L'arrivée d'Énée à Pallanteum
Description de l'image. Selon la plus ancienne légende post-homérique, Énée, qui s'est échappé après la prise et l'incendie de Troie, reste à Troas, où il a fondé une nouvelle colonie ; Plus tard, une légende se répand sur son déménagement dans la péninsule de Pallanteum/Hellanicus, où il fonda la montagne. Enée, et enfin (selon Stésichore) en Hespérie, c'est-à-dire l'Italie.
Le paysage classique acquiert un nouveau contenu auprès de Claude Jelle, surnommé Lorrain (1600-1682). Originaire de Lorraine, il est venu dès son enfance en Italie, où il a ensuite connecté son vie créative avec Rome. Inspiré par les motifs de la nature italienne, Lorren les transforme en images idéales; cependant, il perçoit la nature majestueuse de la Campanie romaine plus directement, de manière contemplative, à travers le prisme d'expériences personnelles. Ses paysages sont rêveurs et élégiaques. Lorrain enrichit les paysages de nombreuses observations fraîches, a un sens aigu de l'environnement lumière-air, des changements de nature à différents moments de la journée : lever ou coucher du soleil, brouillard avant l'aube ou crépuscule.
L'expulsion d'Agar. L'expulsion d'Agar. Et voir aussi. Original(1012×800)
Agar est une Égyptienne, esclave, servante de Sarah pendant que cette dernière était sans enfant, qui devint la concubine d'Abraham et lui donna un fils, Ismaël. De nombreuses légendes sur Agar ont été conservées dans la littérature arabe ; en peinture, la scène de l'expulsion d'Agar et d'Ismaël de la maison d'Abraham a été reproduite à plusieurs reprises par les artistes de tous les temps.
L'intrigue est empruntée au livre de la Genèse, ch. 16 et 21. Sarah, la femme d'Abraham, était stérile. Elle avait une servante égyptienne, Agar. Sarah dit à son mari : « Va chez Agar, peut-être que j'aurai des enfants d'elle. » Abraham fit ce que sa femme lui disait. Agar tomba enceinte et commença ensuite à mépriser Sarah. Sarah dit à son mari : « C'est toi qui es responsable de mon offense. » Abraham répondit : « C'est ta servante, fais-en ce que tu veux. » Et Sara commença à l'opprimer, et elle s'enfuit dans le désert. Un ange apparut dans le désert et ordonna à Agar de retourner dans la maison d'Abraham et de se soumettre à Sarah. C’est ce qu’elle a fait. Après un certain temps, Agar donna naissance à un fils à Abraham, qui s'appelait Ismaël. Quatorze ans plus tard, grâce à la providence de Dieu, Sarah donne naissance à Isaac. Et Sarah vit qu'Ismaël se moquait d'Isaac et elle dit à son mari : « Chasse cette servante et son fils de la maison, car Isaac sera ton héritier, pas Ismaël. » Abraham fut bouleversé par cette demande, mais Dieu lui dit : « Dans tout ce que Sara te dira, obéis à sa voix... » Et Abraham se leva de bon matin, prit du pain et une bouteille d'eau et les donna à Agar. le mettant sur ses épaules, et il la renvoya, elle et Ismaël...
Paysage avec Jacob Rachel et Leah au puits (matin). Jacob, Rachel et Léa au puits. Et voir aussi. Original(1484×1054)
Jacob tomba amoureux de la plus jeune fille de Laban, la belle Rachel (qu'il rencontra alors qu'il s'approchait encore d'Harran, au puits où Rachel amenait les moutons à l'eau) et servit son oncle pendant 7 ans pour elle. Mais Laban le trompa en lui donnant Léa, sa fille aînée, comme épouse. Bientôt, Jacob prend également Rachel pour épouse, mais pour elle, il doit servir encore 7 ans.
Jacob commença à servir Laban afin qu'il lui donne Rachel pour femme, et il le servit pendant sept ans. Jacob avait des sentiments profonds pour Rachel, et les années d’attente passèrent comme « quelques jours » pour lui. Le moment est venu pour Rachel de se marier et le festin de mariage est enfin là. La mariée est à côté du marié, il est très heureux. Jacob entre dans la chambre de sa femme...
L'aube approche. Horrible, Soeur autochtone Rachel sait que le secret sera révélé. Et maintenant Jacob va découvrir que ce n'était pas Rachel qui était avec lui la nuit, mais sa sœur aînée. Léa, selon les instructions de son père, se couche, ce qui était destiné à Jacob et Rachel.
Quand Jacob apprit la vérité, il fut furieux. Il exprima son indignation à Laban, le père des deux filles. Il a dit qu'il avait travaillé pour Rachel pendant 7 ans. Laban répondit que selon la loi de son peuple, il n'est pas d'usage de donner le plus jeune avant le plus âgé. Je te donnerai Rachel si tu fais le travail pour moi pendant encore 7 ans. Ainsi, Jacob s'est involontairement marié à la femme mal-aimée Léa et à celle qui a conquis son cœur - Rachel.
Jacob a travaillé pendant 14 ans pour avoir sa bien-aimée comme épouse. Leah était toujours à l'écart alors que Jacob montrait des sentiments ouverts pour Rachel. Le feu de la jalousie et de l’envie s’est allumé entre eux. Ces deux femmes ont souffert chacune à leur manière. Léa a eu des enfants et a déjà donné naissance à six fils à Jacob, espérant qu'il l'aimerait. Et Rachel resta stérile, mais son mari l'aimait. Léa vit avec quelle tendresse Jacob traitait Rachel, ce qui la rendit encore plus amère. Léa a prié Dieu pour son chagrin. Mais Jacob n’aimait toujours que Rachel. Leah ne pouvait pas se débarrasser de son chagrin, mais elle a fait preuve d'humilité. Mais Rachel a aussi souffert, car elle ne pouvait pas avoir d'enfants, mais elle avait l'amour et le respect de son mari. Leah avait des enfants, mais elle voulait l'amour. Chacun voulait avoir ce que l’autre avait. Et chacune était malheureuse dans son malheur.
Scène côtière avec le viol d'Europe
Sanctuaire de Delphes. Et voir aussi. Original(3200×2282)
Paysage avec des bergers - Le Pont Molle
Scène portuaire avec la Villa Médicis. Et voir aussi. Original(1089×818)
Ulysse rend Chryséis à son père. Et voir aussi. Original(1198×950)
Le Mil. Et voir aussi. Original(1400×1000)
Le Campo Vaccino, Rome. Et voir aussi. Original(1030×787)
Chemin forestier avec bergers et troupeau. Et voir aussi. Original(1355×800)
Le jugement de Pâris. Et voir aussi. Original(1497×1100)
Paysage avec des bergers. Et voir aussi. Original(1407×1000)
Le débarquement de Cléopâtre à Tarse. Et voir aussi. Original(1119×897)
Paysage avec personnages dansants. Et voir aussi. Original(1088×840)
Paysage avec personnages dansants (détail).
Paysage côtier italien. Et voir aussi. Original(1051×770)
Paysage avec repos en fuite vers l’Egypte. Et voir aussi. Original(1126×790)
Paysage avec Enée à Délos. Et voir aussi. Original(1125×850)
Paysage avec Ascagne tirant le cerf de Sylvia. Et voir aussi. Original(1030×809)
Paysage avec fuite en Egypte. Original(1775×1322)
Paysage avec le repos pendant la fuite en Egypte. Original(1255×902)
Paysage avec la Fuite en Egypte. Et voir aussi. Original(1000×1321)
Lorrain Claude (1600-1682), peintre, dessinateur, graveur français. Né dans la commune de Chamagne, près de Mirecourt, Lorraine. Vrai nom de famille Gellée. Il étudia à Rome (à partir de 1613), où il vécut définitivement à partir de 1627 ; a été influencé par A. Elsheimer et Annibale Carracci. Lorrain a créé sa propre version du majestueux paysage « idéal » classique, dans lequel l'unité spatiale est obtenue grâce au développement le plus raffiné de l'environnement lumière-air, l'effet de la lumière diffuse du matin ou du soir, se fondant dans une brume dorée (« L'Expulsion de Agar", 1668, Alte Pinakothek, Munich). Les motifs bibliques, mythologiques et pastoraux des peintures de Lorrain sont subordonnés à l'ambiance générale élégiaque-rêveuse répandue dans la nature, et les figures ont presque invariablement un caractère de staffage (le cycle de paysages « Apollon et la Sibylle de Cumes », « Matin », « Midi », « Soirée », « Nuit » - tous 1645-1672, Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg; « L'Enlèvement d'Europe », 1655, Musée des Beaux-Arts de Moscou). Les croquis de Lorrain d'après nature (plume, bistre, encre) se distinguent par la fraîcheur de la perception diverses conditions la nature, ses gravures - des nuances virtuoses de lumière et d'ombre.
Contrairement à Poussin, apprécié des intellectuels, les clients de Claude Lorrain étaient des aristocrates.
L'artiste s'est basé sur un schéma commun qui convenait à tout le monde : un paysage idyllique avec une distance infinie et des coulisses, comme dans un théâtre. Avec des ajouts mineurs, Lorrain a suivi ce type de paysage tout au long de sa vie, mais il l'a enrichi d'observations si directes et originales, grâce auxquelles, au fil des siècles, de nouvelles solutions sont apparues dans le genre du paysage idyllique - principalement dans la construction d'un paysage continu. espace intégral rempli de lumière.
Claude Lorrain a introduit la pratique du dessin de paysages d'après nature à la plume et à l'aquarelle. Claude a capturé avec sensibilité l'étendue de la Campanie romaine, étudiant soigneusement les motifs naturels - des arbres couverts de lierre, des chemins sur lesquels tombent la lumière et l'ombre. Il a compris nouveau langage expressions d'émotions dont il trouvait les « mots » dans l'environnement naturel. A cette époque, seul Rembrandt suivit un chemin similaire, qui, dans les mêmes années, réalisait des croquis de paysages en errant dans Amsterdam. Cependant, Claude entreprit de lui donner la vie. l'ancien schéma nouvelle vie un de plus suffit de manière originale. Il sortait de la ville le matin et le soir et, observant les transitions tonales dans la nature du milieu au plus éloigné, créait Schéma de couleur mélanger les couleurs sur une palette. Puis il retourne à l'atelier pour utiliser le tableau trouvé aux endroits appropriés sur le chevalet. Utiliser des couleurs tonales et les assortir à la nature étaient deux techniques complètement nouvelles à l’époque. Ils ont permis à Claude de résoudre le problème qu'il s'était posé avec une ouverture d'esprit inédite, parfois naïve. Le paysage idyllique de Claude est le seul genre que les artistes ont adopté et se sont approprié. Pays anglophones. C'est cet élan, allié à l'observation directe de la nature, qui leur permet d'apporter une grande contribution à l'art du paysage et contribue au renouveau de ce genre au XIXe siècle.
Peinture de Claude Lorrain « Paysage avec le sacrifice à Apollon ».
