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Artistas europeus começaram a usar tinta a óleo no século XV e, desde então, ela tem sido usada para criar as pinturas mais famosas de todos os tempos. Mas nestes tempos de alta tecnologia, o petróleo ainda mantém o seu encanto e mistério, e os artistas continuam a inventar novas técnicas, destruindo o molde e ultrapassando os limites da arte moderna.
local na rede Internet escolheu obras que nos encantaram e nos fizeram lembrar que a beleza pode nascer em qualquer época.
Dona de uma habilidade incrível, a artista polonesa Justyna Kopania, em suas obras expressivas e abrangentes, conseguiu preservar a transparência do nevoeiro, a leveza da vela e o balanço suave do navio nas ondas.
Suas pinturas surpreendem pela profundidade, volume, riqueza e a textura é tal que é impossível tirar os olhos delas.
Artista primitivista de Minsk Valentin Gubarev não persegue a fama e apenas faz o que ama. Seu trabalho é incrivelmente popular no exterior, mas quase desconhecido de seus compatriotas. Em meados dos anos 90, o francês se apaixonou por seus esboços do cotidiano e assinou contrato com o artista por 16 anos. As pinturas, que, ao que parece, só deveriam ser compreensíveis para nós, portadores do “modesto charme do socialismo subdesenvolvido”, apelaram ao público europeu, e as exposições começaram na Suíça, Alemanha, Grã-Bretanha e outros países.
Na era moderna das imagens de alta resolução e da ascensão do hiperrealismo, o trabalho de Philip Barlow atrai imediatamente a atenção. Porém, é necessário um certo esforço do espectador para se obrigar a olhar as silhuetas borradas e os pontos brilhantes nas telas do autor. Provavelmente é assim que as pessoas que sofrem de miopia veem o mundo sem óculos e lentes de contato.
O artista americano Jeremy Mann pinta retratos dinâmicos de uma metrópole moderna em óleo sobre painéis de madeira. “Formas abstratas, linhas, o contraste de pontos claros e escuros - tudo cria uma imagem que evoca a sensação que uma pessoa experimenta na multidão e na agitação da cidade, mas também pode expressar a calma que se encontra ao contemplar a beleza tranquila,” diz o artista.
Nas pinturas do artista britânico Neil Simone nada é o que parece à primeira vista. “Para mim, o mundo ao meu redor é uma série de formas, sombras e limites frágeis e em constante mudança”, diz Simon. E em suas pinturas tudo é verdadeiramente ilusório e interligado. Os limites são confusos e as histórias fluem umas nas outras.
Italiano de nascimento, o artista americano contemporâneo Joseph Lorusso transfere para a tela temas que observou na vida cotidiana das pessoas comuns. Abraços e beijos, explosões apaixonadas, momentos de ternura e desejo preenchem seus quadros emocionantes.
Em primeiro lugar, difere nas cores que os artistas modernos usam. É improvável que usem cristais, que têm sido amplamente utilizados por todos os artistas desde o Renascimento. Mesmo assim, a natureza nas obras dos pintores paisagistas modernos ainda é igualmente bela. A paisagem moderna difere de seus antecessores por uma expressão mais vívida de sentimentos, humores e pensamentos. Na maioria das vezes, os artistas modernos pintados, assim como seus antecessores, utilizam esse material para que o resultado agrade ao espectador por mais tempo.
Artista Yuri Obukhovsky
A romântica paisagem da “Costa Bravo” (“marina”) está repleta de artista. Na verdade, esta é a costa “selvagem” da Espanha, com pouco menos de duzentos km de extensão.
A pintura mostra uma baía estreita com uma costa rochosa. O azul do calmo Mar Mediterrâneo compete com o azul do céu, como se tivesse desbotado pelo sol forte. Nuvens brancas como a neve, enfatizando seu azul, ecoam os veleiros triangulares brancos no mar, as ondas batendo nas rochas com espuma branca. O azul do mar é heterogêneo. Perto do observador, ele clareia ligeiramente, enquanto ao longe torna-se um azul rico, como se estivesse preenchido com o poder do imprevisível elemento água. A imagem é tão cheia de romantismo que não deixa o espectador indiferente. As rochas que emolduram a baía são visíveis em tons lilases claros ao longe e brilham com ouro de perto. Foram dourados em diferentes tonalidades pelo sol forte, que não é visível ao observador, mas seus raios quentes são sentidos em tudo. Em nosso clima cinzento, é bom ver ricos tons de azul e dourado, e é uma alegria ter em casa uma foto que em qualquer época do ano falará do verão brilhando com todas as cores. Essa foto fica boa não só em casa, mas também no escritório, quando você pode desviar o olhar do computador e transferi-lo para o mar vivo e calmo.
