Forse il primo conosciuto dall'umanità. Sebbene non lo sapesse nemmeno, le persone indossavano pelle, pellicce e piume tutto l'anno per mancanza di nient'altro. La Società per la protezione degli animali a quei tempi non esisteva ancora, c'erano abbastanza animali sul pianeta, quindi la popolazione la utilizzava al meglio. Quindi, secondo le idee attuali, i nostri antenati erano persone piuttosto eleganti e alla moda).
Lo stile animalesco è direttamente correlato all'uso di varie pelli e pellicce di animali come materiale. E poiché esiste durante lo sviluppo della civiltà umana, può essere giustamente considerato un test unico nel tempo.
Il suo nome deriva dalla parola latina Animalia(animali) o inglese animale(animali). Al giorno d'oggi, ci sono allevamenti specializzati in cui gli animali vengono allevati appositamente per questi scopi. Lavorando le loro pelli in un modo speciale, le persone le usano per fare una varietà di cose: dalle scarpe ai cappelli. In una parola, possiamo dire che vestirsi in questo stile dalla testa ai piedi non è difficile per una persona moderna.
In diversi luoghi di residenza, le persone usavano diversi tipi di pelle e pelliccia, a seconda degli animali trovati nella zona. Ma quando è diventato possibile spostarsi su lunghe distanze, molti popoli hanno iniziato a commerciare con questo prezioso bene. Non è mai stato economico, quindi solo le persone facoltose potevano permettersi di acquistare pelli di buona qualità o pellicce rare.
Questi materiali hanno molte qualità preziose, per le quali sono amati. Prima di tutto, è praticità e igroscopicità. Come tutti i materiali naturali, la pelle "respira" e la pelliccia si riscalda perfettamente. In alcuni casi, questa è una circostanza molto importante e in caso di forte gelo una persona si sentirà più protetta in una pelliccia che in altri vestiti. Sebbene con l'aiuto delle moderne tecnologie creino prodotti abbastanza caldi, la pelliccia non rinuncia alle sue posizioni e gode di una continua popolarità. Una delle conferme più evidenti di ciò è l'uso di prodotti in pelliccia anche nella stagione relativamente calda, quando non ce n'è bisogno, ma è bello e chic!)
Era un attivo propagandista e amante di questo stile originale Yves Saint Laurent, un couturier francese nato in Algeria. Ha trascorso la sua infanzia in Africa, quindi lo spirito e la diversità dei colori della savana gli sono sempre stati vicini. Ha creato collezioni con temi africani più di una volta, grazie alle quali è nato alla fine degli anni '60, e quella animalesca ha ricevuto una nuova continuazione aggiornata.
I designer non cessano di sfruttare questi materiali naturali, creando da essi un'enorme quantità di beni, abbigliamento e accessori. Ma grazie alla produzione moderna, la pelliccia e la pelle, che sono l'epitome del lusso, sono diventate disponibili per tutti. Una vasta selezione di pelle artificiale, di ottima qualità, a volte indistinguibile nell'aspetto dal naturale, consente a una donna con qualsiasi reddito di ampliare il proprio guardaroba. E per imparare a distinguerli, è necessario. Con la pelliccia, questo è un po' più complicato. L'artificiale dal naturale può ancora essere distinto senza troppe difficoltà.
La moda moderna è andata ancora oltre, ha completato questo stile con molti tessuti che imitano la pelle di animali e rettili. Imbottiture originali che ripetono completamente i disegni su animali, stampe, la cui combinazione di colori può essere così varia da stupire l'immaginazione con la sua variegatura. Le donne a questo proposito hanno un'ottima scelta dai materiali a maglia agli chiffon leggeri e trasparenti.
A proposito, presta attenzione a, in cui i designer ci invitano a ricordare la pelliccia immeritatamente dimenticata in colori insoliti per essa e abiti volanti per l'autunno con motivi animaleschi.
Va notato che gli abiti di questa direzione non sono ancora tutti i giorni. È piuttosto orecchiabile e memorabile. Se appari in un vestito con una stampa leopardata o serpente a qualsiasi festa, nel prossimo futuro puoi dimenticartene, perché tutti gli altri non lo dimenticheranno di certo. I disegni animaleschi impongono una certa impressione sull'immagine. Gli aggiungono sex appeal e carisma. Non faranno che decorare e trasformare una donna dal carattere forte, ma renderanno ancora più indifesa una donna indecisa e fragile. Se hai degli uccelli che cinguettano nella tua anima e ti senti come un bel fiore, allora in abiti con "colori di guerra" ti sentirai ridicolo e non protetto. Se vuoi davvero unirti a questo stile memorabile, è meglio iniziare con piccoli accessori: sciarpe, scarpe o borse.
Ma c'è un compromesso che ti permette di domare l'abbigliamento animale per le normali occasioni quotidiane. Creando versioni moderate, cioè set in cui non ci saranno più di due cose in stile animalesco, abbinate a cose semplici e semplici, l'immagine può risultare molto originale ed elegante. Il total look in questo caso sembrerà aggressivo e ambiguo. Non lasciarti tentare dai set appariscenti che i designer mostrano in passerella. Nella vita, non sono molto appropriati.
Le dive famose, come sempre, sostengono le tendenze popolari, anche se spesso non lo fanno molto bene.
Lo stile animale non passa di moda, viene costantemente aggiornato con reperti interessanti. Ogni donna ha probabilmente un animale preferito e un disegno preferito di questa direzione. Prova la pelle di serpente, il leopardo o la pelliccia di zebra. Non è necessario acquistare un prodotto da materiale naturale. È del tutto possibile riempire il tuo guardaroba con l'imitazione, questo aggiungerà gusto e stravaganza alla tua immagine. Hai prestato attenzione al fatto che le donne preferiscono indossare disegni di animali in misura maggiore rispetto agli uomini? Cosa ne pensi, a cosa è collegato?
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Nel XVII secolo fu introdotta la divisione dei generi pittorici in "alto" e "basso". Il primo includeva generi storici, di battaglia e mitologici. Il secondo includeva generi banali di pittura della vita di tutti i giorni, ad esempio genere quotidiano, natura morta, animalistica, ritratto, nudo, paesaggio.
genere storico
Il genere storico nella pittura raffigura non un oggetto o una persona specifica, ma un certo momento o evento che ha avuto luogo nella storia delle epoche passate. È incluso nel file principale generi pittorici nell'art. I generi ritratto, battaglia, quotidiano e mitologico sono spesso strettamente intrecciati con lo storico.
"Conquista della Siberia da parte di Yermak" (1891-1895)
Vasilij Surikov
Gli artisti Nicolas Poussin, Tintoretto, Eugene Delacroix, Peter Rubens, Vasily Ivanovich Surikov, Boris Mikhailovich Kustodiev e molti altri hanno dipinto i loro dipinti nel genere storico.
genere mitologico
Leggende, antiche leggende e miti, folklore: l'immagine di queste trame, eroi ed eventi ha trovato il suo posto nel genere mitologico della pittura. Forse può essere distinto nella pittura di qualsiasi nazione, perché la storia di ogni gruppo etnico è ricca di leggende e tradizioni. Ad esempio, una tale trama della mitologia greca come una storia d'amore segreta del dio della guerra Ares e della dea della bellezza Afrodite raffigura il dipinto "Parnassus" di un artista italiano di nome Andrea Mantegna.
"Parnaso" (1497)
Andrea Mantegna
La mitologia nella pittura si è finalmente formata nel Rinascimento. Rappresentanti di questo genere, oltre ad Andrea Mantegna, sono Rafael Santi, Giorgione, Lucas Cranach, Sandro Botticelli, Viktor Mikhailovich Vasnetsov e altri.
Genere di battaglia
La pittura di battaglia descrive scene della vita militare. Molto spesso vengono illustrate varie campagne militari, nonché battaglie marittime e terrestri. E poiché queste battaglie sono spesso tratte dalla storia reale, la battaglia e i generi storici trovano qui il loro punto di intersezione.