Ce paysage majestueux et spatial est l’un des meilleurs exemples de peinture de paysage classique. Elle est soigneusement composée, de puissantes verticales et horizontales s’équilibrent, et l’alternance d’ombre et de lumière aide le regard du spectateur à se déplacer dans la profondeur de la composition. Claude Lorrain a réussi à transmettre la grandeur solennelle de la campagne romaine. La palette de couleurs, basée sur une savante combinaison de nuances de vert, de bleu et de marron, crée une sensation de transparence dans l’atmosphère. Les figures humaines semblent presque aléatoires dans ce décor majestueux, représentant une intrigue de la mythologie classique dans laquelle le père de Psyché, faisant un sacrifice à Apollon, lui demande de trouver un mari pour sa fille. Claude Lorrain était français, mais a passé toute sa vie à Rome. Ses compositions pastorales et sa vision poétique furent une source constante d'inspiration pour les peintres paysagistes anglais des XVIIIe et XIXe siècles. En voyant le paysage reproduit ici, Turner a noté qu’il « dépasse le pouvoir de l’imitation en peinture ». Claude Lorrain décède le 23 novembre 1682 à Rome.
Claude Lorrain est né le 28 mai 1600 à Chamagne, France. Depuis son enfance, le garçon rêvait de devenir pâtissier. Étudier à l'école était difficile pour lui. Et après avoir étudié pendant un certain temps, il abandonne ses études pour maîtriser les techniques de confiserie.
En 1613, il atterrit à Rome. Ne connaissant pas l'italien, il s'engage comme domestique dans la maison du peintre paysagiste Agostino Tassi, qui devient son premier professeur. Grâce à lui, Claude a appris quelques techniques et compétences techniques.
De 1617 à 1621, Lorrain vécut à Naples et étudia avec un autre artiste, l'Allemand Gottfried Waltz. Quatre ans plus tard, l'artiste retourne dans son pays natal où il commence à peindre des décors architecturaux dans des œuvres commandées à Claude Deruet, peintre de la cour du duc de Lorraine.
En 1639, le roi espagnol Philippe IV commanda à Lorrain sept œuvres, dont deux paysages avec des ermites. Parmi les autres clients figuraient le pape Urbain VIII et le cardinal Bentivoglio.
Cinq ans plus tard, Claude Lorrain débute Liber veritatis, sorte de catalogue où il dessine chacun de ses tableaux et note le nom du propriétaire. Cet ouvrage manuscrit regroupe 195 œuvres de l'artiste. Le livre est conservé au British Museum de Londres.
Claude Lorrain peint L'Enlèvement d'Europe en 1655. Il illustre une intrigue de la mythologie grecque antique, qui raconte l'histoire d'Europe, la fille du roi Agénor, qui a été kidnappée par le dieu du tonnerre Zeus, se transformant en taureau blanc. Ce mythe était très populaire.
De nombreux artistes de l'époque l'ont transmis à leur manière : certains se sont fixés pour objectif de restituer la scène du kidnapping le plus fidèlement possible : dynamique et passionnante, tandis que d'autres ont été attirés par l'environnement qui les entoure. Claude Lorrain appartenait à la deuxième catégorie. Comme dans le tableau « Matin », les personnages de ce tableau jouent un rôle mineur. La base est l'image de la nature et son unité avec l'homme.
La dernière œuvre de Lorrain, « Paysage avec Oskanius tirant sur un cerf », située au musée d'Oxford, a été achevée l'année de la mort de l'artiste et est considérée comme un véritable chef-d'œuvre.
Son talent était admiré par les papes et les cardinaux, les aristocrates et les diplomates, les rois et les marchands les plus riches. Les peintures de Lorrain sont bibliques, mythologiques ou pastorales motifs de l'intrigue complètement subordonné à l’image d’une nature belle et majestueuse. Pour lui, la nature était un exemple d'univers sublime et parfait, dans lequel règnent la paix et une proportionnalité claire.
Œuvres de Claude Lorrain
"Port de mer" (vers 1636), Louvre
« Paysage avec Apollon et Marsyas » (vers 1639), Musée A. S. Pouchkine
"Le départ de St. Ursula" (1646), Londres, National Gallery
"Paysage avec Acis et Galatée" (1657), Dresde
"Paysage avec la pénitente Marie-Madeleine"
"Le viol d'Europe"
« Après-midi » (Repos pendant la fuite en Égypte) (1661), Ermitage
"Soirée" (Tobias et l'Ange) (1663), Ermitage
"Matin" (filles de Jacob et Laban) (1666), Ermitage
"Nuit" (La lutte de Jacob avec l'ange) (1672), Ermitage
"Vue du rivage de Délos avec Enée" (1672), Londres, National Gallery
"Ascanius chassant le cerf de Silvina" (1682), Oxford, Ashmolean Museum
"Paysage avec des satyres et des nymphes dansants" (1646), Tokyo, Musée national de l'art occidental
« Paysage avec Acis et Galatée » de la Galerie d'art de Dresde est l'une des peintures préférées de F. M. Dostoïevski ; sa description est contenue notamment dans le roman « Démons ».
Claude Lorrain (français : Claude Lorrain ; vrai nom- Gelée ou Gelée (Gellée, Gelée) ; 1600, Chamagne, près Mirecourt, Lorraine - 23 novembre 1682, Rome) - Peintre et graveur français, l'un des les plus grands maîtres paysage classique.
Claude Lorrain est né en 1600 dans le duché de Lorraine, alors indépendant, en famille paysanne. Il est devenu orphelin très tôt. Ayant reçu ses premières connaissances en dessin auprès de son frère aîné, graveur sur bois qualifié à Fribourg, en Breisgau, il partit en 1613-14 avec un de ses proches en Italie. En travaillant comme domestique dans la maison du paysagiste Agostino Tassi, il apprend quelques techniques et compétences techniques. De 1617 à 1621, Lorrain vécut à Naples, étudia la perspective et l'architecture avec Gottfried Wels et se perfectionna en peinture de paysage sous la direction d'Agostino Tassi, un des élèves de P. Bril, à Rome, où Lorrain passa ensuite toute sa vie, avec le exception de deux années (1625-27), où Lorrain retourna dans son pays natal et vécut à Nancy. Il y décore la voûte de l'église et peint des fonds architecturaux dans des œuvres commandées à Claude Deruet, peintre de la cour du duc de Lorraine.
En 1627, Lorrain repart pour l'Italie et s'installe à Rome. Il y vécut jusqu'à sa mort (1627-1682). Au début, il réalisa des travaux de décoration sur mesure, dits. "fresques de paysage", mais il réussit plus tard à devenir "peintre paysagiste" professionnel et à se concentrer sur les œuvres de chevalet. C'était aussi un excellent graveur ; Il n'abandonne l'eau-forte qu'en 1642 pour finalement choisir la peinture.
En 1637, l'ambassadeur de France au Vatican achète à Lorrain deux tableaux, aujourd'hui conservés au Louvre : « Vue du Forum romain » et « Vue du port avec le Capitole ».
En 1639, le roi espagnol Philippe IV commanda au Lorrain sept œuvres (aujourd'hui au musée du Prado), dont deux étaient des paysages avec des ermites. Parmi les autres clients figuraient le pape Urbain VIII (4 œuvres), le cardinal Bentivoglio et le prince Colonna.
Depuis 1634 - membre de l'Académie de St. Luke (c'est-à-dire l'académie des arts). Plus tard, en 1650, on lui propose de devenir recteur de cette Académie, honneur que Lorrain refuse, préférant un travail tranquille. À l’époque baroque, le paysage était considéré comme un genre secondaire. Lorrain, cependant, fut reconnu et vécut dans la prospérité. Il loue une grande maison à trois étages au centre de la capitale italienne, non loin de la Piazza di Spagna. Son voisin était, entre autres, Nicolas Poussin, à qui il rendit visite dans les années 1660.
Lorrain n'était pas marié, mais avait une fille (Agnès), née en 1653. Il lui a légué tous ses biens. Lorrain meurt à Rome en 1682.
Au début, Lorrain peint de petites œuvres avec des figures pastorales sur toile ou sur cuivre ; puis les ports, avec le soleil couchant. Au fil du temps, sous l'influence des artistes classiques, ses compositions sont devenues de plus en plus grandes, avec des sujets littéraires (Lorrain lui-même n'a reçu aucune éducation particulière - il était autodidacte ; cependant, il lisait et écrivait en français et en italien). Plus tard, les œuvres de l’artiste devinrent de plus en plus intimes et se distinguèrent par une texture très délicate (il s’agissait souvent d’épisodes de « l’Énéide » de Virgile).
Avec une grande habileté, l'artiste a représenté le jeu des rayons du soleil à différentes heures de la journée, la fraîcheur du matin, la chaleur de midi, le scintillement mélancolique du crépuscule, les ombres fraîches des nuits chaudes, l'éclat du calme ou légèrement balancé eaux, la transparence de l'air pur et la distance parcourue par un léger brouillard. Dans son œuvre, deux styles peuvent être distingués : les peintures datant du début de son activité sont peintes avec force, épaisseur, dans des couleurs chaudes ; les suivants - plus doux, sur un ton froid. Les figures dont ses paysages sont habituellement animés appartiennent principalement non à son pinceau, mais à ses amis - F. Lauri, J. Mil, Fr. Allegri et N. Colonbel.
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Ils étaient amis proches, ils redessinaient tout ce qu'ils pouvaient, ils étaient exceptionnellement prolifiques, ils avaient tous les deux beaucoup de tableaux.
Lorrain était tellement aimé en France qu'on l'appelait simplement Claude. Et tout le monde savait que c'était Lorren. Claude Monet ne s'appelait pas « Claude », Lorrain était simplement Claude. Pour parler des paysages de l’artiste, il est très important de garder à l’esprit ce qui suit.
Règlement de l'Académie française des arts
En 1648, l'Académie est ouverte en France. Les premiers artistes qui y étudièrent devinrent académiciens, et ce furent eux qui argumentèrent et déterminèrent ce que genres artistiques peut exister sur le sol français. Il n'y avait absolument plus de place pour la nature morte, mais ils ont classé les genres restants dans l'ordre suivant : 1. Image historique(idéal – mythologie, histoire, littérature).
2. Portrait de cérémonie.
3. Paysage. Un genre méprisé, mais reconnu quand il avait une intrigue.
Claude Lorrain. Paysages
Lorrain faisait partie de ceux qui peignaient des paysages. Afin d'élever votre genre à plus haut niveau, Lorrain y a écrit une intrigue mythologique ou historique. Ensuite, le paysage était considéré comme historique et l'artiste était appelé peintre paysagiste historique.
« L’Enlèvement d’Europe » est l’un des paysages lorrains exposés au musée Pouchkine. Dans tous ses paysages, il représente la terre, l'eau - baies ou baies, les ciels, les levers ou couchers de soleil et les varie de différentes manières, les imaginant à l'infini.
Tous ses paysages sont composés. Et tout est construit selon les principes suivants :
– Le bel été règne toujours dans les paysages lorrains.
– L'action se déroule comme sur une scène qui a des ailes et si les ailes sont étroitement adjacentes d'un côté, alors de l'autre elles sont déplacées plus profondément.
– Trois plans sont toujours construits sur les principes de géométrie et d’optique.
– Trois plans différents correspondent à trois couleurs – le premier plan est vert brunâtre, le deuxième est vert dominant, le troisième est bleu.
Ces traditions lorraines deviendront incontestables aux yeux des universitaires français et resteront en fait inchangées jusqu'à ce que des artistes de Barbizon apparaissent en France, tentant de porter un nouveau regard sur le genre du paysage. Ils ne seront rejetés que par les impressionnistes. Ce dernier commencera à interpréter le genre du paysage d’une manière totalement nouvelle.
