grande tedesco fu una figura importante del periodo romantico-classico. Anche chi non sa nulla di musica classica sa di lui. Beethovenè uno dei compositori più eseguiti e rispettati al mondo. Il grande compositore fu testimone dei grandiosi sconvolgimenti avvenuti in Europa e ne ridisegnò la mappa. Questi grandi colpi di stato, rivoluzioni e scontri militari si riflettono nel lavoro del compositore, soprattutto sinfonico. Ha incarnato nelle immagini musicali della lotta eroica. Nelle opere immortali Beethoven ascolterai la lotta per la libertà e la fratellanza delle persone, la fede incrollabile nella vittoria della luce sull'oscurità, così come i sogni di libertà e felicità dell'umanità. Uno dei fatti più famosi e sorprendenti della sua vita è che la malattia dell'orecchio si è trasformata in completa sordità, ma nonostante ciò, il compositore ha continuato a scrivere musica. Era anche considerato uno dei migliori pianisti. Musica Beethoven sorprendentemente semplice e accessibile alla comprensione della più ampia gamma di ascoltatori. Cambiano le generazioni, e anche le epoche, e la musica Beethoven ancora eccita e soddisfa i cuori delle persone. Uno dei suoi migliori lavori - "Serenata al chiaro di luna":

Riccardo Wagner

Con il nome di un grande Riccardo Wagner più spesso associato ai suoi capolavori "Coro di nozze" O "Cavalcata delle Valchirie". Ma è conosciuto non solo come compositore, ma anche come filosofo. Wagner considerava le sue opere musicali come un modo per esprimere un certo concetto filosofico. CON Wagner iniziò una nuova era musicale di opere. Il compositore ha cercato di avvicinare l'opera alla vita, la musica per lui è solo un mezzo. Riccardo Wagner- il creatore del dramma musicale, il riformatore delle opere e dell'arte della direzione, l'innovatore del linguaggio armonico e melodico della musica, il creatore di nuove forme di espressione musicale. Wagner- l'autore dell'aria solista più lunga del mondo (14 minuti e 46 secondi) e dell'opera classica più lunga del mondo (5 ore e 15 minuti). Nella vita Riccardo Wagner era considerato una persona controversa che era adorata o odiata. E spesso entrambi allo stesso tempo. Il simbolismo mistico e l'antisemitismo lo hanno reso il compositore preferito di Hitler, ma hanno bloccato la strada per la sua musica in Israele. Tuttavia, né i sostenitori né gli oppositori del compositore negano la sua grandezza come compositore. Ottima musica fin dall'inizio Riccardo Wagner ti assorbe senza lasciare traccia, senza lasciare spazio a dispute e dissapori:

FranzSchubert

Il compositore austriaco è un genio musicale, uno dei migliori compositori di canzoni. Aveva solo 17 anni quando scrisse la sua prima canzone. In un giorno potrebbe scrivere 8 canzoni. Durante la sua vita creativa, ha creato più di 600 composizioni basate su poesie di oltre 100 grandi poeti, tra cui Goethe, Schiller e Shakespeare. Ecco perché FranzSchubert tra i primi 10. Nonostante la creatività Schubert molto diversi, in termini di uso di generi, idee e reincarnazioni, i testi delle canzoni vocali prevalgono e determinano nella sua musica. Prima Schubert la canzone era considerata un genere insignificante, e fu lui a elevarla al grado di perfezione artistica. Inoltre, ha combinato canzoni apparentemente non collegate e musica sinfonica da camera, che ha dato origine a una nuova direzione della sinfonia lirico-romantica. I testi delle canzoni vocali sono un mondo di esperienze umane semplici e profonde, sottili e persino intime, espresse non dalle parole, ma dal suono. FranzSchubert ha vissuto una vita molto breve, a soli 31 anni. Il destino delle opere del compositore non è meno tragico della sua vita. Dopo la morte Schubert rimasero molti manoscritti inediti, conservati nelle librerie e nei cassetti di parenti e amici. Anche le persone a lui più vicine non sapevano tutto ciò che scriveva, e per molti anni è stato riconosciuto principalmente solo come il re della canzone. Alcune delle opere del compositore furono pubblicate solo mezzo secolo dopo la sua morte. Una delle opere più amate e famose FranzSchubert – "Serenata serale":

Roberto Schumann

Con un destino non meno tragico, il compositore tedesco è uno dei migliori compositori dell'era romantica. Ha creato musica incredibilmente bella. Per avere un'idea del romanticismo tedesco del XIX secolo, basta ascoltare "Carnevale" Roberto Schumann. È stato in grado di uscire dalle tradizioni musicali dell'era classica, creando la propria interpretazione dello stile romantico. Roberto Schumann era dotato di molti talenti, e anche per molto tempo non riuscì a decidere tra musica, poesia, giornalismo e filologia (era poliglotta e traduceva liberamente dall'inglese, dal francese e dall'italiano). Era anche un pianista straordinario. Eppure la principale vocazione e passione Schumann c'era musica. La sua musica poetica e profondamente psicologica riflette in gran parte la dualità della natura del compositore, uno scoppio di passione e un ritiro nel mondo dei sogni, consapevolezza della realtà volgare e ricerca dell'ideale. Uno dei capolavori Roberto Schumann che tutti hanno bisogno di sentire:

Federico Chopin

Forse il polacco più famoso nel mondo della musica. Né prima né dopo il compositore era un genio musicale di questo livello nato in Polonia. I polacchi sono incredibilmente orgogliosi del loro grande connazionale e nel suo lavoro il compositore canta spesso della sua terra natale, ammira la bellezza dei paesaggi, lamenta il tragico passato e sogna un grande futuro. Federico Chopin- uno dei pochi compositori che ha scritto musica esclusivamente per pianoforte. Non ci sono opere o sinfonie nel suo patrimonio creativo, ma i pezzi per pianoforte sono presentati in tutta la loro diversità. Le sue opere costituiscono la base del repertorio di molti famosi pianisti. Federico Chopinè un compositore polacco noto anche come pianista di talento. Ha vissuto solo 39 anni, ma è riuscito a creare molti capolavori: ballate, preludi, valzer, mazurche, notturni, polacche, studi, sonate e molto altro ancora. Uno di loro - "Ballata n. 1, in sol minore".

Franz Listz

È uno dei più grandi compositori del mondo. Ha vissuto una vita relativamente lunga e sorprendentemente ricca, ha conosciuto la povertà e la ricchezza, ha incontrato l'amore e ha affrontato il disprezzo. Oltre al talento dalla nascita, aveva una fantastica capacità di lavoro. Franz Listz meritava non solo l'ammirazione di intenditori e appassionati di musica. Sia come compositore che come pianista, ha ricevuto l'approvazione universale dalla critica europea del XIX secolo. Ha creato oltre 1300 opere e simili Federico Chopin opere preferite per pianoforte. brillante pianista, Franz Listz sapeva riprodurre al pianoforte il suono di un'intera orchestra, improvvisava magistralmente, aveva una memoria fantastica delle composizioni musicali, non aveva eguali nel leggere le note da uno spartito. Aveva uno stile di esecuzione patetico, che si rifletteva anche nella sua musica, emotivamente appassionato ed eroicamente ottimista, creando immagini musicali colorate e lasciando un'impressione indelebile sugli ascoltatori. Il segno distintivo del compositore sono i concerti per pianoforte. Uno di questi lavori. Una delle opere più famose Listz – "Sogni d'amore":

Giovanni Brahms

Una figura significativa nel periodo romantico della musica è Giovanni Brahms. Ascolta e ama la musica BrahmsÈ considerato buon gusto e segno caratteristico di natura romantica. Brahms non ha scritto una sola opera, ma ha creato opere di tutti gli altri generi. gloria speciale Brahms portato le sue sinfonie. Già nelle prime opere si manifesta l'originalità del compositore, che alla fine si è trasformata nel suo stile. Considerando tutte le opere Brahms, non si può dire che il compositore sia stato fortemente influenzato dal lavoro dei suoi predecessori o contemporanei. E in termini di creatività Brahms spesso paragonato a Bach E Beethoven. Forse questo paragone è giustificato nel senso che l'opera dei tre grandi tedeschi rappresenta il culmine di un'intera epoca nella storia della musica. A differenza di Franz Listz vita Giovanni Brahms era privo di eventi turbolenti. Preferiva la creatività silenziosa, durante la sua vita si guadagnò il riconoscimento del suo talento e il rispetto universale, e ricevette anche notevoli onorificenze. La musica più eccezionale in cui il potere creativo Brahms ha avuto un effetto particolarmente vivido e originale, è il suo "Requiem tedesco", un'opera che l'autore ha creato per 10 anni e dedicata a sua madre. Nella tua musica Brahms canta i valori eterni della vita umana, che risiedono nella bellezza della natura, nell'arte dei grandi talenti del passato, nella cultura della loro patria.

