Peinture hollandaise de l'Ermitage. Ermitage. Peinture hollandaise des XVIIe-XVIIIe siècles (2). Descente de croix

L'art hollandais du XVIIe siècle constitue une époque particulière dans toute la peinture mondiale. C’est la même époque qu’on appelle l’âge d’or de la peinture hollandaise. Le XVIIème siècle est étonnant et très riche en noms. A cette époque naissent et se créent les peintres les plus brillants, qui sont encore considérés comme les plus maîtres inégalés. Décollage spécial une pensée plus artistique, la naissance de chefs-d'œuvre d'importance mondiale. pouvons vous présenter cette période de la manière la plus détaillée possible. Le fait est que l'Ermitage abrite le plus grande collection Peinture hollandaise et l'art du XVIIe siècle. Vous ne trouverez nulle part ailleurs une telle réunion comme ici, au centre de Saint-Pétersbourg. Ici vous pouvez voir des œuvres d'artistes tels que : Nicholas Mas, Caspar Netscher, Philips Wauwerman, Constantijn Netscher, Salomon Koninck, Jan de Bray, Jacob Bakker et bien d'autres.

L'art de cette époque était caractérisé par une variété de genres, allant des portraits et scènes de bataille à la vie quotidienne et aux thèmes mythologiques. Cependant, toutes ces peintures sont liées par la vision particulière du monde de l’artiste néerlandais, un sens particulier de la beauté de la peinture. Les toiles que l'on peut voir dans les salles de l'Ermitage contiennent un réalisme absolument fabuleux, il n'y a pas d'autre moyen de le dire. C'est un réalisme si réaliste et en même temps fantastique qu'il semble être un conte de fées dans lequel l'artiste a existé. Images véridiques, convaincantes et lumineuses, spiritualité, expressivité, couleurs riches et contrastées - autant de traits caractéristiques des grands artistes de cette époque.

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Quelqu'un a calculé qu'il faudrait huit ans pour parcourir tout l'Ermitage, ne consacrant qu'une minute à l'examen de chaque exposition. Ainsi, lorsque vous partez à la recherche de nouvelles impressions esthétiques dans l'un des principaux musées du pays, vous devez disposer de suffisamment de temps et de l'ambiance appropriée.

Musée principal L'Ermitage est un ensemble de cinq bâtiments construits en temps différent par différents architectes à des fins différentes, et connectés séquentiellement les uns aux autres, mais visuellement de couleurs différentes (cela se voit particulièrement bien depuis la flèche de l'île Vassilievski) : Palais d'Hiver‒ la création de Bartalameo Rastrelli, créée sur ordre de l'impératrice Elisabeth, suivie du Petit Ermitage, puis de l'enfilade de salles du Vieil Ermitage (anciens quartiers d'habitation famille impériale), se déversant harmonieusement dans le bâtiment du Nouvel Ermitage (conçu par l'architecte « musée » européen Leo von Klenze pour accueillir la collection qui s'accroissait à un rythme effréné) et le Théâtre de l'Ermitage.

Les chefs-d'œuvre incontournables sont marqués sur le plan du musée avec des flèches et des images - en principe, c'est l'itinéraire traditionnel pour la plupart des guides et des touristes.

Vous trouverez ci-dessous la liste optimale des incontournables de l'Ermitage.

L'itinéraire d'excursion classique à travers le musée principal de l'Ermitage commence par l'escalier du Jourdain, ou, comme on l'appelle communément, l'escalier de l'Ambassadeur (c'est par celui-ci que les nobles invités des empereurs et les envoyés des puissances étrangères passaient au palais). Après l'escalier de marbre blanc et or, la route bifurque : une suite de salles d'apparat s'avance et s'éloigne, et à gauche se trouve la salle du feld-maréchal. Les salles principales, qui s'étendent le long de la Neva, semblent quelque peu désertes et accueillent aujourd'hui des expositions temporaires. Sur la gauche commence la deuxième suite de salles d'apparat, menant à la salle du trône qui, contrairement à l'escalier principal, semble plutôt modeste.

