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scenario
Tradotta dal francese, la parola “paesaggio” (paysage) significa “natura”. Così viene chiamato nelle belle arti un genere, il cui compito principale è la riproduzione della natura naturale o alterata dall'uomo. Inoltre, un paesaggio è un'opera d'arte specifica in pittura o disegno, che mostra la natura allo spettatore. L '"eroe" di un'opera del genere è un motivo naturale o un motivo naturale inventato dall'autore. Gli elementi del paesaggio si trovano già nell'arte rupestre. Nell'era neolitica, i maestri primitivi raffiguravano schematicamente fiumi o laghi, alberi e blocchi di pietra sulle pareti delle caverne.
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Pitture rupestri in una grotta sull'altopiano di Tassilin-adjer nel Sahara
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Frammenti di dipinti murali della tomba di antichi sovrani egiziani vicino al villaggio di Beni-Khasan nell'Egitto centrale
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Frammenti di pitture murali del Palazzo di Cnosso sull'isola di Creta
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Frammenti della pittura murale della casa dei patrizi nell'antica città romana di Stabia, distrutta come Pompei durante l'eruzione del Vesuvio
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Il paesaggio apparve per la prima volta come genere indipendente in Cina (VII secolo circa). Gli artisti cinesi hanno raggiunto una spiritualità eccezionale e una profondità filosofica nel paesaggio. Su lunghi rotoli di seta orizzontali o verticali non hanno scritto visioni della natura, ma un'immagine olistica dell'universo in cui una persona si dissolve.
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Il paesaggio nell'arte cinese
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Durante il Medioevo, di regola, esistevano solo composizioni religiose, il paesaggio veniva interpretato dai pittori come un'immagine dell'habitat dei personaggi
JoachimPatinirVia degli Inferi. 1515-1524. Museo del Prado Madrid
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Un marcato interesse per il paesaggio è evidente nella pittura del primo Rinascimento. E sebbene gli artisti siano ancora molto inetti nel trasmettere lo spazio, ingombrandolo con elementi paesaggistici che non si adattano tra loro in scala, molti dipinti testimoniano il desiderio dei pittori di ottenere un'immagine armoniosa e olistica della natura e dell'uomo.
Stefano Sassetta (di Giovanni) Incontro dei Santi Antonio e Paolo 1445, Gallery of Art, Washington DC Stefano Sassetta (di Giovanni) Viaggio dei Magi, 1435 Metropolitan Museum of Art, New York
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Un significativo passo avanti nello sviluppo della pittura di paesaggio fu fatto dall'artista svizzero del XV secolo, Konrad Witz, che nella sua composizione mostrò un'area specifica su un terreno religioso: la riva del Lago di Ginevra
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Nonostante questi progressi così evidenti, fino al XVI secolo gli artisti includevano i dettagli del paesaggio nelle loro opere solo come sfondo per una scena religiosa, una composizione di genere o un ritratto. L'esempio più eclatante di ciò è il famoso ritratto di Monna Lisa (1503 circa, Louvre, Parigi), dipinto da Leonardo da Vinci.
Leonardo da Vinci Ritratto della signora Lisa Giocondo Monna Lisa, 1503-1519 Ritrattodi Monna Lisa del Giocondo Olio su tavola (pioppo). 76,8×53 cm Louvre, Parigi
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Nell'arte dell'Europa occidentale, il genere paesaggistico ha preso forma in Olanda nella prima metà. 17 ° secolo Uno dei suoi fondatori fu I. Patinir, un maestro delle vedute panoramiche in cui erano incluse piccole figurine di personaggi biblici o mitologici. H. Averkamp, J. van Goyen e successivamente J. van Ruysdael e altri artisti hanno contribuito allo sviluppo del paesaggio. Un grande posto nel paesaggio olandese era occupato dalle viste sul mare: i porti turistici. Gli italiani, soprattutto i maestri veneziani, si sono rivolti al paesaggio urbano documentario. Canaletto rappresentò Venezia in un periodo di prosperità. Sottili fantasie poetiche sui temi della vita veneziana furono create da F. Guardi. Arte francese del XVII secolo il paesaggio si è sviluppato in linea con lo stile del classicismo. La natura, piena di forze potenti ed eroiche, appare nelle tele di N. Poussin; paesaggi ideali che incarnavano il sogno di un'età dell'oro, scriveva K. Lorrain.