Giuseppe Verdi

Qual è la top ten dei compositori senza?! Il compositore italiano è meglio conosciuto per le sue opere. Divenne la gloria nazionale d'Italia, il suo lavoro è il culmine dello sviluppo dell'opera italiana. I suoi successi e meriti come compositore non possono essere sopravvalutati. Fino ad ora, un secolo dopo la morte dell'autore, le sue opere rimangono le più apprezzate, ampiamente eseguite, conosciute sia dagli intenditori che dagli amanti della musica classica.

Per Verdi Il dramma è diventato la cosa più importante nell'opera. Le immagini musicali di Rigoletto, Aida, Violetta, Desdemona create dal compositore combinano organicamente melodia brillante e profondità di personaggi, caratteristiche musicali democratiche e raffinate, passioni violente e sogni luminosi. Verdi era un vero psicologo nel comprendere le passioni umane. La sua musica è nobiltà e potere, straordinaria bellezza e armonia, melodie inesprimibilmente belle, arie e duetti meravigliosi. Le passioni ribollono, commedia e tragedia si intrecciano e si fondono insieme. Trame di opere, secondo Verdi, dovrebbe essere "originale, interessante e ... appassionato, con passione sopra ogni altra cosa". E la maggior parte delle sue opere sono serie e tragiche, dimostrano situazioni drammatiche emotive e la musica dei grandi Verdi dà espressività a ciò che sta accadendo e sottolinea gli accenti della situazione. Avendo assorbito tutto il meglio che è stato realizzato dalla scuola lirica italiana, non ha negato le tradizioni operistiche, ma ha riformato l'opera italiana, l'ha riempita di realismo e le ha dato l'unità del tutto. Allo stesso tempo, non ha dichiarato la sua riforma, non ha scritto articoli a riguardo, ma ha semplicemente scritto opere in un modo nuovo. Processione trionfale di uno dei capolavori Verdi- opera - ha attraversato le scene italiane ed è proseguita in Europa, oltre che in Russia e in America, costringendo anche gli scettici a riconoscere il talento del grande compositore.

10 compositori più famosi al mondo aggiornato: 13 aprile 2019 da: Elena

Concerti per soli e orchestra

Ogni parte di questa lista è accompagnata da una playlist con tutte le opere citate in essa

Johann Sebastian Bach

Concerti di Brandeburgo

Allo stesso tempo, un ciclo ampio e compatto di sei capitoli da dieci a venti minuti. Sei concerti completamente diversi, accomunati da una gioia di vivere puramente bachiana, ognuno dei quali è stato il primo nel suo genere: ad esempio, il quinto concerto di Brandeburgo è il primo concerto in assoluto per clavicembalo e orchestra.

Alba Berg

"In memoria di un angelo"

Se l'opera Wozzeck è una delle più alte conquiste della nuova scuola viennese nel campo del dramma musicale, allora il Concerto per violino è un capolavoro di espressione lirica. Non ti lascerà indifferente, anche se qui non ci sono melodie orecchiabili; d'altra parte, il finale del concerto si basa su una citazione di Bach, intessuta organicamente nel tessuto dell'opera.

Ludwig van Beethoven

Concerto per violino e orchestra

Dimentica tutto ciò che hai sentito sulla pesantezza delle sinfonie di Beethoven: questo concerto sembra parlarti personalmente e non c'è un centesimo di pomposità in esso. Se ti annoi a metà, sarai ricompensato nel finale: ti regalerà una melodia così bella e triste che difficilmente potrai trattenerti dalle lacrime di gratitudine. Uno dei più grandi concerti per violino del mondo.

Giovanni Brahms

Concerto per violino, violoncello e orchestra

Se non ci sono tanti concerti per violoncello e orchestra quanti per violino o pianoforte, allora ci sono ancora meno concerti per violino e violoncello, e ognuno è tanto più prezioso. Il più brillante tra loro è il doppio concerto di Brahms, che incorpora le migliori caratteristiche delle sue composizioni sinfoniche e da camera. È pieno delle melodie più belle e, con ogni moderazione esterna, è insolitamente emotivo.

Antonio Vivaldi

"Le stagioni"

Uno dei brani più popolari della musica classica, un successo assoluto noto a tutti. Quattro stagioni: quattro concerti per violino, ognuno dei quali è migliore dell'altro.

Giorgio Gershwin

Rapsodia Blues

Il primo tentativo riuscito di incrociare i classici e il jazz, che ha dato origine a più di una nuova direzione eppure è rimasto unico.

Antonin Dvorak

Concerto per violoncello e orchestra

Una delle prime composizioni su larga scala con un violoncello nel ruolo principale, dove l'armonia e la raffinatezza della composizione si uniscono all'incredibile accessibilità delle melodie, che cadono all'orecchio senza alcuno sforzo.

Felice Mendelssohn

Concerto per violino in mi minore

Tutti conoscono la marcia nuziale di Sogno di una notte di mezza estate, anche se non è affatto l'opera principale di Mendelssohn. Possiede le eccellenti sinfonie italiane e scozzesi, i più bei trii, quartetti e oratori, nonché il Concerto per violino: non meno importante di quello di Beethoven, ma molto più comprensibile.

Sergej Rachmaninov

Concerto per pianoforte e orchestra n. 3

La musica di Rachmaninov e Mahler non hanno molto in comune, ma fu Mahler a dirigere una delle prime esecuzioni del concerto. Sebbene il Terzo Concerto all'inizio sia rimasto all'ombra del famoso Secondo, è anche uno dei più alti successi del genere ed è una delle prove più serie per i partecipanti ai concorsi pianistici. E il suo tema principale è una delle migliori melodie di tutta la letteratura musicale.

Jean Sibelius

Concerto per violino e orchestra

Alla fine del XIX secolo, la supremazia della tradizione musicale austro-tedesca era in discussione: una dopo l'altra si dichiararono nuove scuole nazionali: ungherese, ceca, polacca. Il fondatore di un altro, finlandese, oggi uno dei più avanzati al mondo, fu Sibelius, il cui concerto è diverso da qualsiasi altro e colpisce ancora il cuore.

Opera: da Monteverdi a Bizet e capolavori del Novecento

Giorgio Bizet

"Carmen"

Difficile credere che la prima di "Carmen" non sia stata un successo: i successi qui si susseguono con una tale densità che nessun'altra grande opera può vantare. Ouverture, habanera, distici del Toreador, seguidilla, "danza gitana" sono solo alcuni. Si può solo invidiare chi non le ha ancora ascoltate.

Riccardo Wagner

"Tannhauser"

Devi aver rabbrividito da bambino al suono di "Ride of the Valkyries" e aver sentito molte cose spiacevoli su Wagner. Prova a formarti la tua opinione sulla sua musica; se le opere di Wagner sono troppo lunghe per te, i frammenti orchestrali saranno sufficienti per cominciare. L'ouverture incredibilmente bella dell'opera "Tannhäuser" è di per sé un capolavoro, che apprezzerai sicuramente, indipendentemente dalla simpatia per le opinioni socio-politiche dell'autore.

Giuseppe Verdi

"La Traviata"

Don Giovanni, Carmen e La Traviata sono una delle tre migliori opere al mondo. Impossibile resistere al fascino de "La Traviata", anche se sei indifferente all'opera italiana: la musica è così deliziosa, brillante e allo stesso tempo intrisa di una premonizione di guai. La famosa storia d'amore che nasce e muore davanti ai nostri occhi.

Claudio Monteverdi

"Orfeo"

Non ha senso inserire nessuna delle tre opere di Monteverdi in una lista delle migliori opere: questo genio italiano è così originale, che ha effettivamente fondato l'opera come genere. Inizia con Orpheus, tanto più che la toccata che lo apre risuona da ogni parte e probabilmente lo sai: non riuscirai a staccarti.