Claude Lorrain. "Le viol d'Europe"
Ce tableau est basé sur l'intrigue bien connue du mythe de l'enlèvement d'Europe. D'ailleurs, il est complètement faux d'appeler la mythologie au pluriel : « Mythes La Grèce ancienne" En fait, il s’agissait d’un mythe sans fin que personne n’a encore réussi à comprendre. De ce mythe ont été isolés plusieurs épisodes qui ont été interprétés à plusieurs reprises dans l'art et la littérature. Le complot de l’enlèvement d’Europe est bien connu. Zeus, pour kidnapper la belle Europe, s'est transformé en taureau blanc, a gagné la confiance d'Europe, la fille du roi phénicien, et a même aidé la beauté à se mettre en selle, à s'enfoncer plus bas, et à la porter sur la rive opposée de la mer. . 
"Ce rivage" porte le nom de la princesse - l'Europe. Cette intrigue est devenue la raison pour laquelle Claude Lorrain a peint un paysage.
Dans ce paysage, Lorrain crée une sorte de décor pittoresque, plaçant les arbres au premier plan, selon les principes évoqués ci-dessus. Il est intéressant de noter que Lorrain est reconnu comme l'un des précurseurs de l'impressionnisme ; il aimait aussi remplir ses paysages de lumière et d'air. Plus encore, la figure principale des compositions de l’artiste est la lumière, qui enchaîne tout sur elle-même. Lorrain a remarqué un jour que des rayons de lumière obliques, comme dans ce paysage, permettent d'enchaîner le tout, de donner un détail de construction soudé. Ses rayons glissent, les ombres des personnages tombent et, en regardant le jeu de lumière, la structure compositionnelle du paysage est restaurée. Et si chez Poussin un paysage est impensable sans intrigue et que l'intrigue est interconnectée avec l'environnement, alors chez Lorrain l'enlèvement d'une jeune fille par Zeus n'affecte en rien la façon dont le paysage est interprété. Il n’y a aucun drame là-dedans et l’artiste ne se soucie pas de savoir qui représenter, Zeus ou Apollon, l’Europe ou Vénus. Pour lui, l’inclusion du mythe dans le paysage était une raison pour peindre un paysage, interprétant le paysage comme une peinture historique.
« Le viol de l'Europe » provient de la collection de B.N. Yusupov. C'est du travail la plus haute qualité. Lorrain n'inscrivait souvent pas lui-même les personnages dans le paysage, mais confiait cette tâche à ses élèves. Dans ce même tableau, tout a été réalisé jusque dans les moindres détails par Claude lui-même.
Suite de « Le Musée Pouchkine. FRANCE XVIIème siècle. Portrait d'Adélaïde de Savoie.
Organisme autonome à but non lucratif d'enseignement supérieur
"Institut de commerce et de design"
Faculté de design et de graphisme
Département des Beaux-Arts
Claude Lorrain
Moscou - 2014
Introduction
Chapitre 1. Vie et créativité
1 Contexte historique
2 Première période de créativité
3 Période de maturité
4 Règles tardives
Chapitre 2. Analyse du travail
1 Siège de La Rochelle et avance vers le Pas de Suze
2 Départ de Sainte Paule d'Ostie
3 Port maritime au coucher du soleil
4 Départ de la reine de Saba
5 Acis et Galatée
6 Paysage marin avec l'enlèvement d'Europe
7 heures (repos sur le chemin de l'Egypte)
8 Soir (Tobiah et l'ange)
9.Matin (filles de Jacob et Laban)
10 Nuit (Paysage avec une scène de Jacob combattant avec un ange)
11 Paysage avec Énée à Délos
Conclusion
Remarques
Bibliographie
Liste des illustrations
Illustrations
peintre lorrain graveur paysage
Introduction
Cet ouvrage est dédié à l'œuvre de Claude Lorrain, célèbre peintre et graveur de paysages français (Ill. 1).
L’histoire de l’art des derniers siècles nous fait découvrir une grande variété de techniques, de styles, de méthodes de création et d’idées qui se surpassent en termes de révolution et d’audace d’expression. En regardant à travers le prisme de la compréhension moderne de la réalité, saturée d'un flux excessif d'informations, familiarisée avec le vaste bagage d'expérience accumulée, il est souvent difficile d'apprécier pleinement la contribution d'un maître particulier au développement de l'art.
Le paysage, en tant que genre indépendant de la peinture, ne s'est formé que vers la fin du XVIe siècle en Italie, et n'occupait pas à cette époque une place importante, c'est pourquoi Claude Lorrain, qui a travaillé dans ce genre, est devenu un véritable innovateur. L'étude des caractéristiques conceptuelles, stylistiques et idéologiques-artistiques de ses œuvres, respirant la poésie, la sophistication et l'équilibre, créées cependant sans violer les conditions essentielles de la vérité, est particulièrement pertinente aujourd'hui, lorsque « l'artiste est devenu aveugle au monde extérieur ». et a tourné son élève vers l'intérieur, vers le paysage subjectif", et l'art, passé de la représentation d'objets à la représentation d'idées, a perdu ses valeurs clés et s'est rapproché d'un état de crise.
L’essence de la méthode créative de Lorrain est également une note des problèmes qu’il a résolus et qui étaient nouveaux pour l’époque, reflétés en partie dans l’ouvrage de M. Livshits « L’art du XVIIe siècle : Italie, Espagne, Flandre, Hollande, France ». Un excellent aperçu des œuvres du maître du point de vue de la composition est donné par S.M. Daniel dans son ouvrage « Painting of the Classical Era ». Lors de la préparation de cet ouvrage, il a également été utile de se familiariser avec le livre de K. Bogemskaya « Pages de paysage d'histoire », qui couvre en détail et pleinement les problèmes du paysage en tant que tel, sa place dans l'art et l'histoire, ses objectifs et ses caractéristiques. de perception.
L’objectif de l’ouvrage est d’analyser et d’identifier les traits caractéristiques de l’œuvre de Claude Lorrain. Objectifs : se familiariser avec la biographie de l'artiste, ainsi que ses principales caractéristiques époque historique, au sein duquel son travail s'est déroulé ; considérer les techniques et méthodes artistiques; analyser un certain nombre d'ouvrages spécifiques ; tirer une conclusion sur le travail effectué.
Sur la base de ce qui précède, il est conseillé de diviser le travail en deux chapitres. La première est consacrée à l’évolution de l’œuvre du maître, en examinant les traits caractéristiques de son style. Le deuxième chapitre propose une analyse des œuvres les plus célèbres et représentatives de l’artiste.
Chapitre 1. Vie et créativité
1 Contexte historique
Le XVIIe siècle avait sens spécial former cultures nationales nouvelle heure. A cette époque s'achève le processus de localisation des grandes écoles d'art nationales, dont l'originalité est déterminée à la fois par les conditions développement historique, et la tradition artistique qui s'est développée dans tous les pays - Italie, Flandre, Hollande, Espagne, France. Cela nous permet de considérer le XVIIe siècle comme nouvelle étape dans l'histoire de l'art. Cependant, identité nationale n’exclut pas les traits communs. Les artistes du XVIIe siècle, développant largement les traditions de la Renaissance, ont considérablement élargi leur éventail d'intérêts et approfondi la gamme cognitive de l'art. Comme l'écrit M. Livshits, « en lien avec l'élargissement général des horizons de la culture européenne, en particulier de la science, une nouvelle compréhension de l'espace se conjugue avec le sentiment de la variabilité du monde. L'image statique, isolée, fermée sur laquelle reposait l'art de la Renaissance est dépassée. Une place exceptionnelle occupe désormais l'observation, la transmission et le jeu du mouvement. Elle est captée dans le jeu de la lumière, de l'état de nature et de la nature. l'âme humaine. La dynamique s'exprime dans les mouvements rapides des personnages représentés, dans la transmission de passions violentes et de contrastes de toutes sortes." Si les maîtres de la Renaissance se considéraient comme les successeurs et continuateurs directs des traditions anciennes, alors au XVIIe siècle, la culture ancienne s'est transformée en un idéal magnifique et inaccessible, dont la familiarisation n'a montré qu'une imperfection plus forte Vie moderne. De plus, de nombreux maîtres de cette période se cantonnent délibérément à un seul genre, contrairement aux « génies universels » de la Renaissance.