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Il paesaggio nell'arte olandese
JoachimPatinirPaesaggio roccioso con S. Girolamo. OK. 1520. Museo Reale di Belle Arti. Anversa Joachim Patinir Passaggio agli Inferi. 1515-1524. Museo del Prado Madrid
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Hendrik Averkamp Scena sul ghiaccio presso la torre. 1610 Jan van Goyen Paesaggio con due querce. 1641. Rijksmuseum, Amsterdam
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Jacob Isaaksvan Ruisdal Il mulino a vento di Wijk bei Dürsted. 1670. Rijksmuseum. Amsterdam Jacob Isaaksvan Ruisdael Vista sul mare. 2° terzo del XVII secolo Museo Thyssen-Bornemisza.Madrid
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Il paesaggio nell'arte francese
Paesaggio con Diana e Orione Nicolas Poussin, 1660-64 New York, Metropolitan Museum of Art Claude Lorrain "Partenza della regina di Saba" (1648)
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Il paesaggio nell'arte francese
Paesaggio con Apollo che accudisce le greggi di Admeto Claude Lorrain, 1645 Roma, Galleria Doria Pamphili Paesaggio con Paride ed Enone Claude Lorrain, 1648 Parigi, Louvre
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Il riformatore della pittura paesaggistica europea fu creato all'inizio. 19esimo secolo Artista inglese J. Constable. Uno dei primi ha iniziato a scrivere schizzi all'aria aperta, ha guardato la natura con uno “sguardo imparziale”. Le sue opere hanno lasciato un'impressione indelebile sui pittori francesi e sono servite da impulso per lo sviluppo di un paesaggio realistico in Francia da parte di K. Corot.
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Ponte Jean Baptiste Camille Corot a Mantes, 1868/1870. Louvre
John Constable Veduta della cattedrale di Salisbury, 1823 Victoria and Albert Museum, Londra
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Il paesaggio nella pittura europea del XIX secolo
Gli artisti impressionisti (C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Sisley e altri) stabilirono compiti pittorici ancora più complessi: la vibrazione dell'aria e la nebbia umida erano incarnate nelle loro tele. Spesso gli artisti creavano una serie di paesaggi con un unico motivo (la cattedrale di Rouen di Monet in diversi momenti della giornata, 1893–95). Nei dipinti "solari" degli impressionisti, per la prima volta, i colori puri, non mescolati sulla tavolozza, risuonavano con gioia. I paesaggi erano dipinti interamente en plein air, dalla natura.
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Pierre Auguste Renoir “Campo di grano” 1879
Prati Alfred Sisley in primavera. 1880-1881. Galleria Nazionale. Londra.
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Oscar Claude Monet "Impressione. Sol Levante, 1872, Museo Marmottan Monet, Parigi
Jacob Abraham Camille Pissarro Boulevard Montmartre. Pomeriggio soleggiato. 1897
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Il paesaggio nell'arte russa, fine del XVIII secolo
Nell'arte russa, il paesaggio come genere indipendente è apparso in con. 18esimo secolo I suoi fondatori furono architetti, decoratori teatrali, maestri delle vedute prospettiche. All'Accademia delle arti di San Pietroburgo, i paesaggisti furono allevati secondo i principi del classicismo. Dovevano creare vedute della loro natura nativa sui modelli di famosi dipinti del passato, e soprattutto sulle opere degli italiani dei secoli XVII-XVIII. I paesaggi venivano “composti” in officina, quindi, ad esempio, la Gatchina settentrionale e umida (vicino a San Pietroburgo) sembrava l'Italia soleggiata nelle tele di Semyon Fedorovich Shchedrin (“Il ponte di pietra a Gatchina vicino a Connetable Square”, 1799– 1800). I paesaggi eroici furono creati da F. M. Matveev, riferendosi principalmente alle vedute della natura italiana (“Veduta di Roma. Colosseo”, 1816). F. Ya Alekseev ha dipinto vedute architettoniche della capitale e delle città di provincia della Russia con grande cordialità e calore.
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MATVEEV Fedor Mikhailovich “Veduta di Roma. Colosseo, 1816
Shchedrin Semyon Fedorovich "Ponte di pietra a Gatchina vicino a Connetable Square" 1799 - 1801 Galleria statale Tretyakov
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L’era del romanticismo porta nuove tendenze. Il paesaggio è concepito come l'incarnazione dell'anima dell'universo; la natura, come l'anima umana, appare nella dinamica, nell'eterna variabilità. Sylvester Feodosievich Shchedrin, nipote di Semyon Fedorovich Shchedrin, che lavorò in Italia, fu il primo a dipingere paesaggi non in studio, ma all'aria aperta, ottenendo maggiore naturalezza e veridicità nella trasmissione dell'ambiente luce-aria. La fertile terra d'Italia, piena di luce e calore, diventa l'incarnazione di un sogno nei suoi dipinti. Qui è come se il sole non tramonta mai e regni l'eterna estate, e le persone sono libere, belle e vivono in armonia con la natura (“Costa sorrentina affacciata sull'isola di Capri”, 1826; “Terrazza in riva al mare”, 1928). Motivi romantici con gli effetti del chiaro di luna, la cupa poesia delle notti buie o lo scintillio dei fulmini attirarono M. N. Vorobyov ("Notte d'autunno a San Pietroburgo. Molo con sfingi egiziane di notte", 1835; "Quercia spezzata da un fulmine", 1842).