Wolfgang Amadeus Mozart

"Don Juan"

Opera delle opere, la principale per tutti i tempi e popoli. Nessun'altra grande opera bilancia così tanto il tragico e il comico, l'alto e il basso, la voglia di vivere e l'inevitabilità della morte. Come diceva Svyatoslav Richter, "Così fan tutte" è più mistico di "Don Juan". Là, la statua è la colpa di tutto, che è venuta in vita ... E qui la donna è la colpa per essere nata nel mondo.

Wolfgang Amadeus Mozart

"È quello che fanno tutte le donne" ("Così fan tutte")

Il cinico di mezza età Don Alfonso si impegna a dimostrare a due giovani che la fedeltà delle loro spose è un concetto relativo. I ragazzi sembrano andare in guerra, tornano sotto le spoglie di stranieri innamorati, e ognuno si prende cura della sposa dell'altro. Le ragazze, non senza piacere, si sottomettono a un nuovo destino e stanno per sposarsi, ma poi tornano i veri corteggiatori. Decidono di suonare due matrimoni, anche se nessuno sembra felice. Un'opera sulle donne che sono più misteriose e imprevedibili degli uomini.

Leo Janacek

"Le avventure della volpe astuta"

Secondo lo scrittore Milan Kundera, Janáček ha compiuto l'impresa di aprire il mondo della prosa all'opera. In effetti, le melodie di Janáček si basano sul linguaggio umano in tutte le sue sfumature psicologiche. "Le avventure della volpe astuta" è l'opera più lirica del compositore ceco, che racconta la coesistenza di due mondi - il mondo delle persone e il mondo degli animali - e chiede il loro riavvicinamento.

Alba Berg

"Wozzek"

Musica come niente che tu abbia mai sentito prima. Al secondo o terzo tentativo, scoprirai che il linguaggio di quest'opera su un soldato pazzo non è così strano: il compositore semplicemente non compone melodie, ma mette le intonazioni naturali del linguaggio umano alla base della musica. La differenza con Janacek, secondo Kundera, è evidente: “L'espressionismo tedesco si distingue per il suo atteggiamento preferito verso gli stati d'animo eccessivi, il delirio, la follia. L'espressionismo di Janacek è il più ricco ventaglio di emozioni, una stretta opposizione di tenerezza e maleducazione, furia e calma.

Kurt Weill

"L'opera da tre soldi"

La composizione, che formalmente appartiene ai classici del Novecento, è stata venduta in hit, ripercorsa decine di volte, a cominciare dal geniale "Macky Knife" - uno dei simboli melodici del secolo. Sebbene Weill sia un grande innovatore nel campo della musica accademica, nessun altro compositore della sua generazione ha ricevuto tanta attenzione da artisti pop e rock.

Igor Stravinskij

"Edipo Rex"

Dissimili "Petrushka" e "The Sagra of Spring" non sembrano ancora essere opere di due autori diversi, mentre nell'opera-oratorio "Oedipus Rex" non si riconosce certo l'ideatore di "Petrushka". Non è un caso che Stravinsky fosse definito un camaleonte e un uomo dai 1001 stili. In "Edipo" cantano in latino, e la musica - forse la più bella di Stravinskij - risale al tardo barocco: niente arcaismo russo, niente frittelle.

Dmitry Shostakovich

"Lady Macbeth del distretto di Mtsensk"

I temi principali di una delle opere chiave del Novecento sono stati il ​​sesso e la violenza; ecco perché, poco dopo la prima trionfale del 1934, fu ufficialmente bandito dallo stesso Stalin nel 1936. Presta particolare attenzione alla danza degli ospiti nel terzo atto e al canto dei condannati nel quarto: una volta ascoltato, è già impossibile dimenticarlo.

Riccardo Strauss

"Elettra"

L'opera è basata sulla storia della morte del re Agamennone, ucciso dalla moglie e dal suo amante. La figlia del re odia sua madre e vive nella speranza di una punizione. Spinta da nobili motivi, l'eroina si sente come uno strumento nelle mani di Dio, e questa ossessione la trasforma in un mostro. Nel primissimo momento di una storia così cupa, l'orchestra fa cadere sugli ascoltatori una musica così disperata che i capelli si rizzano. L'opera, che dura quasi due ore senza interruzioni, è come una grandiosa sinfonia, dalla quale non ci si può staccare.

Assolo. pianoforte e violino

Carlo Ives

"Sonata"Concorde"

Più che una sonata, un intero studio sul tema: la musica può esprimere qualcosa al di là di ciò che suona? Una delle composizioni pianistiche più importanti del Novecento è rimasta incompiuta solo perché lo ha deciso lo stesso autore: “La sonata mi sembra incompiuta ogni volta che la suono. Forse non mi negherò il piacere di non finirlo affatto. La sonata è intrisa del "tema del destino" di Beethoven, che ripristina l'ordine in mezzo al caos o capovolge la storia di 180 gradi.

Johann Sebastian Bach

"Clavicembalo ben temperato" (HTK)

Probabilmente l'opera più perfetta della storia della musica: due cicli di 24 preludi e fughe in tutte le tonalità esistenti sono come due colossali cattedrali gotiche, una più bella dell'altra. Quasi chiunque può suonare il primo preludio in do maggiore al pianoforte; tuttavia, gradualmente il ciclo diventa più complesso. E tutto è più interessante.

Johann Sebastian Bach

Sonate e partite per violino solo

Non è noioso ascoltare a lungo un violino solitario? Niente affatto: può fare molto di più di quanto possiamo immaginare. Per lo meno, Bach si impegna per la piena copertura delle sue possibilità. La perla del ciclo è la famosa ciaccona, che è la musica più struggente del mondo.

Ludwig van Beethoven

Sonata per pianoforte n. 14

Tra le 32 sonate per pianoforte di Beethoven, Moonlight potrebbe non essere la migliore, ma sicuramente la più famosa; è stato citato da molti, da Shostakovich ai Beatles. Poche opere al mondo hanno superato a tal punto i propri confini, diventando simbolo di un amore non corrisposto.

Claudio Debussy

Preludi

Una concisa enciclopedia dell'opera del grande compositore, una bizzarra combinazione di romanticismo e impressionismo, antiche tradizioni della musica per pianoforte e paradossi del XX secolo. I nomi di ogni preludio non sono all'inizio, ma alla fine delle note, come se chiedessero indovinelli all'ascoltatore, controllando se ha catturato correttamente l'atmosfera del brano, che si tratti di "Sails", "Steps in the Snow", "Mists" o "Fireworks".

Olivier Messiaen

"Venti Sguardi al Bambino Gesù"

Una delle opere principali di Messiaen, anche nell'anno del suo centenario, è stata suonata più spesso in frammenti che nella sua interezza: questo ciclo richiede troppa dedizione. La più grande composizione per pianoforte dell'epoca, con la quale si possono confrontare solo 24 preludi e fughe di Shostakovich, è una creazione atipica per la metà del XX secolo: dov'è l'ironia e la riflessione, dov'è il rigore e il calcolo? Questa è una preghiera grandiosa, due ore e un quarto di musica prevalentemente maggiore con numerose ripetizioni.

Wolfgang Amadeus Mozart

Sonata per pianoforte n. 11

Il famoso Rondò turco in realtà non è un brano indipendente, ma il finale di una delle sonate di Mozart, le cui altre parti non sono meno deliziose. Come, infatti, e altre sonate per pianoforte di Mozart, per non parlare della sua "Fantasia".

Modesto Musorgskij

"Quadri in una mostra"

Questo ciclo è meglio conosciuto per la sua orchestrazione di Maurice Ravel, che oggi è percepito come un successo brillante, ma molto pop. Ascolta la versione originale di "Pictures", originariamente scritta per pianoforte, e rimarrai stupito di quanto sia insolita e per nulla di successo questa musica.

Niccolò Paganini

24 capricci per violino solo

Una nuova parola nella scoperta delle possibilità del violino e dei violinisti, che è stata una prova di virtuosismo già per il terzo secolo. L'ultimo, ventiquattresimo capriccio è più conosciuto di altri: un tema breve ma brillante, variazioni su cui hanno scritto molti grandi compositori.