Frammento del panorama "Battaglia di Borodino" (1912)
Franz Roubaud
La pittura di battaglia prese forma durante il Rinascimento italiano nell'opera degli artisti Michelangelo Buonarroti, Leonardo da Vinci, e poi Theodore Gericault, Francisco Goya, Franz Alekseevich Roubaud, Mitrofan Borisovich Grekov e molti altri pittori.
genere domestico
Scene della vita quotidiana, pubblica o privata della gente comune, che si tratti di vita urbana o contadina, raffigurano il genere quotidiano nella pittura. Come molti altri generi pittorici, i dipinti di tutti i giorni si trovano raramente nella loro forma, diventando parte del genere del ritratto o del paesaggio.
"Venditore di strumenti musicali" (1652)
Karel Fabricio
L'origine della pittura quotidiana ebbe luogo nel X secolo in Oriente, e passò in Europa e in Russia solo nel XVII-XVIII secolo. Jan Vermeer, Karel Fabricius e Gabriel Metsu, Mikhail Shibanov e Ivan Alekseevich Ermenev sono i più famosi artisti di dipinti quotidiani di quel periodo.
Genere animale
Gli oggetti principali del genere animalesco sono animali e uccelli, sia selvatici che domestici, e in generale tutti i rappresentanti del mondo animale. Inizialmente, l'animalità faceva parte dei generi della pittura cinese, poiché apparve per la prima volta in Cina nell'VIII secolo. In Europa, l'animalismo si è formato solo nel Rinascimento: gli animali a quel tempo erano raffigurati come l'incarnazione dei vizi e delle virtù dell'uomo.
"Cavalli nel prato" (1649)
Paolo Potter
Antonio Pisanello, Paulus Potter, Albrecht Durer, Frans Snyders, Albert Cuyp sono i principali rappresentanti dell'animalità nelle arti visive.
Natura morta
Nel genere della natura morta vengono raffigurati oggetti che circondano una persona nella vita. Questi sono oggetti inanimati raggruppati insieme. Tali oggetti possono appartenere allo stesso genere (ad esempio, nella foto sono raffigurati solo frutti), oppure possono essere eterogenei (frutta, utensili, strumenti musicali, fiori, ecc.).
"Fiori in un cesto, farfalla e libellula" (1614)
Ambrosius Bosschaert il Vecchio
La natura morta come genere indipendente prese forma nel XVII secolo. Particolarmente distinte sono le scuole di natura morta fiamminga e olandese. Rappresentanti di una varietà di stili hanno dipinto i loro dipinti in questo genere, dal realismo al cubismo. Alcune delle nature morte più famose sono state dipinte dai pittori Ambrosius Bosschaert il Vecchio, Albertus Jonah Brandt, Paul Cezanne, Vincent van Gogh, Pierre Auguste Renoir, Willem Claes Heda.
Ritratto
Ritratto - un genere di pittura, che è uno dei più comuni nelle arti visive. Lo scopo di un ritratto in pittura è ritrarre una persona, ma non solo il suo aspetto, ma anche trasmettere i sentimenti interiori e l'umore della persona ritratta.
I ritratti sono singoli, in coppia, di gruppo, così come un autoritratto, che a volte si distingue come genere separato. E il ritratto più famoso di tutti i tempi, forse, è il dipinto di Leonardo da Vinci intitolato "Ritratto della signora Lisa del Giocondo", noto a tutti come "Mona Lisa".
"Mona Lisa" (1503-1506)
Leonardo Da Vinci
I primi ritratti apparvero millenni fa nell'antico Egitto: erano immagini dei faraoni. Da allora, la maggior parte degli artisti di tutti i tempi si è dilettata in questo genere in un modo o nell'altro. Anche il ritratto e i generi storici della pittura possono intersecarsi: l'immagine di un grande personaggio storico sarà considerata un'opera del genere storico, sebbene trasmetterà l'aspetto e il carattere di questa persona come ritratto.
nudo
Lo scopo del genere nudo è quello di rappresentare il corpo nudo di una persona. Il periodo rinascimentale è considerato il momento dell'emergere e dello sviluppo di questo tipo di pittura, e l'oggetto principale della pittura divenne quindi molto spesso il corpo femminile, che incarnava la bellezza dell'epoca.
"Concerto campestre" (1510)
Tiziano
Tiziano, Amedeo Modigliani, Antonio da Correggio, Giorgione, Pablo Picasso sono gli artisti più famosi che hanno dipinto nel genere del nudo.
Scenario
Il tema principale del genere paesaggistico è la natura, l'ambiente è la città, rurale o selvaggia. I primi paesaggi sono apparsi in tempi antichi quando si dipingevano palazzi e templi, si creavano miniature e icone. Come genere indipendente, il paesaggio prende forma già nel XVI secolo e da allora è diventato uno dei più popolari generi pittorici.
È presente nell'opera di molti pittori, a partire da Peter Rubens, Alexei Kondratievich Savrasov, Edouard Manet, proseguendo con Isaac Ilyich Levitan, Piet Mondrian, Pablo Picasso, Georges Braque e finendo con molti artisti contemporanei del XXI secolo.
"Autunno d'oro" (1895)
Isacco Levitano
Tra la pittura di paesaggio si possono distinguere generi come paesaggi marini e urbani.
Veduta
Veduta è un paesaggio, il cui scopo è rappresentare l'aspetto di un'area urbana e trasmetterne la bellezza e il colore. Successivamente, con lo sviluppo dell'industria, il paesaggio urbano si trasforma in un paesaggio industriale.
"Piazza San Marco" (1730)
Canaletto
Puoi apprezzare i paesaggi urbani conoscendo le opere di Canaletto, Pieter Brueghel, Fyodor Yakovlevich Alekseev, Sylvester Feodosievich Shchedrin.
Marina
Seascape, o marina raffigura la natura dell'elemento mare, la sua grandezza. Forse il pittore di marine più famoso al mondo è Ivan Konstantinovich Aivazovsky, il cui dipinto La nona onda può essere definito un capolavoro della pittura russa. Il periodo di massimo splendore del porto turistico avvenne contemporaneamente allo sviluppo del paesaggio in quanto tale.
"Barca a vela in una tempesta" (1886)
James Butterworth
Katsushika Hokusai, James Edward Buttersworth, Alexei Petrovich Bogolyubov, Lev Feliksovich Lagorio e Rafael Montleon Torres sono noti anche per i loro paesaggi marini.
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Novokuznetsk Institute (filiale) dell'istituto di istruzione di bilancio statale federale di livello professionale superiore
formazione scolastica
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Centro per la formazione degli insegnanti
Facoltà di pedagogia e psicologia prescolare e correzionale
Dipartimento di Pedagogia Speciale, Psicologia
e fondamenti teorici dell'educazione
Riassunto sull'argomento: il genere animalesco delle belle arti e il metodo per familiarizzare con esso gli studenti in una scuola speciale (correttiva).
Completato da: studente LZU 13-03 Botashova Natalya Vladimirovna
Controllato:
Kostikov Dina Alekseevna
Novokuznetsk 2013
1. Genere animalesco delle belle arti………………….3
2. La storia dell'apparizione del genere animalesco…………………………….4
3. L'animalismo nell'arte russa……………………...5
4. L'animalismo nei paesi del mondo…………………………………………………… 10
5. Metodi di familiarizzazione con il genere animalesco degli studenti di una scuola speciale (correttiva)…………………………………………..11
6. Letteratura utilizzata……………………………………………………...16
1. Genere animalesco delle belle arti.
Genere animale -(dal lat. animale - animale) - un genere di belle arti associato alla raffigurazione di animali nella pittura, nella grafica, nella scultura e nell'arte decorativa. Un artista specializzato in questo genere è chiamato pittore di animali. Si concentra sulle caratteristiche artistiche e figurative dell'animale, ma allo stesso tempo ne trasmette la struttura anatomica con precisione scientifica.
Nella grafica dei libri, nelle illustrazioni per fiabe, favole, opere allegoriche e satiriche, l'animale è spesso "umanizzato", cioè dotato di tratti inerenti a persone, azioni ed esperienze, e si veste di costumi.
Per la scultura e le piccole arti plastiche, l'arte decorativa e popolare (intaglio su legno, osso, pietra, giocattoli di argilla, ricamo), l'espressività decorativa della figura, della silhouette, della trama, del colore dell'animale è particolarmente importante.