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Une partie du premier étage, accessible en descendant l'escalier d'Octobre (directement des impressionnistes), est dédiée à l'art des anciens habitants de l'Asie - les Scythes. Dans la salle numéro 26, sont présentés des objets assez bien conservés en matière organique, trouvés lors des fouilles de la nécropole royale dans les montagnes de l'Altaï, le soi-disant cinquième monticule Pazyryk. La culture de Pazyryk remonte aux VIe-IIIe siècles. avant JC e. - l'ère du début de l'âge du fer. Tous les objets trouvés ont été conservés dans un excellent état, grâce aux conditions climatiques particulières : une lentille de glace s'est formée autour du monticule, créant une sorte de « réfrigérateur naturel » dans lequel les objets peuvent être conservés pendant une très longue période. Les archéologues ont découvert une chambre funéraire, qui était une charpente en bois de quatre mètres de haut, à l'intérieur de laquelle étaient placés les corps momifiés d'un homme et d'une femme, ainsi qu'une sépulture de cheval située à l'extérieur de la charpente. Les objets découverts lors des fouilles témoignent du statut social élevé des personnes enterrées. Dans les temps anciens, le monticule a été pillé, mais l'enterrement des chevaux est resté intact. La charrette a été retrouvée démontée, vraisemblablement tirée par quatre chevaux. Une fierté particulière de la collection est un tapis en feutre parfaitement conservé représentant une fleur fantastique, un homme à cheval et une femme plus grande, apparemment une divinité. Les archéologues ne sont pas parvenus à un consensus sur la date et la raison pour laquelle ce tapis a été fabriqué ; des études détaillées ont montré qu'il a été ajouté ultérieurement, peut-être spécifiquement pour l'enterrement. D'autres objets exposés intéressants situés dans la vitrine d'en face sont des figurines de cygnes en feutre bourrés de fourrure de renne. Les cygnes ont des ailes noires extraterrestres, vraisemblablement empruntées à des vautours (oiseaux funéraires). Ainsi, les anciens dotaient le cygne de la propriété de transcendance, en faisant un habitant des trois niveaux de l'univers : céleste, terrestre et aquatique. Au total, quatre figurines d'oiseaux en feutre ont été trouvées, ce qui suggère que les cygnes étaient liés à la charrette dans laquelle ils devaient être emmenés. l'au-delàâmes des morts (lors des fouilles, des cygnes ont été trouvés entre la charrette et le tapis). Des « trouvailles importées » ont également été découvertes dans le monticule, par exemple des tapis de selle de chevaux garnis de tissu de laine iranien et de tissu de Chine, ce qui suggère des contacts entre la population scythe. Gorny Altaï avec les cultures d'Asie centrale et Orient ancien déjà aux VIe-IIIe siècles. avant JC e.

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Complexe muséal principal, Palais d'Hiver, étage II, halls 151, 153

Si vous êtes un peu fatigué de la variété des peintures et sculptures, vous pouvez vous distraire un peu en passant dans une petite salle art français XVe-XVIIe siècles, où sont présentées des céramiques de Saint-Porcher et Bernard Palissy. Il n'existe qu'environ 70 pièces de Saint-Porcher dans le monde entier, et à l'Ermitage, vous pouvez en voir jusqu'à quatre exemplaires. La technique de Saint-Porcher (ainsi nommée d'après son lieu d'origine supposé) peut être schématiquement décrite ainsi : de l'argile ordinaire était placée dans des moules, puis un ornement était extrait à l'aide de matrices métalliques sur les moules (autant d'ornements qu'il y a de matrices). ), puis les évidements ont été remplis d'argile de couleur contrastante, le produit a été recouvert d'un glaçage transparent et brûlé au four. Après la cuisson, une peinture décorative a été ajoutée. Comme vous pouvez le constater, à la suite d'un processus aussi complexe et laborieux, une chose extrêmement élégante et fragile a été obtenue. Dans la vitrine ci-contre, un autre type de céramique est présenté : les céramiques circulaires de Bernard Palissy, le plus célèbre céramiste du XVIe siècle. Colorés, insolites, les soi-disant « argiles rurales » - des plats représentant les habitants de l'élément eau - attirent immédiatement le regard. La technique de fabrication de ces plats reste encore un mystère, mais les historiens de l'art pensent qu'ils ont été réalisés à partir de moulages à partir d'estampes. C'était comme si un reptile marin empaillé était recouvert de graisse et qu'un morceau d'argile était placé dessus et brûlé. Un animal en peluche a été retiré de l'argile cuite et une empreinte a été prise. Il existe une opinion selon laquelle les reptiles, lorsqu'on leur posait de l'argile, n'étaient immobilisés que par l'éther, mais n'étaient en aucun cas morts. À partir de l'impression résultante, des moulages ont été réalisés, qui ont été fixés sur les plats ; le tout a été peint avec une glaçure colorée, puis recouvert d'une glaçure transparente et cuit. Les arts de la table de Bernard Palissy étaient si populaires qu'il eut d'innombrables adeptes et imitateurs.

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Complexe muséal principal, Palais d'Hiver, 2e étage, halls 272‒292

Si vous vous promenez le long de l'enfilade des salles d'apparat le long de la Neva, vous vous retrouverez dans la moitié libre des pièces aux intérieurs résidentiels - ici il y a des intérieurs strictement classiques, des salons décorés dans le style de l'historicisme et des meubles complexes et rocheux, et des meubles Art Déco et une bibliothèque gothique à deux niveaux en bois de Nicolas II avec des volumes anciens, vous plongeant facilement dans l'atmosphère du Moyen Âge.

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Complexe muséal principal, Palais d'Hiver, 2e étage, halls 187-176

Peu de gens accèdent au troisième étage, au département des pays de l’Est. Si vous vous éloignez un peu de l'univers de Matisse-Picasso-Derain, en résistant à la tentation de descendre les escaliers en bois, vous vous retrouverez dans le département oriental. Plusieurs salles de l'exposition « Extrême-Orient et Asie centrale » présentent des fresques murales, en partie perdues et en partie restaurées grâce à l'informatique, vieilles de plusieurs centaines d'années. Ils représentent l'art incroyablement raffiné de la peinture des temples bouddhistes rupestres et terrestres des oasis de Karashar, Turfan et Kuchar, situées le long de la route du Grand Route de la soie. Les fresques constituent une preuve unique de l'unité du monde bouddhiste en Inde, en Asie centrale et en Chine à l'époque pré-mongole. Il y a plusieurs années, certaines fresques de la collection ont été transportées au centre de restauration et de stockage de Staraya Derevnya, où elles sont aujourd'hui exposées.