Eric Sati

Gimnopedie e altre opere per pianoforte

Sebbene Satie sia un compositore del XX secolo, molte sue opere sono apparse nel secolo precedente: nel 1888 furono scritte innopedie che anticiparono il genere dell'easy listening. Sati possedeva anche l'idea della musica come sottofondo discreto: oggi non c'è nessun posto dove andare da essa, ma cento anni fa era una novità.

Federico Chopin

24 Preludi per pianoforte

Enciclopedia del romanticismo musicale e allo stesso tempo un variopinto caleidoscopio di generi: elegia, mazurka, marcia, canto senza parole e tanto altro. Il principale mezzo di espressione, che attira l'attenzione dell'ascoltatore, è il contrasto di maggiore e minore in ciascuna coppia adiacente di preludi.

Roberto Schumann

"Kreisleriana"

Un ciclo di spettacoli di fantasia, il cui nome è stato dato dall'immagine di Johannes Kreisler, il folle direttore d'orchestra inventato da Hoffmann, che spaventa chi lo circonda con la sua devozione per la musica. Una delle migliori opere di Schumann, il compositore più romantico che sia mai esistito.

Capolavori della musica vocale

Johann Sebastian Bach

Cantate

Oltre alla magnifica "Passione" e alla Messa in si minore, Bach scrisse oltre duecento cantate. Ancor più di questa lista, meritano le parole "la migliore musica del mondo". Riempirai una playlist con molti mesi di anticipo se decidi di ascoltarli gradualmente tutti. Per l'impossibilità di individuare il migliore tra i migliori, ne segnaliamo tre: "Il cielo si rallegra, la terra si rallegra" (BWV 31) con un magnifico assolo di tromba nel finale, "Chi crederà e sarà battezzato" (BWV 37) con una meravigliosa aria "La fede crea ali per l'anima" e la più probabilmente famosa "Mi basta" (BWV 82).

Luciano Berio

Canzoni folk

Un saggio veramente universale; Berio, il più importante artista d'avanguardia della seconda metà del XX secolo, ha elaborato una serie di canzoni autentiche dall'Europa e dall'Asia, aggiungendovi un paio di sue. L'ascoltatore, che è lontano dall'avanguardia, sarà contento che anche gli artisti d'avanguardia abbiano opere che sembrano semplici e comprensibili.

Benjamin Britten

Requiem di guerra

Composizione insolita: due orchestre con due direttori, due cori, tre solisti e un organo. Il tenore, il baritono e l'orchestra da camera sono responsabili della parte "militare" del requiem, che si basa sulle poesie del poeta morto nella prima guerra mondiale. L'orchestra sinfonica, il coro e il soprano eseguono le parti tradizionali del requiem da "Requiem æternam" e "Dies irae" a "Agnus Dei" e "Libera me". Un risultato sorprendente, diverso sia dalle messe funebri delle epoche precedenti, sia dai requiem non tradizionali del XX secolo.

Antonio Vivaldi

Arie da opere

Dovresti ascoltare almeno allora per sapere: Le quattro stagioni non è l'unica e forse nemmeno la migliore opera di Vivaldi. Almeno, una raccolta delle sue arie eseguite da Magdalena Kozhena ti farà dimenticare per un po 'il successo intramontabile.

Valery Gavrilin

Quaderno russo. Quaderni tedeschi»

Il "Quaderno russo" riflette l'esperienza del folclorista Gavrilin, e questo lavoro profondamente nazionale è un analogo dei grandi cicli di Schubert e Schumann. Ma con cosa confrontare i "quaderni tedeschi", scritti sui versi di Heine - il massimo che nessuno dei due è il materiale di Schumann? Come spiegare l'apparizione di un ciclo così meraviglioso come il "Primo taccuino tedesco" in uno studente del secondo anno, dal quale il professore, sotto la minaccia di un diavolo, chiede "qualcosa di vocale"? Probabilmente solo un miracolo.

Georg Friedrich Händel

"Messia"

Alla vigilia delle festività religiose, "Messia" viene eseguito in tutto il mondo; connesso a questo c'è una storia vera su un suonatore d'orchestra. Alla domanda "Cosa ti è successo?" ha risposto: “Ho avuto un incubo! Ho sognato che stavo suonando di nuovo "Messia"! Inoltre, quando mi sono svegliato, si è scoperto che era vero! Le migliori interpretazioni di "Messiah" non hanno nulla a che fare con questa realtà, è musica veramente divina. Dopo aver completato Il Messia in tre settimane, Handel ha detto: "Pensavo che il cielo si fosse aperto e vedo il Creatore".

Gustav Mahler

Canzoni sui bambini morti

Una delle opere più terribili della storia della musica: che si creda o meno nel destino, però, poco dopo la creazione di questo ciclo vocale, Mahler perse la sua amata figlia. Cinque canzoni incredibilmente belle e inesprimibilmente tristi.

Gustav Mahler

"Canzone della Terra"

La prima sinfonia, dove cantano dall'inizio alla fine, e una grande orchestra suona da camera, in modo che tutti gli strumenti vengano ascoltati. L'ultima parte - "Addio" - l'autore considerava un suicidio, ma voglio tornarci ancora e ancora.

Olivier Messiaen

Tre piccole liturgie della Divina Presenza

Cattolicesimo, studio del linguaggio degli uccelli e attenzione alle culture extraeuropee: queste caratteristiche formano l'opera di Messiaen, una direzione separata nella musica del XX secolo. Sebbene il linguaggio di Messiaen sia diverso da quello di chiunque altro, la sua musica è insolitamente contagiosa: ascolta le liturgie almeno una volta e ti accorgerai che le stai canticchiando.

Alfred Schnittke

"La storia del dottor Johann Faust"

La cantata di Schnittke non ha nulla in comune con il Faust di Goethe: è basata sul "Libro del popolo su Faust" del XVI secolo. Una scoperta geniale è Mefistofele, che appare in due sembianze: il diavolo che seduce (controtenore), il diavolo che beffa e punisce (contralto). Sebbene la prevista partecipazione di Alla Pugacheva alla prima di Mosca sia stata annullata, la polizia a cavallo era in servizio vicino alla sala. L'umiliazione dell'eroe culmina in un allegro tango con i sassofoni, intromettendosi inaspettatamente nella musica aspra.

Dmitry Shostakovich

Sinfonia n. 14

Sebbene la penultima sinfonia di Shostakovich sia dedicata a Britten, è più strettamente associata a Mahler. In sostanza, questa è una continuazione del suo "Canto della Terra", una sinfonia-cantata con la partecipazione di due cantanti, completamente dedicata alla morte. Anche tra le cupe sinfonie di Shostakovich, questa in particolare è piena di depressione e senso di solitudine. Due voci si uniscono solo per cantare nel finale: “La morte è onnipotente. È in guardia e nell'ora della felicità.

FranzSchubert

"Via invernale"

L'apice della musica vocale mondiale: 24 canzoni unite da uno stato d'animo amaro comune e immagini cupe della natura. La finale, "The Organ Grinder", è una delle canzoni più disperate di Schubert (e ne ha circa 600!): una melodia cupa suona sullo sfondo dei suoni opachi e monotoni di un organetto.

Grandi sinfonie

Ettore Berlioz

Fantastica sinfonia

Uno dei primi - forse il più eclatante - esempi di musica a programma: cioè musica che è preceduta da uno specifico scenario. La storia dell'amore non corrisposto di Berlioz per l'attrice irlandese Harriet Smithson ha costituito la base del capolavoro, dove ci sono "Dreams", "Ball", "Scene in the Fields" e "Procession to the Execution", e persino "Dream on the Night of the Sabbath".

Ludwig van Beethoven

Sinfonia n. 7

Delle tre sinfonie più famose di Beethoven, è meglio iniziare non dalla Quinta con il suo "tema del destino" e non dalla Nona con il suo finale "Hug, million". Nella settima c'è molto meno pathos e più umorismo, e l'ingegnosa seconda parte è familiare anche agli ascoltatori lontani dai classici dell'elaborazione del gruppo Deep Purple.

Giovanni Brahms

Sinfonia n. 3

La prima sinfonia di Brahms fu chiamata Decima sinfonia di Beethoven, riferendosi alla continuità della tradizione. Ma se le nove sinfonie di Beethoven non sono uguali, ognuna delle quattro sinfonie di Brahms è un capolavoro. Il pomposo inizio della Terza è solo una brillante copertura per un'affermazione profondamente lirica, che raggiunge il suo apice in un indimenticabile allegretto.