Il genere animalesco è probabilmente lo stile artistico più antico che sia mai esistito sulla terra. Il genere animalesco combina scienze naturali e principi artistici e sviluppa l'osservazione e l'amore per la natura. Un artista animale si concentra sulle caratteristiche artistiche e figurative dell'animale, le sue abitudini, il suo habitat: l'espressività decorativa della figura, della silhouette, dei colori è particolarmente significativa nella scultura del parco, nei murales e nelle piccole arti plastiche; spesso l'animale è "umanizzato", dotato di tratti, azioni ed esperienze inerenti alle persone. Spesso il compito principale dell'animalista è l'accuratezza dell'immagine dell'animale. Le immagini di animali si trovano spesso nelle sculture antiche, nella pittura vascolare e nei mosaici. Nel Medioevo, le immagini allegoriche e folcloristiche di uccelli e animali erano comuni in Europa. Durante il Rinascimento, gli artisti iniziarono a disegnare animali dal vero.
Insieme all'ammirazione romantica per la forza e la destrezza della bestia, si determina il desiderio di uno studio accurato degli animali, spesso nella cornice naturale della loro vita o per le loro vivide caratteristiche plastiche. Il lavoro dei principali pittori di animali sovietici (pittura, scultura, incisione, illustrazioni per libri scientifici e per bambini, ecc.) È caratterizzato da una sottile conoscenza del mondo animale, una combinazione di compiti cognitivi con una forte caratterizzazione ed espressività decorativa delle immagini.
Le immagini stilizzate, a volte magiche, di animali erano diffuse nell'arte dei popoli dell'Oceania, dell'Africa, dell'America e dell'Antico Oriente.
Nell'Europa medievale, le immagini degli animali venivano tratte dal folklore, dai racconti e dalle leggende, dove apparivano in un'immagine favolosamente grottesca. A poco a poco, iniziarono a passare dalla rappresentazione allegorica degli animali a quella realistica. Già nel Rinascimento gli artisti iniziarono a disegnare animali dal vero.
Il genere animalesco si formò finalmente in Olanda e in Belgio nel XVII secolo. In questo momento, gli artisti di animali hanno cercato di trasmettere sia la grazia naturale e la plasticità degli animali, sia l'ammirazione romantica per la loro destrezza e forza.
Il mondo animale era di grande importanza nella vita dell'uomo primitivo.
2. La storia dell'apparizione del genere animalesco.
Il genere animalesco ha avuto origine in epoca primitiva, come testimoniano le pitture rupestri sopravvissute in molte parti del mondo. Gli artisti più antichi hanno lasciato disegni colorati di cervi, bisonti e mammut sulle pareti delle grotte, che ancora stupiscono per la loro autenticità. Nel primo millennio a.C. e. figurine magiche di uccelli e animali fatti di argilla, metallo e ossa hanno dato origine al cosiddetto stile animale nell'arte delle tribù scitiche dai Carpazi ai confini della Cina occidentale. L'immediatezza della forma vivente, unita all'ornamento delle composizioni, rimarrà a lungo nell'arte decorativa e applicata di molti popoli. Le immagini di animali raggiungono una monumentalità e una grandezza insuperabili nell'antico Egitto. Dopotutto, gli egiziani consideravano molti animali dei. Le sfingi, divinità umanoidi con teste di animali e uccelli, incarnavano la connessione tra i principi umani e animali in natura. La stessa idea dell'unità del mondo ha spinto gli antichi abitanti del Perù e del Messico a collegare le figure di persone e animali in bizzarri gruppi nelle decorazioni di vasi decorativi. Le pitture rupestri raffiguravano animali, uccelli e scene di caccia. Era in Cina nell'VIII secolo. Dall'animalità, quando nel Paleolitico, più di 30mila anni fa, le persone iniziarono a raffigurare animali sulle rocce, iniziò l'arte mondiale. Radicato nel profondo passato e nella tradizione di conservare come ricordo immagini di animali domestici, nonché animali e uccelli considerati sacri. Ci sono pervenuti bassorilievi di cani, leoni, tori e cavalli dell'antica Assiria, bassorilievi e affreschi con cani, gatti, ibis, coccodrilli, babbuini, serpenti, sciacalli, falchi dell'antico Egitto, ceramiche con disegni di cani e cavalli dell'antica Grecia e dell'antica Roma, immagini scultoree di giaguari, serpenti e altri animali degli Aztechi e dei Maya.
Il termine "animalismo" fu usato per la prima volta in relazione alla scultura nel 1831, quando tre giovani scultori francesi - Antoine Louis Bari, Christophe Fratin e Alexandre Juyonnet - esposero piccole figure di animali al Salone d'arte di Parigi. L'arte animalesca ha iniziato a differire in un'ampia varietà di motivi, trame, tipi nel 20 ° secolo Dall'animalità, quando nell'era paleolitica, più di 30mila anni fa, le persone iniziarono a raffigurare animali sulle rocce, iniziò l'arte mondiale. Radicato nel profondo passato e nella tradizione di conservare come ricordo immagini di animali domestici, nonché animali e uccelli considerati sacri. Ci sono pervenuti bassorilievi di cani, leoni, tori e cavalli dell'antica Assiria, bassorilievi e affreschi con cani, gatti, ibis, coccodrilli, babbuini, serpenti, sciacalli, falchi dell'antico Egitto, ceramiche con disegni di cani e cavalli dell'antica Grecia e dell'antica Roma, immagini scultoree di giaguari, serpenti e altri animali degli Aztechi e dei Maya.
Nei prodotti dello "stile animale" scita, figure di animali e persone si intrecciano in un bizzarro ornamento. Motivi in rilievo con animali favolosi adornano le pareti delle antiche chiese russe in pietra bianca (Cattedrale Dmitrovsky a Vladimir, Chiesa dell'Intercessione sul Nerl). Nell'arte medievale, animali e uccelli divennero simboli "parlanti": il cane significava lealtà e protezione, la colomba - pace e speranza, scimmie - passioni e desideri umani di base. Un posto speciale era occupato dall'immagine di un agnello (agnello) - un simbolo del sacrificio innocente di Cristo. Questo simbolismo è stato preservato, ma allo stesso tempo la sete di nuove conoscenze ha spinto gli artisti a studiare da vicino l'aspetto e le abitudini degli animali, disegnandoli dalla natura. Gli animali compaiono negli schizzi e nei dipinti degli album, A. Dürer ricrea ogni pelo nella soffice pelle di una lepre con estasi, disegna una bestia esotica con estasi. (A. Dürer. "La lepre").
Come genere indipendente, l'animalismo si sviluppò nel XVII secolo. in Olanda e Fiandre (Belgio), nel XVIII secolo. in Francia, Inghilterra, Russia.
Nelle illustrazioni per le favole di I. A. Krylov, create da V. A. Serov, gli animali erano umanizzati. Questa tradizione è continuata nel lavoro degli illustratori di libri per bambini N. A. Tyrsa, E. I. Charushin, A. F. Pakhomov. Modi dell'animalismo nel XX secolo. identificato da V. A. Vatagin e I. S. Efimov.
3. L'animalismo nell'arte russa.
Con l'affermazione dell'arte "secolare" in Russia nel XVIII secolo, l'attenzione degli artisti, parallelamente all'interesse per l'immagine dell'uomo, si rivolge anche al mondo degli animali. Alla corte reale vengono realizzati ritratti di animali domestici a quattro zampe, animali "nobili" vengono immortalati in porcellana. Nella Russia del diciottesimo secolo esisteva persino una qualifica: "maestro dell'arte animale". Il disegno naturale, il desiderio di autenticità della raffigurazione di animali e uccelli da parte dei maestri del XVIII secolo, prepararono il fiorire dell'animalità nel secolo successivo.
Nell'Ottocento, nelle opere d'arte, l'accuratezza della riproduzione dell'aspetto e il riflesso oggettivo delle manifestazioni della natura dell'animale sono in primo piano. La visione imparziale dell'artista sul "modello animale" è stata preservata per molti decenni. Durante questo periodo, nelle composizioni da cavalletto prevalgono le immagini di animali domestici: si tratta di scene di vita contadina, immagini di guerre e sfilate. Animali selvatici e uccelli compaiono nelle storie di caccia o negli schizzi di viaggio.
