Искусство XVII I века. Рококо (рокайль, стиль Людовика XV ).
XVIII в называют веком Просвещения, Галантным веком. Развитие европейского искусства XVIII в. сложно и неравномерно. В лишенной национального единства Италии наивысшие достижения связаны с венецианской школой. Во Франции прослеживается эволюция от рококо (с 1720 г.) к искусству программно-гражданского характера. В искусстве, и особенно в литературе Англии уже зарождаются характерные черты реализма развитого буржуазного общества. Молодой Гойя в Испании всем своим творчеством подготовил романтизм нового столетия. В искусстве XVIII в. проявляется в собственном смысле частное явление, единичный человек, обособленный угол природы, но, как правило, они выступают в соединении с миром фантазии, в театральной игре, на сценических подмостках. Лишь XIX в. осмелился вывести частное, единичное, обособленное как значительное само по себе, не нуждающееся в контурах.
Мощную пространственную динамику, пластическую игру форм барокко сменяет стиль, который как бы переводит криволинейное построение барокко в новый регистр. Оставляя без внимания фасады, рококо разыгрывает на стенах и потолках интерьеров орнаментальные симфонии, сплетает кружевные узоры, достигая в этом виртуозности, изящества, блеска, но полностью утрачивая барочную монументальность, основательность и силу. Рококо – первый безордерный стиль. Рококо не имеет своей позитивной философии и сфера его действия ограничена. Наибольшее развитие стиль достиг в области прикладного искусства. В других сферах он проявляется сильнее всего там, где художнику приходится решать прежде всего декоративно-оформительские задачи: в архитектуре – не в конструкции здания, а в планировке и оформлении интерьера; в живописи – не в станковой картине, а в декоративных панно и росписях.
Искусство рококо – улыбающееся, меланхолическое искусство. Для него характерна вычурная с инкрустацией мебель в интерьерах, декоративные панно, зеркала, дробные формы, орнамент сложный, построенный на изогнутых линиях. Ассиметричные композиции создают ощущение беспокойства – игривое, насмешливое, вычурное, дразнящее чувство. Сюжеты картин и росписей – любовные, эротические. Героини картин – нимфы, вакханки, Дианы, Венеры, совершающие свои туалеты и триумфы. Это “пастушеские сценки”, “галантные празднества”. В это время появляется интерес к тонким, интимным переживаниям, это шаг к сентиментализму.
Для стиля рококо не характерно использования ордера в декоре. При этом интерьеры декорируются панно, зеркалами. Плафонные розетки украшаются орнаментом (мотивы акантового листа, раковины, морской волны, трельяжной сетки). Иногда в орнаменте используются китайские мотивы. Конструктивная логика, четкое соотношение несущих и несомых частей, говорившее о строгих законах бытия, о героике долга, уступило место прихотливым плетениям орнамента, маскирующим истинные размеры и конфигурацию интерьера, границы стен и потолка. Небольшие комнаты, сохраняя уютность, не кажутся тесными, поскольку архитектура и живопись содают своего рода играющее пространство, пределы которого не ощутимы. Оно тает в зеркалах, огромных окнах и панно, многократно отражается, преломляется в живописных изображениях. Орнамент образует как бы сквозную форму, обволакивая карнизы, зеркала и окна, разделяя и одновременно соединяя реальное и воображаемое пространство. С этим связан и излюбленный колористический эффект: цвет декоративен, он лежит на плоскости холста или стены, украшает ее, одновременно обозначает бесконечную, неопределенную глубину, туманную даль. Колористическоя гамма состоит из забеленных, приглушенных тонов: жемчужно-серого (гри де перль), голубоватого (перванш), цвета крабового мяса (сомон), бледно-охристого (беж) и других. Новый стиль стал стилем небогатых домов.
В XVIII в. особое развитие получил театр. Ощущение мимолетности, призрачности жизни овладевает человеком.
Частная жизнь, интимные чувства, человеческие эмоции противопоставляются холодной официальности, фальшивой торжественности. В Англии возникает синтетический тип портрета взявший от парадных портретов выражение общественной ценности человека, а от интимных – интерес к его индивидуальному бытию.
В пейзажной живописи получает развитие “пейзаж настроения”, игравший значительную роль у Ватто, а затем у Гейнсборо и Гварди.