O artista não se limita a um gênero marinho. Ele está interessado em tudo: nas paisagens de Moscou, da Carélia e da Crimeia. Cantos maravilhosos de Moscou aparecem diante do espectador nas paisagens “Primavera nos Patriarcas” e “Pátio no Boulevard Tverskoy”, que redescobrem o que nos é familiar. Estas pinturas a óleo evocam admiração constante. Os artistas modernos veem e refletem em suas pinturas um mundo diversificado e encantador.
Artista Kandybin
O pintor deu seu amor à paisagem da Rússia. Suas telas retratam rios estreitos, transparentes e limpos, com margens cobertas de grama verde. Pontes e barcos mostram que em algum lugar próximo as pessoas vivem com tanta beleza. Árvores poderosas, descendo das encostas, aproximam-se das margens, refletidas na superfície tranquila da água. Em uma das telas há uma igreja de cinco cúpulas com uma torre sineira branca, e nenúfares brancos florescem ao longo da costa.
As pinturas a óleo de artistas contemporâneos (paisagens) são realistas. Todas as telas de Kandybin estão cheias de paz. E só os pontos do trilho nos dizem que aqui vivem e trabalham pessoas que cuidam do mundo que as rodeia. Na paisagem do início do outono, quando a grama ao longo do rio ainda está verde, como toda a floresta ainda está verde, destaca-se um bordo laranja-dourado brilhante, que pressentiu a aproximação dos dias de outono. Vários arbustos vermelho-vinho ao longo do rio também são sinais do outono. O olhar do artista pára com amor na paisagem de inverno. As silhuetas nítidas de velhas árvores ramificadas são especialmente bonitas contra o fundo de neve. E as bétulas de tronco branco brilham prateadas ao lado dos pinheiros e abetos verdes.
Paisagens de Alexey Savchenko
O experiente pintor paisagista, que completou quarenta anos em 2015, não se cansa de admirar a mudança das estações. Ele é membro da União Criativa de Artistas da Rússia. Aldeias abandonadas e meio esquecidas ganham vida em suas telas. Quase a mesma paisagem, pintada no verão e no outono, transmite um clima diferente, mas alegremente pensativo devido ao seu colorido. A estrada rural fica seca no verão, mas no outono seus sulcos ficam roxos escuros e lamacentos devido às chuvas frequentes.
Artista Homenageado da Federação Russa Alexander Afonin
Nascido em Kursk e começando a desenhar aos 12 anos, foi educado na Escola de Arte de Zheleznogorsk, que considera uma das melhores da Rússia. O artista pinta todas as paisagens da natureza, sem copiar fotografias. E o resultado está diante de nós, a natureza russa viva em todo o seu charme e poesia discretos. (pinturas de artistas contemporâneos em particular) são repletas de alta estética. E as obras do Afonin são muito românticas.
Em uma das pinturas, uma pequena ilha verde com uma igrejinha no centro se abre diante do observador. E ao redor, na neblina, o lago e o enorme céu sem fim se fundem. O pintor encontrou um cantinho lindo e isolado e mostrou para quem, por algum motivo, não consegue sair de casa. O olhar do artista revela-nos um vasto mundo desconhecido.
Viktor Bykov descobre a beleza da floresta
O pintor ficou fascinado pelos matagais e orlas da floresta, que os citadinos não visitam com a frequência que gostariam. Os raios do sol, refratando e brincando com as cores, penetram em suas telas. Eles mudam a iluminação sombria habitual da floresta. Torna-se simplesmente mágico.
E a floresta de inverno, curvada sob o peso da neve que acaba de passar, parece inexpugnável, mas ainda convida você a percorrer os profundos montes de neve e sacudir a neve dos galhos caídos, banhando todos os seus companheiros com ela. A manhã da pintura é ensolarada e a colore em tons lilases rosados.
Sergei Peredereev
Ele é membro do Sindicato dos Artistas da Federação Russa. Suas obras estão repletas de admiração constante pelo nosso mundo material. Ele não se relaciona com a natureza como Bazarov, que disse que a natureza não é um templo, mas uma oficina. Não, este é um templo que deve ser apreciado e amado, porque os recursos da natureza não são infinitos. Precisa de pinturas a óleo. Os artistas modernos admiram não apenas campos, florestas e matas. Às vezes, uma pequena aldeia, talvez uma antiga cidade, situada no topo de uma colina pode ser muito interessante. A imagem mostra seus arredores e então começa a floresta. (pinturas) de artistas contemporâneos afastam o espectador do mundo urbano, dos enormes prédios de apartamentos, do fluxo de carros, para recantos tranquilos onde tudo é cheio de harmonia.