Lo sviluppo dell'animalità nella pittura è associato principalmente ai nomi di N.E. Sverchkov, che ha elevato il tema zoologico nelle sue opere al livello di un ritratto e di un dipinto di genere. P.P. Sokolov, nei cui dipinti e acquerelli raffiguranti scene di caccia, gli animali occupano sempre una posizione di primo piano. Nei disegni e nei dipinti di A.S. Stepanov, pittore di animali e paesaggista, la vita degli animali si rivela nel loro habitat naturale. Sokolov e Stepanov hanno portato la loro visione della natura nell'arte dell'illustrazione del libro.
Le "immagini di animali" compaiono anche nell'arte delle medaglie, dove gli animali appaiono non solo come rappresentanti di una particolare razza, ma anche come portatori di caratteri, e talvolta specifici.
Una nuova tappa nella storia del genere animalesco inizia a cavallo tra XIX e XX secolo, quando l'immagine dei "fratellini" inizia a basarsi sulla necessità dell'artista di entrare in empatia, di esprimere il proprio atteggiamento nei confronti degli animali. A quel tempo, A.L. Ober creò le sue opere migliori ("Orso polare", 1898). nel cui lavoro per la prima volta c'è un interesse per il trasferimento dei singoli caratteri degli animali.
Negli anni 1900-1910, gli animali domestici diventano partecipanti a pieno titolo nelle scene urbane. Le immagini degli animali domestici sono portate alla ribalta dai pittori, indipendentemente dal fatto che l'artista appartenga a uno o un altro movimento artistico, sia che si tratti di una storia sui conflitti quotidiani. Gli animali selvatici e gli uccelli stanno gradualmente cessando di essere gli eroi delle drammatiche scene di caccia e appaiono sempre più come oggetti di interesse umano, che vivono in libertà o vivono in uno zoo.
Il secondo maestro animalista insuperabile, che ha svolto un ruolo importante nello sviluppo del genere per quasi tutto il ventesimo secolo, è I.S. Efimov. Lui, uno studente di VA Serov, era chiamato "il re degli animali". Negli anni '30 Efimov trovò un nuovo materiale per disegnare: una morbida matita litografica e italiana. E il suo atteggiamento nei confronti dei materiali scultorei ha contribuito alla convergenza di plastica e arti e mestieri, che in seguito si è manifestata nel genere animalesco. A metà degli anni '20, sotto la guida di V. V. Lebedev, una galassia di giovani creatori iniziò a lavorare attivamente a Detgiz, tra cui E. I. Charushin e V. I. Kurdov possono essere chiamati pittori di animali per vocazione. Diventando uno scrittore per bambini, Charushin ha creato una collezione unica di immagini veritiere e toccanti di cuccioli di animali in disegni, litografie e persino in porcellana. Charushin è considerato uno dei fondatori della stampa per bambini. I fogli litografati, realizzati negli anni '30, avevano lo scopo di decorare gli interni "dei bambini".
La passione per i cavalli è stata caratteristica di molti artisti del Novecento, e non solo pittori di animali, hanno reso loro omaggio nel loro lavoro. Questi sono R.R. Frents ("Hunting of the 15th century, "Bityug", 1922), V.I. Tyulenev ("Spring Morning. Dawn", 1976), K.M. Simun ("Horse", 1960), D.V.
E a partire dagli anni '70, sempre più spesso cani e gatti attirano l'attenzione degli artisti (A.I. Khaustov. "Cat", 1976; O.Yu. Skarainis. "Cat", 1982; D.N. Tugarinov. "Caucasian Shepherd Dog", 1987) e iniziano a recitare ruoli da protagonista anche in ritratti o composizioni con la partecipazione di persone.
Dalla fine degli anni '70, la percezione dell'animale come preziosa creazione della natura ha svolto un ruolo sempre minore. Le immagini degli animali sono piene di significato metaforico, diventano portavoce dei pensieri di artisti di diverse direzioni, sulla vita, sul destino e sull'uomo. Il trittico di N.V. Bogushevskaya "The Life of a Bird" (1980) è essenzialmente una parabola sulla vita e sulla morte. Sempre più spesso una persona si identifica con un animale, e non necessariamente in modo drammatico. Negli anni '90, tutti questi pensieri erano uniti dal tema globale dell'ecologia (V.A. Danilov. "Fish", 1992). Ora la divisione in selvaggio e domestico diventa insignificante, poiché anche l'uomo è un animale. Tutti si sentono e soffrono allo stesso modo. Gli animali selvatici vengono in città, gli animali domestici sono personificati, si elevano al di sopra dei loro proprietari (V.A. Danilov. "Cat and Fish", 1993).
Nomi interessanti
Vasily Alekseevich Vatagin. Ha conseguito una laurea in biologia. Si è laureato presso la facoltà naturale dell'Università di Mosca. Tuttavia, la professione di artista è diventata la principale per lui. Va aggiunto che in questo disegno il ruolo principale è stato assegnato agli animali, e non si può che stupirsi della straordinaria fedeltà di Vatagin alla sua predilezione infantile, poiché l'intera vita dell'artista è stata dedicata allo studio e alla rappresentazione del mondo animale. Lo stile del lavoro di Vatagin all'inizio del 1900 è stato influenzato dai suoi numerosi viaggi in Russia e all'estero. Ha viaggiato nel nord e nel sud della Russia, per diversi anni ha dipinto negli zoo europei, raccogliendo materiale su animali esotici per l'Università di Mosca, ha visitato la Grecia, la Sicilia, Costantinopoli. Le pagine dei suoi album sono piene di disegni di animali intervallati da schizzi delle rovine dell'Acropoli, Olimpia, Micene, paesaggi acquerellati di Palermo, Napoli, Pompei. Ha lasciato diverse dozzine di pesanti cartelle con disegni e acquerelli, attraverso i quali è possibile tracciare l'intera "geografia" complessa e diversificata della sua vita.
Efimov Boris Efimovič Non avrei mai pensato che sarei diventato un artista, anche se amavo disegnare fin dall'infanzia. La capacità di disegnare si è manifestata in lui presto, dall'età di 5-6 anni. Sulla carta preferiva rappresentare non la natura circostante - case, alberi, gatti o cavalli, ma figure e personaggi nati dalla sua stessa immaginazione, le storie del fratello maggiore e il contenuto dei libri che leggeva. Ben presto questa passione infantile fu sostituita da un desiderio consapevole di trasferire su carta il buffo nelle abitudini e nel carattere delle persone. La prima caricatura di Yefimov fu pubblicata nel 1916 sulla rivista illustrata Sun of Russia, popolare in quegli anni. I meriti di Boris Efimov durante la Grande Guerra Patriottica sono stati premiati con le medaglie "Per la difesa di Mosca" e "Per la vittoria sulla Germania". Nel dopoguerra, Boris Efimov ha continuato a lavorare attivamente in una varietà di generi. Nel 1948 fu pubblicata una raccolta delle sue vignette "Mr. Dollar" e nel 1950 un album di disegni "Per una pace duratura, contro i guerrafondai".
Charushin Evgeny Ivanovich- Grafico e scrittore sovietico, artista onorato. Oltre ai suoi libri ("Volchishko e altri", "Vaska", "Informazioni sulla gazza"), E. I. Charushin ha illustrato le opere di V.V. Bianchi, S. Ya Marshak, K. I. Chukovsky, M. M. Prishvin e altri Nelle illustrazioni di E. I. Charushin, un pittore di animali, il mondo degli animali si rivela in immagini vivide, con grande calore e umanità. Ha i suoi metodi per trasmettere forma, colore e consistenza. I suoi personaggi sono realistici e favolosi allo stesso tempo. Cerca di esprimere il carattere di ogni animale con mezzi laconici, per trasmettere la gioia di comunicare con i vivi. Charushin ha studiato in dettaglio e concretamente gli animali, che, durante la creazione dei suoi disegni, non potevano pensare all'accuratezza del trasferimento di forma o proporzione, quindi questo era già implicito di per sé. Questo approccio ha contribuito a concentrarsi sulla creazione di immagini. Ogni illustrazione non è come l'altra, ognuna ha la propria immagine emotiva: un certo personaggio in un certo stato. Considerava la cosa principale la creazione di un'immagine, “e se non c'è immagine, allora non c'è niente da rappresentare.
