Retrato de Leonardo da Vinci, provavelmente obra de seu aluno Francesco Melzi. 1510-1512. Biblioteca Real no Castelo de Windsor, Inglaterra.
Leonardo da Vinci (Leonardo da Vinci), nome completo Leonardo di ser Piero da Vinci (Leonardo, filho do Sr. Piero da Vinci), durante sua vida o nome também foi frequentemente escrito Lionardo em documentos italianos e Lyenard de Vince (Lienard de Vence ) em francês. Nasceu em 15 de abril de 1452 segundo o calendário juliano na cidade de Vinci ou na aldeia de Anchiano, localizada a 3 km dela, hoje região da Toscana, Itália; morreu em 2 de maio de 1519 de acordo com o calendário juliano na propriedade de Clos (Clus, Cloux), hoje Clos-Lucé (Clos Lucé) na cidade de Amboise (Amboise), departamento de Indre-et-Loire, região Centro, França . Trata-se de um dos artistas mais famosos do mundo; também uma das pessoas mais talentosas da história - um cientista pesquisador, engenheiro, inventor, músico, arquiteto, escritor, designer de produção teatral e diretor - que alcançou resultados brilhantes em todas as áreas de sua atividade, muitas vezes muito à frente de seu tempo.
Leonardo é filho ilegítimo de Sir Piero di Antonio da Vinci. Seu pai era um notário que trabalhava constantemente em Florença. A profissão foi herdada na família desde 1339. A mãe de Leonardo, Katerina, era de “sangue bom”, ou seja, bonito, mas de uma classe mais baixa da sociedade. Sor Piero não poderia casar-se com ela; ele também pode ter estado contratualmente vinculado à sua futura primeira esposa. Mesmo assim, o ilegítimo Leonardo foi adotado pela família como filho do amor, e Caterina era casada com um amigo da família, o oleiro Antonio di Piero Buti del Vacca, apelidado de "O Valentão" (Accatabriga) da cidade de Campo Zeppi. Accatabriga manteve boas relações com a família da Vinci durante toda a sua vida e em 1472 atuou como testemunha na celebração do contrato entre Piero da Vinci e seu irmão Francesco, o tio favorito de Leonardo.
Segundo as tradições da época, numa das propriedades rurais nasciam filhos ilegítimos de membros de famílias respeitáveis. No caso de Leonardo, tratava-se de uma casa na aldeia de Anchiano, que é considerada a sua casa.
Anchiano, a 3 km de Vinci. A casa onde supostamente nasceu Leonardo da Vinci. Região da Toscana, Itália.
Cidade de Vinci. Ao fundo está o campanário da Igreja de Santa Croce, região da Toscana, Itália.
Desde a infância, Leonardo manteve o amor pelas plantas e animais. Por amor a eles, abandonou a carne e tornou-se vegetariano (sem obrigar os vizinhos a fazê-lo), para não “viver matando os outros” e não ser um “cemitério ambulante”. Leonardo usava linho, preferindo-o à seda e ao couro, que custavam a vida de seres vivos que sentiam dor.
Todos que conheceram Leonardo notaram seu charme natural, generosidade e sutileza de tratamento. Ele cresceu espirituoso e cuidadoso. Com o passar dos anos, a cautela se transformou em sigilo. Isso fez com que, apesar das 10 mil folhas de anotações deixadas por Leonardo, sabemos muito pouco sobre ele e sua vida pessoal.
Quando menino, Leonardo aprendeu a escrever e contar. Provavelmente, aos 10-11 anos, começou a frequentar a escola primária em Vinci, scuola d "abaco. A educação era ministrada lá em italiano, Leonardo dominava o latim sozinho já na idade adulta. Desde a infância, ele desenhou e esculpiu , tocava instrumentos musicais, estudava o básico de alguns ofícios. Filhos ilegítimos não podiam estudar na universidade e Leonardo não recebia uma educação sistemática. Ele se autodenominava "analfabeto" ("omo sanza lettere"). Ele não escrevia. apenas com a mão esquerda, mas da direita para a esquerda e em imagem espelhada: os manuscritos de Leonardo da Vinci são legíveis em espelho e contêm erros, abreviações de seu próprio sistema e palavras do dialeto toscano, sem sinais de pontuação além de pontos ocasionais.
O primeiro exemplo de sua caligrafia que chegou até nós é a assinatura de uma paisagem representando o Monte Monsummano, 8 km a noroeste de Vinci. No canto superior esquerdo da figura existem 2 linhas:
Di di Santa Maria delle neve
addi 5 de agosto de 1473
No dia da Madonna das Neves
Leonardo da Vinci. Vista de Monsummano. Fragmento. Galeria Uffizi. Florença. Itália.
Aqui, não apenas letras são espelhadas, mas também números. Inscrições raras feitas "como esperado" - explicações da imagem para quem está de fora - são escritas com esforço.
O homem mais culto de seu tempo, Leonardo da Vinci, compreendeu todas as ciências como autodidata. Para ele, “analfabetismo” significava integridade, liberdade das idéias e ilusões de outras pessoas. Ele orgulhosamente assinou "Leonardo Vinci dissepolo della sperientia" - "Leonardo Vinci, estudante de experiência".
A originalidade para Leonardo era especialmente importante na arte. No seu Tratado de Pintura, ele escreveu como, depois dos romanos, a pintura entrou em declínio porque os artistas "sempre se imitavam... Depois deles veio Giotto, o florentino. Nascido nas montanhas do deserto, onde viviam apenas cabras e animais semelhantes, ele, inclinado por natureza a tal arte, começou a desenhar nas pedras os movimentos das cabras, das quais era espectador; e assim começou a fazer todos os animais que encontrava na área: desta forma ele superou não apenas os mestres de sua época, mas de todos os séculos passados”.
Por volta de 1466, Leonardo foi levado pelo pai para estudar e trabalhar em seu escritório em Florença, em frente ao Palácio Bargello. O jovem começou a aprender matemática, na qual mostrou extraordinária perspicácia. Suas perguntas confundiram o professor. Por volta de 1467, Leonardo tornou-se aprendiz do pintor, escultor e joalheiro florentino Andrea del Verrocchio, o primeiro e único professor de Leonardo.
O primeiro período florentino de vida e criatividade (1464 - 1482).
Segundo o biógrafo de Vasari, Ser Piero selecionou alguns dos desenhos de seu filho e "levou-os para Andrea Verrocchio, que era seu melhor amigo, e pediu-lhe que lhe dissesse se Leonardo teria algum sucesso no desenho. Impressionado com as enormes inclinações que viu nos desenhos do novato Leonardo, Andrea apoiou Ser Piero... e imediatamente providenciou para que o menino entrasse em sua oficina, o que Leonardo fez com mais do que boa vontade e começou... a praticar em todas as áreas onde o desenho está incluído. Na Florença do século XV, apenas aquele que conseguia desenhar figuras volumosas de pessoas era considerado artista. De acordo com o contrato, os meninos aprenderam desenho, noções básicas de perspectiva, princípios de representação do corpo humano e trabalho com tintas; a professora também lhes forneceu papéis e modelos. Verrocchio foi o melhor desenhista de sua geração e talvez o melhor professor: Perugino e Ghirlandaio estudaram com ele.
Estúdio ou bottega (a palavra bottega - "loja", "loja" - então chamada de oficina de arte geral) Verrocchio estava localizada na via Ghibellina. Era um empreendimento industrial onde se preparavam simultaneamente moldes para fundição de sinos, cosiam arreios e selas acabadas, faziam e queimavam cerâmica, faziam bandeiras e estandartes, criavam esculturas em mármore, madeira, bronze e terracota, forjavam armaduras e faziam soldaduras. A familiaridade com todas essas artes aplicadas mais tarde foi útil para Leonardo. Dominou a arte da joalheria, a técnica de confecção de moldes, além da escultura em pedra e madeira. Segundo os contemporâneos, Leonardo se dedicava à escultura, realizando figuras de querubins putti em grandes esculturas de Verrocchio, e também esculpia cabeças de velhos e idosas. Tendo aprendido a fazer pincéis com as próprias mãos, lixar tintas, fazer esmaltes e aplicar douramento, o aprendiz começou a pintar com tintas.
Verrocchio não se dedicava a afrescos, em sua oficina as pinturas eram pintadas em tábuas de madeira, mais frequentemente em choupo branco. Primeiro, os contornos do desenho foram desenhados em uma grande folha de papel chamada “papelão”, depois esses contornos foram furados com uma agulha fina. Pressionando o papelão contra a placa, ele foi borrifado com carvão amassado ou pedra-pomes, e a poeira penetrou pelos buracos, deixando marcas na placa branca como a neve.
Na bottega, Leonardo aprendeu a escrever com têmpera de ovo – uma mistura de tintas com gema de ovo. Seca rapidamente e fica alguns tons mais claro. Como complemento decorativo à têmpera, usaram tinta a óleo, cuja receita foi trazida pouco antes do Flamengo. O óleo acrescentou luz e brilho às pinturas. Se na têmpera de secagem rápida as sombras eram retratadas com linhas e sombreamentos, as tintas a óleo secam mais lentamente e permitem trabalhar com pincel, alcançando a perfeição, o que era extremamente importante para Leonardo. Experimentos com novas técnicas causaram perdas e danos a muitas de suas obras, mas permitiram que os pintores das gerações seguintes evitassem erros fatais.
Todos os alunos do ateliê participaram da execução das encomendas das pinturas de Verrocchio. Em 1470, Leonardo foi encarregado dos detalhes da pintura "Tobias e o Anjo". Aparentemente foi ele quem pintou o cachorro, o peixe e os cachos do cabelo do jovem. Leonardo, que cresceu na natureza, adorava retratar animais e plantas. Vasari relata que sempre criou cães e gatos. Ele pintou os frutos e folhas com tanto cuidado que os demais artistas ficaram maravilhados: “como pode uma pessoa ter tanta paciência”.
Em 1468 fabbriceria, ou seja o departamento de construção da principal catedral florentina - Santa Maria del Fiore - encomendou à oficina de Verrocchio a execução do plano do arquitecto Brunneleschi, que há meio século construiu o edifício desta catedral com a famosa cúpula. Foi necessário coroar a lanterna no topo da cúpula com uma bola dourada com uma cruz. Essa esfera de cobre deveria ter um diâmetro de 8 pés (aproximadamente 2 m) e seu peso era superior a 2 toneladas. Os mestres enfrentaram uma difícil tarefa de engenharia - soldar a esfera, elevá-la acima da cúpula e soldá-la. O jovem Leonardo participou da solução deste problema. Em 27 de maio de 1471, a esfera foi elevada até a cúpula com o auxílio de um guindaste e soldada por 3 dias com uma chama que era acesa aquecendo o metal ao sol por meio de espelhos côncavos.
Esfera de cobre dourada coroando a lanterna da cúpula da Catedral de Santa Maria del Fiore, em Florença.
No processo de trabalho, Leonardo conheceu os desenhos de Brunneleschi, cujas ideias mais tarde o inspiraram a inventar diversos mecanismos e máquinas. Ao mesmo tempo, viu pela primeira vez a organização do trabalho durante a implementação de um projeto de engenharia de grande escala.
Em 1º de julho de 1472, Leonardo ingressou na fraternidade florentina de artistas, chamada Compagna di San Luca (Sociedade de São Lucas, padroeiro dos pintores), pagando 32 soldi pela adesão. A partir desse momento, foi oficialmente considerado um artista praticante ("dipintore"). A partir daí, Leonardo continuou trabalhando com Verrocchio, não mais como aluno, mas como parceiro.
O irmão mais velho de Verrocchio, reitor da comunidade de San Salvi (chiesa di San Salvi) Simone di Cione ajudou a conseguir a ordem - a imagem do Batismo de Cristo. Verrocchio pintou Cristo e João Batista, Leonardo - um anjo ajoelhado e uma paisagem ao fundo. Esta paisagem lembra fortemente a vista de Monsummano.
Andrea del Verrocchio, Leonardo da Vinci. “Batismo de Cristo”. A pintura foi pintada por volta de 1470-1475. Óleo e têmpera sobre painel. Florença, Galeria Uffizi.
Vasari diz que esta foi a última pintura de Verrocchio: “Quando Andrea pintou em uma árvore uma imagem representando São João batizando Cristo, Leonardo fez um anjo segurando roupas e, embora ainda jovem, completou-a para que o anjo de Leonardo acabou sendo muito melhor que as figuras de Verrocchio, e foi por isso que Andrea nunca mais quis tocar nas cores, ofendido porque algum menino o superava em habilidade.
Os especialistas não estão inclinados a acreditar nesta anedota. A figura do emaciado João Batista, pintada por Verrocchio a partir de sua própria escultura de Cristo, também impressiona profundamente. Depois dessa foto, Verrocchio criou outras que não chegaram até nós. Mas o anjo de Leonardo já estava escrito no estilo que 18 anos depois a Marquesa Isabella d'Este chamaria de “dolorosamente terno”. exige repetir algo semelhante para eles.
De qualquer forma, este é o último trabalho conjunto de Leonardo e seu professor que chegou até nós. Duas pinturas sobreviveram, pintadas por Leonardo na oficina de Verrocchio, mas encomendadas pessoalmente a ele: "A Anunciação" e "Madona com Cravo".
Leonardo da Vinci. "Aviso". 1473-1475. Óleo e têmpera sobre painel, Galeria Uffizi. Florença. Itália.