Muitas pessoas pintam pinturas a óleo. Os artistas contemporâneos muitas vezes os enchem de silêncio e calma. As pessoas em pequenas aldeias vivem lentamente, tentando apenas plantar, regar, remover ervas daninhas, colher e preparar-se para o inverno a tempo. E quando saem para a varanda pela manhã, inspiram profundamente o ar puro repleto de aromas de ervas e flores.
Olhando para os paisagistas contemporâneos, você vê que em que a representação precisa da natureza é importante, que tem origem no século XIX, o trabalho dos artistas modernos continua. Se os artistas anteriores não se propunham apenas a objetivos de gênero, mas para muitos era importante mostrar a opressão do povo, agora a habilidade indiscutível resulta em pinturas a óleo sobre tela de artistas contemporâneos, que ganham vida nas telas e não deixam o espectador indiferente.
Muitas pessoas têm uma atitude bastante contraditória em relação à arte contemporânea, por isso tudo o que é criado depois do século XIX causa um certo ceticismo - a maioria ainda gravita em torno de formas mais clássicas do que o “Quadrado Negro” de Malevich e instalações complexas. No entanto, a pintura a óleo moderna nem sempre é tinta derramada na tela; pode herdar as tradições da pintura académica e, ao mesmo tempo, manter a atmosfera do século XXI.
Pintura a óleo moderna
Entre o grande número de artistas contemporâneos, existem muitos autores verdadeiramente talentosos que pintam pinturas a óleo, cujas pinturas encantam até os críticos mais severos. Selecionamos dez nomes notáveis cujas obras não devem deixar o espectador indiferente.
Valentin Gubarev
Valentin Gubarev é um artista com uma personalidade forte e uma visão de mundo incomum.
Paradoxalmente, escolhe os temas, enredos e imagens das suas obras de uma forma bastante banal, a partir da vida quotidiana. Não parecem obras-primas da pintura russa, mas cativam pela sua encantadora simplicidade.
A força dessas pinturas está no fato de que depois de ver todos os temas pintados a óleo nelas, elas parecem velhos conhecidos, caras do nosso quintal. assim pintura a óleo você pode olhar para ele indefinidamente, penetrando neste mundo estranho, mas muito curioso.
Os personagens das pinturas de Gubarev são familiares a todos: somos nós ou os nossos vizinhos, mas, em geral, esta é a nossa sociedade passada e presente, vista através das lentes do humor saudável, de alguma ironia, da nostalgia dos momentos divertidos.
Jeremy Mann
Em seu trabalho criativo, Mann se esforça para retratar sua cidade, São Francisco, e imbuir essas pinturas de drama, humor e caráter.
Traz uma atmosfera e dinâmica únicas ao entorno da cidade. Muitas das obras do artista são inspiradas na chuva e no pavimento molhado refletindo as luzes da rua e os letreiros de néon.
Mann pinta suas pinturas a óleo sobre painéis de madeira usando diversas técnicas: tingir as superfícies com manchas, apagar a tinta com solvente, aplicar pinceladas amplas de tinta na tela e sempre dotar sua pintura de tonalidades harmoniosas e coloridas.
Gerhard Gluck
O cartunista Gerhard Gluck é talvez o satirista de classe média mais brilhante e habilidoso da Alemanha. O estilo do artista já se tornou reconhecível - as caricaturas e outras obras de Gluck são conhecidas em toda a Alemanha e além. Seus personagens são europeus atarracados, com rostos sem queixo pronunciado. Todos eles são retratados em histórias de suas vidas diárias.
“Esta foi a primeira vez que os Brochards encomendaram algo online.”
"Gioconda do dia a dia"
Antes de se tornar artista, Gluck trabalhou como professor de arte em uma escola. Um dia, um de seus amigos sugeriu que ele enviasse esboços para alguns jornais. Com isso, Gluck recebeu resposta positiva de um deles, largou o emprego na escola e continuou suas atividades exclusivamente como cartunista.
“André adoraria alimentar os peixes, mas tinha medo das consequências.”
Embora todas as caricaturas de Gluck revelem vários aspectos da natureza humana, e às vezes não os mais positivos, esta divertida pintura a óleo não pode ser chamada de má.
