Le XVIIe siècle avait sens spécial former cultures nationales nouvelle heure. À cette époque, le processus de localisation des grands écoles d'art, dont l'originalité était déterminée à la fois par les conditions du développement historique et par la tradition artistique qui s'est développée dans chaque pays - Italie, Flandre, Hollande, Espagne, France. Cela nous permet de considérer le XVIIe siècle comme nouvelle étape dans l'histoire de l'art. identité nationale n’exclut cependant pas des traits communs. Développant à bien des égards les traditions de la Renaissance, les artistes du XVIIe siècle ont considérablement élargi leur éventail d'intérêts et approfondi la gamme cognitive de l'art.
Comparé à la Renaissance, l'art du XVIIe siècle est plus complexe, contradictoire dans son contenu et formes artistiques. La perception poétique holistique du monde, caractéristique de la Renaissance, est détruite, l'idéal d'harmonie et de clarté s'avère inaccessible. Mais l’image d’une personne reste au centre de l’attention de l’artiste. Les titans, glorifiés dans les œuvres d'art de la Renaissance, ont cédé la place à un homme conscient de sa dépendance à l'égard de l'environnement social et des lois objectives de l'existence. Son incarnation devient plus concrète, émotionnelle et psychologiquement complexe. Il révèle une variété et une richesse infinies monde intérieur, paraissent plus lumineux et plus définis traits nationaux, montre sa place dans la société. La vraie vie est révélée par les artistes du XVIIe siècle dans une variété de collisions et de conflits dramatiques, de situations grotesques, satiriques et comiques. En littérature, c'est l'apogée de la tragédie et de la comédie (Shakespeare, Lope de Vega, Calderon, Corneille, Racine, Molière).
La culture artistique du XVIIe siècle reflète la complexité de l'époque qui a préparé la victoire du système capitaliste dans les pays économiquement développés d'Europe. Au début du XVIIe siècle, des acquis révolutionnaires étaient en train de s'établir en Hollande, le premier pays capitaliste d'Europe. En Angleterre, cela a lieu révolution bourgeoise 1640-1660 à l’échelle paneuropéenne. Un exemple classique d’État absolutiste est en train d’émerger en France. Au service des intérêts de la noblesse féodale, l'absolutisme français a assuré la croissance de la bourgeoisie grâce à des politiques protectionnistes. Cependant, la féodalité était encore forte. L’Espagne, qui était la puissance la plus puissante du monde au XVIe siècle, est devenue l’un des États réactionnaires arriérés d’Europe. En Italie et en Allemagne tout en maintenant fragmentation féodale un État princier de petite puissance est formé ; despotisme. Même en Angleterre, la bourgeoisie partage le pouvoir avec l'aristocratie foncière.
Dans la lutte pour un développement progressif des États européens, les mouvements populaires ont joué un rôle important. La protestation des masses populaires contre l'oppression absolutiste et la prédation de l'ère de l'accumulation primitive était le contenu principal vie publique 17ème siècle. Le développement de la culture en a été influencé à un degré ou à un autre. Les discours des penseurs progressistes contre la féodalité étaient associés à des critiques église catholique, renforçant encore une fois son influence et entravant la pensée publique.
Dans le même temps, l'essor général de l'économie dans les pays avancés d'Europe, l'essor de l'industrie et du commerce ont créé les bases du progrès de la précision et du commerce. sciences naturelles. Les grandes découvertes de Galilée, Kepler, Newton, Leibniz, Descartes en mathématiques, astronomie, physique et philosophie ont contribué à l'établissement d'idées matérialistes (Bacon, Hobbes, Locke, Spinoza), à l'expansion et à l'approfondissement des idées sur la nature et l'univers. . Alors que pour les scientifiques de la Renaissance, l’établissement de schémas de phénomènes reposait sur l’observation expérimentale d’un seul individu, les penseurs du XVIIe siècle fondaient leurs théories scientifiques sur des systèmes et des visions holistiques du monde. Les œuvres des artistes affirment également une perception plus holistique et plus profonde de la réalité. Le concept de synthèse des arts reçoit une nouvelle interprétation.