Stepanov Alexey Stepanovich. Nella seconda metà del 1880. Stepanov ha lavorato insieme a I. I. Levitan per diverse stagioni estive, prima vicino a Zvenigorod, poi sul Volga. Insieme a Levitan, è considerato uno dei creatori del cosiddetto paesaggio dell'umore, quando l'artista non solo cerca nella natura un motivo che corrisponda al suo stato interiore, ma anche un paesaggio psicologico, vi trasferisce i propri pensieri ed esperienze. Le opere di Stepanov sono di natura plein air, sono dipinte in modo ampio, a schizzi, con un tratto liquido trasparente, molto dolcemente, con pochi colori ("Meno colori", consigliò in seguito ai suoi studenti). A Stepanov piaceva raffigurare una strada del villaggio lungo la quale i cavalli contadini trascinavano slitte o carri. Gli piaceva ritrarre i bambini contadini che osservavano il mondo che li circondava: nudi, poveri, autunnali, ma cari e. Dipinse scene di caccia con entusiasmo. Stepanov amava gli animali e aveva una rara capacità di trasmettere le loro abitudini e persino la psicologia. M. V. Nesterov considerava Stepanov il miglior pittore di animali dopo V. A. Serov. Anche Serov ha apprezzato molto questo dono dell'artista, quindi ha insistito per invitare Stepanov come insegnante al MUZHVZ. Per circa vent'anni Stepanov ha guidato lì una "classe di animali". Gli studenti lo amavano fino all'adorazione.
Khlebnikov Valery Ivanovich. Nato il 16 maggio 1950 nella città di Vyshny Volochek, nella regione di Tver. Padre - Khlebnikov Ivan Prokofievich - pilota militare. Madre - Maria Ivanovna - una casalinga. Nel 1951 mio padre fu trasferito da p. Sakhalin, dove la famiglia ha vissuto per 4 anni. Fu lì che Valera, all'età di tre anni, realizzò i suoi primi schizzi... di un gatto! I genitori dissero che si rivelò insolito: nel 1955 la famiglia si trasferì di nuovo, questa volta nella città di Lukhovitsy, nella regione di Mosca. Come si è scoperto in seguito, finalmente e irrevocabilmente. Fino all'età di 16 anni, Valery è impegnato a disegnare da solo, e successivamente - in uno studio d'arte organizzato presso il centro ricreativo locale "Start" sotto la direzione di Erosh Vladimir Vasilyevich. Nel 1969 Khlebnikov entrò alla Moscow Art School 1905, ma quasi immediatamente se ne andò per prestare servizio nella Flotta del Nord. Valery Ivanovich è andato direttamente all'ufficio di reclutamento ... a causa del cavalletto. Fu lì, e non in una rumorosa compagnia di amici, che Khlebnikov, finendo il suo prossimo lavoro, trascorse la sua ultima serata sul "cittadino". Nel 1972, dopo aver ricevuto una smobilitazione, fu trasferito alla Ryazan Art School. G.K. Wagner, dove viene accettato senza esami. Diplomatosi nel 1976, realizza subito la sua prima mostra personale nella città di Lukhovitsy, che a quel tempo era già nativa dell'artista.
Nell'arte di Valery Khlebnikov, due delle sue passioni si sono felicemente combinate: l'amore per gli animali e l'amore per il disegno. Khlebnikov crea un mondo sorprendentemente attraente di immagini dei "nostri fratelli minori", in cui la realtà e la riconoscibilità dei personaggi sono intrecciate in modo intricato con l'intricata fantasia dell'artista. I suoi animali sono dotati di tutte le caratteristiche dei caratteri umani, delle emozioni, dei sentimenti. Sono tristi e arrabbiati, pensano e ridono. Dalle sue opere scaturisce un impulso di gentilezza e furbo divertimento.
4. L'animalismo nei paesi del mondo.
Grecia e Roma. Per gli artisti dell'antica Grecia e dell'antica Roma, l'oggetto principale dell'arte è una persona; le immagini di animali non svolgono un ruolo significativo nell'arte antica.
Leonessa ferita. Frammento del rilievo "Grande, caccia al leone" dal palazzo del re Assurbanipal a Ninive. Calcare. Museo britannico. Londra.
Nel loro desiderio di riflettere il mondo reale in tutta la sua diversità, gli artisti del Rinascimento europeo praticano ampiamente schizzi naturali di animali, le cui immagini si trovano in sculture, affreschi e dipinti da cavalletto. Uno dei primi a rivolgersi a tali immagini fu nel XV secolo. A. Pisanello, e nel XVI sec. disegni di animali notevoli per forza e precisione furono creati da Leonardo da Vinci e Albrecht Dürer.
Cina. L'immagine degli animali nell'antica Cina ha raggiunto il livello più alto. Sono note immagini di cani simili a Chow Chow, più di duemila anni fa. Ancora oggi ammiriamo la grafica animalesca dei maestri cinesi. Il genere ha preso forma. Arrivò in Europa e in Russia un po 'più tardi nei secoli XVII-XVIII.
Il genere animalesco e i pittori di animali apparvero in Cina durante i periodi Tang e Song.
Tecnica "guohua" (letteralmente - pittura cinese) - vernici a base d'acqua su rotoli di seta e carta. Questa tecnica è nata sulla base delle tecniche pittoriche tradizionali cinesi (raffigurazione di un oggetto utilizzando macchie di colore e linee sottili su uno sfondo neutro).
Nella pittura di Guohua c'è tradizionalmente una divisione in stili consacrati da secoli di tradizione. Gli stili più popolari includono "fiori e uccelli", "montagne e acque", immagini di animali, cavalli, ma anche carpe, gamberetti, insetti, scene quotidiane.
A differenza della pittura europea, i dipinti cinesi sono apprezzati non tanto per la loro bellezza, ma per una sensazione speciale, quasi impercettibile, presente nella stanza in cui è appeso il quadro. Le immagini, secondo le idee dei cinesi, creano uno stato d'animo, portano fortuna, proteggono dai guai, allontanano le forze e le influenze del male. Molto nella valutazione di un dipinto dipende dalla personalità dell'artista: un maestro dotato di grande forza spirituale, nutrito e affinato in tanti anni di lavoro, è in grado di tradurre parte della sua forza in un dipinto. E così i cinesi apprezzano nella foto non solo la bellezza visibile, esteriore, ma anche la bellezza interiore, la forza e l '"energia". La pittura cinese ha due tratti distintivi: il cosiddetto "ijing", cioè il trasferimento dell'idea, e il "bimo", cioè l'uso di inchiostro e pennello.
Sono note immagini di cani simili a Chow Chow, più di duemila anni fa. Ancora oggi ammiriamo la grafica animalesca dei maestri cinesi.
Olanda. Olanda nel XVII secolo. l'immagine degli animali si distingue in un genere separato. I suoi fondatori A. Cape e P. Potter mostrano abilmente animali domestici sullo sfondo di fattorie e pascoli. Ogni animalista sceglie la sua gamma preferita di temi e immagini. Nel XIX secolo, l'eccezionale scultore A. L. Bari rifletteva la sua ammirazione per l'amore per la libertà e la grazia peculiare degli animali in gruppi dinamici di predatori. E per artisti vicini della scuola di Barbizon, C. Troyon ha dipinto paesaggi poetici con mucche e pecore circondati da una tranquilla natura rurale. A cavallo tra il XIX e il XX secolo. lo svedese B. Liljefors raffigura animali selvatici nel loro habitat naturale, lo scultore francese F. Pompon mostra interesse per le qualità decorative e plastiche di uccelli e animali, e il pittore tedesco F. Mark, nelle sue opere, fa rivivere le immagini eroiche di animali selvatici.