Laurent Parselier
O talento óbvio de Laurent Parselier ficou evidente durante os seus estudos na Escola de Arte, após a publicação de vários dos seus álbuns de arte sob o título "Strange World".
Sua popularidade começou a se espalhar ainda mais quando ele ganhou um concurso de pintura de rua. Os fãs se apaixonaram por ele por seu estilo único e maneira descontraída de pintar a óleo.
As obras de Laurent combinam composições complexas de cores e enormes quantidades de luz. Parselier prefere pintar suas pinturas de forma realista, pois assim, segundo ele, todos podem adivinhar que tipo de lugar está retratado na imagem.
Kevin Sloan
Kevin Sloan é um artista americano cuja pintura a óleo pode ser chamada de realismo moderno. O próprio Kevin explica isso como uma realidade com uma pegadinha.
As pinturas do artista irão realmente levá-lo a outro mundo mágico. O autor adora usar simbolismo, metáforas poéticas e alegorias em suas pinturas, tentando transmitir as maravilhas do mundo natural e sua abundância.
O artista pinta a óleo desde o ensino médio e, 37 anos depois, continua sendo sua principal paixão.
A coisa favorita de Kevin é desenhar animais. Como ele diz, dão-lhe mais liberdade de escolha sobre quem e como pintar do que no caso das pessoas, e permitem-lhe concentrar-se melhor na história que está a colocar na base do quadro.
Richard Estes
Inicialmente, Estes se interessou pela pintura acadêmica tradicional, mas depois começou a pintar no gênero do fotorrealismo, pois sempre quis aprender a retratar a realidade na tela da forma mais completa possível. Porém, nas pinturas do artista, a realidade aparece idealizada, juntamente com formas perfeitas, linhas claras e composição precisa.
O tema preferido de Estes eram paisagens urbanas, ao vê-las começa a duvidar se se trata realmente de uma pintura e não de uma fotografia.
As pinturas modernas deste gênero tornaram-se muito populares entre os conhecedores da pintura do século XXI.
Pintura a óleo: paisagens e naturezas mortas
Na pintura moderna, além dos retratos, gêneros como paisagem e natureza morta são especialmente populares. Convidamos você a prestar atenção aos seguintes nomes de artistas contemporâneos que criam pinturas a óleo nesses gêneros.
Dmitry Annenkov
Dmitry Annenkov parece ser capaz de desenhar qualquer assunto de tal forma que o próprio espectador o veja com olhos diferentes. Nem um único detalhe está escondido do olhar atento deste artista russo.
Muitas vezes pinta os objetos mais simples e banais, do cotidiano e antigos, dando a cada um deles um caráter único - como se uma alma aparecesse neles. Ao mesmo tempo, eles parecem tão vivos e realistas que você quer alcançá-los e tirá-los de cena. Dmitry é um verdadeiro mestre de um gênero de pintura como a natureza morta.
Agora Dmitry está colaborando com diversas galerias ao redor do mundo, inclusive de países como EUA, Noruega e França.
Justina Kopanya
Um artista polonês que pinta pinturas a óleo impressionantes em volume e profundidade, tudo graças a uma técnica especial e original.
Apesar do caráter abrangente e expressivo das obras, as paisagens marítimas não perdem a transparência da água e a leveza das velas, e até vice-versa - atraem pela sua textura volumosa, que se quer sentir ao toque.
Justina diz que o objetivo principal de suas pinturas é transmitir atmosfera e não realismo, e pede que suas pinturas a óleo sejam percebidas como fragmentos de memórias.
Apesar de várias paisagens dominarem significativamente entre as suas obras, ela considera as pessoas a sua principal inspiração.
Xing-Yao Tsen
Este jovem artista, originário de Taiwan, começou a desenhar aos dez anos de idade. Agora com vinte e nove anos e com um estilo próprio, as pinturas de Xing-Yao Tsen são reconhecidas tanto pelas principais revistas de arte como pelas conceituadas galerias de arte.
O artista pinta com mais frequência paisagens urbanas de São Francisco, onde se formou na Academia de Artes com bacharelado.
Ele executa seus trabalhos a óleo de uma maneira “flutuante” única - alguns acreditam que devido a essa técnica seus trabalhos a óleo podem ser confundidos com aquarelas. A melhor época para criar paisagens de Xing-Yao Tsen considera o pôr do sol e o amanhecer.
