La pièce "Oncle Vanya" sur la scène du Théâtre d'art de Moscou

Photo de 1899

Les débuts théâtraux de Tchekhov en 1896 furent un échec : la première production de La Mouette fut un échec retentissant sur la scène du Théâtre Alexandrinsky de Saint-Pétersbourg. Pour réussir, il en avait besoin, tout comme le nouveau théâtre avait besoin de lui-même. Deux ans plus tard, Stanislavski et Nemirovitch-Danchenko ouvrent le Théâtre d'art public de Moscou, dans lequel ils abandonnent les méthodes traditionnelles : elles sont remplacées par le psychologisme, ce qui nécessite de nouvelles œuvres. En décembre 1898, « La Mouette » rendit célèbre le théâtre et Tchekhov. Le tourisme dramatique devient un symbole du Théâtre d'art de Moscou : dès l'année suivante, Stanislavski met en scène « Oncle Vania », puis « Trois sœurs » et « La Cerisaie ». Les principaux rôles féminins sont interprétés par Olga Knipper, l'épouse de Tchekhov depuis 1901.

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Portrait de V. Ya.

Dessin de Mikhaïl Vroubel. 1906

En 1894, le jeune poète Valery Bryusov publie un recueil de poèmes « Symbolistes russes » - un manifeste. Dans la préface, il écrit que le but du symbolisme est de capturer des ambiances subtiles et de les transmettre à travers des images et des indices vagues. A la suite des poètes, les artistes se tournent également vers le symbolisme, en premier lieu Mikhaïl Vroubel. Il commencera à peindre le portrait de Brioussov à la fin de sa vie et ne le terminera jamais pour cause de maladie. Bryusov lui-même dira plus tard que toute sa vie il s'est efforcé de ressembler à ce portrait.

Galerie nationale Tretiakov

« Soldats, braves garçons, où est votre gloire ?

Peinture de Valentin Serov. 1905

Le 9 (22) janvier 1905, les ouvriers de Saint-Pétersbourg, en grève depuis près d'une semaine, se rendirent avec une pétition au Palais d'Hiver exigeant la convocation d'une Assemblée constituante. Des manifestants non armés ont été abattus, ce qui a donné l'impulsion au début de la première révolution russe - et ce jour est ensuite entré dans l'histoire sous le nom de Dimanche sanglant. Valentin Serov a observé la dispersion des manifestants depuis les fenêtres de l'Académie des Arts de Saint-Pétersbourg. Après ces événements, en signe de protestation, il démissionna de l'académie, présidée par l'oncle de l'empereur, le grand-duc Vladimir Alexandrovitch, qui réprima personnellement les troubles.

Musée d'État russe

« Portrait de groupe d'artistes de la société du Monde de l'Art »

Peinture de Boris Koustodiev. 1920

Boris Koustodiev a décidé de dresser un portrait de ses amis et personnes partageant les mêmes idées peu après la réunion fondatrice du Monde de l'Art en 1910. Il s'agit déjà de la deuxième composition des étudiants du Monde des Arts : l'apogée de la première, « classique », s'est produite dans les années 1898-1904, lorsque Alexandre Benois et Sergueï Diaghilev proclamaient le rejet de l'académisme et la recherche de l'inspiration dans des matières d'art. le passé lointain. Pressé de capturer le « monde de l'art » pour l'histoire, Koustodiev peint d'abord des portraits individuels, puis envisage de les combiner en une toile monumentale. Il parvient à réaliser un portrait de groupe après la révolution. Sur la photo de gauche à droite en arrière-plan : Igor Grabar, Nicholas Roerich, Evgeny Lanceray, Ivan Bilibin, Alexander Benois, Georgy Narbut, Nikolai Milioti, Konstantin Somov, Mstislav Dobuzhinsky ; en arrière-plan : Boris Kustodiev, Anna Ostroumova-Lebedeva, Kuzma Petrov-Vodkin.

Musée d'État russe

Création des costumes d'Iskander (Vaclav Nijinsky) pour le ballet « Peri »

Dessin de Léon Bakst. 1911

En 1906, l'entrepreneur Sergueï Diaghilev organisa pour la première fois les « Saisons russes », apportant à Paris des peintures d'artistes russes. Après un succès incroyable, il organise une tournée des compositeurs, et en 1909 ce fut son tour. Les costumes et les décors, lumineux et insolites, sont réalisés d'après les croquis des artistes du monde Léon Bakst et Alexandre Benois. Diaghilev se tourne vers de jeunes compositeurs et danseurs, et le public parisien reçoit avec enthousiasme Mikhaïl Fokine, Ida Rubinstein et Vaslav Nijinski. La musique du ballet « Peri » est écrite par Paul Dukas, le rôle d'Iskander est attribué à Nijinsky, mais la production n'aura jamais lieu avec cette distribution en raison de conflits internes. Les saisons de Diaghilev se poursuivront jusqu'à la mort de l'entrepreneur en 1929, et le ballet deviendra l'un des symboles de la culture russe.

Musée métropolitain d'art

«Autoportrait et portrait de Piotr Petrovitch Konchalovsky»

Peinture d'Ilya Machkov. 1910

En 1910, une exposition intitulée « Valet de carreau » s'est ouverte à Moscou - et instantanément. Les peintures d'Ilya Mashkov, Piotr Konchalovsky, Aristarkh Lentulov sont pleines d'une esthétique grossière et farfelue, inhabituelle tant dans la forme que dans le contenu. Au centre de l’exposition et du scandale se trouve la toile de Machkov, où il se représente lui-même et Konchalovsky comme des lutteurs à moitié nus. Sur l'étagère dans le coin supérieur gauche se trouve un volume avec l'inscription «Cézanne» - pour les «Valets de carreau», il est l'idole principale. L'année suivante, une association artistique du même nom est créée, mais certains des organisateurs de l'exposition - dont Mikhaïl Larionov, qui a inventé le nom - ne vont plus y adhérer. Au cours de cette période, les courants se sont remplacés à une vitesse incroyable, les artistes de Donkey Tail étaient en désaccord avec les Valets de Carreau, les futuristes se disputaient et les opposants étaient accusés d'académisme.

Musée d'État russe

Créations de costumes pour l'opéra « Victoire sur le soleil » : un méchant, un athlète du futur, un homme de pompes funèbres, un lecteur

Dessins de Kazimir Malevitch. 1913

Depuis 1910, lorsque Velimir Khlebnikov et David Burliuk ont ​​publié le recueil « Le Réservoir des juges », les futuristes choquent sans relâche le public, les écrivains et les critiques. En 1913, ils créent une œuvre qui réunit poètes, artistes et compositeurs : l'opéra « La Victoire sur le Soleil ». Alexey Kruchenykh et Velimir Khlebnikov écrivent le livret (« le sifflement rêveur de l'écume remplira la contemplation »), Mikhail Matyushin compose une musique dissonante et Kazimir Malevitch peint le décor. L'opéra déclare l'idée principale des futuristes : les gens du bouddhisme (c'est-à-dire les futuristes eux-mêmes) battent le Soleil, symbolisant tout ce qui est familier, ancien, toute l'esthétique précédente qui semblait inébranlable.

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« Le cas héroïque de Kozma Kryuchkov »

Dessin de Dmitry Moor. Lithographie du Partenariat d'I. D. Sytin. 1914

Le cosaque Kozma Kryuchkov est devenu le premier héros russe de la guerre mondiale, après que quatre de ses camarades ont attaqué 27 cavaliers allemands à la frontière et vaincu l'ennemi. Tous les Cosaques ont reçu la Croix de Saint-Georges et Kryuchkov lui-même, qui a tué 11 Allemands, est resté longtemps un symbole de la valeur nationale: il a été constamment évoqué dans les journaux, son portrait ornait même l'emballage de "Héroïque". bonbons. Pendant la guerre mondiale, il reçut une autre croix de Saint-Georges et deux médailles « Pour la bravoure » et mourut en 1919 lors du soulèvement des cosaques du Don contre les bolcheviks.