Au XVIIe siècle, une forme particulière s'établit en France système gouvernemental, appelé plus tard absolutisme. La célèbre phrase du roi Louis XIV (1643-1715) « L’État, c’est moi » avait une base solide : le dévouement au monarque était considéré comme le summum du patriotisme. Dans la seconde moitié du siècle, la France était la puissance absolutiste la plus puissante d’Europe occidentale. C'est aussi l'époque de l'ajout du français école nationale dans les beaux-arts, la formation du mouvement classiciste, dont le berceau est à juste titre considéré comme la France. A cette époque, une nouvelle direction philosophique émerge : le rationalisme (de lat.rationalis - « raisonnable »), qui reconnaissait l'esprit humain comme la base de la connaissance. « Je pense, donc j'existe », disait l'un des fondateurs de cette doctrine, René Descartes (1596-1650). C’est la capacité de l’homme à penser, selon les philosophes, qui l’a élevé et fait de lui une véritable image et ressemblance de Dieu. Sur la base de ces idées, un nouveau style artistique s'est formé - classicisme.Titre "classicisme" (paiementclassicus - "exemplaire") peut être traduit littéralement par "basé sur les classiques", c'est-à-dire des œuvres d'art reconnues comme des exemples de perfection, un idéal - à la fois artistique et moral. Les créateurs de ce style croyaient que la beauté existe objectivement et que ses lois peuvent être comprises avec l'aide de la raison. Le but ultime de l'art est la transformation du monde et de l'homme selon ces lois et l'incarnation de l'idéal dans la vie réelle. L'art du classicisme repose sur un principe rationnel. Du point de vue du classicisme, le beau n’est que ce qui est ordonné, raisonnable et harmonieux. Les héros du classicisme soumettent leurs sentiments au contrôle de la raison ; ils sont retenus et dignes. La théorie du classicisme justifie la division en genres hauts et bas. Dans l'art du classicisme, l'unité est obtenue en reliant et en faisant correspondre toutes les parties de l'ensemble, qui conservent cependant leur signification indépendante. L'ensemble du système d'éducation artistique du classicisme a été construit sur l'étude de l'art de l'Antiquité et de la Renaissance. Le processus créatif consistait principalement à observer les règles établies lors de l’étude des monuments antiques, et les sujets de la mythologie et de l’histoire antiques étaient considérés comme dignes d’être incarnés dans des œuvres d’art. Le classicisme comme le baroque se caractérisent par un désir de généralisation, mais les maîtres baroques gravitent vers des masses dynamiques, vers des ensembles complexes et étendus. Souvent, les caractéristiques de ces deux grands styles sont étroitement liées dans l'art d'un pays et même dans l'œuvre du même artiste, ce qui donne lieu à des contradictions. Peu à peu, un ensemble de normes s'est développé dans la peinture du classicisme, que les artistes devaient strictement respecter. Ces normes étaient basées sur les traditions picturales de Poussin. Il était nécessaire que l'intrigue de l'image contienne une idée spirituelle et morale sérieuse qui puisse avoir un effet bénéfique sur le spectateur. Selon la théorie du classicisme, une telle intrigue ne peut être trouvée que dans l’histoire, la mythologie ou les textes bibliques. Principal valeurs artistiques Le dessin et la composition étaient reconnus et les contrastes de couleurs prononcés n'étaient pas autorisés. La composition du tableau était divisée en plans clairs. En tout, notamment dans le choix du volume et des proportions des figures, l'artiste devait se concentrer sur les maîtres anciens, principalement sur les sculpteurs grecs antiques. L'éducation de l'artiste devait se dérouler dans l'enceinte de l'académie. Il s'assure ensuite de faire un voyage en Italie, où il étudie l'Antiquité et les œuvres de Raphaël. Ainsi, méthodes créatives s'est transformé en un système rigide de règles et le processus de travail sur un tableau est devenu une imitation. Il n'est pas surprenant que le savoir-faire des peintres classiques ait commencé à décliner et que dans la seconde moitié du XVIIe siècle, il n'y ait plus un seul artiste important en France. 1.2 Première période de créativité Claude Jelle est né dans le village de Chamagne, situé dans le duché de Lorraine, près de Nancy. D'où le surnom sous lequel l'artiste est entré dans l'histoire de l'art : le Lorrain (français) - Lorraine. Devenu orphelin de bonne heure, il reste quelque temps sous la tutelle de son frère aîné et, à l'âge de treize ans, il vient à Rome. La Ville éternelle deviendra le lieu de triomphe du grand paysagiste. Claude Jelle est né en 1600 et était le troisième de cinq enfants d'une riche famille paysanne. On sait peu de choses sur son enfance. Au début du XVIIe siècle, le duché indépendant de Lorraine bordait la France, les Pays-Bas et les terres allemandes sous domination espagnole. Ainsi, futur artiste a passé son enfance sur le territoire frontalier, où se croisaient diverses tendances culturelles, non seulement du nord de l'Europe, mais aussi du sud : à la suite de mariages dynastiques, les ducs de Lorraine se trouvèrent liés par des liens de sang avec les Gonzague de Mantoue et les Médicis toscan. Les contacts économiques et culturels avec l'Italie ont contribué au fait que les Lorrains étaient des invités fréquents dans la péninsule des Apennins. A dix ans, Claude reste orphelin. Son frère aîné Jean prend la garde du garçon et l'emmène à Fribourg-en-Brisgau. Dans cette ville allemande, Jean Jelle, sculpteur sur bois de profession, possédait son propre atelier. Les biographes de Lorrain suggèrent que c'est là que Claude reçut ses premiers cours de dessin et de gravure sur bois (gravure sur bois). Cependant, le jeune Jelle ne reste pas longtemps à Fribourg. Soit les soins de son frère étaient trop prudents, soit le garçon était dégoûté de faire des travaux subalternes de routine dans son atelier, mais déjà en 1612, il retourna dans son pays natal et, un an plus tard, avec un groupe de compatriotes Lorrains, il se rendit en Italie. . A son arrivée à Rome, Claude Jelle est engagé comme domestique du peintre paysagiste italien Agostino Tassi (1580-1644). Un des amis romains de Claude, artiste allemand Joachim von Sandrart (1606-1688) affirme que Tassi « imposait trop de tâches au jeune domestique, qui comprenaient la lessive, le ménage, la préparation des petits déjeuners et des dîners, ainsi que le lavage des brosses et des palettes ». Mais en même temps, Claude a l'occasion d'observer régulièrement le travail de son professeur et se transforme peu à peu de serviteur en élève, puis devient assistant de l'artiste. Tassi sympathise avec le jeune homme assidu et lui apprend volontiers toutes les subtilités du métier de peintre. En 1618, Claude Jelle se rend à Naples avec son maître. Là, pendant plusieurs années, il perfectionne ses compétences, assistant Tassi et visitant l'atelier du peintre paysagiste-miniaturiste, originaire de Cologne, Gottfried Wahls, qui s'est fait connaître non pas tant pour ses œuvres que pour ses activités d'enseignement. Le jeune artiste apprend la perspective et l'architecture à Valls. En 1625, Jelle, passant par Venise et la Bavière, retourne dans son pays natal, où il entre dans l'atelier de Claude Deruet (1588-1660), artiste de la cour du duc de Lorraine. Un contrat de peinture de l'église des Carmélites de la ville (daté du 17 septembre 1625), découvert il n'y a pas longtemps dans une des archives de Nancy, et dans lequel la signature du commissaire appartient à Claude Jelle, témoigne avec éloquence de l'acquisition par l'artiste du statut de un maître indépendant à cette époque. Et pourtant la Lorraine manque cruellement à Rome, comparaison avec laquelle, en termes de niveau vie artistique, même Nancy, qui est le centre culturel du duché, ne le supporte pas. En 1627, Jelle prit la décision finale de s'installer dans la Ville éternelle. Via Lyon, il arrive à Marseille, de là il est transporté par mer jusqu'à Civitavecchia et aboutit bientôt à Rome. L'artiste loue un logement sur la Via Margutta, dans un quartier peuplé principalement de peintres en visite. C'est plein forces créatrices et des projets ambitieux. Les artistes qui se sont tournés vers le genre du paysage connaissaient et se souvenaient de leurs prédécesseurs, et dans chaque chef-d'œuvre de la peinture de paysage, on peut trouver non seulement des preuves de la façon dont ils percevaient la nature ou l'environnement urbain. cet artiste, mais aussi des indications, souvent discrètes, sur la tradition qu'il suivait. L’« appel » d’artistes de différents pays et époques constitue la mémoire du genre. Lorrain ne fait pas exception ; l'influence de ses contemporains et prédécesseurs se retrouve également dans l'évolution de son œuvre. Dans ses premières peintures « italiennes », il préfère les paysages ruraux à la manière de Paul Briel (1554-1626), peintre flamand qui travailla à Rome toute sa vie et qui, selon certaines informations, fut le professeur d'Agostino Tassi. La virtuosité et l’originalité de la manière de ce maître se manifestent tout d’abord dans l’abondance des motifs. Dans un seul espace d'image, il a représenté simultanément plusieurs phénomène naturel et les éléments. Falaises abruptes et ruisseaux rapides de rivières de montagne, bosquets forestiers infranchissables et troncs puissants d'arbres tombés, entrelacés de lierre, fragments de ruines de bâtiments anciens et d'animaux étranges - tout cela était présent dans son paysage légèrement chaotique, complexe, mais invariablement mystérieux et envoûtant. compositions. Cependant, à part cela, caractéristique Le travail de Briel est le désir d'une unité de lumière. Un parallèle peut être établi entre son tableau « Diana découvre la grossesse de Callisto » et « Paysage avec des marchands » de Lorrain, ce dernier citant l’œuvre de Brill dans son choix compositionnel et coloristique (Ill. 2 et 3). Les œuvres ultérieures de Lorrain démontrent son départ définitif du style de Brill et sa passion pour la peinture de Giorgione, caractérisée, d'une part, par le désir de réalisme, d'autre part, par une atmosphère poétique particulière de tranquillité idyllique. Revenons au début de ma carrière artiste français, il convient également de noter que non seulement les maîtres vénitiens, mais aussi Annibale Carracci ont eu une forte influence sur la formation de son style. Ainsi, à l'instar des Vénitiens, Lorrain privilégie les peintures aux thèmes mythologiques, et à la suite de Carracci, qui croyait que « quelques éléments architecturaux et quelques arbres sont remplis de plus de poésie que d'immenses châteaux et des bosquets denses », Lorrain rationalise la composition de ses paysages, les « libérant » de l'accumulation de motifs. Un pandan intéressant créé à ce stade de sa créativité est une paire d'œuvres « Le Siège de La Rochelle » et « L'Attaque du Pas de Suze » (Ill. 4 et 5). Déjà dans ces premières œuvres, il y a ces techniques de composition auxquelles l'artiste restera fidèle toute sa vie, des techniques qui attirent le regard du spectateur profondément dans l'image - fermant la vue des côtés avec des « scènes » d'arbres ou de bâtiments, révélant l'infini du monde, la ligne courbe de la côte s'étendant jusqu'à la mer qui s'étend, une transition cohérente entre les couleurs chaudes du premier plan et les couleurs froides de l'arrière-plan. Ainsi, la composition "Le Siège de La Rochelle..." se termine par des scènes en forme d'arbres denses uniquement à gauche, dans la deuxième œuvre - des deux côtés : à droite au premier plan Lorrain représente un arbre solitaire et un peu plus loin - une butte rocheuse, et sur la gauche nous voyons