Среди благородных произведений искусства, которые радуют глаз и вызывают только положительные эмоции, есть полотна, мягко сказать, странные и шокирующие. Представляем вашему вниманию 20 картин, принадлежащих кисти всемирно известных художников, которые заставляют ужаснуться…
«Проигрыш разума перед материей»
Картина, написанная в 1973 году австрийским художником Отто Раппом. Он изобразил разлагающуюся человеческую голову, надетую на птичью клетку, в которой лежит кусок плоти.
«Подвешенный живой негр»
Это ужасное творение Уильяма Блейка изображает раба-негра, который был повешен на виселицу с помощью крючка, продетого через его ребра. Работа основана на рассказе голландского солдата Стэдмена – очевидце подобной жестокой расправы.
«Данте и Вергилий в аду»
Картина Адольфа Вильям Бугро была вдохновлена короткой сценой о битве между двумя проклятыми душами из «Ада» Данте.
«Ад»
Картина «Ад» немецкого художника Ганса Мемлинга, написанная в 1485 году, является одной из самых страшных художественных творений своего времени. Она должна была подтолкнуть людей к добродетели. Мемлинг усилил ужасающий эффект сцены, добавив подпись: «В аду искупления нет «.
«Великий красный дракон и морское чудовище»
Известный английский поэт и художник XIII века Уильям Блейк в момент озарения создал серию акварельных картин, изображающих великого красного дракона из Книги Откровений. Красный Дракон являлся воплощением дьявола.
«Дух воды»
Художник Альфред Кубин считается крупнейшим представителем символизма и экспрессионизма и известен своими темными символическими фантазиями. «Дух воды» — одна из таких работ, изображающих бессилие человека перед морской стихией.
«Necronom IV»
Это страшное творение известного художника Ганса Рудольфа Гигера было вдохновлено фильмом «Чужой». Гигер страдал от ночных кошмаров и его все картины были вдохновлены этими видениями.
«Свежевание Марсия»
Созданная художником времен итальянского Возрождения Тицианом картина «Свежевание Марсия» в настоящее время находится в Национальном музее в Кромержиже в Чехии. Художественное произведение изображает сцену из греческой мифологии, где с сатира Марсия сдирают кожу за то, что он осмелился бросить вызов богу Аполлону.
«Искушение Святого Антония»
Матиас Грюневальд изображал религиозные сюжеты Средних веков, хотя сам жил во времена Возрождения. Говорили, что святой Антоний столкнулся с испытаниями своей веры во время молитвы в пустыне. Согласно легенде его убили демоны в пещере, затем он воскрес и уничтожил их. Эта картина изображает Святого Антония, подвергнувшегося атаке демонов.
«Отрубленные головы»
Самая известная работа Теодора Жерико – это «Плот Медузы», огромная картина, написанная в романтическом стиле. Жерико пытался разбить рамки классицизма, перейдя к романтизму. Эти картины были начальным этапом его творчества. Для своих работ он использовал настоящие конечности и головы, которые находил в моргах и лабораториях.
«Крик»
Это известнейшее полотно норвежского экспрессиониста Эдварда Мунка было вдохновлено безмятежной вечерней прогулкой, во время которой художник стал свидетелем кроваво-красного заходящего солнца.
«Смерть Марата»
Жан-Поль Марат был одним из лидеров Французской революции. Страдая от болезни кожи, он проводил большую часть времени в ванной, где он работал над своими записями. Там же он и был убит Шарлоттой Корде. Смерть Марата изображали несколько раз, но именно работа Эдварда Мунка отличается особой жестокостью.
«Натюрморт из масок»
Эмиль Нольде был одним из ранних художников-экспрессионистов, хотя его славу затмили другие, такие как, например, Мунк. Нольде написал эту картину после изучения масок в Берлинском музее. На протяжении всей жизни он увлекался другими культурами, и эта работа не является исключением.
«Gallowgate Lard»
Эта картина ни что иное, как автопортрет шотландского автора Кена Карри, который специализируется на мрачных, социально-реалистических картинах. Любимая тема Карри — тусклая городская жизнь шотландского рабочего класса.
«Сатурн, пожирающий своего сына»
Одна из самых известных и зловещих работ испанского художника Франсиско Гойя была нарисована на его стене дома в 1820 — 1823 гг. Сюжет основан на греческом мифе о титане Хроносе (в Риме — Сатурн), который опасался, что будет свергнут одним из своих детей и съедал их сразу после рождения.
«Юдифь, убивающая Олоферна»
Казнь Олоферна изображали такие великие художники, как Донателло, Сандро Боттичелли, Джорджоне, Джентилески, Лукас Кранах старший и многие другие. На картине Караваджо, написанной в 1599 году, изображён самый драматичный момент этой истории — обезглавливание.
«Кошмар»
Картина швейцарского живописца Генриха Фюзели была впервые показана на ежегодной выставке Королевской Академии в Лондоне в 1782 году, где она шокировала и посетителей, и критиков.
«Избиение младенцев»
Это выдающееся произведение искусства Петера Пауля Рубенса, состоящее из двух картин, было создано в 1612 году, как полагают, под влиянием работ известного итальянского художника Караваджо.
«Исследование портрета Иннокентия Х Веласкеса»
В основе этого устрашающего образа одного из самых влиятельных художников ХХ века Фрэнсиса Бэкона — парафраз известного портрета Папы Иннокентия X, написанного Диего Веласкесом. Забрызганный кровью, с мучительно искаженным лицом, Папа изображен сидящим в металлической трубчатой конструкции, которая при ближайшем рассмотрении является троном.
«Сад земных наслаждений»
Это самый известный и пугающий триптих Иеронима Босха. На сегодняшний день существует множество толкований картины, но ни одно их них не было окончательно подтверждено. Возможно, произведение Босха олицетворяет Райский сад, Сад земных наслаждений и Наказания, которые придется понести за смертные грехи, совершенные при жизни.
