Jean-Baptiste Poquelin (francuski Jean-Baptiste Poquelin), pseudonim teatralny – Moliere (francuski Molière; 15 stycznia 1622, Paryż – 17 lutego 1673, tamże) – francuski komik XVII wieku, twórca komedii klasycznej, aktor i z zawodu reżyser teatru, lepiej znanego jako trupa Moliera (Troupe de Molière, 1643-1680).

Jean-Baptiste Poquelin pochodził ze starej rodziny mieszczańskiej, która przez kilka stuleci zajmowała się rzemiosłem tapicerskim i sukienniczym.

Ojciec Jean-Baptiste'a, Jean Poquelin (1595-1669), był nadwornym tapicerem i lokajem Ludwika XIII i wysłał syna do prestiżowej szkoły jezuickiej - Clermont College (obecnie Liceum Ludwika Wielkiego w Paryżu), gdzie Jean-Baptiste Baptiste gruntownie studiował łacinę, więc czytał biegle w oryginale autorów rzymskich, a nawet, jak głosi legenda, przetłumaczył na francuski poemat filozoficzny Lukrecjusza „O naturze rzeczy”. Po ukończeniu college'u w 1639 roku Jean-Baptiste zdał egzamin w Orleanie na tytuł licencjata praw.

Kariera prawnicza przyciągnęła go nie bardziej niż rzemiosło ojca, a Jean-Baptiste wybrał zawód aktora, przyjmując pseudonim sceniczny Moliere.

Po spotkaniu z komediantami Josephem i Madeleine Béjartami, w wieku 21 lat Moliere został szefem Illustre Théâtre, nowej paryskiej trupy składającej się z 10 aktorów, zarejestrowanej u notariusza stolicy 30 czerwca 1643 roku. Wchodząc w zaciętą konkurencję z popularnymi już w Paryżu zespołami hotelu Burgundy i Marais, „Teatr Genialny” przegrał w 1645 roku. Moliere i jego przyjaciele-aktorzy postanawiają szukać szczęścia na prowincji, dołączając do trupy podróżujących komików, na czele której stoi Dufresne.

Wędrówka Moliera po prowincji francuskiej przez 13 lat (1645-1658) w czasie wojny domowej (Fronde) wzbogaciła go o przeżycia codzienne i teatralne.

Od 1645 roku Moliere wraz z przyjaciółmi dołączył do Dufresne, a w 1650 stanął na czele trupy.

Głód repertuarowy trupy Moliera był impulsem do rozpoczęcia jego działalności dramatycznej. Tym samym lata studiów teatralnych Moliera stały się latami studiów jego autora. Wiele farsowych scenariuszy, które komponował na prowincji, zniknęło. Zachowały się jedynie sztuki „Zazdrość Barbouillé” (La jalousie du Barbouillé) i „Latający lekarz” (Le médécin volant), których przypisanie Molierowi nie jest do końca wiarygodne.

Znane są także tytuły szeregu podobnych sztuk wystawianych przez Moliera w Paryżu po jego powrocie z prowincji („Uczeń Gros-René”, „Doktor Pedant”, „Gorgibus w torbie”, „Plan-Plan”, „Trzej lekarze”, „Kozak”), „Udawana bryła”, „Dziewacz gałązek”), a tytuły te nawiązują do sytuacji z późniejszych fars Moliera (na przykład „Gorgibus w worku” i „Sztuczki Scapina” , d. III, sc. II). Sztuki te wskazują, że tradycja starożytnej farsy wpłynęła na główne komedie jego dojrzałego wieku.

Farsowy repertuar wykonywany przez trupę Moliera pod jego kierunkiem i przy jego aktorskim udziale wzmocnił jej reputację. Wzrosło jeszcze bardziej, gdy Moliere skomponował dwie wielkie komedie wierszem – „Niegrzeczne, czyli wszystko jest nie na miejscu” (L'Étourdi ou les Contretemps, 1655) i „Irytacja miłości” (Le dépit amoureux, 1656), napisane w sposób włoskiej komedii literackiej. Główny wątek, będący swobodnym naśladownictwem włoskich autorów, przeplatany jest tu zapożyczeniami z różnych starych i nowych komedii, zgodnie z przypisywaną Molierowi zasadą „zabierać swoje dobro, gdziekolwiek je znajdzie”. Interesujące w obu sztukach jest rozwinięcie sytuacji komicznych i intrygi; postacie w nich są nadal rozwinięte bardzo powierzchownie.

Trupa Moliera stopniowo zdobywała sukcesy i sławę, by w 1658 roku na zaproszenie 18-letniego Monsieur, młodszego brata króla, powróciła do Paryża.

W Paryżu trupa Moliera zadebiutowała 24 października 1658 roku w Luwrze w obecności. Zaginiona farsa „Zakochany lekarz” odniosła ogromny sukces i zadecydowała o losach zespołu: król udostępnił jej teatr dworski Petit-Bourbon, w którym grała do 1661 roku, aż do przeniesienia się do teatru Palais Royal, gdzie pozostał aż do śmierci Moliera.

Od chwili zainstalowania Moliera w Paryżu rozpoczął się okres jego gorączkowej twórczości dramatycznej, której intensywność nie osłabła aż do jego śmierci. W ciągu tych 15 lat, od 1658 do 1673 roku, Moliere stworzył wszystkie swoje najlepsze sztuki, które, z nielicznymi wyjątkami, wywoływały zaciekłe ataki wrogich mu grup społecznych.

Paryski okres twórczości Moliera rozpoczyna jednoaktowa komedia „Śmieszne pierwiosnki” (franc. Les précieuses ridicules, 1659). W tej pierwszej, na wskroś oryginalnej sztuce Moliere dokonał odważnego ataku na pretensjonalność i maniery mowy, tonu i manier panujących na salonach arystokratycznych, co znalazło ogromne odzwierciedlenie w literaturze i wywarło silny wpływ na młodzież (głównie jej żeńską część) ). Komedia zraniła najwybitniejszych sympatyków. Wrogowie Moliera uzyskali dwutygodniowy zakaz wydawania komedii, po czym został on odwołany z podwójnym sukcesem.

23 stycznia 1662 roku Moliere podpisał umowę małżeńską z Armandą Béjart, młodsza siostra Madeleine. On ma 40 lat, Armande 20. Wbrew ówczesnej przyzwoitości na wesele zaproszono tylko najbliższych. Ceremonia zaślubin odbyła się 20 lutego 1662 roku w paryskim kościele Saint-Germain-l'Auxerrois.

Komedia „Szkoła dla mężów” (L'école des maris, 1661), ściśle związana z jeszcze bardziej dojrzałą komedią, która po niej nastąpiła, „Szkoła dla żon” (L'école des femmes, 1662), wyznacza moment Moliera przejść od farsy do edukacji w formie komedii społeczno-psychologicznej. Moliere porusza tutaj kwestie miłości, małżeństwa, stosunku do kobiet i struktury rodziny. Brak jednosylabowości w charakterach i zachowaniu bohaterów sprawia, że ​​„Szkoła dla mężów”, a zwłaszcza „Szkoła dla żon” jest największym krokiem w stronę stworzenia komedii postaci, przełamującej prymitywny schematyzm farsy. Jednocześnie „Szkoła żon” jest nieporównanie głębsza i subtelniejsza niż „Szkoła mężów”, która w stosunku do niej jest jak szkic, lekki szkic.

Takie satyryczne komedie nie mogły powstrzymać się od prowokowania zaciekłych ataków wrogów dramaturga. Moliere odpowiedział na nie polemicznym przedstawieniem „Krytyka szkoły żon” (La critique de „L’École des femmes”, 1663). Broniąc się przed zarzutami bycia palantem, z wielką godnością wyłożył tu swoje credo jako komicznego poety („wgłębić się w zabawną stronę ludzkiej natury i zabawnie przedstawić na scenie wady społeczeństwa”) i ośmieszyć zabobonny zachwyt dla „reguł” Arystotelesa. Ten protest przeciwko pedantycznej fetyszyzacji „reguł” ukazuje niezależne stanowisko Moliera w stosunku do francuskiego klasycyzmu, którego mimo to trzymał się w swojej praktyce dramatycznej.

W „Niechętnym małżeństwie” (Le mariage force, 1664) Moliere podniósł gatunek na wyższy poziom, osiągając organiczne połączenie elementów komediowych (farsy) i baletowych. W „Księżniczce Elidy” (La Princesse d’Elide, 1664) Moliere poszedł odwrotną drogą, wplatając błazeńskie przerywniki baletowe w pseudoantyczną fabułę liryczno-pastorską. To był początek dwóch typów komedii-baletu, które rozwinął Molier.