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Complexe muséal principal, Palais d'Hiver, étage III, salles 359‒367, exposition « Culture et art de l'Asie centrale »

Des œuvres des impressionnistes (Monet, Renoir, Degas, Sisley, Pizarro) sont présentées au troisième étage du Palais d'Hiver. L’une des véritables perles de la collection est le tableau de Claude Monet « La Dame au jardin de Sainte-Adresse » (Claude Monet, Femme au jardin, 1867). En vous basant sur la tenue de la fille, vous pouvez déterminer avec certitude l'année où le tableau a été peint - c'est à ce moment-là que des robes similaires sont devenues à la mode. Et c’est cette œuvre qui faisait la couverture du catalogue d’une exposition des œuvres de Monet du monde entier, qui a eu lieu il y a plusieurs années à Paris au Grand Palais. La collection regorge également d'œuvres des post-impressionnistes Cézanne, Gauguin, Van Gogh et d'autres. Artistes français début du XXe siècle : Matisse, Derain, Picasso, Marche, Vallotton. Comment cette richesse s’est-elle retrouvée dans la collection du musée ? Tous les tableaux faisaient auparavant partie des collections des marchands russes Morozov et Chtchoukine, qui achetaient des œuvres de peintres français à Paris, les sauvant ainsi de la famine. Après la révolution, les peintures ont été nationalisées par l’État soviétique et placées au Musée du nouvel art occidental de Moscou. Durant ces années-là, Alfred Barr, fondateur du Musée de New York, était en visite à Moscou. art contemporain, pour qui les collections Chtchoukine et Morozov ont servi de prototype à sa future idée. Après la guerre, le musée a été dissous en raison de son contenu antinational et formaliste, et la collection a été divisée entre les deux plus grands musées de Russie : le musée Pouchkine de Moscou et l'Ermitage de Saint-Pétersbourg. Le directeur de l'Ermitage de l'époque, Joseph Orbeli, qui n'a pas eu peur de prendre ses responsabilités et de retirer les œuvres les plus radicales de Kandinsky, Matisse et Picasso, mérite une gratitude particulière. La deuxième partie de la collection Morozov-Schukin peut être admirée aujourd'hui à la Galerie d'Art d'Europe et d'Amérique des XIXe-XXe siècles. Moscou Musée Pouchkine, qui se trouve sur Volkhonka.

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Complexe muséal principal, Palais d'Hiver, étage III, halls 316‒350

Tout comme tous les chemins mènent à Rome, tous les chemins qui traversent l'Ermitage passent par la salle du Pavillon avec la célèbre horloge, familière à tous grâce à l'économiseur d'écran de la chaîne de télévision Kultura. Le paon d'une merveilleuse beauté a été fabriqué par le maître anglais alors à la mode James Cox, acheté par le prince Grigori Potemkine-Tavrichesky comme cadeau à Catherine la Grande, livré à Saint-Pétersbourg démonté et assemblé sur place par Ivan Kulibin. Pour comprendre où se trouve l'horloge, il faut se rendre à la clôture et regarder les pieds du paon - il y a un petit champignon au centre, et c'est dans son capuchon que se trouve l'horloge. Le mécanisme est en état de marche, une fois par semaine (le mercredi) l'horloger entre dans la cage de verre, et le paon tourne et ouvre sa queue, le coq chante et la chouette dans la cage tourne sur son axe. La salle du pavillon est située dans le Petit Ermitage et surplombe jardin suspendu Catherine, - il y avait autrefois un véritable jardin avec des buissons, des arbres et même des animaux, partiellement recouvert d'une verrière. Le Petit Ermitage lui-même a été construit sur ordre de Catherine II pour les déjeuners et les soirées dans un cercle intime d'amis - des « ermitages », où même les domestiques n'étaient pas autorisés. La conception de la salle du Pavillon remonte à une période ultérieure, post-Catherine, et est réalisée dans un style éclectique : marbre, cristal, or, mosaïque. Dans la salle, vous pouvez trouver de nombreuses autres expositions extrêmement intéressantes - ce sont d'élégantes tables placées ici et là autour de la salle, incrustées d'émail et de pierres semi-précieuses (nacre, grenat, onyx, lapis-lazuli) et des fontaines de larmes de Bakhchisarai. , situés symétriquement l'un en face de l'autre sur les deux murs. Selon la légende, le Khan de Crimée Girey, pleurant amèrement la mort de sa concubine bien-aimée Dilyara, a ordonné aux artisans de construire des fontaines en souvenir de son chagrin - goutte à goutte, l'eau tombe d'une coquille à l'autre, comme des larmes.

