Les principaux artistes de la Renaissance. Renaissance dans l'art et la culture

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Art de la Renaissance

La relance - nouvelle étape dans l'histoire de la culture mondiale. A cette époque, les bases étaient posées science moderne, en particulier les sciences naturelles, la littérature a atteint un niveau élevé qui, avec l'invention de l'imprimerie, a reçu des opportunités de diffusion sans précédent. Dans le même temps, un système réaliste dans l’art émerge. Le terme « Renaissance » a commencé à être utilisé au XVIe siècle. par rapport aux beaux-arts. L'auteur des Vies des peintres, sculpteurs et architectes les plus célèbres (1550), l'artiste Giorgio Vasari, a écrit sur la renaissance de l'art en Italie après de longues années de déclin au Moyen Âge. Plus tard, le concept de « Renaissance » a acquis un sens large.

Culture de la Renaissance (Rinascimento - en italien, Renaissance - en Français) est né en Europe, dans les régions économiquement les plus développées où les conditions préalables à la transition du féodalisme au stade initial du capitalisme étaient mûres.

Avec une cohérence et une force particulières, la nouvelle culture s'est manifestée dans les villes italiennes, déjà au tournant des XIVe-XVe siècles. engagé sur la voie du développement capitaliste ; Il s'est répandu aux Pays-Bas, ainsi que dans certaines villes du Rhin et du sud de l'Allemagne au XVe siècle. Cependant, le cercle d'influence de la culture de la Renaissance était beaucoup plus large et couvrait les territoires de la France, de l'Espagne, de l'Angleterre, de la République tchèque et de la Pologne, où de nouvelles tendances apparaissaient avec plus ou moins de force et sous des formes spécifiques.

La culture de la Renaissance repose sur le principe de l'humanisme, l'affirmation de la dignité et de la beauté de l'homme, de son esprit et de sa volonté, de sa forces créatrices. Contrairement à la culture du Moyen Âge, la culture humaniste et affirmée de la vie de la Renaissance était de nature laïque. La libération de la scolastique et de la dogmatique de l'Église a contribué à l'essor de la science. Une soif passionnée de connaissance du monde réel et son admiration ont conduit à la réflexion dans l'art des aspects les plus divers de la réalité et ont conféré un pathétique majestueux et une vision profonde des créations les plus significatives des artistes.

Un héritage antique nouvellement compris revêtit une grande importance dans le développement de l’art de la Renaissance. L'influence de l'Antiquité a eu le plus grand impact sur la formation de la culture de la Renaissance en Italie, où de nombreux monuments de l'art romain antique ont été conservés. La victoire du principe laïc dans la culture de la Renaissance fut une conséquence de l’affirmation sociale de la force croissante de la bourgeoisie. Cependant, l'orientation humaniste de l'art de la Renaissance, son optimisme et le caractère héroïque des images exprimaient objectivement les intérêts non seulement de la jeune bourgeoisie, mais aussi de toutes les couches progressistes de la société dans son ensemble.

L'art de la Renaissance s'est formé dans des conditions où les fondements du mode de vie féodal étaient ébranlés et où les relations bourgeoises-capitalistes avec toute leur moralité marchande et leur hypocrisie sans âme n'avaient pas encore pris forme. Les conséquences de la division capitaliste du travail, préjudiciables au développement de l'individu, n'ont pas encore eu le temps de se manifester ; le courage, l'intelligence, la débrouillardise, la force de caractère n'ont pas encore perdu de leur importance. Cela a créé l’illusion de l’infini dans le développement progressif des capacités humaines. L'idéal d'une personnalité titanesque s'affirme dans l'art. L'art de la Renaissance était de nature sociale. C'est cette particularité qui le rapproche de l'art de la Grèce classique. Et en même temps, dans l'art de la Renaissance, en particulier à la fin, l'image d'une personne s'incarnait, dans laquelle les traits de l'originalité individuelle étaient combinés avec des qualités socialement typiques.

La peinture a connu un épanouissement sans précédent, révélant d'énormes possibilités dans la représentation des phénomènes de la vie, de l'homme et de son environnement. Développement des sciences, développement du linéaire, puis perspective aérienne, l'étude des proportions et de l'anatomie humaine - tout cela a contribué à l'établissement en peinture d'une méthode basée sur le reflet de la réalité avec des images de la réalité elle-même.

Les nouvelles exigences auxquelles l’art est confronté ont conduit à l’enrichissement de ses types et genres.
Dans un monumental Peinture italienne la fresque domine. Depuis le XVe siècle La peinture sur chevalet occupe une place de plus en plus importante, dans le développement de laquelle les maîtres hollandais ont joué un rôle particulier. Parallèlement aux genres de peinture religieuse et mythologique existants, remplis de sens nouveau, le portrait est apparu et la peinture historique et paysagère est apparue.

En Allemagne et aux Pays-Bas, où les mouvements populaires ont créé un besoin d’art répondant rapidement et activement aux événements actuels, la gravure s’est répandue et a été souvent utilisée dans la décoration des livres.

Le processus d'isolement de la sculpture, entamé au Moyen Âge, s'achève : à côté des sculptures décoratives décorant les bâtiments, apparaissent des sculptures rondes indépendantes - de chevalet et monumentales. Le relief décoratif a acquis le caractère d’une composition à plusieurs figures construite en perspective.

Les idéaux de l'humanisme s'exprimaient dans l'architecture, dans l'aspect clair et harmonieux des bâtiments, dans le langage classique de leurs formes, dans leurs proportions et leurs échelles liées à l'homme.

Le personnage a changé arts appliqués, qui empruntait les formes et les motifs de l'ornementation de la vie et de l'Antiquité et n'était pas tant associé à l'église qu'aux ordres laïcs. Son caractère général joyeux, la noblesse des formes et des couleurs reflétaient ce sentiment d'unité de style inhérent à tous les types d'art de la Renaissance, constituant une synthèse de l'art sur la base d'une coopération égale de tous ses types.

L'art de la Renaissance a traversé les étapes du début (XVe siècle, correspond à l'époque de l'émergence de la production capitaliste dans certaines villes d'Italie, d'Allemagne, des Pays-Bas), du Haut (années 90 du XVe siècle - le premier tiers de XVIe siècle) et fin de la Renaissance (seconde moitié du XVIe siècle).
DANS différents pays cela s'est manifesté de différentes manières. Par exemple, il n’y a pas eu de Haute Renaissance aux Pays-Bas. Le pays classique de la Renaissance était l'Italie, où les périodes de la Proto-Renaissance (un signe avant-coureur de la Renaissance), de la première, de la Haute et de la fin de la Renaissance se distinguent clairement, et dans le cadre de la fin de la Renaissance, ainsi que l'art humaniste, direction maniériste décadente, qui ne contribue pas à la connaissance de la réalité, s'est généralisé.

Dans la seconde moitié du XVIe siècle. V Europe de l'Ouest une crise de la culture spirituelle s'annonce, provoquée par de profonds bouleversements sociaux - la soi-disant révolution des prix, qui a provoqué de profonds changements sociaux - la paupérisation des masses, la destruction des domaines féodaux, guerre civile en France, les affrontements politiques associés à la révolution néerlandaise, les assauts violents de la Contre-Réforme. Dans une Italie fragmentée comme en Allemagne, le petit despotisme princier s’installe. Une campagne contre l’humanisme sous toutes ses manifestations est en train d’être lancée en Europe. Cependant, l'humanisme était trop puissant et un phénomène vital disparaître sans une lutte héroïque pour leurs idéaux élevés. Dans ces conditions de la dernière étape de la Renaissance, un « humanisme tragique » surgit, révélant plus profondément les contradictions entre la personnalité humaine et la société qui l'entoure, le fossé cruel entre les idéaux de la Renaissance et les forces hostiles anti-humanistes qui commencent à émerger. la victoire dans la société est réalisée. Outre l'Italie, les Pays-Bas, la France et l'Angleterre connaissent également la fin de la Renaissance. Cette étape donne naissance aux fruits les plus riches et les plus mûrs de la Renaissance dans l'art et la littérature - en eux s'épanouit le réalisme, rempli de tragédie interne.