une autre colline surmontée d'un majestueux château. Le format de l'œuvre n'est pas moins intéressant. Insérer une composition dans un ovale est une tâche difficile, mais, comme on le voit, Lorrain s'y attaque dès les premiers stades de son travail, peut-être inspiré par l'exemple de A. Tassi et A. Carracci, qui ont également expérimenté le format (Par exemple, voir les figures 6 et 7). En 1633, il fut accepté dans la Guilde de Saint-Luc et dans le soi-disant « Club des oiseaux migrateurs », qui est une communauté d'artistes étrangers à Rome (principalement des immigrants de France, d'Allemagne et de Hollande). Quelques années plus tard, parmi les membres de ces organisations, Claude Jelle (déjà plus connu sous le nom de Lorrain) recevra le surnom de guilde « adorateur du feu » - pour sa passion pour la représentation du soleil. Lorrain a fait de la lumière le principal facteur pictural et compositionnel. Il est le premier à étudier le problème de l'éclairement solaire, matin et soir ; le premier qui s'est sérieusement intéressé à l'atmosphère et à sa saturation lumineuse. Cela nous fait penser à Elsheimer, qui a influencé l'œuvre de Lorrain. La douceur picturale et les couleurs harmonieuses renforcent le sentiment de paix sereine dont la nature regorge. Adam Elsheimer était ami avec Rubens et Paul Bril. Le maître partageait avec ce dernier un intérêt pour la problématique de l'éclairage. Sa particularité était le désir de transmettre une variété d'effets de couleurs, de perspective aérienne et de lumière. Elsheimer a essayé de transmettre les impressions de la nature avec précision et poésie, avec un lien étroit entre les motifs du paysage et les figures. De plus, il fut l'un des premiers à transmettre avec précision la sphère céleste. Il a su superbement créer l'illusion d'une immense étendue d'espace, née de la juxtaposition étroite des plans proches et lointains. Ce sont ces caractéristiques de son œuvre qui intéressaient Lorrain, mais le maître lorrain connut un tel succès dans le développement de ce sujet qu'il éclipsa ses prédécesseurs. 3 Période de maturité En 1634, il ouvre son propre atelier, engage des assistants et devient rapidement l'un des maîtres les plus populaires de Rome. Depuis 1634, il est membre de l'Académie de St. Luke (c'est-à-dire l'académie des arts). Plus tard, en 1650, on lui propose de devenir recteur de cette Académie, honneur que Lorrain refuse, préférant un travail tranquille. À l’époque baroque, le paysage était considéré comme un genre secondaire. Lorrain, cependant, fut reconnu et vécut dans la prospérité. Il loue une grande maison à trois étages au centre de la capitale italienne, non loin de la Piazza di Spagna. En 1635, il commande au roi d'Espagne Philippe IV la réalisation de plusieurs paysages destinés à la décoration de son nouveau palais, le Buen Retiro, à Madrid. Parmi les clients réguliers de Lorrain figure la famille Barberini, dont fait partie le pape Urbain VIII (pontificat 1623-1644). L'exécution de quatre tableaux sur sa commande (probablement en 1636) fut un véritable triomphe pour l'artiste. Durant cette période, Lorrain s'intéresse surtout à l'image des ports maritimes avec le soleil couchant ; des œuvres telles que « Le départ de Sainte Paule d'Ostie », « Le port de mer au coucher du soleil » (ill. 8 et 9) sont créées, dans lesquelles Lorrain se montre comme un maître des perspectives inégalé. Après avoir étudié en profondeur toutes les règles connues de sa construction à son époque, il les a appliquées avec succès dans la pratique. Il a sans aucun doute appris les compétences de ce savoir-faire auprès de son professeur A. Tassi, qui maîtrisait également magistralement les lois de la perspective et était un artiste de décorations architecturales illusoires. Lorrain enrichit et renforce l'effet perspective-dynamique en plaçant l'accent principal de la lumière sur la ligne d'horizon, transformant ainsi l'espace du tableau en une enfilade d'une profondeur infinie. Comme le note à juste titre K. Bogemskaya dans son livre « Paysage. Pages d'histoire », « le principal problème formel du paysage est la représentation d'un vaste espace sur un plan bidimensionnel. Lorsqu'il représente le volume des figures, l'artiste peut se limiter. pour transmettre un espace relativement peu profond ; le peintre paysagiste est toujours confronté à la tâche de corrélation à grande échelle de zones proches et éloignées. » Lorrain s'acquitte de cette tâche avec brio, montrant comment l'objectivité de l'image se dissout vers le centre, où elle se fond finalement dans le halo du soleil. L'impression d'ampleur de l'espace et de mouvement en profondeur est obtenue en éclairant successivement les plans au fur et à mesure qu'ils s'éloignent, à travers les plus belles nuances et transitions depuis les silhouettes ombragées des arbres du premier plan jusqu'aux distances imprégnées d'une douce lumière. On remarque également une technique de composition stable qui passe fondamentalement de peinture en peinture - c'est la constance de la ligne d'horizon. Si nous alignions les tableaux de Lorrain dans une rangée, nous verrions que cette ligne est au même niveau (avec de légères fluctuations), étant en quelque sorte un axe traversant des toiles. Le ciel occupe une grande partie du plan de l'image ; le choix d'un horizon bas confère des traits monumentaux à la composition. Aussi, pour la première fois dans la peinture française, Lorrain représente les ports français et les présente scènes de genre de la vie des pêcheurs. En 1643, il fut accepté dans la Congrégation des Virtuoses, une organisation réunissant des représentants de l'élite artistique romaine. Durant ces années, l'évolution du style lorrain s'opère : le peintre se découvre une envie de monumentalité et de peinture religieuse. Travaillant dans des formats beaucoup plus grands qu'auparavant, le maître privilégie le plus souvent les sujets de l'Ancien Testament. Presque tous les paysages lorrains de cette époque contiennent des éléments architecturaux destinés à déterminer le lieu et le temps de l'action. Parlant des éléments et motifs préférés du maître de l'image, caractéristiques de cette période, nous jugeons nécessaire de se tourner à nouveau vers S.M. Daniel : « Les œuvres de Lorrain présentent presque toujours les ruines d'anciens temples et palais, de grands arbres aux couronnes bouclées, les interminables étendue de la mer aux silhouettes de voiles Les forêts et prairies lorraines sont toujours habitées par une paisible tribu de bergers. La stabilité de nombreuses composantes visuelles s'apparente aux méthodes traditionnelles de généralisation des moyens verbaux et poétiques, savantes. système artistique classicisme. Ainsi, les « définitions » picturales lorraines sont associées à des « épithètes décoratives » (soleil éclatant, bosquets bouclés, etc.). Une image d'une nature idéalement belle est créée, débarrassée de tout ce qui est aléatoire." Pour aider l'imagination du spectateur, Lorrain regroupe les rochers, les ruines et les arbres de manière à transmettre non pas tant une image détaillée et réaliste de la nature, mais plutôt à exprimer le sentiment poétique qu'il suscite. Il a étudié les lois avec tant de détails sur les relations pittoresques de la nature, qu'il a pu créer ses propres paysages avec n'importe quelle combinaison d'arbres, d'eau, de bâtiments, de ciel. L'apparence réelle de la nature ne donne pas toujours ce qu'elle désire. Ainsi, dans l'œuvre de Claude Lorrain, les paysages construits à partir d'éléments isolés prédominent ; les vues de vallées spacieuses sont très fréquentes, avec des rangées de collines s'éloignant progressivement, des groupes d'arbres immenses, soigneusement placés à distance les uns des autres ; montagnes bleues fermant la vue, Lorrain a essayé d'impressionner par la beauté des lignes, l'équilibre des masses représentées, la nette gradation des tons dans les plans proches et lointains et le contraste efficace de la lumière et de l'ombre, sans toutefois violer le paysage. conditions essentielles de vérité. Guidé par la pensée de l'organisation originellement rationnelle du monde, révélée dans la beauté éternelle et les lois éternelles de la nature, Lorrain s'efforce d'en donner son image idéalement belle. Il est à noter que le maître aimait travailler en plein air. "Il quittait la maison à l'aube pour admirer le lever du soleil et revenait à la tombée de la nuit, après avoir rassasié ses yeux de toutes les couleurs du crépuscule... Il préférait la solitude aux soirées mondaines. Pour lui, il n'y avait pas d'autres plaisirs que le travail", dit-il. a écrit sur l'artiste Joachim von Sandrart. Ainsi, Lorrain apprend à enrichir les paysages de nombreuses observations fraîches, à ressentir subtilement l'environnement lumière-air, les changements de la nature à différents moments de la journée. "Matin et soir, jour et nuit - ce sont tous des effets de lumière différents, tantôt s'éclairant, tantôt s'éteignant, tantôt brillant dans toute sa plénitude. Dans cette extravagance de lumière, transformant le motif du paysage, le début de ce fil dans le L'aménagement du paysage français est déjà posé, ce qui donnera lieu à la série "Cathédrale de Rouen" de Claude Monet. Dans la période de maturité de la créativité du maître, une autre chose importante se produit. Dans les premières œuvres de Lorrain, les figures humaines n'étaient que du personnel et, selon la légende, elles n'étaient pas peintes par le maître lui-même, mais par ses collègues et étudiants. Un spectateur moderne est capable de percevoir les techniques artistiques d'incarnation d'un paysage sans aucune intrigue qui y est intercalée, mais pour un spectateur instruit du XVIIe siècle, le mythe, le langage des symboles et des allégories étaient une sorte de clé de la perception du paysage. , déterminant son thème et son ambiance. De toute évidence, au début, Lorrain considérait la nécessité d'ajouter une sorte de sujet au paysage comme une tâche ennuyeuse. Cependant, plus on s'éloigne, plus plus un artiste réfléchit à la relation entre l’intrigue et l’environnement et aboutit finalement à ce que la théorie de l’art appelle un « paysage idéal ». Au cœur de ce concept se trouve le lien émotionnel entre le sujet et son environnement, ou plus précisément entre la scène au premier plan et la scène naturelle en arrière-plan. Lorrain adopte le concept de paysage développé par Carracci. Après avoir synthétisé sa propre vision avec l’expérience des générations précédentes, il a créé sa propre version du majestueux paysage « idéal » classique. En 1663, le maître subit sa première crise de goutte si grave qu'il rédige un testament dans lequel il n'ignore même pas les domestiques. Heureusement, le destin s'avère favorable à Lorrain et lui donne près de vingt ans supplémentaires, durant lesquels il crée ses principaux chefs-d'œuvre. La mort rattrapera le grand artiste en cours de travail : « Paysage avec Ascagne tuant le cerf de Sylvia » (ill. 10) restera inachevé. Dans ses peintures, Lorrain représente la coexistence pacifique des humains et des animaux, mais sa dernière œuvre, où un animal est victime de la cruauté humaine, est une exception. 