Есть произведения искусства, которые словно бьют зрителя по голове, ошарашивая и изумляя. Другие затягивают в раздумья и в поиски смысловых слоев, тайной символики. Некоторые картины овеяны тайнами и мистическими загадками, а другие удивляют непомерной ценой.
Мы тщательно просмотрели все главные достижения в мировой живописи и выбрали из них два десятка самых странных картин. Сальвадора Дали , чьи работы полностью попадают под формат этого материала и первыми приходят на ум, не включили в эту подборку намеренно.
Понятно, что «странность» - это довольно субъективное понятие и для каждого есть свои удивительные картины, выбивающиеся из ряда прочих произведений искусства. Мы будем рады, если вы поделитесь ими в комментариях и расскажете о них немного.
«Крик»
Эдвард Мунк. 1893, картон, масло, темпера, пастель.
Национальная галерея, Осло.
«Крик» считается знаковым событием экспрессионизма и одной из самых известных картин в мире.
Существуют две трактовки изображенного: это сам герой охвачен ужасом и безмолвно кричит, прижимая руки к ушам; или же герой закрывает уши от звучащего вокруг крика мира и природы. Мунк написал четыре варианта «Крика», и есть версия, что картина эта - плод маниакально-депрессивного психоза, от которого страдал художник. После курса лечения в клинике Мунк не возвращался к работе над полотном.
«Я шел по тропинке с двумя друзьями. Солнце садилось - неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор - я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фьордом и городом. Мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу», - говорил Эдвард Мунк об истории создания картины.
«Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?»
Поль Гоген. 1897-1898, холст, масло.
Музей изящных искусств, Бостон.
По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево - три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии.
Три женщины с ребенком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, «старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям», у ее ног «странная белая птица... представляет бесполезность слов».
Глубоко философская картина постимпрессиониста Поля Гогена была написана им на Таити, куда тот сбежал от Парижа. По завершении работы он хотел даже покончить жизнь самоубийством: «Я верю, что это полотно превосходит все мои предыдущие и что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее». Он прожил еще пять лет, так и получилось.
«Герника»
Пабло Пикассо. 1937, холст, масло.
Музей королевы Софии, Мадрид
.
«Герника» представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин, но они очевидны. Рассказывают, что в 1940 году Пабло Пикассо вызвали в гестапо в Париже. Речь сразу зашла о картине. «Это сделали вы?» - «Нет, это сделали вы».
Огромное полотно-фреска «Герника», написанная Пикассо в 1937 году, рассказывает о налете добровольческого подразделения люфтваффе на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен. Картина была написана буквально за месяц - первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10-12 часов, и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею. Это одна из лучших иллюстраций кошмара фашизма, а также человеческой жестокости и горя.
«Портрет четы Арнольфини»
Ян ван Эйк. 1434, дерево, масло.
Лондонская национальная галерея, Лондон.
Знаменитая картина целиком и полностью наполнена символами, аллегориями и разнообразными отсылками - вплоть до подписи «Ян ван Эйк был здесь», превратившей картину не просто в произведение искусства, а в исторический документ, подтверждающий реальность события, на котором присутствовал художник.
Портрет предположительно Джованни ди Николао Арнольфини и его жены является одним из наиболее сложных произведений западной школы живописи Северного Возрождения.
В России в последние несколько лет картина обрела большую популярность благодаря портретному сходству Арнольфини с Владимиром Путиным.
«Демон сидящий»
Михаил Врубель. 1890, холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея, Москва.
«Руки противятся ему»
Билл Стоунхэм. 1972.
Эту работу, конечно, нельзя причислить к шедеврам мировой живописи, но то, что она странная, - это факт.
Вокруг картины с мальчиком, куклой и ладошками, прижатыми к стеклу, ходят легенды. От «из-за этой картины умирают» до «дети на ней живые». Выглядит картина и впрямь жутковато, что порождает у людей со слабой психикой массу страхов и домыслов.
Художник же уверял, что на картине изображен он сам в возрасте пяти лет, что дверь - представление разделительной линии между реальным миром и миром снов, а кукла - проводник, который сможет провести мальчика через этот мир. Руки представляют альтернативные жизни или возможности.
Картина обрела известность в феврале 2000 года, когда была выставлена на продажу на eBay с предысторией, рассказывающей, что картина - «с привидениями». «Руки противятся ему» купил за 1025 долларов Ким Смит, который затем был просто завален письмами с жуткими историями и требованиями сжечь картину.
2.Поль Гоген «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?»
897-1898, холст, масло. 139,1×374,6 см
Музей изящных искусств, Бостон
Глубоко философская картина постимпрессиониста Поля Гогена была написана на Таити, куда он сбежал из Парижа. По завершении работы он хотел даже покончить жизнь самоубийством, потому что считал: «Я верю, что это полотно не только превосходит все мои предыдущие, но что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее».
Летом в конце 80-х годов прошлого века многие французские художники съехались в Понт-Авен (Бретань, Франция). Съехались и почти сразу же разделились на две враждебные группировки. К одной относились художники, вставшие на путь искания и объединенные общим для всех названием "импрессионисты". По мнению второй группы, которую возглавлял Поль Гоген, это название было ругательным. П. Гогену в то время было уже под сорок. Окруженный таинственным ореолом путешественника, изведавшего чужие края, он имел большой жизненный опыт и поклонников, и подражателей его творчества.