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Vorobyov Maxim Nikiforovich “Notte d'autunno a San Pietroburgo. Molo con sfingi egiziane di notte", "Quercia distrutta da un fulmine", 1842 1835
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Ivan Constantinovich Aivazovski
Nona ondata, 1850 San Pietroburgo, Museo statale russo Briga "Mercury", attaccata da due navi turche, 1892 Galleria Nazionale d'Arte. I. K. Aivazovsky, Feodosia
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Paesaggio Arte russa del XIX secolo
Nella pittura, il secondo piano. 19esimo secolo il paesaggio occupava un posto importante nel lavoro dei Viandanti. Una rivelazione per il pubblico russo furono i dipinti di A. K. Savrasov ("The Rooks Have Arrived", 1871; "The Country Road", 1873), che scoprì la modesta bellezza della natura russa e riuscì a rivelare sinceramente la sua vita più intima nelle sue tele . Savrasov divenne il fondatore del lirico "paesaggio dell'umore" nella pittura russa, la cui linea fu continuata da F. A. Vasiliev ("Thaw", 1871; "Wet Meadow", 1872) e I. I. Levitan ("Evening Ringing", 1892; " Autunno dorato", 1895). I. I. Shishkin, a differenza di Savrasov, cantò la forza eroica, l'abbondanza e il potere epico della terra russa ("Rye", 1878; "Forest Dali", 1884). I suoi dipinti affascinano con l'infinito dello spazio, la distesa del cielo alto, la potente bellezza delle foreste e dei campi russi. Una caratteristica del suo modo pittorico era l'attento disegno dei dettagli, combinato con la monumentalità della composizione.
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Alexey Kondratievich Savrasov
I corvi sono arrivati 1871, olio su tela, 62x48 cm Galleria statale Tretyakov, Monastero delle Grotte di Mosca vicino a Nizhny Novgorod 1871, olio su tela, 101x131 cm Museo d'arte di Nizhny Novgorod
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Fedor Alexandrovich Vasiliev
"Disgelo", 1871; "Prato bagnato", 1872
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Ivan Ivanovic Shishkin
"Segale", 1878 "Distanze forestali", 1884
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Isaac Ilic Levitan
Primavera - grande acqua 1896, olio su tela, 64x57 cm Galleria Statale Tretyakov Autunno dorato 1895, olio su tela, 82x126 cm Galleria Statale Tretyakov
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Il paesaggio nell'arte russa A cavallo tra il XIX e il XX secolo
A cavallo tra il XIX e il XX secolo. K. A. Korovin (“Parisian Café”, 1890) e I. E. Grabar (“February Blue”, 1904) dipinsero vedute della natura nello spirito dell'impressionismo. P. V. Kuznetsov, K. S. Petrov-Vodkin, K. F. Bogaevskij, M. S. Saryan e altri hanno creato paesaggi che portano lo spettatore nel mondo dei sogni su terre lontane non toccate dalla civiltà, su grandi epoche passate.
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Korovin Konstantin Alekseevich caffè parigino. 1890 Igor Emmanuilovich Grabar Febbraio blu. 1904.
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Kuznetsov Pavel Varfolomeevich "La strada per Alupka" 1926 Museo d'arte di Saratov intitolato ad A.N. Radishchev, Saratov Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin Parigi, Notre Dame. 1924
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I maestri dell'arte sovietica continuarono le grandi tradizioni dei loro predecessori. Apparve un nuovo genere di paesaggio industriale, che rifletteva chiaramente il pathos di affermazione della vita dell'era di B. N. Yakovlev, G. G. Nissky,
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Yakovlev Boris Nikolaevich "I trasporti stanno migliorando", 1923 Georgy Grigorievich Nissky "Sui binari. maggio", 1933
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tipi di paesaggio
L’inesauribile diversità della natura ha dato origine a vari tipi di genere paesaggistico nelle arti visive Rurale Urbano Parco Marino Architettonico Industriale
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paesaggio rurale
Molti artisti Vasiliev, Savrasov, Levitan, Korovin e altri hanno fatto ricorso paesaggio rurale... Nel paesaggio rurale, l'artista è attratto dalla poesia della vita rurale, dalla sua connessione naturale con il mondo esterno e la natura.