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Complexe muséal principal, Petit Ermitage, étage II, salle 204

Le chemin habituel depuis la salle du trône mène directement à l'horloge avec un paon, qui se trouve immédiatement le long de la galerie avec arts appliqués Moyen Âge à gauche. Mais si vous tournez à droite et marchez un peu, vous pourrez voir une collection très intéressante de peinture hollandaise des XVIe et XVIIe siècles. Voici par exemple un retable de Jean Bellhambe dédié à l'Annonciation. Une fois en possession de l'église, le triptyque est précieux car il est parvenu en pleine forceÀ nos jours. Au centre du triptyque, à côté de l'archange Gabriel, qui a apporté la bonne nouvelle à Marie, est représenté le donateur (client du tableau), ce qui correspond à la peinture hollandaise du XVIe siècle. était une mesure très audacieuse. La partie centrale est construite comme en perspective : le premier plan est occupé par la scène de l'Annonciation, et à l'arrière-plan la Vierge Marie est déjà occupée à ses affaires quotidiennes - cousant des couches en prévision de la naissance d'un bébé. Il convient également de prêter attention à deux portraits de groupe de la corporation (guilde) des tireurs d'Amsterdam réalisés par Dirk Jacobs, ce qui en soi est une rareté pour toute collection de peintures de musée située en dehors des Pays-Bas. Les portraits de groupe constituent un genre pictural particulier, caractéristique spécifiquement de ce pays. Ces peintures ont été peintes à la demande d'associations (par exemple, des tireurs, des médecins, des administrateurs d'institutions caritatives) et, en règle générale, sont restées dans le pays et n'ont pas été exportées au-delà de ses frontières. Il n'y a pas si longtemps, l'Ermitage a accueilli une exposition de portraits de groupe apportés du musée d'Amsterdam, dont deux tableaux de la collection de l'Ermitage.

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Complexe muséal principal, Petit Ermitage, étage II, salle 262

Il existe actuellement dans le monde 14 œuvres du célèbre peintre de la Renaissance Léonard de Vinci. Dans l'Ermitage, il y a deux tableaux de sa paternité incontestable - " Madone Benoît" et "Madonna Litta". Et c'est une immense richesse ! Artiste hors du commun, humaniste, inventeur, architecte, scientifique, écrivain, en un mot, génie, Léonard de Vinci est la pierre angulaire de tout l'art de la Renaissance européenne. C'est lui qui a lancé la tradition de la peinture à l'huile (avant cela, on utilisait de plus en plus de tempera - un mélange de pigments de couleur naturels et de jaune d'œuf), il a également donné naissance à la composition triangulaire du tableau, dans laquelle la Vierge à l'Enfant et les saints et les anges qui les entouraient furent bâtis. Attention également aux six portes de cette salle, marquetées de pièces en métal doré et en écaille de tortue.

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Complexe muséal principal, Grand (Ancien) Ermitage, IIe étage, salle 214

L'escalier principal du Nouvel Ermitage s'élève depuis l'entrée historique du musée depuis la rue Millionnaya, et son porche est décoré de dix atlas en granit gris Serdobol. Les atlas ont été réalisés sous la direction du sculpteur russe Terebenev, d'où le deuxième nom de l'escalier. Il était une fois de ce porche le parcours des premiers visiteurs du musée (jusqu'au milieu des années vingt du siècle dernier). Selon la tradition, pour porter chance et revenir, il faut frotter le talon de l'un des Atlas.

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Complexe muséal principal, Nouvel Ermitage

Vous ne pourrez pas passer par cette salle ; « Le Fils Prodigue » est l’une des dernières et des plus de célèbres tableaux Rembrandt - est indiqué sur tous les plans et guides, et devant lui, comme devant la Joconde parisienne, des foules entières se rassemblent toujours. L'image est éblouissante, et vous ne pouvez la regarder bien qu'avec la tête levée, ou un peu de loin - depuis le palier de l'escalier soviétique (nommé ainsi non pas en l'honneur du pays des Soviétiques, mais en l'honneur Conseil d'État, qui se rassemblait à proximité, dans le hall du premier étage). L'Ermitage possède la deuxième plus grande collection de peintures de Rembrandt, rivalisée seulement par le musée Rembrandt d'Amsterdam. Voici le tristement célèbre "Danaé" (n'oubliez pas de le comparer avec le "Danaé" du Titien - deux grands maîtres interprètent la même intrigue) - dans les années 80, un visiteur du musée a éclaboussé la toile d'acide sulfurique et l'a poignardée à deux reprises. Le tableau a été soigneusement restauré dans les ateliers de l'Ermitage pendant 12 ans. Il y a aussi le magnifique et mystique « Flora », qui représente soi-disant l’épouse de l’artiste, Saskia, dans le rôle de la déesse de la fertilité, ainsi que le tableau moins populaire, donc presque intime, « Les adieux de David à Jonathan ». Il représente les adieux du jeune commandant David et de son fidèle ami Jonathan, le fils de l'envieux roi Saül. Les hommes disent au revoir à la pierre Azel, qui signifie « séparation ». L'intrigue est tirée de L'Ancien Testament, et avant Rembrandt, il n'y avait pas de tradition de représentation iconographique de scènes de l'Ancien Testament. Le tableau, rempli d’une tristesse subtile et légère, a été peint après la mort de l’épouse bien-aimée de Rembrandt et reflète ses adieux à Saskia.

Littéralement ce week-end, une exposition du même nom se clôturera au Musée national des beaux-arts Pouchkine de la capitale, mais le jour d'ouverture de Saint-Pétersbourg sera complètement différent : la collection de peintures hollandaises de l'Américain Thomas Kaplan sera complétée par des toiles stockées dans le plus grand musée de la capitale du Nord. "Nos chefs-d'œuvre entreront en résonance avec les expositions individuelles de la collection ou les continueront, et l'exposition recevra un nouveau contexte", souligne Irina Sokolova, spécialiste en chef de l'art néerlandais à l'Ermitage.