Certains types d'art, comme œuvres individuelles, perdent leur isolement et s'efforcent de se connecter les uns aux autres. Les bâtiments sont organiquement inclus dans l’espace d’une rue, d’une place ou d’un parc. La sculpture devient dynamique et envahit l’architecture et l’espace jardin. La peinture décorative complète avec des effets de perspective spatiale ce qui est inhérent à intérieur architectural. Le désir d'une large diffusion de la réalité a conduit au XVIIe siècle à une variété de formes de genre. DANS beaux-ArtsÀ côté des genres mythologiques et bibliques traditionnels, les genres profanes gagnent une place indépendante : genre de tous les jours, paysage, portrait, nature morte.
Les relations complexes et la lutte des forces sociales donnent également naissance à une variété de mouvements artistiques et idéologiques. Contrairement aux périodes historiques précédentes, où l'art se développait dans le cadre de grands styles homogènes ( Style romain, Gothique, Renaissance), le XVIIe siècle se caractérise par deux grands styles - le baroque et le classicisme, dont les éléments s'expriment clairement dans l'architecture et dans une nouvelle compréhension de la synthèse des arts. L'art baroque révèle l'essence de la vie dans le mouvement et la lutte de forces élémentaires aléatoires et changeantes. Dans ses manifestations extrêmes, l'art baroque atteint l'irrationalisme, le mysticisme, affectant l'imagination et les sentiments du spectateur avec une tension dramatique et une expression des formes. Les événements sont interprétés à grande échelle ; les artistes préfèrent représenter des scènes de tourments, d'extase ou des panégyriques d'exploits et de triomphes.
L'art du classicisme repose sur un principe rationnel. Du point de vue du classicisme, le beau n’est que ce qui est ordonné, raisonnable et harmonieux. Les héros du classicisme soumettent leurs sentiments au contrôle de la raison ; ils sont retenus et dignes. La théorie du classicisme justifie la division en genres hauts et bas. Dans l'art du classicisme, l'unité est obtenue en reliant et en faisant correspondre toutes les parties de l'ensemble, en préservant cependant sens indépendant. Le baroque comme le classicisme se caractérisent par un désir de généralisation, mais les maîtres baroques gravitent vers des masses dynamiques, vers des ensembles complexes et étendus. Souvent, les caractéristiques de ces deux grands styles sont étroitement liées dans l'art d'un pays et même dans l'œuvre du même artiste, ce qui donne lieu à des contradictions.
Parallèlement au baroque et au classicisme, une réflexion réaliste plus directe et plus puissante de la vie, libre de tout élément stylistique, émerge dans les arts visuels. Direction réaliste est étape importante en évolution Art d'Europe occidentale. Ses manifestations sont exceptionnellement diverses et vives, tant dans les diverses écoles nationales que parmi les maîtres individuels. Le XVIIe siècle appartient aux plus grands maîtres du réalisme - Caravage, Velazquez, Rembrandt, Hals, Vermeer de Delft. Au 17ème siècle, ceux-ci arrivaient en premier écoles nationales, dans l'art duquel les résultats créatifs les plus élevés ont été obtenus. L'Italie, l'Espagne, la Flandre, la Hollande et la France deviennent rapidement des centres artistiques influents. Dans d'autres pays européens - Angleterre, Allemagne, Autriche, République tchèque, Pologne, Danemark culture artistique conserve l'empreinte des propriétés locales et des relations avec la tradition des époques précédentes.
Malgré la spécialisation développée, le XVIIe siècle de la peinture russe est devenu le siècle de l'art et non des contrefaçons artisanales. Des peintres d'icônes exceptionnels vivaient à Moscou. Ils étaient répertoriés dans le département de la Chambre des Icônes de l'Ordre des Icônes.
Symvon Ouchakov. Un sauveur non fait à la main.