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Isaac Il'ic Levitan Vladimirka. 1892 Ivan Ivanovich Shishkin. Mezzogiorno. Nelle vicinanze di Mosca. 1869
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paesaggio urbano
Il paesaggio urbano comprende edifici, strade, viali, piazze, terrapieni
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Alekseev, Fedor Yakovlevich. Piazza Rossa a Mosca. 1801. 81,3 x 110,5 cm Olio su tela. Accademicismo. Russia. Mosca. Galleria Statale Tretyakov Berkheide, Gerrit Adrians. Grande mercato ad Haarlem con St. Bavo. 1696. 69,5 x 90,5 cm Olio su tavola. Barocco. Paesi Bassi (Olanda). Harlem. Museo Frans Hals
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paesaggio del parco
Il paesaggio del parco raffigura angoli della natura creati per il relax delle persone, combinando armoniosamente forme naturali con sculture e architetture decorative.
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Stanislav Yulianovich Zhukovsky Terrazza abbandonata, 1911
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Paesaggio marino
Una morena o un paesaggio marino raccontano la peculiare bellezza di un mare calmo o tempestoso.
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Aivazovsky, Ivan Konstantinovich Veduta di Odessa dal mare. 1865. 45 x 58 cm Olio su tela. Romanticismo, realismo. Russia. Yerevan. Pinacoteca statale dell'Armenia Beggerov, Alexander Karlovich. Argine della Neva. 1876. 53,5 x 93 cm Olio su tela. Realismo. Russia. San Pietroburgo. Museo statale russo
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paesaggio architettonico
Il paesaggio architettonico è in stretto contatto con l'artista urbano; l'attenzione principale è rivolta all'immagine dei monumenti architettonici in sintesi con l'ambiente.
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paesaggio architettonico
Alt, Rudolf Ritter von. Veduta della Cattedrale di S. Stefano. 1832. 46 x 58 cm Tela. Realismo. Austria. Vena. Galleria d'arte austriaca nel Belvedere Alekseev, Fedor Yakovlevich. Piazza della Cattedrale del Cremlino di Mosca. cm 81,7 x 112. Olio su tela. Accademicismo. Russia. Mosca. Galleria statale Tretyakov
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panorama industriale
In questo paesaggio, l'artista cerca di mostrare il ruolo e il significato dell'uomo: creatore, costruttore di fabbriche e fabbriche, dighe e centrali elettriche.
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Franz Garry Rudolfovich Porto anni '60. cartone, olio. Pyotr Timofeevich Fomin Construction (hantayka) 1971. Olio su cartone
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Caratteristiche del genere selezionato
Descrivendo la natura, l'artista riflette le idee delle persone della sua epoca sulla bellezza della realtà circostante. L'artista interpreta ogni paesaggio a modo suo, attribuendo un certo significato, quindi possiamo dire che esistono molti altri tipi di paesaggio.
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Paesaggio eroico
William Turner. Annibale attraversa le Alpi. 1812 cm 237,5 x 146. Tela. Olio. Tate Britain, Londra, Regno Unito Questo è il nome di un paesaggio in cui la natura appare maestosa e inaccessibile all'uomo. Raffigura alte montagne rocciose, alberi possenti.
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paesaggio dell'umore
FEDOR ALEKSANDROVICH VASILIEV "Il disgelo" (il dipinto vinse il primo premio al concorso espositivo della Società per l'incoraggiamento degli artisti nel 1871, fu acquistato da P. M. Tretyakov per la sua famosa galleria, e la sua copia fu ordinata dall'imperatore Alessandro III per la Russia Museo) Il desiderio di trovare nei vari stati della natura la corrispondenza con le esperienze e gli stati d'animo umani ha conferito al paesaggio una colorazione lirica. Sentimenti di desiderio, tristezza, disperazione o gioia silenziosa si riflettono nel panorama dell'umore.
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panorama storico
Apollinary Vasnetsov. Piazza Rossa nella seconda metà del XVII secolo, 1925 In questo genere paesaggistico sono incarnati eventi storici, che mi ricordano i monumenti architettonici e scultorei raffigurati associati a questo evento. Fa rivivere nella memoria eventi e tempi lontani.
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scenario epico
Shishkin Ivan Ivanovic "Segale" 1878. Olio su tela 187 x 107 Galleria statale Tretyakov, Mosca Immagini maestose della natura, piene di forza interiore, significato speciale e calma impassibile sono caratteristiche del paesaggio epico.