Légende de la photo :
"4 Cosaques - Kozma Kryuchkov, Astakhov, Ivankov, Shchegolkov - ont conduit 27 cavaliers allemands...<…>Le tableau représente comment le héros Kozma empale les Allemands sur des piques et les plante comme des arbres. C’est plus cool de rentrer chez soi avec une ligne de pêche.

Bibliothèque historique publique d'État de Russie

Membres de la famille royale soignant les blessés pendant la Première Guerre mondiale

Photo de l'album de famille Romanov. 1914-1915

Dès le début de la Guerre mondiale, la famille royale a tenté de montrer qu'elle vivait des difficultés avec ses sujets. L'empereur Nicolas II apparaît en public dans un modeste uniforme de campagne, et les grandes-duchesses et l'impératrice Alexandra Feodorovna aident les blessés à l'hôpital en tant qu'infirmières. La propagande d’État met inlassablement l’accent sur la participation de la famille impériale à la vie des simples soldats. Cependant, chaque année de guerre, on parle des personnes augustes. S'habiller en sœur de miséricorde ne sauve pas Alexandra Fedorovna des rumeurs sur ses liens avec Raspoutine et son espionnage pour l'Allemagne.

Bibliothèque de livres rares et de manuscrits Beinecke

Aigles doubles plumés

Photo de 1917

En mars 1917, la monarchie russe tombe : Nicolas II abdique et le pouvoir passe au gouvernement provisoire. Les premières semaines de la vie sans le tsar ont été marquées par l'élimination des symboles du régime : des portraits de l'empereur et de sa famille ont été brûlés vifs, des aigles à deux têtes et des couronnes ont été renversés des clôtures et des bâtiments.

L'âge d'argent dans la culture artistique russe

L'âge d'argent dans l'histoire de l'art russe est une période de plus haut essor, qui peut peut-être être comparée à l'essor de l'art français de l'ère de l'impressionnisme. Un nouveau style d’art russe est apparu dans les années 80. XIXème siècle fortement influencé par l'impressionnisme français. Son apogée marque le tournant des XIXe et XXe siècles. Et à la fin des années 10. Le style Art Nouveau du XXe siècle dans l'art russe, auquel l'âge d'argent est associé, cède la place à de nouvelles orientations.

Pendant plusieurs décennies après son déclin, l’art de l’âge d’argent était perçu comme décadent et insipide. Mais vers la fin du deuxième millénaire, les estimations ont commencé à changer. Le fait est qu’il existe deux types d’épanouissement de la culture spirituelle. Le premier se caractérise par des innovations puissantes et de grandes réalisations. Les classiques grecs des Ve-IVe siècles en sont des exemples frappants. AVANT JC. et surtout la Renaissance européenne. L'âge d'or de la culture russe est le XIXe siècle : A.S. Pouchkine, N.V. Gogol, A.A. Ivanov, P.I. Tchaïkovski, L.N. Tolstoï, F.M. Le deuxième type se distingue par la grâce et la sophistication des valeurs qu'il crée, il n'aime pas la lumière trop vive et est associé à la lune, qui, à son tour, est traditionnellement identifiée à l'argent et à la féminité (par opposition à soleil masculin et or). L’art de l’âge d’argent appartient évidemment au deuxième type.

L’âge d’argent dans la culture russe est un concept vaste. Ce n'est pas seulement la peinture et l'architecture du modernisme, pas seulement le théâtre symboliste, qui incarnait l'idée d'une synthèse des arts, lorsque les artistes et les compositeurs travaillaient à la mise en scène d'une pièce avec des metteurs en scène et des acteurs, c'est aussi la littérature de le symbolisme, et surtout la poésie, qui est entrée dans l'histoire de la littérature mondiale sous le nom de « poésie de l'âge d'argent ». Et en plus de tout le reste, c’est le style de l’époque, c’est un mode de vie.

Retour au milieu du 19ème siècle. Les représentants du romantisme rêvaient de créer un style unifié qui pourrait entourer une personne de beauté et ainsi transformer la vie. Transformer le monde par les moyens de l'art, telle était la tâche confiée aux créateurs de beauté par Richard Wagner et les préraphaélites. Et déjà à la fin du 19ème siècle. Oscar Wilde affirmait que « la vie imite l’art plutôt que l’art de vivre ». Il y avait une théâtralisation claire du comportement et de la vie, le jeu commençait à déterminer non seulement la nature de la culture artistique, mais aussi le mode de vie de ses créateurs.

Faire un poème de votre vie était une tâche formidable que les héros de l'âge d'argent se sont fixés. Le poète Vladislav Khodasevich l'explique ainsi : « Les symbolistes, avant tout, ne voulaient pas séparer l'écrivain de la personne, la biographie littéraire de la biographie personnelle. Le symbolisme ne voulait pas être seulement une école d’art, un mouvement littéraire. Tout le temps, il s’efforçait de devenir une méthode créatrice dans la vie, et c’était sa vérité la plus profonde, peut-être impossible ; et c'est dans cet effort constant que s'est déroulée essentiellement toute son histoire. C’était une série de tentatives, parfois véritablement héroïques, pour trouver une fusion impeccablement vraie entre la vie et la créativité, une sorte de pierre philosophique de l’art.

Il y avait aussi des côtés obscurs à cette entreprise. Discours et gestes excessivement élevés, costumes choquants, drogues, spiritualisme : au tournant du siècle, tout cela était le signe d'une élection et donnait lieu à une sorte de snobisme.

La bohème littéraire et artistique, qui contrastait fortement avec les masses, recherchait la nouveauté, l'insolite et les expériences aiguës. L'un des moyens de surmonter la vie quotidienne était l'occultisme dans ses manifestations les plus diverses. La magie, le spiritualisme et la théosophie ont attiré les symbolistes néo-romantiques non seulement comme matériaux colorés pour les œuvres d'art, mais aussi comme de véritables moyens d'élargir leurs propres horizons spirituels. Maîtriser les connaissances magiques, croyaient-ils, fait finalement d'une personne un dieu, et ce chemin est absolument individuel pour chacun.

Une nouvelle génération d’intelligentsia littéraire et artistique a émergé en Russie ; elle était sensiblement différente de la génération des « années soixante » non seulement par ses intérêts créatifs ; Les différences externes étaient également frappantes. Les Miriskusniks, les Goluborozovistes, les Symbolistes, les Acmeistes accordaient une attention particulière au costume et à l'apparence générale. Cette tendance s’appelle le dandysme russe ; c'est typique des personnes d'orientation clairement occidentale.

« Il est impossible d'imaginer K.A. Somov, un maître reconnu des scènes galantes », écrit Yu.B Demidenko, « qui a recréé avec soin et amour dans ses peintures « l'esprit des petites choses charmantes et aérées », vêtu d'un style ancien et terne. une redingote façonnée ou une blouse de travail sombre. Il portait des redingotes spécialement coupées et des cravates extrêmement élégantes. M. Vroubel et V. Borisov-Musatov, L. Bakst, S. Diaghilev et d'autres artistes du monde ne s'habillaient pas moins élégamment. Il existe de nombreuses preuves à ce sujet. Mais Mikhaïl Kuzmine est à juste titre considéré comme le roi des esthètes de Saint-Pétersbourg de l'âge d'argent. Celui en pierre blanche n'est pas en reste ; de nombreux employés des rédactions des magazines « Toison d'Or » et « Balance » avaient également le droit d'être qualifiés de dandys russes.

La théâtralisation de la vie s’est transformée en un carnaval. Contrairement à la bohème esthétique pro-occidentale, les adeptes de l'idée nationale s'habillaient en tenues de village, et plus souvent en pseudo-village. Pardessus, chemises en soie, bottes en maroquin, chaussures en liber, etc. Yesenin, Klyuev, Chaliapine, Gorki l'ont utilisé avec plaisir. Au début du siècle, les Occidentaux comme les slavophiles étaient également sensibles au désir d'exprimer leurs principes esthétiques dans leur comportement et de combler ainsi le fossé entre la vie et l'art.