„Tartuffe” (Le Tartuffe, 1664-1669). Wycelowana przeciwko duchowieństwu, śmiertelnemu wrogowi teatru i całej świeckiej kultury burżuazyjnej, komedia w pierwszym wydaniu zawierała trzy akty i przedstawiała księdza-obłudnika. W tej formie wystawiono go w Wersalu na festiwalu „Rozkoszy magicznej wyspy” 12 maja 1664 roku pod tytułem „Tartuffe, czyli obłudnik” (Tartuffe, ou L'hypocrite) i wywołał niezadowolenie części organizacji religijnej „Towarzystwo Najświętszego Sakramentu” (Société du Saint Sacrement). Na obrazie Tartuffe Towarzystwo dostrzegło satyrę na swoich członków i doprowadziło do zakazu „Tartuffe”. Moliere bronił swojej sztuki w skierowanym do króla „Placecie”, w którym wprost napisał, że „oryginały osiągnęły zakaz kopiowania”. Ale ta prośba spełzła na niczym. Następnie Moliere osłabił ostre partie, przemianował go na Tartuffe Panyulf i zdjął sutannę. W nowej formie dopuszczono do wystawienia komedię liczącą 5 aktów i zatytułowaną „Oszust” (L’imposteur), jednak po prawykonaniu 5 sierpnia 1667 roku ponownie ją wycofano. Dopiero półtora roku później „Tartuffe” został wreszcie zaprezentowany w trzeciej, finałowej edycji.

Komedia napisana przez nieuleczalnie chorego Moliera „Wyimaginowana choroba”- jedna z jego najzabawniejszych i najweselszych komedii. Podczas czwartego przedstawienia, które odbyło się 17 lutego 1673 roku, Moliere wcielający się w rolę Argana zachorował i nie dokończył przedstawienia. Zabrano go do domu i po kilku godzinach zmarł. Arcybiskup Paryża zakazał pochówku zatwardziałego grzesznika (aktorzy musieli odpokutować na łożu śmierci) i zniósł ten zakaz jedynie na polecenie króla. Największy dramaturg Francji został pochowany w nocy, bez obrzędów, za płotem cmentarza, na którym chowano samobójców.

Sztuki Moliera:

Zazdrość Barboulieu, farsa (1653)
Latający Doktor, farsa (1653)
Shaly, czyli wszystko jest nie na miejscu, komedia wierszem (1655)
Irytacja miłości, komedia (1656)
Śmieszne prymki, komedia (1659)
Sganarelle, czyli wyimaginowany rogacz, komedia (1660)
Don Garcia z Nawarry, czyli zazdrosny książę, komedia (1661)
Szkoła dla mężów, komedia (1661)
Nieznośny, komedia (1661)
Szkoła dla żon, komedia (1662)
Krytyka „Szkoły dla żon”, komedia (1663)
Wersal zaimprowizowany (1663)
Niechętne małżeństwo, farsa (1664)
Księżniczka Elidy, dzielna komedia (1664)
Tartuffe, czyli zwodziciel, komedia (1664)
Don Juan, czyli uczta kamienna, komedia (1665)
Miłość jest uzdrowicielem, komedia (1665)
Mizantrop, komedia (1666)
Niechętny lekarz, komedia (1666)
Melicert, komedia pastoralna (1666, niedokończona)
Komiks pastoralny (1667)
Sycylijczyk, czyli kochaj malarza, komedia (1667)
Amfitrion, komedia (1668)
Georges Dandin, czyli oszukany mąż, komedia (1668)
Skąpiec, komedia (1668)
Monsieur de Poursonyac, komedia-balet (1669)
Genialni kochankowie, komedia (1670)
Handlarz szlachty, komedia-balet (1670)
Psyche, tragedia-balet (1671, we współpracy z Philippe Quinault i Pierrem Corneillem)
Sztuczki Scapina, komedia farsowa (1671)
Hrabina d'Escarbagna, komedia (1671)
Uczone kobiety, komedia (1672)
Inwalida wyobrażeniowa, komedia z muzyką i tańcem (1673)

Nieprzetrwane sztuki Moliera:

Zakochany lekarz, farsa (1653)
Trzej rywalizujący lekarze, farsa (1653)
Nauczyciel, farsa (1653)
Kazakin, farsa (1653)
Gorgibus w worku, farsa (1653)
Gobber, farsa (1653)
Zazdrość Gros-René, farsa (1663)
Uczeń Gros-René, farsa (1664)