À la fin du XVIIe siècle, ils commencèrent à travailler comme maîtres de l'atelier d'icônes de l'Armurerie. Début du XVIIe siècle grand succès Procopius Chirin a réussi. Chirin était originaire de Novgorod. Ses icônes sont réalisées dans des couleurs douces, les figures sont soulignées d'une bordure dorée, blanchies à la chaux avec la plus belle aide.
Nazariy Savin est un autre peintre russe remarquable du XVIIe siècle. Savin préférait les figures aux proportions allongées, aux épaules étroites et aux longues barbes. Dans les années 30 du XVIIe siècle, Savin dirigea un groupe de peintres d'icônes qui écrivirent les rites festifs et prophétiques Deesis pour l'iconostase de l'église de la Déposition de la Robe de la Vierge Marie et du Kremlin de Moscou.
Ivan 4 Vasilievich le Terrible.
Au milieu du XVIIe siècle, se tenait bon travail sur la restauration des peintures murales anciennes. La nouvelle peinture murale de la cathédrale de l'Assomption à Moscou, qui a conservé le schéma de la précédente, a été achevée dans les plus brefs délais. Les travaux ont été supervisés par Ivan Pansein. Les artistes sous sa direction ont peint 249 compositions complexes et 2 066 visages.
Au XVIIe siècle, la peinture russe se distinguait par un désir particulier des artistes, le désir d'une représentation réaliste d'une personne. En Russie, un phénomène tel que peinture profane. Les peintres laïcs du XVIIe siècle représentaient des rois, des généraux et des boyards. Au XVIIe siècle, dans la culture russe, y compris dans la peinture, un processus de « sécularisation » s'est produit. Les motivations laïques pénètrent de plus en plus dans la vie de la société russe. La Russie a tenu bon nouvelle façon, sur le seuil nouvelle ère son histoire.
En peinture en dans une plus grande mesure les traditions d'écriture établies ont été préservées. Le Concile de l'Église de 1667 réglementait strictement les thèmes et les images, et la charte du tsar Alexeï Mikhaïlovitch exigeait qu'ils soient respectés. Les parsuns ont été écrits de lui :
L'idéologue des vieux croyants Avvakum a condamné avec zèle tout écart par rapport aux canons dans la représentation des saints.
Les activités des peintres étaient supervisées par l'Armurerie du Kremlin, devenue au XVIIe siècle. centre artistique du pays, où ils ont attiré les meilleurs maîtres.
Pendant 30 ans, l'entreprise de peinture fut dirigée par Simon Ouchakov (1626-1686). Un trait caractéristique de son travail était un intérêt particulier pour l'image visage humain. Sous sa main, les visages ascétiques acquièrent des traits vivants. Il s'agit de l'icône « Le Sauveur n'est pas fait à la main ».
Une autre de ses œuvres est largement connue : « Planter l’arbre de l’État panrusse ». Sur le fond de la cathédrale de l'Assomption se trouvent les figures d'Ivan Kalita et du métropolite Pierre, arrosant un grand arbre, sur les branches duquel sont montés des médaillons avec des portraits de princes et de rois. Sur le côté gauche de la photo se trouve Alexeï Mikhaïlovitch, à droite sa femme et ses enfants. Toutes les images sont des portraits. Ouchakov a également peint l'icône de la Trinité, sur laquelle apparaissent des détails réalistes. Simon Ouchakov a eu une grande influence sur le développement de la peinture russe.
Un phénomène remarquable en russe art XVII V. est devenu une école de maîtres de Yaroslavl. Les scènes traditionnelles d'église et bibliques sur leurs fresques commencent à être représentées dans des images de la vie russe familière. Les miracles des saints passent au second plan devant les phénomènes quotidiens. La composition «Récolte» de l'église du prophète Élie, ainsi que les fresques de l'église de Jean-Baptiste sont particulièrement caractéristiques. Les peintres de Iaroslavl étaient également parmi les « pionniers » dans le développement des paysages.