L'âge d'argent en Russie a donné lieu à un bon nombre de cercles et de réunions de toutes sortes pour l'élite. Les fondateurs du Monde de l'Art ont commencé leur parcours en organisant un cercle d'auto-éducation qu'ils se disaient autodidactes. Lors des premières réunions, des rapports ont été réalisés sur des sujets liés au développement des beaux-arts.

Les réunions les plus célèbres et en même temps les plus mystérieuses à Saint-Pétersbourg au début du siècle étaient les mercredis.

Vyacheslav Ivanov - dans la tour légendaire. L'un des penseurs les plus profonds du symbolisme russe, Vyach Ivanov, aimait la philosophie de F. Nietzsche et était un profond connaisseur de la culture ancienne ; il s'intéressait particulièrement aux mystères dionysiaques (son ouvrage principal sur ce sujet, « Dionysos et pré-dyonysianisme », ne fut publié que tardivement en 1923). L’appartement d’Ivanov, situé au dernier étage d’un immeuble d’angle de la rue Tavricheskaya, dominé par une tour, est devenu un lieu de rassemblement pour l’élite artistique et littéraire du symbolisme. K. Somov, M. Dobuzhinsky, A. Blok, Z. Gippius, F. Sologub, Vs. Meyerhold, S. Sudeikin ont souvent visité ici. De nombreuses rumeurs circulaient autour de la tour Ivanov. On sait de manière fiable que des jeux dionysiaques y étaient organisés avec des libations et des vêtements anciens. Des séances spiritualistes ont eu lieu ici, des spectacles impromptus ont été organisés, mais l'essentiel était des rapports et des discussions sur diverses questions philosophiques, religieuses et esthétiques. Vyach.Ivanov et ses partisans partageant les mêmes idées ont prêché la révélation prochaine du Saint-Esprit ; on supposait qu'une nouvelle religion surgirait bientôt - le troisième testament (le premier - l'Ancien Testament - de Dieu le Père ; le deuxième - le Nouveau Testament - de Dieu le Fils ; le troisième - du Saint-Esprit). Naturellement, l’Église orthodoxe a condamné de telles idées.

Il y avait peut-être des cercles et des sociétés de ce genre dans tous les centres culturels de l'Empire russe ; un peu plus tard, ils devinrent partie intégrante de la vie de l'émigration russe.

Un autre signe de la théâtralisation de la vie à l'âge d'argent est l'émergence de nombreux cabarets littéraires et artistiques. À Saint-Pétersbourg, les théâtres de cabaret les plus populaires étaient « Stray Dog » et « Comedians' Halt » et à Moscou, « The Bat ».

Organisé en 1908 par Nikita Baliev, le théâtre cabaret « La Chauve-souris » est devenu particulièrement célèbre en 1915, lorsqu'il s'est installé dans le sous-sol du célèbre gratte-ciel - la maison Nirnzee dans la ruelle Bolchoï Gnezdnikovsky. L'artiste Sergei Sudeikin a peint le hall et le rideau a été réalisé d'après son croquis. Ce théâtre de cabaret est né directement des sketches joyeux du Théâtre d'art de Moscou, où Nikita Baliev a commencé sa carrière d'acteur. Le répertoire de « The Bat » était composé de miniatures théâtrales, d'opérettes et de représentations assez sérieuses. La foule qui mâchait autour des tables a finalement été remplacée par des spectateurs assis dans les rangées de chaises. Le monde artistique de Moscou s'y reposait et s'amusait. En 1920, Baliev émigre avec la meilleure partie de la troupe.

Ainsi, le style unique originaire de Russie et devenu synonyme du concept de l'âge d'argent était véritablement universel, car - bien que pour une courte période - il couvrait non seulement toutes les sphères de la créativité, mais aussi directement la vie des gens de la fin. époque de siècle. Tous les grands styles sont comme ça.

Vroubel
1856 –1910

« Le Séraphin à six ailes » est l’une des dernières œuvres de Vroubel. Il l'a écrit à l'hôpital, dans un état mental difficile. Dans ses dernières peintures, Vrubel s'éloigne du réalisme dans la représentation des personnages et de l'espace. Il développe une mosaïque de traits tout à fait particulière, caractéristique de lui seul, qui renforce le caractère décoratif de la solution plastique. Il y a une sensation de vibration de lumière spirituelle imprégnant toute l’image.

« Les Séraphins à six ailes » s'inspirerait apparemment du célèbre poème « Le Prophète » d'A.S. L'image est perçue sur un pied d'égalité avec "Le Démon" et mène aux suivantes - "Tête du Prophète" et "Vision du Prophète Ezéchiel".

Serov
1865 –1911

Parmi les étudiants du Monde des Arts, Valentin Serov était le plus proche de la tradition réaliste. Il était peut-être le plus important des portraitistes russes de l’âge d’argent. Il a créé des portraits où le personnage est représenté en interaction active avec le milieu de vie.

L'une de ses meilleures œuvres de la dernière période, le portrait de la princesse Olga Konstantinovna Orlova, correspond à ce principe. Tout ici est construit sur la symétrie et les contrastes, néanmoins amenés dans une certaine harmonie. Ainsi, la tête et le corps du personnage représenté sont rendus de manière très tridimensionnelle et les jambes ont une silhouette presque plate. Le triangle dans lequel s'inscrit la figure repose sur un angle aigu ; les cadres sont dirigés de manière agressive vers la tête du modèle. Cependant, l'expression calme et absolument confiante du visage, encadré par un immense chapeau, semble arrêter les mouvements brusques des objets du riche intérieur. Apparemment, Serov avait une attitude plutôt ironique envers la personne représentée.

Roerich
1874 –1947

Nicolas Roerich n'était pas seulement un artiste, mais aussi un historien. Son intérêt pour l'archéologie est également connu. Cela se reflète dans son art. L'artiste s'intéressait particulièrement à l'antiquité païenne slave et au christianisme primitif. Roerich est proche du monde spirituel des personnes d'un passé lointain et de leur capacité à sembler se dissoudre dans le monde naturel.

Le tableau «Alexandre Nevski frappe Jarl Birger» est une stylisation très réussie d'une miniature ancienne. Les lignes de contour et les taches de couleur locales jouent un rôle déterminant dans l'image.

Bakst
1866 –1924

Lev Bakst s'est rapproché de la version européenne de l'Art nouveau que les autres artistes du monde de l'art. Cela est clairement visible dans son œuvre « Dinner ». Le contour flexible, l'interprétation généralisée de la forme, la couleur laconique et la planéité de l'image indiquent l'influence d'artistes occidentaux tels qu'Edvard Munch, Andres Zorn et d'autres sur Bakst.

Borissov-Musatov
1870 –1905

Dans toutes les peintures de Borissov-Musatov, un rêve romantique de belle harmonie, complètement étranger au monde moderne, trouve son expression. C'était un véritable parolier, sensible à la nature, ressentant la fusion de l'homme avec la nature.

« Reservoir » est peut-être l’œuvre la plus parfaite de l’artiste. Tous les motifs principaux de son œuvre sont présents ici : le parc antique, les « Filles Tourgueniev », la composition globale statique, la couleur calme, la décoration accrue de « tapisserie »... Les images des héroïnes de « Réservoir » représentent la sœur de l'artiste. et femme.

Dans son chef-d’œuvre, Borissov-Musatov a réussi à dépeindre un État intemporel. Le nom neutre généralisé « Réservoir » évoque l'image d'une unité naturelle-humaine harmonieuse universelle - l'inséparabilité, et l'image elle-même se transforme en un signe exigeant une contemplation silencieuse.