L'art italien de la Renaissance avait un caractère unique et, à toutes les étapes de près de trois siècles de développement, il a atteint des sommets créatifs exceptionnels. L'ampleur grandiose de la culture de la Renaissance, le grand nombre d'œuvres remarquables par rapport aux petits territoires où elles ont été créées, suscitent encore surprise et admiration. Toutes les formes d’art étaient en plein essor. Dans diverses régions d'Italie, des écoles locales de peinture se sont développées, produisant des artistes dont quête créative ont trouvé leurs plus hautes réalisations dans l'art des titans de la Renaissance - Léonard de Vinci, Raphaël, Michel-Ange, Titien.

L'art a acquis un rôle énorme dans la vie publique ; il est devenu un besoin urgent pour les gens de cette époque. La construction de bâtiments publics était considérée comme une question d'importance civique ; l'ouverture des monuments les plus importants était devenue une fête nationale.

La première montée d’une nouvelle culture en Italie remonte aux XIIe et XIIIe siècles. Les villes de l'État du nord de l'Italie, dirigées par Venise, se sont emparées du commerce intermédiaire entre l'Europe occidentale et l'Est. Florence, Sienne et Milan deviennent de grands centres de production artisanale. Le pouvoir politique y était concentré entre les mains des marchands et des artisans, réunis en guildes, ils s'opposèrent activement aux seigneurs féodaux locaux et contribuèrent à repousser les assauts des conquérants étrangers (principalement les empereurs allemands). Dans des conditions d’indépendance politique, de nouvelles formes de structure capitaliste sont apparues dans les villes. Ces changements ont provoqué des changements fondamentaux dans la vision du monde et la culture, caractérisés par un intérêt pour l'homme en tant que personnalité pensante et sensible, dans l'Antiquité. Sur stade précoce la culture de l’ère de transition était en grande partie caractère controversé, le nouveau coexistait souvent avec l'ancien, ou était revêtu de formes traditionnelles.

Un tournant décisif vers le dépassement de la tradition médiévale dans l'art italien s'est produit au XVe siècle. (quattrocento). A cette époque, diverses écoles territoriales voient le jour, ouvrant la voie à la méthode réaliste. Florence reste le principal centre de culture humaniste et d'art réaliste.

L'art de la Haute Renaissance remonte à la fin du XVe siècle. et les trois premières décennies
XVIe siècle L'« âge d'or » de l'art italien fut chronologiquement très bref et ce n'est qu'à Venise qu'il dura plus longtemps, jusqu'au milieu du siècle. Mais c’est à cette époque que naissent les merveilleuses créations des titans de la Renaissance.

Le plus haut essor de la culture a eu lieu au cours de la période historique la plus difficile de la vie de l'Italie, dans des conditions de fort affaiblissement économique et politique des États italiens. Les conquêtes turques à l'Est, la découverte de l'Amérique et une nouvelle route maritime vers l'Inde privent les villes italiennes de leur rôle de centres commerciaux les plus importants ; la désunion et l’hostilité intestine constante en font des proies faciles pour les États du Nord-Ouest de plus en plus centralisés. Le mouvement des capitaux à l'intérieur du pays du commerce et de l'industrie vers l'agriculture et la transformation progressive de la bourgeoisie en classe de propriétaires fonciers ont contribué à la propagation de la réaction féodale. L’invasion des troupes françaises en 1494, les guerres dévastatrices des premières décennies du XVIe siècle et la défaite de Rome affaiblissent grandement l’Italie. C'est à cette époque, alors que la menace d'un asservissement complet par des conquérants étrangers planait sur le pays, que la force du peuple se révéla, entrant dans la lutte pour l'indépendance nationale, pour une forme de gouvernement républicaine et pour sa conscience nationale. grandissait. En témoignent les mouvements populaires du début du XVIe siècle. dans de nombreuses villes italiennes, et en particulier à Florence, où le régime républicain s'établit à deux reprises : de 1494 à 1512 et de 1527 à 1530. Un immense essor social servit de base à l'épanouissement de la puissante culture de la Haute Renaissance. Dans les conditions difficiles des premières décennies du XVIe siècle. Les principes de la culture et de l'art d'un nouveau style ont été formés.

Un trait distinctif de la culture de la Haute Renaissance était l'extraordinaire expansion des horizons sociaux de ses créateurs, l'ampleur de leurs idées sur le monde et l'espace. Le point de vue d'une personne et son attitude envers le monde changent. Le type même d’artiste, sa vision du monde et sa position dans la société sont résolument différents de ceux qu’occupaient les maîtres du XVe siècle, encore largement associés à la classe des artisans. Les artistes de la Haute Renaissance ne sont pas seulement des gens de grande culture, mais personnalités créatives, libéré du cadre de la fondation corporative, obligeant les représentants des classes dirigeantes à tenir compte de leurs projets.

Au centre de leur art, généralisé dans le langage artistique, se trouve l'image d'un idéal personne merveilleuse parfait physiquement et spirituellement, non abstrait de la réalité, mais rempli de vie, de force intérieure et de signification, du pouvoir titanesque de l'affirmation de soi. Les centres les plus importants du nouvel art, avec Florence, au début du XVIe siècle. devenir Rome papale et Venise patricienne. Depuis les années 30, la réaction féodale-catholique s'est développée en Italie centrale,
et parallèlement à lui, un mouvement artistique décadent, appelé maniérisme, se propage. Et déjà dans la seconde moitié du XVIe siècle. des tendances de l’art anti-maniériste émergent.

Dans cette période tardive, où seuls les centres individuels de la culture de la Renaissance conservent leur rôle, ce sont eux qui produisent les œuvres artistiques les plus significatives. Ce sont les créations tardives de Michel-Ange, Palladio et des grands Vénitiens.

La seconde moitié du XVIe siècle constitue une période de transition complexe dans l’art vénitien, marquée par l’imbrication de diverses tendances. Avec l'intensification de la crise économique à Venise et la réaction féodale-catholique croissante dans toute l'Italie, une transition progressive des idéaux artistiques de la Haute Renaissance à la fin de la Renaissance s'opérait dans la culture vénitienne. La perception du monde devient plus complexe, la dépendance d’une personne à l’égard de l’environnement est mieux prise en compte, les idées sur la variabilité de la vie se développent et les idéaux d’harmonie et d’intégrité de l’univers se perdent.