Anton Bruckner

Sinfonia n. 7

Il successore di Bruckner è Mahler; sullo sfondo delle sue tele simili a montagne russe, le sinfonie di Bruckner possono sembrare noiose, specialmente i loro infiniti adagi. Tuttavia, ogni adagio è seguito da uno scherzo emozionante, e la Settima Sinfonia non ti farà annoiare fin dal primo movimento, premuroso e persistente. Non meno belli il finale, lo scherzo e l'adagio dedicati alla memoria di Wagner.

Giuseppe Haydn

Sinfonia n. 45 "Addio"

Sembra impossibile scrivere più facilmente di Haydn, ma questa ingannevole semplicità racchiude il segreto principale della sua abilità. Delle sue centoquattro sinfonie, solo undici sono state scritte in minore, e la migliore tra queste è "Farewell", nel finale della quale i musicisti escono di scena uno alla volta. Fu da Haydn che il gruppo Nautilus Pompilius prese in prestito questa tecnica per eseguire la canzone "Goodbye America".

Giuseppe Haydn

Sinfonia n. 90

Sullo sfondo dell'impetuoso Farewell, le successive sinfonie di Haydn sono molto più equilibrate e positive. Sono pieni di calore speciale, bellezza e armonia senza arte. E, naturalmente, l'umorismo: l'ultima parte della sinfonia è coronata da un finale “falso”, che anche il pubblico sofisticato prende per vero e inizia ad applaudire quando l'orchestra sta ancora suonando.

Antonin Dvorak

Sinfonia n. 9 "Dal nuovo mondo"

Raccogliendo materiale per la sinfonia, Dvořák ha studiato la musica nazionale americana, ma ha fatto a meno di citare, cercando prima di tutto di incarnarne lo spirito. La sinfonia per molti versi risale sia a Brahms che a Beethoven, ma è priva della pomposità insita nelle loro opere.

Gustav Mahler

Sinfonia n. 5

Le due migliori sinfonie di Mahler sembrano somigliarsi solo all'inizio. La confusione delle prime parti della Quinta sfocia in un adagietto da manuale, pieno di languore, più volte utilizzato al cinema ea teatro. E alla minacciosa fanfara dell'introduzione risponde un finale ottimista del tutto tradizionale.

Gustav Mahler

Sinfonia n. 6

Chi avrebbe mai pensato che la prossima sinfonia di Mahler sarebbe stata la musica più oscura e senza speranza del mondo! Il compositore sembra piangere tutta l'umanità: tale stato d'animo si afferma fin dalle prime note e peggiora solo verso il finale, che non contiene un raggio di speranza. Non per i deboli di cuore.

Gustav Mahler

Sinfonia n. 7

La trilogia si conclude con una sinfonia-mistero. È generalmente considerato scomodo per l'esecuzione e la percezione, sebbene questa sia una vera celebrazione della musica: se nel resto delle sinfonie di Mahler cerchi ancora il conflitto, volenti o nolenti, è quasi impossibile trovarlo qui. Si può solo intuire perché, tra le parti estreme della Settima, sia collocata, per così dire, un'altra sinfonia interna di due octurnes e uno scherzo centrale.

Wolfgang Amadeus Mozart

Sinfonia n. 25

Tra le oltre quaranta sinfonie di Mozart, solo due sono scritte in tonalità minore, e nella stessa: Sol minore unisce alcune delle sue opere chiave. Il venticinquesimo e il quarantesimo sono separati da quindici anni, nel caso di Mozart quasi la metà della vita. Entrambi sono ugualmente tristi, ma se il Quarantesimo si svolge pensieroso e lento, il Venticinquesimo cade su di te con tutta la rapidità dell'era della "tempesta e dello stress".

Wolfgang Amadeus Mozart

Sinfonia n. 40

Un altro super successo, il cui inizio provoca irritazione involontaria. Cerca di accordare l'orecchio come se stessi ascoltando la Quarantesima per la prima volta (ancora meglio se lo è): questo ti aiuterà a sopravvivere alla prima parte brillante, anche se assolutamente battuta, e sapere che è seguita da una seconda, una terza e una quarta non meno meravigliose.

Sergej Prokof'ev

Sinfonia classica

Prokofiev ha spiegato il nome della sinfonia come segue: "Per malizia, per stuzzicare le oche, e nella segreta speranza che ... la batterò se, nel tempo, la sinfonia si rivela così classica". Dopo una serie di audaci composizioni che hanno entusiasmato il pubblico, Prokofiev ha composto una sinfonia nello spirito di Haydn; è diventato quasi subito un classico, anche se le altre sue sinfonie non hanno niente in comune con esso.

Pyotr Ciajkovskij

Sinfonia n. 5

La Quinta Sinfonia di Ciajkovskij non è così popolare come i suoi balletti, sebbene il suo potenziale melodico non sia da meno; su due o tre dei suoi minuti potrebbe fare un successo, per esempio, Paul McCartney. Se vuoi capire cos'è una sinfonia, ascolta la Quinta di Čajkovskij, uno dei migliori e più completi esempi del genere.

Dmitry Shostakovich

Sinfonia n. 5

Nel 1936, Shostakovich fu sottoposto a diffamazione a livello statale. In risposta, chiedendo aiuto alle ombre di Bach, Beethoven, Mahler e Mussorgsky, il compositore ha creato un'opera che è diventata un classico già al momento della prima. Secondo la leggenda, Boris Pasternak ha parlato della sinfonia e del suo autore: "Ha detto tutto quello che voleva - e non ha ottenuto nulla per questo".

Dmitry Shostakovich

Sinfonia n. 7

Uno dei simboli musicali del XX secolo e sicuramente il principale simbolo musicale della seconda guerra mondiale. Un insinuante rullo di tamburi dà inizio al famoso "tema dell'invasione", che illustra non solo il fascismo o lo stalinismo, ma qualsiasi epoca storica basata sulla violenza.

Francesco Schubert.** Sinfonia incompiuta

L'ottava sinfonia si chiama Unfinished - invece di quattro parti, ce ne sono solo due; tuttavia, sono così saturi e forti da essere percepiti come un tutto completo. Dopo aver interrotto il lavoro sul lavoro, il compositore non l'ha più toccato.

Bella Bartok.

Concerto per orchestra

Bartók è noto principalmente come autore di innumerevoli brani per le scuole di musica. Il fatto che questo sia lontano dall'intero Bartok è evidenziato dal suo concerto, dove l'austerità accompagna la parodia e allegre melodie popolari accompagnano una tecnica sofisticata. Infatti, la sinfonia d'addio di Bartók, così come le Danze sinfoniche di Rachmaninov.

Sergej Rachmaninov

"Danze Sinfoniche"

L'ultima opera di Rachmaninov è un capolavoro di potenza senza precedenti. L'inizio sembra avvertire di un terremoto: è sia un presagio degli orrori della guerra che una consapevolezza della fine dell'era romantica nella musica. Rachmaninoff ha definito "Dances" il suo lavoro migliore e preferito.

Tesori della musica da camera

Giovanni Brahms

Sonata per violino e pianoforte n. 3

L'ensemble da camera è uno dei tipi più raffinati di fare musica: una sonata per violino, un trio per pianoforte o un quartetto d'archi può spesso esprimere molto più di un balletto o di una sinfonia. Sinonimo di musica da camera è il nome di Brahms, di cui ogni composizione da camera è un capolavoro. Compresa questa sonata, il cui inizio indimenticabile nasce da una frase, come interrotta a metà frase.

Ludwig van Beethoven

Quartetto d'archi n. 11 "Serioso"

Gli ultimi quartetti di Beethoven sono uno dei vertici della musica da camera. Prima di allora, il compositore non le scriveva da quasi quindici anni, soffermandosi dopo il geniale quartetto in fa minore con il sottotitolo "Serioso" - "Serious". Nonostante la sua brevità, è incredibilmente ricco di spunti e sbalzi d'umore, soprattutto la parte veloce, la cui intonazione corre senza sosta tra l'interrogativo e l'affermativo.

Giovanni Brahms.