Introduction

Le tournant des XIXe-XXe siècles. – une période charnière particulière pour la Russie. Booms et crises économiques, guerre mondiale perdue de 1904-05. et les révolutions de 1905-07, la première guerre mondiale de 1914-18. et, par conséquent, les révolutions de février et octobre 1917, qui renversèrent la monarchie puis le pouvoir de la bourgeoisie. La société a de plus en plus le sentiment qu'une crise sociale est inévitable et qu'un changement de valeurs est nécessaire. L’idéologie populiste s’est effondrée. La recherche de nouveaux concepts idéologiques de développement social a commencé.

La vie spirituelle de la Russie reflétait les contradictions sociales de l'époque et les contradictions de la pensée sociale russe. Un sentiment de catastrophisme du temps et de complétude de la culture surgit dans la société. Sur cette base, des motifs apocalyptiques surgissent dans la littérature et l'art. Cependant, la Russie connaît alors une période de développement culturel fructueux et dynamique. Ce fut une période de renaissance spirituelle et de renouveau. Le philosophe N.A. Berdiaev a appelé cette période de l’histoire de la culture russe « l’âge d’argent ».

Les peintres du début du siècle se caractérisent par des modes d'expression différents de ceux des Vagabonds, d'autres formes de créativité artistique - dans des images contradictoires, compliquées et ne reflétant qu'indirectement la modernité, sans caractère illustratif ni narratif. Les artistes recherchent péniblement l’harmonie et la beauté dans un monde fondamentalement étranger à l’harmonie et à la beauté. C’est pourquoi beaucoup considéraient que leur mission consistait à cultiver le sens de la beauté. Cette période de « veilles », d’attentes de changements dans la vie publique, a donné naissance à de nombreux mouvements, associations, regroupements et à un choc de visions du monde et de goûts différents.

L'âge d'argent a acquis une interprétation large et a commencé à être utilisé pour caractériser certains processus culturels qui ont eu lieu en Russie au cours de cette période. Après tout, les mêmes idées, motifs, ambiances ont nourri, à côté de la créativité littéraire, également les arts musicaux, théâtraux et visuels, faisant écho en même temps aux recherches de la pensée religieuse et philosophique russe. Dans le même temps, l'âge d'argent a non seulement reflété les conditions historiques existantes par des moyens philosophiques et artistiques, mais, prenant forme sur la base d'une nouvelle vision du monde, il a lui-même créé un nouveau style de pensée et, dans un sens, une nouvelle socialité. ce qui nous permet de le définir comme une culture.

Origines et concept du symbolisme

Le mot grec ancien pour « symbole » faisait à l’origine référence à une pièce de monnaie divisée en deux. Deux personnes qui possédaient chacune la moitié de cette pièce pouvaient se reconnaître lorsqu'elles se rencontraient en additionnant les deux parties. Cependant, au fil du temps, le symbole est passé d'une simple marque d'identification à l'un des concepts les plus complexes, les plus vastes et les plus profonds de la culture mondiale de l'art et de la philosophie. Le thème du symbolisme ne peut pas être placé dans le cadre d'une école, d'une direction, d'un style, d'une manière particulière... il s'agit plutôt d'un aperçu diachronique général du développement de l'ensemble de la culture artistique mondiale depuis l'Antiquité jusqu'à nos jours.

Les principes de base du symbolisme sont complètement épuisés par la notion de « symbole ». Un symbole est avant tout un concept universel, une image universelle, un signe, un nombre de significations dont les significations sont infinies, comme l'univers lui-même. Dans l’art, le symbolisme est la tentative d’une personne avec des moyens mentaux limités d’exprimer l’inexprimable, le transcendantal, de ressentir intuitivement l’abîme qui se trouve au-delà du monde visible. Les créateurs, artistes du symbolisme, sont considérés comme des intermédiaires entre le réel et le suprasensible, partout signes de l'harmonie du monde, devinant prophétiquement les signes de l'avenir, tant dans les phénomènes modernes que dans les événements d'un passé lointain. Le symbolique est donc, en quelque sorte, synonyme du sacré.

En tant que mouvement, le symbolisme dans les arts visuels s'est développé simultanément avec le symbolisme dans la littérature dans les années 60 et 70. XIXème siècle, à l'ère de la décadence. Cependant, les traits caractéristiques du symbolisme apparaissent bien plus tôt : toute l'iconographie et la peinture du Moyen Âge avaient un caractère profondément symbolique.

Les principaux motifs du symbolisme dans les beaux-arts sont des thèmes éternels : la mort, l'amour, la souffrance.

Le symbolisme russe a son propre caractère particulier et original et constitue une étape unique dans l’histoire de la culture mondiale. L'émergence du symbolisme en Russie à la fin du XIXe siècle est principalement associée aux activités des poètes et publicistes symbolistes dits seniors D. Merezhkovsky et Z. Grippius ; en partie Valery Bryusov. Le symbolisme de Merezhkovsky et Grippius est avant tout le symbolisme chrétien, religieux et mystique, la compréhension du symbolisme comme acte de connaissance de Dieu.

Les prédécesseurs les plus brillants du symbolisme russe peuvent à juste titre être appelés F.M. Dostoïevski et le philosophe S.M. Solovieva. Ce dernier était également poète et, avec son interprétation poétique de la doctrine de Sophie la Sagesse de Dieu, il détermina les caractéristiques du développement de l'orientation principale du symbolisme littéraire russe à partir de Grippius et Blok. Contrairement à leurs prédécesseurs, ils ont contourné la langue française pour faire remonter le terme « symbolisme » à une source grecque. Dans le feu de la polémique, Blok a même souligné que le symbolisme russe, par pure coïncidence, portait le même nom grec que le mouvement français.

La création d'un artiste de l'âge d'argent

C'est dans les années 80 du XIXe siècle, à l'ère de la stagnation spirituelle, que commence la formation d'un nouveau type d'artiste. Des intellectuels héréditaires apparaissent, issus de familles professorales ou de milieux créatifs.

L'artiste n'est plus perçu comme un artisan ; il devient le maître de la pensée. C'était un homme brillamment instruit. L'universalisme créatif était une caractéristique distinctive de l'artiste de l'âge d'argent. L'envie d'universalisme ne fait pas revivre la vieille idée romantique d'une synthèse des arts. L'âge d'argent a offert de nombreuses options pour sa mise en œuvre : dans l'Art nouveau, dans les activités du monde de l'art...

Cependant, l’universalisme ne consiste pas seulement à maîtriser des spécialités connexes. Cela s’est manifesté dans le désir de l’artiste d’amener la créativité au-delà des limites professionnelles étroites de sa spécialité immédiate. Tout d’abord, le sujet des passe-temps constants des artistes de l’âge d’argent était la philosophie. Nous entendons non seulement la présence de critiques d'art, d'œuvres philosophico-esthétiques et philosophiques parmi la majorité des modernistes, mais aussi la nature philosophico-conceptuelle du contenu de leurs œuvres artistiques, à la suite de quoi nous devons les classer parmi les artistes à l'esprit philosophique. .

L'artiste, « façonnant » la réalité du siècle à venir, crée un nouveau mythe. S'éloignant de l'éventualité, il crée non pas une illustration de ce qui est représenté, mais sa transmission symbolique, un équivalent poétique. La fiction devient une sorte de légende sur la vie, une manière d'en comprendre les fondements et les lois cachées.

Ainsi, la vision mythopoétique du monde, l'expérience poétique-émotionnelle du monde, plus conforme à l'esprit de l'époque que son développement réflexif-discursif, est revenue à la culture. La vision mythologique du monde et la pensée dialectiquement connectée aux symboles ont stimulé l'intérêt pour l'art populaire traditionnel, libre de reproduction empirique directe de la réalité environnante. Les cultures anciennes étaient attirées par la conception mythologique du monde, sa perception holistique et harmonieuse. Cependant, le néomythologisme était fondamentalement différent de la mythologie en tant que forme de pensée poétique naïve des temps anciens.