Une sorte de centre de l'art de la Renaissance des XVe et XVIe siècles. il y avait les Pays-Bas - l'un des pays les plus riches et les plus avancés d'Europe, qui ont rivalisé avec succès dans le commerce et l'industrie avec les villes italiennes et les ont progressivement évincées du marché mondial. Cependant, le processus de formation de la culture de la Renaissance s'est déroulé plus lentement aux Pays-Bas qu'en Italie et s'est accompagné de compromis entre l'ancien et le nouveau. Jusqu'à la fin du 14ème siècle. L'art hollandais s'est développé sous des formes traditionnellement religieuses, absorbant les réalisations avancées du gothique français et allemand. Commencer développement indépendant l'art remonte à la fin du XIVe siècle, lorsque les provinces néerlandaises furent unies de force sous le règne des ducs de Bourgogne (1363-1477) en un État « intermédiaire » (Engels) indépendant situé entre la France et l'Allemagne ; elle comprenait la Flandre, la Hollande et de nombreuses provinces situées entre la Meuse et l'Escaut. Hétérogène sur le plan ethnique, économique et politique, parlant divers dialectes romans et origine allemande, ces provinces et leurs villes n'ont créé un État national unique qu'à la fin du XVIe siècle. Parallèlement à la croissance économique rapide, au mouvement démocratique des villes de libre-échange et d'artisanat et à l'éveil de la conscience nationale, une culture s'épanouit, à bien des égards similaire à la Renaissance italienne. Les principaux centres du nouvel art et de la culture étaient les riches villes des provinces méridionales de la Flandre et du Brabant (Bruges, Gand, Bruxelles, Tournai et plus tard Anvers). La culture bourgeoise urbaine avec son culte de la sobriété pratique s'est développée ici à côté de la culture luxuriante de la cour princière, qui s'est développée sur le sol franco-bourguignon.

Particularités développement historique Les Pays-Bas ont donné naissance à une coloration unique de l'art. Les fondements et les traditions féodales y furent préservés jusqu'à la fin du XVIe siècle, même si l'émergence de relations capitalistes, qui brisèrent l'isolement de classe, conduisit à un changement dans l'appréciation de la personnalité humaine en fonction de la place réelle qu'elle commença à occuper dans vie. Les villes néerlandaises n'ont pas acquis l'indépendance politique que les villes communales avaient en Italie. Dans le même temps, grâce au mouvement constant de l’industrie vers les campagnes, le développement capitaliste a pénétré dans les couches plus profondes de la société néerlandaise, jetant les bases d’une plus grande unité nationale et du renforcement de l’esprit d’entreprise qui unissait certains groupes sociaux. Le mouvement de libération ne s'est pas limité aux villes. La force de combat décisive était la paysannerie. La lutte contre la féodalité prend donc des formes plus aiguës. A la fin du 16ème siècle. il devint un puissant mouvement de Réforme et se termina par la victoire de la révolution bourgeoise.

L'art hollandais acquit un caractère plus démocratique que l'art italien.
Il présente de forts traits de folklore, de fantaisie, de grotesque et de satire acérée, mais sa principale caractéristique est sentiment profond l'unicité nationale de la vie, les formes populaires de culture, le mode de vie, les coutumes, les types, ainsi que l'affichage des contrastes sociaux dans la vie des différentes couches de la société. Contradictions sociales la vie de la société, le règne de l'hostilité et de la violence en elle, la diversité des forces opposées exacerbaient la conscience de sa disharmonie. D'où les tendances critiques de la Renaissance hollandaise, manifestées par la floraison d'un grotesque expressif et parfois tragique dans l'art et la littérature, souvent caché sous le couvert d'une plaisanterie « pour dire la vérité aux rois avec le sourire » (Erasme de Rotterdam. « Un mot d’éloge pour la bêtise »). Une autre caractéristique de la culture artistique néerlandaise de la Renaissance est la stabilité des traditions médiévales, qui ont largement déterminé le caractère du réalisme néerlandais aux XVe et XVIe siècles. Tout ce qui était nouveau et qui avait été révélé aux gens au cours d'une longue période de temps était appliqué à l'ancien. système médiéval vues, ce qui limitait les possibilités de développement indépendant de nouvelles vues, mais obligeait en même temps à assimiler les éléments précieux contenus dans ce système.

L'intérêt pour les sciences exactes, le patrimoine antique et la Renaissance italienne est apparu aux Pays-Bas dès le XVe siècle. Au 16ème siècle Avec l'aide de ses « paroles » (1500), Érasme de Rotterdam « a percé le secret des mystères » des érudits et a introduit la sagesse ancienne, vivante et libre, dans la vie quotidienne de larges cercles de « non-initiés ». Cependant, dans l'art, se tournant vers les réalisations du patrimoine antique et des Italiens de la Renaissance, les artistes néerlandais ont suivi leur propre voie. L'intuition remplacée approche scientifiqueà l'image de la nature. Le développement des principaux problèmes de l'art réaliste - maîtriser les proportions de la figure humaine, construire l'espace, le volume, etc. - a été réalisé grâce à l'observation directe et aiguë de phénomènes individuels spécifiques. En cela, les maîtres hollandais ont suivi la tradition gothique nationale, qu'ils ont, d'une part, surmontée et, d'autre part, repensée et développée vers une généralisation consciente et ciblée de l'image, compliquant les caractéristiques individuelles.

Les succès obtenus par l'art hollandais dans ce sens ont préparé les acquis du réalisme au XVIIe siècle. Contrairement à l’art italien, l’art de la Renaissance hollandaise n’est pas parvenu à établir la domination illimitée de l’image de l’homme titanesque parfait. Comme au Moyen Âge, l’homme semblait aux Néerlandais faire partie intégrante de l’univers, tissé dans son ensemble spirituel complexe. L'essence de l'homme à la Renaissance n'était déterminée que par le fait qu'il était reconnu comme la plus grande valeur parmi les multiples phénomènes de l'Univers. L'art néerlandais se caractérise par une vision nouvelle et réaliste du monde, une affirmation de la valeur artistique de la réalité telle qu'elle est, une expression du lien organique entre l'homme et son environnement et une compréhension des possibilités que la nature et la vie offrent. homme. En représentant une personne, les artistes s'intéressent à la caractéristique et au spécial, à la sphère de la vie quotidienne et spirituelle ; Ils captent avec enthousiasme la diversité des individualités des hommes, la richesse colorée inépuisable de la nature, sa diversité matérielle, ils ressentent subtilement la poésie des choses du quotidien, inaperçues mais proches des hommes, le confort des intérieurs habités. Ces caractéristiques de la perception du monde se sont manifestées dans Peinture hollandaise et graphiques des XVe et XVIe siècles. V genre de tous les jours, portrait, intérieur, paysage. Ils ont révélé l'amour typiquement néerlandais pour les détails, le caractère concret de leur représentation, de leur narration, la subtilité de la transmission des ambiances et en même temps une étonnante capacité à reproduire une image holistique de l'univers avec son infinité spatiale.

Les nouvelles tendances se sont manifestées de manière inégale divers types art. Architecture et sculpture jusqu'au XVIe siècle. développé au sein style gothique. Le tournant qui s'est produit dans l'art du premier tiers du XVe siècle s'est reflété le plus pleinement dans la peinture. Son plus grande réussite associé à l'émergence de la peinture de chevalet en Europe occidentale, qui a remplacé les peintures murales des églises romanes et les vitraux gothiques. Les peintures de chevalet sur des thèmes religieux étaient à l’origine des œuvres de peinture d’icônes. Sous forme de plis peints avec Evangile et histoires bibliques ils décoraient les autels des églises. Peu à peu, des sujets profanes ont commencé à être inclus dans les compositions d'autel, qui ont ensuite reçu sens indépendant. Peinture sur chevalet se sépare de la peinture d'icônes et devient partie intégrante des intérieurs des maisons riches et aristocratiques.

Pour les artistes néerlandais, le principal moyen expression artistique– la couleur, qui ouvre la possibilité de recréer des images visuelles dans leur richesse colorée avec la plus grande tangibilité. Les Néerlandais étaient sensibles aux différences subtiles entre les objets, reproduisant la texture des matériaux, les effets optiques - l'éclat du métal, la transparence du verre, le reflet d'un miroir, les caractéristiques de réfraction de la lumière réfléchie et diffusée, l'impression atmosphère aérienne paysage qui s'étend au loin. Comme dans le vitrail gothique, dont la tradition a joué un rôle important dans le développement de la perception picturale du monde, la couleur a été le principal moyen de transmettre la richesse émotionnelle de l'image. Le développement du réalisme a provoqué aux Pays-Bas une transition de la détrempe à la peinture à l'huile, ce qui a permis de reproduire de manière plus illusoire la matérialité du monde.