Оба лагеря разделялись и по преимуществу своего положения. Если импрессионисты жили в мансардах или на чердаках, то другие художники занимали лучшие комнаты гостиницы "Глоанек", обедали в большом и самом хорошем зале ресторана, куда члены первой группы не допускались. Однако стычки между группировками не только не мешали П. Гогену работать, наоборот, - в какой-то мере помогали ему осознать те черты, которые вызывали у него бурный протест. Отказ от аналитического метода импрессионистов был проявлением полного переосмысления им задач живописи. Стремление импрессионистов запечатлевать все увиденное, сам их художественный принцип - придавать своим картинам видимость случайно подсмотренного - не соответствовали властной и энергичной натуре П. Гогена.
Еще меньше удовлетворяли его теоретические и художественные изыскания Ж. Сера, который стремился свести живопись к холодному, рассудочному использованию научных формул и рецептов. Пуантилистическая техника Ж. Сера, его методическое накладывание краски перекрестными ударами кисти и точками раздражали Поля Гогена своим однообразием.
Пребывание художника на Мартинике среди природы, показавшейся ему роскошным, сказочным ковром, окончательно убедило П. Гогена использовать в картинах только неразложенный цвет. Вместе с ним разделявшие его мысли художники провозгласили своим принципом "Синтез" - то есть синтетическое упрощение линий, формы и красок. Цель такого упрощения заключалась в том, чтобы передать впечатление максимальной интенсивности цвета и опустить все, что ослабляет такое впечатление. Такая техника составляла основу старой декоративной живописи фресок и витража.
Вопрос о соотношении цвета и красок очень занимал П. Гогена. Он и в живописи своей старался выразить не случайное и не поверхностное, а пребывающее и существенное. Для него законом была только творческая воля художника, и свою художественную задачу он видел в выражении внутренней гармонии, которую он понимал как синтез откровенности природы и настроения встревоженной этой откровенностью души художника. Сам П. Гоген говорил об этом так: "Я не считаюсь с правдой природы, видимой внешне... Исправляйте эту ложную перспективу, которая искажает предмет в силу своей правдивости... Следует избегать динамичности. Пусть у вас дышит все покоем и миром души, избегайте поз в движении... Каждый из персонажей должен быть в статичном положении". И он сокращал перспективу своих картин, приближал ее к плоскости, развертывая фигуры во фронтальном положении и избегая ракурсов. Потому и неподвижны на картинах изображенные П. Гогеном люди: они подобны статуям, изваянным крупным резцом без излишних деталей.
Период зрелого творчества Поля Гогена начался на Таити, именно здесь проблема художественного синтеза получила у него свое полное развитие. На Таити художник отрешился от многого, чего знал: в тропиках формы ясны и определенны, тени тяжелы и жарки, а контрасты особенно резки. Здесь все задачи, поставленные им в Понт-Авене, разрешились сами собой. Краски П. Гогена становятся чисты, без мазков. Его таитянские картины производят впечатление восточных ковров или фресок, настолько краски в них гармонично приведены к определенному тону.
Творчество П. Гогена этого периода (имеется в виду первый приезд художника на Таити) представляется чудесной сказкой, которую он пережил среди первобытной, экзотической природы далекой Полинезии. В районе Матайе он находит небольшую деревушку, покупает себе хижину, с одной стороны которой плещется океан, а с другой видна гора с огромной расщелиной. Европейцы сюда еще не добрались, и жизнь казалась П. Гогену настоящим земным раем. Он подчиняется медлительному ритму таитянской жизни, впитывает в себя яркие краски синего моря, изредка покрывающегося зелеными волнами, с шумом разбивающимися о коралловые рифы.
С таитянами у художника с первых дней установились простые, человеческие отношения. Работа начинает все больше и больше захватывать П. Гогена. Он делает многочисленные наброски и зарисовки с натуры, при любом случае старается запечатлеть на полотне, бумаге или дереве характерные лица таитян, их фигуры и позы - в процессе труда или во время отдыха. В этот период он создает ставшие всемирно известными картины "Дух мертвых бодрствует", "А, ты ревнуешь?", "Беседа", "Таитянские пасторали".
Но если в 1891 году путь на Таити казался ему лучезарным (он ехал сюда после некоторых художественных побед во Франции), то во второй раз он ехал на любимый остров больным человеком, утратившим большинство своих иллюзий. Все его в пути раздражало: вынужденные остановки, бесполезные траты, дорожные неудобства, таможенные придирки, навязчивые попутчики...
Всего два года не был он на Таити, а так много здесь изменилось. Европейский налет уничтожил самобытную жизнь туземцев, все кажется П. Гогену невыносимой мешаниной: и электрическое освещение в Папеэте - столице острова, и несносные карусели рядом с королевским замком, и нарушающие былую тишину звуки фонографа.
На этот раз художник останавливается в районе Пуноауйа, на западном побережье Таити, на арендованном участке земли строит дом с видом на море и горы. Рассчитывая прочно обосноваться на острове и создать условия для работы, он не жалеет средств на устройство своего жилища и вскоре, как это часто водится, остается без денег. П. Гоген рассчитывал на друзей, которые перед отъездом художника из Франции взяли у него в долг в общей сложности 4000 франков, но те не спешили возвращать их. Несмотря на то, что он слал им многочисленные напоминания о долге, жаловался на судьбу и крайне бедственное положение...
К весне 1896 года художник оказывается в тисках самой жестокой нужды. К этому присоединяется боль в сломанной ноге, которая покрывается язвами и причиняет ему невыносимые страдания, лишая сна и энергии. Мысль о бесплодности усилий в борьбе за существование, о провале всех художественных планов заставляет его все чаще и чаще думать о самоубийстве. Но стоит только П. Гогену почувствовать малейшее облегчение, как натура художника одерживает в нем верх, а пессимизм рассеивается перед радостью жизни и творчества.
Однако то были редкие моменты, а несчастия следовали одно за другим с катастрофической регулярностью. И самым страшным было для него известие из Франции о смерти его любимой дочери Алины. Не в силах пережить утрату, П. Гоген взял огромную дозу мышьяка и ушел в горы, чтобы никто не мог помешать ему. Попытка самоубийства привела к тому, что он провел ночь в страшных мучениях, без всякой помощи и в полном одиночестве.