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paesaggio romantico
Nicola Konstantinovich Roerich. Lotta nel cielo, 1912 Tempera su cartone. 66 x 95 cm Museo statale russo. Russia. San Pietroburgo Nuvole temporalesche, nuvole vorticose, tramonti cupi, venti violenti sono i motivi di un paesaggio romantico.
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La sequenza del lavoro sul paesaggio
È impossibile creare uno scenario naturale per un paesaggio, a differenza di una natura morta. Pertanto, il lavoro sulla composizione di un paesaggio differisce in modo significativo dal lavoro sulla composizione di una natura morta, può essere suddiviso nelle seguenti fasi: - scelta di un argomento e ricerca di un modo per esprimerlo; - raccolta di materiale (realizzazione di schizzi dalla natura); - realizzare uno schizzo basato sugli schizzi sul campo; - esecuzione del paesaggio secondo gli schizzi realizzati e in accordo con il tema.
Tutte le persone sono raccolte al centro di interesse, sul lato destro dell'immagine il Cavallo è posizionato in modo errato. Sarebbe meglio posizionarlo vicino alla panchina.
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La nebbia è un ottimo strumento per creare profondità aggiungendo piani che miglioreranno il senso della distanza se il primo piano è un po' scuro.
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La tua immagine non sembrerà sovraccarica se includi nella composizione una sorta di "area di riposo", preferibilmente davanti al centro, se nell'immagine sono incluse linee orizzontali, verticali e diagonali. Queste linee non dovrebbero essere presenti nella loro forma pura, ma con il loro aiuto dovrebbe essere data la direzione del movimento. Quelli diagonali sono da preferire perché non corrono paralleli alla cornice e danno profondità.
Visualizza tutte le diapositiveLezioni di paesaggio - Sei d'accordo con l'affermazione? Esame. Scrivi un saggio sull'argomento: "Disegno un paesaggio". Sviluppo del paesaggio nella pittura. Sviluppo: sviluppo di capacità per lo sviluppo indipendente e valutazione dei valori artistici. Riassumendo. "Escursione al Museo". Preparare la mostra "Paesaggio d'Oriente". Assegnazione dei compiti.
"Dipingere paesaggi" - La neve si è rivelata non solo sul terreno, ma si è librata nel cielo, coprendo alberi e cespugli. I colori cominciarono a scomparire in alcuni punti. Dopo il primo lavoro non si sono dispersi, volevano anche dipingere un paesaggio. Ma i colori celestiali non sono molti. K. Korovin. Paesaggio forestale. Riflessione in uno stagno. Bene, eccoci qui, al lavoro.
"Paesaggio invernale" - Fuoco del camino, miraggi addormentati. Pace e tranquillità nella foresta invernale. "Paesaggio invernale" /lezione integrata per gli studenti delle classi 6°/. "Serata d'inverno". Il sole cremisi abbaglia il cielo azzurro con colori freschi. "Eugenio Onegin". "Mattina d'inverno". Paesaggio / da paysage, da pays - località / - un'immagine della natura in un'opera d'arte.
"Paesaggio di Pushkin" - I testi dei paesaggi hanno sempre occupato un posto speciale nel lavoro di A.S. Pushkin. Ti ho dimenticato... al dolce. Nella poesia di Pushkin, l'estate, l'autunno, l'inverno e la primavera sono dipinti con colori vivaci. Di qui vedo la nascita dei ruscelli E il primo movimento di valanghe minacciose. Gelo e sole; giornata meravigliosa! Custodi del sacro silenzio! Per Pushkin la natura era fonte di ispirazione.
"Paesaggi di Shishkin" - Fedor Alekseev "Piazza della Cattedrale del Cremlino di Mosca". Cosa è raffigurato nel dipinto di Shishkin “Mattina in una pineta? Paesaggio rurale. Esercizio. Industriale urbano rurale. Nel dipinto "Ship Grove" i pini sono raffigurati in modo molto naturale, vivido. La risposta è corretta! Disegna i contorni delle montagne e delle colline con una matita.
"Paesaggio in musica" - Isaac Levitan. A. Maikov Pyotr Ilyich Čajkovskij. I Rook sono arrivati. 1871. Clement Janequin (1480-1560) Canto degli uccelli, caccia, usignolo. Chiamata serale, campana serale. Pittura. Galleria di dipinti dell'artista - Bacia la terra. 2. Stagioni. Il paesaggio in musica. Isaac Ilic Levitan. Franz Liszt. La primavera è una grande acqua. Frammento del balletto "La sagra della primavera" - "Il bacio della terra".
Regole di composizione del paesaggio
insegnante di arte,
insegnante di formazione aggiuntiva
Vorlamova O.A.