Le musée lui-même qualifie le projet à venir de continuation de l'exposition « Les maîtres hollandais de l'Ermitage », qui s'est tenue à Amsterdam avec un grand succès. Ensuite, plus de 60 peintures ont été amenées de Saint-Pétersbourg dans leur patrie historique, mais cette fois, le musée, malgré le fait que sa collection de peintures hollandaises soit la plus grande en dehors des Pays-Bas, n'en montrera pas plus d'une douzaine - la collection de Leiden elle-même. viendra au premier plan (il doit son nom à la ville où est né Rembrandt). Les habitants de Saint-Pétersbourg verront 80 chefs-d'œuvre de cette collection et, en seulement 15 ans, le couple Kaplan a réussi à rassembler environ 250 pièces de toutes pièces.

Les professionnels des musées qualifient cela d'impossible : les œuvres de Rembrandt et de ses contemporains - Frans Hals et Johannes Vermeer, Ferdinand Bohl et Govert Flinck - n'apparaissent pratiquement pas aux enchères et ont longtemps été réparties entre de grands dépôts d'art.

L'Ermitage a été l'un des premiers à exposer des collections privées, et cette collection est également privée, mais elle est entièrement muséale. Pour moi, cette exposition sera une confrontation entre cadres noirs et dorés - Kaplan a tous ses tableaux en noir, et nous exposerons les nôtres dans des cadres dorés. Premièrement, c'est un symbole de cette époque, et deuxièmement, cela indiquera immédiatement où se trouve la collection », a déclaré Mikhaïl Piotrovsky, directeur de l'Ermitage.

Une autre caractéristique de l'exposition sera les légendes de chacune des peintures - pas seulement des étiquettes avec des noms, mais de véritables histoires courtes sur chacun d'eux, préparé par des spécialistes du musée de Saint-Pétersbourg. Sur les mêmes plaques seront placées des reproductions de chefs-d'œuvre hollandais de la collection de l'Ermitage, qui ne seront pas présentés « en direct » lors de l'exposition, mais auront grande importance comprendre le phénomène de l'école d'art de Leyde.

Et elle était également connue pour être un maître de la belle peinture. Ces petites œuvres, peintes sur bois ou sur cuivre, seront également exposées dans la salle Nicolas du Palais d'Hiver. Dans les peintures, outre les compositions historiques, il y a des portraits et scènes de genre, et aussi des images d'animaux. "La belle peinture a toujours été un sujet d'admiration pour les collectionneurs", explique Irina Sokolova. "Et cette virtuosité fait vraiment impression. Catherine la Grande a acheté à une époque des dizaines de belles peintures."

La peinture hollandaise de la collection du palais de Pavlovsk représente l'une de ses principales composantes et occupe une place importante tant dans la composition que dans la qualité des peintures. La collection comprend plus de 80 œuvres.

Une particularité de la collection est que le paysage est mieux représenté que d’autres genres et que le paysage dit « italianisant ». Cette direction est née et s'est développée grâce à Artistes néerlandais qui ont visité l'Italie. Images d’une nature lumineuse et luxuriante pays du sud a servi d'impulsion à la création d'œuvres complètement différentes du paysage « national ». Un exemple de la première étape de développement du paysage « italianisant », dit « arcadien », est le tableau de B. Brenberg « Tobius et l'Ange ». Bartholomeus Brenberg (1599/1600-1657) et les maîtres qui l'entouraient, travaillant en Italie dans les années 1620, créèrent des images d'un paysage italien conventionnel, le peuplant toujours de personnages mythologiques ou bibliques. Le genre du paysage italianisant atteint son apogée au milieu du XVIIe siècle dans l’œuvre de Jan Both (1610-1652). Pavlovsk possède deux œuvres emblématiques de ce maître - les peintures "Paysage italien" et "Vue du Pont Lucano près de Rome". L'artiste reproduit non seulement avec la plus grande authenticité des coins spécifiques du paysage italien, mais s'efforce également de transmettre l'état d'une certaine heure de la journée avec sa lumière solaire caractéristique. Un contemporain plus jeune de J. Both était Adrian van Emont (c.1627-1662), propriétaire du « Paysage du Sud », caractérisé par l'effet de l'éclairage solaire : la lueur dorée du soleil couchant crée une charmante image d'un Italien tranquille. soirée.

Dans l'art néerlandais milieu du XVIIe siècle siècle, les images de domaines ruraux et de parcs sont devenues à la mode. Il s'agit du « Paysage du Parc » de Frédéric de Moucheron (1633-1686), où en arrière-plan mur de pierre Mesdames et messieurs étaient assis avec des vases décoratifs. Le fils de Moucheron, Isaac Moucheron, s'est également spécialisé dans le genre des paysages de parc et était quelque peu inférieur à son père en termes de compétences en peinture. La collection du musée comprend trois de ses paysages de parc.