Un autre exemple du genre profane, traduisant un intérêt pour personnalité humaine, la diffusion de l'écriture « parsun » - images de portraits. Si dans la première moitié du siècle les « parsuns » étaient encore réalisés dans une tradition purement iconographique (images d'Ivan IV, M. Skopin-Shuisky),
puis dans la seconde, ils ont commencé à prendre un caractère plus réaliste (les « parsuns » des tsars Alexeï Mikhaïlovitch, Fiodor Alekseevich, l'intendant G.P. Godounov).
Mikhaïl Fedorovitch, tsar, premier de la dynastie des Romanov.
Parsun du dernier Rurikovich de la lignée masculine - le fils d'Ivan le Terrible.
Patriarche Nikon
Patriarche Nikon sous le tsar Alexeï Mikhaïlovitch.
Natalya Kirillovna Naryshkina, seconde épouse du tsar Alexeï Mikhaïlovitch et un autre de ses parsuns
Narychkine.
Le patriarche Nikon avec les frères du monastère de la Résurrection
Portrait de l'intendant I.I. Chemodanov, années 1690.
BG 
Evdokia Lopukhina - l'épouse de Piotr Alekseevich
Portrait de l'intendant F.I. Verigin, années 1690.
Portrait de groupe des participants de l'ambassade de Russie en Angleterre 1662.
Marfa Vassilievna Sobakina
Wedekind Johann. Portrait du tsar Mikhaïl Fedorovitch.
Utiliser les acquis de la Renaissance comme système artistique tout fait (perspective linéaire et aérienne, clair-obscur, coloration tonale rapprochée, étude de la nature). Développement en profondeur d'éléments structurels individuels du système dans un souci d'expressivité. Tester la solidité du système. Développement de manières créatives individuelles. Écoles de grands maîtres(étudiants, imitateurs). Étudier les œuvres du maître, les monuments d’art, comprendre les principes de l’art du maître, copier ses œuvres, créer ses propres œuvres à la manière du maître, former son propre style, qui remonte à la manière du professeur. L’éducation artistique gagne en autonomie par rapport à l’aspect artisanal. Technique de peinture: fond sombre, sous-couche empâtée – modelage ombre et lumière de la forme, écriture – Schéma de couleur, détails des formes, vitrages - application de fines couches transparentes de peinture pour nuancer la couleur, donnant à l'image un ton général. Peinture sur toile (auparavant le bois prédominait).
Artistes: Caravage (Italie) – intérêt pour la représentation de la nature, orientation vers la vérité dans l'art, « nature morte » de compositions figurées. Modèles du type populaire, évitement de l'idéalisation des images, interprétation terre-à-terre de sujets mythologiques et chrétiens, accent mis sur la modélisation des volumes par la lumière et l'ombre (sculpturalité), fonds sombres neutres, couleurs proches, compositions laconiques, nature statique, sous-couche empâtée, écriture douce des couches supérieures de la peinture. Rembrandt (Hollande) – modelage des formes en noir et blanc, transmission de l'atmosphère, peinture empâtée (traits ouverts), couleurs tonales chaudes riches en nuances, nuances émotionnelles des états psychologiques dans les portraits, images religieuses et mythologiques, nature sans fioritures, beauté spirituelle d'un laid personne. Velázquez (Espagne) – nature sans fioritures, compositions de figures de « nature morte », dignité de la personnalité malgré la laideur extérieure, nuances subtiles de couleurs riches, manière picturale, compositions spatiales (planifiées) complexes. Rubens (Flandre) - Style baroque, splendeur des formes, générosité matérielle du monde, dynamique orageuse, compositions diagonales, style pictural libre, richesse des couleurs, subtiles nuances de couleurs. Poussin (France) – style « classicisme », clarté, équilibre, calme et harmonie des compositions, clarté des structures spatiales, orientation vers l’esthétique de l’Antiquité, idéalisation des figures, rendu de la couleur locale avec élaboration de la lumière et des ombres, équilibre des taches de couleur . El Greco (Espagne) – dépassement du système artistique de la Renaissance, vision subjective de la forme, distorsion des proportions, anatomie, figures allongées verticalement, aplatissement de l’espace, évitement du clair-obscur objectif, lumière et couleur rayonnantes, manière picturale libre, expression spirituelle accrue.