O quadro foi pintado para a sacristia do mosteiro de San Bartolomeo, que se localizava fora das portas de San Frediano, a sudoeste do centro de Florença, na localidade de Monte Oliveto, Monte Oliveto. Nas poses de Gabriel e Maria percebe-se a influência de Verrocchio e Botticelli próximos a ele. A mão de Leonardo faz-se sentir na representação magistral da paisagem e, principalmente, na transferência das experiências estipuladas pelo cânone apenas nos rostos dos personagens, sem gestos espetaculares e pathos excessivo. Um anjo apareceu de repente e interrompeu a leitura de Maria. Há constrangimento e humildade em seu rosto, no rosto de um anjo - consciência do significado do momento. Na mão esquerda ele segura um lírio, símbolo de Florença. O desejo característico de Leonardo pelo curso natural das coisas é óbvio. A Anunciação é celebrada no dia 25 de março e, para criar um clima primaveril, o gramado em frente à casa de Maria está repleto de flores. No futuro, Leonardo mostrará a flora apenas em condições naturais e estritamente de acordo com a estação do ano, que é dada pelo enredo.
Diferentemente do cânone, as asas do arcanjo não têm toda a sua altura, mas são mais curtas, como as de um pássaro real. Mais tarde, um artista desconhecido alongou-os com tinta castanha, para que a paisagem original aparecesse nas pontas das asas.
A Anunciação, pintura do artista de 20 anos, combina traços inovadores e letras com citações e erros. No lado direito da imagem há erros de cálculo dos alunos em perspectiva. Então, a parede que vai até o cipreste é um pouco curta e o púlpito em frente à Virgem é muito grande. Parece que ele está mais próximo do espectador do que Maria, por isso a artista teve que alongar a mão direita, que está sobre o livro. E, no entanto, os contemporâneos viram nesta imagem o trabalho de um gênio. Somente a magnífica representação de tecidos e cortinas, marca registrada de Leonardo, foi admirada pela maioria de seus colegas.
Leonardo da Vinci. "Madonna and Child" ("Madonna com um Cravo"). Por volta de 1473 Munique, Alte Pinakothek. Alemanha.
A imagem escrita no quadro chegou até nós em mau estado e agora não dá para ver os detalhes que os contemporâneos admiravam. O vaso de vidro com flores estava suado, de modo que o orvalho nele parecia uma condensação natural que aparecia na foto. A Madonna usa um broche de topázio, que a Madonna Benois e a Madonna in the Rocks herdarão.
Na oficina de Verrocchio, Leonardo criou várias outras pinturas que ainda são consideradas perdidas. São eles o cartão “Adão e Eva que pecaram no paraíso terrestre” para cortina, cuja imagem foi tecida por ordem dos Médici como presente ao rei português Fernando I, e a “Cabeça da Medusa”, um óleo pintura em madeira.
No início de abril de 1476, um guardião anônimo da moral escreveu uma denúncia à guarda noturna de Florença contra o assistente ou aprendiz do joalheiro Jacopo Saltarelli, de 17 anos. O jovem teria prestado serviços íntimos a “dezenas de homens”, sendo citados os nomes de 4 deles: o joalheiro Pasquino, Leonardo, o camisoles Baccino e o aristocrata Tornabuoni.
Em Florença, cerca de 130 pessoas foram acusadas de homossexualidade. por ano, um em cada cinco foi considerado culpado. A sodomia, como crime terrível, era punível com multa, pelourinho, marcação a ferro quente, exílio e até queimadura na fogueira (extremamente raro). A vigília noturna foi obrigada a prender o acusado. Eles foram libertados "para julgamento" e absolvidos em 7 de junho de 1476.
Hoje em dia, a maioria dos investigadores não duvida da "orientação sexual não tradicional" de Leonardo, embora ele também tivesse ligações com mulheres. Ele conseguiu escapar da punição, mas a acusação e a prisão preventiva influenciaram muito a vida e a carreira futura do jovem. Talvez por causa de um escândalo de grande repercussão, apenas Leonardo, entre todos os artistas florentinos proeminentes, não gozava do patrocínio do governante Lorenzo Medici (Lorenzo, o Magnífico). O sigilo e a suspeita intensificaram-se no caráter do artista, assim como seu ódio por qualquer falta de liberdade ou algum tipo de restrição. O sigilo deixou muitas de suas ideias não escritas e as escritas não divulgadas. É significativo que uma das primeiras invenções do mecânico Leonardo foi uma máquina para quebrar barras de masmorras, que é um parafuso com batente e colar. Assim, em 1480, foi proposto o método atual de arrombar portas de aço com a ajuda de macacos.
Durante o julgamento, Verrocchio recebeu imediatamente 2 ordens para trabalhar em Pistoia, cidade a 35 km de Florença, desde o início do século XV sujeita à República Florentina. A oficina deveria pintar um altar com a imagem de Nossa Senhora e São Donato e esculpir um cenotáfio de mármore em homenagem ao Cardeal Niccolò Fortaguerri para a principal catedral da cidade (Duomo, Duomo ou Catedral de San Zeno, San Zeno). Para que Leonardo pudesse ganhar dinheiro e se recuperar do julgamento, foi enviado para Pistoia. Lá supervisionou o trabalho do jovem Lorenzo di Credi, que pintou o retábulo e fez uma maquete em terracota do cenotáfio. Em Pistoia, os amigos de Leonardo tornaram-se poetas locais, com quem durante muito tempo não perdeu contato.
A única estátua sobrevivente de Leonardo da Vinci foi feita em Pistoia por volta de 1477. Esta é uma pequena estátua de anjo em terracota sobre um pedestal perto do portão oeste da igreja da vila de San Gennaro, San Gennaro (entre Lucca e Pistoia, 11 km a leste de Lucca).
Ginevra de Benci (Ginevra de "Benci) nasceu em 1457. A família Benci de banqueiros em Florença perdia em riqueza apenas para a família Medici. O pai de Ginevra, Amerigo de Benci, filantropo e colecionador, era o diretor de um dos Bancos Medici. Acredita-se que ele tenha encomendado um retrato por ocasião do casamento de sua filha com o comerciante de tecidos Luigi di Bernardo Nicollini (1474).Mas o embaixador veneziano Bernardo Bembo, apaixonado por Ginevra, também poderia ser um provável cliente. Seu romance, segundo os contemporâneos, era platônico, uma homenagem à então moda da filosofia platônica. Ginevra era considerada o ideal de uma jovem florentina: beleza e dom poético, aliados ao bom gosto e à educação.
Leonardo da Vinci. Retrato de Ginevra di Benci. Cerca de 1476-1478. Têmpera e óleo sobre painel. Washington, Galeria Nacional de Arte.
Seu retrato foi o primeiro retrato de Leonardo, foi pintado a óleo sobre uma placa de madeira. Atingiu parcialmente o nosso tempo: originalmente era um cinto. O zimbro nas costas da menina reproduz seu nome (em italiano, zimbro é "ginepro", ginepro). No verso do quadro, Leonardo colocou um emblema com o lema latino “Virutem forma decora”, “A forma adorna a virtude”. Segundo a artista próxima e a própria Ginevra, segundo os ensinamentos de Platão, a beleza externa acompanha a beleza espiritual. No emblema, um ramo de zimbro - símbolo de Ginevra - é rodeado por uma coroa de louros e folhas de palmeira. Esses são os detalhes do brasão do Bembo, que enfatizam a ligação entre eles. Bembo foi embaixador em Florença de janeiro de 1475 a abril de 1476 e de julho de 1478 a maio de 1480. Após sua partida, o marido de Ginevra enviou sua esposa "para melhorar a saúde" para a aldeia, onde ela morreu por volta de 1520.
Leonardo da Vinci. "Madona Benois". Cerca de 1478-1482. Óleo transferido do quadro para a tela. São Petersburgo, Museu Estatal Hermitage, Rússia.
A pintura tornou-se objeto de imitação pelos jovens contemporâneos de Leonardo, incluindo Lorenzo di Credi e Raphael. O paradeiro da "Madona com Flor" nos séculos XVI-XVII é desconhecido. Havia evidências de que esta imagem já existiu. Vários esboços em museus europeus claramente tiveram que elaborar sua composição: "Madonna com um gato" no Museu Britânico, "Madonna com uma cesta" no Louvre e, finalmente, o esboço com um ramo de grama mais próximo do solução artística final - também no Museu Britânico.
No final do século XVIII, a "Madona com uma Flor" acabou em São Petersburgo, na coleção do maior conhecedor russo de pintura - o general de artilharia Alexei Ivanovich Korsakov. De seus herdeiros, o pescador mercante de Astrakhan, Alexander Petrovich Sapozhnikov, comprou a Madonna; depois ela foi como dote para sua neta Maria Alexandrovna Benois, que a expôs ao público em 1908 enquanto preparava uma exposição de pinturas de coleções privadas russas. Em 1912, os especialistas europeus não tinham dúvidas sobre a autenticidade da pintura. Marie Benois queria que o trabalho de Leonardo permanecesse na Rússia e deu-o ao Hermitage Imperial mais barato do que os antiquários europeus estavam dispostos a pagar - por 150.000 rublos contra 500.000 francos (190.000 rublos) em Londres. A nobreza do proprietário era apreciada pela sociedade: os pagamentos eram parcelados e continuaram após a revolução, quando a Ermida deixou de ser Imperial.
O comerciante Sapozhnikov, tendo adquirido a pintura em 1824, descobriu que o quadro em que estava pintada estava apodrecido. Então, em 1824, formado pela Academia de Artes, o restaurador do Hermitage, Evgraf Yegorovich Korotky, traduziu a "Madonna" para a tela. No processo de tradução, a base da imagem do autor teve que ser sacrificada.
Leonardo da Vinci. "Madona Litta". 1478-1482. Hermitage, São Petersburgo, Rússia.
Leonardo da Vinci. Esboço de cavaleiros para a pintura “A Adoração dos Magos”. Por volta de 1481. Inglaterra, Cambridge, Museu Fitzwilliam.
Leonardo da Vinci. “Adoração dos Magos”. 1481-1482. Galeria Uffizi. Florença. Itália.
A pintura foi encomendada por Leonardo da Vinci em 1481 e tinha como objetivo decorar o altar da igreja de San Donato Scopento, localizada perto de Florença, na Porta a San Piero Gattolino (atual Porta Romana). O artista, porém, não concluiu esta obra, deixando-a em Florença quando partiu para Milão em 1482. A Madona e o Menino estão rodeados em semicírculo por uma multidão que se aproximou da Sagrada Família para se curvar diante dele. Existem muitos tipos fisionómicos de pessoas de todas as idades aqui representados; entre eles estão jovens cavaleiros. Até os animais, como Leonardo veria mais tarde com frequência, parecem partilhar dos sentimentos humanos. No fundo da imagem, das ruínas do palácio, cuja escadaria vazia dá a impressão de ser surreal, irrompe uma carreata de viajantes e cavaleiros. O lado direito da composição representa uma batalha equestre, cujo significado permanece obscuro. Duas árvores ao centro - uma palmeira e uma azinheira - funcionam como eixos em torno dos quais se gira a espiral de toda a composição, como se inserida à esquerda - entre a figura de um velho imerso em pensamentos, e no à direita está a figura de um jovem (aponta para a Madona com o Menino). Na foto também vemos cavalos vagando sem cavaleiros, o que, talvez, simbolize a natureza, ainda não subjugada pelo homem. E no fundo da imagem, os altos picos das montanhas, habituais nas composições de Leonardo da Vinci, aparecem apenas em esboços, causam uma impressão majestosa.
Esse foi o primeiro período florentino da vida e obra de Leonardo: 1464 - 1482. Pinturas do artista como "São Jerônimo", "São Sebastião" pertencem ao mesmo período.
Leonardo da Vinci. “São Jerônimo”. 1480-1482. Vaticano, Pinacoteca do Vaticano.
Primeiro período milanês (1482-1499).
Leonardo da Vinci é convidado para a corte de Lodovico Sforza e alistado no colégio de engenheiros ducais. Atua em Milão como engenheiro militar, arquiteto, engenheiro hidráulico, escultor, pintor. Mas é característico que nos documentos desse período Leonardo seja primeiro chamado de “engenheiro” e depois de “artista”.
Leonardo da Vinci. "Madona na Gruta". 1483-1486. Óleo sobre painel (transferido para tela). Louvre, Paris, França.
"Madonna na Gruta" - a primeira obra totalmente madura de Leonardo - afirma o triunfo da nova arte e dá um quadro completo da habilidade excepcional de da Vinci. O ícone foi encomendado pelos monges da igreja que leva o nome de São Pedro. Francisco em 1483. Coerência perfeita de todas as partes, criando um todo firmemente soldado. Este todo, isto é, a totalidade das quatro figuras representadas, cujos contornos são maravilhosamente suavizados pelo claro-escuro, forma uma pirâmide esguia, suave e suavemente, em total liberdade, crescendo à nossa frente. Todas as figuras estão inextricavelmente unidas por suas visões e posições, e esta associação é repleta de harmonia encantadora, pois mesmo o olhar de um anjo, voltado não para outras figuras, mas para o observador, por assim dizer, realça o único acorde musical de a composição da imagem. Este olhar e sorriso, iluminando levemente o rosto de um anjo, estão repletos de um significado profundo e misterioso. Luz e sombras criam um clima único na imagem. O nosso olhar é levado para as suas profundezas, para as sedutoras fendas entre as rochas escuras, sob cuja sombra as figuras criadas por Leonardo encontraram abrigo. E o segredo de Leonard, visível em seus rostos, e nas fendas azuladas, e no crepúsculo das rochas salientes. Todos os vários elementos da imagem, aparentemente contraditórios, fundem-se, criando uma impressão de holística e forte. "Madonna in the Grotto" mostra o domínio do artista na habilidade realista que tanto impressionou seus contemporâneos. A pintura destinava-se a decorar o altar (a moldura da pintura era um altar de talha em madeira) da Capela da Imaculada da Igreja de San Francesco Grande, em Milão.