Amélioration de la technologie connue au Moyen Âge peinture à l'huile, le développement de nouveaux composés est attribué à Jan van Eyck. Application peinture à l'huile et des substances résineuses dans peinture sur chevalet, l'appliquer en couche fine et transparente sur la sous-couche et l'apprêt à la craie blanche ou rouge accentuait la saturation, la profondeur et la pureté des couleurs vives, élargissait les possibilités de peinture - permettait d'obtenir une richesse et une variété de couleurs, les transitions tonales les plus fines .

La peinture et la méthode durables de Jan van Eyck sont restées presque inchangées jusqu'aux XVe et XVIe siècles. dans la pratique d'artistes d'Italie, de France, d'Allemagne et d'autres pays.

Vers la fin du XVe - premier tiers du XVIe siècle. L'art de la Renaissance s'est également développé en Allemagne. C'est une période de plus grande tension créatrice, d'éveil d'un intérêt passionné pour l'individualité humaine, de recherche de nouveaux moyens de comprendre la réalité. La riche expérience de l’art italien et néerlandais a permis à la culture artistique allemande de progresser. Mais les artistes allemands étaient attirés par d’autres aspects de la vie que les Italiens. Comme les Néerlandais, ils se tournèrent vers la vie spirituelle la plus intime de l’homme, ses expériences et ses conflits psychologiques. L'image d'une personne est ici marquée soit par la rêverie et la profonde sincérité, soit par la sévérité et les pulsions rebelles, et par le drame des passions.

Fidèle à la vérité de la vie, l'art allemand était moins rationnel, il était inférieur à l'italien dans le développement des fondements scientifiques, il n'avait pas ces vues philosophiques systématiquement rationalistes qui conduisaient parmi les Italiens à une foi inconditionnelle dans l'esprit humain. Luttant pour savoir scientifique le monde n’a pas diminué le rôle de l’imagination.
L'art allemand a invariablement montré l'attitude personnelle et enthousiaste de ses créateurs envers le monde, la capacité de voir la vie dans sa complexité et sa variabilité. L’attrait pour un idéal harmonieux et des formes classiques complètes s’associe à un sens aigu de l’individualité unique. Ce n'est pas un hasard si les réalisations les plus significatives ici sont associées au portrait.

L'art de la Renaissance allemande est à bien des égards proche de celui des Pays-Bas ; c'est le même sens développé individuel, une même perception des phénomènes de la vie en relation étroite avec l'environnement. Cela détermine l'importance particulière du paysage et de l'intérieur dans la résolution de la structure émotionnelle des images. La compréhension plastique des formes se conjugue avec une solution picturale émotionnelle aux problèmes de lumière et de tonalité, ce qui est important pour révéler l'interconnexion des phénomènes ; ce fut la réalisation la plus importante de l'école allemande du XVIe siècle, anticipant la recherche du noir ; tétras au 17ème siècle.

Comparativement à l’Italie et aux Pays-Bas, où l’art de la Renaissance a prospéré plus tôt, de nouvelles tendances sont apparues tardivement dans l’art allemand. Au XVe siècle L'art allemand était presque exclusivement religieux et les traditions médiévales y continuaient à vivre. La soudaineté et la brutalité du saut qui s'est produit à la veille des XVe et XVIe siècles ont donné lieu à des contrastes, des contradictions et des combinaisons inattendues de tendances anciennes et nouvelles dans l'art de la Renaissance allemande en général et dans l'œuvre de certains maîtres. L'art allemand n'a pas connu le développement synthétique de l'architecture, de la sculpture et de la peinture qui a accompagné l'apogée de la Renaissance italienne, où de nombreux artistes majeurs ont travaillé dans diverses formes d'art. Il porte le sceau de la discorde et de la tragédie, qui abondaient dans la vie sociale de l'Allemagne au XVIe siècle.

La raison de la complexité du développement de l'art en Allemagne est enracinée dans les particularités du développement historique du pays, qui se sont produits à la fin des XVe et XVIe siècles. arène des conflits sociaux les plus profonds.
Dans la première moitié du XVIe siècle. L’Allemagne, qui faisait partie du puissant empire des Habsbourg, restait économiquement arriérée et politiquement fragmentée. De nombreuses villes et villages d'Allemagne, loin des centres avancés impliqués dans le commerce mondial, ont végété dans les dures conditions du Moyen Âge. Comme dans aucun autre pays, la lutte de la bourgeoisie, de la paysannerie et des masses plébéiennes contre la féodalité a pris ici le caractère d'une crise générale. Au début du XVIe siècle. Le premier grand soulèvement national des bourgeois a eu lieu en Allemagne. Sa lutte contre la noblesse, contre les grands princes féodaux, contre le soulèvement des bourgeois et contre un vaste mouvement populaire a donné naissance à la Réforme.

La Grande Guerre Paysanne, avec ses idéaux d’égalité universelle de propriété, a marqué le point culminant du mouvement révolutionnaire. La montée des forces créatrices de la société accompagnant la révolution a créé les conditions d'un épanouissement global, mais de courte durée, de la culture allemande.
En Allemagne, elle Les plus grandes villes les idées d'humanisme se sont répandues, la science s'est développée. Contrairement aux hérésies médiévales, la Réforme défendait avec persistance la valeur des choses terrestres et appelait chacun à suivre sa vocation et à s'améliorer. L'enseignement de Luther cultivait un principe efficace chez l'individu. Müntzer prêchait le travail actif parmi le peuple, le refus de satisfaire ses passions personnelles. Comme aucun autre pays d’Europe occidentale au début du XVIe siècle, l’art en Allemagne fut entraîné dans le tourbillon de la lutte de libération paysanne. Les principes du réalisme et de nouveaux idéaux y ont été établis. Une graphique politique se développe : tracts, pamphlets, caricatures. Beaucoup Artistes allemands sont devenus des participants à la lutte politique et religieuse et ont été persécutés (sculpteur T. Riemenschneider, artistes M. Grunewald, G. Greifenberg, G. Plattner, P. Lautensack). L'invention de l'imprimerie a contribué à la diffusion littérature scientifique, brochures politiques, satire de combat («Lettres des gens noirs»), brochures non seulement en littérature, mais aussi en beaux-arts (étudiants de Dürer - B. et G. Beham, G. Penz).

Luther « créa la prose allemande moderne et composa le texte et la mélodie de ce choral triomphant qui devint la Marseillaise du XVIe siècle ». L’essor de l’illustration de livres, de la caricature et de la gravure de chevalet remonte à cette époque. De nouvelles tendances se manifestent clairement dans le domaine de la gravure, la forme d'art la plus populaire, moins contrainte par la tradition (la gravure est apparue au début du XVe siècle). Cependant, d’autres formes d’art se sont également engagées sur la voie de la transformation.