1.4 Période tardive DANS dernières décennies(1660-80) Lorrain travaille plus lentement, mais toujours avec succès. Les personnages sont souvent placés dans des structures imaginaires ; thématiquement - ce sont des interprétations libres des poètes romains, notamment d'Ovide et de Virgile (par exemple, "Paysage avec Enée à Délos", ill. 11). Il ne faut pas oublier que les tableaux de la série lorraine conservent une certaine autonomie, et leur unification semble plutôt conditionnelle. Les œuvres graphiques du maître méritent une attention particulière. Claude Lorrain a introduit la pratique du dessin de paysages d'après nature à la plume et à l'aquarelle. Claude a capturé avec sensibilité l'étendue de la Campanie romaine, étudiant soigneusement les motifs naturels - arbres couverts de lierre, chemins sur lesquels tombent la lumière et l'ombre (Ill. 16). Il a compris un nouveau langage d'expression des émotions, dont il a trouvé les « mots » dans l'environnement naturel. Seul Rembrandt, qui dans les mêmes années réalisait des croquis de paysages en errant dans Amsterdam, a suivi un chemin similaire. de redonner vie à l'ancien schéma avec un autre d'une manière plutôt originale, il sortait de la ville le matin et le soir et, observant les transitions tonales dans la nature du milieu au plus éloigné, créait un schéma de couleurs, mélangeant les couleurs sur la palette. Puis il est retourné à l'atelier pour utiliser ce qu'il a trouvé aux endroits correspondants du tableau qui se trouvait sur le chevalet. L'utilisation de la couleur tonale et sa coordination avec la nature - ces deux techniques étaient complètement nouvelles à cette époque. Ils ont permis à Claude de résoudre son problème avec une ouverture d'esprit inédite, parfois naïve. Les croquis de Lorrain d'après nature (plume, bistre, encre) se distinguent par la fraîcheur de la perception des différents états de la nature, ils sont encore plus pittoresques et émotionnels que ses peintures, ils montrent le sens émotionnel et direct inhérent de Lorrain à la nature avec une luminosité exceptionnelle, ils se distinguent par une ampleur et une liberté étonnantes dans les manières de peindre, la capacité d'obtenir des effets puissants par des moyens simples. Les motifs des dessins sont très divers : soit il s'agit d'un paysage panoramique, où quelques coups de pinceau audacieux créent l'impression d'une latitude infinie, soit une allée dense, et les rayons du soleil, perçant le feuillage des arbres, tombant sur la route, puis juste une pierre envahie par la mousse au bord de la rivière, puis, enfin, le dessin achevé d'un édifice majestueux entouré d'un magnifique parc (Ill. 17). Il est important de noter que Lorrain était aussi un superbe graveur ; Il n'abandonne l'eau-forte qu'en 1642 pour finalement choisir la peinture. Les eaux-fortes de Lorrain étonnent par leurs nuances virtuoses d'ombre et de lumière (Il. 18). Lorrain n'a jamais travaillé à l'aquarelle ou au pastel. Le plus souvent, il se tournait vers un sépia plus raffiné ou préférait le lavis. La dernière technique est la gravure en profondeur, dans laquelle l'image est peinte sur une planche de cuivre avec un pinceau trempé dans de l'acide. Les dépressions ainsi gravées sont remplies d'encre noire ou brune et donnent des impressions étonnamment expressives sur le papier. Grâce à l'utilisation de la technique lavisa, une transition progressive des tons du beige clair au marron foncé et du gris clair au noir est possible - en fonction de la couleur du mascara choisie. Lavis est encore plus impressionnant sur du papier multicolore (Lorren optait le plus souvent pour du papier bleu). Au XVIIe siècle, la pratique de la copie des œuvres était très répandue à Rome. maîtres célèbres dans le but de les présenter comme originaux et de les vendre au prix approprié. L'entreprise étant très rentable d'un point de vue financier, les faussaires ne se souciaient pas trop du côté moral de cette entreprise douteuse. Parmi les artistes marquants, nombreux sont ceux qui ont fermé les yeux sur l'exploitation de leur nom et de leur talent, considérant la présence de contrefaçons comme une preuve. vraie gloire. Claude Lorrain adhère à un point de vue différent et s'efforce par tous les moyens d'empêcher l'apparition de « sa » signature sur les copies - le plus souvent très négligentes et éloignées de l'original. Pour éviter les contrefaçons, Lorrain a réalisé des copies de ses peintures en utilisant la technique du dessin, de la sépia ou de la gravure et les a placées dans un album spécial intitulé « Le Livre de la Vérité » - « Liber Veritatis » (195 exemplaires originaux ; actuellement au British Museum). Et lorsqu'un autre acheteur trompé a apporté une œuvre nouvellement achetée avec la signature « Lorren » et a exigé de l'identifier pour son authenticité, l'artiste a sorti cet album et, selon Baldinucci, « la différence entre l'original et le faux s'est avérée évidente. , puisqu’il est possible de voler l’idée et la signature, mais il est peu probable qu’il maîtrise exactement le style d’un brillant paysagiste. Claude Lorrain décède le 23 novembre 1682, à l'âge de quatre-vingt-deux ans. Il a été enterré dans l'église romane de Trinita dei Monti. L'inscription sur la pierre tombale dit : "Claude Jelle, originaire de Lorraine, qui s'est fait connaître à Rome comme le meilleur des meilleurs..." Le maître n'a pas laissé un seul autoportrait. La gravure qui décorait titre de page biographie de Lorrain, a été réalisée par son ami Zandrart. Chapitre 2. Analyse du travail 1 "Siège de La Rochelle" et "Avance sur le Pas de Suze" (1631) Deux tableaux, « Le Siège de La Rochelle par les troupes de Louis XIII » et « L'Attaque du Pas-da-Suz » (Ill. 4.5) comptent parmi les toutes premières, en termes d'époque, des œuvres de Lorrain qui ont ont survécu jusqu'à ce jour et sont atypiques pour tout son travail ultérieur. Très probablement, chacune de ces deux peintures a été conçue par l'auteur comme un pandan ("pendentif" (français) - en plus) par rapport à l'autre. Ceci est indiqué à la fois par la même taille et la même forme des tableaux (ovales dans les deux cas), et par le thème général : l'une et l'autre œuvre sont dédiées à les événements les plus importants histoire militaire de la France sous le règne du roi Louis XIII (1610-1643). Les chercheurs ont pu établir que le client des tableaux était le comte de Brienne, participant direct aux deux batailles. Les tableaux étaient destinés à décorer le salon de son château, situé dans les environs de Nancy. Dans ce cas, le choix de la base de peinture est unique : l'artiste travaille à l'huile sur une plaque de cuivre recouverte d'une fine couche d'argenture. Une surface impeccablement lisse permet au maître d'obtenir des résultats incroyables : avec la main confiante d'un miniaturiste talentueux, Lorrain remplit une zone relativement petite de l'espace de composition d'innombrables détails - à la fois réels, historiques et fictifs. Le long siège de La Rochelle par les troupes royales, on le sait, se termina par la chute de ce dernier avant-poste huguenot, et la bataille du Pas-de-Suze apporta à Louis XIII une victoire historique sur le duc de Saoudite. Les deux tableaux sont ainsi exceptionnels dans l'héritage lorrain : le célèbre peintre de paysages fictifs « classiques » et idylliques, caractérisés par une composition harmonieuse et ordonnée, présente les glorieux exploits militaires de l'armée royale sur fond de paysages réels, soigneusement étudiés par lui dès gravures répandues en France. La forteresse de La Rochelle, présentée du côté du village voisin d'Astre, avec toutes ses tours et fortifications, est représentée avec une précision presque photographique, et la vue sur le Pas de Suze est exécutée avec la plus grande précision. Les couleurs chaudes « d'automne » de la végétation et la couleur claire du ciel au-dessus de la plaine dans « Le Siège... » nous prouvent que la scène présentée se déroule au début de l'automne, et le calme et la confiance des personnages dans le premier plan du tableau suggère que la victoire des troupes royales est proche. En effet, les défenseurs de la forteresse de La Rochelle, épuisés par la faim et la maladie, furent contraints de se rendre le 28 octobre 1628... Sur la deuxième photo, le feuillage des arbres ressemble au début du printemps ; Les troupes de Louis XIII furent victorieuses au Pas-da-Suze en mars 1629. Près de la moitié de l'héritage lorrain est constitué de peintures de pandans, qui forment une paire, unies thème commun ou de même taille, composition ou construction en perspective similaire. Si certains critères coïncident, les images diffèrent certainement à d’autres égards. La technique préférée de Lorrain était de représenter des scènes soit en temps différent année, comme dans les peintures décrites ci-dessus, ou à différents moments de la journée - par exemple, à l'aube et au crépuscule du soir." 2 "Le départ de Sainte Paule d'Ostie" (1639) Dès le premier coup d'œil sur cette œuvre, on s'inquiète de l'impression d'infinité de l'espace, fondée « uniquement » sur l'habile construction de la perspective, dont le principe est ici simple jusqu'au génie : toutes les lignes de composition convergent en au centre, légèrement au-dessus de la ligne d'horizon. D'immenses bâtiments des deux côtés de l'espace de composition créent un cadre majestueux pour la scène figurative au premier plan et la plongent dans une atmosphère de tension dramatique, convaincante de l'importance exceptionnelle de ce qui se passe. De plus, la lumière joue un rôle particulier dans l'organisation de l'espace. personnage principal cette image (ill. 8). Au premier plan, Lorrain représente la scène des adieux de sainte Paule, qui, selon la légende, quitta Rome en 385 et se rendit à Bethléem, à saint Jérôme, emmenant avec elle uniquement sa fille Eustace, la seule de ses cinq enfants. La femme romaine resta pour toujours en Terre Promise, où elle fonda l'ordre monastique des Hiéronymites. Sur la dalle de pierre (super premier plan) Lorrain indique le nom du port romain non conservé d'Ostie, expliquant ainsi que le paysage est entièrement le fruit de son imagination. Ce tableau monumental est considéré comme l’une des images du port les plus réussies dans la peinture lorraine. Dans les années quarante, le maître créera de nombreux autres paysages, dont le motif principal serait le port, mais dans aucune de ces œuvres, il ne parviendra à atteindre une puissance d'expression artistique aussi exceptionnelle qu'il le démontre dans « Le Départ de Saint-Pétersbourg ». Paule...". 3 "Port de mer au coucher du soleil" (1639) Le tableau créé par Lorrain sur toile intitulé « Sea Harbor at Sunset » en 1639 est un tableau vraiment époustouflant et impressionnant, qui enchante au premier coup d'œil par son atmosphère, ses couleurs illusoires à couper le souffle et son jeu de couleurs extraordinaire (Ill. 9). Cette œuvre d'art fut offerte à Louis XIV et devint sans aucun doute un merveilleux ajout à sa collection. Le ciel dans la peinture de Lorrain est si magnifique et naturel qu'on ne peut que s'émerveiller de la façon dont le peintre a réussi à transmettre toute cette lumière fantomatique et en même temps des nuances riches, des transitions de couleurs dans le ciel du soir et la vivacité de la nature, le caractère non statique nature de l’air en mouvement dans l’image. 