Leonardo da Vinci. "Senhora com Arminho". Pintado por volta de 1488-1490. Óleo no painel. Museu Czartory, Cracóvia, Polônia.
Leonardo da Vinci. “Retrato de um músico”. 1485-1490. Óleo no painel. Biblioteca Ambrosiano, Milão, Itália.
Leonardo da Vinci. A última Ceia. 1494-1498. Óleo e têmpera sobre gesso. Santa Maria del Grazia, Milão, Itália.
O segundo período florentino de vida e obra (1500-1506).
Esboço da ponte sobre o Corno de Ouro, feito por Leonardo da Vinci. "Caderno" (Paris).
Os florentinos mantiveram relações amistosas com os turcos naqueles anos. Numa carta ao Sultão, Leonardo escreveu: “Ouvi dizer que você tem a intenção de construir uma ponte de Gálata a Istambul, mas não a construiu por falta de um mestre experiente”.
Leonardo propôs construir uma ponte sob a qual os navios à vela pudessem navegar.
No caderno de Leonardo, da mesma época, consta o seguinte verbete, acompanhado de um desenho: “A ponte de Pera a Constantinopla, 40 côvados de largura, 70 côvados de altura da água, 600 côvados de comprimento, ou seja, 400 mais no mar e 200 em terra; ele forma seus próprios alicerces. A essência do projeto de Leonardo resumia-se à construção de uma ponte em forma de arco muito suave, com fixação rígida das extremidades por meio de “ninhos de andorinha” - técnica que, como observa Heidenreich, Leonardo pensou um pouco antes em conexão com o projeto da cúpula da Catedral de Milão.
Se nos referimos ao côvado florentino (~0,5836 metros), então temos uma largura de 23,75 metros, uma altura de 40,852, um comprimento de 350,16, dos quais 233,44 metros estão acima da água. Estes números são claramente fantásticos. A maior ponte sobre o Addu foi construída em 1370-1377. e tinha vão de 72 e altura de 21 metros.
Uma ponte pedonal de 100 metros desenhada por Leonardo da Vinci foi inaugurada na cidade norueguesa de As. Esta é a primeira vez em 500 anos que qualquer projeto arquitetônico de um mestre muito à frente de seu tempo recebe uma concretização real. “As formas arquitetônicas dos anos 70 parecem mais antiquadas do que os desenhos de Leonardo”, disse o iniciador da obra, o arquiteto Webburn Sand.
Leonardo da Vinci projetou este edifício para o sultão turco. A ponte deveria ser atravessada sobre o Corno de Ouro em Istambul. Se o projeto tivesse sido implementado, esta ponte teria sido a ponte mais longa do seu tempo - o seu comprimento era de 346 metros. No entanto, Leonardo não conseguiu concretizar o seu projeto - o sultão Bayazet II recusou as propostas do artista florentino.Mas o colega norueguês de Leonardo da Vinci - o artista Verbjorn Sand - conseguiu convencer o departamento rodoviário da Noruega a decidir sobre a implementação do projeto de meio milhar de anos atrás. A nova ponte repete exatamente todas as vantagens estéticas e de design da ponte Leonardo.
Esta ponte servirá como passagem de pedestres a uma altura de 8 m acima da autoestrada E-18, 35 km ao sul de Oslo. Na implementação da ponte, apenas uma ideia de Leonardo da Vinci teve que ser sacrificada - a madeira foi usada como material de construção, enquanto há 500 anos a ponte foi planejada para ser construída em pedra. Uma versão em pedra da ponte teria sido muito cara e os noruegueses optaram pelo pinho e pela teca como materiais de construção. Como resultado, a construção da ponte custou US$ 1,36 milhão.
Batalha de Anghiari (Batalha de Anjaria). 1503-1505. Pintura mural na Sala do Grande Conselho do Palácio Signoria, Florença 
Cópia de Rubens de um afresco de Leonardo da Vinci. Giz preto, tinta e aquarela sobre papel. Louvre, Paris, França.
A composição da pintura lembra uma pirâmide, que combina volumes arredondados, curvas suaves de linhas e rostos sorridentes esfumados, conferindo à tela uma atmosfera de ternura e, ao mesmo tempo, um mistério sem solução. Cristo abraça um cordeiro, simbolizando seu sofrimento futuro, enquanto Maria tenta contê-lo.
A variante do cordeiro foi mencionada pela primeira vez em uma correspondência de 1501 entre o chefe da ordem carmelita, Fra Pietro da Novellara, e Isabella d'Este. Novellara viu na calma de Ana, em contraste com a preocupação de Maria pela criança, um símbolo de que a Igreja não quereria impedir a Paixão de Cristo. Uma versão anterior de St. João em vez do cordeiro é descrito em detalhes por J. Vasari:
Tudo o que é simples e belo se revelou no rosto de Nossa Senhora, que, pela sua simplicidade e beleza, pode dar aquele encanto que a imagem da Mãe de Deus deveria ter, pois Leonardo quis mostrar a modéstia e a humildade da Virgem, cheia com a maior satisfação alegre ao contemplar a beleza do filho, que segura ternamente sobre os joelhos, bem como a forma como repara com os seus olhos puríssimos o ainda pequenino S. João, brincando a seus pés com um cordeiro, sem esquecer o leve sorriso de S. Anna, que mal consegue conter o júbilo ao ver sua descendência terrena, que se tornou celestial, é verdadeiramente digna da mente e do gênio de Leonardo.
Leonardo da Vinci. João Batista. 1512. Óleo no painel. Louvre, Paris, França.
Período romano de vida e criatividade (1513-1516).
Leonardo da Vinci. Mona Lisa (La Gioconda). 1514 - 1515. Óleo sobre painel de choupo. Louvre. Paris, França.
Até recentemente, pensava-se que este retrato foi pintado muito antes, em Florença, por volta de 1503. Acreditaram na história de Vasari, que escreveu: “Leonardo comprometeu-se a completar para Francesco del Gioconde um retrato de Monna Lisa, sua esposa, e depois trabalhando nisso por quatro anos, deixou-o inacabado. Este trabalho está agora com o rei francês em Fontainebleau. Aliás, Leonardo recorreu ao seguinte truque: como a Madonna Lisa era muito bonita, ao pintar o retrato, ele mantinha gente que tocava lira ou cantava, e sempre havia bobos que a mantinham alegre e tiravam a melancolia que costuma ser relataram pintura a retratos realizados.
Toda essa história está errada do começo ao fim. Segundo Venturi, “Monna Lisa, mais tarde Gioconda, foi criação da fantasia do romancista e biógrafo de Aretin, George Vasari”. Venturi em 1925 sugeriu que a Gioconda é um retrato da Duquesa de Costanza d "Avalos, a viúva de Federigo del Balzo, cantada em um pequeno poema de Eneo Irpino, que também menciona seu retrato pintado por Leonardo. Costanza era amante de Giuliano Médici, que, após se casar com Filiberto de Sabóia, devolveu o retrato a Leonardo.
Mais recentemente, Pedretti apresentou uma nova hipótese: o retrato do Louvre retrata a viúva de Giovanni Antonio Brandano chamada Pacifica, que também era amante de Giuliano de' Medici e deu à luz seu filho Ippolito em 1511.
Seja como for, a versão de Vasarius é duvidosa porque não explica de forma alguma por que o retrato da esposa de Francesco del Giocondo permaneceu nas mãos de Leonardo e foi por ele levado para a França.
Somente a fama retumbante de A Última Ceia pode ser comparada à fama inegável que Gioconda desfrutou durante séculos. Leonardo vai além do esquema de retratos anteriormente utilizado por ele, desenvolvido por Antonello da Messina. Ele fornece uma imagem de meio corpo do modelo em um leve giro de três quartos, com o olhar voltado para o observador. O fundo não é mais sombreado, destacando nitidamente a figura, mas é uma paisagem, “surreal, como se vista em um sonho, e ao mesmo tempo panorâmico preciso, saturado de vapores úmidos e neblina. Esta não é uma paisagem vista em algum lugar e não é um jogo de imaginação, mas natura naturans (natureza criativa (lat.), o surgimento e decadência das coisas, a transição cíclica da matéria do estado sólido para o estado líquido e vaporoso. Isto é uma verdadeira síntese dos estudos paisagísticos e daqueles esboços topográficos que Leonardo fez com uma finalidade prática (o projecto de regular o caudal do rio Arno com a ajuda de um canal e de inundar com água o vale do Chiana, preparação que teve de completar numerosos mapas da área localizada entre o Mar Tirreno e os Apeninos).Pode-se argumentar também que a impressão inspirada nesta imagem é criada graças à perfeita ligação entre a figura e o ambiente natural, que o artista conseguiu através da aplicação da técnica sfumato , que ajudou a combinar a imagem do retratado, em cujo rosto está impressa a ironia, e a paisagem, sintetizando em si a grandeza do mundo, que uma pessoa procura revelar e explicar, mas que, junto com ela, contém muitos misteriosos e coisas inexprimíveis.
Nesta fotografia, Leonardo conseguiu tal harmonia não só através de uma composição mais minuciosa, mas também através de meios pictóricos, graças aos quais tudo é visível como se através de uma névoa leve que cobre pequenos detalhes, suaviza os contornos e cria transições imperceptíveis entre formas e cores. Assim, ele deixou muito à nossa imaginação e é por isso que a Mona Lisa nos impressiona, olhando o espectador como se estivesse viva. O mesmo se aplica à paisagem, onde Leonardo nos mostra como a terra “cresce” a partir das rochas e da água, e ao rosto da Mona Lisa com o seu sorriso misterioso. O que Mona Lisa está pensando? Na prática, depende do que nós mesmos pensamos, olhando para a imagem dela.
Talvez o próprio Leonardo fosse um pouco parecido com ela: as pessoas sempre o viam como equilibrado e amigável, mas ninguém sabia exatamente o que ele estava pensando.
Do artigo de S. N. Roerich Mona Lisa: A imagem não pode ser descrita em palavras: quanto mais você olha para ela, mais seu impacto sobre você aumenta, e você começa a sentir aquele encanto incrível que cativou tantas pessoas ao longo dos séculos.
Último período de vida: França, Amboise (1516-1519).
Francisco I disse sobre Leonardo da Vinci: “Jamais acreditarei que houvesse outra pessoa no mundo que soubesse tanto quanto Leonardo, não só em escultura, pintura e arquitetura, mas também porque ele foi o maior filósofo”.
Em 1516, Leonardo aceitou o convite do rei francês e instalou-se no seu castelo de Clos Luce, onde Francisco I passou a infância, não muito longe do castelo real de Amboise. No título oficial de primeiro artista, engenheiro e arquiteto real, Leonardo recebeu uma anuidade anual de mil ecus. Na França, Leonardo quase não pintou, mas organizou com maestria as festividades da corte, planejou um novo palácio em Romorantan com uma mudança planejada no rio canal, um projeto de canal entre o Loire e o Saône, a principal escada em espiral de mão dupla do castelo de Chambord. Dois anos antes de sua morte, a mão direita do mestre ficou dormente e ele mal conseguia se mover sem ajuda. Leonardo, 67 anos, passou o terceiro ano de sua vida em Amboise, na cama. Em 23 de abril de 1519 deixou um testamento e em 2 de maio morreu cercado por seus alunos e suas obras-primas em Clos Luce. Segundo Vasari, da Vinci morreu nos braços do rei Francisco I, seu amigo próximo. Essa lenda não confiável, mas difundida na França, se reflete nas pinturas de Ingres, Angelika Kaufman e muitos outros pintores. Leonardo da Vinci foi enterrado no castelo de Amboise. Na lápide estava gravada uma inscrição: “As cinzas de Leonardo da Vinci, o maior artista, engenheiro e arquiteto do reino francês, repousam nas paredes deste mosteiro”.
O principal herdeiro foi o discípulo e amigo Francesco Melzi, que acompanhou Leonardo, que durante os 50 anos seguintes permaneceu como o principal gestor do legado do mestre, que incluía, além de pinturas, ferramentas, uma biblioteca e pelo menos 50 mil documentos originais sobre vários temas, dos quais apenas um terço sobreviveu até hoje. Outro aluno de Salai e um criado ficaram com metade dos vinhedos de Leonardo cada.
Certas tendências da arte da Alta Renascença foram antecipadas na obra de destacados artistas do século XV e expressas no desejo de majestade, monumentalização e generalização da imagem. No entanto, o verdadeiro fundador do estilo da Alta Renascença foi Leonardo da Vinci, um gênio cujo trabalho marcou uma grandiosa mudança qualitativa na arte. O significado de sua ampla atividade, científica e artística, só ficou claro quando os manuscritos dispersos de Leonardo foram examinados. Suas notas e desenhos contêm insights brilhantes em vários campos da ciência e da tecnologia. Ele foi, nas palavras de Engels, “não apenas um grande pintor, mas também um grande matemático, mecânico e engenheiro, a quem os mais diversos ramos da física devem importantes descobertas”.
A arte para o artista italiano era um meio de compreender o mundo. Muitos de seus esboços servem como ilustração de trabalhos científicos e, ao mesmo tempo, são obras de alta arte. Leonardo incorporou um novo tipo de artista - um cientista, um pensador, que impressiona pela amplitude de pontos de vista e pela versatilidade do talento. Leonardo nasceu na aldeia de Anchiano, perto da cidade de Vinci. Ele era filho ilegítimo de um notário e de uma simples camponesa. Estudou em Florença, na oficina do escultor e pintor Andrea Verrocchio. Uma das primeiras obras do jovem artista - a figura de um anjo no quadro "Batismo" de Verrocchio (Florença, Uffizi) - destaca-se entre os personagens congelados com espiritualidade sutil e atesta a maturidade de seu criador.