Ainsi, l'expérience des époques archaïques dans la culture et pour l'artiste se superpose aux tentatives de l'art moderne de pénétrer dans les recoins les plus profonds du monde intérieur de l'homme. Grâce à un sentiment particulier et à une conscience particulière du présent, l'artiste de l'âge d'argent s'est formé.

Périodes de l'histoire du symbolisme russe de l'âge d'argent. Chronologie du développement

Le symbolisme en Russie est apparu au cours de trois périodes :

La première couvre le milieu des années 1880 jusqu’aux années 1900. - l'époque de l'émergence et du développement des tendances symbolistes dans le travail des participants du cercle Abramtsevo et des artistes de Moscou, de l'association « Monde de l'Art » ;

La deuxième période est limitée à 1900-14. – l'apogée du mouvement symboliste dans la littérature, le théâtre et les arts plastiques, lorsque Vroubel, Borisov-Musatov, les maîtres du « Monde de l'Art » et la jeunesse de la « Rose Bleue » créaient, et lorsque les principes du symbolisme ont été mis en œuvre de manière unique dans les œuvres des premières avant-gardes russes ;

Le troisième est lié à l'époque de la Première Guerre mondiale et à la révolution qui a commencé en Russie (1914-1920) et qui fait partie intégrante de ses problèmes et de ses réalisations.

Les toiles évangéliques de V.G. font office de « proto-symbolisme ». Perova, N.N. Ge, peintures religieuses et historiques des académiciens tardifs V.P. Vereshchagin, G.I. Semiradsky, P.A. Svedomsky et autres dans les années 1880-90. cette tendance à transmettre la « vérité intérieure » et l'expérience vivante et émotionnelle de l'auteur trouvera son développement dans les œuvres religieuses de M.A. Vroubel, V.M. Vasnetsova, c'est-à-dire Répina.

Dans les années 1880, au plus fort du triomphe des Vagabonds, apparaissent les premières œuvres symbolistes de M. A. Vrubel. Le dualisme imprègne son œuvre ; il démontrait simultanément le culte de la philosophie naturelle de Goethe et le dualisme de Kant, Schopenhauer et Nietzsche. Presque simultanément, l’artiste peint des saints et le Démon, l’incarnation du combat contre Dieu. Auteur de motifs sublimes et abstraits, il a été envoûté par le microcosme des plantes et des motifs. Dans les années 1880 a rejoint la recherche symboliste par I.I. Levitan, S.V.Malyutin, A.Ya. Golovine, V.E. Borissov-Musatov, K.A. Somov, A.N. Benoît, L.S. Bakst et coll.

La révision du symbolisme russe a eu lieu en 1896-97. à l'«Exposition d'expériences (croquis) de créativité artistique», à laquelle ont participé Repin, Vasnetsov, Polenov, Golovin, Nesterov, Somov. L'idée même d'une telle exposition était caractéristique du symbolisme avec son culte de l'incomplétude.

Dans les années 1890. Le rêve d'unir écrivains et artistes s'est brièvement réalisé dans la rédaction de la revue « Le Monde de l'Art » : des poèmes et de la prose de Merezhkovsky, Balmont, Sologub ont été publiés dans les créations de Benois, Bakst, Lanceray. Beaucoup de leurs vignettes, fins et économiseurs d’écran sont des chefs-d’œuvre reconnus du graphisme symboliste.

Ils ont eu l'opportunité de créer à l'ère de l'âge d'argent et de ne pas se limiter aux formes habituelles des beaux-arts. Chacun de ces artistes était talentueux et original à sa manière, et l'opportunité de s'essayer à un nouveau rôle semblait très attrayante. C'est peut-être pour cette raison que les costumes et les décors de théâtre de cette époque sont remplis d'une atmosphère incroyable et d'une sorte de magie particulière.

Mstislav Doboujinski

Mstislav Dobuzhinsky a reçu ses premières commandes théâtrales du Théâtre d'art de Moscou et le début de son activité dans ce domaine était étroitement lié à Konstantin Stanislavsky. Le grand metteur en scène n'a pas simplement déclaré son idée, mais a encadré le jeune artiste en essayant de lui transmettre sa vision de la conception d'un spectacle particulier.

Au Théâtre d'art de Moscou, Mstislav Doboujinski a conçu « Un mois dans le village », « Le pique-assiette », « Là où ça se déchire » et « La femme provinciale » d'après Tourgueniev, « Nikolaï Stavroguine » et « Le village de Stepanchikovo » d'après Tourgueniev. Dostoïevski. Au Théâtre Bolchoï, il était responsable du département artistique et, après avoir émigré, il a conçu des spectacles d'opéra à Kaunas, notamment « Don Juan », « Boris Godounov », « Pagliacci » et « La Dame de pique ». Plus tard, il participe à la conception de spectacles à Londres, Paris et aux États-Unis, où il s'installe dans les dernières années de sa vie.

Constantin Korovine

Il a commencé sa carrière théâtrale à l'opéra de Savva Mamontov, où il a travaillé pendant 15 ans, réussissant à concevoir plus de dix représentations et à se faire connaître en tant que scénographe talentueux.

"Les Joyeuses Commères de Windsor", "Aida", "Lakme" - le travail de l'artiste dans ces productions méritait les plus grands éloges de la critique. Plus tard, Konstantin Korovin a créé le design du Théâtre Bolchoï et du Mariinsky, et à Paris, il a pu surprendre même les spectateurs les plus gâtés avec l'incroyable design de la pièce « Prince Igor » à l'Opéra russe.

Alexandre Golovine

L'artiste a travaillé au Théâtre Bolchoï, a travaillé pour les Saisons russes de Diaghilev, au Théâtre Mariinsky et au Théâtre d'art de Moscou. En même temps, il a travaillé dans son propre style, ne commençant jamais à développer le décor dès la première scène, préférant dessiner d'abord la fin ou le milieu. De plus, l'artiste ne savait pas travailler avec des assistants, mais faisait tout seul.

Vassili Polenov

Les performances ont également été conçues par l'éminent artiste et éducateur russe Vasily Polenov. Il a principalement travaillé pour l'Opéra privé de Savva Mamontov, puis a organisé son propre théâtre. Pour lui, il a non seulement conçu des décors et des costumes, mais a également mis en scène des spectacles avec les enfants et admiré les enfants talentueux issus de familles paysannes.

Lev Bakst

Pour la plupart, le célèbre artiste a conçu des spectacles à Saint-Pétersbourg et à Paris, a travaillé pour les théâtres Alexandrinsky et Hermitage, a créé des costumes et des décors pour les Saisons russes de Diaghilev et a particulièrement aimé le processus de travail sur les costumes. Lui, pour ainsi dire, ressentait la couleur. Pour lui, chaque nuance était triste ou chaste, pleine de désespoir, de triomphe ou de fierté. Ce n'est pas pour rien que nombre de ses tenues de scène se sont ensuite reflétées dans la mode de l'époque.

Nicolas Roerich

L'artiste a commencé sa carrière théâtrale en 1907 avec la pièce « Les Trois Sages » pour le Théâtre antique de Saint-Pétersbourg. Malgré l'échec de la production elle-même, le décor de la pièce a été favorablement accueilli par la critique. Plus tard, Nicolas Roerich a développé le dessin des Saisons russes de Diaghilev, qui a beaucoup apprécié l'artiste, et les critiques parisiens ont ensuite parlé avec enthousiasme des décorations de Roerich et ont noté leur authenticité historique en l'absence totale de banalités.