Questa serie di regole (preferisco la parola "consigli") è stata messa insieme per aiutarti a imparare come comporre correttamente il tuo paesaggio. Contiene le regole di base che si trovano nella maggior parte dei libri, oltre ad alcune mie idee. Tuttavia, voglio avvertirti: non lasciare che le regole ostacolino il tuo lavoro e la tua ricerca. Dovrebbero aiutarti solo in un momento in cui hai dei dubbi e non sai come posizionare al meglio questo o quell'elemento nell'immagine. Le regole esistono, come sai, per infrangerle, davvero... quando sai esattamente cosa stai infrangendo e perché sarà meglio così. Pertanto, sii paziente: la strada da percorrere è lunga.
I. Consigli di base.
1. Guarda l'immagine. Il paesaggio dovrebbe avere un centro di interesse: una parte speciale, bella e evidente dell'immagine. Può essere evidenziato con colore e contrasto. Questa parte dovrebbe apparire speciale e significativa. L'area circostante deve essere leggermente meno visibile. Va ricordato che il centro di interesse:
Dovrebbero essere caratterizzati da un colore forte (questo non significa brillante) e, se possibile, da un'ampia varietà di colori. Distinguiti con un leggero contrasto. È preferibile che occupi la maggior parte dell'immagine e sia in primo piano (tuttavia non è necessario). Edifici, animali e persone attireranno l'attenzione. Si spostano facilmente al centro dell'interesse, come i personaggi principali. Gli elementi circostanti e lo sfondo dovrebbero condurre l'occhio dello spettatore al centro di interesse.
Il centro di interesse non dovrebbe essere al centro dell'immagine. Inoltre, non dovrebbe occupare metà della tela. La proporzione migliore è 1/3. L'area scelta come centro di interesse non deve essere isolata dal resto dell'immagine. Un centro adeguatamente costruito dovrebbe attrarre e trattenere l'occhio dello spettatore.
La costa conduce lo sguardo fino al ponte, che diventa il centro di interesse.
2. Potresti voler includere un secondo centro di interesse nell'immagine. Questo è imperdonabile per un principiante e un non professionista. Esiste il rischio di concorrenza e, di conseguenza, di una composizione infruttuosa.
Non c'è bisogno di fiori in primo piano in questo dipinto, ma l'artista ha aggiunto un secondo centro di interesse, e con successo.
3. Non spingere lo spettatore fuori dall'immagine! Ciò può essere evitato non portando gli elementi ai margini e all'esterno dell'immagine, in particolare alberi, strade e fiumi. Puoi aggiungere "stop" per evitare di rimanere fuori limite. Questa regola è molto pratica, gli animali e le persone devono rimanere nella composizione.
Presta attenzione al cavallo all'estrema destra. L'artista ha usato il colore per fermarsi. Se socchiudi gli occhi, noterai che il cavallo si fonde con gli alberi, ma se fosse leggero, i tuoi occhi andrebbero fino al limite dell'immagine.
Questo flusso non è una forma di movimento di grande successo.
Il percorso del movimento dello sguardo è una curva morbida. Puoi attraversarlo a nuoto...
Fiumi, torrenti, strade, ecc. portare movimento all'immagine. Le linee rette dovrebbero essere evitate: l'occhio vi scivola sopra troppo velocemente. Lascia che lo spettatore faccia una piacevole passeggiata attraverso il tuo paesaggio.
L'inclinazione degli alberi mostra che il vento soffia da destra a sinistra, ma la pioggia cade nella direzione opposta.
La logica non si applica all’art. Tutto è determinato dall'influenza visiva. La luce del sole può apparire sull'erba anche se è una giornata piovosa. Le prospettive lineari e atmosferiche possono essere distorte se la situazione lo richiede. Le ombre possono essere più grandi di quanto dovrebbero essere... In generale, sentiti libero, sei un artista :-)
Il cavallo è nella posizione sbagliata. Sarebbe meglio posizionarlo vicino alla panchina.
Tutte le persone sono raccolte al centro di interesse, sul lato destro dell'immagine.
6. Raccogli oggetti importanti all'interno del centro di interesse. Non disperderli nella composizione, altrimenti attireranno l'attenzione l'uno dall'altro.
Cosa c'è dietro l'angolo? Forse un lago? O una città? L'artista ha lasciato alla nostra immaginazione.
Lascia che lo spettatore partecipi all'immagine. Lascia spazio al pensiero e all'immaginazione. Lascia spazio a un piccolo mistero.
- 8. Profondità. Gli artisti si limitano a creare l'illusione di un'immagine tridimensionale su un piano bidimensionale.