Развитие классицизма связано с именем немецкого эстетика Иоганна Иоахима Вингельмана. Статья «Мысли по поводу подражания греческим произведениям в живописи и скульптуре» 1755 г. подняла на уровень программы классические тенденции. Появились понятия «строгого вкуса», «вкуса к идеальному». Вингельман в это время написал первый учебник по истории искусств «История искусств древности». Он содействовал эволюционному движению в направлении осознания явлений искусства.
Классицизм XVIII в. воспринимается как «облегченный» классицизм предшествующего столетия. В нем больше археологической точности, чем в пердшественнике, больше изящества, выдумки, разнообразия. Но также чувствуется недостаток весомости и силы. Классицизм XVIII в. отбрасывает античные классические нормы.
Зодчество Германии XVIII в. развивается в рамках классицизма. Бранденбурнские ворота (1781-1791) архитектора К. Лангансена напоминают Пропилеи Афинского Акрополя.
В сфере внимания находятся страны: Италия, Франция, Англия, Испания.
Рококо́ («причудливый», «капризный»; франц. rococo от rocaille - осколки камней, раковины) - стилевое направление, господствовавшее в европейском искусстве в течение первых трех четвертей 18 в; представлял собой не столько самостоятельное художественное явление, сколько фазу, определенный этап общеевропейского стиля барокко . Термин «рококо» возник во Франции в конце 18 в., в эпоху расцвета классицизма , как презрительная кличка для всего манерного и вычурного искусства 18 в.: изогнутая, капризная линия, напоминающая очертания раковины, - его главный признак. Искусство рококо - это мир вымысла и интимных переживаний, декоративной театральности, изысканности, изощренной утонченности, в нем нет места героизму и пафосу - они сменяются игрою в любовь, фантазией, прелестными безделушками. Тяжелой и патетической торжественности барокко приходит на смену камерная хрупкая декоративность. Лозунгом краткого, недолговечного «века» рококо становится «искусство как наслаждение», цель которого - возбуждать легкие, приятные эмоции, развлекать, ласкать глаз причудливым узором линий, изысканными сочетаниями светлых нарядных красок, что особенно выразилось в архитектурном убранстве интерьеров, с новыми требованиями которого сообразовалась и живопись рококо.
Самой распространенной формой живописного произведения стало декоративное панно, большей частью овальной, круглой или причудливо-изогнутой формы; в основе композиции и рисунка лежит мягко изгибающаяся линия, которая придает произведению обязательную для этого стиля вычурность и нарядность. В своих колористических исканиях рокайльные мастера шли от Рубенса , Веронезе и венецианцев , но предпочитали не их насыщенные, сочные цвета, но бледные полутона: красный становится розовым, синий - голубым, появляются лимонно-желтые, блекло-голубые, розовые, сиреневые цвета, даже вымышленные - вроде «цвета бедра испуганной нимфы». Одним из основоположников стиля «рококо» был талантливый Антуан Ватто , давший наиболее совершенное воплощение принципам этого стиля. Эмоциональность и меланхолическая мечтательность придают характерам образов Ватто особую утонченность, которой уже не достигают непосредственные последователи мастера, превратившие его мотивы и манеру в изысканную и поверхностную моду (Ланкре , Патер, Кийар).
Крупнейшим мастером собственно рокайльного искусства стал ученик Франсуа Лемуана Франсуа Буше , мастер занимательных любовных сюжетов, великолепный колорист и рисовальщик. Живопись Буше диктовала законы целой плеяде мастеров (Натуар, братья Ванло, Антуан Куапель и др.) и это влияние продержалось во Франции вплоть до Революции 1789 . Среди значительных мастеров рококо были художники самого разного дарования, обращавшиеся к самым разным жанрам живописи: Ж. М. Наттье, Друэ, Токке, Луи-Мишель Ванло, Латур, Перроно . Последним крупным живописцем рококо был Жан Оноре Фрагонар , тонкий портретист и пейзажист, как и Ватто, не вписывающийся в рамки просто модного стиля.
Скульптура рококо менее значительна и своеобразна, чем живопись. Большое распространение в искусстве рококо и всего 18 века получили портретные бюсты и маленькие скульптурные группы или статуи купальщиц, нимф, амуров, их ставили в парке, украшали ими беседки, салоны, купальни. Крупнейшие скульпторы рококо: Ж. Б. Лемуан , Пигаль , Пажу, Фальконе , Клодион .