urodził się 15 stycznia 1622 w Paryżu. Jego ojciec, mieszczanin, tapicer dworski, wcale nie myślał o zapewnieniu synowi wielkiego wykształcenia, a w wieku czternastu lat przyszły dramaturg ledwo nauczył się czytać i pisać. Rodzice dbali o to, aby stanowisko dworskie przeszło na syna, chłopiec jednak odkrył niezwykłe zdolności i uporczywą chęć nauki, rzemiosło ojca go nie pociągało. Za namową dziadka ojciec Poquelina niechętnie zapisał syna do kolegium jezuickiego. Tutaj przez pięć lat Moliere z powodzeniem studiował naukę. Miał szczęście, że jednym ze swoich nauczycieli był słynny filozof Gassendi, który zapoznał go z naukami Epikura. Mówią, że Moliere przetłumaczył wiersz Lukrecjusza „O naturze rzeczy” na język francuski (tłumaczenie to nie zachowało się i nie ma dowodów na autentyczność tej legendy; dowody mogą służyć jedynie jako solidna filozofia materialistyczna, która przewija się przez całą dzieła Moliera).
Od dzieciństwa Moliere był pasjonatem teatru. Teatr był jego największym marzeniem. Po ukończeniu Clermont College, dopełnieniu wszystkich obowiązków związanych z formalnym ukończeniem edukacji i uzyskaniem dyplomu prawnika w Orleanie, Moliere pospieszył z utworzeniem trupy aktorskiej składającej się z kilku przyjaciół i podobnie myślących osób i otwarciem „Brilliant Theatre” w Paryżu.
Moliere nie myślał jeszcze o niezależnej twórczości dramatycznej. Chciał być aktorem, i to aktorem roli tragicznej, i wtedy przyjął dla siebie pseudonim – Moliere. Jeden z aktorów miał już przed sobą to imię.
To był wczesny okres w historii francuskiego teatru. Dopiero niedawno w Paryżu pojawiła się stała trupa aktorska, zainspirowana dramaturgicznym geniuszem Corneille’a, a także mecenatem kardynała Richelieu, który sam nie miał nic przeciwko tragediom.
Przedsięwzięcia Moliera i jego towarzyszy, ich młody entuzjazm nie zostały uwieńczone sukcesem. Trzeba było zamknąć teatr. Moliere dołączył do trupy podróżujących komików, która od 1646 roku podróżowała po miastach Francji. Można go było zobaczyć w Nantes, Limoges, Bordeaux, Tuluzie. W 1650 roku Moliere i jego towarzysze wystąpili w Narbonne.
Wędrówki po kraju wzbogacają Moliera obserwacjami życia. Studiuje zwyczaje różnych klas, słyszy żywą mowę ludu. W 1653 roku wystawił w Lyonie jedną ze swoich pierwszych sztuk „Madcap”.
Nieoczekiwanie odkryto w nim talent dramaturga. Nigdy nie marzył o samodzielnej twórczości literackiej i sięgnął po pióro, zmuszony ubóstwem repertuaru swojego zespołu. Początkowo jedynie przerabiał włoskie farsy, dostosowując je do warunków francuskich, potem zaczął coraz bardziej oddalać się od włoskich wzorców, coraz śmielej wprowadzał do nich pierwiastek oryginalny, aż w końcu całkowicie je porzucił na rzecz samodzielnej twórczości .
Tak narodził się najlepszy komik we Francji. Miał nieco ponad trzydzieści lat. „Przed tym wiekiem trudno jest osiągnąć cokolwiek w gatunku dramatycznym, który wymaga wiedzy zarówno o świecie, jak i ludzkim sercu” – napisał Voltaire.
W 1658 r. Moliere ponownie przebywał w Paryżu; to już doświadczony aktor, dramaturg, człowiek, który poznał świat w całej jego rzeczywistości. Występ trupy Moliera w Wersalu przed dworem królewskim zakończył się sukcesem. Trupa pozostała w stolicy. Teatr Molière początkowo mieścił się w siedzibie Petit-Bourbon, występując trzy razy w tygodniu (w pozostałe dni scenę zajmował Teatr Włoski).
W 1660 r. Moliere otrzymał scenę w sali Palais Royal, zbudowanej pod rządami Richelieu na potrzeby jednej z tragedii, której część napisał sam kardynał. Pomieszczenia wcale nie spełniały wszystkich wymagań teatru – Francja jednak nie miała wówczas najlepszych. Nawet sto lat później Voltaire narzekał: „Nie mamy ani jednego znośnego teatru - prawdziwie gotyckiego barbarzyństwa, o które słusznie oskarżają nas Włosi. We Francji są dobre sztuki, a we Włoszech dobre sale teatralne.
W ciągu czternastu lat swojego twórczego życia w Paryżu Moliere stworzył wszystko, co obejmowało jego bogate dziedzictwo literackie (ponad trzydzieści sztuk). Jego talent rozwinął się w całej okazałości. Patronował mu król, któremu jednak daleko było do zrozumienia, jakim skarbem posiadała Francja w osobie Moliera. Pewnego razu w rozmowie z Boileau król zapytał, kto będzie gloryfikował jego panowanie, i dość mocno zdziwił się surową odpowiedzią krytyka, że ​​dokona tego dramaturg podający się za Moliera.
Dramaturg musiał walczyć z licznymi wrogami, którzy w ogóle nie zajmowali się zagadnieniami literackimi. Za nimi kryli się potężniejsi przeciwnicy, dotknięci satyrycznymi strzałami komedii Moliera; wrogowie wymyślili i rozpowszechnili najbardziej niewiarygodne pogłoski o człowieku, który był dumą ludu.
Moliere zmarł nagle, w pięćdziesiątym drugim roku życia. Pewnego razu podczas przedstawienia swojej sztuki „Inwalida z wyobraźni”, w której główną rolę grał ciężko chory dramaturg, zachorował i kilka godzin po zakończeniu przedstawienia zmarł (17 lutego 1673). Arcybiskup Paryża Harley de Chanvallon zakazał pochówku zwłok „komika” i „zatwardziałego grzesznika” w obrządkach chrześcijańskich (Molière nie otrzymał namaszczenia, jak wymaga tego statut kościoła). Tłum fanatyków zebrał się w pobliżu domu zmarłego dramaturga, próbując uniemożliwić pochówek. Wdowa po dramatopisarzu wyrzuciła pieniądze przez okno, aby pozbyć się ofensywnej ingerencji tłumu podekscytowanego duchowieństwem. Moliere został pochowany w nocy na cmentarzu Saint-Joseph. Na śmierć wielkiego dramaturga Boileau odpowiedział w poezji, opowiadając w nich o atmosferze wrogości i prześladowań, w której żył i tworzył Molier.
We wstępie do swojej komedii „Tartuffe” Moliere, broniąc prawa dramatopisarza, zwłaszcza komika, do ingerencji w życie publiczne, prawa do przedstawiania występków w imię celów edukacyjnych, pisał: „Teatr ma wielką siłę korekcyjną moc." „Najlepsze przykłady poważnej moralności są zwykle słabsze niż satyra… Zadajemy występkom ciężki cios, wystawiając je na publiczną kpinę”.
Tutaj Moliere definiuje sens komedii: „To nic innego jak dowcipny wiersz, który obnaża ludzkie wady za pomocą zabawnych nauk”.
Zatem według Moliera komedia ma dwa zadania. Pierwszą i najważniejszą rzeczą jest uczenie ludzi, drugą i drugorzędną rzeczą jest zapewnianie im rozrywki. Jeśli komedia zostanie pozbawiona elementu budującego, zamieni się w pustą śmieszność; jeśli odbierze się mu funkcje rozrywkowe, przestanie być komedią, a jego cele moralizacyjne również nie zostaną osiągnięte. Krótko mówiąc, „obowiązkiem komedii jest poprawianie ludzi poprzez ich zabawianie”.
Dramaturg doskonale rozumiał społeczne znaczenie swojej sztuki satyrycznej. Każdy powinien służyć ludziom najlepiej jak potrafi. Każdy powinien przyczyniać się do dobra publicznego, ale każdy czyni to w zależności od swoich osobistych skłonności i talentów. W komedii „Śmieszne pierwiosnki” Moliere bardzo przejrzyście dał do zrozumienia, jaki rodzaj teatru lubi.
Za główne zalety gry aktorskiej Moliere uważa naturalność i prostotę. Podajmy uzasadnienie negatywnej postaci w sztuce Mascarille’a. „Tylko komicy z hotelu Burgundy są w stanie pokazać produkt twarzą w twarz” – przekonuje Mascarille. Trupa hotelu Burgundy była królewską trupą Paryża i dlatego została uznana za pierwszą. Ale Moliere nie zaakceptował jej systemu teatralnego, potępiając „efekty sceniczne” aktorów hotelu Burgundy, którzy potrafili jedynie „głośno recytować”.
„Wszyscy inni są ignorantami i jak mówią, czytają poezję” – rozwija swoją teorię Mascarille. Do tych „odpoczynków” zalicza się Teatr Moliera. Dramaturg włożył w usta Mascarille'a opinie paryskich konserwatystów teatralnych, których zszokowała prostota i zwyczajność scenicznego ucieleśnienia tekstu autora w teatrze Moliera. Jednak, zgodnie z głębokim przekonaniem dramatopisarza, poezję należy czytać dokładnie „tak, jak się mówi”: po prostu, naturalnie; a sam materiał dramatyczny, zdaniem Moliera, musi być prawdziwy, we współczesnym języku - realistyczny.
Myśl Moliera była słuszna, ale nie udało mu się przekonać współczesnych. Racine nie chciał wystawiać swoich tragedii w teatrze Moliera właśnie dlatego, że sposób scenicznego ujawnienia przez aktorów tekstu autora był zbyt naturalny.
W XVIII w. Wolter, a po nim Diderot, Mercier, Seden i Beaumarchais uparcie walczyli z pompatycznością i nienaturalnością teatru klasycystycznego. Ale oświecicielom XVIII wieku również nie udało się osiągnąć sukcesu. Teatr klasycystyczny nadal trzymał się starych form. W XIX wieku romantycy i realiści sprzeciwiali się tym formom.
Zainteresowanie Moliera sceniczną prawdą w jej realistycznej interpretacji jest bardzo oczywiste i dopiero czas, gusta i koncepcje stulecia nie pozwoliły mu rozwinąć talentu na miarę szekspirowską.
Ciekawe opinie na temat istoty sztuki teatralnej Moliere wyraża w „Krytyce „Lekcji dla żon”. Teatr „jest zwierciadłem społeczeństwa” – mówi. Dramaturg porównuje komedię z tragedią. Oczywiście już w jego czasach tradycyjna tragedia klasyczna zaczęła nudzić publiczność. Jeden z bohaterów wspomnianego dramatu Moliera deklaruje: „przy prezentacji wielkich dzieł panuje przerażająca pustka, przy nonsensie (czyli komediach Moliera) – cały Paryż”.
Moliere krytykuje tragedię klasyczną za jej izolację od nowoczesności, za schematyczność obrazów scenicznych, za naciągany charakter sytuacji. Za jego czasów nie zwracano uwagi na tę krytykę tragedii, tymczasem w zarodku krył się przyszły program antyklasycystyczny, jaki wysunęli francuscy oświeceniowcy w drugiej połowie XVIII wieku (Diderot, Beaumarchais) i romantycy francuscy pierwszej połowy XIX wieku.
Przed nami realistyczne zasady, takie jakie można było wymyślić w czasach Moliera. Co prawda dramaturg uważał, że „praca z życia”, „podobieństwo” do życia są potrzebne głównie w gatunku komediowym i nie wykraczają poza niego: „Portretując ludzi, piszesz z życia. Ich portrety powinny być podobne, a jeśli nie zostaną uznani za ludzi swojego stulecia, nic nie osiągniecie”.
Moliere formułuje także domysły na temat zasadności swoistej mieszaniny elementów poważnych i komicznych w teatrze, która w opinii współczesnych mu, a nawet kolejnych pokoleń, aż do wojny romantyków z klasycyzmem w XIX w. uznane za niedopuszczalne.
Krótko mówiąc, Moliere toruje drogę przyszłym literackim bitwom; ale grzeszylibyśmy przeciw prawdzie, gdybyśmy ogłosili go zwiastunem reformy teatralnej. Wyobrażenia Moliera na temat zadań komedii nie wychodzą poza krąg estetyki klasycystycznej. Zadaniem komedii, jak ją sobie wyobrażał, było „przedstawienie na scenie przyjemnego przedstawienia powszechnych niedociągnięć”. Pokazuje tu charakterystyczną dla klasycystów tendencję do racjonalistycznej abstrakcji typów.
Moliere wcale nie sprzeciwia się klasycystycznym regułom, upatrując w nich przejaw „zdrowego rozsądku”, „przypadkowych obserwacji rozsądnych ludzi, jak nie psuć sobie przyjemności z tego rodzaju zabaw”. To nie starożytni Grecy sugerowali współczesnym narodom jedność czasu, miejsca i działania, ale rozsądna ludzka logika, argumentuje Molier.
W małym dowcipie teatralnym „Impromptu Versailles” (1663) Moliere pokazał swoją trupę przygotowującą kolejne przedstawienie. Aktorzy opowiadają o zasadach gry. Mówimy o teatrze hotelu Burgundy.
Celem komedii jest „wierne przedstawienie ludzkich wad”, mówi, ale postacie komediowe to nie portrety. Nie da się stworzyć postaci, która nie przypominałaby kogoś z otoczenia, ale „trzeba być szalonym, żeby w komedii szukać swoich sobowtórów” – mówi Moliere. Dramaturg wyraźnie wskazuje na zbiorowy charakter obrazu artystycznego, stwierdzając, że cechy postaci komediowej „można dostrzec w setkach różnych twarzy”.
Wszystkie te prawdziwe myśli, rzucone mimochodem, znajdą później swoje miejsce w systemie estetyki realistycznej.
Moliere urodził się dla teatru realistycznego. Trzeźwa materialistyczna filozofia Lukrecjusza, którą studiował w młodości, oraz bogate obserwacje życiowe podczas lat wędrownego życia przygotowały go na realistyczny typ twórczości. Szkoła dramaturgiczna tamtych czasów odcisnęła na nim piętno, ale Moliere nieustannie zrywał z okowów klasycystycznych kanonów.
Główna różnica między systemem klasycznym a metodami realistycznymi Szekspira przejawia się w sposobie konstruowania postaci. Charakter sceniczny klasycystów jest przeważnie jednostronny, statyczny, pozbawiony sprzeczności i rozwinięć. Jest to pomysł na postać, tak szeroki, jak wymaga tego zawarta w nim idea. Stronniczość autora objawia się zupełnie wprost i nago. Utalentowani dramatopisarze – Corneille, Racine, Moliere – potrafili być prawdomówni w granicach i wąskiej tendencyjności obrazu, jednak normatywność estetyki klasycyzmu wciąż ograniczała ich możliwości twórcze. Nie osiągnęli wyżyn Szekspira i nie dlatego, że brakowało im talentu, ale dlatego, że ich talenty często kłóciły się z ustalonymi normami estetycznymi i wycofywały się przed nimi. Moliere, który pracował nad komedią „Don Juan” w pośpiechu, nie planując jej długiego życia scenicznego, pozwolił sobie na naruszenie tego podstawowego prawa klasycyzmu (statyka i jednoliniowość obrazu), pisał nie zgodnie z teorią, ale z duchem życia i intuicji autora, i stworzył arcydzieło, dramat wysoce realistyczny.