Un trait caractéristique de l'art néerlandais est la spécialisation étroite des maîtres dans un genre ou un autre. Parmi les peintres paysagistes « italiens », il y avait des artistes qui préféraient peindre les ports du sud, comme Thomas Wake (vers 1616-1677). Son « Port italien » dans la collection du musée étonne par l’éclat de ses couleurs et la facilité de représentation d’une foule bondée sur le quai. Un autre maître, Karel Dujardin (vers 1622-1678), préférait l'image de bergers et de bergères avec du bétail près d'un abreuvoir - « Point d'eau ». En plus période tardive développement du paysage Italianisant, au tournant des XVIIe et XVIIIe siècles, les maîtres ont commencé à développer un désir de paysages composés. Ce sont d'innombrables « ports du sud » avec une architecture de jetées inventée, avec de magnifiques voiliers et des bâtons colorés, ou des « paysages italiens » avec les fragments obligatoires d'antiquités anciennes. « Paysage avec une fontaine » et « Port maritime » de Jan Griffir l'Ancien (1645-1718) appartiennent à ce type d'œuvres. Ils sont magnifiquement exécutés et présentent des effets décoratifs expressifs.

Dans la seconde moitié du XVIIe siècle, les maîtres hollandais atteignirent grand succès dans le développement du genre du paysage urbain. Un des maîtres exceptionnels La personne qui y travaillait était Gerrit Adriens Berkheide (1638-1698). La « Foire aux chevaux » de la collection du musée est signée et datée 1682, soit fait référence à la période de maturité de son œuvre. La rue reproduite sur la photo est si typique de la Hollande qu'il est difficilement possible de parler d'un endroit précis. La majorité des maîtres néerlandais qui ont travaillé dans le genre des paysages urbains se caractérisent par le caractère concret de l'image. L'auteur de "Place du Marché" Ludolf de Jong (1616-1679) a représenté le développement urbain ordinaire, mais a placé à gauche la statue d'Érasme de Rotterdam, installée sur la Grande Place du Marché de Rotterdam en 1622. D'après les quelques échantillons Nature morte hollandaise Dans la collection du musée, il convient de noter deux tableaux couplés d'Otto Marceus van Scrieck (1620-1678) : « Serpent attaquant un lézard » et « Serpent attaquant un Gopher ». Ils représentent un type unique de nature morte qui a eu lieu, peut-être, uniquement dans art allemand- c'est une image d'insectes et de reptiles dans leur environnement naturel. Appliqué à œuvres similaires Le concept le plus correct n'est pas « nature morte », mais « nature morte ». une vie tranquille"(toujours animé). Les contemporains de Van Skriek témoignent que l'artiste possédait sa propre pépinière près d'Amsterdam avec diverses créatures vivantes, où il observait la vie des animaux.

Nettement plus faible par rapport à peinture de paysage, le genre hollandais et ce qu'on appelle peinture d'histoire. Le premier comprend le tableau « Le Fumeur », attribué à Willem Cornelis Deuster (vers 1599-1635). Position intermédiaire entre portrait et peinture de genre occupé par le tableau « Le garçon à l’oiseau », exécuté dans les années 1630 par l’un des éminents élèves de Rembrandt, Jacob Adriens Bakker (1608-1651). Cheveux luxuriants L'enfant est orné d'un collier de perles et ses oreilles sont ornées de boucles d'oreilles. Le portrait « pur » comprend une œuvre attribuée à Cornelis van Wort (1576-1624). Image générationnelle un jeune homme dans des vêtements sombres modestes avec un col plat luxuriant est caractéristique de stade précoce développement genre de portrait en Hollande. Grâce à l'inscription dans le coin supérieur droit du tableau, on sait que le portrait a été peint en 1622. La principale exigence qui s’imposait à l’artiste à cette époque était la plus grande authenticité. Par conséquent, l’attention principale a été accordée aux caractéristiques individuelles du visage, qui ont été représentées fidèlement, sans fioritures. Une œuvre unique du néerlandais genre historique est le tableau « Saint François Xavier parmi les malades » de Jan de Bray (1627-1697). Le tableau représente un véritable personnage historique - François Xavier, qui vécut dans la première moitié du XVIe siècle et fut le plus proche allié d'Ignace de Loyola, le fondateur de l'ordre des Jésuites. Pour le travail missionnaire en Inde et Extrême Orient il fut canonisé en 1622. Selon la légende, le saint avait le don de guérir.

(1842 - 1851, architectes Leo von Klenze, V. P. Stasov, N. E. Efimov)
* Théâtre de l'Ermitage (1783 - 1787, architecte G. Quarenghi)

Vue depuis la Neva de l'ensemble des bâtiments de l'Ermitage : de gauche à droite le Théâtre de l'Ermitage - le Bolchoï (Ancien) Ermitage - le Petit Ermitage - le Palais d'Hiver ; ( Nouvel Ermitage situé derrière le Bolchoï)

Salle des Arts des Flandres

Dans cette salle du Nouvel Ermitage impérial ont été placées des peintures de l’école russe. Aujourd'hui, l'exposition présente des œuvres flamandes artistes XVII V. Parmi ceux stockés dans Etat de l'Ermitage dix œuvres de Jacob Jordaens, l'un des plus remarquables meilleures options peintures "Fête du Roi Haricot", ainsi que "Portrait de famille allégorique" et "Portrait d'un vieil homme". La salle expose également des tableaux de maîtres de la peinture animalière et des natures mortes : « boutiques » de Frans Snyders, « chasses » de Paul de Vos, natures mortes de Jan Veit.