Entre as primeiras obras de Leonardo está a Madona com uma Flor guardada em l'Hermitage (a chamada Madona de Benois, por volta de 1478), que é decisivamente diferente das numerosas Madonas do século XV. Rejeitando o gênero e o detalhamento meticuloso inerentes às obras dos primeiros mestres da Renascença, Leonardo aprofunda as características e generaliza as formas. As figuras de uma jovem mãe e de um bebê, finamente modeladas pela luz lateral, preenchem quase todo o espaço do quadro. Natural e plástico são os movimentos das figuras, organicamente interligados. Eles se destacam claramente contra o fundo escuro da parede. O céu azul claro que se abre pela janela conecta as figuras com a natureza, com o vasto mundo dominado pelo homem. Na construção equilibrada da composição, sente-se um padrão interno. Mas isso não exclui o calor, o encanto ingênuo observado na vida.
Madonna com o Menino Jesus e João
Batista, por volta de 1490, coleção particular
Salvador do mundo
por volta de 1500, coleção particular
Em 1480, Leonardo já tinha oficina própria e recebia encomendas. No entanto, sua paixão pela ciência muitas vezes o distraiu da arte. A grande composição do altar "Adoração dos Magos" (Florença, Uffizi) e "São Jerônimo" (Roma, Vaticano Pinakothek) permaneceu inacabada. Na primeira, o artista procurou transformar a complexa composição monumental da imagem do altar num conjunto em forma de pirâmide, facilmente visível, para transmitir a profundidade dos sentimentos humanos. No segundo - para uma representação fiel dos ângulos complexos do corpo humano, o espaço da paisagem. Não encontrando uma avaliação adequada de seu talento na corte de Lorenzo Medici com seu culto à sofisticação requintada, Leonardo entrou ao serviço do duque de Milão, Lodovico Moro. O período milanês da criatividade de Leonardo (1482-1499) revelou-se o mais frutífero. Aqui a versatilidade do seu talento como cientista, inventor e artista foi revelada com força total.
Iniciou sua carreira com a execução de um monumento escultórico - uma estátua equestre do pai do duque Lodovico Moro Francesco Sforza. Uma grande maquete do monumento, elogiada por unanimidade pelos contemporâneos, morreu durante a captura de Milão pelos franceses em 1499. Apenas os desenhos sobreviveram - esboços de várias versões do monumento, imagens de um cavalo empinado, cheio de dinâmica, depois um cavalo solenemente saliente, que lembra as soluções composicionais de Donatello e Verrocchio. Aparentemente, esta última opção foi traduzida numa maquete da estátua. Excedia significativamente o tamanho dos monumentos de Gattamelata e Colleoni, o que deu aos contemporâneos e ao próprio Leonardo um motivo para chamar o monumento de "o grande colosso". Esta obra permite-nos considerar Leonardo um dos maiores escultores da época.
Nem um único projeto arquitetônico implementado por Leonardo chegou até nós. E, no entanto, seus desenhos e projetos de construção, ideias para criar uma cidade ideal, falam de seu dom como arquiteto excepcional. O período milanês inclui pinturas de estilo maduro - "Madona na Gruta" e "A Última Ceia". "Madonna na Gruta" (1483-1494, Paris, Louvre) - o primeiro retábulo monumental da Alta Renascença. Seus personagens Maria, João, Cristo e o anjo adquiriram traços de grandeza, espiritualidade poética e plenitude de expressividade de vida. Unidos pelo clima de reflexão e ação - o menino Cristo abençoa João - em um grupo piramidal harmonioso, como um claro-escuro abalado por uma leve névoa, os personagens da lenda evangélica parecem ser a personificação de imagens ideais de felicidade pacífica.
(atribuição a Carlo Pedretti), 1505,
Museu do povo antigo da Lucânia,
Vallio Basílica, Itália
A mais significativa das pinturas monumentais de Leonardo, A Última Ceia, executada em 1495-1497 para o mosteiro de Santa Maria della Grazie em Milão, leva-o ao mundo das paixões reais e dos sentimentos dramáticos. Partindo da interpretação tradicional do episódio gospel, Leonardo dá uma solução inovadora ao tema, uma composição que revela profundamente os sentimentos e experiências humanas. Minimizando a representação do cenário do refeitório, reduzindo deliberadamente o tamanho da mesa e colocando-a em primeiro plano, ele se concentra na culminação dramática do evento, nas características contrastantes de pessoas de diferentes temperamentos, na manifestação de uma complexa gama de sentimentos , expressa tanto nas expressões faciais como nos gestos, com os quais os apóstolos respondem às palavras de Cristo: “Um de vocês me trairá”. Um contraste decisivo com os apóstolos são as imagens do Cristo aparentemente calmo, mas tristemente pensativo, que está no centro da composição, e do traidor Judas encostado na beirada da mesa, cujo perfil áspero e predatório está imerso na sombra. A confusão, enfatizada pelo gesto de uma mão agarrando convulsivamente uma bolsa, e uma aparência sombria o distinguem dos outros apóstolos, em cujos rostos iluminados se pode ler uma expressão de surpresa, compaixão, indignação. Leonardo não separa a figura de Judas dos demais apóstolos, como fizeram os mestres do início da Renascença. No entanto, a aparência repulsiva de Judas revela a ideia de traição de forma mais nítida e profunda. Todos os doze discípulos de Cristo estão localizados em grupos de três, de cada lado do professor. Alguns deles saltam de excitação dos seus assentos, voltando-se para Cristo. O artista subordina os diversos movimentos internos dos apóstolos a uma ordem estrita. A composição do afresco impressiona pela sua unidade, integridade, é estritamente equilibrada e centrada na construção. A monumentalização das imagens, a escala da pintura contribuem para a impressão do profundo significado da imagem, subordinando todo o grande espaço do refeitório. Leonardo resolve engenhosamente o problema da síntese da pintura e da arquitetura. Colocando a mesa paralela à parede, decorada com um afresco, ele confirma seu plano. A redução em perspectiva das paredes laterais representadas no afresco, por assim dizer, dá continuidade ao espaço real do refeitório.
O afresco está muito danificado. Os experimentos de Leonardo com novos materiais não resistiram ao teste do tempo, gravações e restaurações posteriores quase esconderam o original, que foi apagado apenas em 1954. Mas as gravuras e desenhos preparatórios sobreviventes permitem preencher todos os detalhes da composição.
Após a captura de Milão pelas tropas francesas, Leonardo deixou a cidade. Os anos de peregrinação começaram. Por ordem da República Florentina, fez papelão para o afresco "Batalha de Anghiari", que deveria decorar uma das paredes da Sala do Conselho do Palazzo Vecchio (edifício da prefeitura). Ao criar este papelão, Leonardo concorreu com o jovem Michelangelo, que executou a encomenda do afresco “A Batalha de Kashin” para outra parede da mesma sala. No entanto, estes cartões, universalmente reconhecidos pelos seus contemporâneos, não sobreviveram até hoje. Somente cópias e gravuras antigas permitem julgar a inovação dos gênios da Alta Renascença no campo da pintura de batalha.
Na plena dramaticidade e dinâmica da composição de Leonardo, dá-se o episódio da batalha pela bandeira, dá-se o momento de maior tensão das forças dos combatentes, revela-se a cruel verdade da guerra. À mesma época pertence a criação do retrato de Mona Lisa (La Gioconda, cerca de 1504, Paris, Louvre), uma das obras mais famosas da pintura mundial. É extraordinária a profundidade e o significado da imagem criada, na qual as características do indivíduo se combinam com grande generalização. A inovação de Leonardo também se manifestou no desenvolvimento do retrato renascentista.
Plasticamente trabalhada, de silhueta fechada, a majestosa figura de uma jovem domina uma paisagem distante envolta numa névoa azulada com rochas e canais de água serpenteando entre elas. A complexa paisagem semi-fantástica harmoniza-se sutilmente com o caráter e o intelecto da pessoa retratada. Parece que a variabilidade instável da própria vida se faz sentir na expressão do seu rosto, animado por um sorriso quase imperceptível, no seu olhar calmo, confiante e penetrante. O rosto e as mãos bem cuidadas do patrício são pintados com incrível cuidado e suavidade. A névoa mais fina, como que derretendo, de claro-escuro (o chamado sfumato), envolvendo a figura, suaviza os contornos e as sombras; não há um único traço nítido ou contorno angular na imagem.
Nos últimos anos de sua vida, Leonardo dedicou a maior parte do tempo à pesquisa científica. Morreu na França, para onde veio a convite do rei francês Francisco I e onde viveu apenas dois anos. Sua arte, pesquisa científica e teórica, sua própria personalidade tiveram um impacto tremendo no desenvolvimento da cultura mundial. Seus manuscritos contêm inúmeras notas e desenhos que atestam a universalidade do gênio de Leonardo. Aqui estão flores e árvores cuidadosamente desenhadas, esboços de armas, máquinas e dispositivos desconhecidos. Junto com imagens analiticamente precisas, há desenhos que se distinguem por sua extraordinária abrangência, lirismo épico ou sutil. Admirador apaixonado do conhecimento experimental, Leonardo primava pela sua reflexão crítica, pela busca de leis generalizantes. “A experiência é a única fonte de conhecimento”, disse o artista. “O Livro da Pintura” revela a sua visão de teórico da arte realista, para quem a pintura é ao mesmo tempo “uma ciência e filha legítima da natureza”. O tratado contém afirmações de Leonardo sobre anatomia, perspectiva, ele busca padrões na construção de uma figura humana harmônica, escreve sobre a interação das cores, sobre reflexos. Entre os seguidores e alunos de Leonardo, porém, não houve nenhum que se aproximasse do professor em termos de talento; privados de uma visão independente da arte, assimilaram apenas externamente seu estilo artístico.
Leonardo da Vinci. 15/04/1452, Vinci - 02/05/1519, Clu
A atenção sem precedentes agora prestada por historiadores e romancistas à personalidade de Leonardo da Vinci é evidência de um ponto de viragem em relação à cultura do Renascimento, uma reavaliação do conteúdo espiritual da “maior convulsão progressiva” que está subjacente à civilização europeia moderna. Em Leonardo, eles veem uma espécie de quintessência da era emergente, enfatizando e destacando em sua obra ou a conexão com a visão de mundo da época anterior, ou a demarcação fundamental com ela. O misticismo e o racionalismo coexistem na avaliação da sua personalidade num equilíbrio incompreensível, e mesmo o enorme património escrito do mestre, que chegou até aos nossos dias, não consegue abalá-lo. Leonardo da Vinci está entre os maiores cientistas, embora muito poucos dos seus projetos tenham sido realizados. É também uma das maiores figuras da arte, apesar de ter criado muito poucas pinturas (além disso, nem todas sobreviveram) e ainda menos esculturas (nem sobreviveram). O que torna Leonardo grande não é o número de ideias incorporadas, mas a mudança no método da atividade científica e artística. Falando figurativamente, procurou “compreender o organismo de cada objeto separadamente e o organismo de todo o universo” (A. Benois).
Leonardo da Vinci. Auto-retrato, ca. 1510-1515
Infância e adolescência Leonardo documentou muito pouco. Seu pai, Piero da Vinci, era notário hereditário; já no ano do nascimento do filho, exerceu a profissão em Florença e logo ganhou destaque por lá. Tudo o que se sabe sobre sua mãe é que seu nome era Caterina, ela vinha de uma família camponesa e logo após o nascimento de Leonardo se casou com um rico fazendeiro, um certo Accatabrigio di Piero del Vaccia. Leonardo foi levado para a casa do pai e criado pela madrasta sem filhos, Albiera Amadori. O que e como ele foi ensinado, quais foram suas primeiras experiências com desenho - é desconhecido. É indiscutível que seu tio Francesco, com quem Leonardo da Vinci manteve relações mais calorosas durante toda a vida, teve uma influência grande, senão decisiva, na formação da personalidade do menino. Como Leonardo era filho ilegítimo, não poderia herdar a profissão do pai. Vasari relata que Piero era amigo de Andrea Verrocchio e uma vez mostrou-lhe os desenhos de seu filho, após o que Andrea levou Leonardo para sua oficina. Piero mudou-se para Florença com sua família em 1466, portanto, Leonardo da Vinci acabou na oficina (bottegue) de Verrocchio aos quatorze anos.
As maiores obras realizadas por Verrocchio durante o período de estudos de Leonardo com ele foram a estátua de David (Florença, Bargello), encomendada pela família Médici(acredita-se que o jovem Leonardo da Vinci posou para ela), e a finalização da cúpula da Catedral de Florença com uma bola de ouro com uma cruz (a encomenda da cidade foi recebida em 10 de setembro de 1468 e concluída em maio de 1472 ). Na oficina de Andrea, a melhor de Florença, Leonardo da Vinci teve a oportunidade de estudar todos os tipos de artes plásticas, arquitetura, teoria da perspectiva e de familiarizar-se parcialmente com as ciências naturais e humanas. Aparentemente sua formação como pintor foi influenciada não tanto pelo próprio Verrocchio mas por Botticelli e Perugino.