5. Metodi di familiarizzazione con il genere animalesco degli studenti di una scuola speciale (correttiva).
Insegnare l'attività visiva dei bambini in una scuola correzionale è di grande importanza per lo sviluppo mentale complessivo del bambino, per la formazione di una natura creativa. Nel processo di insegnamento del disegno ai bambini, gli insegnanti utilizzano vari argomenti: famiglia, casa, città natale, natura, stagioni, vacanze, ecc. Uno degli argomenti preferiti nel lavoro dei giovani artisti è il disegno degli animali.
Il mondo degli animali è molto interessante per un bambino. Gli animali si muovono, hanno un carattere, hanno un comportamento peculiare e, a questo proposito, suscitano nei bambini interesse cognitivo, percezione attiva e una vivida risposta emotiva. È necessario instillare l'amore per l'animale fin dall'infanzia, attirare l'attenzione del bambino sulla bellezza dell'animale, sui suoi benefici, sulle cure materne per i cuccioli, sul sentimento di affetto con cui risponde a qualsiasi atteggiamento gentile.
La conoscenza dei bambini in età prescolare con il genere animalesco consente di risolvere compiti sia cognitivi (aspetto, abitudini e comportamento degli animali, loro carattere) che educativi (amore e atteggiamento attento e sensibile nei confronti del mondo animale, desiderio di proteggere, preservare la natura). La formazione di un atteggiamento estetico nei confronti del mondo animale avviene anche nelle lezioni di educazione ambientale quando si incontrano animali domestici e selvatici, quando si osservano oggetti viventi e in altre attività. Di conseguenza, i bambini accumulano una varietà di impressioni che cercano di esprimere nel loro lavoro. Per aiutarli in questo permette la formazione dell'attività visiva. L'attività visiva del bambino acquisisce gradualmente un carattere artistico e creativo. Il prodotto dell'attività artistica e creativa è un'immagine espressiva. Quando crea un disegno, il bambino applica azioni visive, controllandole mediante la rappresentazione dell'immagine raffigurata e le valuta come corrette o errate. I movimenti delle mani volti a realizzare un disegno non nascono dal processo di disegno stesso. Ai bambini dovrebbe essere insegnato a disegnare.
Il processo di insegnamento dell'immagine degli animali è lungo, può essere suddiviso in due aree: l'implementazione di attività per sviluppare la conoscenza degli animali da parte dei bambini e l'insegnamento dell'immagine degli animali. La realizzazione di attività per sviluppare la conoscenza degli animali da parte dei bambini, la competenza di un bambino in età prescolare in relazione alla natura, si sviluppa in vari tipi di attività: nelle classi "imparo il mondo", "imparo a parlare", nel lavoro, nel design, nelle attività per la cura di piante e animali, nelle osservazioni. Il contenuto di storie sulla natura, poesie, fiabe sugli animali, osservazioni durante le passeggiate, escursioni forniscono materiale ricco per raffigurare animali domestici e selvatici, per chiarirne le caratteristiche. Organizzato correttamente dall'insegnante, l'osservazione, l'esame di giocattoli, dipinti, illustrazioni raffiguranti un animale, consente di farsi un'idea della struttura dell'animale, delle caratteristiche del suo aspetto.
Le peculiarità degli studenti in una scuola correzionale richiedono il rafforzamento di qualsiasi attività produttiva con una parola, movimento plastico, riproduzione, ecc. Senza questo, è difficile per il bambino rivelare l'immagine desiderata. Il bambino si reincarna, comunica attivamente, si unisce al gioco con interesse.
Grande importanza nello sviluppo dell'attività visiva è data alla parola. È la parola necessaria non solo per descrivere l'aspetto dell'animale, ma anche per caratterizzare le caratteristiche della sua vita e del suo comportamento nelle condizioni in cui vive. Per fare questo, è ampiamente possibile utilizzare giochi di drammatizzazione, serate di indovinelli, organizzazione di mostre, comprese le escursioni, in classe; storie informative, ecc.
La tecnica del disegno dovrebbe essere padroneggiata dal bambino nel periodo iniziale di apprendimento del disegno in modo da acquisire la completa libertà di azione durante l'esecuzione di compiti più complessi che dovranno essere risolti durante le fasi successive della padronanza del disegno.
Disegnare animali è un processo piuttosto complesso e lungo, che ha le sue caratteristiche in ogni fascia di età. Quindi i bambini all'inizio dell'apprendimento del disegno possono solo tenere in mano una matita o un pennello e lavorare con loro, raffigurando linee verticali e orizzontali, non sono ancora in grado di rappresentare un animale credibile. I disegni di questi bambini sono spesso privi di significato. In questa fase, l'insegnante insegna a riconoscere e nominare oggetti, immagini nei disegni, per stabilire una connessione tra il disegno e il processo di disegno. I bambini imparano a disegnare singoli oggetti. Allo stesso tempo, l'educatore utilizza tali tecniche e metodi di insegnamento come spiegazione graduale e dimostrazione di ciò che viene rappresentato, una spiegazione nel suo insieme; visualizzazione parziale dell'immagine; spiegazione verbale; lavoro individuale; disegnare un oggetto (ad esempio la coda di un cane).
Con l'ulteriore formazione nel disegno degli animali, agli studenti viene prima chiesto di nominare la forma del corpo e della testa dell'animale, quindi mostrano la sequenza del disegno, nominando le parti del corpo e la loro forma (il corpo è ovale, la testa è rotonda, becco, coda, ecc.). I giocattoli semplici nella forma e nella struttura sono presi come campione di animali.
L'insegnante analizza la struttura del corpo di un animale mostrando un giocattolo o un disegno.
Un esempio di schema algoritmico per disegnare un animale domestico - un gatto usando una figura geometrica - un cerchio. Disegna un cerchio, disegna un cerchio più piccolo all'interno del cerchio nella sua parte inferiore: questa è la testa. Disegna le orecchie sulla testa usando piccoli triangoli. Disegniamo un muso - due punti paralleli - occhi, un punto in grassetto in basso - un naso. Con l'aiuto di linee orizzontali disegna i baffi. Disegna una linea curva per la bocca. Aggiungi con l'aiuto di piccoli ovali due zampe e una coda. Le linee extra devono essere cancellate, il disegno dovrebbe essere dipinto su richiesta del bambino.
Disegnare animali comporta l'uso di una varietà di tecniche metodologiche che consentono di tenere conto delle caratteristiche di questi bambini, sviluppare le loro capacità creative, che influiscono positivamente sul risultato dell'attività visiva produttiva.
Il compito principale dell'insegnante allo stesso tempo non è solo insegnare a disegnare vari animali, far loro conoscere le migliori opere dei maestri del genere animalesco, ma anche instillare nei loro studenti la capacità di vedere, comprendere, proteggere e amare il mondo vario e meraviglioso degli esseri viventi. In una scuola correzionale, l'atteggiamento di un bambino nei confronti del mondo è posto in modo diverso, quindi è importante portarlo a comprendere il ruolo e il posto speciali dell'uomo nella natura, trasmettere alla coscienza dei bambini che in natura c'è un regno animale; il regno animale è interessante e sorprendente.
Utilizzo di tecniche non tradizionali per insegnare il disegno degli animali
I temi animaleschi occupano un posto abbastanza ampio nel processo di insegnamento del disegno agli studenti. A questo proposito, si pone la questione dell'utilizzo, insieme a quelle tradizionali, di tecniche e tecniche di disegno non tradizionali, grazie alle quali è possibile mantenere il costante interesse di un bambino per la creatività e coltivare l'amore e il rispetto per il mondo che lo circonda.
Esistono molte tecniche di disegno non tradizionali e la loro unicità sta nel fatto che consentono ai bambini di ottenere rapidamente il risultato desiderato. Ad esempio, a quale bambino non interesserà disegnare con le dita, disegnare con il proprio palmo, mettere macchie su carta e ottenere un disegno divertente. Al bambino piace ottenere rapidamente risultati nel suo lavoro.
L'attività visiva che utilizza materiali e tecniche non tradizionali contribuisce allo sviluppo del bambino:
capacità motorie fini delle mani e percezione tattile;
orientamento spaziale su un foglio di carta, occhio e percezione visiva;
capacità e abilità visive, osservazione, percezione estetica, reattività emotiva.