Jean-Baptiste urodził się 15 stycznia 1622 roku w Paryżu, w szanowanej rodzinie mieszczańskiej, w której wszyscy mężczyźni przez wiele pokoleń pracowali jako tapicerzy i sukiennicy.

Matka chłopca zmarła, gdy miał zaledwie 10 lat, a ojciec wysłał syna do prestiżowej uczelni, gdzie Jean-Baptiste pilnie studiował łacinę, literaturę klasyczną, filozofię i nauki przyrodnicze.

Po zdaniu egzaminu z godnością młody Poquelin otrzymał dyplom nauczyciela z prawem wykładania. W tym czasie jego ojciec przygotował już stanowisko tapicera w pałacu królewskim, ale Jean-Baptiste nie miał zostać ani nauczycielem, ani tapicerem - los przygotował dla niego znacznie ciekawszy los.

Początek twórczej podróży

Korzystając z udziału w spadku po matce, Jean-Baptiste rozpoczął zupełnie nowe życie. Pociągała go scena teatralna i możliwość grania tragicznych ról.

W wieku 21 lat Jean-Baptiste, który już wtedy wybrał pseudonim sceniczny – Moliere, kierował małym teatrem „Brilliant”. Zespół liczył zaledwie 10 osób, repertuar teatru był dość skromny i nieciekawy, po prostu nie mógł konkurować z silnymi zespołami paryskimi.

Aktorzy nie mieli innego wyjścia, jak występować na prowincji. Po 13 latach tułaczki Jean-Baptiste nie zmienił swojej chęci służenia teatrowi. Ponadto udało mu się napisać wiele sztuk teatralnych, co znacznie urozmaiciło repertuar zespołu. Do jego wczesnych dzieł należą: „Zazdrość Barbouliera”, „Latający lekarz”, „Trzej lekarze” i inne.

Praca na prowincji nie tylko ujawniła talent Moliera jako scenarzysty, ale także zmusiła go do radykalnej zmiany roli aktorskiej. Widząc duże zainteresowanie publiczności komediami i farsami, Jean-Baptiste postanowił przekwalifikować się z tragika na komika.

Okres paryski

Dzięki komediowym sztukom Moliera zespół szybko zyskał sławę i uznanie, a w 1658 roku na zaproszenie brata króla znalazł się w Paryżu. Aktorzy mieli niespotykany zaszczyt wystąpić w Luwrze w obecności samego Ludwika XIV.

Komedia „Zakochany lekarz” wywołała niesamowitą sensację wśród paryskiej arystokracji, przesądzając o losach komików. Król oddał im pełną kontrolę nad teatrem dworskim, na scenie którego występowali przez trzy lata, a następnie przeniósł się do Teatru Palais Royal.

Po osiedleniu się w Paryżu Moliere zaczął pracować z nową energią. Jego pasja do dramatu czasami przypominała obsesję, ale się opłaciło. W ciągu 15 lat napisał swoje najlepsze sztuki teatralne: „Zabawni simowie”, „Tartuffe, czyli zwodziciel”, „Mizantrop”, „Don Juan, czyli kamienny gość”.

Życie osobiste

Moliere wziął ślub w wieku 40 lat. Jego wybranką była Armanda Bejar, która była o połowę młodsza od męża. Ceremonia zaślubin odbyła się w 1662 roku i byli obecni jedynie najbliżsi krewni nowożeńców.

Armande dała mężowi troje dzieci, ale ich małżeństwo nie było szczęśliwe: istniała duża różnica wieku, nawyków i charakterów.

Śmierć

Na scenie, gdzie Jean-Baptiste grał w sztuce „The Imaginary Invalid”, nagle zachorował. Krewnym udało się go sprowadzić do domu, gdzie zmarł kilka godzin później, 17 lutego 1673 r.

• Dzieła Moliera, które wyróżniały się dużą swobodą i wolnomyślicielstwem, wywołały duże irytację wśród przedstawicieli Kościoła. Krótka biografia Moliera nie jest w stanie powstrzymać ataków i gróźb, jakie musiał znosić ze strony duchowieństwa. Jednak odważny dramaturg znajdował się pod niewypowiedzianą opieką Louisa i zawsze uszła mu na sucho jego literacka śmiałość.
• Ojcem chrzestnym pierworodnego Moliera był sam król Ludwik XIV.
• Jedna z najweselszych i najweselszych komedii dramaturga „Imaginary Ill” została napisana przez niego przed śmiercią, podczas ciężkiej choroby.
• Arcybiskup Paryża kategorycznie odmówił pochowania Jeana-Baptiste’a, ponieważ przez całe życie był znany jako grzesznik i nie miał czasu na pokutę przed śmiercią. I dopiero interwencja króla wpłynęła na wynik sprawy: Moliere został pochowany w nocy za płotem cmentarza św. Piotra, jak rozbójnik lub samobójca.

Molière (francuski Molière, prawdziwe nazwisko Jean Baptiste Poquelin; francuski Jean Baptiste Poquelin; 13 stycznia 1622, Paryż – 17 lutego 1673, tamże) – komik francuski i nowej Europy, twórca komedii klasycznej, z zawodu aktor i reżyser teatralny .

Jego ojciec był tapicerem dworskim. Nie zależało mu na zapewnieniu synowi wykształcenia. Trudno w to uwierzyć, ale w wieku czternastu lat przyszły dramaturg nauczył się czytać i pisać. Jednak zdolności chłopca stały się dość zauważalne. Nie chciał przejąć rzemiosła ojca. Poquelin senior musiał wysłać syna do kolegium jezuickiego, gdzie w ciągu pięciu lat stał się jednym z najlepszych uczniów. Co więcej: jeden z najlepiej wykształconych ludzi swoich czasów.

Po ukończeniu studiów Jean Baptiste otrzymał tytuł prawnika i został wysłany do Orleanu. Jednak miłością i marzeniem całego jego życia był teatr. Z kilku przyjaciół młody człowiek zorganizował w Paryżu trupę i nazwał ją „Teatrem Genialnym”. W tym czasie nasze własne sztuki nie były jeszcze uwzględnione w projekcie. Poquelin przyjął pseudonim Moliere i postanowił spróbować swoich sił w roli aktora tragicznego.

Nowy teatr nie odniósł sukcesu i musiał zostać zamknięty. Moliere wyrusza w podróż po Francji z wędrowną trupą. Podróżowanie wzbogaca Cię o doświadczenia życiowe. Moliere studiował życie różnych klas. W 1653 roku wystawił jedną ze swoich pierwszych sztuk, Szaleństwo. Autor nie marzył jeszcze o sławie literackiej. Repertuar zespołu był po prostu ubogi.

Moliere wraca do Paryża w 1658 r. Jest już doświadczonym aktorem i dojrzałym pisarzem. Występ trupy w Wersalu przed dworem królewskim zakończył się sukcesem. Teatr pozostał w Paryżu. W 1660 roku Moliere otrzymał scenę w Palais Royal, zbudowanym za czasów kardynała Richelieu.

W sumie dramaturg mieszkał w stolicy Francji przez czternaście lat. W tym czasie powstało ponad trzydzieści spektakli. Słynny teoretyk literatury Nicolas Boileau w rozmowie z królem powiedział, że jego panowanie stanie się sławne dzięki dramaturgowi Molierowi.