Долгое время художник находился в полной прострации, не мог держать кисть в руках. Единственным его утешением было огромное полотно (450 х170 см), написанное им перед попыткой самоубийства. Он назвал картину "Откуда мы? Кто мы? Куда мы идем?" и в одном из писем писал: "Я вложил в нее, прежде чем умереть, всю мою энергию, такую скорбную страсть в моих ужасающих обстоятельствах, и видение настолько ясное, без исправлений, что следы спешки исчезли и в нем видна вся жизнь".
П. Гоген работал над картиной в страшном напряжении, хотя замысел ее в своем воображении он вынашивал уже давно, он и сам не мог точно сказать, когда же впервые зародилась мысль об этом полотне. Отдельные фрагменты этого монументального произведения писались им в разные годы и в других произведениях. Например, женская фигура из "Таитянских пасторалей" повторяется в этой картине рядом с идолом, центральная фигура сборщика фруктов встречалась в золотистом этюде "Мужчина, собирающий плоды с дерева"...
Мечтая расширить возможности живописи, Поль Гоген стремился придать своей картине характер фрески. С этой целью он оставляет два верхних угла (один - с названием картины, другой - с подписью художника) желтыми и не заполненными живописью - "подобно фреске, поврежденной по углам и наложенной на золотую стену".
Весной 1898 года он послал картину в Париж, а в письме критику А. Фонтена сообщал, что ставил своей целью "не создание сложной цепи хитроумных аллегорий, которые нужно было бы разгадывать. Напротив, аллегорическое содержание картины чрезвычайно просто - но не в смысле ответа на поставленные вопросы, а в смысле самой постановки этих вопросов". Поль Гоген и не собирался отвечать на вопросы, вынесенные им в название картины, ибо считал, что они есть и будут жуткой и самой сладкой загадкой для человеческого сознания. Поэтому суть аллегорий, изображенных на этом полотне, заключается в чисто живописном воплощении этой таящейся в природе загадки, священного ужаса перед бессмертием и перед тайной бытия.
В первый свой приезд на Таити П. Гоген взглянул на мир восторженными глазами большого ребенка-народа, для которого мир еще не утратил своей новизны и пышной самоцветности. Его детски экзальтированному взору открылись в природе незримые для других краски: изумрудные травы, сапфировое небо, аметистовая солнечная тень, рубиновые цветы и червонное золото кожи маори. Таитянские картины П. Гогена этого периода пламенеют благородным золотым заревом, как витражи готических соборов, отливают царственным великолепием византийских мозаик, благоухают сочными разливами красок.
Одиночество и глубокое отчаяние, владевшие им во второй приезд на Таити, заставили П. Гогена видеть все только в черном цвете. Однако природное чутье мастера и его глаз колориста не позволили художнику окончательно утратить вкус к жизни и ее краскам, хотя он и создал полотно мрачное, писал его в состоянии мистического ужаса.
Так что же все-таки таит в себе эта картина? Подобно восточным рукописям, которые следует читать справа налево, содержание картины разворачивается в том же направлении: шаг за шагом раскрывается течение человеческой жизни - от ее зарождения до смерти, несущей страх небытия.
Перед зрителем на большом, вытянутом по горизонтали холсте изображен берег лесного ручья, в темных водах которого отражаются таинственные, неопределенные тени. На другом берегу - густая, пышная тропическая растительность, изумрудные травы, густо-зеленые кусты, диковинные синие деревья, "растущие словно не на земле, но в раю".
Стволы деревьев странно извиваются, переплетаются, образуя кружевную сеть, сквозь которую вдалеке виднеется море с белыми гребнями прибрежных волн, темно-фиолетовая гора на соседнем острове, голубое небо - "зрелище девственной природы, которая могла бы быть раем".
На ближайшем плане картины на земле, свободной от всяких растений, расположилась вокруг каменного изваяния божества группа людей. Персонажи не объединены каким-либо одним событием или общим действием, каждый занят своим и погружен в себя. Покой спящего младенца охраняет большой черный пес; "три женщины, присевшие на корточки, будто прислушиваются к себе, замерев в ожидании какой-то нечаянной радости. Стоящий в центре юноша двумя руками срывает с дерева плод... Одна фигура, нарочито огромная вопреки законам перспективы... поднимает руку, с удивлением глядя на двух персонажей, осмеливающихся думать о своей судьбе".
Рядом со статуей одинокая женщина, будто машинально, идет в сторону, погруженная в состояние напряженного, сосредоточенного размышления. Навстречу ей по земле движется птица. В левой стороне холста сидящий на земле ребенок подносит ко рту плод, кошка лакает из миски... И зритель спрашивает себя: "Что все это значит?"
На первый взгляд, это как будто повседневная жизнь, но, помимо прямого смысла, каждый образ несет в себе поэтическое иносказание, намек на возможность переносного истолкования. Так, например, мотив лесного ручья или бьющей из земли ключевой воды - это любимая гогеновская метафора источника жизни, таинственного начала бытия. Спящий младенец олицетворяет целомудрие рассвета человеческой жизни. Срывающий с дерева плод юноша и сидящие на земле справа женщины воплощают идею органического единения человека с природой, естественности его существования в ней.
Человек с поднятой рукой, с удивлением глядящий на подруг, - это первый проблеск беспокойства, начальный порыв к постижению тайн мира и бытия. Другие раскрывают дерзость и страдание человеческого разума, тайну и трагедию духа, которые заключены в неизбежности познания человеком своего смертного удела, краткости земного существования и неотвратимости конца.