Disegnare animali può essere un'attività piuttosto impegnativa per un bambino della scuola di recupero. In relazione a ciò, in classe è importante attivare l'attenzione dello studente, incoraggiarlo a lavorare con l'ausilio di ulteriori incentivi. Tali incentivi possono essere: un gioco; un momento a sorpresa (l'eroe preferito di una fiaba o di un cartone animato viene in visita e invita il bambino a fare un viaggio); accompagnamento musicale, ecc.
Inoltre, è desiderabile spiegare in modo vivido ed emotivo ai bambini i metodi di azione e mostrare le tecniche dell'immagine.
Date le caratteristiche degli scolari, padroneggiando abilità diverse nelle diverse fasi dell'età, si consiglia di utilizzare tecniche e tecniche speciali per disegnare animali.
Quindi, per cominciare, quando si disegnano animali, è opportuno utilizzare il disegno con le dita e i palmi, l'impronta con i timbri delle patate. Quindi puoi familiarizzare con tecniche più complesse: colpire con un pennello semisecco duro, stampare con gommapiuma; stampa di tappi; pastelli a cera + acquerello; stampe fogliari; disegni di palme; disegnare con cotton fioc; corde magiche. E in futuro, i bambini potranno padroneggiare metodi e tecniche ancora più difficili: pittura con la sabbia; disegnare con le bolle di sapone; disegnare con carta stropicciata; asciugare con un tubo; stampa a stampino.
Ognuna di queste tecniche è un piccolo gioco. Il loro utilizzo consente ai bambini di sentirsi più rilassati, più audaci, più diretti, sviluppa l'immaginazione, offre completa libertà di espressione di sé.
In conclusione, vorrei aggiungere che in ogni caso specifico, l'insegnante della scuola correzionale seleziona autonomamente metodi e tecniche, riflette attentamente ed elabora ogni fase della lezione, che corrisponderà pienamente al livello di sviluppo e alle esigenze di ogni bambino. In effetti, molti aspetti importanti della vita dei bambini dipendono dal lavoro competente e di qualità dell'insegnante.
Libri usati:
Penova V.P. "Disegniamo con una matita". M.: "Club del tempo libero familiare", 2008. - 112 p.
Davydova G.N. Tecniche di disegno non tradizionali. Parte 2. - M .: Scriptorium Publishing House 2003, 2007. - 72 p.
Arte. Programmi di lavoro. Manuale per gli insegnanti delle istituzioni educative. M.: "Illuminismo", 2011.
Pittura: enciclopedia. M.: 1999.
Plotnikova N. Enciclopedia dell'arte. M.: ROSMEN-2007.
Creatività pedagogica №9 A.V. Merzlov. M.: 2007.
). Tuttavia, nell'ambito di questo articolo, prenderemo in considerazione solo l'art.
Storicamente, tutti i generi erano divisi in alti e bassi. A genere alto o la pittura storica includeva opere di natura monumentale, che portavano una sorta di moralità, un'idea significativa, che dimostravano eventi storici e militari associati alla religione, alla mitologia o alla finzione.
A genere basso incluso tutto ciò che riguarda la vita di tutti i giorni. Si tratta di nature morte, ritratti, pittura quotidiana, paesaggi, animalismo, immagini di persone nude e così via.
Animalismo (lat. animale - animale)
Il genere animalesco è nato nell'antichità, quando le prime persone hanno dipinto animali predatori sulle rocce. A poco a poco, questa direzione è diventata un genere indipendente, implicando un'immagine espressiva di qualsiasi animale. Gli animalisti di solito mostrano un grande interesse per il mondo animale, ad esempio possono essere ottimi cavalieri, tenere animali domestici o semplicemente studiare a lungo le loro abitudini. Come risultato dell'intenzione dell'artista, gli animali possono apparire realistici o sotto forma di immagini artistiche.
Tra gli artisti russi, molti erano esperti di cavalli, ad esempio, e. Così, nel famoso dipinto di Vasnetsov "Heroes", i cavalli eroici sono raffigurati con la massima abilità: i colori, il comportamento degli animali, le briglie e il loro legame con i cavalieri sono attentamente studiati. A Serov non piacevano le persone e considerava il cavallo per molti versi migliore di un uomo, motivo per cui lo raffigurava spesso in una varietà di scene. sebbene dipingesse animali, non si considerava un pittore di animali, quindi gli orsi nel suo famoso dipinto "Morning in a Pine Forest" furono creati dal pittore di animali K. Savitsky.
In epoca zarista, i ritratti con animali domestici, cari all'uomo, divennero particolarmente popolari. Ad esempio, nella foto, l'imperatrice Caterina II è apparsa con il suo amato cane. Gli animali erano presenti anche nei ritratti di altri artisti russi.
Esempi di dipinti di famosi artisti russi nel genere domestico
pittura di storia
Questo genere implica dipinti monumentali progettati per trasmettere alla società un'idea grandiosa, qualsiasi verità, moralità o dimostrare eventi significativi. Comprende opere su temi storici, mitologici, religiosi, folcloristici e militari.
Negli stati antichi, miti e leggende sono stati a lungo considerati eventi passati, quindi sono stati spesso raffigurati su affreschi o vasi. Successivamente, gli artisti iniziarono a separare gli eventi dalla finzione, che si esprimeva principalmente nella rappresentazione di scene di battaglia. Nell'antica Roma, in Egitto e in Grecia, i guerrieri vittoriosi spesso raffiguravano scene di battaglie eroiche sugli scudi per dimostrare il loro trionfo sul nemico.
Nel Medioevo, a causa del predominio dei dogmi ecclesiastici, prevalevano i temi religiosi, nel Rinascimento la società si rivolgeva al passato principalmente per glorificare i propri stati e governanti, e dal XVIII secolo questo genere veniva spesso rivolto all'educazione dei giovani. In Russia, il genere si è diffuso nel XIX secolo, quando gli artisti cercavano spesso di analizzare la vita della società russa.
Nelle opere di artisti russi, ad esempio, è stata presentata la pittura di battaglia e. Soggetti mitologici e religiosi nei suoi dipinti colpiti,. La pittura storica prevaleva tra la gente, il folklore - tra loro.
Esempi di dipinti di famosi artisti russi nel genere della pittura storica
Natura morta (fr. natura - natura e morte - morto)
Questo genere di pittura è associato alla rappresentazione di oggetti inanimati. Possono essere fiori, frutti, piatti, selvaggina, utensili da cucina e altri oggetti, dai quali l'artista compone spesso una composizione secondo il suo progetto.
Le prime nature morte sono apparse nei paesi antichi. Nell'antico Egitto era consuetudine raffigurare offerte agli dei sotto forma di vari piatti. Allo stesso tempo, la riconoscibilità del soggetto era al primo posto, quindi gli artisti antichi non si preoccupavano particolarmente del chiaroscuro o della trama degli oggetti della natura morta. Nell'antica Grecia e Roma, fiori e frutti venivano trovati nei dipinti e nelle case per decorare gli interni, in modo che fossero già raffigurati in modo più affidabile e pittoresco. La formazione e il fiorire di questo genere cade nei secoli XVI e XVII, quando le nature morte iniziarono a contenere significati religiosi e di altro tipo nascosti. Allo stesso tempo, sono apparse le loro numerose varietà, a seconda del soggetto dell'immagine (fiore, frutto, scienziato, ecc.).
In Russia, il periodo di massimo splendore della natura morta cade solo nel XX secolo, poiché prima veniva utilizzato principalmente per scopi educativi. Ma questo sviluppo è stato rapido e catturato, compreso l'astrattismo con tutte le sue direzioni. Ad esempio, ha creato bellissime composizioni floreali, ha preferito, lavorato e spesso "ravvivato" le sue nature morte, dando allo spettatore l'impressione che i piatti stessero per cadere dal tavolo o che tutti gli oggetti ora iniziassero a ruotare.
Gli oggetti raffigurati dagli artisti, ovviamente, sono stati influenzati anche dalle loro visioni teoriche o visione del mondo, stato d'animo. Quindi, questi erano oggetti raffigurati secondo il principio della prospettiva sferica da lui scoperto, e le nature morte espressioniste colpivano per il loro dramma.