Satyryczny charakter prawdziwych komedii Moliera stworzył dla niego wielu wrogów. I tak na przykład zarówno szlachta, jak i duchowieństwo obrazili się komedią „Tartuffe”, która potępia obłudnych świętych. Komedia została zakazana lub dopuszczona do wystawiania. Przez całe życie Moliera nawiedzały intrygantki. Próbowano nawet uniemożliwić jego pogrzeb.

Molier zmarł 17 lutego 1673 r. Grał główną rolę w swojej sztuce „The Imaginary Invalid” i źle się czuł na scenie. Kilka godzin później zmarł wielki dramaturg. Arcybiskup Paryża zakazał pochówku zwłok „komika” i „zatwardziałego grzesznika” zgodnie z obrządkiem chrześcijańskim.

Pochowano go potajemnie, w nocy, na cmentarzu Saint-Joseph.

Komedia Moliera „Mizantrop”, „Don Juan”, „Pranks of Scapin”, „Skąpiec”, „Uczeń” i inne wciąż nie schodzą ze sceny światowych teatrów.

Źródło http://lit-helper.ru i http://ru.wikipedia.org

Biografia

Jean-Baptiste Poquelin to francuski komik XVII wieku, twórca komedii klasycznej, z zawodu aktor i reżyser teatru, bardziej znanego jako trupa Moliera (Troupe de Molière, 1643-1680).

wczesne lata

Jean-Baptiste Poquelin pochodził ze starej rodziny mieszczańskiej, która przez kilka stuleci zajmowała się rzemiosłem tapicerskim i sukienniczym. Ojciec Jean-Baptiste'a, Jean Poquelin (1595-1669), był nadwornym tapicerem i lokajem Ludwika XIII i wysłał syna do prestiżowej szkoły jezuickiej - Clermont College (obecnie Liceum Ludwika Wielkiego w Paryżu), gdzie Jean-Baptiste Baptiste studiował gruntownie łacinę, więc czytał biegle w oryginale autorów rzymskich, a nawet, według legendy, przetłumaczył na francuski poemat filozoficzny Lukrecjusza „O naturze rzeczy” (tłumaczenie zaginęło). Po ukończeniu college'u w 1639 roku Jean-Baptiste zdał egzamin w Orleanie na tytuł licencjata praw.

Początek kariery aktorskiej

Kariera prawnicza przyciągnęła go nie bardziej niż rzemiosło ojca, a Jean-Baptiste wybrał zawód aktora, przyjmując pseudonim sceniczny Moliere. Po spotkaniu z komediantami Josephem i Madeleine Béjartami, w wieku 21 lat Moliere został szefem Illustre Théâtre, nowej paryskiej trupy składającej się z 10 aktorów, zarejestrowanej u notariusza stolicy 30 czerwca 1643 roku. Wchodząc w zaciętą konkurencję z popularnymi już w Paryżu zespołami hotelu Burgundy i Marais, „Teatr Genialny” przegrał w 1645 roku. Moliere i jego przyjaciele-aktorzy postanawiają szukać szczęścia na prowincji, dołączając do trupy podróżujących komików, na czele której stoi Dufresne.

Trupa Moliera na prowincji. Pierwsze sztuki

Wędrowny Molier przebywał na prowincji francuskiej przez 13 lat (1645-1658) w czasie wojny domowej (Fronde) wzbogaciło go o doświadczenia codzienne i teatralne.

Od 1645 roku Moliere wraz z przyjaciółmi dołączył do Dufresne, a w 1650 stanął na czele trupy. Głód repertuarowy trupy Moliera był impulsem do rozpoczęcia jego działalności dramatycznej. Tym samym lata studiów teatralnych Moliera stały się latami twórczości jego autora. Wiele farsowych scenariuszy, które komponował na prowincji, zniknęło. Zachowały się jedynie sztuki „Zazdrość Barbouillé” (La jalousie du Barbouillé) i „Latający lekarz” (Le médécin volant), których przypisanie Molierowi nie jest do końca wiarygodne. Znane są także tytuły szeregu podobnych sztuk wystawianych przez Moliera w Paryżu po jego powrocie z prowincji („Uczeń Gros-René”, „Doktor Pedant”, „Gorgibus w torbie”, „Plan-Plan”, „Trzej lekarze”, „Kozak”), „Udawana bryła”, „Dziewacz gałązek”), a tytuły te nawiązują do sytuacji z późniejszych fars Moliera (na przykład „Gorgibus w worku” i „Sztuczki Scapina” , d. III, sc. II). Sztuki te wskazują, że tradycja starożytnej farsy wpłynęła na główne komedie jego dojrzałego wieku.

Repertuar farsowy wykonywany przez trupę Moliera pod jego kierunkiem i z jego udziałem jako aktor, przyczyniły się do wzmocnienia jej reputacji. Wzrosło jeszcze bardziej, gdy Moliere skomponował dwie wielkie komedie wierszem – „Niegrzeczne, czyli wszystko jest nie na miejscu” (L'Étourdi ou les Contretemps, 1655) i „Irytacja miłości” (Le dépit amoureux, 1656), napisane w sposób włoskiej komedii literackiej. Główny wątek, będący swobodnym naśladownictwem włoskich autorów, przeplatany jest tu zapożyczeniami z różnych starych i nowych komedii, zgodnie z przypisywaną Molierowi zasadą „zabierać swoje dobro, gdziekolwiek je znajdzie”. Interesujące w obu sztukach jest rozwinięcie sytuacji komicznych i intrygi; postacie w nich są nadal rozwinięte bardzo powierzchownie.

Trupa Moliera stopniowo zdobywała sukcesy i sławę, by w 1658 roku na zaproszenie 18-letniego Monsieur, młodszego brata króla, powróciła do Paryża.

Okres paryski

W Paryżu trupa Moliera zadebiutowała 24 października 1658 roku w Luwrze w obecności Ludwika XIV. Zaginiona farsa „Zakochany lekarz” odniosła ogromny sukces i zadecydowała o losach zespołu: król udostępnił jej teatr dworski Petit-Bourbon, w którym grała do 1661 roku, aż do przeniesienia się do teatru Palais Royal, gdzie pozostał aż do śmierci Moliera. Od chwili zainstalowania Moliera w Paryżu rozpoczął się okres jego gorączkowej twórczości dramatycznej, której intensywność nie osłabła aż do jego śmierci. W ciągu tych 15 lat, od 1658 do 1673 roku, Moliere stworzył wszystkie swoje najlepsze sztuki, które, z nielicznymi wyjątkami, wywoływały zaciekłe ataki wrogich mu grup społecznych.

Wczesne farsy

Paryski okres twórczości Moliera rozpoczyna jednoaktowa komedia „Śmieszne pierwiosnki” (franc. Les précieuses ridicules, 1659). W tej pierwszej, całkowicie oryginalnej sztuce Moliere dokonał śmiałego ataku na pretensjonalność i maniery mowy, tonu i manier panujących na arystokratycznych salonach, co znalazło ogromne odzwierciedlenie w literaturze (patrz Literatura cenna) i wywarło silny wpływ na młodych ludzi (głównie jego część żeńska). Komedia zraniła najwybitniejszych sympatyków. Wrogowie Moliera uzyskali dwutygodniowy zakaz wydawania komedii, po czym został on odwołany z podwójnym sukcesem.

Przy całej swojej wielkiej wartości literackiej i społecznej „Alfonsy” są typową farsą, odtwarzającą wszystkie tradycyjne techniki tego gatunku. Ten sam element farsowy, który nadał humorowi Moliera obszarową jasność i bogactwo, przenika także kolejną sztukę Moliera „Sganarelle, czyli wyimaginowany rogacz” (Sganarelle, ou Le cocu imaginaire, 1660). Tutaj sprytnego sługę-łotra z pierwszych komedii - Mascarille'a - zastępuje głupi, ociężały Sganarelle, którego Molier wprowadził później do wielu swoich komedii.

Małżeństwo

23 stycznia 1662 roku Moliere podpisał umowę małżeńską z Armande Béjart, młodszą siostrą Madeleine. On ma 40 lat, Armande 20. Wbrew ówczesnej przyzwoitości na wesele zaproszono tylko najbliższych. Ceremonia zaślubin odbyła się 20 lutego 1662 roku w paryskim kościele Saint-Germain-l'Auxerrois.

Komedie dla rodziców

Komedia „Szkoła dla mężów” (L'école des maris, 1661), ściśle związana z jeszcze bardziej dojrzałą komedią, która po niej nastąpiła, „Szkoła dla żon” (L'école des femmes, 1662), wyznacza moment Moliera przejść od farsy do edukacji w formie komedii społeczno-psychologicznej. Moliere porusza tutaj kwestie miłości, małżeństwa, stosunku do kobiet i struktury rodziny. Brak jednosylabowości w charakterach i zachowaniu bohaterów sprawia, że ​​„Szkoła dla mężów”, a zwłaszcza „Szkoła dla żon” jest największym krokiem w stronę stworzenia komedii postaci, przełamującej prymitywny schematyzm farsy. Jednocześnie „Szkoła żon” jest nieporównanie głębsza i subtelniejsza niż „Szkoła mężów”, która w stosunku do niej jest jak szkic, lekki szkic.