Pedro Campos
Outro fã do fotorrealismo é Pedro Campos, artista espanhol madrilenho. Esta pintura a óleo pode ser facilmente confundida com fotografia, mas quem diria! De uma forma ou de outra, as pinturas de Pedro levam o espectador a um deleite indescritível.
Na pintura de diferentes gêneros - natureza morta, paisagem, retrato - a composição consiste em planos diferentes. Mesmo que seja um simples retrato, mesmo assim a imagem será composta por pelo menos dois planos - o fundo e a figura humana. Mas se falamos de planos espaciais numa paisagem, então é preciso dizer que muito depende deles, porque uma paisagem é, antes de mais nada, espaço. Mesmo que este seja um matagal, diferentes planos também serão visíveis nele - troncos de árvores na frente, atrás, ao longe, etc. Portanto, nesta aula de pintura discutiremos os meios pelos quais os planos espaciais podem ser transmitidos em um paisagem. Vou pintar bétulas na margem do lago. Técnica: pintura a óleo. Usando este trabalho como exemplo, você pode ver quais técnicas os artistas usam para transmitir o espaço. Então, vamos começar.
1. Divisão em planos.
Dividimos a vista representada em planos condicionais: primeiro, segundo, terceiro... por exemplo, as árvores na frente são o primeiro plano. A clareira mais distante é a segunda. Uma faixa de floresta próxima ao horizonte é a terceira, etc. O número de planos espaciais pode ser arbitrário. No entanto, você não deve fazer muitos deles.
2. Perspectiva linear.
De acordo com as leis da perspectiva linear, todos os objetos diminuem de tamanho à medida que se afastam. Isso significa que os troncos das bétulas em primeiro plano serão maiores do que os troncos das mesmas bétulas, mas em segundo plano. No terceiro plano, toda a multidão de árvores se funde numa faixa de floresta: as árvores individuais são generalizadas numa única massa de floresta.
As folhas individuais das árvores em primeiro plano são mais visíveis do que a folhagem no fundo. Nas árvores localizadas na frente você pode até escrever folhas individuais. Mas não se deve se deixar levar por esse detalhamento, pois visualmente todas as folhas estão agrupadas em grupos, mesmo em primeiro plano. Mas à distância tal generalização se manifestará com mais força e quanto mais longe for, mais ainda. Portanto, generalizo com ousadia o verde das bétulas ao fundo e escrevo através de manchas.
3. Perspectiva aérea.
À medida que se afastam do observador, os objetos da paisagem não apenas diminuem de tamanho, mas também se tornam menos nítidos e menos contrastantes. Isso é chamado de perspectiva aérea. Existe uma massa de ar entre o observador e o objeto distante. Muda a aparência de um objeto. As silhuetas parecem ficar mais turvas. A uma distância de 30 metros não é muito perceptível. Mas a uma distância de 3 a 5 quilômetros, esse efeito mergulha tanto os objetos no ar que eles podem desaparecer como se estivessem em neblina. A perspectiva aérea torna as silhuetas escuras um pouco mais claras e as silhuetas claras um pouco mais escuras. É melhor lembrar esse padrão, pois ao trabalhar em paisagens você tem que encontrá-lo constantemente. E, claro, em climas diferentes esse fenômeno se manifesta de maneira diferente. Num dia claro e ensolarado e num dia úmido e nublado, a vista será diferente. Mas a perspectiva aérea será perceptível em ambos os casos, apenas com intensidades diferentes.
Além das leis físicas da natureza, o efeito acima mencionado também é necessário por razões artísticas. Para aproximar os objetos, eles ficam mais contrastantes, com cores saturadas e mais claros. Para “afundar” as silhuetas, para torná-las menos perceptíveis, os artistas retiram a clareza dos contornos, reduzem o contraste das silhuetas e reduzem a saturação da cor. Por exemplo, o verde da grama, à medida que avança em direção ao horizonte, será menos “suculento”. As silhuetas das árvores são menos contrastantes e os seus contornos são mais desfocados e indistintos.
4. Técnicas de pintura a óleo na transmissão da perspectiva linear e aérea.
Este é um tema muito interessante. Para criar a ilusão de realidade, incluindo a ilusão de espaço, os artistas usam uma variedade de métodos. Não há clichês aqui, porque cada autor pode criar intuitivamente sua própria técnica de performance. Portanto, é melhor evitar clichês aqui. Mas algumas soluções técnicas tornaram-se tão difundidas que adquiriram o estatuto de soluções tradicionais.