Многие пояснения дал сам Поль Гоген, однако он предостерегал от стремления видеть в его картине общепринятые символы, слишком прямолинейно расшифровывать образы, а тем более искать ответы. Некоторые искусствоведы считают, что подавленное состояние художника, приведшее его к попытке самоубийства, выразилось в строгом, лаконичном художественном языке. Они отмечают, что картина перегружена мелкими деталями, которые общего замысла не проясняют, а только запутывают зрителя. Даже пояснения в письмах мастера не могут рассеять тот мистический туман, который он вложил в эти детали.
Сам П. Гоген расценивал свое произведение как духовное завещание, может быть, поэтому картина и стала живописной поэмой, в которой конкретные образы претворились в возвышенную идею, а материя - в дух. В сюжете полотна преобладает поэтическое настроение, богатое неуловимыми оттенками и внутренним смыслом. Однако настроение покоя и благодати уже подернуто смутным беспокойством соприкосновения с миром таинственного, рождает ощущение скрытой тревоги, мучительной неразрешимости сокровенных загадок бытия, тайны прихода в мир человека и тайны его исчезновения. На картине счастье омрачнено страданием, духовная мука омыта сладостью физического существования - "золотой ужас, прикрытый радостью". Все нераздельно, как в жизни.
П. Гоген сознательно не исправляет неправильные пропорции, стремясь во что бы то ни стало сохранить свою эскизную манеру. Эту эскизность, незаконченность он ценил особенно высоко, считая, что именно она вносит в полотно живую струю и сообщает картине особую поэзию, не свойственную вещам отделанным и чрезмерно законченным.
Искусство может быть любым. Кто-то видит красоту природы и передаёт её с помощью кисти или резца, кто-то делает потрясающие фотографии человеческого тела, а кто-то находит красоту в ужасном - в таком стиле творили Караваджо и Эдвард Мунк. Современные художники от отцов-основателей не отстают.
1. Дадо
Югославец Дадо родился в 1933-м году и умер в 2010-м. На первый взгляд его работы могут показаться совершенно обыкновенными или даже приятными - это из-за выбора цветовой гаммы: многие хоррор-художники выбирают чёрный или красный, а Дадо любил пастельные оттенки.
Но присмотритесь к таким картинам, как «Большая ферма» 1963-го или «Футблолист» 1964-го года, и вы увидите на них гротескных существ. Их лица полны боли или страдания, на телах видны опухоли или лишние органы, или же тела просто неправильной формы. На самом деле картины вроде «Большой фермы» пугают куда больше, чем явный ужас - именно из-за того, что с первого взгляда ничего ужасного в них не замечаешь.
2. Кит Томпсон
Кит Томпсон - скорее коммерческий художник, чем человек искусства. Он придумал монстров для фильма Гильермо Дель Торо «Тихоокеанский рубеж» и сериала Скотта Вестерфилда «Левиафан». Его работы выполнены в технике, которую скорее ожидаешь увидеть на картах «Magic: The Gathering», чем в музее.
Посмотрите на его картину «Тварь из Припяти»: монстр слеплен из нескольких животных и страшно уродлив, зато даёт прекрасное представление о технике Томпсона. У монстра даже есть история - он якобы является продуктом Чернобыльской катастрофы. Конечно, монстр несколько надуманный, будто вышел прямиком из 1950-х годов, но от этого он не становится менее жутким.
«SCP Foundation» взяла это существо в качестве своего талисмана, назвав его «SCP-682». Но в арсенале Томпсона ещё немало подобных монстров, и пострашнее есть.
3. Джунджи Ито
К вопросу о коммерческих художниках: некоторые из них рисуют комиксы. В деле хоррор-комиксов Джунджи Ито - чемпион. Его монстры не просто гротескны: художник тщательно прорисовывает каждую морщинку, каждую складку на теле тварей. Именно это пугает людей, а вовсе не иррациональность монстров.
Например, в его комиксе «Загадка Амигары Фолт» он раздевает людей и отправляет их в человекообразное отверстие в твёрдой скале - чем ближе мы видим это отверстие, тем страшнее, но даже «издали» оно кажется пугающим.
В его серии комиксов «Узумаки» («Спираль») есть одержимый спиралями парень. Сначала его одержимость кажется смешной, а потом уже страшной. Причём страшно становится ещё до того, как одержимость героя становится магией, с помощью которой он превращает человека в нечто нечеловеческое, но при этом живое.
Работы Ито выделяются среди всей японской манги - его «нормальные» персонажи выглядят необыкновенно реалистичными и даже милыми, и чудовища на их фоне кажутся ещё более жуткими.
4. Здислав Бексиньский
Если художник заявляет: «Я не могу представить себе, что значит разумность в живописи», скорее всего, он рисует не котят.
Польский живописец Здислав Бексиньский родился в 1929-м году. На протяжении десятилетий он создавал кошмарные образы в жанре фантастического реализма вплоть до своей ужасной кончины в 2005-м году (его 17 раз пырнули ножом). Наиболее плодотворный период в его творчестве приходился на 1960 - 1980 годы: тогда он создавал высоко детализированные изображения, называемые им самим «фотографиями его мечты».
По словам Бексиньского, значение той или иной картины его не волновало, но некоторые из его работ явно что-то символизируют. Например, в 1985-м году он создал картину «Trollforgatok». Художник вырос в опустошённой Второй Мировой войной стране, поэтому черные фигуры на картине могут олицетворять польских граждан, а голова - некий безжалостный орган власти.
Сам художник утверждал, что ничего подобного не имел в виду. На самом деле Бексиньский говорил об этой картине, что её стоит воспринимать, как шутку - вот что значит по-настоящему чёрный юмор.