Для архитектуры рококо характерно то, что главное внимание зодчего сосредоточивалось на интерьере. Во Франции в трактовке фасада продолжал господствовать классицизм 17 в. Только ряд незначительных изменений смягчал строгость архитектурного образа. Скульптурная деталь, применяемая для украшения фасада, делается более выпуклой, приобретает самодовлеющее значение, не подчиняясь больше основным архитектурным линиям. Плоские пилястры большого ордера заменяются выпуклыми полуколоннами, придающими стене более живописный вид. Планы зданий рококо большей частью асимметричны и строятся часто на круглых, овальных и восьмиугольных комнатах; резкий прямой угол избегается даже между стеной и потолком, а линия соединения маскируется рельефным орнаментом, неподвижная плоскость стены дробится, углубляется, комнаты тем самым получают еще более нарядную причудливую форму. Стены окрашиваются в светлые, воздушные тона и украшаются живописными панно, резными панелями, зеркалами в вычурных золоченых рамах. Крупнейшие французские зодчие рококо: Робер Декотт, Габриэль, Боффран, Оппенор, Дельмер, Мейссонье.
Франция явилась законодательницей эстетики рококо; европейские страны были неравномерно захвачены этим веянием. Наибольшее распространение рококо получило в Германии, особенно в Пруссии при дворе Фридриха II . Архитектор Кнобельсдорф создал в Потсдаме один из наиболее прославленных рокайльных ансамблей (Сан-Суси). Крупнейшие представители рококо в Германии - архитекторы Бальтасар Нейман и Кнобельсдорф, живописцы Цик, Маульберч, Дитрих, скульптор Доннер . В России рококо развивалось под непосредственным влиянием приезжих французских и немецких мастеров (Токке, Рослин , Фальконе); под сильным этим влиянием в России выдвинулись такие мастера, как Растрелли (в малых архитектурных формах),
Стиль в искусстве (в основном, в дизайне интерьеров), возникший во Франции в первой половине XVIII в.(по разным источникам – до конца века, приблезительно около столетия и тд., точной даты окончания нет) как развитие стиля барокко. Иногда стиль Рококо определяют как последнюю, кризисную фазу развития Барокко. И Рококо, и Барокко насыщены и декоративны, но если барочная пышность напряжена, динамична, то рокайльная – нежная и расслаблена. В целом французское Рококо более связано с формами стиля Регенства начала XVIII столетия.
Рококо сразу возник как камерный стиль аристократических гостиных и будуаров, оформления интерьера, декоративного и прикладного искусства и практически не нашел отражения в архитектурном экстерьере. Рококо – оригинальное явление, не имеющие прототипов в истории искусства. В этот период продолжается усиливаться восточное, и, прежде всего китайское влияние – т.н. стиль шинуазри . Изящные по формам, украшенные тонким, изысканным декором художественные изделия китайских мастеров отлично гармонировали со стилем, процветавшим при европейских дворах.
Орнамент – главный выразитель данной эпохи, имел 2 формы развития:1)тенденция к натурализации (декор в виде мелких цветных гирлянд с купидонами, ленточками), 2) основное – абстрагирование, асимметричность как элементов декора, так и самой композиции. Всё сводится к рокайлю, он заменил мотив волюты (барокко). Отразил внутреннюю опустошенность духовного мира европейского дворянского общества.
Характерными чертами рококо являются изысканность, большая декоративная нагруженность интерьеров и композиций, грациозный орнаментальный ритм, большое внимание к мифологии, личному комфорту. Наивысшее развитие в архитектуре стиль получил в Баварии.
Фарфор как материал с его белоснежной поверхностью и тонкой, миниатюрной росписью был одним из главных художественных открытий эпохи Рококо.
Стиль рококо впервые воздвиг комфорт и удобство интерьера в ранг искусства. Распространяясь по Европе, стиль рококо обрел местные характерные черты в каждой из стран. Во Франции, при всей пышности убранства, стиль рококо сохранил черты тонкого благородства. В интерьерах Германии большее распространение получила лакированная красочная мебель, рассчитанная на менее изощренный вкус. В Австрии стиль рококо выразил себя в спокойных, по-домашнему уютных формах. Голландскую мебель рококо отличает простота и лаконичность линий. Своеобразие английскому рококо придают примеси из готических и китайских элементов.