14. Styles dans l'art européen des XVIIe-XIXe siècles.
Style– subordination des moyens artistiques de l’art à toute idée formatrice ; caractérisé par certains principes de formation et un ensemble spécifique d'éléments (motifs). Raisons du changement de style : non artistiques - économie, politique, idéologie ; intra-artistique – la logique du développement de l’art et de la perception artistique. Au 17ème siècle En Europe, les styles « baroque » et « classicisme » se sont formés. Leur source commune est l’art de la Renaissance. Baroque– un style luxuriant et luxueux ; pondération des masses, sensualité croissante, matérialité des formes, esthétique de la démesure, dynamique des compositions, tension. Élément clé– ligne courbe, forme organique. Raisons de son apparition : le développement du capitalisme, un nouveau riche consommateur d'art, la revanche catholique dans la lutte contre la Réforme, la satiété des émotions du public, le désir de sensations artistiques plus intenses. Sources de style : les œuvres de Michel-Ange, Véronèse, Le Tintoret. Architectes : Bernini, Borromini (Italie, XVIIe siècle), Rastrelli (Russie, XVIIIe siècle). Sculpteurs : Bernin (Italie, XVIIe siècle), Shubin (Russie, XVIIIe siècle). Peintres : Rubens, van Dyck, Snyders (Flandres, XVIIe siècle), Correggio (Italie, XVIIe siècle) Rococo– baroque tardif (XVIIIe siècle) – raffinement des formes, décoratisme, grâce. L'élément clé est l'évier. Peinture : Watteau, Fragonard (France), Hogarth (Angleterre), Rokotov, Levitsky (Russie).
Classicisme– clarté, calme, équilibre des formes, harmonie des proportions, mesure, statique, symétrie, attachement à l’esthétique de l’Antiquité. L'élément clé est une ligne droite, figure géométrique, garantir. Raisons de son apparition : absolutisme (France, Espagne), soif de normativité du spectateur, d'harmonie, de justesse dans l'art (conservatisme des goûts). Sources de style : Antiquité, Renaissance (œuvres de Bramante, Palladio, Léonard de Vinci, Raphaël). Architecture : ensembles du Louvre, Versailles (France, XVIIe-XVIIIe siècles), bâtiments des architectes Bajenov, Kazakov (Russie, fin XVIIIe siècle). Peinture : Poussin, Claude Lorrain (France, XVIIe siècle), Losenko (Russie, XVIIIe siècle), Venetsianov, A. Ivanov (Russie, XIXe siècle). Style Empire– classicisme tardif, simplification, stéréométrie des formes, citation archéologique d'inclusions anciennes. Architecture : Zakharov, Beauvais (Russie, premier quart du XIXe siècle). Un classicisme avec une pertinence variable a survécu jusqu'à ce jour. Début du 20ème siècle – néoclassicisme, années 30 – années 50. 20ième siècle – le classicisme totalitaire (Allemagne, Russie), de nos jours – une des tendances du postmodernisme. Éclectisme – direction artistique V art européen le milieu - seconde moitié du XIXe siècle, constitué d'imitations de divers styles historiques et nationaux (style Forococo, néo-gothique, pseudo-russe...). Exemple : le bâtiment du Musée historique de Moscou (architecte Sherwood). Moderne- style de la fin du XIXe - début du XXe siècle, basé sur une stylisation curviligne organique des formes. Exemple : le manoir de Ryabushinsky à Moscou (architecte Shekhtel).
Dans l'histoire de l'art russe, le XVIIe siècle est une période de lutte entre deux écoles de peinture et de formation de nouveaux genres. église orthodoxe a encore eu une énorme influence sur une vie culturelle personne. Les artistes ont également connu certaines restrictions dans leurs activités.
Iconographie
Pendant les périodes fin du Moyen Âge Le centre de concentration des artistes et artisans en Russie était le Kremlin, ou plutôt l'Armurerie. Les meilleurs maîtres de l'architecture, de la peinture et d'autres arts créatifs y ont travaillé.