Em 1469, Piero da Vinci recebeu o cargo de notário da República Florentina e, em seguida, de vários mosteiros e famílias importantes. Nessa época ele estava viúvo. Tendo finalmente se mudado para Florença, Piero casou-se novamente e levou Leonardo para sua casa. Leonardo continuou seus estudos com Verrocchio e também estudou ciências de forma independente. Já nestes anos conheceu Paolo Toscanelli (matemático, médico, astrônomo e geógrafo) e Leon Battista Alberti. Em 1472, ingressou na guilda dos pintores e, como atesta uma entrada no livro da guilda, pagou uma taxa para organizar a festa de São Pedro. Lucas. No mesmo ano voltou à oficina de Andrea, pois seu pai havia ficado viúvo pela segunda vez e casado pela terceira vez. Em 1480 Leonardo da Vinci tinha sua própria oficina. A primeira obra pictórica de Leonardo, hoje conhecida, é a imagem de um anjo na pintura “O Batismo de Cristo” (Florença, Uffizi). Até recentemente, a pintura era considerada (com base no relatório Vasari) pela obra de Verrocchio, que supostamente, ao ver o quanto o aluno o superava em habilidade, abandonou a pintura.
Batismo de Cristo. Quadro de Verrocchio, pintado por ele com seus alunos. A direita dos dois anjos é obra de Leonardo da Vinci. 1472-1475
No entanto, uma análise efectuada pela equipa do Uffizi mostrou que o trabalho foi feito colectivamente por três ou mesmo quatro artistas de acordo com as tradições das oficinas medievais. Obviamente, o papel principal entre eles foi desempenhado por Botticelli. A pertença da figura do anjo esquerdo a Leonardo é indiscutível. Ele também pintou parte da paisagem - nas costas do anjo na borda da composição.
A ausência de provas documentais, assinaturas e datas nas pinturas torna muito difícil a sua atribuição. No início da década de 1470, são atribuídas duas “Anunciações”, que, a julgar pelo formato alongado horizontalmente, são predelas de altar. Aquele que está armazenado na coleção Uffizi está incluído em algumas das primeiras obras de Leonardo da Vinci. Sua execução bastante seca e os tipos de rostos de Maria e do anjo lembram as obras de Lorenzo di Credi, companheiro de Leonardo na oficina de Verrocchio.
Pintura de Leonardo da Vinci "A Anunciação", 1472-1475. Galeria Uffizi
A “Anunciação” do Louvre, resolvida de forma mais generalizada, é atualmente atribuída às obras de Lorenzo.
Leonardo da Vinci. Anunciação, 1478-1482. Museu do Louvre
A primeira obra datada de Leonardo da Vinci é um desenho a caneta que representa uma paisagem com vale de rio e rochas, possivelmente a vista ao longo da estrada de Vinci a Pistoia (Florença, Galeria Uffizi). No canto superior esquerdo da folha está a inscrição: “No dia de Santa Maria das Neves, 5 de agosto de 1473”. Esta inscrição - o primeiro exemplo conhecido da caligrafia de Leonardo da Vinci - foi feita com a mão esquerda, da direita para a esquerda, como se fosse uma imagem espelhada.
Leonardo da Vinci. Paisagem com vale de rio e rochas, feita no dia de Santa Maria das Neves, 5 de agosto de 1473
Da década de 1470 também pertencem numerosos desenhos de natureza técnica - imagens de veículos militares, estruturas hidráulicas, máquinas de fiar e para acabamento de tecidos. Talvez tenham sido os projetos técnicos que Leonardo da Vinci realizou para Lorenzo de 'Medici, de quem, segundo a biografia do mestre (escrita por autor desconhecido, aparentemente, logo após a morte de Leonardo), foi próximo por algum tempo.
Leonardo da Vinci recebeu sua primeira grande encomenda de uma pintura graças à petição de seu pai. 24 de dezembro de 1477 Piero Pollaiolo foi contratado para escrever um novo altar (em vez da obra de Bernardo Daddi) para a capela de São Bernardo no Palazzo Vecchio. Mas já uma semana depois apareceu um decreto da Signoria (datado de 1º de janeiro de 1478), segundo o qual a obra foi transferida “para cancelar qualquer outra encomenda feita até então de qualquer forma, seja ela qual for, e a qualquer pessoa, Leonardo, filho de Sir [notário] Piero da Vinci, pintor. Aparentemente, Leonardo precisava de dinheiro e já em 16 de março de 1478 recorreu ao governo florentino com um pedido de adiantamento. Ele recebeu 25 florins de ouro. A obra, porém, progrediu tão lentamente que não foi concluída quando Leonardo da Vinci partiu para Milão (1482) e foi transferida para outro mestre no ano seguinte. O enredo desta obra é desconhecido. A segunda encomenda, a cargo de Leonardo Ser Piero, foi a execução de um retábulo para a igreja do mosteiro de San Donato a Scopeto. Em 18 de março de 1481, ele firmou um acordo com o filho, especificando o prazo exato para conclusão da obra (em vinte e quatro, no máximo trinta meses) e indicando que Leonardo não receberia adiantamento, e caso não cumprisse o prazo, então tudo o que seria feito por ele, passará a ser propriedade do mosteiro. No entanto, a história se repetiu e em julho de 1481 o artista recorreu aos monges com um pedido de adiantamento, recebeu-o e depois mais duas vezes (em agosto e setembro) recebeu dinheiro para garantir uma obra futura. A grande composição "A Adoração dos Magos" (Florença, Uffizi) permaneceu inacabada, mas mesmo nesta forma é uma das "uma daquelas obras em que se baseia todo o desenvolvimento da pintura europeia" (MA Gukovsky). Numerosos desenhos dele são mantidos nas coleções da Galeria Uffizi, do Louvre e do Museu Britânico. Em 1496, a encomenda do altar foi dada a Filippino Lippi, que pintou um quadro sobre o mesmo tema (Florença, Uffizi).
Leonardo da Vinci. Adoração dos Magos, 1481-1482
Não concluído e "St. Jerônimo ”(Roma, Pinacoteca do Vaticano), que é uma pintura de base em que a figura do santo penitente é trabalhada com excepcional precisão anatômica, e alguns pequenos detalhes, como o leão em primeiro plano, são apenas delineados.
Um lugar especial entre as primeiras obras do mestre é ocupado por duas obras concluídas - "Retrato de Ginevra d" Amerigo Benchi "(Washington, National Gallery) e" Madonna with a Flower "(St. vida espiritual complexa, marca as primeiras manifestações de um retrato psicológico na arte europeia.A imagem não foi totalmente preservada: sua parte inferior com a imagem de mãos foi cortada.Aparentemente, a posição da figura lembrava a Mona Lisa.
Leonardo da Vinci. Retrato de Ginevra de Benci, 1474-1478
A datação da "Madona com uma Flor, ou Madona Benois" (1478-1480) foi adotada com base em uma nota em uma das folhas do Gabinete de Desenhos da Galeria Uffizi: "...bre 1478 inomincial le devida Vergini Marie". A composição desta pintura é reconhecível num desenho de caneta e bistre conservado no Museu Britânico (n.º 1860. 6. 16. 100v.). Executado em uma técnica de pintura a óleo nova para a Itália, o quadro se distingue pela leveza transparente das sombras e pela riqueza dos tons de cores, com um esquema de cores geral contido. Um papel extraordinariamente importante na criação de uma impressão holística, conectando os personagens com seu ambiente, aqui começa a desempenhar a transferência do ambiente aéreo. O derretimento do claro-escuro, do sfumato, torna os limites dos objetos imperceptivelmente instáveis, expressando a unidade material do mundo visível.
Leonardo da Vinci. Madonna com uma flor (Madonna Benois). OK. 1478
Outra das primeiras obras de Leonardo da Vinci é a Madonna com um Cravo (Munique, Alte Pinakothek). Talvez esta obra tenha precedido o aparecimento da Madonna Benois.
Vasari relata que em sua juventude Leonardo da Vinci fez de barro "várias cabeças de mulheres risonhas", das quais eram feitas peças fundidas em gesso ainda em sua época, bem como várias cabeças de crianças. Ele também menciona como Leonardo retratou um monstro em um escudo de madeira, “muito nojento e terrível, que envenenou com seu hálito e incendiou o ar”. A descrição do processo de sua criação revela o sistema de trabalho de Leonardo da Vinci - método em que a criatividade se baseia na observação da natureza, mas não com o objetivo de copiá-la, mas para criar algo novo a partir dela. Leonardo agiu de forma semelhante posteriormente, ao pintar o quadro “Cabeça de Medusa” (não preservado). Executado em óleo sobre tela, permaneceu inacabado em meados do século XVI. estava na coleção do duque Cosimo de' Medici.
No chamado Codex Atlanticus (Milão, Pinacoteca Ambrosiana), maior coleção de notas de Leonardo da Vinci sobre diversas áreas do conhecimento, na página 204 encontra-se um rascunho de carta do artista ao governante de Milão, Lodovico Sforza ( Lodovico Moreau). Leonardo oferece seus serviços como engenheiro militar, engenheiro hidráulico, escultor. Neste último caso, trata-se da criação de um grandioso monumento equestre a Francesco Sforza, pai de Lodovico. Como Moro visitou Florença em abril de 1478, supõe-se que mesmo então ele conheceu Leonardo da Vinci e negociou para trabalhar em O Cavalo. Em 1482, com autorização de Lorenzo Medici, o mestre partiu para Milão. Foi preservada uma lista de coisas que ele levou consigo - entre elas são mencionados muitos desenhos e duas pinturas: “A Madonna concluída. O outro está quase de perfil. Obviamente, eles se referiam a Madonna Litta (São Petersburgo, Museu Estatal Hermitage). Acredita-se que o mestre já o tenha concluído em Milão por volta de 1490. Um excelente desenho preparatório para ele - a imagem de uma cabeça de mulher - está guardado na coleção do Louvre (nº 2376). O interesse ativo por este trabalho por parte dos pesquisadores surgiu após sua aquisição pela Ermida Imperial (1865) da coleção do Duque Antonio Litta em Milão. A autoria de Leonardo da Vinci foi repetidamente negada, mas agora, após pesquisas e exposições da pintura em Roma e Veneza (2003-2004), tornou-se geralmente reconhecida.
Leonardo da Vinci. Madonna Litta. OK. 1491-91
Existem vários outros retratos executados com a elegância inerente a Leonardo, mas em termos de composição são resolvidos de forma mais simples e não possuem aquela mobilidade espiritual que torna fascinante a imagem de Cecília. São eles o "Retrato de Mulher" de perfil (Milão, Pinacoteca Ambrosiana), o "Retrato de um Músico" (1485, ibid.) - possivelmente de Francino Gaffurio, regente da Catedral de Milão e compositor - e o chamado "Bella Feroniera" (retrato de Lucrezia Crivelli?) da coleção do Louvre.
Leonardo da Vinci. Retrato de um músico, 1485-1490
Em nome de Lodovico Moro, Leonardo da Vinci se apresentou para Imperador Maximiliano o quadro "Natividade", sobre o qual um biógrafo anônimo escreve que ela era "reverenciada pelos conhecedores como uma obra-prima de uma arte única e surpreendente". Seu destino é desconhecido.
Leonardo da Vinci. Bella Ferroniera (Linda Ferroniera). OK. 1490
A maior pintura de Leonardo, criada em Milão, foi a famosa Última Ceia, pintada na parede final do refeitório do mosteiro dominicano de Santa Maria delle Grazie. Leonardo da Vinci iniciou a execução direta da composição em 1496. Isto foi precedido por um longo período de reflexão. As coleções de Windsor e da Academia de Veneza contêm numerosos desenhos, esboços, esboços relacionados com esta obra, entre os quais as cabeças dos apóstolos se distinguem especialmente pela sua expressividade. Não se sabe exatamente quando o mestre concluiu a obra. Geralmente se acredita que isso aconteceu no inverno de 1497, mas uma nota enviada por Moro ao seu secretário Marchesino Stange e relativa a este ano diz: “Peça a Leonardo que termine seu trabalho no refeitório de Santa Maria delle Grazie”. Luca Pacioli relata que Leonardo completou a pintura em 1498. Assim que o quadro viu a luz, os pintores começaram a peregrinar até ele, que o copiaram com mais ou menos sucesso. “Existem pinturas, afrescos, versões gráficas, em mosaico, além de tapetes que repetem a composição de Leonardo da Vinci” (T.K. Kustodieva). Os primeiros deles estão guardados nas coleções do Louvre (Marco d'Oggiono?) e do Hermitage (nº 2.036).
Leonardo da Vinci. A Última Ceia, 1498
A composição da Última Ceia em seu “volume arejado” parece ser uma continuação do refeitório. Para conseguir este efeito, o mestre permitiu um excelente conhecimento da perspectiva. A cena gospel aparece aqui “perto do espectador, humanamente compreensível e ao mesmo tempo não perdendo nem a sua alta solenidade nem o seu profundo drama” (M. A. Gukovsky). A glória de uma grande obra, porém, não conseguiu salvar A Última Ceia nem da destruição do tempo nem da atitude bárbara das pessoas. Devido à umidade das paredes, as tintas começaram a desbotar já durante a vida de Leonardo da Vinci, e em 1560 Lomazzo em seu Tratado de Pintura relatou, embora um tanto exagerado, que a pintura havia "desabado completamente". Em 1652, os monges ampliaram a porta do refeitório e destruíram a imagem dos pés de Cristo e dos apóstolos ao lado dele. Os artistas também contribuíram com sua parcela de destruição. Assim, em 1726, um certo Belotti, “que afirmava ter o segredo para reavivar as cores” (G. Seil), reescreveu todo o quadro. Em 1796, quando as tropas de Napoleão entraram em Milão, foi montado um estábulo no refeitório e os soldados se divertiram jogando fragmentos de tijolos na cabeça dos apóstolos. No século 19 A Última Ceia foi reformada várias vezes e, durante a Segunda Guerra Mundial, durante o bombardeio de Milão por aviões britânicos, a parede lateral do refeitório desabou. As obras de restauro, iniciadas no pós-guerra e que consistiram no reforço e limpeza parcial da pintura, foram concluídas em 1954. Passados mais de vinte anos (1978), os restauradores iniciaram uma grandiosa actividade de remoção de camadas tardias, que só foi concluída em 1999. Vários séculos depois, você pode ver novamente as cores vivas e limpas da pintura genuína do mestre.