Архитектура
В целом : Стиль не нашёл яркого выражения в арх, а более проник в интерьер. Архитектура рококо стремится быть лёгкой, приветливой, избегает строгой симметричности, без конца варьирует расчленения и орнаментальные детали и не скупится расточать последние. В созданиях этой архитектуры прямые линии и плоские поверхности почти исчезают или, по крайней мере, замаскировываются фигурной отделкой; не проводится в чистом виде ни один из установленных ордеров; колонны то удлиняются, то укорачиваются и скручиваются винтообразно; их капители искажаются кокетливыми изменениями и прибавками, карнизы помещаются над карнизами; высокие пилястры и огромные кариатиды подпирают ничтожные выступы с сильно выдающимся вперёд карнизом; крыши опоясываются по краю балюстрадами с флаконовидными балясинами и с помещёнными на некотором расстоянии друг от друга постаментами, на которых расставлены вазы или статуи; фронтоны, представляя ломающиеся выпуклые и впалые линии, увенчиваются также вазами, пирамидами, скульптурными фигурами, трофеями и другими подобными предметами. Всюду, в обрамлении окон, дверей, стенных пространств внутри здания, в плафонах, пускается в ход затейливая лепная орнаментация, состоящая из завитков, отдалённо напоминающих собой листья растений, выпуклых щитов, неправильно окруженных такими же завитками, из масок, цветочных гирлянд и фестонов, раковин, необделанных камней (рокайль) и т. п.
Конкретно :В особняках и отелях крупнейших французских зодчих рококо: Робера Декотта, Габриэля, Боффрана, Оппенора, Дельмера, Мейссонье, они часто отступали от логической ясности и рационального подчинения частей целому. Скульптурная деталь, применяемая для украшения фасада, делается более выпуклой, приобретает самодовлеющее значение, не подчиняясь больше основным архитектурным линиям. Плоские пилястры большого ордера заменяются выпуклыми полуколоннами, придающими стене более живописный вид.
Ярким образцом рококо принято считать отель Субиз в Париже по проекту Пьера Алексиса Дельмера (1675-1745). По своему экстерьеру отель строг, классицистичен, лишь некоторые конструктивные элементы: выпуклые скульптурные детали и полуколонны, украшающие фасад здания. Но следует отметить, что для архитектуры рококо во Франции характерно то, что главное внимание зодчего сосредоточивалось не на экстерьере, а на интерьере, поэтому основные изменения коснулись, прежде всего, внутренней планировки зданий.
Гораздо более яркий, полномасштабный пример расцвета рокайльного искусства в архитектуре даёт нам Германия (крупнейшими представителями рококо здесь являются архитекторы Бальтасар Нейман и Кнобельсдорф), причем, прежде всего в сферах, не востребованных французской традицией. Именно в Германии сформировались такие уникальные явления, как летняя увеселительная резиденция и церковная архитектура рококо - области, не получившие никакого распространения во Франции, хотя именно в них все формальные характеристики и эстетические возможности стиля проявили себя особенно убедительно и исчерпывающе. Наконец, германский регион на сегодняшний день сохраняет наибольшее количество памятников рококо, дающих наиболее последовательное и полное представление об этом искусстве.
Наиболее удачный пример немецкого рококо - королевская резиденция Сан-Суси, построенная архитектором Венцелаусом Кнобельсдорфом (1699-1753) в пригороде Берлина Потсдаме для короля Пруссии Фридриха II.
Другой значительный памятник эпохи - дворец Амалиенбург близ Мюнхена (Бавария), выстроенный приехавшим из Франции архитектором Франсуа Кювилье (1695-1768), - еще более скромен по своим размерам, чем резиденция прусского короля. Это маленькое строение представляет собой образец строгого и сдержанного французского вкуса.
Строительная деятельность в прочих странах значительно отстает от Франции и Германии.
Скульптура
Большое распространение в искусстве рококо и всего 18 века получили портретные бюсты и маленькие скульптурные группы или статуи купальщиц, нимф, амуров, их ставили в парке, украшали ими беседки, салоны, купальни. Крупнейшие скульпторы рококо: Ж. Б. Лемуан, Пегаль, Пажу, Фальконе, Клодион. В скульптуре рококо преобладали предназначенные для украшения интерьеров рельефы и статуи, небольшие статуэтки, в том числе из терракоты и фарфора (изделия И.И. Кендлера). Прихотливое изящество отделки, частое заимствование экзотических декоративных мотивов китайского искусства, виртуозное выявление выразительных возможностей материала присущи рокайльному декоративно-прикладному искусству.