Malgré le développement rapide de l'art dans toute l'Europe, la peinture en Russie au XVIIe siècle n'avait qu'un seul genre : la peinture d'icônes. Les artistes étaient contraints de créer sous la surveillance vigilante de l’Église, qui s’opposait fermement à toute innovation. La peinture d'icônes russe s'est formée sous l'influence des traditions picturales de Byzance et avait alors clairement formé des canons.
La peinture, comme la culture russe du XVIIe siècle, était assez autonome et se développait très lentement. Cependant, un événement a entraîné une réforme complète du genre de la peinture d’icônes. Lors d'un incendie en 1547, de nombreuses icônes anciennes brûlèrent à Moscou. Il fallait restaurer ce qui était perdu. Et dans le processus, la principale pierre d'achoppement était le différend sur la nature des visages des saints. Les avis étaient partagés ; les adeptes des anciennes traditions pensaient que les images devaient rester symboliques. Tandis que les artistes aux vues plus modernes étaient favorables à un plus grand réalisme des saints et des martyrs.
Division en deux écoles
En conséquence, la peinture en Russie au XVIIe siècle était divisée en deux camps. Dans la première, il y avait des représentants de l'école « Godounov » (au nom de Boris Godounov). Ils cherchaient à faire revivre les traditions de peinture d'icônes d'Andrei Rublev et d'autres maîtres médiévaux.
Ces maîtres travaillaient sur commandes de la cour royale et représentaient le côté officiel de l'art. Caractéristiques pour cette école, il y avait des visages canoniques de saints, des images simplifiées d'une foule de personnes sous la forme de plusieurs têtes, des tons dorés, rouges et bleu-vert. En même temps, on peut remarquer les tentatives des artistes pour transmettre la matérialité de certains objets. L'école Godounov est surtout connue pour ses peintures murales dans les chambres du Kremlin, dans la cathédrale de Smolensk et dans la cathédrale de la Trinité.
L’école adverse était l’école Stroganov. Le nom est associé aux marchands Stroganov, pour lesquels il a été réalisé la plupart de commandes et qui ont joué le rôle de « sponsors » dans le développement de la peinture en Russie au XVIIe siècle. C'est grâce aux maîtres de cette école que commença le développement rapide de l'art. Ils furent les premiers à fabriquer des icônes miniatures pour les prières à la maison. Cela a contribué à leur propagation parmi les citoyens ordinaires.
Les maîtres de Stroganov allaient de plus en plus au-delà canons de l'église et a commencé à prêter attention aux détails de l'environnement, apparence saints Le paysage commença donc lentement à se développer. Leurs icônes étaient colorées et décoratives, et leur interprétation des personnages bibliques était plus proche des images. Vrais gens. Les œuvres survivantes les plus célèbres sont les icônes « Nicétas le Guerrier » et « Jean-Baptiste ».
Fresques de Iaroslavl
Un monument unique dans l'histoire de la peinture du XVIIe siècle en Russie se trouvent les fresques de l'église du prophète Élie à Yaroslavl, sur lesquelles ont travaillé des artistes de l'Armurerie. Une particularité de ces fresques sont les scènes de vrai vie, qui prévalent sur histoires bibliques. Par exemple, dans la scène de guérison, la partie principale de la composition est occupée par l'image des paysans pendant la récolte. Ce fut la première image monumentale du genre quotidien.
Parmi ces fresques, vous trouverez des scènes de contes de fées et mythologiques. Ils surprennent par leur couleurs vives et une architecture complexe.
Simon Ouchakov
A chaque étape développement culturel les pays apparaissent personnes importantes. L'homme qui a fait progresser la peinture en Russie au XVIIe siècle dans une nouvelle direction et a contribué à sa libération partielle de l'idéologie religieuse était Simon Ouchakov.