Jacob Jordaens.Autoportrait avec parents, frères et sœurs

Jacob Jordaens. Le roi des haricots.

Jacob Jordaens Portrait de famille allégorique.

Frans Snyders - Stand de fruits

Frans Snyders - Magasin de légumes

Ian Faith - Lièvre, fruit et perroquet

Jan Faith - Nature morte avec fleurs, fruits et perroquet

Eduard Petrovich Gau - Types de salles du Nouvel Ermitage. Salle Ecoles flamandes s

Salle Rubens.

Selon le projet de Leo von Klenze, cette salle du Nouvel Ermitage était consacrée à l'exposition de peinture hollandaise et flamande. De nos jours, les œuvres des grands artiste flamand Pierre Paul Rubens (1577-1640).
La collection de ses œuvres, comprenant 22 peintures et 19 croquis, couvre toutes les périodes de l’œuvre de l’artiste.
Les chefs-d’œuvre de la collection comprennent « Persée et Andromède », « Bacchus », « Portrait de la femme de chambre de l’infante Isabelle ». Parmi les plus de célèbres tableaux- « L'Union de la Terre et de l'Eau », « La Descente de Croix », « Porteurs de Pierres ».

Rubens, Peter Paul - L'amour d'une femme romaine.

Persée et Andromède - 1621

Bacchus - 1638 - 1640

Portrait de la servante de l'infante Isabelle

Union de la Terre et de l'Eau

Descente de croix

Porteurs de pierres.

Salle Rembrandt

Selon le projet de Leo von Klenze, cette salle du Nouvel Ermitage a été attribuée aux écoles de peinture française et flamande. Ceci explique l'inclusion de médaillons avec des portraits dans le décor décoratif de la voûte. artistes exceptionnels ces pays. La salle abrite une collection unique de peintures de Rembrandt Harmens van Rijn (1606-1669). La collection Hermitage de Rembrandt, qui comprend 23 œuvres, présente des œuvres anciennes et tardives du maître. Parmi eux figurent « Flore », « La Descente de croix », « Le sacrifice d'Abraham », « Danaé », « Les adieux de David à Jonathan », « La Sainte Famille », « Portrait d'un vieil homme en rouge », « Le retour du fils prodigue ».

Rembrandt Harmens van Rijn - Portrait de Barthier Martens Domer.

Rembrandt Harmens van Rijn - La Sainte Famille.

Rembrandt Harmens van Rijn - Flore.

Rembrandt Harmens van Rijn - Descente de croix

Rembrandt Harmens van Rijn - Sacrifice d'Abraham

Rembrandt Harmens van Rijn - Danaé

Rembrandt Harmens van Rijn - Le retour du fils prodigue

Eduard Petrovich Gau - Types de salles du Nouvel Ermitage. Salle des Ecoles Néerlandaise et Flamande

Salle des tentes

La salle des tentes, qui doit son nom à son toit à pignon unique, est l'une des plus grandes du Nouvel Ermitage. Des motifs antiques sont utilisés dans la peinture décorative de l'intérieur ; des acrotères sculpturaux couronnent les frontons des fenêtres. Aujourd'hui comme au XIXe siècle, la salle abrite des peintures des écoles hollandaise et flamande. L'Ermitage possède l'une des meilleures collections de peintures de ces écoles au monde, comptant plus de 1000 toiles. Dans l'exposition, vous pouvez voir des œuvres telles artistes célèbres XVIIe siècle, comme Jacob Ruisdael, Pieter Claes, Willem Kalf et Willem Heda, des peintures du genre quotidien de Jan Steen, Pieter de Hooch, ainsi que deux portraits réalisés par Frans Hals.

Johannes Cornelisz. Verspronck - Portrait d'une femme

Frans Hals - Portrait d'un jeune homme avec un gant à la main.

Frans Hals- Portrait d'un homme.

Jacob Isaacs van Ruisdael - Marais

Jacob Isaacs van Ruisdael - Cascade en Norvège

Pieter Claes - Petit-déjeuner avec du jambon

Vilem Claes Heda - Petit-déjeuner au crabe

Jan Steen - Contrat de mariage

Pieter de Hooch - La Pucelle et le Soldat.

Pieter de Hooch - Maîtresse et servante

Luigi Premazzi. Types de salles du Nouvel Ermitage. Salle des écoles hollandaise et flamande 1858

Salle d'école russe

"Le Vésuve a ouvert la bouche - de la fumée s'est déversée dans un nuage - des flammes
Largement développé comme drapeau de bataille.
La terre est agitée - des colonnes tremblantes
Les idoles tombent ! Un peuple animé par la peur
Sous la pluie de pierres, sous les cendres enflammées,
Des foules de jeunes et de vieux quittent la ville en courant. »

Ces lignes inspirées d'A.S. dédié à Pouchkine peinture célèbre Karl Bryullova "Le dernier jour de Pompéi". En 1834, le tableau arrive à Saint-Pétersbourg et est exposé à l'Académie des Arts, provoquant un grand plaisir auprès du public. En 1851 œuvres monumentales Bryullova (« Le Dernier Jour de Pompéi ») et Bruni (« Le Serpent de cuivre ») sont entrés dans l'Ermitage « pour renforcer la galerie russe ». russe école académique La salle présentait également des œuvres de Kiprensky (« Portrait de Bertel Thorvaldsen »), Reutern (« Abraham sacrifie Isaac »), A.A. Ivanov (« L'Apparition du Christ à Marie-Madeleine ») et A.I. Ivanov (« L'exploit d'un jeune citoyen de Kiev lors du siège de Kiev par les Pechenegs en 968 »).