5. Уэйн Барлоу
Тысячи художников пытались изобразить Ад, но Уэйн Барлоу в этом явно преуспел. Даже если вы не слышали его имени, то работы наверняка видели. Он принимал участие в работе над такими фильмами, как «Аватар» Джеймса Кэмерона (режиссёр лично его похвалил), «Тихоокеанский рубеж», «Гарри Поттер и узник Азкабана» и «Гарри Поттер и Кубок Огня». Но одной из самых выдающихся его работ можно назвать вышедшую в 1998-м году книгу под названием «Инферно».
Ад у него - не просто застенки с демоническими лордами и армиями. Барлоу говорил: «Ад - это полное безразличие к человеческим страданиям». Его демоны часто проявляют интерес к человеческим телам и душам и ведут себя скорее как экспериментаторы - игнорируют чужую боль. Люди для его демонов - вовсе не объекты ненависти, а просто средство для праздного развлечения, не более того.
6. Тецуя Исида
На акриловых картинах Исиды люди часто превращаются в такие объекты, как упаковка, конвейерные ленты, писсуары или даже подушки для геморроя. У него есть и визуально приятные картины, на которых люди сливаются с природой или убегают в волшебную страну своего воображения. Но такие работы куда тусклее картин, на которых работники ресторанов превращаются в манекенов, закачивающих в клиентов еду так, как будто они обслуживают автомобили на АЗС.
Независимо от мнения по поводу точности и проницательности художника или яркости его метафор нельзя отрицать, что стиль у его работ жуткий. Любой юмор у Исиды идёт рука об руку с отвращением и страхом. Его карьера подошла к концу в 2005-м году - 31-летнего Исиду сбил поезд, и почти наверняка это было самоубийство. Оставленные им работы оцениваются в сотни тысяч долларов.
7. Дариуш Завадский
Завадский родился в 1958-м году. Как и Бексиньский, он работает в стиле жуткого фантастического реализма. Его учителя в художественной школе сказали Завадскому, что у него не слишком хорошее зрение и плохой глазомер, так что художником ему не стать. Ну, с выводами они явно поторопились.
В работах Завадского присутствуют элементы стимпанка: он часто рисует похожих на роботов существ, под искусственной кожей которых видны работающие механизмы. Для примера взгляните на картину маслом 2007-го года «Гнездо». Позы птиц - такие же, какие бывают у живых, а вот каркас явно металлический, едва прикрытый клочками кожи. Картина может вызвать отвращение, но при этом притягивает взгляд - хочется рассмотреть все детали.
8. Джошуа Хоффин
Джошуа Хоффин родился в 1973-м году в Эмпории, штат Канзас. Он делает ужасающие фотографии, на которых знакомые с детства сказки обретают страшные черты - историю, конечно, можно узнать, но при этом её смысл сильно искажается.
Многие его работы выглядят слишком постановочными и неестественными, чтобы по-настоящему пугать. Но есть и серии фотографий вроде «Шедевров Пикмана» - это дань одному из персонажей Лавкрафта художнику Пикману.
На фотографиях 2008-го года, которые вы можете здесь увидеть, - его дочь Хлоя. Лицо девочки почти не выражает эмоций, и она почти не смотрит в сторону зрителей. Пугает контраст: семейное фото на прикроватной тумбочке, девочка в розовой пижамке - и огромные тараканы.
9. Патриция Пиччинини
Скульптуры Пиччинини порой сильно отличаются друг от друга: одни скульптуры представляют собой мотоциклы неправильной формы, другие - странные шары с горячим воздухом. Но в основном она создаёт скульптуры, стоять с которыми в одной комнате очень и очень неуютно. Они даже на фотографиях выглядят жутковато.
В работе 2004-го года «Неделимый» некий гуманоид прижимается к спине нормального человеческого ребёнка. Больше всего тревожит элемент доверия и привязанности - как будто невинность ребёнка жестоко использовали ему во вред.
Конечно, работы Пиччинини критикуют. Про «Неделимого» даже говорили, что это не скульптура, а некое настоящее животное. Но нет - это просто плод её воображения, и художница продолжает создавать свои работы из стекловолокна, силикона, и волос.
10. Марк Пауэлл
Работы австралийца Марка Пауэлла шокируют по-настоящему сильно. Его шоу 2012-го года представляет собой ряд композиций, в которых фантастические существа эволюционируют, пожирают и выделяют друг друга из собственных тел, размножаются и распадаются. Текстуры существ и окружающая обстановка чрезвычайно убедительны, а язык тела фигур точно подобран, чтобы ситуации выглядели как можно более обычными - а значит, и убедительными.
Разумеется, интернет не мог не отдать художнику должное. Вышеупомянутая «SCP Foundation» взяла отвратительного монстра с изображения выше и сделала его частью истории под названием «Плоть, которая ненавидит». Также с его работами связаны многие ужасные истории.
Много ли нужно для того, чтобы стать художником? Может быть талант? Или умение учиться чему-то новому? Или бурная фантазия? Безусловно, все это необходимые факторы, но какой самый главный? Вдохновение. Когда художник буквально вкладывает свою душу в картину, она становится словно живой. Магия красок творит чудеса, а взгляд невозможно перевести, хочется изучить каждую мелочь…
В этой статье мы рассмотрим 25 поистине гениальных и известных картин.
✰ ✰ ✰
25«Постоянство памяти», Сальвадор Дали
Эта небольшая картина и принесла популярность Дали, когда ему было 28 лет. Это не единственное название картины, так же она имеет названия «Мягкие часы», «Стойкость памяти», «Твердость памяти».
Идея написания картины пришла к художнику в тот момент, когда он думал о плавленном сыре. Запись о смысле и значении картины Дали не оставил, поэтому ученые трактуют ее по своему, склоняясь к теории относительности Эйнштейна.
✰ ✰ ✰
24«Танец», Анри Матисс
Картина написана всего тремя цветами - красный, синий и зеленый. Они символизируют небо, землю и людей. Помимо » Танца» Матисс написал еще картину «Музыка». Их заказал русский коллекционер.