Takie satyryczne komedie nie mogły powstrzymać się od prowokowania zaciekłych ataków wrogów dramaturga. Moliere odpowiedział na nie polemicznym przedstawieniem „Krytyka szkoły żon” (La critique de „L’École des femmes”, 1663). Broniąc się przed zarzutami bycia palantem, z wielką godnością wyłożył tu swoje credo jako komicznego poety („wgłębić się w zabawną stronę ludzkiej natury i zabawnie przedstawić na scenie wady społeczeństwa”) i ośmieszyć zabobonny zachwyt dla „reguł” Arystotelesa. Ten protest przeciwko pedantycznej fetyszyzacji „reguł” ukazuje niezależne stanowisko Moliera w stosunku do francuskiego klasycyzmu, którego mimo to trzymał się w swojej praktyce dramatycznej.

Kolejnym przejawem tej samej niezależności Moliera jest jego próba udowodnienia, że ​​komedia nie tylko nie jest niższa, ale wręcz „wyższa” od tragedii, głównego gatunku poezji klasycznej. W „Krytyce „Szkoły dla żon”” ustami Doranta krytykuje tragedię klasyczną z punktu widzenia jej niezgodności z jej „naturą” (sc. VII), czyli z punktu widzenia realizmu . Krytyka ta skierowana jest przeciwko tematowi tragedii klasycznej, przeciwko jej orientacji na konwencje dworskie i wyższe.

Moliere odparował nowe ciosy swoich wrogów w sztuce „Impromptu of Versailles” (L’impromptu de Versailles, 1663). Oryginalna w pomyśle i konstrukcji (jej akcja rozgrywa się na scenie teatru) komedia dostarcza cennych informacji o pracy Moliera z aktorami i dalszym rozwoju jego poglądów na istotę teatru i zadania komedii. Poddając druzgocącą krytykę swojej konkurencji – aktorom Hotelu Burgundy, odrzucając ich metodę konwencjonalnie pompatycznej tragicznej gry, Moliere jednocześnie odpiera zarzut, że wprowadza na scenę określonych ludzi. Najważniejsze, że z niespotykaną dotychczas śmiałością kpi z dworskich tasarek-markizów, rzucając słynne zdanie: „Obecny markiz rozśmiesza wszystkich w przedstawieniu; i tak jak starożytne komedie zawsze przedstawiają prostaka służącego, który rozśmiesza publiczność, tak samo potrzebujemy przezabawnego markiza, który bawi publiczność”.

Dojrzałe komedie. Balety komediowe

Z bitwy, która nastąpiła po Szkole dla żon, Moliere wyszedł zwycięsko. Wraz ze wzrostem sławy zacieśniły się także jego związki z dworem, na których coraz częściej wystawiał sztuki komponowane na uroczystości dworskie, dając początek olśniewającemu spektaklowi. Moliere tworzy tu szczególny gatunek „komedii-baletu”, łącząc balet (ulubiony rodzaj rozrywki dworskiej, w której w roli wykonawców występował sam król i jego świta) z komedią, co nadaje motywację fabularną indywidualnym „przystawkom” tanecznym i oprawom je scenami komicznymi. Pierwszym baletem komediowym Moliera był „Nieznośni” (Les fâcheux, 1661). Jest pozbawiony intrygi i przedstawia szereg odmiennych scen nawleczonych na prymitywny rdzeń fabularny. Moliere odnalazł tu tak wiele trafnych cech satyrycznych i codziennych, opisujących towarzyskie dandysów, hazardzistów, pojedynków, rzutników i pedantów, że przy całej swojej bezforemności sztuka stanowi krok naprzód w sensie przygotowania owej komedii obyczajowej, której powstanie Zadanie Moliera („Nieznośni” wystawiono przed „Szkołami dla żon”)

Sukces „Nieznośnych” skłonił Moliera do dalszego rozwoju gatunku komediowo-baletowego. W „Niechętnym małżeństwie” (Le mariage force, 1664) Moliere podniósł gatunek na wyższy poziom, osiągając organiczne połączenie elementów komediowych (farsy) i baletowych. W „Księżniczce Elidy” (La Princesse d’Elide, 1664) Moliere poszedł odwrotną drogą, wplatając błazeńskie przerywniki baletowe w pseudoantyczną fabułę liryczno-pastorską. To był początek dwóch typów komedii-baletu, które rozwinął Molier. Pierwszy typ farsowo-codzienny reprezentują sztuki „Kochaj uzdrowiciela” (L'amour médécin, 1665), „Sycylijczyk, czyli kochaj malarza” (Le Sicilien, ou L'amour peintre, 1666), „Monsieur de Poursonnac” (Monsieur de Pourceaugnac, 1669), „Mieszczański Gentilhomme” (Le bourgeois gentilhomme, 1670), „Hrabina d'Escarbagnas” (La comtesse d'Escarbagnas, 1671), „Choroby wyobrażone” (Le malade imaginaire, 1673). Mimo ogromnej odległości dzielącej tak prymitywną farsę jak „Sycylijczyk”, stanowiącą jedynie ramę dla baletu „mauretańskiego”, od tak rozbudowanych komedii społecznych, jak „Mieszczarz w szlachcie” i „Wyimaginowany inwalida” wciąż mamy tu rozwój jednego rodzaju komedii – baletu, wyrastającego ze starożytnej farsy i wpisującego się w główną linię twórczości Moliera. Sztuki te różnią się od innych jego komedii jedynie obecnością numerów baletowych, co wcale nie umniejsza idei spektaklu: Moliere nie idzie tu prawie na żadne ustępstwa wobec gustów dworskich. Inaczej sytuacja wygląda w komediach-baletach drugiego, szarmancko-pastorskiego typu, do których zaliczają się: „Mélicerte” (Mélicerte, 1666), „Comic Pastoral” (Pastorale comique, 1666), „Brilliant Lovers” (Les amants magnifiques, 1670), „Psyche” (Psyché, 1671 - napisany we współpracy z Corneillem).

„Tartuff”

(Le Tartuffe, 1664-1669). Wycelowana przeciwko duchowieństwu, śmiertelnemu wrogowi teatru i całej świeckiej kultury burżuazyjnej, komedia w pierwszym wydaniu zawierała trzy akty i przedstawiała księdza-obłudnika. W tej formie wystawiono go w Wersalu na festiwalu „Rozkoszy magicznej wyspy” 12 maja 1664 roku pod tytułem „Tartuffe, czyli obłudnik” (Tartuffe, ou L'hypocrite) i wywołał niezadowolenie części organizacji religijnej „Towarzystwo Najświętszego Sakramentu” (Société du Saint Sacrement). Na obrazie Tartuffe Towarzystwo dostrzegło satyrę na swoich członków i doprowadziło do zakazu „Tartuffe”. Moliere bronił swojej sztuki w skierowanym do króla „Placecie”, w którym wprost napisał, że „oryginały osiągnęły zakaz kopiowania”. Ale ta prośba spełzła na niczym. Następnie Moliere osłabił ostre partie, przemianował go na Tartuffe Panyulf i zdjął sutannę. W nowej formie dopuszczono do wystawienia komedię liczącą 5 aktów i zatytułowaną „Oszust” (L’imposteur), jednak po prawykonaniu 5 sierpnia 1667 roku ponownie ją wycofano. Dopiero półtora roku później „Tartuffe” został wreszcie zaprezentowany w trzeciej, finałowej edycji.

Chociaż Tartuffe nie jest w nim duchownym, najnowsze wydanie nie jest wcale łagodniejsze od oryginału. Poszerzając kontury wizerunku Tartuffe'a, czyniąc go nie tylko bigotem, hipokrytą i libertynem, ale także zdrajcą, donosicielem i oszczercą, ukazując jego powiązania ze sferą dworską, policyjną i dworską, Moliere znacząco wzmocnił rys satyryczny komedii, zamieniając ją w broszurę społeczną. Jedynym światłem w królestwie obskurantyzmu, tyranii i przemocy jest mądry monarcha, który przecina węzeł intrygi i niczym deus ex machina zapewnia komedii nagłe szczęśliwe zakończenie. Ale właśnie ze względu na swoją sztuczność i nieprawdopodobność pomyślny wynik nie zmienia niczego w istocie komedii.