Quartetto per pianoforte, violino, viola e violoncello n. 1

Un'altra chicca, dove ognuno dei capitoli è pieno di sorprese, soprattutto gli ultimi due: non è sorprendente questa marcia giubilante nel mezzo della parte lirica? Il "Rondo in stile ungherese" finale non lascia molto indietro qualcuno dei "Danze ungheresi"? Il quartetto fu creato da Brahms molto prima della sua Prima Sinfonia, ma i quattro strumenti erano dotati di una tale ricchezza di melodie e armonie che sarebbe sufficiente per un'intera orchestra.

Antonin Dvorak

Quintetto per pianoforte, due violini, viola e violoncello №2

Il secondo quintetto Dvorak fu creato nel 1887, un quarto di secolo dopo il quartetto di Brahms. Un'altra composizione tardo romantica, ancora più contrastante e ancora più densamente condita con motivi dell'Europa orientale: c'è posto sia per il pensiero ucraino che per le danze boeme. I protagonisti sono tre: violoncello e viola, i cui assoli aprono il primo e il secondo movimento, così come il pianoforte, che lega con fili invisibili la trama del quintetto.

Wolfgang Amadeus Mozart

Sonata per violino e pianoforte n. 21

La musica più triste del mondo.

Cesare Franco

Sonata per violino e pianoforte

Una delle migliori sonate per violino mai scritte è una composizione completamente romantica, che si sforza con tutte le sue forze di andare oltre il romanticismo. Senza dubbio, ricorderai la prima frase incredibilmente bella la prima volta, e non solo.

Pyotr Ciajkovskij

"In memoria di un grande artista"

Per molti, Čajkovskij - "Lo schiaccianoci", "La bella addormentata", il primo concerto per pianoforte. Il trio "In Memory of a Great Artist" non ha nulla a che fare con queste opere: un'affermazione tragica, profondamente intima, priva di ogni tipo di pesantezza e pomposità. Non hai mai sentito un simile Ciajkovskij.

Dmitry Shostakovich

Quartetto per archi n. 8

Il nome "In memoria delle vittime del fascismo e della guerra" è solo una copertura del vero nome che Shostakovich aveva in mente: "In memoria dell'autore di questo quartetto". Non è affatto l'ultima opera del compositore, tuttavia, divenne il suo monumento a se stesso: un triste epitaffio, stratificato con citazioni delle migliori opere di Shostakovich.

FranzSchubert

Trio per pianoforte n. 2

Le composizioni da camera di Schubert non sono meno espressive e penetranti di quelle vocali. Ne è un esempio il trio per pianoforte, violino e violoncello: il tema principale del suo secondo movimento è ricordato dalla prima volta e per tutta la vita, guardatelo.

Classici del XX secolo

Carlo Ives

"La domanda senza risposta"

Un piccolo capolavoro è la chiave di tutta la musica del Novecento: gli archi suonano una cosa, i flauti un'altra, la tromba una terza. Non c'è una melodia orecchiabile, ma suona bella e ammaliante.

Arnold Schönberg

Serenata

Un altro, insieme a Wozzeck, esempio di "dodecafonia dal volto umano". Anche se è improbabile che qualcuno possa cantare qualche battuta di una serenata, è piena di grinta e umorismo: tra gli strumenti ci sono una chitarra e un mandolino, che danno al suono freddo dell'ensemble una certa informalità e persino folk.

Arnold Schönberg

"Luna Pierrot"

Se la serenata è un esempio di uno stile rigoroso e consolidato, Lunar Pierrot ne è solo una ricerca: Schoenberg non ha ancora scoperto la dodecafonia, ma ha già abbandonato la tonalità, maggiore e minore. Con l'accompagnamento di un piccolo ensemble, una parte vocale suona alla maniera del canto vocale - a metà tra il canto e il discorso umano eccitato. Uno degli scritti più rivoluzionari del XX secolo.

Pierre Boulez

"Martello senza maestro"

Il musicista che ha creato le registrazioni di riferimento delle composizioni di Schoenberg ha risposto alla sua morte con un articolo dal titolo provocatorio "Schoenberg è morto". E tre anni dopo apparve "The Hammer Without a Master" per voce e ensemble, una sorta di "Pierrot lunare" della seconda metà del XX secolo. Stravinsky, che identificò il Lunar Pierrot come il plesso solare della nuova musica, in seguito definì senza esitazione The Hammer Without a Master la migliore composizione contemporanea, suonando "come se i cubetti di ghiaccio si scontrassero in un bicchiere".

Claudio Debussy

"Pomeriggio di un fauno"

Il giorno della prima della composizione - 22 dicembre 1894 - divenne il compleanno dell'impressionismo musicale. "Faun" inizia con un indimenticabile assolo di flauto che ha aperto nuovi orizzonti nella world music.

Zoltan Kodai

"Ballando da Galanta"

Un pezzo efficace basato su autentiche melodie folk, dove i tempi lenti sono sostituiti da tempi così veloci da togliere il fiato. Questo cambio di ritmo è un tratto caratteristico dei verbbunkos, una danza ungherese eseguita nelle stazioni di reclutamento e al congedo per l'esercito. Quindici minuti di pura gioia.

Dario Millau

"Creazione del mondo"

I compositori francesi del gruppo "Six" hanno proposto una versione europea di ciò in cui Gershwin è riuscito: combinare la tradizione classica con il jazz e i suoni della grande città, virando verso forme semplici e melodie accattivanti. Milhaud ha avuto particolare successo con i suoi balletti Il toro sul tetto e La creazione del mondo. "Tipo, e anche questo è un classico!?" - tu chiedi. Certamente sì.

Arthur Honegger

"Pacifico 231"

Un altro simbolo musicale del Novecento in generale e del progresso tecnologico in particolare. Dopo aver terminato un energico brano orchestrale, l'autore per divertimento gli ha dato il nome della locomotiva a vapore più potente del mondo. Il pubblico ha preso sul serio la battuta quando ha sentito in Pacifica il ritratto sonoro di una locomotiva a vapore che accelera, ronza e poi rallenta; ottima musica che dà molto spazio all'immaginazione.

Krzysztof Penderecki

"Lamento per le vittime di Hiroshima"

Lo spettacolo, come Pacific 231, è stato glorificato principalmente dal titolo. Scritta nella lingua più avanzata per la metà del XX secolo, la partitura non ebbe successo con il nome originale "8.37", ma con quello nuovo divenne molto popolare, sebbene non fosse cambiata una sola nota. Per quanto Pacific sia positivo, Lament è altrettanto deprimente, anche se dovresti assolutamente conoscerlo.

Sergej Prokof'ev

"Romeo e Giulietta"

La migliore delle incarnazioni musicali della tragedia di Shakespeare, che conta diversi successi - prima di tutto, il noto tema "Dance of the Knights" (popolare sotto il nome di "Montecchi e Capuleti"). Sorprendentemente, il Teatro Bolshoi, che aveva commissionato il balletto, inizialmente lo rifiutò, considerando la musica non messa in scena e impensabile per il teatro.

Maurizio Ravel

"Bolero"

Rullo di tamburi, il flauto suona un tema apparentemente semplice, che viene gradualmente ripreso da altri strumenti dell'orchestra. Sembra uno schema semplice, ma l'ascoltatore rimarrà comunque a bocca aperta, anche se conosce a memoria il Bolero.

Maurizio Ravel

Valzer

Un tipico valzer viennese emerge gradualmente da un rombo indistinto. I ballerini girano sempre più veloci e finalmente la molla di questo carillon infuriato scoppia. Una rappresentazione inquietante e perfetta della fine di un'era meravigliosa, che è stata sostituita da un secolo di guerre mondiali.

Arvo Part

Frati

Pärt è il compositore contemporaneo più eseguito, le sue composizioni vengono ascoltate in tutto il mondo centinaia di volte all'anno. A metà degli anni '70, Pärt è passato dall'avanguardia alla musica tranquilla e lenta, che si è rivelata insolitamente richiesta: molti fan di Pärt sono lontani dai classici e percepiscono le sue opere come una sorta di sedativo musicale. La composizione di riferimento è "Fratres", che suona in modo diverso in ciascuna delle numerose edizioni, ma non perde l'intonazione di un triste punto interrogativo.

Steve Reich

"Diversi treni"

Un altro classico vivente, un tempo noto come avanguardia. “Altri treni” è un monumento alle vittime dell'Olocausto: Reich contrappone i treni della sua infanzia, sui quali ha attraversato l'America più di una volta, ad altri che hanno mandato i suoi coetanei europei nei campi di concentramento. La composizione è stata scritta per un quartetto d'archi e un fonogramma, che include il suono delle ruote, i fischi delle locomotive, le storie dei sopravvissuti all'Olocausto. Frammenti di discorso umano, registrati con note, sono diventati la base delle parti strumentali. Ideale per il primo incontro con Reich.