Ecco alcuni suggerimenti per creare l'illusione della profondità: Posiziona gli oggetti in modo che si sovrappongano. I colori lontani sullo sfondo sono generalmente più freddi e diminuiscono di colore. Più gli oggetti sono vicini, più i colori appaiono caldi e ricchi. In realtà, non tutto è così semplice. Quando guardiamo un albero a una distanza di 100 metri, il colore è ancora caldo. Il cambiamento di colore sarà molto leggero rispetto all'albero accanto a te. Tuttavia, anche se aggiungi un po' di viola o blu al colore del fogliame, questi alberi passeranno in secondo piano.
Puoi anche aggiungere più piani per migliorare il senso della distanza se il primo piano è un po' scuro.
La nebbia è un ottimo strumento per creare profondità.
Contrasto sbagliato. L'albero a sinistra è in competizione per l'attenzione.
Meglio: il contrasto è stato ridotto e ora è più facile mettere a fuoco.
Mantieni il contrasto per il centro di interesse in modo che le aree intorno a te non competano per attirare l'attenzione. I toni più chiari e più scuri sono vicini al centro di interesse, intorno si trovano i valori medi di colore e luce.
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Didascalie delle diapositive:
Scenario. I suoi tipi e personaggi
Il paesaggio (derivato dal francese paysage - paese, territorio) è un genere di belle arti in cui il soggetto principale dell'immagine è la natura.
Tipi di paesaggio: a seconda del carattere principale della natura all'interno del genere paesaggistico, si distinguono i seguenti tipi di paesaggio: paesaggi architettonici e industriali. Paesaggio rurale e urbano. Paesaggi marittimi e fluviali.
Paesaggio rurale - riflette la poesia della vita rurale, il suo legame naturale con la natura circostante.
Paesaggio urbano - raffigura un ambiente spaziale organizzato dall'uomo: edifici, strade, viali, piazze, argini, parchi.
Il paesaggio architettonico è vicino al paesaggio urbano, ma qui l'artista presta maggiore attenzione alla rappresentazione dei monumenti architettonici in sintesi con l'ambiente.
Paesaggio industriale - mostra il ruolo e l'importanza dell'uomo - il creatore, costruttore di fabbriche, fabbriche, centrali elettriche, stazioni ferroviarie e ponti.
Paesaggio marino - Marina (dal lat. marinus - mare) - uno dei tipi di paesaggio, il cui oggetto è il mare. Marina parla della bellezza del mare calmo e tempestoso.
Diversità del paesaggio. Esistono cinque tipi di carattere paesaggistico: - eroico - storico - epico - paesaggio romantico - paesaggio emozionale
Paesaggio eroico - un paesaggio in cui la natura appare maestosa e inaccessibile all'uomo. Raffigura alte montagne rocciose, alberi possenti, una calma distesa d'acqua e, su questo sfondo, eroi e dei mitici.
Paesaggio storico. Nel genere paesaggistico sono incarnati eventi storici, che ricordano i monumenti architettonici e scultorei raffigurati associati a questi eventi.
Il paesaggio epico è un'immagine maestosa della natura, piena di forza interiore, significato speciale e calma impassibile.
Paesaggio romantico - Nuvole temporalesche, nuvole vorticose, tramonti cupi, venti violenti. Il paesaggio a volte cattura un inizio ribelle, un disaccordo con l'ordine esistente delle cose, il desiderio di elevarsi al di sopra dell'ordinario, di cambiarlo.
Paesaggio dell'umore Riflette sentimenti di malinconia, tristezza o gioia silenziosa. Il desiderio di trovare nei vari stati della natura una corrispondenza con le esperienze e gli stati d'animo umani ha conferito al paesaggio una colorazione lirica.
Lavoro pratico: Disegna uno dei tipi o dei personaggi del paesaggio.
C'è una regola tradizionale nel paesaggio: il cielo e il paesaggio devono essere disuguali nella massa compositiva. Se l'artista si prefigge l'obiettivo di mostrare lo spazio, lo spazio illimitato, dà la maggior parte dell'immagine al cielo e presta ad esso l'attenzione principale.
Se per l'artista il compito principale è trasmettere i dettagli del paesaggio, allora il confine del paesaggio e del cielo nella foto si trova solitamente molto più in alto rispetto al centro ottico della composizione.
Se il bordo è posizionato al centro, l'immagine si divide in due parti, rivendicando ugualmente la supremazia: il principio di subordinazione del secondario al principale verrà violato. Questa osservazione generale è ben illustrata dal lavoro di P. Brueghel.