Крупнейшие скульпторы эпохи рококо: Ж.Б. Лемуан, Пигаль, Пажу, Фальконе, Клодион, Гудон.
Скульптура рококо - это пластика малых форм, камерная по содержанию, в которой привлекают интимная прелесть образов и изящество их решения. Эти черты отличают и лукаво-шаловливого “Амура” Этьен-Мориса Фальконе (1716-1791)и группу “Амуры, борющиеся за сердце”, исполненную Жан-Батистом Пигалем (1714-1785): Очарование последней - в забавном сюжете, в прихотливой игре линий, в мастерстве воспроизведения пухлых детских тел, быстрых, легких в движении и в то же время по-детски немного неуклюжих, неловких.
“Речная нимфа" Клода Мишеля, прозванного Клодионом (1738-1814). близка рокайльной скульптуре. Пленителен девически-нежный облик, непринужденная грация позы. Статуэтка выполнена из терракоты, подчеркивающей своей фактурой и тоном тепло жизни, которое ощущается в мягкой пластике тела. Дробные складки ткани оттеняют плавность линий фигуры нимфы.
Прекрасным образцом скульптуры стиля рококо является и статуя музы - Талии, исполненная братьями Гропелли. Мраморное изображение музы имеет мягкую, гладкую моделировку тела и несколько удлиненные пропорции.
Шедевр Гудона - мраморная статуя восьмидесятичетырехлетнего Вольтера.
Живопись
Любимыми темами художников Рококо стали не сила, страсть и героика, а нежность и игра. Есть только настоящее, без прошлого и будущего. Эстетизируется само мгновение, а не жизнь. Идейной и эмоциональной основой стиля французского Рококо стал гедонизм и индивидуализм, сформировавшийся еще в период Регентства, а формой – интимная грация, дух мелочей.
Живопись имела преимущественно декоративный характер имела богатая тонкими переливами цвета и одновременно несколько блеклая по колориту. Живопись рококо, тесно связанная с интерьером, получила развитие в декоративных и станковых камерных формах. Главные виды изобразительного искусства: настенные панно (самая распространенный вид, были большей частью овальной, круглой или причудливо-изогнутой формы; в основе композиции и рисунка лежит мягко изгибающаяся линия, которая придает произведению обязательную для этого стиля вычурность и нарядность), плафоны и декоративные композиции, расположенные над дверными или оконными проемами – десюдепорты (франц. dessus-de-porte – над дверью). Изменился заказчик картин-помимо церкви и королевского двора, появляется «третье сословие» и новая аристократия.
Художникам рококо были присущи тонкая культура цвета, умение строить композицию слитными декоративными пятнами, достижение общей легкости, подчеркнутой светлой палитрой, предпочтение блеклых, серебристо-голубоватых, золотистых и розовых оттенков. Одновременно с развитием живописи рококо усиливалась роль реалистического направления; достигли расцвета портрет, натюрморт, бытовой жанр, пейзаж. Также в то время характерной чертой была эротика – изображения обнаженной натуры Венеры,нимф.
Со временем появляется и новый жанр камерно-декоративной живописи – пастораль (франц. pastorale от лат. pastoralis – пастушеский). Но в эпоху Рококо это не просто деревенский, сельский мотив, а идиллические картины «пастушеской» жизни с эротическим подтекстом
Одним из основоположников стиля «рококо» был А.Ватто («Паломничество на остров Киферу», «Вывеска Жерсена», Ф. Буше («Венера, утешающая амура»), О. Фрагонар («Уроки музыки», «Пастораль»). Их картины большей частью декоративны и предназначены для жилого интерьера. В России в эпоху рококо живопись европейского типа только появилась впервые, сменив свою, русскую традицию, иконопись. Это портретная живопись РОкотова: Коронационный портрет Екатерины II, Портрет Г.Г.Орлова в латах
Интерьер
В оформлении интерьеров стиль рококо проявился наиболее ярко. стиль рококо - это стиль будуаров и маленьких гостиных для узкого круга близких друзей.Характерные черты рококо – изнеженность и доведенная до предела утонченность. Вместе с тем интерьеры рококо перегружены декоративными деталями и мебелью, которая приобрела гибкие, мягкие, уютные формы. Зеркала, позолота, богатые лепные узоры по потолкам и стенам ломают пространственную структуру интерьера, углы комнат закругляются. Динамичные и ассиметричные формы задают основной тон.