Igor Stravinskij

"Prezzemolo"

Una delle espressioni più perfette dello spirito russo nella musica: Shrovetide, ghironda, armonica, zingari, un orso ammaestrato, "Lungo la Piterskaya", "Oh, il mio baldacchino, baldacchino", carnevale, divertimento, frittelle.

Igor Stravinskij

"Primavera sacra"

L'esatto contrario di "Petrushka": paganesimo, paura della morte, danze lente e cupe, sacrificio nella speranza di placare gli elementi, spazzare via completamente le armonie - una delle partiture più rivoluzionarie e scandalose nella storia della musica.

Alfred Schnittke

concerto grosso №1

Il segno distintivo del principale compositore sovietico dopo Shostakovich: elementi di stili che si escludono a vicenda si fondono qui in un unico insieme. "Come parte del Concerto grosso, ho introdotto un vivace corale per bambini, una serenata nostalgico-atonale - un trio garantito come autentico Corelli (prodotto in URSS) e il tango preferito di mia nonna, che la sua bisnonna suona al clavicembalo."

Alfred Schnittke

"Racconto di revisione"

Un'introduzione ideale alla musica di Schnittke per coloro che la trovano troppo complessa. La combinazione di clavicembalo con strumenti pop crea uno spazio sfaccettato, dove c'è posto per il "tema del destino" di Beethoven, e le parodie di Haydn, le cui intonazioni sono portate alla zuccherina, e le ombre di Mozart e Ciajkovskij, che ballano tango e cancan.

Solo capolavori

Johann Sebastian Bach

Suite per orchestra n. 2 e 3

Rispetto a HTK, due suite suonano come musica leggera, tanto più che ognuna contiene almeno un super hit: rispettivamente "Joke" e "Aria", da tempo vendute su suonerie e salvaschermi TV e radio. Tuttavia, questo potrebbe accadere con altri frammenti di queste suite, pieni di melodie luminose.

Giovanni Brahms

"Danze ungheresi"

Se l'orchestra sinfonica esegue il bis, in un caso su tre il direttore sceglierà il Primo ballo ungherese; in casi estremi - il quinto. Due dozzine di miniature per due pianoforti, successivamente arrangiate per orchestra, furono create sulla base di autentiche melodie ungheresi; risultato - 21 esemplari bis.

Edvard Grieg

"Peer Gynt"

Il dramma di Ibsen "Peer Gynt" è famoso in tutto il mondo e la musica di Grieg scritta per la sua prima è ancora più popolare: "Solveig's Song" e "In the Hall of the Mountain King" sicuramente conosci. Non negarti il ​​piacere di ascoltare "Peer Gynt" nella sua interezza.

Alessandro Scriabin

"Prometeo"

Nella sua ultima e, forse, la sua opera sinfonica più significativa, Scriabin ha cercato di esprimere l'idea del trionfo dello spirito, per raggiungere il massimo splendore. Pertanto, "Prometheus" (alias "The Poem of Fire") è stato scritto non solo per l'orchestra, il pianoforte, l'organo e il coro, ma anche per la tastiera leggera, immergendo la sala da concerto nello splendore di un colore o dell'altro. Tuttavia, di per sé la musica di "Prometheus" è letteralmente traboccante di luce solare.

Bedrich Smetana

"La mia patria"

Il ciclo di poemi sinfonici è un ritratto musicale della Repubblica Ceca, della sua storia, natura e leggende. Particolarmente popolare è la "Moldava", in cui è possibile ascoltare il flusso del fiume, la caccia nella foresta sulle sue rive e le danze notturne delle sirene. Il tema principale viene dalla canzone italiana del XVII secolo "La Mantovana". Successivamente, la stessa melodia ha costituito la base dell'inno di Israele.

Nikolai Rimskij-Korsakov

"Scheherazade"

In primo luogo, l'autore ha dato alle parti dei nomi della suite: "The Sea and Sinbad's Ship", "The Fantastic Story of Tsarevich Kalender", "Prince and Princess", "Baghdad Holiday". Mare. La nave si schianta su uno scoglio con un cavaliere di bronzo. Conclusione”, ma in seguito ha deciso di rimuoverli. Tuttavia, sono ben noti e, ascoltando la musica, associamo involontariamente il violino alla voce di Scheherazade, le esclamazioni degli strumenti a fiato a una tempesta in mare, l'assolo di flauto alla nave di Sinbad il Marinaio. Uno dei migliori esempi di musica a programma.

Riccardo Strauss

"Don Chisciotte"

Delle opere di Strauss, la poesia più famosa è "Così parlò Zarathustra", la cui introduzione funge da salvaschermo per il programma "Cosa? Dove? Quando?". Tuttavia, Don Chisciotte, dove il violoncello canta per conto del famoso cavaliere, è molto più ricco di colpi di scena inaspettati e, come poche altre musiche al mondo, ricorda un film emozionante.

Serenata - una canzone d'amore su cui il tempo non ha potere

Come sciogliere il cuore di una bellezza inespugnabile? Serenata per lei piena di amore e romanticismo. Al momento, poche persone sono pronte a osare un simile atto. I tempi e le usanze non sono gli stessi. Ma le scene dei film, in cui un uomo affascinante esegue una canzone languida al suono di una chitarra per la sua amata, non lasciano indifferenti le belle persone. La serenata è uno standard di dichiarazione d'amore.

storia serenate e molti fatti interessanti letti sulla nostra pagina.

Cos'è una serenata?

In italiano c'è la parola serenata, che si traduce come "chiaro, aperto". Si ritiene che il nome del genere sia venuto da lui. Gli echi della lingua latina si sentono anche nella serenata: la parola sera o “tardi” sottolinea ancora una volta il carattere serale dell'esecuzione dei canti. Si scopre che una serenata sta letteralmente cantando all'aria aperta la sera.

Cosa rende una serenata così speciale?

Prima di tutto, è la privacy della situazione in cui viene eseguita. L'intera azione ricorda uno spettacolo teatrale, quando un giovane risponde chitarra e canta per la sua donna. Serenade è una storia di due persone raccontata nel linguaggio della musica.

La melodia è piena di sentimenti. Tristezza, tristezza, tenerezza, ardore, calore: le emozioni si sentono in ogni nota.

Il motivo musicale è flessibile. Cattura l'introduzione, il cambio di intonazione e il climax.

Tutto questo ti fa ascoltare serenate.

Serenate popolari

• "Serenata serale" FranzSchubert. In tedesco suona come Standchen. La canzone è stata inclusa nella raccolta "Swan Song", che è stata pubblicata nel 1828. Questo lavoro è stato pubblicato dopo la morte del geniale compositore. Il testo della canzone è stato scritto da Ludwig Relshtab e la traduzione in russo è stata fatta dal poeta N.P. Ogarev. “Il mio canto vola con la preghiera...” – inizia con queste parole questa serenata.

"Serenata serale" (ascolta)

"Piccola Serenata Notturna" Wolfgang Amadeus Mozart. Questo è un classico creato nel 1787 e un vero esempio di una vera serenata di un'epoca passata.

"Little Night Serenade" (ascolta)

Serenata per orchestra d'archi fu scritto Pyotr Ilyich Ciajkovskij. L'ispirazione per il compositore è stata l'opera di Mozart. Il lavoro fu eseguito per la prima volta a San Pietroburgo nel 1881.

"Serenata per orchestra d'archi" (ascolta)

"Serenata spagnola" creato da Isaac Albéniz. Questo compositore spagnolo non si è privato del piacere di scrivere musica nello spirito popolare. Grazie a questo, nella sua serenata si respira l'atmosfera della Spagna, quando era consuetudine dichiarare l'amore con l'aiuto di una canzone.

"Serenata del trovatore" eseguita dal musulmano Magomayev. La maggior parte di questa canzone è conosciuta come "Ray of the Golden Sun", senza la quale è difficile immaginare il cartone animato sovietico "The Bremen Town Musicians". E anche se M. Magomayev ha cantato solo la parte del protagonista, la serenata è diventata un vero successo. Notte, luna, chitarra, melodia calma ricreano completamente i dettagli di una vera canzone d'amore. Ma la cosa più importante è la personalità del trovatore. Furono loro a vagare per l'Europa, componendo serenate liriche su adorabili signore.