Il n'était pas seulement un peintre de cour, mais aussi un scientifique, un enseignant, un théologien et un homme aux vues larges. Simon était passionné par l'art occidental. Il s’intéressait particulièrement à la représentation réaliste du visage humain. Cela est clairement visible dans son œuvre « Le Sauveur n’est pas fabriqué à la main ».
Ouchakov était un innovateur. Il fut le premier artiste russe à utiliser la peinture à l'huile. Grâce à lui, l'art de la gravure sur cuivre commence à se développer. Artiste en chef de l'Armurerie pendant trente ans, il peint de nombreuses icônes, gravures ainsi que plusieurs traités. Parmi eux se trouve "Un mot à un amateur de peinture d'icônes", dans lequel il exprime son opinion selon laquelle l'artiste devrait, comme un miroir, refléter fidèlement le monde. Il y a adhéré dans ses œuvres et l'a enseigné à ses élèves. Ses notes contiennent des références à un atlas anatomique, qu'il souhaitait rédiger et illustrer de gravures. Mais apparemment, il n’a pas été publié ou n’a pas survécu. Principal mérite maître est qu'il a posé les bases du portrait du XVIIe siècle en Russie.
Parsuna
Après des transformations importantes dans la peinture d'icônes, le genre du portrait a commencé à prendre forme. Au début, elle était réalisée dans le style de la peinture d'icônes et s'appelait « parsuna » (du latin personne, personnalité). Les artistes travaillent de plus en plus avec la nature vivante, les parsuns deviennent plus réalistes, leurs visages gagnent en volume.
Des portraits de Boris Godounov, des tsars Alexei Mikhailovich, de Fiodor Alekseevich, des tsarines Evdokia Lopukhina et Praskovya Saltykova ont été peints dans ce style.
On sait que des artistes étrangers travaillaient également à la cour. Ils ont également contribué de manière significative à l’évolution de la peinture russe.
Graphiques de livres
L'imprimerie est également arrivée assez tard sur les terres russes. Cependant, parallèlement à son développement, les gravures, utilisées comme illustrations, ont également gagné en popularité. Les images étaient à la fois de nature religieuse et quotidienne. Les miniatures de livres de cette période se distinguent par des ornements complexes, des initiales décoratives et des portraits. Les maîtres de l’école Stroganov ont grandement contribué au développement des livres miniatures.
La peinture en Russie au XVIIe siècle est passée d'une peinture hautement spirituelle à une peinture plus mondaine et plus proche du peuple. Malgré l'opposition des dirigeants religieux, les artistes ont défendu leur droit de créer dans le genre du réalisme.
L'un des styles dominants est le baroque : c'est un style lumineux et impétueux, qui se manifeste par le faste et la démesure. Michel-Ange da Caravaggio peut être considéré comme le fondateur du baroque, originaire d'Italie.
D'abord et surtout représentant éminent Church Baroque est devenu un artiste connu sous le nom d'El Greco. L'œuvre de Silva Velazquez est considérée comme le summum art espagnolâge d'or du baroque.
Les plus grands représentants Peinture flamande Le 17ème siècle sont Peter Rubens et Rembrandt.
Au début du XVIIIe siècle, la première place était occupée par un nouveau style– Rococo. Le nom de cette direction vient de mot français, signifiant « motif de pierres et de coquillages ». Caractéristique La nouvelle direction était un départ de la vie réelle vers un monde imaginaire, qui s'exprimait clairement dans le travail des meilleurs représentants du style.
L'un des représentants de la première période du rococo français est Antoine Watteau, François Boucher, Nicolas Lancret. Genre de portrait a été développée dans les travaux de Jean Nattier.
Dans le rococo italien, les représentants éminents du style étaient Giovanni Tiepolo, Francesco Guardi et Pietro Longhi.
Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, le style rococo léger et raffiné de la peinture a été remplacé par le classicisme avec son contenu profond et son désir d'un standard idéal. Représentants classicisme français milieu du XVIIIe siècle sont Joseph Marie Vienne, Jacques Louis David. Les représentants du classicisme allemand sont Anton Mengs, Anton Graff, Franz Maulberch.