Table des matières
Histoire de l'art étranger.
Plan didactique
Sujet d'histoire de l'art
Art roman
Art roman
Art de la Renaissance
Art du XVIIe siècle : baroque, classicisme
Art d'Europe occidentale des XVIIIe et XIXe siècles
Les principaux problèmes du développement de la culture artistique du XXe siècle
Toutes les pages

  • Culture et civilisation
    • Culture et civilisation - page 2
    • Culture et civilisation - page 3
  • Typologie des cultures et civilisations
    • Typologie des cultures et civilisations - page 2
    • Typologie des cultures et civilisations - page 3
  • Société primitive : naissance de l'homme et de la culture
  • Histoire et culture des anciennes civilisations de l'Est
    • L'Orient comme phénomène socioculturel et civilisationnel
    • Cultures pré-axiales Orient ancien
    • Culture de l'Inde ancienne
      • Vision du monde et croyances religieuses
      • Culture artistique
    • Culture de la Chine ancienne
      • Niveau de développement de la civilisation matérielle
      • L'État et la genèse des liens sociaux
      • Vision du monde et croyances religieuses
      • Culture artistique
  • L'Antiquité - la base de la civilisation européenne
    • Caractéristiques générales et principales étapes de développement
    • La polis antique comme phénomène unique
    • La vision du monde de l'homme dans la société ancienne
    • Culture artistique
  • Histoire et culture Moyen Âge européen
    • Caractéristiques générales du Moyen Âge européen
    • Culture matérielle, économie et conditions de vie au Moyen Âge
    • Systèmes sociaux et politiques du Moyen Âge
    • Images médiévales du monde, systèmes de valeurs, idéaux humains
      • Images médiévales du monde, systèmes de valeurs, idéaux humains - page 2
      • Images médiévales du monde, systèmes de valeurs, idéaux humains - page 3
    • Culture artistique et art du Moyen Âge
      • Culture artistique et art du Moyen Âge - page 2
  • Orient arabe médiéval
    • Caractéristiques générales de la civilisation arabo-musulmane
    • Développement économique
    • Relations sociopolitiques
    • Caractéristiques de l'Islam en tant que religion mondiale
    • Culture artistique
      • Culture artistique - page 2
      • Culture artistique - page 3
  • civilisation byzantine
    • Image byzantine du monde
  • civilisation byzantine
    • Caractéristiques générales de la civilisation byzantine
    • Systèmes sociaux et politiques de Byzance
    • Image byzantine du monde
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    • Culture artistique et art de Byzance
      • Culture artistique et art de Byzance - page 2
  • La Russie au Moyen Âge
    • Caractéristiques générales de la Rus' médiévale
    • Économie. Structure des classes sociales
      • Économie. Structure des classes sociales - page 2
    • Evolution du système politique
      • Evolution du système politique - page 2
      • Evolution du système politique - page 3
    • Le système de valeurs de la Rus' médiévale. Culture spirituelle
      • Le système de valeurs de la Rus' médiévale. Culture spirituelle - page 2
      • Le système de valeurs de la Rus' médiévale. Culture spirituelle - page 3
      • Le système de valeurs de la Rus' médiévale. Culture spirituelle - page 4
    • Culture artistique et art
      • Culture artistique et art - page 2
      • Culture artistique et art - page 3
      • Culture artistique et art - page 4
  • Renaissance et Réforme
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  • Histoire et culture de la Russie en fin XIX- début du 20ème siècle
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    • La conscience sociale dans les années 90 : principales tendances de développement
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    • Développement de la culture

    • Art de la Renaissance

    La Renaissance est l'apogée de tous les arts, y compris le théâtre, la littérature et la musique, mais, sans aucun doute, le principal d'entre eux, qui exprimait le plus pleinement l'esprit de son temps, était les beaux-arts.

    Ce n'est pas un hasard s'il existe une théorie selon laquelle la Renaissance a commencé avec le fait que les artistes ont cessé de se contenter du cadre du style « byzantin » dominant et, à la recherche de modèles pour leur créativité, ont été les premiers à se tourner vers l'Antiquité. Il fut l’un des premiers à abandonner la « manière byzantine » et commença à utiliser la sculpture en clair-obscur des personnages de Pietro Cavallini dans des fresques. Mais le plus grand maître de la Proto-Renaissance, Giotto, commença pour la première fois à créer des peintures au lieu d'icônes.

    Il fut le premier à s'efforcer de transmettre des idées éthiques chrétiennes à travers la représentation de sentiments et d'expériences humaines réelles, remplaçant le symbolisme par la représentation de l'espace réel et d'objets spécifiques. Sur fresques célèbres Giotto, dans la chapelle Arena de Padoue, peut voir à côté des saints des personnages assez inhabituels : des bergers ou une fileuse. Chaque individu de Giotto exprime des expériences très spécifiques, un caractère spécifique.

    A l'époque de Ducento (XIIIe siècle) en Italie, au lieu de langue littéraire Le Moyen Âge - le latin - a progressivement formé la langue nationale - l'italien. Le plus grand écrivain de l'époque, Dante Alighieri (1256-1321), apporta une grande contribution à sa création. Dans son premiers travaux « Nouvelle vie", écrit en italien, Dante raconte l'histoire de son amour pour Béatrice, depuis leur première rencontre alors qu'ils n'étaient encore que des enfants, jusqu'à la mort de sa bien-aimée alors qu'elle avait 18 ans.

    Il porte toute sa vie l’image d’une simple citadine, exaltée par l’amour du poète. Et tout à fait dans l'esprit de la Renaissance, la scène de sa « Divine Comédie », dans laquelle il représente sa Béatrice assise sur une charrette, symbolisant l'Église aux portes du Purgatoire.

    Au début de la Renaissance, l'art de l'Antiquité était maîtrisé patrimoine artistique, de nouveaux idéaux éthiques se forment, les artistes se tournent vers les acquis de la science (mathématiques, géométrie, optique, anatomie). Florence a joué un rôle de premier plan dans la formation des principes idéologiques et stylistiques de l'art du début de la Renaissance. Dans les images créées par des maîtres tels que Donatello et Verrocchio, les principes héroïques et patriotiques dominent (« Saint-Georges » et « David » de Donatello et « David » de Verrocchio).

    Le fondateur de la peinture de la Renaissance est Masaccio (peintures de la chapelle Brancacci, « Trinité ») Masaccio a su transmettre la profondeur de l'espace, relier la figure et le paysage avec un seul concept de composition et donner aux individus une expressivité de portrait. Mais la formation et l'évolution portrait pittoresque, reflétant l'intérêt de la culture de la Renaissance pour l'homme, sont associés aux noms d'artistes de l'école umrbienne : Piero della Francesca, Pinturicchio.

    L'œuvre de l'artiste Sandro Botticelli se démarque au début de la Renaissance. Les images qu'il a créées sont spirituelles et poétiques. Les chercheurs notent l’abstraction et l’intellectualisme sophistiqué dans les œuvres de l’artiste, son désir de créer des compositions mythologiques au contenu compliqué et crypté (« Printemps », « Naissance de Vénus »).

    L’un des auteurs de la vie de Botticelli a dit que ses Madones et Vénus donnent une impression de perte, provoquant en nous un sentiment de tristesse indélébile... Certaines d’entre elles ont perdu le ciel, d’autres ont perdu la terre.

    Le point culminant du développement des principes idéologiques et artistiques de la Renaissance italienne est la Haute Renaissance. Léonard de Vinci est considéré comme le fondateur de l'art de la Haute Renaissance. Grand artiste et scientifique.

    Il a créé plusieurs chefs-d'œuvre : « Mona Lisa » (« La Gioconda »), « Benois Madonna » et « Madonna Litta », « Dame à l'hermine ». Dans son œuvre, Léonard a cherché à exprimer l'esprit de l'homme de la Renaissance. Il a cherché des sources de formes d'art parfaites dans la nature, mais c'est lui que N. Berdiaev considère comme responsable du prochain processus de mécanisation et de mécanisation. vie humaine, qui séparait l'homme de la nature.

    La peinture atteint l'harmonie classique dans les œuvres de Raphaël. Son art évolue depuis les premières images froidement distantes de Madones ombriennes (« Madonna Conestabile ») jusqu’au monde du « christianisme heureux » des œuvres florentines et romaines. « Madonna with the Goldfinch » et « Madonna in the Armchair » sont douces, humaines et même ordinaires dans leur humanité.