На ней нет лишних деталей, только природный фон и сами люди, которые застыли в танце. Именно этого и хотел художник - зафиксировать удачное мгновение, когда люди едины с природой и переполнены экстазом.
✰ ✰ ✰
23«Поцелуй», Густав Климт
«Поцелуй» - самая известная картина Климта. Он писал ее в свой «золотой» период творчества. Он использовал самое настоящее сусальное золото. Есть две версии биографии картины. По первой версии, на картине изображен сам Густав со своей любимой Эмилией Флёге, чье имя он произнес последним в своей жизни. По второй же версии, картину заказал некий граф, чтобы Климт нарисовал его и возлюбленную.
Когда граф спросил почему на картине нет самого поцелуя, Климт заявил, что он художник и он так видит. На самом же деле Климт влюбился в девушку графа и это было некоей местью.
✰ ✰ ✰
22«Спящая цыганка», Анри Руссо
Полотно нашли лишь спустя 13 лет после смерти автора и оно сразу стало самым дорогим его произведением. При жизни он пытался продать ее мэру города, но все безуспешно.
Картина передает оригинальный смысл и глубокую задумку. Умиротворение, отдых - вот какие чувства вызывает «Спящая цыганка».
✰ ✰ ✰
21«Страшный суд», Иероним Босх
Картина самая масштабная из всех его уцелевших произведений. В объяснении сюжета картина не нуждается, все понятно из названия. Страшный суд, апокалипсис. Бог судит и праведников и грешников. Картина разделена на три сцены. В первой сцене рай, зеленые сады, блаженство.
В центральной части сам Страшный суд, где Бог начинает судить людей за их деяния. В правой стороне изображен ад, как и представляется. Страшные чудища, раскаленное пекло и чудовищные пытки над грешниками.
✰ ✰ ✰
20«Метаморфозы Нарцисса», Сальвадор Дали
Для основы было взято много сюжетов, но самое главное место занимает история Нарцисса - парня, который настолько восхищался своей красотой, что умер от того, что не смог удовлетворить свои желания.
На первом плане картины Нарцисс сидит в задумчивости у воды и не может оторваться от своего собственного отражения. Рядом изображена каменная рука, в которой яйцо, оно является символом возрождения и новой жизни.
✰ ✰ ✰
19«Избиение младенцев», Питер Пауль Рубенс
За основу картины был взят сюжет из Библии, когда царь Ирод велел убивать всех новорожденных мальчиков. На картине изображен сад во дворце Ирода. Вооруженные воины силой отнимают младенцев у рыдающих матерей и убивают их. Земля усыпана мертвыми телами.
✰ ✰ ✰
18«Номер 5 1948», Джексон Поллок
Джексон пользовался уникальным методом нанесения красок на картину. Он ложил полотно на землю и ходил вокруг него. Но вместо того, чтобы наносить мазки, он брал кисти, шприцы и брызгал на полотно. Позже этот метод назвали «живопись действия».
Поллок не использовал эскизы, он всегда полагался только на свои эмоции.
✰ ✰ ✰
17«Бал в Мулен де ла Галетт», Пьер-Огюст Ренуар
Ренуар единственный художник, не написавший ни одной грустной картины. Сюжет для этой картины Ренуар нашел рядом с домом, в ресторане «Мулен де ла Галетт». Живая и веселая атмосфера заведения вдохновила художника на создание этой картины. Для написания произведения ему позировали друзья и любимые натурщицы.
✰ ✰ ✰
16«Тайная вечеря», Леонардо да Винчи
На этой картине изображено последнее застолье Христа с его учениками. Принято считать, что нарисован тот момент, когда Христос говорит о том, что один из учеников предаст его.
В поисках натурщиков да Винчи провел много времени. Самыми сложными были образ Христа и Иуды. В церковном хоре Леонардо заметил юного певца и рисовал с него образ Христа. Спустя три года художник увидел в канаве опустившегося пьяницу и понял - это тот, кого он искал и притащил его в мастерскую.
Когда он срисовал образ с пьяницы, тот признался ему - три года назад сам художник рисовал с него образ Христа. Так и получилось, что образы Иисуса и Иуды были списаны с одного и того же человека, но в разных жизненных периодах.
✰ ✰ ✰
15«Водяные лилии», Клод Моне
В 1912 году художнику поставили диагноз двойной катаракты, из-за этого он перенес операции. Лишившись хрусталика на левом глазу, художник стал видеть ультрафиолет как голубой или фиолетовый цвет, из-за этого его картины приобрели новые и яркие цвета. Рисуя эту картину, Моне видел лилии голубыми, тогда как обычные люди видели просто обычные белые лилии.
✰ ✰ ✰
14«Крик», Эдвард Мунк
Мунк страдал маниакально-депрессивным психозом, его часто мучили кошмары и депрессии. Многие критики считают, что на картине Мунк изобразил самого себя - кричащего от панического и безумного ужаса.
Сам же художник описывал смысл картины как «крик природы». Он говорил, что шел с друзьями на закате и небо окрасилось в кроваво-красный цвет. Дрожа от страха, он якобы услышал тот самый «крик природы».
✰ ✰ ✰
13«Мать Уистлера», Джеймс Уистлер
Для картины позировала мать самого художника. Изначально он хотел, чтобы мать позировала стоя, но для старой женщины это оказалось сложно.
Уистлер назвал свою картину » Аранжировка в сером и черном. Мать художника». Но со временем настоящее название забылось и люди начали называть ее «Мать Уистлера.»
Первоначально это был заказ от члена парламента. который хотел, чтобы художник нарисовал дочь Мэгги. Но в процессе та отказалась от картины и Джеймс попросил свою мать стать натурщицей, чтобы закончить картину.