Obviamente, imediatamente após sua chegada a Milão, Leonardo da Vinci voltou-se para o projeto do monumento a Francesco Sforza. Numerosos esboços testemunham mudanças na ideia do mestre, que a princípio quis apresentar o cavalo empinado (em todos os monumentos equestres então existentes o cavalo era mostrado caminhando calmamente). Tal composição, apesar do enorme tamanho da escultura (cerca de 6 m de altura; segundo outras fontes - cerca de 8 m), criou dificuldades quase intransponíveis na fundição. A solução para o problema se arrastou e Moreau instruiu o embaixador florentino em Milão a escrever para outro escultor de Florença, que ele relatou Lorenzo Médici em carta datada de 22 de julho de 1489. Leonardo teve que enfrentar O Cavalo. No entanto, no verão de 1490, as obras do monumento foram interrompidas pela viagem de Leonardo e Francesco di George Martini a Pavia para aconselhar sobre a construção da catedral. No início de setembro, começaram os preparativos para o casamento de Lodovico, e então o mestre realizou inúmeras tarefas para a nova governante, Beatrice. No início de 1493, Lodovico ordenou que Leonardo acelerasse os trabalhos para mostrar a estátua nas próximas celebrações de casamento: o imperador Maximiliano casou-se com a sobrinha de Moro, Bianca Maria. O modelo de argila da estátua - “O Grande Colosso” - foi concluído no prazo, em novembro de 1493. O mestre abandonou a ideia original e mostrou o cavalo caminhando com calma. Apenas alguns esboços dão uma ideia desta versão final do monumento. Era tecnicamente impossível fundir a escultura inteira de uma vez, então o mestre iniciou um trabalho experimental. Além disso, foram necessárias cerca de oitenta toneladas de bronze, que só conseguiram coletar em 1497. Tudo foi para os canhões: Milão esperava uma invasão das tropas do rei francês Luís XII. Em 1498, quando a situação política do ducado melhorou temporariamente, Lodovico encarregou Leonardo da Vinci de pintar o salão do Castello Sforzesco - Hall delle Acce, e em 26 de abril de 1499 assinou uma doação para um vinhedo nas proximidades de Milão. Este foi o último favor prestado pelo duque ao artista. Em 10 de agosto de 1499, as tropas francesas entraram no território do Ducado de Milão; em 31 de agosto, Lodovico fugiu da cidade; em 3 de setembro, Milão rendeu-se. Os arqueiros gascões de Luís XII destruíram a estátua de barro enquanto competiam no tiro com besta. Aparentemente, mesmo depois disso, o monumento causou forte impressão, pois dois anos depois o duque de Ferrara Ercole I d "Este negociou a sua aquisição. O futuro destino do monumento é desconhecido.
Por algum tempo, Leonardo da Vinci permaneceu na cidade ocupada e depois, junto com Luca Pacioli, foi para Mântua, para a corte de Isabella Gonzaga. Por motivos políticos (Isabella era irmã de Beatrice, esposa de Moreau, já falecida nessa época - em 1497), a margravina não quis patrocinar o artista. No entanto, ela queria que Leonardo da Vinci pintasse seu retrato. Sem parar em Mântua, Leonardo e Pacioli foram para Veneza. Em março de 1500, o fabricante de instrumentos musicais Lorenzo Gusnasco da Pavia escreveu a Isabella: "Aqui em Veneza está Leonardo Vinci, que me mostrou um retrato de contorno de Vossa Graça, tão bem executado quanto possível de acordo com a natureza." Obviamente, era um desenho atualmente guardado no Louvre. O mestre nunca executou um retrato pitoresco. Em abril de 1500, Leonardo e Pacioli já estavam em Florença. Neste breve - pouco mais de dois anos - período tranquilo da vida de Leonardo da Vinci, ele se dedicou principalmente à pesquisa técnica (em particular, ao projeto de uma aeronave) e, a pedido do governo florentino, assumiu participar de um exame para identificar os motivos do assentamento da Igreja de San Salvatore no morro de San Miniato. Segundo Vasari, enquanto Filippino Lippi recebeu uma encomenda de um retábulo para a igreja da Santíssima Annunziata. Leonardo "declarou que faria tal trabalho com prazer", e Filippino gentilmente deu-lhe a ordem. A ideia do quadro "Santa Ana", aparentemente, surgiu de Leonardo da Vinci ainda em Milão. Existem numerosos desenhos desta composição, bem como magníficos cartões (Londres, National Gallery), mas não serviram de base para a solução final. Exibido pelo mestre depois da Páscoa de 1501 para exibição pública, o papelão não sobreviveu, mas, a julgar pelos documentos que sobreviveram até hoje, foi a sua composição que foi repetida pelo mestre na conhecida pintura do Louvre . Assim, no dia 3 de abril de 1501, o vigário geral das Carmelitas, Pietro da Nuvolario, que se correspondia com Isabel Gonzaga, informou-a, descrevendo detalhadamente a composição do cartão, que, em sua opinião, a imagem de São Pedro estava em ruínas. Ana é encarnada pela Igreja, que não deseja “que Seus sofrimentos sejam afastados de Cristo”. Não está claro quando exatamente a pintura do altar foi concluída. Talvez o mestre o tenha concluído na Itália, onde foi adquirido por Francisco I, segundo Paolo Giovio, sem especificar, porém, quando e de quem. Em todo o caso, os clientes não o receberam e em 1503 recorreram novamente a Filippino, mas ele também não satisfez os seus desejos.
No final de julho de 1502, Leonardo da Vinci entrou ao serviço de Cesare Borgia, filho Papa AlexandreVI, que por esta altura, procurando criar as suas próprias possessões, capturou quase toda a Itália Central. Como engenheiro militar-chefe, Leonardo viajou pela Úmbria, Toscana, Romagna, traçando planos para fortalezas e aconselhando engenheiros locais na melhoria do sistema de defesa, criando mapas para necessidades militares. Porém, já em março de 1503 ele estava novamente em Florença.
No início da primeira década do século XVI. inclui a criação da obra mais famosa de Leonardo da Vinci - o retrato de Mona Lisa - "Gioconda" (Paris, Louvre), uma pintura que não tem igual no número de interpretações e polêmicas que causou. O retrato da esposa do comerciante florentino Francesco del Giocondo combina a incrível concretude da realidade com tal ambigüidade espiritual e generalização do universal que ultrapassa as fronteiras do gênero, deixa de ser um retrato no sentido próprio da palavra. “Esta não é uma mulher misteriosa, é um ser misterioso” (Leonardo. M. Batkin). Já é contraditória a primeira descrição da pintura feita por Vasari, que garante que Leonardo da Vinci trabalhou nela durante quatro anos e não a terminou, mas imediatamente escreve com admiração que o retrato “reproduz todos os mínimos detalhes que a sutileza da pintura pode comunicar."
Leonardo da Vinci. Mona Lisa (La Gioconda), c. 1503-1505
Outra pintura criada por Leonardo da Vinci nesses anos, Madonna com Fuso, é descrita detalhadamente por Pietro da Nuvolario em carta a Isabella Gonzaga datada de 4 de abril de 1503. O vigário relata que o artista a completou para o secretário de Luís XII . O destino da pintura é desconhecido. Um bom exemplar do século XVI dá uma ideia disso. (coleção do Duque de Bucclew na Escócia).
No mesmo período, Leonardo retorna à anatomia, que iniciou em Milão, no prédio do Grande Hospital. Em Florença, médicos e estudantes universitários, com autorização especial do governo, trabalhavam nas instalações da Santa Croce. O tratado de anatomia que o mestre iria compilar não foi implementado.
No outono de 1503, através do gonfalonier permanente Pietro Soderini, Leonardo da Vinci recebeu a encomenda de uma grande obra de pintura - pintando uma das paredes do novo salão - a Sala do Conselho, anexa em 1496 ao Palazzo della Signoria. No dia 24 de outubro, o artista recebeu as chaves da chamada Sala Pontifícia do Mosteiro de Santa Maria Novella, onde iniciou os trabalhos em papelão. Por ordem da Signoria, recebeu um adiantamento de 53 florins de ouro e permissão para receber "de tempos em tempos" pequenas quantias. A data de conclusão foi fevereiro de 1505. O tema do trabalho futuro foi a Batalha de Anghiari (29 de junho de 1440) entre florentinos e milaneses. Em agosto de 1504, Michelangelo recebeu uma encomenda para uma segunda pintura para o Salão do Conselho - A Batalha de Kashin. Ambos os mestres concluíram a obra no prazo e as cartolinas foram expostas ao público na Câmara do Conselho. Eles causaram uma impressão tremenda; os artistas começaram imediatamente a copiá-los, mas foi impossível determinar o vencedor nesta competição única. Ambos os cartões não foram preservados. A parte central da composição de Leonardo da Vinci foi o cenário da batalha pela bandeira. Só dela se pode ter uma ideia na atualidade graças a um desenho de Raphael (Oxford, Christ Church Library), executado por ele em 1505-1506, bem como a uma cópia de Rubens (Paris, Louvre). Porém, não se sabe exatamente por que Rubens, que viveu na Itália em 1600-1608, fez sua cópia. Um biógrafo anônimo de Leonardo da Vinci relata que após a morte do mestre no hospital de Santa Maria Novella, foi possível ver a maior parte do papelão "Batalha de Anghiari", e "o grupo de cavaleiros restantes no palácio" também pertencia a isto. Em 1558 Benvenuto Cellini em sua "Biografia" ele escreve que os cartões estavam pendurados no Salão Papal e, "enquanto estavam intactos, eram uma escola para o mundo inteiro". Disto podemos concluir que na década de 1550 o papelão de Leonardo, pelo menos como um todo, não existia mais.
Leonardo da Vinci. Batalha de Anghiari, 1503-1505 (detalhe)
Contrariando o costume, Leonardo concluiu rapidamente a pintura na parede do Salão do Conselho. Segundo uma fonte anônima, ele trabalhou em um novo solo de sua própria invenção e usou o calor dos braseiros para secá-lo o mais rápido possível. No entanto, a parede secou de maneira irregular, sua parte superior não reteve a tinta e a pintura ficou irremediavelmente danificada. Soderini exigiu a conclusão da obra ou o reembolso. A situação foi temporariamente resolvida com a partida para Milão, a convite do seu vice-rei Charles d'Amboise, o Marquês de Chaumont. O artista celebrou um acordo com a Signoria, pelo qual se comprometeu a regressar dentro de três meses, e em caso de violação da obrigação de pagar uma multa de 150 florins de ouro 1º de junho de 1506 Leonardo da Vinci foi para Milão. Em carta datada de 18 de agosto, Charles d'Amboise pede ao governo florentino que deixe o artista por mais algum tempo à sua disposição. Em carta-resposta (datada de 28 de agosto), foi dado consentimento, mas com a condição de quitação da dívida. Como o dinheiro não foi enviado, Soderini no dia 9 de outubro recorre novamente ao vice-rei exigindo o cumprimento do acordo. Finalmente, em 12 de janeiro de 1507, o embaixador florentino na corte francesa informa aos membros da Signoria que Luís XII deseja deixar Leonardo em Milão antes de sua chegada. Dois dias depois, o próprio rei assinou uma carta com o mesmo conteúdo. Em abril de 1507, Leonardo recuperou seu vinhedo e no início de maio conseguiu pagar 150 florins. O rei chegou a Milão no dia 24 de maio: Leonardo da Vinci participou ativamente na organização de procissões e apresentações nesta ocasião. Graças à intervenção de Louis, no dia 24 de agosto, terminou o longo processo devido à “Madonna in the Rocks”. O quadro ficou à disposição do mestre, mas ele, junto com Ambrogio de Predis (o Evangelista já havia morrido), teve que realizar outro sobre o mesmo tema dentro de dois anos (Londres, National Gallery).
De setembro de 1507 a setembro de 1508, Leonardo da Vinci esteve em Florença: foi necessário litigar por causa da herança. O idoso Ser Piero, pai de Leonardo, morreu em 1504, aos noventa anos, deixando dez filhos e duas filhas.
Santa Ana com Nossa Senhora e o Menino Jesus. Pintura de Leonardo da Vinci, c. 1510
Em Milão, Leonardo da Vinci terminou Santa Ana e executou várias outras pinturas, a mais famosa das quais é João Batista (Paris, Louvre). Atualmente, o Baco ali guardado também é reconhecido como obra de Leonardo.
Leonardo da Vinci. João Batista, 1513-1516
Leda também fazia parte da coleção real francesa. A pintura foi mencionada pela última vez no inventário de Fontainebleau em 1694. Segundo a lenda, foi destruída a pedido de Madame de Maintenon, a última amante de Luís XIV. Uma ideia de sua composição é dada por vários desenhos do mestre e diversas repetições que diferem em detalhes (a melhor é atribuída a Cesare da Sesto e está guardada na Galeria Uffizi).
Além das pinturas, Leonardo da Vinci esteve em Milão projetando um monumento ao marechal Trivulzio, que estava a serviço da França. Acredita-se que um pequeno modelo de bronze da coleção do Museu de Budapeste esteja associado a este projeto. Se sim, então Leonardo da Vinci voltou à ideia de uma composição dinâmica com um cavalo a galope.