"Don Juan"

Jeśli w Tartuffe Moliere atakował religię i kościół, to w Don Juanie, czyli w Kamiennej Uczcie (Don Juan, ou Le festin de pierre, 1665) przedmiotem jego satyry była feudalna szlachta. Moliere oparł sztukę na hiszpańskiej legendzie o Don Juanie, nieodpartym uwodzicielu kobiet, łamiącym boskie i ludzkie prawa. Nadał tej wędrującej fabule, która okrążyła niemal wszystkie etapy Europy, oryginalny rozwój satyryczny. Wizerunek Don Juana, ukochanego szlachetnego bohatera, ucieleśniającego całą drapieżną działalność, ambicję i żądzę władzy feudalnej szlachty w czasach jej świetności, Moliere obdarzony codziennymi cechami francuskiego arystokraty XVII wieku – utytułowanego libertyna, gwałciciel i „libertyn”, pozbawiony zasad, obłudnik, arogancki i cyniczny. Czyni Don Juana zaprzeczeniem wszelkich podstaw, na których opiera się dobrze zorganizowane społeczeństwo. Don Juan pozbawiony jest synowskich uczuć, marzy o śmierci ojca, drwi z cnót mieszczańskich, uwodzi i oszukuje kobiety, bije chłopa, który stanął w obronie panny młodej, tyranizuje sługę, nie spłaca długów i wypędza wierzycieli , bluźni, kłamie i postępuje lekkomyślnie, konkurując z Tartuffe'em i przewyższając go swoim wręcz cynizmem (por. jego rozmowa ze Sganarellem - d. V, sc. II). Moliere swoje oburzenie na szlachtę ucieleśnioną w obrazie Don Juana włożył w usta swego ojca, starego szlachcica Don Luisa i sługi Sganarelle’a, którzy każdy na swój sposób obnażali zepsucie Don Juana, wypowiadając frazy zapowiadające tyrady Figara ( na przykład: „Pochodzenie bez męstwa jest nic nie warte”, „Wolę szanować syna odźwiernego, jeśli jest człowiekiem uczciwym, niż syna koronnika, jeśli jest tak samo rozpustny jak ty, ”itd.).

Ale obraz Don Juana nie jest utkany wyłącznie z cech negatywnych. Mimo całej swojej deprawacji Don Juan ma wielki urok: jest błyskotliwy, dowcipny, odważny, a Molier, potępiając Don Juana jako nosiciela występków, jednocześnie go podziwia i składa hołd jego rycerskiemu urokowi.

"Mizantrop"

Jeśli Moliere wprowadził do Tartuffe’a i Don Juana szereg cech tragicznych, które wyłoniły się z tkanki akcji komediowej, to w Mizantropie (Le Misanthrope, 1666) cechy te nasiliły się tak bardzo, że niemal całkowicie zepchnęły element komiczny. Typowy przykład komedii „wysokiej” z wnikliwą analizą psychologiczną uczuć i przeżyć bohaterów, z przewagą dialogu nad akcją zewnętrzną, z całkowitym brakiem elementu farsowego, z podekscytowanym, patetycznym i sarkastycznym tonem z przemówień bohatera „Mizantrop” wyróżnia się w twórczości Moliera.

Alceste to nie tylko wizerunek szlachetnego potępiciela społecznych przywar, szukającego „prawdy” i jej nie znajdującego: jest też mniej schematyczny niż wiele poprzednich postaci. Z jednej strony jest to bohater pozytywny, którego szlachetne oburzenie budzi współczucie; z drugiej strony nie jest pozbawiony cech negatywnych: jest zbyt niepohamowany, nietaktowny, brakuje mu poczucia proporcji i poczucia humoru.

Później gra

Zbyt głęboka i poważna komedia „Mizantrop” została chłodno przyjęta przez publiczność, która w teatrze szukała przede wszystkim rozrywki. Aby uratować sztukę, Moliere dodał do niej błyskotliwą farsę „Doktor niechętny” (franc. Le médécin malgré lui, 1666). Błyskotka ta, która odniosła ogromny sukces i do dziś zachowała się w repertuarze, rozwinęła ulubiony motyw Moliera – szarlatanów i ignorantów. Ciekawe, że właśnie w najdojrzalszym okresie swojej twórczości, kiedy Moliere wspiął się na wyżyny komedii społeczno-psychologicznej, coraz częściej powracał do kipiącej zabawą farsy, pozbawionej poważnych zadań satyrycznych. To właśnie w tych latach Moliere napisał takie arcydzieła rozrywkowej komedii-intrygi, jak Monsieur de Poursonnac i Sztuczki Scapina (francuski Les Fourberies de Scapin, 1671). Moliere powrócił tu do pierwotnego źródła swojej inspiracji – do starożytnej farsy.

W kręgach literackich od dawna utrwalił się nieco pogardliwy stosunek do tych prymitywnych sztuk. Postawa ta wywodzi się od ustawodawcy klasycyzmu Boileau, który potępiał Moliera za błazeństwo i uleganie prostackim gustom tłumu.

Tematem przewodnim tego okresu jest wyśmiewanie burżuazji, która stara się naśladować arystokrację i związać się z nią. Temat ten jest rozwinięty w „Georges Dandin” (francuski George Dandin, 1668) i w „The Bourgeois in the Nobility”. W pierwszej komedii, która rozwija popularną fabułę „włóczęgów” w formie czystej farsy, Moliere ośmiesza bogatego „dorobnika” (francuskiego parvenu) z chłopów, który przez głupią arogancję poślubił córkę zbankrutowanego barona, otwarcie zdradzając go z markizem, wystawiając go na głupca i w końcu zmuszając do poproszenia jej o przebaczenie. Ten sam wątek zostaje jeszcze dobitniej rozwinięty w „Mieszczurze w szlachcie”, jednej z najwybitniejszych komedii-baletów Moliera, gdzie z wirtuozerską łatwością konstruuje on dialog zbliżony rytmem do tańca baletowego (por. Kwartet Kochankowie – nr III, sc. X). Ta komedia jest najgorszą satyrą na burżuazję, naśladującą szlachtę, która wyszła spod jego pióra.

W słynnej komedii „Skąpiec” (L'avare, 1668), napisanej pod wpływem „Kulki jajecznej” (francuskiej Aulularii) Plauta, Moliere po mistrzowsku rysuje odrażający obraz skąpca Harpagona (jego nazwisko stało się powszechnie znane we Francji ), którego pasja akumulacji przybrała charakter patologiczny i zagłuszyła wszelkie ludzkie uczucia.

Moliere stawia także problem rodziny i małżeństwa w swojej przedostatniej komedii „Uczone kobiety” (franc. Les femmes savantes, 1672), w której powraca do tematu „Alfonsów”, ale rozwija go znacznie szerzej i głębiej. Przedmiotem jego satyry są tutaj pedantki, które lubią naukę, a zaniedbują obowiązki rodzinne.

Kwestię rozkładu rodziny mieszczańskiej podniesiono także w ostatniej komedii Moliera „Wyimaginowany inwalida” (franc. Le malade imaginaire, 1673). Tym razem przyczyną rozpadu rodziny jest mania opiekuna domu, Argana, który wyobraża sobie, że jest chory i jest zabawką w rękach pozbawionych skrupułów i ignorancji lekarzy. Pogarda Moliera dla lekarzy przewijała się przez cały jego dramat.

Ostatnie dni życia i śmierci

Napisana przez nieuleczalnie chorego Moliera komedia „Wyimaginowany inwalida” jest jedną z jego najzabawniejszych i najweselszych komedii. Podczas czwartego przedstawienia, które odbyło się 17 lutego 1673 roku, Moliere wcielający się w rolę Argana zachorował i nie dokończył przedstawienia. Zabrano go do domu i po kilku godzinach zmarł. Arcybiskup Paryża zakazał pochówku zatwardziałego grzesznika (aktorzy musieli odpokutować na łożu śmierci) i zniósł ten zakaz jedynie na polecenie króla. Największy dramaturg Francji został pochowany w nocy, bez obrzędów, za płotem cmentarza, na którym chowano samobójców.

Lista prac

Pierwszą edycję dzieł zebranych Moliera przeprowadzili jego przyjaciele Charles Varlet Lagrange i Vino w 1682 roku.

Utwory, które przetrwały do ​​dziś

Zazdrość Barboulieu, farsa (1653)
Latający Doktor, farsa (1653)
Shaly, czyli wszystko jest nie na miejscu, komedia wierszem (1655)
Irytacja miłości, komedia (1656)
Śmieszne prymki, komedia (1659)
Sganarelle, czyli wyimaginowany rogacz, komedia (1660)
Don Garcia z Nawarry, czyli zazdrosny książę, komedia (1661)
Szkoła dla mężów, komedia (1661)
Nieznośny, komedia (1661)
Szkoła dla żon, komedia (1662)
Krytyka „Szkoły dla żon”, komedia (1663)
Wersal zaimprowizowany (1663)
Niechętne małżeństwo, farsa (1664)
Księżniczka Elidy, dzielna komedia (1664)
Tartuffe, czyli zwodziciel, komedia (1664)
Don Juan, czyli uczta kamienna, komedia (1665)
Miłość jest uzdrowicielem, komedia (1665)
Mizantrop, komedia (1666)
Niechętny lekarz, komedia (1666)
Melicert, komedia pastoralna (1666, niedokończona)
Komiks pastoralny (1667)
Sycylijczyk, czyli kochaj malarza, komedia (1667)
Amfitrion, komedia (1668)
Georges Dandin, czyli oszukany mąż, komedia (1668)
Skąpiec, komedia (1668)
Monsieur de Poursonyac, komedia-balet (1669)
Genialni kochankowie, komedia (1670)
Handlarz szlachty, komedia-balet (1670)
Psyche, tragedia-balet (1671, we współpracy z Philippe Quinault i Pierrem Corneillem)
Sztuczki Scapina, komedia farsowa (1671)
Hrabina d'Escarbagna, komedia (1671)
Uczone kobiety, komedia (1672)
Inwalida wyobrażeniowa, komedia z muzyką i tańcem (1673)