✰ ✰ ✰
12«Портрет Доры Маар», Пабло Пикассо
Дора вошла в творчество Пикассо как «женщина в слезах». Он отмечал, что никогда не мог написать ее улыбающейся. Глубокие, печальные глаза и грусть на лице - вот характерные особенности портретов Маар. И обязательно кроваво-красные ногти - это особенно восхищало художника. Пикассо часто писал портреты Доры Маар и все они достойны восхищения.
✰ ✰ ✰
11«Звездная ночь», Винсент Ван Гог
На картине изображен ночной пейзаж, который художник выразил густыми, яркими красками и атмосферой ночного спокойствия. Самые яркие объекты это, конечно, звезды и луна, они нарисованы наиболее выражено.
На земле растут высокие кипарисы, как бы мечтая присоединиться к увлекательным танцам звезд.
Смысл картины трактуют по разному. Некоторые видят отсылку к Ветхому Завету, а кто-то просто склоняется к тому, что картина это результат затяжной болезни художника. Именно во время лечения он и написал «Звездную ночь».
✰ ✰ ✰
10«Олимпия», Эдуард Мане
Картина послужила причиной для одного из самых громких скандалов в истории. Ведь на ней изображена обнаженная девушка, лежащая на белых простынях.
Возмущенные люди плевали в художника, а некоторые даже пытались испортить полотно.
Мане хотел лишь нарисовать «современную» Венеру, показать, что женщины настоящего ничуть не хуже женщин прошлого.
✰ ✰ ✰
9«3 мая 1808», Франсиско Гойя
Художник глубоко переживал события, связанные с нападением Наполеона. В мае 1808 года восстание мадридцев трагически закончилось и это настолько затронуло душу художника, что спустя 6 лет он излил свои переживания на полотно.
Война, смерть, утрата - все это настолько реалистично изображено на картине, что восхищает умы многих до сих пор.
✰ ✰ ✰
8«Девушка с жемчужной серёжкой», Ян Вермеер
У картины было еще одно название «Девушка в тюрбане». Вообще о картине известно немного. По одной из версий Ян нарисовал собственную дочь Марию. На картине девушка словно поворачивается к кому-то и взгляд зрителя фокусируется на жемчужной сережке в ухе девушки. Блеск сережки отсвечивает и в глазах и на губах.
По картине был написан роман, в последующем сняли одноименный фильм.
✰ ✰ ✰
7«Ночной дозор», Рембрандт
Это групповой портрет роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга. Портрет был написан по заказу Стрелкового общества.
При всей трудности содержания, картина полна духом парада и торжественности. Словно мушкетеры позируют художнику, забыв о бое.
Позже картину обрезали со всех сторон, чтобы она поместилась в новом зале. Некоторые стрелки исчезли с картины безвозвратно.
✰ ✰ ✰
6«Менины», Диего Веласкес
На картине художник пишет портреты короля Филлипа Четвертого и его супруги, которые видны отраженными в зеркале. В центре композиции изображена их пятилетняя дочь, окруженная свитой.
Многие считают, что Веласкес хотел изобразить самого себя в момент творчества - «живопись и живописи».
✰ ✰ ✰
5«Пейзаж с падением Икара», Питер Брейгель
Это единственная сохранившаяся работа художника на тему мифов.
Главного героя картины практически не видно. Он упал в реку, из водной глади торчат лишь ноги. На поверхности реки разбросаны перья Икара, которые вылетели от падения. А люди заняты своими делами, никому нет дела до упавшего юноши.
Казалось бы, картина трагична, ведь на ней изображена смерть молодого юноши, однако картина написана в спокойных, неярких тонах и как бы говорит - » ничего не произошло».
✰ ✰ ✰
4«Афинская школа», Рафаэль
До «Афинской школы» Рафаэль мало имел опыта со фресками, но на удивление, эта фреска получилась по гениальному превосходна.
Эта картина изображает Академию, которую основал Платон в Афинах. Собрания Академии проходили под открытым небом, но художник решил, что более гениальные идеи приходят в великолепно сделанном античном здании и поэтому изображает учеников именно не на фоне природы. На фреске Рафаэль изобразил и самого себя.
✰ ✰ ✰
3«Сотворение Адама», Микеланджело
Это четвертая из девяти фресок потолка Сикстинской капеллы на тему сотворения мира. Микеланджело не считал себя великим художником, он позиционировал себя как скульптор. Именно поэтому тело Адама на картине такое пропорциональное, имеет ярко выраженные черты.
В 1990 году обнаружили, что в изображении Бога зашифровано анатомически точное строение человеческого мозга. Возможно, Микеланджело был хорошо знаком с анатомией человека.
✰ ✰ ✰
2«Мона Лиза», Леонардо да Винчи
Мона Лиза и по сей день остается одной из самых загадочных картин в мире искусства. Критики до сих пор спорят, кто же на самом деле изображен на ней. Многие склоняются к тому, что Мона Лиза это жена Франческо Джоконды, который и попросил художника написать портрет.
Главная загадка картины кроется в улыбке женщины. Версий множество — начиная от беременности женщины и улыбка выдает движение плода, заканчивая тем, что на самом деле это автопортрет художника в женском образе. Что же, остается только гадать и восхищаться невероятной красотой картины.
✰ ✰ ✰
1«Рождение Венеры», Сандро Ботичелли
На картине изображен миф рождения богини Венеры. Богиня родилась из морской пены, ранним утром. Бог ветров Зефир помогает богине доплыть до берега в своей раковине, где ее встречает богиня Ора. Картина олицетворяет рождение любви, вызывает чувство прекрасного, ведь на свете нет ничего прекрасней, чем любовь.
✰ ✰ ✰
Заключение
Мы постарались уместить в этой статье лишь некоторые из самых популярных картин в мире. Но есть ещё и множество других не менее интересных шедевров изобразительного искусства. А какие картины Вы считаете популярными?