K. Bryullov - Le dernier jour de Pompéi

Bruni - Serpent de cuivre

Kiprensky Orest Adamovich (1782-1836) - Portrait du sculpteur danois Bertel Thorvaldsen. 1831

Reitern - Abraham sacrifie Isaac

Les AA Ivanov - L'apparition du Christ à Marie-Madeleine

L'antichambre, ou « couloir » de façade, était à l'origine destinée à un cycle de peintures monumentales dédiées à l'histoire. État russe. Cette idée rappelle les peintures du plafond représentant un aigle à deux têtes et des figures allégoriques symbolisant les villes russes. Il a ensuite été décidé de consacrer la peinture des murs de la salle à l'histoire de l'art russe, ce qui était logiquement lié au thème de la Galerie d'Histoire. peinture ancienne.
Des portraits en bas-relief d'artistes, sculpteurs et architectes russes ont été placés dans la frise de la salle. A l'ouverture du musée, il y avait des peintures de Russes dans la salle artistes du XIX dans.: "Environs de Bakhchisarai" A.E. Martynov, « Un paysan mettant des souliers de liber » d'A.G. Venetsianova, « Cascade d'Imatra en Finlande » F.M. Matveeva, « La Neuvième Vague » d'I.K. Aivazovsky, « Vue du Grand Canal à Venise » d'A.N. Mordvinova, « Vue intérieure de l'église du Calvaire » M.N. Vorobyova.

E.P. Gau. Types de salles du Nouvel Ermitage. Salle d'école russe

Paysan mettant des chaussures en liber A.G. Venetsianov

Chutes d'Imatra en Finlande F.M. Matveev

La Neuvième Vague - Aivazovsky Ivan Konstantinovich.

Vue du Grand Canal à Venise A.N. Mordvinov

M. Vorobyov, Vue intérieure de l'église du Calvaire à Jérusalem, 1824

Salle Van Dyck

Au moment de l'ouverture du musée, le hall d'entrée du Nouvel Ermitage était consacré à des peintures d'artistes russes du XIXe siècle. La décoration intérieure comprend des portraits en bas-relief d'artistes, sculpteurs et architectes russes. Aujourd'hui, l'exposition présente des œuvres d'Anthony Van Dyck (1599-1641), le célèbre artiste flamand, dont la collection de peintures à l'Ermitage comprend 24 œuvres. La collection comprend tous les types de portraits - le genre grâce auquel le maître a reçu reconnaissance mondiale: chambre, intime, cérémonial, coutume. "Portrait d'homme" et "Autoportrait" comptent parmi les chefs-d'œuvre du musée.

E.P. Gau. Types de salles du Nouvel Ermitage. Salle d'école russe

Anthony Van Dyck - Autoportrait

Anthony Van Dyck - Portrait de Sir Thomas Chaloner

Anthony Van Dyck - Portrait de famille.

Anthony Van Dyck - Portrait d'une jeune femme avec un enfant

Anthony Van Dyck - Portrait d'Elizabeth et Philadelphie Wharton

Anthony Van Dyck - Portrait de Nicolas Rocox

Anthony Van Dyck - Portrait de William Laud

Anthony Van Dyck - Apôtre Pierre

Van Dyck, Anthony - Repos pendant la fuite vers l'Egypte

Peinture anglaise

La collection de peinture anglaise de l'Ermitage du XVIe au XIXe siècle est une collection unique en son genre, d'autant plus que les œuvres d'artistes britanniques sont extrêmement rares dans les musées d'Europe continentale. La collection est petite - environ 450 tableaux, mais très intéressante.

Gainsborough, Thomas - Portrait d'une dame en bleu

Neller, Godfrey - Portrait de Gibbons souriants

Kneller, Godfrey - Portrait de John Locke

Dobson, William - Portrait d'Abraham van der Dort

Romney, George - Portrait de Mme H. Grier

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Reynolds, Joshua - Cupidon dénoue la ceinture de Vénus

West, Benjamin - Portrait de George, prince de Galles et du prince Frederick, futur duc d'York

West, Benjamin - Vénus console Cupidon piqué par une abeille

Reynolds, Joshua - Tempérance de Scipion l'Africain

Lawrence, Thomas - Portrait de S. R. Vorontsov

Wootton, John - Chiens et pies

Peinture française

L'Ermitage possède une magnifique collection de peintures du XVe au XVIIIe siècle. Il en comprend quelques-uns mais œuvres caractéristiques XVe-XVIe siècles, parmi lesquels se distinguent des œuvres du genre portrait, dont des œuvres de Pierre Dumoustier. Peinture France XVII siècle se révèle dans son intégralité, permettant de retracer la formation et l'approbation des grandes orientations école française cette période. Diverses destinations dans art XVII les siècles représentent les œuvres de grands maîtres.