Em 1511 tropas Papa JúlioII em aliança com a República de Veneza e a Espanha expulsou os franceses. Durante 1511-1512, Leonardo viveu muito tempo com seu amigo, o nobre Girolamo Melzi, em sua propriedade em Vaprio. O filho de Girolamo, Francesco, tornou-se estudante e admirador apaixonado do idoso mestre. Em 1513, Leão X dos Médici foi eleito para o papado, com seu irmão, Giuliano, que se interessava pela alquimia, Leonardo da Vinci era amigo. 14 de setembro de 1513 Leonardo partiu para Roma. Giuliano atribuiu-lhe um salário e cedeu um local para trabalhar. Em Roma, o mestre elaborou projetos de reforma da casa da moeda papal e de drenagem dos pântanos pônticos. Vasari observou que Leonardo da Vinci executou duas pinturas para o datarius papal (chefe do escritório) Baldassare Turini de Pescia - “Madonna” e a imagem de “um bebê de incrível beleza e graça” (não rastreada).
Em 31 de dezembro de 1514, Luís XII morreu, e Francisco I, que o sucedeu, retomou Milão em setembro de 1515. Acredita-se que Leonardo se encontrou com o rei em Bolonha, onde o papa negociou com ele. Mas, talvez, o artista já o tivesse visto antes - em Pavia, nas comemorações da sua entrada na cidade, e ao mesmo tempo fez o famoso leão mecânico, de cujo baú aberto brotavam lírios. Neste caso, em Bolonha, Leonardo da Vinci estava na comitiva de Francisco, e não de Leão X. Tendo recebido uma oferta para ir ao serviço do rei, o mestre no outono de 1516, juntamente com Francesco Melzi, partiu para França. Os últimos anos da vida de Leonardo da Vinci foram passados no pequeno castelo de Cloux, não muito longe de Amboise. Foi-lhe concedida uma pensão de 700 ecus. Na primavera de 1517, em Amboise, onde o rei gostava de visitar, celebraram o batismo do Delfim e depois o casamento do duque de Urbino, Lorenzo Medici, e da filha do duque de Bourbon. As celebrações foram idealizadas por Leonardo. Além disso, dedicou-se ao desenho de canais e eclusas para a melhoria da zona, elaborou projectos arquitectónicos, nomeadamente o projecto de reconstrução do castelo Romorantin. Talvez as ideias de Leonardo da Vinci tenham servido de base para a construção de Chambord (iniciada em 1519). 18 de outubro de 1516 Leonardo visitou o secretário do cardeal Luís de Aragão. Segundo ele, devido à paralisia da mão direita, o artista “não consegue mais escrever com a ternura de sempre... mas ainda consegue fazer desenhos e ensinar outras pessoas”. Em 23 de abril de 1519, o artista fez um testamento, segundo o qual manuscritos, desenhos e pinturas passaram a ser propriedade de Melzi. O mestre morreu em 2 de maio de 1519, segundo a lenda - nas mãos do rei da França. Melzi transportou os manuscritos de Leonardo da Vinci para a Itália e os guardou até o fim de seus dias em sua propriedade em Vaprio. O já conhecido "Tratado de Pintura", que teve um enorme impacto na arte europeia, foi compilado por Melzi com base nas notas do professor. Cerca de sete mil folhas de manuscritos de Leonardo da Vinci foram preservadas. Suas maiores coleções estão no acervo do Instituto da França em Paris; em Milão, na Biblioteca Ambrosiana (Codex Atlanticus) e no Castello Sforzesco (Codex Trivulzio); em Torino (Código de Voo das Aves); Windsor e Madri. Sua publicação começou no século XIX. e ainda uma das melhores edições críticas dos manuscritos de Leonardo são dois volumes de textos com comentários, publicados por Richter em 1883 (Richter J. P. As obras literárias de Leonardo da Vinci. Londres, 1883. Vol. 1-2). Complementados e comentados por C. Pedretti, foram reimpressos em Los Angeles em 1977.
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Outros cientistas acreditam que a questão está nas peculiaridades do estilo artístico do autor. Supostamente, Leonardo aplicou tinta de uma maneira tão especial que o rosto da Mona Lisa muda constantemente.
Muitos insistem que o artista se retratou de forma feminina na tela, razão pela qual surgiu um efeito tão estranho. Um cientista até encontrou sintomas de idiotice na Mona Lisa, motivando-os com dedos desproporcionais e falta de flexibilidade nas mãos. Mas, segundo o médico britânico Kenneth Keel, o estado de paz de uma mulher grávida é transmitido no retrato.
Há também uma versão de que o artista, supostamente bissexual, pintou seu aluno e assistente Gian Giacomo Caprotti, que esteve ao lado dele por 26 anos. Esta versão é apoiada pelo facto de Leonardo da Vinci lhe ter deixado esta pintura como legado quando morreu em 1519.
Dizem... ...que o grande artista deve a sua morte à modelo Gioconda. Aquelas muitas horas de sessões exaustivas com ela esgotaram o grande mestre, já que a própria modelo acabou por ser uma biovampira. Isso ainda é falado hoje. Assim que o quadro foi pintado, o grande artista desapareceu.
6) Criando o afresco "A Última Ceia" Leonardo da Vinci procurou por muito tempo modelos ideais. Jesus deve encarnar o Bem, e Judas, que decidiu traí-lo nesta refeição, é o Mal.
Leonardo da Vinci interrompeu diversas vezes o trabalho, em busca de assistentes. Certa vez, enquanto ouvia o coral da igreja, viu em um dos jovens coristas a imagem perfeita de Cristo e, convidando-o para seu ateliê, fez dele vários esboços e esboços.
Três anos se passaram. A Última Ceia estava quase concluída, mas Leonardo nunca encontrou um assistente adequado para Judas. O cardeal, encarregado de pintar a catedral, apressou o artista, exigindo que o afresco fosse concluído o mais rápido possível.
E depois de uma longa busca, o artista viu um homem caído na sarjeta - jovem, mas prematuramente decrépito, sujo, bêbado e esfarrapado. Não houve tempo para estudos e Leonardo ordenou a seus assistentes que o entregassem diretamente à catedral. Com grande dificuldade eles o arrastaram até lá e o colocaram de pé. O homem realmente não entendia o que estava acontecendo e onde estava, e Leonardo da Vinci capturou na tela o rosto de um homem atolado em pecados. Ao terminar o trabalho, o mendigo, que já estava um pouco recuperado, aproximou-se da tela e gritou:
Eu já vi essa foto antes!
- Quando? Leonardo ficou surpreso. “Três anos atrás, antes de perder tudo. Naquela época, quando eu cantava no coral, e minha vida era cheia de sonhos, algum artista pintou Cristo de mim...
7) Leonardo tinha o dom da previsão. Em 1494, ele fez uma série de anotações que retratam o mundo futuro, muitas das quais já se tornaram realidade e outras estão se tornando realidade agora.
“As pessoas dos países mais distantes vão conversar entre si e responder umas às outras” - estamos falando aqui, é claro, do telefone.
“As pessoas vão andar e não se mexer, vão falar com quem não está, vão ouvir quem não fala” - televisão, gravação em cassete, reprodução de som.
“Você se verá caindo de grandes alturas sem nenhum dano” - obviamente saltando de paraquedas.
8) Mas Leonardo da Vinci também tem enigmas que confundem os pesquisadores. Talvez você possa descobri-los?
“As pessoas jogarão fora de suas próprias casas os suprimentos que deveriam sustentar suas vidas”.
"A maior parte da raça masculina não terá permissão para procriar, porque seus testículos serão retirados."
Quer saber mais sobre Da Vinci e dar vida às suas ideias?
As pinturas de Leonardo da Vinci são lindas e cheias de mistérios. Eles são levados a um grau de perfeição impensável, porque o mestre trabalhou em cada uma de suas criações durante vários anos.
Nossa lista inclui todos maiores pinturas de Leonardo da Vinci, com fotos, nomes e informações detalhadas sobre cada um deles. A lista não incluía desenhos de invenções, caricaturas, bem como pinturas, em relação às quais os críticos de arte têm dúvidas de que pertençam ao pincel de Leonardo. Também não estão incluídas na seleção cópias de pinturas que não sobreviveram até hoje.
Anos de escrita: 1490.
Onde é: Galeria da Academia, Veneza.
Materiais: papel, caneta, tinta, aquarela.
Dimensões: 34,3 x 24,5 cm.
Se você disser que isto não é uma pintura, mas sim um desenho, terá toda a razão. Na verdade, o Homem Vitruviano é um desenho, uma ilustração feita por Leonardo para o livro do grande arquiteto romano antigo Marcos Vitrúvio e colocada em um de seus diários.
No entanto, este desenho não é menos famoso que as pinturas listadas em nossa lista. É considerada não apenas uma obra de arte, mas também uma obra científica. E demonstra as proporções ideais do corpo humano.
Depois de estudar matemática e geometria, em particular a obra de Vitrúvio, a sede de conhecimento de Leonardo atingiu o seu apogeu. No Homem Vitruviano, ele aplicou a ideia de simetria universal, a proporção áurea, ou “proporção divina” não apenas ao tamanho e forma, mas também ao peso.
- 6 palmas = 1 côvado;
- comprimento da ponta mais longa até a base mais baixa de 4 dedos = 1 palma;
- 4 palmas = 1 pé;
- envergadura = altura;
- 4 palmas = 1 passo;
- 4 côvados ou 24 palmos = a altura de uma pessoa.
Outras pinturas mundialmente famosas de Leonardo da Vinci que incorporam a proporção áurea são Mona Lisa, A Anunciação e A Última Ceia.
Anos de escrita: 1478 — 1480.
Onde é: Alte Pinakothek, Munique.
Materiais: pintura a óleo no quadro.
Dimensões: 42 x 67 cm.
Muitos historiadores da arte atribuem esta obra ao jovem Leonardo, quando ainda era aprendiz na oficina de pintura de Verrocchio. Há uma série de detalhes que sustentam esta versão, como o detalhamento do rosto de Nossa Senhora, o desenho de seus cabelos, a paisagem externa da janela e a luz suave e difusa característica da artista italiana.
Infelizmente, os anos não pouparam a imagem e, devido à restauração inadequada, a superfície da camada de tinta ficou irregular.
Anos de escrita: 1472 — 1476.
Onde é: Uffizi, Florença.
Materiais: pintura a óleo no quadro.
Dimensões: 98 x 217 cm.
Foi com a “Anunciação” que Leonardo da Vinci começou como artista. Esta pintura foi supostamente criada em colaboração com Andrea del Verrocchio, a cuja oficina foi entregue aos 14 anos. A favor da autoria do futuro famoso mestre italiano, fala a incrível precisão anatômica característica de todas as obras de Leonardo, bem como uma série de esboços em diários que chegaram até nossos dias. A favor da autoria de outra pessoa - a natureza dos traços e a composição das cores com que Maria foi escrita; eles contêm chumbo incomum para da Vinci.
Curiosamente, se você olhar para a imagem bem na frente dela, algumas falhas na anatomia serão perceptíveis. Por exemplo, a mão de Maria parece ser um pouco mais longa do que o normal para os habitantes comuns do planeta Terra. Porém, se você for para o lado direito da imagem e olhar a partir daí, a mão de Maria encurta magicamente, ela mesma fica maior e o centro de gravidade da trama é transferido para sua figura - conforme prescrito pela trama. Muito provavelmente, a suposta irregularidade no físico é o resultado de uma ilusão de ótica cuidadosamente projetada: a imagem deveria ficar pendurada em um ângulo em relação ao observador.
Anos de escrita: 1476
Onde é: Uffizi, Florença.
Materiais: pintura a óleo no quadro.
Dimensões: 177 x 151 cm.
E Leonardo escreveu esta obra em colaboração com seu professor. Segundo Giorgio Vasari, que compilou a biografia do artista, Verrocchio instruiu o jovem aprendiz (na época em que escreveu o quadro, Leonardo tinha 24 anos) a pintar a figura de um anjo de cabelos brancos no canto esquerdo do quadro. . O professor ficou tão impressionado com a habilidade do aluno que ele, desgraçado, não pintou mais.
Anos de escrita: 1474 — 1478.
Onde é: Galeria Nacional de Arte, Washington.
Materiais: pintura a óleo no quadro.
Dimensões: 38,8 x 36,7 cm.
A coroa de louros e ramos de palmeira no verso da imagem sugere que ela retrata uma mulher difícil. A primeira coroa indica suas buscas poéticas, e a segunda indica que ela não é estranha à misericórdia e à compaixão. Essa impressão é sustentada pela beleza estrita e um tanto severa da modelo, sua pele pálida de alabastro e suas pálpebras caídas, como se estivesse pensando. Suas atividades intelectuais também são indicadas pela quase completa ausência de joias e roupas enfaticamente modestas. E com razão - a pintura retrata a poetisa Ginevra de Benci.
A forma da imagem (principalmente o sombreamento com os dedos - Leonardo apenas começou a dominar essa técnica, então a camada de tinta fica irregular em alguns lugares) já fala bem da habilidade do criador. A iluminação suave e a paisagem ao fundo são especialmente características, como se estivessem envoltas em uma névoa luminosa.
Anos de escrita: 1479 — 1481.
Onde é: Ermida, São Petersburgo.
Materiais: pintura a óleo sobre tela.
Dimensões: 48 x 31,5 cm.
“Fantasma de uma velha” com “pescoço enrugado”, “corpo inchado” e “sorriso desdentado” - palavras tão pouco lisonjeiras descreveram a imagem por um historiador de arte americano, que foi instruído a estabelecer a autoria dos proprietários - a família Benois. Apesar de todos os epítetos coloridos, ainda o atribuiu como pertencente ao pincel de Leonardo da Vinci - tanto a forma de pintar como a luz suave e difusa inerente ao artista, criando naturalmente o volume de duas figuras, falam a favor disso.