4 "Le départ de la reine de Saba" (1648) Le tableau est conservé à la National Gallery de Londres. Il a été peint en 1648 pour un client français ; c'est une scène idyllique avec des personnages au premier plan, une architecture majestueuse en arrière-plan, des navires s'étendant vers l'horizon et une étonnante combinaison de ciel et de mer (Ill. 19). La composition de ce tableau correspond au dessin du carnet de croquis de l’artiste, ce qui confirme la paternité de Claude Lorrain. La peinture exécute magistralement des transitions tonales depuis la lueur diffuse jaune-rose du soleil à travers le voile de lumière, des nuages presque transparents jusqu'au ciel bleu azur profond et serein et aux reflets vifs et émouvants de la mer agitée. Au premier plan, l'eau paraît bleu-vert, presque noire, et à l'horizon elle semble fondre sous les derniers rayons du soleil couchant. La belle et majestueuse architecture est encadrée par le feuillage des arbres, elle n'a pas d'angularités, les bâtiments sont également arrondis et ressemblent à des cimes d'arbres. Ce paysage marin de Lorrain est une paire de peintures sur « Paysage avec une scène du mariage d'Isaac et de Rébecca ». Turner était si ravi de ces deux œuvres de Lorrain que, lorsqu'il a fait don de deux de ses paysages à la National Gallery, il a posé comme condition indispensable à la donation qu'ils soient suspendus entre eux. Dans ce chef-d'œuvre, Lorrain crée un monde idéal plein d'effets de lumière subtils, de contrastes dramatiques et de mouvements profondément réfléchis. Sur le plan de la composition, le chef-d'œuvre de Lorrain est exécuté d'une manière caractéristique de son meilleures œuvres. Au centre du tableau, on voit un espace infini et brillant, encadré par deux massifs architecturaux (dans ce cas, les bâtiments classiques jouent le même rôle que les arbres dans les œuvres « non marines » de l’artiste). Dans ce cas, le regard du spectateur est en quelque sorte « renvoyé » vers l’horizon. Dans la zone « paradisiaque » aux tons jaunes chauds, vous pourrez retrouver les empreintes de mains et de doigts de l’artiste. Il a créé des transitions tonales subtiles exactement de cette manière – avec sa main et non avec un pinceau. 5 "Acis et Galatée" (1657) Ce tableau est actuellement conservé à la galerie de Dresde. L'œuvre est écrite dans un style classique, qui demande le respect de la rigueur, la division de l'espace en plusieurs plans, les proportions du tableau sont soigneusement ajustées, des compositions d'arbres encadrent le tableau des deux côtés, comme des scènes ou un cadre (Ill .20). Ayant décidé de créer un paysage marin, Lorrain l'anime d'une intrigue mythologique avec la Néréide ou nymphe marine Galatée. Cette toile, comme d'autres œuvres de Lorrain, n'aurait rien perdu, restant juste un paysage, sans aucune intrigue littéraire. Le tableau de Dresde présente tous les mêmes traits que son Paysage avec la fuite en Égypte. Et pourtant, tant qu’il y a une intrigue, il faut la comprendre. D'après les Métamorphoses d'Ovide, Galatée aime le beau jeune homme Acis, mais le terrible géant borgne Polyphème était amoureux d'elle, qui, assis sur une cape et surplombant la mer, lui jouait une chanson d'amour sur ses flûtes. Par la suite, errant inconsolablement parmi les rochers, il trouva sa bien-aimée dans les bras de son rival. Les amants s'enfuirent et Polyphème, en colère, tua Acis en lui lançant un énorme rocher. 6 "Paysage marin avec le viol d'Europe" (1655) C’est l’une des peintures les plus poétiques en tout. patrimoine créatif Lorrène. Il illustre le mythe selon lequel Zeus, transformé en taureau blanc, enleva Europe, la fille du roi phénicien (Il. 21). La source littéraire de cette œuvre est l'épopée mythologique « Métamorphoses » d'Ovide (43 après JC - 17 après JC). l'histoire de l'enlèvement de la fille d'Agénor est interprétée par Lorrain avec une telle justesse que la scène du premier plan ne peut plus être qualifiée de simple technique pour « faire revivre » le paysage. Une attention accrue aux détails, ainsi qu’une élaboration minutieuse des figures humaines et animales, indiquent que la sphère d’intérêt artistique de Lorrain s’élargit au fil du temps et comprend désormais également aspect psychologique. Remarquez avec quelle habileté est véhiculée la confusion des sentiments qui ont saisi l'Europe : d'une main elle a saisi la corne du taureau (sans même savoir qui a pris sa forme), et de l'autre elle a redressé frénétiquement la cape flottant au vent. La scène se déroule sur le rivage, tout au bord de la mer, le long duquel l'Europe devra faire un long voyage jusqu'en Crète à cheval sur un taureau. Ce n'est qu'en arrivant sur l'île que la jeune fille apprend qu'elle a été kidnappée par Zeus lui-même. C'est en Crète que l'Europe donnera naissance à un fils, Minos, du Tonnerre, qui deviendra plus tard le souverain crétois. Malgré toute l'intensité psychologique de l'intrigue, l'atmosphère émotionnelle du tableau est encore dépourvue du sentiment d'anxiété qu'une telle « métamorphose » de Zeus pourrait naturellement provoquer : l'impression dramatique globale est « adoucie » par une coloration douce et sobre. À l’exception des sommets enneigés visibles à droite, toute la scène est plongée dans une lumière dorée magique. A la surface de la mer, les reflets des rayons du soleil scintillent, perçant la brume lumineuse caractéristique de toute l'œuvre de Lorrain. Des nuages légers et transparents flottent dans le ciel clair. 7 "Après-midi" (Repos pendant la fuite en Égypte) (1661) Le tableau « Repos pendant la fuite en Égypte » a été commandé au Lorrain par son collègue Cornelis de Wael, qui, autrefois, préférait le commerce d'œuvres d'art à la peinture. De par la nature de son activité, il n'était qu'un intermédiaire entre l'artiste et des clients fortunés, et après avoir terminé l'œuvre, Lorrain apprit que le véritable client de cette scène religieuse sur fond de paysage était Henry van Halmale, évêque d'Ypres, et depuis 1658 - le doyen cathédrale Anvers. Van Halmale était très satisfait du travail de Lorren et devint rapidement son client régulier, préférant refuser les services d'intermédiaires et contacter directement le maître. Sur ordre de l'évêque, Lorrain réalisera six autres tableaux. Tous présenteront des scènes religieuses sur fond de paysages fictifs. L’image de la Sainte Famille en route vers l’Égypte était très populaire dans la peinture du XVIIe siècle. Pour les paysagistes, ce sujet présentait un intérêt particulier, car il leur permettait de faire preuve d'imagination et d'une certaine liberté dans la représentation de la nature - après tout, il n'existe pas de descriptions exactes de l'endroit où la Sainte Famille s'est arrêtée pour se reposer. Le plus souvent, les artistes représentaient des arbres denses, à l'ombre desquels les voyageurs fatigués trouvaient refuge. C’est exactement ainsi que j’ai décrit cette scène à l’époque. artiste italien Annibale Carracci. Dans l'interprétation de Lauren, les figures de Marie, Joseph et Jésus ne sont qu'un détail mineur du paysage, sur le fond duquel ils semblent presque invisibles (ill. 12). L’artiste s’intéresse bien plus à l’éclat de la lumière du jour, à la transparence de l’air et à la verdure luxuriante des arbres. Il place la Sainte Famille dans le coin inférieur droit de la composition, en veillant à ce que la présence d'un groupe figuratif ne perturbe pas l'harmonie de la nature. C’est peut-être pour cela qu’il semble que ce groupe ait existé à travers le temps et l’espace. Le lien logique avec la source littéraire est ici si conditionnel et instable que sans le titre donné par Lorrain au tableau, clairement à la demande du client, il serait très difficile de le qualifier de religieux, puisque devant nous est un paysage à part entière. Il est intéressant de noter que Lorrain s'est tourné vers la scène du repos sur le chemin de l'Égypte au moins vingt fois, et chaque œuvre était précisément un paysage, et non une illustration d'un des chapitres de l'Écriture Sainte. L’artiste révèle le thème de la fuite de la Sainte Famille non pas en attirant l’attention du spectateur sur un groupe de voyageurs épuisés par de longues errances, mais à l’aide d’éléments paysagers soigneusement sélectionnés qui symbolisent traditionnellement « être sur la route ». C'est la rivière, les ponts et la ligne d'horizon brumeuse. L’aura mystérieuse du paysage et la lumière irréelle du coucher de soleil dans lequel la scène est plongée suscitent un pressentiment alarmant. 8 "Soirée" (Tobias et l'Ange) (1663) Lorrain est souvent appelé le « Maître du cycle diurne » : dans ses œuvres, le soleil se lève ou se couche déjà sous l'horizon. Ainsi, le ciel du paysage « Tobias et l'Ange » scintille de toutes les nuances d'orange : il semble que nous assistions à nouveau au coucher du soleil. (Ill. 13) Même si, à en juger par le fait que ce tableau est un pandan par rapport à l'œuvre évoquée ci-dessus, Tobias a attrapé son poisson à l'aube : Lorrain ne duplique jamais l'heure de la journée dans les tableaux « jumelés ». « La conception du paysage lorrain repose sur l’image du soleil couchant ou levant, et le problème prioritaire est la représentation de l’environnement lumière-air accompagnant ce phénomène » (Maria Repinskaya). 9 "Matin" (filles de Jacob et Laban) (1666) Le tableau "Matin" de Claude Lorrain peut facilement être qualifié de plus lyrique et subtil de ses tableaux (Ill. 14). Lorrain, avec son paysage sublime, poétise histoire biblique- une rencontre entre Jacob gardant un troupeau de moutons et les filles de Laban, rencontre qui devient le début de son long amour pour Rachel. Le pinceau du peintre reproduit la beauté du jour naissant avec le même amour respectueux avec lequel son héros rencontre la jeune Rachel. La nature est pour ainsi dire dotée de la capacité des expériences les plus subtiles ; l'identité du sujet et de l'objet de la créativité détermine la domination du principe lyrique. En recourant à sa technique préférée - l'image en contre-jour, le maître crée l'impression que la lumière vient vers lui, et le jour naît sous les yeux du spectateur. La surface pittoresque est tissée de couleurs finement nuancées, avec une prédominance de nuances argentées. Image artistique est construit comme l'unité de plusieurs associations poétiques : la rencontre de Jacob et Rachel et la rencontre avec le soleil, l'éveil de l'amour et l'éveil de la nature, un événement de l'histoire légendaire et un moment du temps présent. Les mouvements de l'âme trouvent une réponse universelle dans la nature, et l'image de la nature devient une expression universelle de la vie mentale. L’association de la nature qui s’éveille du sommeil avec le sentiment naissant entre les jeunes cœurs est ce qui occupe le plus la pensée de l’artiste, et c’est là le sujet de son récit pictural. Lorrain est complètement absorbé par la célébration du paysage spirituel et majestueux, idyllique et paisible ; il ne confie l'image des personnages de l'image qu'à Philippa Lauri, qui partage les mêmes idées. L'artiste peint le ciel et les arbres, les collines et les bâtiments délabrés avec des couleurs claires et claires. Le panorama est inondé d’une douce lumière bleu rosé qui unit tout autour. 10 "Nuit" (Paysage avec une scène de Jacob combattant un ange) (1672) L'intrigue de l'image était une histoire du livre de la Genèse, qui raconte comment, de retour dans son pays natal en Canaan, Jacob avait peur de la vengeance de son frère aîné Ésaü et divisa ses troupeaux et son peuple avec les mots : « Si Ésaü attaque un camp et le bat, alors le reste du camp peut être sauvé » (Genèse 32 : 8). Jacob lui-même resta seul au bord du fleuve et toute la nuit jusqu'à l'aube il lutta avec Dieu, qui lui apparut sous la forme d'un ange. N'ayant pas vaincu Jacob, l'ange le bénit et l'informa qu'à partir de maintenant il vaincrait tous les peuples et s'appellerait Israël. Parallèlement à la scène de lutte, qui constitue le centre de composition de l'œuvre, Lorrain montre en arrière-plan les troupeaux de Jacob s'éloignant le long de deux routes : en haut de la montagne, vers le temple, et à travers le pont, à travers la rivière. En représentant deux événements à des moments différents, l'artiste a déployé l'intrigue de l'Ancien Testament dans le temps et a ainsi enrichi le contenu de l'image. Selon le texte biblique, l'action se déroule à la fin de la nuit et, fidèle à son intérêt pour la transmission des états insaisissables de la nature, Lorrain a représenté le moment du matin. Il utilise l'une de ses techniques préférées : la lumière venue des profondeurs de l'espace. Le soleil est caché derrière l'horizon, et seul le bord éclairé du nuage indique son apparition imminente. Tous les détails de la composition - arbres, bâtiments, personnages - sont situés en face de la source lumineuse. Cela crée un effet étonnant : le spectateur semble être présent dans l’image, observant le début d’une nouvelle journée. 