La composizione del paesaggio è complessa e allo stesso tempo molto naturale, a prima vista è un po' ridotta nei dettagli, ma ad un'analisi più attenta risulta strettamente sartoriale.
La paradossalità di Pieter Brueghel si è manifestata nello spostamento del centro semantico del quadro (Icaro) alla periferia e del personaggio secondario (aratore) al centro compositivo.
Il ritmo dei toni scuri sembra essere casuale: boschetti a sinistra, testa di aratore, alberi in riva al mare, scafo di nave. Tuttavia, è proprio questo ritmo che non consente all'occhio dello spettatore di abbandonare l'immagine lungo la fascia diagonale scura lungo il bordo scuro della parte alta della costa.
Un altro ritmo è costruito dai toni caldi delle sezioni chiare della tela, nonché da una chiara divisione dello spazio paesaggistico in tre piani: costa, mare, cielo.
Con molti dettagli, la composizione è mantenuta da una tecnica classica: un accento di colore creato dalla camicia rossa del contadino. Senza entrare in una descrizione dettagliata dei dettagli del quadro, non si può fare a meno di ammirare la geniale semplicità di esprimere il significato profondo dell'opera: il mondo non si è accorto della caduta di Icaro.
In termini di colore, questo è uno dei dipinti più magnifici dell'intera storia della pittura, ma la perfezione pittorica non sarebbe stata raggiunta senza una composizione ben costruita che soddisfi tutti i canoni classici.
Equilibrio assoluto con asimmetria, maestosità epica con ritmo dinamico, rapporto esattamente trovato tra le masse cromatiche, magica freddezza dell'aria e del mare: questa è l'opera di un grande maestro.
L'analisi mostra che il ritmo nella composizione è costruito sia verticalmente che orizzontalmente e diagonalmente. Il ritmo verticale è formato da torri, colonne, divisione delle mura del palazzo in linea con gli alberi delle barche.
Il ritmo orizzontale è determinato dalla disposizione delle barche lungo due immaginarie linee orizzontali, dai piedi del palazzo, dalle linee dei tetti alle loro congiunzioni con i muri. Molto interessante è il ritmo diagonale delle sommità delle torri, della cupola, delle statue sopra il portico, la prospettiva della parete destra, le barche sul lato destro del quadro.
Per bilanciare la composizione, è stato introdotto un ritmo diagonale alternativo dalla barca di sinistra alla cupola centrale del palazzo, nonché dalla gondola più vicina alle cime degli alberi di destra. Il colore caldo delle pareti del palazzo e l'oro dei raggi del sole sulle facciate rivolte allo spettatore distinguono in modo armonioso e potente l'edificio sullo sfondo del colore generale ricco del mare e del cielo.
Non c'è confine tra il mare e il cielo: questo conferisce ariosità all'intero paesaggio. Il riflesso del palazzo nelle calme acque della baia è generalizzato e completamente privo di dettagli, il che consente alle figure di rematori e marinai di non perdersi.
Nissky ha creato le sue opere come pure composizioni, non le ha scritte direttamente dalla natura, non ha realizzato molti schizzi preliminari. Ha memorizzato i paesaggi, ha assorbito nella sua mente i tratti e i dettagli più caratteristici, ha fatto una selezione mentale ancor prima di iniziare a lavorare al cavalletto.
La localizzazione delle masse di colore, la netta separazione delle lunghe ombre fredde e il candore rosato della neve, le sagome rigorosamente adattate degli abeti su un treno merci che corre in curva, come un'autostrada di cemento tracciata lungo un righello: tutto ciò crea una sensazione di Dietro questo si vede la modernità, l'era industriale, anche se il lirismo del paesaggio invernale con la sua neve pura, il silenzio mattutino, il cielo alto non ci permettono di attribuire il quadro a un'opera su un tema produttivo.
Di particolare rilievo sono i rapporti di colore sullo sfondo. Di norma, le distanze sono scritte con un tono più freddo rispetto al primo piano, ma in Nissky la foresta lontana è disegnata con colori caldi.
Sembrerebbe che sia difficile spostare il soggetto nelle profondità dell'immagine con un colore simile, ma se presti attenzione al colore rosa-arancio del cielo, l'artista ha dovuto violare la regola generale per costruire lo spazio in questo modo che la foresta non si staglia nettamente contro il cielo, ma si fonde tonalmente con esso.
Il maestro pose in primo piano la figura di uno sciatore vestito con un maglione rosso. Questo punto luminoso con un'area molto piccola sostiene attivamente la composizione e le conferisce profondità spaziale. La divisione delle masse orizzontali convergenti verso la sezione sinistra del quadro, il confronto con le verticali degli abeti conferisce all'opera una drammaticità compositiva.