Um dos detalhes simbólicos é uma planta crucífera, sugerindo o destino que aguarda a criança. Porém, nem a mãe nem o bebê sabem disso ainda. Ele brinca descuidadamente e ela olha para ele com um sorriso.
Anos de escrita: 1479 — 1482.
Onde é: Uffizi, Florença.
Materiais: pintura a óleo no quadro.
Dimensões: 246x243.
Uma das pinturas do grande artista, escultor, cientista e engenheiro do Renascimento, infelizmente, ficou inacabada. Leonardo mudou-se para residência em Milão e não voltaria. Felizmente, os clientes mantiveram a pintura inacabada. É notável por sua composição fora do padrão e rico significado simbólico.
Por exemplo, Maria está sentada sob um carvalho, que é um símbolo da eternidade, uma palmeira cresce ao longe - um sinal de Jerusalém, e as ruínas de um templo pagão no horizonte - a destruição da religião pagã, que foi substituído pelo cristianismo.
Anos de escrita: 1480 — 1490.
Onde é: Pinacoteca do Vaticano.
Materiais: pintura a óleo no quadro.
Dimensões: 103 x 75 cm.
Apesar de o quadro permanecer inacabado, causou forte impressão nos contemporâneos. Isto se deve principalmente à incrível precisão anatômica da imagem do corpo humano, pela qual Leonardo era famoso.
Um destino difícil aguardava a foto - depois de algum tempo a obra foi serrada e as tábuas foram utilizadas para os fins mais básicos. Alega-se que um dos amantes da arte encontrou parte do quadro em forma de tampa de baú.
Anos de escrita: 1478 — 1482.
Onde é: Museu Ermida.
Materiais: têmpera, tábua.
Dimensões: 42x33.
A mestria do grande artista italiano manifestou-se, entre outras coisas, nos detalhes que contam uma espécie de história. Por exemplo, o vestido vermelho feminino é equipado com cortes especiais para alimentação, um dos quais é costurado. Aparentemente, ela decidiu que era hora de parar de amamentar. Mas um deles foi rasgado às pressas - pontos e pontas penduradas da linha são visíveis.
Anos de escrita: 1483 - 1490 e 1495 - 1508.
Onde é: Louvre e Galeria Nacional de Londres.
Materiais: pintura a óleo no quadro.
Dimensões: 199 x 122 centímetros
No mundo existem duas obras quase idênticas de Leonardo com o mesmo nome. Um está em Paris e o outro em Londres. A primeira versão de Da Vinci foi encomendada para a porta do altar, e com enredo bem definido. Porém, o artista, aparentemente, considerou que seu talento e habilidade lhe conferem direito a algumas liberdades. Como resultado, eram tantos que os clientes se recusaram a pagar pela obra. Começou um processo de longo prazo, que, no entanto, terminou com relativa sucesso. A segunda versão começou a ficar pendurada na igreja, e a primeira desapareceu dos radares da crítica de arte por cerca de cento e cinquenta anos, até ser encontrada no tesouro dos reis franceses.
Como muitas outras pinturas de Leonardo, esta está repleta de mensagens criptografadas. O ciclâmen ao lado de Jesus simboliza o amor, a prímula - a virtude, o acanto - a ressurreição vindoura e a erva de São João - o sangue derramado pelos mártires cristãos. Foi esta imagem que o autor do sensacional “O Código Da Vinci” tentou usar como ilustração das suas construções, onde afirmou que na verdade o significado da trama tradicional é completamente diferente.
Anos de escrita: 1485 — 1487.
Onde é: Biblioteca Ambrosiana, Milão.
Materiais: pintura a óleo no quadro.
Dimensões: 43x31.
O único retrato de um homem entre as famosas pinturas de Da Vinci. Inicialmente, os historiadores da arte acreditavam que a pintura representava o próprio duque de Milão, patrono e amigo de Leonardo da Vinci (na medida em que uma pessoa que ocupa tal posição social pode ser amiga de outra pessoa). Até que posteriormente foi descoberto que o jovem segurava um pergaminho nas mãos, começando com as palavras “canção angelical”. Por isso, a pintura foi renomeada como "Retrato de um Músico". E vários críticos de arte fazem uma suposição ousada de que este é o próprio Leonardo, porque a música também fazia parte de sua esfera de interesses.
Anos de escrita: 1488 — 1490.
Onde é: Museu Czartoryski, Cracóvia.
Materiais: pintura a óleo no quadro.
Dimensões: 54,8 x 40,3 cm.
Embora a autoria do brilhante artista italiano tenha sido por vezes questionada, neste momento os críticos de arte concordaram: esta é uma das melhores pinturas de Leonardo da Vinci, senão a mais perfeita do ponto de vista pitoresco. Acredita-se que a artista, que adorava enigmas e cifras, criptografou seu nome na imagem de um animal branco nas mãos da modelo. Em latim, a família dos mustelídeos é chamada de gale, e o nome da menina é Caecilia Gallerani.
A pele branca como a neve de um arminho (e o retrato provavelmente a retrata) é um desafio ousado ao status um tanto duvidoso da mulher mantida pelo duque de Milão. Segundo a crença popular, esse animal valoriza tanto seu pelo branco imaculado que está pronto para morrer em vez de manchá-lo com sujeira.
Anos de escrita: 1495 — 1498.
Onde é: Igreja de Santa Maria delle Grazie, Milão.
Materiais: fresco.
Dimensões: 460x880cm.
Uma das pinturas mais famosas de Leonardo da Vinci, na verdade, não é uma delas. Esta é uma espécie de maior e mais malsucedida experiência do grande cientista italiano. No final do século XV, o duque de Milão ordenou ao famoso artista que pintasse a parede do mosteiro por um valor que hoje equivaleria a 700 mil dólares.
Supunha-se que o artista, como muitos antes dele, pintaria sobre gesso úmido - após o polimento final, essa pintura seria forte e durável. Porém, o afresco impõe suas próprias limitações - além da forma específica de aplicação das tintas (é necessário escrever imediatamente e em branco, outras correções são impossíveis), apenas alguns pigmentos são adequados para ele. E então seu brilho diminui, “comido” por uma superfície bem absorvente.
Para Leonardo, cético em relação às autoridades, que fazia tudo sozinho e, aparentemente, orgulhoso dessa circunstância, tais restrições eram insuportáveis. Com uma verdadeira abrangência renascentista, decidiu descartar o legado do passado e retrabalhar todo o processo – desde a composição do gesso até às tintas utilizadas. O resultado era previsível. A camada de tinta do afresco começou a ruir duas décadas após o término da obra. Além de soluções técnicas malsucedidas, o quadro também sofreu com o tempo.
Primeiro, os habitantes do mosteiro decidiram serrar as pernas de Cristo, fazendo uma porta neste local, e depois pintores sem talento, tentando renovar a pintura, distorceram impiedosamente o seu enredo (por exemplo, a mão de um dos apóstolos transformou-se em . .. um pão). O prédio foi inundado, depois foi feito um palheiro e uma bomba atingiu o templo na Segunda Guerra Mundial. Felizmente, o afresco não foi danificado. Não é de surpreender que apenas 20% da pintura original tenha sobrevivido até nossos dias.
É interessante que foi essa imagem em ruínas e de vez em quando tingida que durante muitos anos foi a pintura mais famosa de da Vinci - mas o que está aí, a única disponível para um simples observador. O resto foi todo mantido pelos ricos deste mundo. O status quo só mudou com a transferência da Mona Lisa do quarto de Napoleão para o Louvre.
Dos outros dois afrescos criados por da Vinci, apenas fragmentos sobreviveram até hoje.
Anos de escrita: 1493 — 1497.
Onde é: Louvre, Paris.
Materiais: pintura a óleo no quadro.
Dimensões: 62 x 44 cm.
Uma lenda interessante está ligada a uma das pinturas mais famosas de Leonardo da Vinci. Quando a pintura chegou à França, um dos proprietários fez nela uma inscrição - "ferroniera". Esta palavra misteriosa (assim como a beleza indiscutível de uma mulher) despertou durante muitos anos a imaginação de pessoas próximas da arte.
O galante “historiador do amor”, Guy Breton, que já viveu no nosso tempo, compôs toda uma história. Supostamente, a bela sem nome era amante de Francisco I, e ela começou a usar suas joias para esconder o hematoma recebido durante a noite com o rei.
Muito provavelmente, a pintura de Leonardo da Vinci intitulada "A Bela Ferroniera" retrata Lucrezia Crivelli. Ela foi uma das amantes do patrono de Leonardo, o duque de Milão. E o nome vem da decoração de sua testa - ferroniere.
Anos de escrita: 1500 — 1505.
Onde é: Galeria Nacional, Parma.
Materiais: pintura a óleo no quadro.
Dimensões: 24,6 x 21 cm.
A imagem inacabada de uma jovem com penteado descuidado (daí o outro nome da pintura - La Scapigliata, desgrenhada) é escrita de maneira semelhante a outras obras inacabadas - com tintas a óleo com pequena adição de pigmento. Os críticos de arte, porém, acreditam que o contraste entre os cabelos mal delineados e o rosto soberbamente executado fazia parte dos planos do artista.
Provavelmente, Leonardo se inspirou em uma passagem do antigo escritor Plínio, o Velho, popular durante a Renascença. Ele disse que o grande artista Apeles deixou deliberadamente inacabada sua última imagem da Vênus de Cossus, e que os admiradores o admiravam mais do que suas outras obras.
Anos de escrita: 1501 — 1517.
Onde é: Louvre, Paris.
Materiais: pintura a óleo no quadro.
Dimensões: 168 x 112 cm.
Os contemporâneos apreciaram profundamente a vivacidade e naturalidade das expressões faciais de todos os três participantes da cena - especialmente o misterioso meio sorriso característico de Leonard, com o qual Anna olha para a filha e o neto.
2. Mona Lisa (La Gioconda)
Anos de escrita: 1502 — 1516.
Onde é: Louvre, Paris.
Materiais: pintura a óleo no quadro.
Dimensões: 76,8x53.
Talvez seja difícil encontrar uma pessoa no globo que não conheça a Gioconda. Esta é certamente a obra mais famosa do talentoso italiano. Muitos mistérios e mistérios desta pintura de Leonardo da Vinci não foram resolvidos até agora:
“Mona Lisa” teve um significado especial na vida do artista - não é segredo que às vezes, levado por algo novo, ele voltava com relutância à obra interrompida. Porém, trabalhou na Gioconda com paixão e entusiasmo. Por que?
Não está claro exatamente quem está representado no retrato. Foi a esposa do comerciante del Giocondo? Ou a mesma mulher que posou para A Dama com o Arminho? Existe até uma versão de que Salai, um dos aprendizes do artista, retratado por ele em pelo menos mais duas pinturas, serviu de modelo para Mona Lisa.
Qual era originalmente a cor do vestido da Gioconda? Aparentemente, Leonardo experimentou novamente com tintas, e novamente sem sucesso, então nada restou da cor original das mangas. Os contemporâneos, aliás, admiraram o colorido luxuoso do quadro.
E, por fim, um meio sorriso misterioso - ela sorri mesmo ou é apenas uma ilusão habilmente criada pela artista devido às sombras nos cantos dos lábios?
Anos de escrita: 1508 — 1516.
Onde é: Louvre, Paris.
Materiais: pintura a óleo no quadro.
Dimensões: 69x57cm.
Última pintura do artista, que supostamente retrata Salai, um dos aprendizes do artista, que, por motivos desconhecidos, gozou da disposição especial de Leonardo. O mestre perdoou muito o discípulo. Até o roubo de dinheiro para uma capa comprada antecipadamente, na qual Salai estava vestido para "Baco" - pintura que sobreviveu até hoje apenas em forma de cópia. Um rosto mimado, cachos cuidadosamente enrolados e um meio sorriso particularmente imodesto suscitavam certas dúvidas sobre a natureza da relação entre mestre e aprendiz.
No entanto, é difícil entender alguma coisa nos diários do artista - após alegações de sodomia em tenra idade, ele evitou cuidadosamente mencionar sua vida pessoal em qualquer lugar. Pelo testamento, ele deixou seu patrimônio e dinheiro, aliás, para Leonardo, para o mesmo Salai e mais um de seus assistentes.
Autorretrato de Turim por Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci - autorretrato de Turim
Anos de escrita: depois de 1512.
Onde é: Biblioteca Real, Torino.
Materiais: sanguíneo, papel.
Dimensões: 33,3 x 21,6 cm.
É considerado um autorretrato do artista, desenhado aos 60 anos. O retrato é feito com bastão para desenho de caulim e óxidos de ferro, por isso a pintura tem tonalidade amarelada. Atualmente não exibido devido à fragilidade.
Ainda há polêmica em torno da autoria da obra popular, apesar de o sombreamento ir da esquerda para a direita, como era habitual em Leonardo, mas alguns historiadores da arte consideram-na uma farsa. Segundo alguns relatos, durante a fotografia de raios X, foi encontrada uma pintura sob a imagem de um velho, provavelmente datada do século XVII.
A pintura mais cara de Leonardo da Vinci em uma coleção particular: O Salvador do Mundo
Preço:$400 000 000
Anos de escrita: 1499 — 1507.
Onde é: coleção privada.
Materiais: pintura a óleo no quadro.
Dimensões: 66 x 47 cm.
Em um leilão da Christie's em novembro de 2017, a pintura arrecadou impressionantes US$ 400 milhões. Agora está guardado na coleção particular de um dos príncipes sauditas e poderá ser exposto na filial do Louvre neste país.