Molti artisti russi usavano la natura morta principalmente per scopi educativi. Quindi, non solo ha affinato le sue capacità artistiche, ma ha anche condotto molti esperimenti, disponendo oggetti in modi diversi, lavorando con luci e colori. ha sperimentato la forma e il colore della linea, a volte allontanandosi dal realismo al puro primitivismo, a volte mescolando entrambi gli stili.
Altri artisti hanno combinato nelle nature morte ciò che hanno rappresentato in precedenza e le loro cose preferite. Ad esempio, nei dipinti puoi trovare il suo vaso preferito, note musicali e il ritratto di sua moglie che ha creato prima, ma ha raffigurato fiori amati fin dall'infanzia.
Molti altri artisti russi hanno lavorato nello stesso genere, ad esempio, e altri.
Esempi di dipinti di famosi artisti russi nel genere della natura morta
Nudo (fr. nudite - nudità, abbreviato nu)
Questo genere è progettato per rappresentare la bellezza del corpo nudo ed è apparso anche prima della nostra era. Nel mondo antico si prestava grande attenzione allo sviluppo fisico, poiché da esso dipendeva la sopravvivenza dell'intera razza umana. Quindi, nell'antica Grecia, gli atleti gareggiavano tradizionalmente nudi in modo che ragazzi e giovani potessero vedere i loro corpi ben sviluppati e lottare per la stessa perfezione fisica. Approssimativamente nei secoli VII-VI. AVANTI CRISTO e. Apparvero anche statue maschili nude, che personificavano il potere fisico di un uomo. Le figure femminili, al contrario, apparivano sempre davanti al pubblico in veste, poiché non era consuetudine esporre il corpo femminile.
Nelle epoche successive, l'atteggiamento nei confronti dei corpi nudi è cambiato. Così, ai tempi dell'ellenismo (dalla fine del VI secolo a.C.), la resistenza passò in secondo piano, lasciando il posto all'ammirazione della figura maschile. Contemporaneamente cominciano ad apparire le prime figure femminili nude. In epoca barocca le donne dalle forme magnifiche erano considerate ideali, durante il rococò la sensualità divenne una priorità e nei secoli XIX-XX i dipinti o le sculture con corpi nudi (soprattutto uomini) erano spesso banditi.
Gli artisti russi si sono ripetutamente rivolti al genere nudo nelle loro opere. Quindi, questi sono ballerini con attributi teatrali, stanno posando ragazze o donne al centro di trame monumentali. Queste sono molte donne sensuali, anche in coppia, questa è un'intera serie di dipinti raffiguranti donne nude in varie attività, e queste sono ragazze piene di innocenza. Alcuni, ad esempio, raffiguravano uomini completamente nudi, sebbene tali dipinti non fossero accolti favorevolmente dalla società del loro tempo.
Esempi di dipinti di famosi artisti russi nel genere nudo
Paesaggio (fr. Paysage, da pays - area)
In questo genere, la priorità è l'immagine dell'ambiente naturale o antropizzato: angoli naturali, scorci di città, paesi, monumenti, ecc. A seconda dell'oggetto selezionato, si distinguono paesaggi naturali, industriali, marini, rurali, lirici e di altro tipo.
I primi paesaggi di artisti antichi sono stati trovati nell'arte rupestre neolitica ed erano immagini di alberi, fiumi o laghi. Successivamente, il motivo naturale è stato utilizzato per decorare la casa. Nel Medioevo il paesaggio fu quasi completamente sostituito da temi religiosi, e nel Rinascimento, al contrario, venne alla ribalta il rapporto armonioso tra uomo e natura.
In Russia, la pittura di paesaggio si è sviluppata dal XVIII secolo ed era inizialmente limitata (i paesaggi sono stati creati in questo stile, ad esempio, e), ma in seguito un'intera galassia di talentuosi artisti russi ha arricchito questo genere con tecniche di diversi stili e tendenze. ha creato il cosiddetto paesaggio discreto, cioè, invece di inseguire panorami spettacolari, ha raffigurato i momenti più intimi della natura russa. ed è arrivato a un paesaggio lirico che ha colpito il pubblico con uno stato d'animo sottilmente trasmesso.
E questo è un paesaggio epico, quando allo spettatore viene mostrata tutta la grandezza del mondo circostante. rivolto all'infinito all'antichità, E. Volkov sapeva come trasformare qualsiasi paesaggio discreto in un'immagine poetica, stupiva lo spettatore con la sua luce meravigliosa nei paesaggi e poteva ammirare all'infinito angoli della foresta, parchi, tramonti e trasmettere questo amore allo spettatore.
Ciascuno dei paesaggisti si è concentrato su un paesaggio che lo affascinava particolarmente. Molti artisti non sono riusciti a superare progetti di costruzione su larga scala e hanno dipinto molti paesaggi industriali e urbani. Tra questi ci sono le opere di , e altri artisti. affascinato dai monumenti, e
Il genere animalesco è tutt'altro che il più popolare nel mondo della pittura, poiché le opere non sono così richieste come l'impressionismo o il romanticismo. Allo stesso tempo, ci sono parecchi artisti che disegnano abilmente animali e creano dipinti luminosi e belli. Spesso i pittori di animali aggiungevano animali ai disegni di altri artisti, come nel caso del famoso dipinto di Shishkin, dove Savitsky dipingeva orsi.
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Quindi, quali artisti animali possono essere notati?
Roberto Bateman
Robert ha praticato la pittura di uccelli fin dall'infanzia e ora ha raggiunto la fama dipingendo animali e uccelli in ambienti naturali. Le opere di Robert hanno preso un posto d'onore in collezioni private, musei famosi. Apprezza la natura ed è nelle organizzazioni per la sua protezione.
Artista bulgaro Karl Brenders
L'artista ha dedicato molto tempo alla formazione, ora sta lavorando agli schizzi usando una matita, poi completa il lavoro usando gouache e acquerello. Di conseguenza, ciascuna delle opere colpisce per il suo realismo, sono molto vicine alle fotografie.
Pietro Williams
L'artista è autodidatta, lavora come autista, mentore e analista informatico. Parallelamente era sempre impegnato nella pittura. Ma già nel 2002 Peter ha iniziato a disegnare professionalmente e nel 2010 la rivista Wildlife Artist lo ha premiato con un premio. Al momento, Peter è venerato ei suoi disegni sono pubblicati nelle pubblicazioni.
Terry Isaac - Animalista dall'America
L'artista ha iniziato con illustrazioni per libri per bambini, ma in seguito è rimasto affascinato dalla bellezza della natura selvaggia. Crede che per questa direzione nel disegno sia molto importante poter osservare la natura e i suoi abitanti. È stato riconosciuto come il migliore in Florida nel 1998, ha lavorato su guide agli uccelli e il suo lavoro è stato esposto in rinomati musei.
Acquerelli di Susan Bordet
Dipingere ad acquerello è molto difficile, ma Susan riesce a trasmettere la vera anatomia, integrando le immagini con uno sfondo sfumato nello stile dell'impressionismo. Questa tecnica si è sviluppata in oltre due decenni di lavoro dell'artista. È attivamente esposta, pubblicata nell'album "The Charm of Nature".
L'animalista David Stribble
È leader nel suo settore nel Regno Unito. Dal 1996 progetta uno studio in soffitta e inizia a lavorare seriamente. L'artista preferisce dipingere la natura selvaggia, molto spesso nelle sue opere sono raffigurate distese e animali africani.
Cristina Penescu dalla Romania
Le opere luminose dell'artista vengono create utilizzando la tecnica del graffio. Crea immagini utilizzando una base speciale e graffi. Christina non ha studiato, avendo padroneggiato la tecnica da sola. Per ogni immagine esegue circa 1000 tratti su argilla bianca su cartone pressato. Inoltre, le opere sono ricoperte di inchiostro nero e vengono creati mezzitoni realistici. Alcuni dei dipinti sono decorati con colori acrilici.
Opere di Paul Krapf
L'artista americano è nato nella Pennsylvania occidentale. Per imparare a riflettere la natura e gli animali, ha studiato pittura. Prima al liceo, poi a Pittsburgh, frequentando l'Art Institute. Prima di dedicarsi completamente alla pittura, l'artista ha lavorato alla NASA come ingegnere progettista.