Во времена рококо архитекторы впервые стали целенаправленно стремиться к стилевому единству интерьера. Декор стен и потолков, формы мебели, расцветки драпировочных и обивочных тканей, декоративные предметы, двери и аксессуары – все выстраивалось в целостный ансамбль. Новые формы светской жизни диктовали новую расстановку мебели, которая собиралась небольшими группами в разных местах помещения. В группу обязательно входили стол, диван, несколько кресел и стульев. Такие «центры тяготения» для гостей задумывались как целостные композиции, которые обязательно поддерживали единый стиль всего помещения.
Главной доминантой интерьера рококо служил невысокий камин, покрытый мраморной плитой и изящно отделанный стукко (искусственный мрамор, высший сорт штукатурки). На камин ставили часы и декоративные предметы, над камином вешалось зеркало в роскошной раме. В интерьере рококо использовались самые дорогие материалы: мрамор, экзотические породы дерева, бронза, золото, шелк, гобелен. Цвета стиля рококо нежные, пастельные;основные цветовые сочетания – белое с голубым, зеленым или розовым, и обязательное присутствие золота.
Во времена рококо расцвела и достигла своего апогея мода на «китайщину» или шинуазри (chinoiserie). Изящные, украшенные тонким декором художественные изделия китайских мастеров отлично гармонировали со стилем рококо. Владельцы дворцов и роскошных особняков в обязательном порядке заводили «китайский зал», обставленной лаковой китайской мебелью, или на худой конец, просто устраивали галерею китайского фарфора в одной из комнат.
Как результат увлечения «китайщиной» в Европу были завезены бумажные обои для оклейки стен жилых помещений. В интерьерах рококо появились передвижные и раздвижные ширмы, расписанные в китайском стиле; аквариумные рыбки; изысканные орхидеи и тонкоствольные деревья. Получили распространение декоративные подушки из шелковой материи с крупными цветами.
Мебель
Утонченность стиля рококо отразилась не только на характере мебели, но и на появление новых видов мебели, предназначенных в основном для аристократичных женщин. Секретер на высоких ножках с наклонной откидной доской и множеством потайных отделений, картоньерка (шкафчик для бумаг), туалет с откидным зеркалом, разнообразные тумбочки и столики призваны были создавать особые удобства для своих хозяек.
Формы мебели для сидения изменились в сторону большего удобства и элегантности. Появились канапе (диван в форме соединенных двух-трех кресел), шезлонг, бержер (глубокое кресло). Контуры мебели становятся все более мягкими и волнистыми, изгиб ножки усиливается. Среди корпусной мебели главную роль играют комоды и секретеры. Детали мебели растворяются в общем объеме и кажутся отлитыми из пластичной массы. Декоративно мебель украшается прихотливыми орнаментами в виде вьющейся лозы, цветочных гирлянд, ромбовидной сетки и золоченой бронзой. Большое количество разных видов столов, созданных в зависимости от их назначения.
Говоря о мебели рококо, нельзя не упомянуть выдающегося английского мебельного мастера Томаса Чиппендейла (1718-1719 гг.). Стиль мебели Чиппендейла представлял собой своеобразное сочетание французского рококо с готическими и восточноазиатскими мотивами. Чиппендейл ввел в моду большие напольные часы. В своей мебели он часто использовал мотив птичьей когтистой лапы, которая держит шар. Он довел до совершенства формы многих изделий мебели, начиная от стульев и письменных столов и заканчивая книжными шкафами. Многие типы разработанной им мебели дошли до наших дней без существенных изменений.
Екатерининское рококо: Китайский дворец в Ораниенба́уме, Золотой кабинет; Баварское рококо: базилика Фирценхайлиген;
Получает свое развитие фабикация фарфора, появляется бисквит. Особенно популярны были в Европе фарфоровые статуэтки Мейсенской мануфактуры (Германия).а также Севр.Хрупкие, раскрашенные нежными красками фигурки были сродни персонажам современных им картин. Из фарфора также изготавливали вазочки-ароматницы и другие предметы, сплошь покрытые мелкими фарфоровыми цветками.