Nieprzetrwane sztuki

Zakochany lekarz, farsa (1653)
Trzej rywalizujący lekarze, farsa (1653)
Nauczyciel, farsa (1653)
Kazakin, farsa (1653)
Gorgibus w worku, farsa (1653)
Gobber, farsa (1653)
Zazdrość Gros-René, farsa (1663)
Uczeń Gros-René, farsa (1664)

Oznaczający

Moliere wywarł ogromny wpływ na dalszy rozwój komedii burżuazyjnej zarówno we Francji, jak i za granicą. Pod znakiem Moliera rozwinęła się cała komedia francuska XVIII wieku, odzwierciedlając całe złożone sploty walki klasowej, cały sprzeczny proces formowania się burżuazji jako „klasy dla siebie”, wkraczającej w walkę polityczną z system szlachecki-monarchiczny. W XVIII wieku wzorowała się na Molierze. zarówno rozrywkowa komedia Regnarda, jak i satyrycznie nacechowana komedia Lesage’a, który w swoim „Turkarze” rozwinął typ podatkowego rolnika-finansisty, krótko zarysowany przez Moliera w „Hrabinie d’Escarbanhas”. Wpływ „wysokich” komedii Moliera dały także odczuć świeckie komedie codzienne Pirona i Gresseta oraz komedie moralno-sentymentalne Detouchesa i Nivelle de Lachausse, odzwierciedlające wzrost świadomości klasowej średniej burżuazji. Nawet powstały nowy gatunek dramatu mieszczańskiego czy burżuazyjnego, to przeciwieństwo dramatu klasycznego, przygotowały komedie obyczajowe Moliera, które tak poważnie rozwinęły problemy rodziny mieszczańskiej, małżeństwa, wychowania dzieci – to główne tematy burżuazyjnego dramat.

Ze szkoły Moliera pochodził słynny twórca Wesela Figara, Beaumarchais, jedyny godny następca Moliera w dziedzinie społecznej komedii satyrycznej. Mniej znaczący jest wpływ Moliera na komedię mieszczańską XIX wieku, która była już obca podstawowej postawie Moliera. Jednak technika komediowa Moliera (zwłaszcza jego farsy) jest wykorzystywana przez mistrzów rozrywkowej komedii mieszczańskiej-waudewilu XIX wieku, od Picarda, Scribe'a i Labiche'a po Méillaca i Halévy'ego, Payerona i innych.

Wpływ Moliera poza Francją był nie mniej owocny, a w różnych krajach Europy tłumaczenia sztuk Moliera były potężnym bodźcem do powstania narodowej komedii burżuazyjnej. Miało to miejsce przede wszystkim w Anglii w okresie Restauracji (Wycherley, Congreve), a następnie w XVIII wieku za sprawą Fieldinga i Sheridana. Tak było w zacofanych gospodarczo Niemczech, gdzie zapoznanie się ze sztukami Moliera pobudziło oryginalną twórczość komediową niemieckiej burżuazji. Jeszcze większy wpływ miał komedia Moliera we Włoszech, gdzie twórca włoskiej komedii mieszczańskiej Goldoni wychował się pod bezpośrednim wpływem Moliera. Podobny wpływ Moliere wywarł w Danii na Holberga, twórcę duńskiej komedii burżuazyjno-satyrycznej, a w Hiszpanii na Moratina.

W Rosji znajomość komedii Moliera rozpoczyna się już pod koniec XVII wieku, kiedy według legendy księżna Zofia odegrała w swojej rezydencji „Niechętnego doktora”. Na początku XVIII wieku. znajdziemy je w repertuarze Piotra. Od przedstawień pałacowych Moliere przeszedł następnie do przedstawień pierwszego państwowego teatru publicznego w Petersburgu, na którego czele stał A.P. Sumarokow. Ten sam Sumarokow był pierwszym naśladowcą Moliera w Rosji. W szkole Moliera wychowywali się także najbardziej „oryginalni” rosyjscy komicy stylu klasycznego – Fonvizin, V.V. Kapnist i I.A. Krylov. Ale najgenialniejszym naśladowcą Moliera w Rosji był Gribojedow, który na obraz Chatskiego dał Molierowskiej sympatycznej wersji swojego „Mizantropa” - jednak wersja jest całkowicie oryginalna, wyrastająca w specyficznym środowisku Arakcheev-biurokratycznej Rosji lat 20. . XIX wiek Idąc za Gribojedowem, Gogol złożył hołd Molierowi, tłumacząc na język rosyjski jedną ze swoich fars („Sganarelle, czyli mąż myślący, że została oszukana przez żonę”); Ślady wpływu Moliera na Gogola są widoczne nawet w „Inspektorze Rządowym”. Późniejsza szlachecka (Suchowo-Kobylin) i mieszczańska komedia codzienna (Ostrowski) również nie uszła wpływom Moliera. W epoce przedrewolucyjnej burżuazyjni modernistyczni reżyserzy podjęli próbę scenicznej przewartościowania sztuk Moliera pod kątem uwypuklenia w nich elementów „teatralności” i scenicznej groteski (Meyerhold, Komissarzhevsky).

Po rewolucji październikowej niektóre nowe teatry, które powstały w latach dwudziestych XX wieku, włączyły do ​​swojego repertuaru sztuki Moliera. Próbowano nowego, „rewolucyjnego” podejścia do Moliera. Do najsłynniejszych należy wystawienie „Tartuffe” w Leningradzkim Państwowym Teatrze Dramatycznym w 1929 roku. Reżyseria (N. Pietrow i W. Sołowjow) przeniosła akcję komedii w XX wiek. Choć reżyserzy starali się uzasadnić swoją innowację niezbyt przekonującymi argumentami upolitycznionymi (jak mówią, spektakl „działa na linii demaskowania religijnego obskurantyzmu i bigoterii oraz na linii tartuffizmu socjalnych kompromisowców i społecznych faszystów”), nie pomogło to na długo. Spektakl został oskarżony (aczkolwiek post factum) o „wpływy formalistyczno-estetyczne” i usunięty z repertuaru, a Pietrow i Sołowjow zostali aresztowani i zginęli w obozach.

Później oficjalna radziecka krytyka literacka oznajmiła, że ​​„przy całym głębokim społecznym wydźwięku komedii Moliera, jego główna metoda, oparta na zasadach materializmu mechanistycznego, niesie ze sobą niebezpieczeństwa dla dramatu proletariackiego” (por. „Strzał” Bezymenskiego).

Pamięć

Od 1867 roku ulica Paryża w 1. dzielnicy miasta nosi imię Moliera.
Krater na Merkurym nosi imię Moliera.
Główna francuska nagroda teatralna La cérémonie des Molières, istniejąca od 1987 roku, nosi imię Moliera.

Legendy o Molierze i jego twórczości

W 1662 roku Moliere poślubił młodą aktorkę swojej trupy, Armande Béjart, młodszą siostrę Madeleine Béjart, kolejnej aktorki jego trupy. Jednak to natychmiast wywołało całą serię plotek i oskarżeń o kazirodztwo, ponieważ przypuszczano, że Armande była córką Madeleine i Moliera i urodziła się w latach ich wędrówek po prowincji. Aby uciszyć takie plotki, król został ojcem chrzestnym pierwszego dziecka Moliera i Armandy.
W 1808 roku w teatrze Odeon w Paryżu wystawiono farsę Aleksandra Duvala „Tapeta” (francuska „La Tapisserie”), prawdopodobnie adaptacja farsy Moliera „Kozak”. Uważa się, że Duval zniszczył oryginał lub kopię Moliera, aby ukryć widoczne ślady zapożyczeń, a także zmienił imiona bohaterów, jedynie ich charakter i zachowanie podejrzanie przypominały bohaterów Moliera. Dramaturg Guyot de Say podjął próbę przywrócenia pierwotnego źródła i w 1911 roku przedstawił tę farsę na scenie teatru Foley-Dramatic, przywracając jej pierwotną nazwę.
7 listopada 1919 roku w czasopiśmie Comœdia ukazał się artykuł Pierre’a Louisa „Molière – stworzenie Corneille’a”. Porównując sztuki „Amphitryon” Moliera i „Agésilas” Pierre’a Corneille’a dochodzi do wniosku, że Moliere podpisał się jedynie pod tekstem skomponowanym przez Corneille’a. Pomimo tego, że sam Pierre Louis był oszustem, idea znana dziś jako „afera Moliera-Corneille’a” rozpowszechniła się, m.in. w takich dziełach jak „Corneille w masce Moliera” Henriego Poulaya (1957), „Moliere, czyli Autor zmyślony” prawników Hippolyte Wouter i Christine le Ville de Goyer (1990), „Sprawa Moliera: wielkie oszustwo literackie” Denisa Boissiera (2004) itp.