"The Troubadour Serenade" (ascolta)

Storia della serenata

L'origine di questo genere risale al Medioevo ed è invariabilmente associato ai cavalieri. Un valoroso guerriero, in ginocchio, confessa i suoi sentimenti alla signora del cuore - letteralmente tali immagini sono disegnate dall'immaginazione alla parola "serenata". Infatti le prime serenate furono eseguite da trovatori o poeti-musicisti che cominciarono ad apparire in Europa nel XII-XIII secolo.

Il culto della "bella dama" era centrale nell'opera dei trovatori. Allo stesso tempo, non si poteva fare a meno del tema dell'amor cortese, inteso come atteggiamento galante nei confronti del gentil sesso. E questo, a sua volta, ha portato ai testi un gran numero di trame cavalleresche d'amore.

Dove cercare le origini della serenata? In Italia e Spagna. Fu qui, sotto i caldi raggi del sole, che furono eseguite le prime canzoni che lodavano la bellezza femminile. Inizialmente, i cittadini comuni apprezzavano le canzoni dei trovatori. Nell'era del tardo medioevo, le serenate diventano proprietà di una società d'élite: iniziano ad essere ascoltate nelle case di personaggi illustri. Uno dei piaceri della città era il "corteggiamento musicale" al suono di tamburi, violini e chitarre, quando belle melodie riempivano le strade e commuovevano i cuori di tutti gli innamorati.

Dal XVII secolo inizia un nuovo ciclo nello sviluppo del genere. Penetra letteralmente in tutti i settori della società: dai piccoli artigiani alla corte reale. Ma i principali cambiamenti sono associati al fiorire del teatro. Si è scoperto che la serenata, con la sua teatralità, era laconicamente intrecciata nelle drammatiche scene operistiche. Le canzoni di poeti-musicisti diventano la base di molte arie.

Allo stesso tempo, è in corso lo sviluppo dell'arte orchestrale. Appaiono gruppi di serenate. In quei secoli erano prevalentemente costituiti da strumenti a fiato. Poco dopo, a loro è stato aggiunto il suono degli archi. Allo stesso tempo, le serenate venivano eseguite all'aperto la sera, quando lo spazio intorno si riempiva della luce delle stelle e del fruscio di abiti magnifici.

L.Boccherini, I. Haydn e Y.Toeshi, VA Mozart, F. Schubert - compositori i cui nomi sono invariabilmente associati al genere della serenata. Grazie a loro, la canzone lirica ha continuato a vivere nel cuore degli europei.

Nel XIX secolo, l'interesse per le serenate orchestrali iniziò a svanire. Il genere viene nuovamente modificato per soddisfare gli interessi del pubblico. Quindi c'è una serenata vocale, che ricorda una storia d'amore. Comincia a infiltrarsi in musical, film e opere teatrali.

Come si svilupperà ulteriormente la direzione, anche gli esperti trovano difficile dirlo. Qualcuno lo vede svanire, qualcuno lo vede fondersi con altri generi. I musicologi sono unanimi su una cosa: finché c'è posto per l'amore nel cuore delle persone, la serenata non scomparirà.

Come è apparsa la serenata in Russia?

San Pietroburgo, inizio del XVIII secolo. A quel tempo, l'impero russo era nelle mani di Pietro I, che non era indifferente alla cultura europea. È a lui che dobbiamo l'apparizione della serenata. Mentre l'Europa stava vivendo la rapida fioritura di questo genere, la Russia si stava solo unendo alle tradizioni occidentali e adottando un'esperienza "stravagante".

La serenata nell'era petrina era un intrattenimento per le persone più alte. Le canzoni romantiche erano il tipico svago di corte. Melodie piacevoli e leggere eseguite dall'orchestra accompagnavano la famiglia imperiale durante le attività ricreative all'aperto e gli eventi sociali non potevano farne a meno.

Ma per quanto riguarda l'amore e l'espressione dei sentimenti? A questo proposito, nulla è cambiato anche sul suolo russo. Un esempio è la storia del conte P.A. Zubov e la Granduchessa Elisabetta Alekseevna. Secondo testimoni oculari, il conte, con l'ausilio di serenate, ha cercato di attirare l'attenzione sulla sua persona, cosa che ha imbarazzato e preoccupato la principessa.

Anche la Russia ha il suo genere di serenata: la musica sull'acqua. Le persone nobili non trascuravano l'ascolto di melodie sofisticate anche durante le passeggiate fluviali. A quei tempi, le corti ospitavano un gran numero di musicisti, il che rendeva possibile portare un tocco di pomposità e lusso nel tempo libero ordinario.

Alla fine del XVIII secolo, le serenate penetrarono nei salotti musicali di San Pietroburgo, dove si elevò l'atmosfera teatrale e giocosa. Allo stesso tempo, si sta sviluppando la poesia d'amore, creata letteralmente per questo genere di canzoni. Tutte le condizioni favoriscono lo sviluppo di una serenata vocale. Ma i poeti russi non avevano fretta di cambiare la tipica trama europea in russo. Pertanto, le canzoni avevano ancora un balcone e stelle, rose e chitarra e, naturalmente, un bellissimo giovane spagnolo/italiano.

Fatti interessanti

Nel Medioevo, quando nacque il genere, pochi chiamavano le canzoni sotto il balcone serenate. Di solito sotto questa direzione c'erano canzoni nascoste, ballate, ecc.

Il Festival della Serenata si tiene ogni anno a Teoro, nel sud Italia. La sua essenza è la seguente. Cinque ragazze sui balconi ascoltano canzoni eseguite dai loro amanti. Ma la serenata non basta. Dopo la rappresentazione teatrale, i giovani salgono sui balconi e regalano rose rosse alle loro dame. L'atto finale è un bacio.

Serenata o Serenata? Gli esperti distinguono tra questi concetti. Pertanto, una serenata si riferisce a una canzone lirica e una serenata si riferisce a una composizione drammatica.

Nell'Italia meridionale si possono spesso vedere scene di una proposta di matrimonio nella migliore tradizione di una serenata. Tutto inizia la sera prima del matrimonio. Lo sposo si avvicina al balcone della sua amata, circondato da musicisti, e comincia a cantare per lei canzoni romantiche. Aspetta che le luci si accendano alle finestre della sua stanza, e lei stessa esce sul balcone. Con queste azioni, la sposa dà il suo consenso ufficiale al matrimonio. Ora puoi iniziare i festeggiamenti del matrimonio e goderti i piatti italiani, di cui si sono già occupati i genitori della ragazza.

Nell'isola di Formosa, nell'Oceano Pacifico, c'è anche la tradizione di offrire una mano e un cuore con una specie di serenata. Perché peculiare? Perché la chitarra qui è sostituita da un'arpa fatta in casa fatta con un ramo di bambù e spago, e il balcone è una normale finestra della capanna. E il Formosa ha poca somiglianza con un uomo galante: i suoi vestiti lo tradiscono come rappresentante di una tribù locale. Ma l'essenza dell'usanza rimane la stessa. Se una ragazza lascia la capanna e prende un potenziale sposo per il bordo dei suoi vestiti, allora i giovani iniziano a vivere insieme. Se si ritira nelle profondità della capanna, il formian rimane solo.

I messicani hanno una passione speciale per le serenate. Sombreri a tesa larga, boleri ricamati e una chitarra sono gli attributi invariabili dei musicisti locali, chiamati mariachi. Fanno serenate... al mattino. Quindi l'amante augura il buongiorno alla sua sposa. Ascoltare musica alle 5 del mattino è abbastanza normale per i messicani. Le canzoni vengono riprodotte finché la ragazza non appare dalla finestra o esce sul balcone. A proposito, una serenata in Messico si chiama magnanita.

"Girl with a Guitar", "Come Tomorrow", "Dog in the Manger", "Sun Valley Serenade", "Madly in Love" - ​​​​una piccola parte dei film in cui i personaggi eseguono una serenata.

La serenata sarà invariabilmente associata all'amore e al romanticismo. E questo non sorprende, perché il genere è stato creato per il riconoscimento dei sentimenti proprio per quello che potrebbe far battere forte il cuore.

Video: ascolta la Serenata