    Mais l'image de la « Madone Sixtine » est majestueuse, reliant symboliquement les mondes céleste et terrestre. Surtout, Raphaël est connu comme le créateur d'images douces de Madones. Mais en peinture il incarne aussi l’idéal de la Renaissance homme universel(portrait de Castiglione) et le drame des événements historiques.

    Michel-Ange est un maître qui a combiné dans son art une belle physicalité avec la profonde spiritualité des images héritées de la culture chrétienne médiévale. Déjà dans les premières œuvres de Michel-Ange, sa vision tragique du monde (« Crucifixion »), son subtil psychologisme des images et sa virtuosité technique (« Lamentation du Christ » de la basilique Saint-Pierre) étaient évidents. Michel-Ange crée également sa propre conception de l'histoire humaine (le plafond pittoresque de la Chapelle Sixtine).

    Une place particulière à l'époque de la Haute Renaissance est occupée par l'école vénitienne, dans laquelle la jouissance de la vie et l'amour de la nature se conjuguaient avec un idéal humaniste (les œuvres de Giorgione, Titien). La Renaissance ultérieure et le maniérisme reflètent la crise des idéaux humanistes de la Renaissance.

    Durant cette période, l’œuvre de Michel-Ange reflète la tragédie croissante de sa vision du monde (images de la Chapelle Médicis, notamment « La Nuit », « Jugement dernier"et fresques de la Chapelle Paolina). Les artistes qui perpétuent les traditions de la Haute Renaissance ont un désir croissant de décoration et de splendeur (Véronèse), le subjectivisme et le spiritualisme se développent.

    Pour les maniéristes, l'image se construit non pas sur la base de l'étude de la nature, comme c'était le cas des artistes de la Renaissance, mais sur leur ressenti intérieur. Le maniérisme entremêle de manière complexe le mysticisme et les idéaux de la culture de cour ; il regorge d'allégories et de plasticité artistique. Dans le maniérisme, il y a un déni de la tradition de la Renaissance (Corrège, Amanti, etc.).

    Parallèlement à la crise de l'art de la Renaissance en Italie, il prospéra aux Pays-Bas et en Allemagne.

    Jan van Eyck est la figure centrale de la première période de la Renaissance nordique. Son œuvre reflète l'une des caractéristiques fondamentales de cet art : un lien étroit avec l'art du gothique tardif. Le retable de Gand, réalisé par les frères van Eyck, combine dans sa structure figurative une stricte sentiment religieux avec joie et perception poétique beauté terrestre, images idéales avec des portraits de personnes réelles, symbolisme complexe avec des émotions humaines simples. Les portraits de Jan van Eyck mettent l'accent sur l'épanouissement spirituel et la piété dans des images psychologiquement authentiques et naturalistes précises.

    Le symbolisme complexe, la fantaisie et le grotesque sont évidents dans les œuvres de Jérôme Bosch. Son style semble si inhabituel pour l'époque que de nombreux historiens de l'art modernes considèrent Bosch comme le précurseur du surréalisme.

    Le développement de l'art de la Renaissance du Nord est associé au nom d'Albrecht Dürer, qui a jeté les bases des genres profanes en Allemagne - portraits, paysages et genres quotidiens. Son œuvre révèle une autre caractéristique frappante de la Renaissance nordique : le désir de dépeindre une personne comme imparfaite et idéale, mais fiable.

    En parlant de l'art de la Renaissance du Nord, il faut bien sûr prêter attention aux portraits de Holbein et à l'œuvre de Bruegel.

    Pour résumer, il convient de noter que la Renaissance en Italie et la Réforme en Europe du Nord peuvent, comme l'a fait N. Berdiaev, être considérées comme des étapes d'une période de transition qui a marqué la fin à l'échelle historique d'un type de civilisation (cosmogène, traditionnel) et le début d’une nouvelle civilisation technogénique.

    La Renaissance italienne est à l’origine de la Renaissance et de la Réforme du Nord. La Réforme a complété et développé les idées de la Renaissance d’une manière unique. Si la Renaissance italienne a marqué le début d'une nouvelle culture bourgeoise urbaine, alors la Réforme, ayant créé le protestantisme, a assuré le développement dynamique du capitalisme en Europe.

    La Renaissance est l'apogée de tous les arts, y compris le théâtre, la littérature et la musique, mais, sans aucun doute, le principal d'entre eux, qui exprimait le plus pleinement l'esprit de son temps, était les beaux-arts.

    Ce n'est pas un hasard s'il existe une théorie selon laquelle la Renaissance a commencé avec le fait que les artistes ont cessé de se contenter du cadre du style « byzantin » dominant et, à la recherche de modèles pour leur créativité, ont été les premiers à se tourner vers l'Antiquité. Il fut l’un des premiers à abandonner la « manière byzantine » et commença à utiliser la sculpture en clair-obscur des personnages de Pietro Cavallini dans des fresques. Mais le plus grand maître de la Proto-Renaissance, Giotto, a commencé pour la première fois à créer des peintures au lieu d'icônes. Il a été le premier à s'efforcer de transmettre des idées éthiques chrétiennes à travers la représentation de sentiments et d'expériences humains réels et à remplacer le symbolisme par des images. de l'espace réel et des objets spécifiques. Dans les célèbres fresques de Giotto de la chapelle Arena de Padoue, on peut voir à côté des saints des personnages très insolites : des bergers ou une fileuse. Chaque individu de Giotto exprime des expériences très spécifiques, un caractère spécifique.

    (((L'ère du début de la Renaissance dans l'art a vu le développement de l'héritage artistique ancien, de nouveaux idéaux éthiques se sont formés, les artistes se sont tournés vers les réalisations de la science (mathématiques, géométrie, optique, anatomie). Florence a joué un rôle de premier plan dans le formation des principes idéologiques et stylistiques de l'art du début de la Renaissance. Dans les images créées par des maîtres tels que Donatello, Verrocchio, les principes héroïques et patriotiques dominent (« Saint-Georges » et « David » de Donatello et « David » de Verrocchio).

    Le fondateur de la peinture de la Renaissance est Masaccio (peintures de la chapelle Brancacci, « Trinité ») Masaccio a su transmettre la profondeur de l'espace, relier la figure et le paysage avec un seul concept de composition et donner aux individus une expressivité de portrait. Mais la formation et l'évolution du portrait pictural, qui reflétait l'intérêt de la culture de la Renaissance pour l'homme, sont associées aux noms des artistes de l'école umrbienne : Piero della Francesca, Pinturicchio.

    L'œuvre de l'artiste Sandro Botticelli se démarque au début de la Renaissance. Les images qu'il a créées sont spirituelles et poétiques. Les chercheurs notent l’abstraction et l’intellectualisme sophistiqué dans les œuvres de l’artiste, son désir de créer des compositions mythologiques au contenu compliqué et crypté (« Printemps », « Naissance de Vénus »).

    Le point culminant du développement des principes idéologiques et artistiques de la Renaissance italienne est la Haute Renaissance. Léonard de Vinci, grand artiste et scientifique, est considéré comme le fondateur de l'art de la Haute Renaissance.

    Il a créé plusieurs chefs-d'œuvre : « Mona Lisa » (« La Gioconda »), « Benois Madonna » et « Madonna Litta », « Dame à l'hermine ». Dans son œuvre, Léonard a cherché à exprimer l'esprit de l'homme de la Renaissance. Il cherchait les sources des formes parfaites d'art dans la nature, mais c'est lui que N. Berdiaev considère comme responsable du prochain processus de mécanisation et de mécanisation de la vie humaine, qui séparait l'homme de la nature.