Victor Vasnetsov

Viktor Mikhaïlovitch ne travaillait pratiquement pas pour le théâtre, mais ses esquisses pour "La Fille des neiges" d'Ostrovsky constituaient à elles seules une sorte de révolution dans la scénographie de l'époque. Dans le même temps, l'artiste lui-même a joué le Père Frost dans cette représentation à Abramtsevo, et avec lui Ilya Repin est apparu sur scène à l'image du boyard Bermyata et Savva Mamontov à l'image de Berendey.
Par la suite, l'artiste a reproduit les mêmes décors et costumes, mais à l'Opéra de Moscou de Savva Mamontov. Les critiques ont ensuite souligné l'originalité des formes et des ornements russes anciens recréés par l'artiste.

Ivan Bilibine

Ivan Bilibin était pour l'essentiel un illustrateur de livres et spécialisé dans les épopées et les contes de fées russes. En concevant la suite de ballet « Danses russes », il s'est tellement emporté que le résultat de sa propre créativité a ravi l'artiste. Cependant, chacune de ses œuvres théâtrales, qu'il s'agisse de « Fuente Ovejunu » pour le Théâtre antique ou de « Boris Godounov » pour le Théâtre des Champs-Élysées, se distinguait par son originalité, son courage et une sorte de beauté immaculée.

Alexandre Benois

Il commence à travailler au Théâtre de l’Ermitage, puis conçoit des spectacles pour le Théâtre Mariinsky et devient célèbre en Europe grâce à la conception des productions des Saisons russes de Diaghilev. Dans le même temps, de nombreux contemporains le notent : la seule passion de l’artiste est l’art, auquel il est prêt à se consacrer avec toute l’ardeur de sa nature. C'est sans doute pour cela que les décors et les costumes qu'il crée se révèlent vivants et sensuels.

Sergueï Sudeikin

Sergei Sudeikin a commencé ses activités théâtrales en collaboration avec Savva Mamontov. Alexander Blok, après avoir regardé la version de Maeterlinck de Sœur Béatrice, a écrit sur l’impact des décors et des costumes sur le spectateur. La scène s'est littéralement épanouie miraculeusement et transmettait pleinement les sentiments et les émotions de l'auteur. Cependant, chaque représentation à la création de laquelle l'artiste a participé était remplie de ce miracle.

Pour de nombreux artistes, Savva Mamontov est devenue la personne qui a ouvert la porte au monde magique du théâtre. Et d’une manière générale, il fut l’une des figures les plus marquantes de la fin du XIXe siècle.

Publications dans la section Théâtres

10 artistes de théâtre de l'âge d'argent

Au XIXe et au début du XXe siècle, les artistes non seulement peignaient des tableaux, mais concevaient également des scènes de théâtre. Beaucoup d'entre eux ont travaillé pour les saisons russes de Sergueï Diaghilev et ont créé des décors pour l'opéra privé moscovite de Savva Mamontov, les théâtres Bolchoï et Mariinsky. Le portail "Culture.RF" parle d'une dizaine de peintres qui ont fait leurs preuves en tant que décorateurs.

Mstislav Doboujinski

Mstislav Doboujinski. Salon bleu. Scénographie du premier acte d'Un mois à la campagne d'Ivan Tourgueniev. 1909. Galerie nationale Tretiakov, Moscou

Mstislav Doboujinski. Création des costumes pour Comus pour la comédie « Avocat Patlen » de Bruyeux et Palapra. 1915. Musée d'État russe, Saint-Pétersbourg

Mstislav Doboujinski. Rue de la ville. Scénographie de la pièce "Petrouchka" de Piotr Potemkine. 1908. Musée du Théâtre central d'État nommé d'après les A.A. Bakhrushina, Moscou

Mstislav Dobuzhinsky a interprété ses premières œuvres théâtrales commandées par le Théâtre d'art de Moscou. L’un des plus réussis a été la conception du spectacle basé sur la pièce de Tourgueniev « Un mois à la campagne ». L'artiste a rappelé son travail sur cette production comme suit : « Avec Konstantin Sergueïevitch, malgré la différence considérable d'années, j'ai immédiatement développé un grand rapprochement spirituel. Il ne m'a pas beaucoup embarrassé et a su avoir une conversation inhabituellement confortable. La tâche à laquelle j’étais confronté dans Un mois à la campagne était bien plus profonde et ne se limitait pas à créer un « beau cadre » pour la pièce. Je suis entré dans une atmosphère de travail complètement nouvelle et exceptionnelle, et ce que Stanislavski m’a révélé a été pour moi une immense école..

Également au Théâtre d'art de Moscou, il a conçu les spectacles « Nicolas Stavroguine » d'après Dostoïevski, « Là où c'est mince, là ça casse », « Le Freeloader » et « La Femme provinciale ». La dernière œuvre de l’artiste au Théâtre d’art de Moscou était une autre production de Dostoïevski, « Le village de Stepanchikovo ». À cette époque, des différences créatives s'étaient accumulées entre Stanislavski et Dobuzhinsky, c'est pourquoi ils ont cessé de collaborer. Malgré cela, l'artiste a toujours gardé un souvenir chaleureux de Stanislavski.

En exil, Dobuzhinsky a beaucoup travaillé au Théâtre de Kaunas - il y a mis en scène dix opéras, parmi lesquels "La Dame de Pique", "Pagliacci", "Boris Godunov", ainsi que sa meilleure performance, selon les critiques, "Don Juan ». Dobujinski a également préparé le décor du ballet Le Soldat russe de Mikhaïl Fokine et a travaillé avec Mikhaïl Tchekhov sur la production londonienne des Démons. Aux États-Unis, où il s'installe à la fin de sa vie, il parvient à concevoir la pièce « Un ballo in maschera » de Giuseppe Verdi au Metropolitan Opera et « Wozzeck » d'Alban Berg au New York Opera avec Fyodor Komissarzhevsky. .

Constantin Korovine

Constantin Korovine. Forêt. Esquisse de scénographie pour l'opéra de Nikolaï Rimski-Korsakov « Le Conte de la ville invisible de Kitezh ». 1918. Musée du Théâtre central d'État nommé d'après les A.A. Bakhrushina, Moscou

Constantin Korovine. Palais de Cléopâtre, salle égyptienne. Scénographie de l'opéra-ballet Mlada de Nikolaï Rimski-Korsakov. 1916. Collection privée

Constantin Korovine. Danse. Esquisse de scénographie pour la production du ballet « Le petit cheval à bosse » de Cesar Pugni sur la scène du Théâtre Mariinsky de Saint-Pétersbourg. 1912. Musée national du théâtre et de l'art musical de Saint-Pétersbourg, Saint-Pétersbourg

Konstantin Korovin a fait ses premiers pas en tant que scénographe dans l'opéra privé de Savva Mamontov. Là, en 1885, il conçut Les Joyeuses Commères de Windsor d'Otto Nicolai. Au cours des 15 années suivantes, Korovine a travaillé au Théâtre Mamontov sur une douzaine de productions, parmi lesquelles « Aïda », « Samson et Delilah » et « Khovanshchina ». Les critiques ont écrit à propos de son décor pour l'opéra Lakmé de Léo Delibes : « Les trois séries de « Lakme » de l'artiste Korovine sont très belles – elles émanent définitivement la chaleur tropicale de l'Inde. Les costumes sont réalisés avec goût, en plus ils sont originaux".

Par la suite, Korovine a travaillé au Théâtre Bolchoï, où il a conçu « La Sirène » et « Le Coq d'or », et pour le Théâtre Mariinsky, il a préparé le décor du « Démon » de Rubinstein. Comme l'écrit l'artiste : "Couleurs, accords de couleurs, formes, telle est la tâche que je me suis fixée dans la peinture décorative du théâtre de ballet et d'opéra". Malgré quarante ans d'expérience et plus d'une centaine de représentations mises en scène, au début Korovin le décorateur n'était pas demandé en émigration. Mais avec l'ouverture de l'Opéra russe à Paris, l'artiste revient à son métier favori et crée les décors du prince Igor.