11 "Paysage avec Enée à Délos" (1672) Le choix des personnages du tableau de Claude Lorrain nous entraîne dans le monde idyllique de l’épanouissement de la culture antique (Ill. 11). L'intrigue est basée sur l'histoire de la façon dont Énée cherchait l'oracle d'Apollon sur l'île sacrée de Délos, en provenance de Troie. Devant nous, le roi et prêtre de Délos Aliy salue Enée, son père Anchise et son fils Ascagne. Anyus montre l'olivier et le palmier au centre de l'image, auxquels s'accrochait Leto (Latone) en donnant naissance aux jumeaux Apollon et Diane (Artémis). Le Temple d'Apollon est représenté comme le majestueux bâtiment antique de Rome - le Panthéon. Dans ce temple, l'oracle prédit à Énée que ses descendants régneraient sur les plus vastes étendues de la Terre. La composition poétique de cette scène, qui équilibre les lignes verticales et horizontales, l’air pur et la vue de grands espaces jusqu’à l’horizon lointain, évoque un sentiment de sérénité idyllique de l’âge d’or. Une église austère en pierre blanche, qui rappelle vaguement le château Saint-Ange romain. Ici, comme dans la plupart des peintures de Lorrain, les bâtiments anciens sont représentés dans toute leur splendeur et servent un seul objectif : présenter un monde idéal dans lequel règnent entre-temps la beauté, l’harmonie et la force de l’esprit. artistes XVII Pendant des siècles, les réflexions philosophiques sur le caractère éphémère de la vie et l’insignifiance des efforts humains sur cette terre ont été très populaires. La conséquence de ces réflexions fut la mode consistant à représenter les ruines de bâtiments anciens autrefois magnifiques, considérés comme un symbole du pouvoir destructeur du temps. Lorren crée son propre monde, dans lequel il n'y a pas de place pour les guerres et la destruction, les gens vivent heureux et les créations de leurs mains existent pour toujours - et tout cela sous le patronage de la nature elle-même, dans le contexte des paysages magnifiques. Dans l'œuvre de Lorrain, les éléments naturels déchaînés, comme les ouragans, les orages ou les inondations, sont extrêmement rares. C'est un chanteur d'idylle et d'harmonie universelle. Après 1650, Lorrain se tourne de plus en plus vers des thèmes sublimes tirés d'œuvres de la littérature classique. Le tableau "Énée sur Délos" est une illustration de l'un des chapitres de l'épopée héroïque de Virgile "Énéide". Conclusion L'influence de Claude Lorrain sur la poursuite du développement le paysage en tant que genre indépendant est difficile à surestimer. Comme le note à juste titre K. Bohemskaya, « dans la mémoire de l'humanité, les images paysagères créées par les artistes continuent de vivre et de façonner la perception du monde environnant à travers le regard de Claude Lorrain, des générations entières de personnes ayant vécu aux XVIIIe et XIXe. des siècles ont vu la beauté de la nature – plusieurs décennies après sa mort. La peinture de Lorrain a eu un impact sur l'évolution de l'ensemble du paysage européen : un groupe de peintres paysagistes hollandais de tendance italienne (Hermann van Swanevelt, Jan Bot, etc.) s'est formé à ses côtés aux XVIIIe-XIXe siècles. Gainsborough, Sylvester Shchedrin et d'autres ont subi son influence. Pour Goethe, Lorrain était l'idéal le plus élevé de l'art. F. M. Dostoïevski a vu dans son tableau « Paysage avec Acis et Galatée » une image de « l'âge d'or » de l'humanité. Des traces de son influence peuvent être retrouvées non seulement dans l'art italien des XVIIe, XVIIIe et XIXe siècles, mais aussi en Allemagne et aux Pays-Bas - sans parler de la patrie de l'artiste, la France, où son héritage est toujours considéré comme la quintessence de l'art italien. et la peinture française elle-même. Mais l'art de Lorrain était plus populaire en Angleterre, où l'artiste est traditionnellement appelé simplement par son nom - Claude. Le paysage idyllique de Claude est le seul genre que les artistes des pays anglophones ont adopté et se sont approprié. C'est cet élan, allié à l'observation directe de la nature, qui leur permet d'apporter une grande contribution à l'art du paysage et contribue au renouveau de ce genre au XIXe siècle. Constable (1776-1837) l’admirait ; Turner tentait de l’imiter, pour qui les œuvres de Lorrain étaient des exemples de l’incarnation brillante d’un environnement léger et aérien sur toile (1775-1851). Ces remarquables paysagistes anglais ont appelé Lorrain leur premier et principal professeur, et Turner a même dédié son célèbre tableau « La Chute de Carthage » à sa mémoire. Les dessins de Lorrain seraient souvent copiés par les impressionnistes. Et les historiens de l'art considèrent comme l'un de ses principaux disciples le Français Camille Corot (1796-1875), dont les œuvres se distinguent par la même simplicité de composition et la même perfection technique. Un autre peintre français, Eugène Boudin (1824-1898), est devenu célèbre pour ses paysages poétiques dans lesquels, comme Claude Lorrain, il rendait subtilement l'air et la lumière du soleil. Les méthodes créatives découvertes et développées par Lorrain étaient à bien des égards innovantes pour leur époque, comme cela a été précisé au cours de cet ouvrage. Pour atteindre le sommet de la gloire, il dut traverser les Alpes et passer le reste de ses jours à Rome en tant qu'émigrant. De toute évidence, Lorrain ne cherchait pas les voies faciles vers le succès. Son parcours de vie démontre clairement que la persévérance dans le travail et la fidélité à ses idéaux sont la clé du succès pour un artiste. L'auteur exprime l'espoir que les idées contenues dans cet ouvrage serviront d'inspiration à artistes contemporains, ainsi qu'à travers le prisme d'évaluer l'importance de ce maître dans l'histoire de la peinture, nous permettront de mieux comprendre le rôle d'un artiste individuel pour l'histoire de l'art. Au cours de l'étude de l'influence de Lorrain sur ses disciples, l'idée a été soulevée que certaines des idées qu'il avait trouvées étaient utilisées par les impressionnistes. L'auteur de cet ouvrage estime que ce sujet pourra ensuite être exploré plus largement et que les recherches sur ce sujet pourraient potentiellement conduire à la découverte d'une chaîne d'influences s'étendant encore plus loin que l'ère de l'impressionnisme. Remarques Extrait de l'article "Problèmes de l'art contemporain", Club philosophique "Torche" - #"justify">Art du XVIIe siècle : Italie. Espagne, Flandre. Hollande. France : Essais historiques / N. A. Livshits, L. L. Kagane, N. S. Priymenko. - Moscou : Art, 1964. - 408 pp., 6 l. je vais. Page 8 Daniel S.M. "Peinture de l'époque classique : Problèmes de composition dans la peinture d'Europe occidentale du XVIIe siècle." [Texte]/S.M. Daniel. - L. : Art, 1986. - 196 p. : ill. Page 81 K. Bohemskaïa. Paysage. Pages d'histoire. -M. : GALART, 1992. 2e édition, 2002, Moscou, AST Daniel S.M. "Peinture de l'époque classique : Problèmes de composition dans la peinture d'Europe occidentale du XVIIe siècle." [Texte]/S.M. Daniel. - L. : Art, 1986. - 196 p. : ill. Page 82 K. Bogemskaya "Paysage. Pages d'histoire", M. : GALART, 1992. Deuxième édition, 2002, Moscou, AST Calendrier 1600 - Naissance de Claude Jelle à Chamagne (Duché de Lorraine) S'installe avec son frère Jean à Fribourg-en-Brisgau Arrive à Rome et commence à travailler pour l'artiste Agostino Tassi Retourne en Lorraine et travaille à Nancy, à la cour du Duc Déménage à Rome pour toujours Sous le nom de Lorren devient membre de la Guilde de Saint-Luc Ouvre son propre atelier, embauche des assistants et devient membre de l'Académie Saint-Luc Peint trois tableaux pour le roi Philippe IV d'Espagne Le pape Urbain VIII lui commande quatre œuvres Reçu dans la Congrégation des Virtuoses Bibliographie I. Littérature générale 1. Bogemskaïa K.G. Histoire des genres. Paysage, M. : « Galart, AST-Press » 2002, - 256 p. 3. Encyclopédie pour enfants. T. 7. Art. Partie 2. Architecture, beaux-arts et arts décoratifs des XVIIe-XXe siècles/Chapitre. éd. M.D. Aksyonova. - M. : Avanta+, 1999. - 656 pp. : ill. II. Littérature supplémentaire. Alpatov M.V. Esquisses sur l'histoire de l'art d'Europe occidentale [Texte]/M.V. Alpatov. - M. : Académie des Arts de l'URSS, 1984. - 424 p. : ill. Bogemskaïa K.G. Paysage. Pages d'Histoire, M. : Galart, 1992. Deuxième édition, 2002, Moscou, AST, - 336 p. Volkov N.N. Composition en peinture, 1997 - M. : Maison d'édition V. Shevchuk, 2014. - 368 p. 4. Gneditch P.P. Histoire générale de l'art. M : EKSMO, 2002. - 848 pp. : ill. 5.Grivnina A.S. Art du XVIIe siècle en Europe occidentale [Texte] / A.S. Hryvnina. - M. : Art, 1964. - 86 p. 6.Daniel S.M. Peinture de l'époque classique : Problèmes de composition dans la peinture d'Europe occidentale du XVIIe siècle. [Texte]/S.M. Daniel. - L. : Art, 1986. - 196 p. : ill. 7.Daniel S.M. Classicisme européen. - Saint-Pétersbourg : ABC-classiques, 2003. - 304 p. : ill. 8. Lazarev V. N. 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Huile sur toile, 113 x 156,5, Ermitage, Saint-Pétersbourg . Huile sur toile, 116 x 158,5, Ermitage, Saint-Pétersbourg . Huile sur toile, 113 x 157, Ermitage, Saint-Pétersbourg . Huile sur toile, 116 x 160, Ermitage, Saint-Pétersbourg .Claude Lorrain. Vues de la Campanie . Plume, encre . Gravure, 21,1 x 27,5, . Huile sur toile, National Gallery de Londres . Huile sur toile, 100 x 165, Galerie de Dresde . Huile sur toile, 100 x 137, Musée national des beaux-arts. COMME. Pouchkine, Moscou Illustrations .Zandrart. Claude Lorrain Gravure .Paul Bril. Diana découvre la grossesse de Callisto. 1615. Huile sur toile, 161x206. Persienne, Paris .Claude Lorrain. Paysage avec des marchands. 1628. Huile sur toile, 97,2 x 143,6. Galerie nationale, Washington .Claude Lorrain. Siège de La Rochelle par les troupes de Louis XIII. 1631. Plaque de cuivre, huile, 28 x 42, Louvre, Paris .Claude Lorrain Avance des troupes de Louis XIII au Pas de Suze, 1631 Plaque de cuivre, huile, 28 x 42, Louvre, Paris .Agostino Tassi. Épiphanie. Toile, huile. Galerie Doria Pamphili, Rome 8.Claude Lorrain. Départ de Sainte Paule d'Ostie, 1639 Huile sur toile, 103 x 137 cm, Prado, Madrid .Claude Lorrain. Port de mer au coucher du soleil, 1639 Huile sur toile, 211 x 145, Louvre, Paris .Claude Lorrain. Paysage avec Ascanius tuant le cerf de Sylvia. 1682. Huile sur toile, 120x150. Musée Ashmolean, Oxford .Claude Lorrain. Paysage avec Énée à Délos, 1672 Huile sur toile, 100 x 165. National Gallery, Londres 12.Claude Lorrain. Midi (repos pendant la fuite en Égypte), 1661 Huile sur toile, 113 x 156,5. Ermitage, Saint-Pétersbourg .Claude Lorrain. Soirée (Tobias et l'Ange), 1663 Huile sur toile, 116 x 158,5. Ermitage, Saint-Pétersbourg .Claude Lorrain. Matin (filles de Jacob et Laban), 1666 Huile sur toile, 113 x 157. Ermitage, Saint-Pétersbourg .Claude Lorrain. Nuit (La lutte de Jacob avec l'ange), 1672 Huile sur toile, 116 x 160. Ermitage, Saint-Pétersbourg .Claude Lorrain. Vues de la Campanie .Claude Lorrain. Paysage avec une tour Plume, encre .Lorren. Champ de Vaccin, 1636. Gravure, 21,1 x 27,5 .Claude Lorrain. Départ de la reine de Saba, 1648 Toile, huile. Galerie nationale de Londres .Claude Lorrain. Acis et Galatée, 1657 Huile sur toile, 100 x 165 Galerie de Dresde .Claude Lorrain. Paysage marin avec le viol d'Europe, 1655 Huile sur toile, 100 x 137 Musée national des beaux-arts nommé d'après. COMME. Pouchkine, Moscou