    La peinture atteint l'harmonie classique dans les œuvres de Raphaël. Son art évolue depuis les premières images froidement distantes de Madones ombriennes (« Madonna Conestabile ») jusqu’au monde du « christianisme heureux » des œuvres florentines et romaines. «Madonna with the Goldfinch» et «Madonna in the Armchair» sont douces, humaines et même ordinaires dans leur humanité.)))

    Les premiers précurseurs de l’art de la Renaissance apparaissent en Italie au XIVe siècle. Les artistes de cette époque, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) et (principalement) Giotto (1267-1337), lors de la création de peintures sur des thèmes religieux traditionnels, partaient de la tradition du gothique international, mais commençaient en utiliser de nouveaux techniques artistiques: construire une composition tridimensionnelle, utilisant un paysage en arrière-plan, ce qui leur a permis de rendre les images plus réalistes et animées. Cela distinguait nettement leur travail de la tradition iconographique précédente, pleine de conventions dans l'image. Le terme Proto-Renaissance est utilisé pour désigner leur travail.

    ère Renaissance italienne conditionnellement divisé en un certain nombre d'étapes :
    Proto-Renaissance (Ducento) - XII-XIV siècles.
    Début de la Renaissance(tricento et quattrocento) - du milieu des XIVe-XVe siècles.
    Haute Renaissance (cinquecento) - jusqu'au deuxième tiers du XVIe siècle.
    Fin de la Renaissance - deuxième tiers du XVIe - première moitié du XVIIe siècle.

    La transition vers une nouvelle perception du monde et de l'homme a contribué à des changements radicaux dans l'art. Faire l’expérience du monde d’une manière nouvelle signifie le voir d’une manière nouvelle. Au cours de plusieurs décennies, l’ensemble du système visuel de l’art, qui s’était développé au fil des siècles, a changé.

    D’un autre côté, l’art a joué un rôle historique énorme dans la révolution culturelle qui a eu lieu pendant la Renaissance. Ceci est confirmé par le fait que pendant trois siècles la Renaissance n’a été comprise que comme une « renaissance ». beaux-Arts"Et parmi les gens modernes, la culture de la Renaissance est principalement associée à l'art de la peinture, de la sculpture et de l'architecture.

    L’art de la Renaissance est à juste titre considéré comme la manifestation la plus importante de cette époque. C'était l'art qui incarnait l'essence de la vision du monde de la Renaissance : la nouvelle position de l'homme dans le monde.

    L'art de la Renaissance est devenu non seulement un miroir d'idées nouvelles sur la valeur de l'individu et la beauté du monde terrestre, mais aussi un outil de connaissance.

    Convaincus que le monde visible obéit aux lois naturelles, les artistes commencent à utiliser les connaissances scientifiques et les outils techniques dans leur travail. Une technique de copie d'objets du monde visible a été inventée et les bases de constructions mathématiques prometteuses de l'espace ont été développées. Sur la base de ces connaissances, la méthode de la perspective directe en peinture a été inventée.

    Le système pictural médiéval n’a jamais eu pour objectif de créer des constructions illusionnistes créant un semblant du monde réel. Art médiéval elle ne créait pas des ressemblances, mais des symboles ; elle cherchait à incarner non le monde visible, mais le monde suprasensible. Les expériences religieuses et esthétiques étaient incarnées dans les formes de l’art canonique conventionnel. Les artistes ne représentaient pas des choses, mais leurs signes, des images conventionnelles. Le Moyen Âge a développé sa propre méthode d'interprétation artistique du monde. Les objets qu'il contient étaient considérés isolément les uns des autres, de manière séquentielle. Le point de vue changeait souvent lors du déplacement vers un autre objet.

    À la Renaissance, l’orientation de l’art change. Cela parlait à une personne dans le monde réel. La « découverte du monde » en littérature et en peinture correspondait à sa perception au début du XIVe siècle.

    Le nouvel art de la peinture comprenait trois idées principales :

    les événements représentés sur l'image étaient divisés en deux plans : le premier plan et l'arrière-plan, avec leur remplissage progressif dans le futur par des plans intermédiaires ;

    la taille des corps, l'éclat du ton et la netteté des figures et des limites diminuent à mesure que les corps s'éloignent ;

    les rayons visuels et l'espace pictural convergent en un seul point qui, dans la peinture de la Renaissance, coïncide généralement avec le centre du cadre et du sujet.

    Ces exigences fondamentales en matière de perspective ont été formulées Léonard de Vinci dans son célèbre "Livre de la Peinture".

    La tridimensionnalité du monde et sa convergence vers l'infini, ce qui nous semble évident et naturel, n'a commencé à être perçue en peinture qu'à la Renaissance. Il a fallu plus d’une décennie pour que l’œil s’habitue à la nouvelle vision en perspective directe.

    Outre l’invention de la perspective directe, la Renaissance ouvre de nouvelles thématiques aux arts visuels et crée de nouveaux genres. Non seulement les sujets religieux, mais aussi les sujets mythologiques et historiques sont devenus des sujets d’art dignes d’intérêt.

    Les peintres ont peint des images de la Mère de Dieu avec femmes ordinaires, parfois célèbre dans la ville, conservant les traits d'une ressemblance de portrait. Ils ont transféré la scène de la naissance de Marie à l'intérieur d'un riche palais italien, se sont représentés eux-mêmes et leurs concitoyens lors d'un repas à Cana de Galilée, dans la procession des Mages, à la place des pèlerins évangéliques, ils ont montré un luxueux cortège de cavaliers florentins en robes dorées, accompagnés de hérauts, de palefreniers et de chiens.

    L’amour de la vie et la curiosité des artistes de la Renaissance se traduisent souvent par une passion pour les détails et la représentation. Divers articles, dont les artistes ont rempli leurs compositions, parfois au détriment de l'intégrité de l'intrigue. Avec le plus grand soin, ils ont peint chaque détail de l'ornement, chaque plume des ailes de l'ange, chaque boucle de la tête bouclée. Dans les peintures représentant des scènes des Saintes Écritures, nous regardons des vases avec des fleurs, des oiseaux, des motifs tissés complexes de robes, des pierres précieuses, des accoudoirs de chaises sculptés et des instruments de musique.

    À cette époque, d’importants changements se produisaient dans l’attitude de la société à l’égard de l’art. L'Église et l'État restent les clients traditionnels des œuvres d'architecture, de peinture et de sculpture, mais le cercle des clients laïcs parmi l'aristocratie de cour et les citoyens fortunés s'élargit considérablement et le mécénat des arts est florissant. A la cour des princes italiens s'est développé un environnement culturel particulier dans lequel interagissent artistes et musiciens, poètes et architectes de la Renaissance.

    À partir de la fin du XIVe siècle, les artistes ont commencé à écrire sur l'art, à créer des traités, des manuels, à discuter de questions de théorie et de pratique dans travaux littéraires. La théorie des beaux-arts est apparue comme un domaine particulier de la connaissance.

    L’art de la Renaissance avait la même signification globale que la philosophie au XVIIe siècle, la science au XIXe siècle et la technologie au XXe siècle. Tous les niveaux de la société étaient embrassés par les loisirs artistiques. Dans tous les domaines d'activité - dans la pensée, la créativité, la politique, la vie quotidienne - un goût artistique élevé se fait sentir.

    Détails Catégorie : Beaux-arts et architecture de la Renaissance (Renaissance) Publié le 19/12/2016 16:20 Vues : 6770

    La Renaissance est une époque d'épanouissement culturel, l'apogée de tous les arts, mais celui qui exprimait le plus pleinement l'esprit de son temps était les beaux-arts.