Alexandre Golovine

Alexandre Golovine. Salle funéraire. Scénographie du drame "Mascarade" de Mikhaïl Lermontov. 1917. Musée du Théâtre central d'État nommé d'après les A.A. Bakhrushina, Moscou

Alexandre Golovine. Salle Dorée. Scénographie du ballet "Le Lac des Cygnes" de Piotr Tchaïkovski. 1901. Musée du Théâtre central d'État nommé d'après les A.A. Bakhrushina, Moscou

Alexandre Golovine. Couronnement. Esquisse de scénographie du prologue de l'opéra Boris Godounov de Modest Moussorgski. 1908. Musée du Théâtre central d'État nommé d'après les A.A. Bakhrushina, Moscou

Alexandre Golovine est venu au Théâtre Bolchoï sur la recommandation de Vasily Polenov - il y a créé le décor des opéras "La Glace" d'Arseny Koreshchenko et "La Femme de Pskov" de Nikolai Rimsky-Korsakov. L'artiste a rappelé : « Je n’aimais pas commencer par le début, c’est-à-dire par la première image pour passer ensuite à la deuxième, à la troisième, etc., mais je commençais soit par la fin, soit par la dernière image, soit par le milieu. Ainsi, lors de la mise en scène de The Ice House, j'ai commencé avec une image de l'aube sur un camp de gitans.

La difficulté du travail était que je devais tout faire moi-même : je n’ai jamais su dire exactement ce dont j’avais besoin, ce que je voulais, et j’ai toujours préféré faire le travail moi-même plutôt que de le confier à des assistants.

Golovine a également travaillé pour les Saisons russes de Diaghilev à Paris : il a conçu l'opéra Boris Godounov de Modest Moussorgski et le ballet L'Oiseau de feu d'Igor Stravinsky. Il prépare également des productions pour le Théâtre Mariinsky : au total, il y conçoit 15 représentations. Avec Vsevolod Meyerhold, Golovin a réalisé Orphée et Eurydice, Electra et The Stone Guest. Meyerhold a écrit : "Deux noms ne disparaîtront jamais de ma mémoire : Golovine et feu Nikolaï Sapunov, ce sont ceux à qui, comme moi, les portes secrètes du pays des merveilles ont été ouvertes.". La dernière œuvre commune de Meyerhold et Golovine fut La Mascarade de Lermontov. Golovin a écrit environ quatre mille dessins et croquis de décors, de tissus et d'accessoires pour cette représentation. Après la révolution, leur union créative s’est effondrée. En 1925, au Théâtre d'art de Moscou, Golovine conçoit Les Noces de Figaro, ainsi qu'Othello - cette représentation fut la dernière de l'artiste.

Vassili Polenov

Vassili Polenov. Cimetière au milieu des cyprès. Esquisse pour l'opéra "Orphée et Eurydice" de Christophe Gluck. 1897. Musée du Théâtre central d'État nommé d'après les A.A. Bakhrushina, Moscou

Vassili Polenov. Hall dans un château magique. Croquis de décoration. 1883. Musée-réserve historique, artistique et littéraire d'État « Abramtsevo », région de Moscou

Vassili Polenov. Atrium. Croquis de décoration. 1879. Musée-réserve historique, artistique et littéraire d'État « Abramtsevo », région de Moscou

Parmi les productions célèbres de Vasily Polenov figurent la conception du conte de fées « La Rose écarlate » d'après la pièce de Savva Mamontov et le décor « Orphée et Eurydice » de Christophe Gluck, réalisé pour l'Opéra privé de Savva Mamontov. Il a également conçu La Pucelle d'Orléans de Piotr Tchaïkovski. Mais Polenov a non seulement travaillé dans d'autres théâtres, mais a également organisé le sien. Avec ses enfants, il a présenté des spectacles aux élèves d'une école rurale située à côté de son domaine. Après la révolution, les enfants des paysans ont commencé à jouer au théâtre. Voici comment l'artiste l'a décrit : « Nous avons ici deux troupes de théâtre formées parmi les paysans... Parmi les interprètes ou artistes comme nous les appelons, il y en a des très talentueux et spirituels. Les filles s'occupent de la mise en scène, des costumes, du maquillage, mais elles participent aussi elles-mêmes, et j'écris les décors, j'arrange la scène et je fabrique les accessoires..

Lev Bakst

Lév Bakst. Scénographie du ballet « Shéhérazade » sur la musique de Nikolaï Rimski-Korsakov. 1910. Collection privée

Lév Bakst. Conception des costumes de Cléopâtre pour Ida Rubinstein pour le ballet « Cléopâtre » sur la musique d'Anton Arensky. 1909. Collection privée

Lév Bakst. Scénographie du ballet Daphnis et Chloé. 1912. Collection privée

L'une des premières œuvres théâtrales de Lev Bakst fut le ballet « La Fée des Marionnettes » de Joseph Bayer, mis en scène en 1900. Bakst a beaucoup travaillé pour les théâtres de l'Ermitage et Alexandrinsky. Plus tard, il collabore avec les Saisons russes de Sergueï Diaghilev, grâce auxquelles il est reconnu en Europe. Bakst a décoré les ballets Cléopâtre, Shéhérazade, Carnaval et autres. L'artiste était particulièrement doué pour les œuvres antiques et orientales. En tant que décorateur de théâtre, Bakst a acquis une compétence particulière dans la création de costumes. Les modèles inventés par Bakst ont non seulement trouvé leur place sur scène, mais ont également sérieusement influencé la mode mondiale de l'époque. Bakst a décrit ainsi sa méthode créative : « Dans chaque couleur, il y a des nuances qui expriment tantôt la sincérité et la chasteté, tantôt la sensualité et même la brutalité, tantôt la fierté, tantôt le désespoir. Cela peut être... transmis au public... C'est ce que j'ai essayé de faire dans Shéhérazade. Sur le vert triste j'ai mis du bleu, plein de désespoir... Il y a des rouges solennels et des rouges qui tuent... Un artiste qui sait profiter de ces propriétés est comme un chef d'orchestre..."

Nicolas Roerich

Nicolas Roerich. Grand sacrifice. Esquisse pour le ballet « Le Sacre du Printemps » d'Igor Stravinsky. 1910. Musée d'art de Saratov nommé d'après A.N. Radichtcheva, Saratov

La première expérience théâtrale de Roerich a eu lieu en 1907 : les créateurs du Théâtre antique de Saint-Pétersbourg, Nikolai Evreinov et Nikolai Drizen, lui ont chargé de concevoir la pièce « Les Trois Rois Mages ». Les critiques ont unanimement critiqué la production, mais ont néanmoins loué le décor. Plus tard, sur ordre de Diaghilev, Roerich a conçu « Le Prince Igor » et « La Femme de Pskov » pour les saisons russes (en collaboration avec les artistes Alexandre Golovine et Konstantin Yuon). Comme l'écrivait le réalisateur Alexander Sanin à Roerich : "Vous serez doué dans ce domaine." Si tu n’existais pas, il faudrait que tu sois inventé et né pour « Igor ».. La presse parisienne écrit également avec admiration sur les œuvres théâtrales de l’artiste : « Je n'ai pas l'honneur de connaître Roerich personnellement... Je le juge uniquement par les paysages du Châtelet et je les trouve merveilleux... Tout ce que j'ai vu au Châtelet m'emmène dans les musées, tout montre l'étude la plus profonde de l'histoire. , et dans tout cela, il n’y a pas de routine, de banalité et de conventions fastidieuses auxquelles notre public de théâtre est si habitué... » Une autre œuvre de Nicolas Roerich pour Diaghilev est le ballet « Le Sacre du printemps » d'Igor Stravinsky, dont le compositeur se souvient : « J'ai commencé à travailler avec Roerich et, au bout de quelques jours, le plan de l'action scénique et les noms des danses étaient inventés. Pendant que nous vivions là-bas, Roerich a également réalisé des croquis de ses célèbres décors, d’esprit polovtsien, et des croquis de costumes basés sur des échantillons authentiques de la collection de la princesse..