- Por exemplo, para aproximar o tronco de uma bétula do primeiro plano, pinto com grandes pinceladas de tinta. Essa “rugosidade” de execução torna a superfície da casca mais material, “tangível”. Parece que estamos vendo o objeto detalhadamente, como se ele estivesse próximo, bem na nossa frente. É uma ilusão. E é com a ajuda da ilusão que se cria o efeito de realidade na pintura. Para este estilo de escrita, você pode usar uma espátula. Com a sua ajuda, a camada de tinta ganha relevo, o que confere adicionalmente materialidade à superfície representada. O relevo da tinta também pode ser conseguido com pincel, o principal é que a tinta seja pastosa e em quantidade suficientemente grande.
- Para fazer com que os objetos de fundo “se distanciem”, nós os generalizamos. E, portanto, o estilo de escrita será mais suave, talvez até mais embaçado. Ou seja, ao longe podemos evitar detalhes e a camada de tinta ficará mais lisa e menos proeminente. Isto pode ser conseguido esfregando a massa de tinta com um pincel e menos aplicando a tinta em pinceladas claras.
- A terceira técnica diz respeito à transparência e opacidade da camada de tinta. O fato é que quando o branco é adicionado a uma cor, ela fica, por assim dizer, “branqueada”, ou seja, a cor perde a saturação e adquire um “esfumado”. E como a perspectiva aérea é a imersão da silhueta na névoa do ar, o uso do branco nas misturas de tintas é incentivado. Ou seja, no primeiro plano é melhor combinar camadas translúcidas de tinta com impasto, e no fundo é melhor usar camadas mais opacas com adição de branco.
- A quarta técnica diz respeito à elaboração de detalhes e generalização. Eu escrevi sobre isso acima. Mas como escrever tecnicamente os detalhes do primeiro plano e generalizar os objetos dos planos distantes? Em primeiro lugar, usando diferentes tamanhos de pincel. Com um pincel grande é conveniente escrever de forma ampla e generalizar. E com pincéis pequenos é mais conveniente pintar pequenos detalhes. Em segundo lugar, você pode combinar o trabalho com a borda de um pincel chato e seu plano. No primeiro caso, os traços ficam “nítidos” e claros, podendo ser usados para escrever detalhes dos primeiros planos. No segundo caso, o amplo plano do pincel permite aplicar a tinta “de forma ampla e ousada”, além de generalizá-la esfregando a tinta. Ou seja, o pincel pode, por assim dizer, “deslizar” ao longo da camada de tinta, esfregando e generalizando contornos desnecessários. Terceiro, você pode usar a ponta de uma espátula ou sua borda para escrever detalhes finos com nitidez e clareza. O plano da lâmina da espátula, ao contrário, espalha amplamente a tinta. Também pode ser usado para generalizar, lubrificar e esfregar. Portanto, girando com maestria a espátula, os artistas conseguem efeitos muito interessantes. Por exemplo, alternando linhas claras e nítidas com pontos largos e desfocados.
5. Aplicação da teoria na prática. Progresso passo a passo do trabalho na tela “Bétulas no Lago”.
Neste exemplo, você pode ver claramente como implementar a teoria acima na prática. Este trabalho não deve ser percebido como um modelo. Cada artista tem seu estilo, suas soluções criativas. Finalmente, existem exceções para todas as regras. Portanto, os padrões descritos neste artigo devem ser levados em consideração com sabedoria em seu trabalho, contando com a intuição, uma ideia criativa e uma compreensão da essência.
1) Então, como sempre, faço um desenho aproximado fácil da futura paisagem com um pincel.
2) Pinto a pintura de base com tintas translúcidas.
3) Introduzo cal e tinta impasto no fundo. Como mencionado acima, o plano geral precisa estar imerso na névoa da massa de ar. O branco da mistura de tintas ajuda nisso. A tonalidade da faixa de floresta ao longe será mais clara que a das árvores próximas.
4) Começo a trabalhar com uma espátula.
5) O primeiro plano é elaborado de forma texturizada. A camada de tinta está em relevo. Isto enfatiza a irregularidade do solo e da grama, de modo que a superfície se torna material.
6) Os troncos das árvores variam em tom. Alguns serão mais leves, avançando para a luz do sol. Alguns serão mais escuros, indo para as sombras. Com isso criamos, por assim dizer, um túnel de árvores. Um espaço se forma dentro da floresta.
7) Escrevemos pequenos detalhes. Quanto mais próximos os objetos estiverem, mais detalhados eles serão descritos. Eles também parecerão mais nítidos e terão mais contraste.
8) Levamos a pintura ao estado final.