    Renaissance, ou Renaissance(en français « nouveau » + « né ») avait une importance mondiale dans l’histoire culturelle de l’Europe. La Renaissance a remplacé le Moyen Âge et a précédé le siècle des Lumières.
    Principales caractéristiques de la Renaissance– le caractère laïc de la culture, l'humanisme et l'anthropocentrisme (intérêt pour l'homme et ses activités). À la Renaissance, l'intérêt pour la culture ancienne s'est épanoui et, pour ainsi dire, sa « renaissance » a eu lieu.
    La Renaissance est née en Italie - ses premiers signes sont apparus aux XIIIe-XIVe siècles. (Tony Paramoni, Pisano, Giotto, Orcagna, etc.). Mais il s'est solidement implanté dans les années 20 du XVe siècle et à la fin du XVe siècle. atteint son apogée.
    Dans d’autres pays, la Renaissance a commencé bien plus tard. Au 16ème siècle une crise des idées de la Renaissance commence, une conséquence de cette crise est l'émergence du maniérisme et du baroque.

    Périodes de la Renaissance

    La Renaissance se divise en 4 périodes :

    1. Proto-Renaissance (2e moitié du XIIIe siècle – XIVe siècle)
    2. Début de la Renaissance (début XVe - fin XVe siècle)
    3. Haute Renaissance (fin du XVe - 20 premières années du XVIe siècle)
    4. Fin de la Renaissance (milieu du XVIe et années 90 du XVIe siècle)

    La chute de l’Empire byzantin a joué un rôle dans la formation de la Renaissance. Les Byzantins qui s'installèrent en Europe apportèrent avec eux leurs bibliothèques et leurs œuvres d'art, inconnues l'Europe médiévale. Byzance n’a jamais rompu avec la culture antique.
    Apparence humanisme(un mouvement socio-philosophique qui considérait l'homme comme la valeur la plus élevée) était associé à l'absence de relations féodales dans les cités-républiques italiennes.
    Des centres laïques de science et d’art ont commencé à émerger dans des villes qui n’étaient pas contrôlées par l’Église. dont les activités échappaient au contrôle de l’Église. Au milieu du XVe siècle. L'imprimerie a été inventée et a joué un rôle important dans la diffusion de nouvelles idées dans toute l'Europe.

    Brèves caractéristiques des périodes de la Renaissance

    Proto-Renaissance

    La Proto-Renaissance est le précurseur de la Renaissance. Elle est également étroitement liée au Moyen Âge, aux traditions byzantines, romanes et gothiques. Il est associé aux noms de Giotto, Arnolfo di Cambio, des frères Pisano, Andrea Pisano.

    Andréa Pisano. Bas-relief "Création d'Adam". Opéra du Duomo (Florence)

    La peinture de la Proto-Renaissance est représentée par deux écoles d'art : Florence (Cimabue, Giotto) et Sienne (Duccio, Simone Martini). La figure centrale de la peinture était Giotto. Il était considéré comme un réformateur de la peinture : il a rempli les formes religieuses d'un contenu profane, a fait une transition progressive des images plates aux images tridimensionnelles et en relief, s'est tourné vers le réalisme, a introduit le volume plastique des figures dans la peinture et a représenté des intérieurs en peinture.

    Début de la Renaissance

    C'est la période de 1420 à 1500. Les artistes de la première Renaissance italienne tiraient des motifs d’après nature et remplissaient les sujets religieux traditionnels d’un contenu terrestre. En sculpture, il s'agissait de L. Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, la famille della Robbia, A. Rossellino, Desiderio da Settignano, B. da Maiano, A. Verrocchio. Dans leur travail, une statue autoportante, un relief pittoresque, un buste et un monument équestre ont commencé à se développer.
    Dans la peinture italienne du XVe siècle. (Masaccio, Filippo Lippi, A. del Castagno, P. Uccello, Fra Angelico, D. Ghirlandaio, A. Pollaiolo, Verrocchio, Piero della Francesca, A. Mantegna, P. Perugino, etc.) se caractérisent par un sentiment d'harmonie l'ordre du monde, un appel aux idéaux éthiques et civiques de l'humanisme, une perception joyeuse de la beauté et de la diversité du monde réel.
    Le fondateur de l'architecture de la Renaissance en Italie fut Filippo Brunelleschi (1377-1446), architecte, sculpteur et scientifique, l'un des créateurs de la théorie scientifique de la perspective.

    Une place particulière dans l'histoire de l'architecture italienne occupe Léon Battista Alberti (1404-1472). Ce scientifique, architecte, écrivain et musicien italien du début de la Renaissance a fait ses études à Padoue, a étudié le droit à Bologne, puis a vécu à Florence et à Rome. Il crée des traités théoriques « Sur la statue » (1435), « Sur la peinture » (1435-1436), « Sur l'architecture » (publié en 1485). Il défendit la langue « populaire » (italienne) comme langue littéraire et, dans son traité éthique « De la famille » (1737-1441), il développa l'idéal d'une personnalité harmonieusement développée. Dans son travail architectural, Alberti s'est tourné vers des solutions expérimentales audacieuses. Il fut l'un des fondateurs de la nouvelle architecture européenne.

    Palais Rucellai

    Léon Battista Alberti a conçu nouveau genre un palais avec une façade rustique sur toute sa hauteur et divisée par trois niveaux de pilastres, qui ressemblent à la base structurelle de l'édifice (Palazzo Rucellai à Florence, construit par B. Rossellino selon les plans d'Alberti).
    En face du Palais se trouve la Loggia Rucellai, où se tenaient les réceptions et les banquets des partenaires commerciaux et où étaient célébrés les mariages.

    Loggia Rucellai

    Haute Renaissance

    C'est l'époque du plus magnifique développement du style Renaissance. En Italie, cela a duré environ 1500 à 1527. Aujourd'hui, le centre de l'art italien de Florence s'installe à Rome, grâce à l'accession au trône papal. Julie II, un homme ambitieux, courageux et entreprenant, qui attira à sa cour les meilleurs artistes d'Italie.

    Rafael Santi "Portrait du pape Jules II"

    À Rome, de nombreux bâtiments monumentaux sont construits, de magnifiques sculptures sont créées, des fresques et des peintures sont peintes, qui sont encore considérées comme des chefs-d'œuvre de la peinture. L'Antiquité est toujours très appréciée et soigneusement étudiée. Mais l’imitation des anciens n’étouffe pas l’indépendance des artistes.
    Le summum de la Renaissance est l'œuvre de Léonard de Vinci (1452-1519), Michelangelo Buonarroti (1475-1564) et Raphael Santi (1483-1520).

    Fin de la Renaissance

    En Italie, c'est la période des années 1530 aux années 1590-1620. L'art et la culture de cette époque sont très divers. Certains pensent (par exemple des universitaires britanniques) que « la Renaissance en tant que période historique intégrale s'est terminée avec la chute de Rome en 1527 ». L’art de la fin de la Renaissance présente une image très complexe de la lutte de divers mouvements. De nombreux artistes ne se sont pas efforcés d'étudier la nature et ses lois, mais ont seulement tenté d'assimiler extérieurement la « manière » des grands maîtres : Léonard, Raphaël et Michel-Ange. A cette occasion, le vieux Michel-Ange a dit un jour, en regardant les artistes copier son « Jugement dernier » : « Mon art rendra beaucoup de gens fous. »
    En Europe du Sud, triomphe la Contre-Réforme, qui n’accueille aucune libre pensée, y compris la glorification du corps humain et la résurrection des idéaux de l’Antiquité.
    Les artistes célèbres de cette période étaient Giorgione (1477/1478-1510), Paolo Veronese (1528-1588), Caravaggio (1571-1610) et d'autres. Caravage considéré comme le fondateur du style baroque.