Victor Vasnetsov

Victor Vasnetsov. Scénographie de l'opéra "La Fille des Neiges" de Nikolaï Rimski-Korsakov. 1885. Galerie nationale Tretiakov, Moscou

Victor Vasnetsov. Prologue. Scénographie de l'opéra "La Fille des Neiges" de Nikolaï Rimski-Korsakov. 1881. Musée-réserve historique, artistique et littéraire d'État "Abramtsevo", région de Moscou

Victor Vasnetsov. Scénographie de l'opéra "Boris Godounov" de Modest Moussorgski. 1898. Musée du Théâtre central d'État nommé d'après les A.A. Bakhrushina, Moscou

Viktor Vasnetsov a peu travaillé pour la scène théâtrale, mais ses esquisses pour « La Fille des neiges » d'Alexandre Ostrovsky sont devenues innovantes dans la scénographie russe. Tout d'abord, Vasnetsov a conçu un spectacle à domicile dans le domaine Abramtsevo de Savva Mamontov. À propos, Vasnetsov a non seulement joué le décor, mais a également joué le rôle du Père Noël ; Ilya Repin était le boyard Bermyata et Savva Mamontov lui-même était le tsar Berendey. Trois ans plus tard, Viktor Vasnetsov a répété la conception de La Fille des Neiges, mais pour l'Opéra privé de Moscou de Savva Mamontov. L'artiste s'est inspiré de l'architecture russe ancienne et de l'artisanat populaire. Voici comment le critique Vladimir Stasov a écrit à propos de cette production : "Vasnetsov a composé tous les costumes et décors, y compris la Chambre de Berendeïev." Ce sont de véritables chefs-d’œuvre de la créativité théâtrale et nationale. Jamais auparavant, autant que je sache, l'imagination de quiconque n'est allée aussi loin et aussi profondément dans la recréation des formes architecturales et des ornements de la Rus antique, fabuleuse, légendaire, épique. Tout ce qui nous reste dans des fragments de la vie quotidienne de la vie russe ancienne, dans des broderies, des estampes populaires, des biscuits au pain d'épice, des sculptures anciennes en bois - tout cela est combiné ici dans une image merveilleuse et incomparable. Des horizons vastes et lointains s’ouvrent ici pour admirer et étudier non seulement les artistes, mais tout le monde..

Ivan Bilibine

Ivan Bilibine. Les appartements de Dadon. Scénographie de l'opéra Le Coq d'or de Nikolaï Rimski-Korsakov. 1909. Collection d'archives pour l'art et l'histoire, Berlin, Allemagne

Ivan Bilibine. Petit Kitezh sur la Volga. Esquisse de scénographie du deuxième acte de l'opéra de Nikolaï Rimski-Korsakov « La Légende de la ville invisible de Kitezh et de la jeune fille Fevronia ». 1934. Collection privée

Ivan Bilibine. Tente de la reine Shamakhan. Scénographie de l'opéra Le Coq d'or de Nikolaï Rimski-Korsakov. 1909. Collection d'archives pour l'art et l'histoire, Berlin, Allemagne

Ivan Bilibin est principalement connu pour ses illustrations de livres de contes de fées et d'épopées russes. Mais il a également fait ses preuves en tant qu'artiste de théâtre. Parmi ses œuvres figure la suite de ballet « Danses russes ». Il a écrit à propos des créations de costumes pour cette production : « Ce costume était-il beau ? Il était génial. Il y a la beauté du mouvement et la beauté de la paix. Prenez par exemple notre danse russe. L'homme danse comme un démon, couvrant ses genoux vertigineux, juste pour briser le calme majestueux du centre de la danse - la femme, et elle reste presque immobile, dans sa belle tenue de paix, ne bougeant que légèrement ses épaules..

Il a conçu « Fuente Ovejuna » de Lope de Vega pour le Théâtre antique, « Le Coq d'or » de Nikolaï Rimski-Korsakov et « La Tombe d'Askold » d'Alexei Verstovsky pour le théâtre privé de l'Opéra Zimin de Moscou, « Rouslan et Lyudmila » de Mikhaïl Glinka et « Sadko » de Nikolaï Rimski-Korsakov - pour le Théâtre de la Maison du Peuple de Saint-Pétersbourg. Comme d'autres artistes du début du XXe siècle, Bilibin a travaillé pour les Saisons russes à Paris - il a participé à la conception de l'opéra « Boris Godounov » et de la suite de danse « La Fête ». En exil, Bilibin a conçu les productions des opéras russes « La Fiancée du Tsar », « Prince Igor », « Boris Godounov » au Théâtre des Champs-Élysées et a conçu le ballet « L'Oiseau de feu » d'Igor Stravinsky au Teatro Colon de Buenos Aires. .

Alexandre Benois

Alexandre Benois. Équitable. Scénographie de « Petrouchka » d'Igor Stravinsky. 1911. Musée du Théâtre académique Bolchoï de Russie, Moscou Igor Grabar a écrit à propos de l'artiste : « Benois a de nombreuses passions, mais la plus grande d'entre elles est une passion pour l'art, et dans le domaine de l'art, peut-être, pour le théâtre... C'est la personne la plus théâtrale que j'ai jamais rencontrée dans ma vie, pas moins théâtrale que Stanislavski lui-même, que Meyerhold… »

En Europe, Benois devient célèbre grâce à sa participation aux saisons russes de Diaghilev : il conçoit les ballets La Sylphide, Giselle et Le Rossignol. Mais son plus grand succès fut avec les décors du ballet Petrouchka de Stravinsky, dont il écrivit également le livret. Benois a également beaucoup travaillé avec Stanislavski au Théâtre d'art de Moscou - il a conçu les pièces de Molière "Le invalide imaginaire" et "Tartuffe", "La propriétaire de l'auberge" de Goldoni. Stanislavski se souvenait ainsi de l'artiste : « Benoît s'est avéré charmant. Il écoute, se soumet volontiers à toutes sortes de tests et de modifications et, apparemment, veut comprendre les secrets de la scène. C'est un excellent réalisateur-psychologue et il a superbement et immédiatement saisi toutes nos techniques et s'est laissé emporter par elles. Travaille très dur. En un mot, c'est un homme de théâtre. ». En exil, Benois travaille au Grand Opéra de Paris, où il crée les décors du Baiser de la Fée d'Igor Stravinsky, Sergei Sudeikin. A Olympie. Scénographie pour "Les Contes d'Hoffmann" de Jacques Offenbach. 1915. Musée du Théâtre central d'État nommé d'après les A.A. Bakhrushina, Moscou

Les premières œuvres de Sergei Sudeikin au théâtre, comme celles de nombreux artistes de son temps, ont été rendues possibles grâce à la collaboration avec Savva Mamontov. Dans le studio-théâtre de Povarskaya, il a conçu « La Mort de Tentagille » de Maeterlinck. Par la suite, il a travaillé sur une autre pièce de Maeterlinck, « ​​Sœur Béatrice », à propos de laquelle Alexander Blok a écrit : "Comme si ces spectateurs occasionnels ressentaient le "souffle de miracle" avec lequel la scène s'épanouissait, nous reconnaissions une grande excitation, une excitation pour l'amour, pour les ailes, pour la joie de l'avenir.".

Au Nouveau Théâtre Dramatique, Sudeikin a réalisé les décors de César et Cléopâtre sous la direction de Fiodor Komissarzhevsky. Au Théâtre Maly, il a conçu les ballets Swan Lake, Cavalry Halt et Vain Precaution. Diaghilev a engagé Sudeikin pour concevoir L'Après-midi d'un faune de Claude Debussy et Le Sacre du printemps d'Igor Stravinsky, ainsi que La Tragédie de Salomé de Florent Schmidt. En exil, Sudeikin a été scénographe pour le cabaret « Die Fledermaus » à Paris et a travaillé au Metropolitan Opera de New York.