Кроме фарфора - в моде серебро. Изготовляются шоколадницы, супницы, кофейники, блюда, тарелки и другое.Серебро также используется для предметов освещения, сервизов и в отдельных случаях - для мебели. Мягкий и податливый материал с легкостью принимал пластичные, причудливые формы стилей регентства и рококо. В этом веке рождается кулинарное искусство в его современном виде, в том числе - искусство сервировки стола.
Продолжали использоваться фаянс.
Мода на китайские ширмы, фарфор и лаковую живопись отразилась в гобеленах с изображениями цветов, птиц, пагод, мужчин и женщин в китайских одеждах. Они органично дополняли экзотическую картину, создаваемую в интерьерах рококо подлинными китайскими изделиями.
Также, именно в ту эпоху получило распространение искусство красивой сервировки стола и приготовления пищи
Мужской и жнский костюм эпохи рококо.
Мужчины носят жюстокор. В эпоху рококо полы жюстокора становятся шире, теперь они как бы торчат в разные стороны.
В эпоху рококо под жюстокор мужчины одевали камзол. Камзол – это вид мужской одежды, сшитой в талию и длиной до колена, иногда шился и без рукавов, его часто, особенно зимой, носили под кафтан. К XIX веку камзол превратится в жилет. В эпоху же рококо в мужском костюме из фалд камзола формируется «юбка на обручах», ведь мужская мода во всём стремится подражать женской.Мужчины также носили белоснежные рубашки с кружевными жабо и шейными платками.Ткани, как в женском, так и в мужском костюме были нежных, пастельных тонов. Мужской костюм, как и женский, обильно украшался воланами, пуговицами, лентами, кружевами.Мужчины также носили штаны длиной до колена, которые дополняли белые чулки. Впрочем, причёски в отличие от барокко становятся более простыми и плоскими. Волосы завиваются в локоны, обрамляющие лицо, позже – собираются в косы. Головной убор – треуголка. Идеальный мужчина – придворный франт.
Женщины по-прежнему носят пышные юбки – панье, которые держаться на каркасе, а также корсеты. В начале эпохи рококо юбка немного уменьшается, однако затем вновь расширится до максимально возможного предела. Причёски также изначально становятся менее пышными – в моде гладкая, маленькая причёска с рядами ниспадающих локонов.
Огромные юбки принимают уже даже не круглую, а овальную форму. Лиф же платья вытягивается вниз, ниже талии, в виде треугольника, он также имеет достаточно глубокий вырез. В платье становится особенно заметен этот контраст – крупной пышной юбки и маленького, совершенно не объёмного, по сравнению с ней лифа. Рукава платья сужаются к локтю, их обильно украшают лентами, каскадами кружев.
Ленты становятся любимым украшением эпохи рококо . Кроме лент активно использовались и цветы, причём как натуральные, так и искусственные. Именно в эпоху рококо искусственные цветы впервые начинают использоваться для украшения наряда, до этого они служили лишь для украшения храмов и изготовлялись в монастырях.
А среди тканей наибольшей популярностью пользуются сатин и атлас. Эти ткани, мягкие на ощупь, позволяют создать множество складок, которые были так необходимы в эпоху рококо, плюс блестящий атлас идеально гармонировал с матовым кружевом.
Верхней одеждой в эпоху рококо служило манто – свободный плащ, ниспадающий с плеч. Большое значение придаётся и дополнительным элементам таким, как муфта, перчатки, веер, которым дамы подавали особые знаки своим кавалерам. Тайному языку влюблённых служили и мушки – шёлковые чёрные пластыри разнообразной формы. Большое внимание стиль рококо уделяет нижнему белью, ведь в платьях, которые во многом оголяют тело, что было свойственно платьям эпохи рококо, нижнее бельё выступает на всеобщее обозрение. Женщины, как и мужчины, начинают носить чулки, как и мужчины – белые, но иногда и пёстрые . Нижнее бельё шьют из шёлка, его обильно украшают вышивкой, кружевной отделкой, золотом и серебром. Ведь декольте теперь позволяет видеть нижнюю рубашку, а нижняя юбка становится видна при ходьбе. Теперь нижнюю юбку украшают, как и верхнюю, – кружевами, воланами, лентами.
Туфли носят мягкие и низкие, Они изготовлялись из достаточно простого материала, но часто были богато украшены – ленты, вышивка, пряжки, драгоценные камни.
Идеалом женской красоты считались обладательницы осиной талии, узких бёдер, хрупких плеч и круглого лица. Идеальная женщина – хрупкая и стройная жеманница .
Ювелирные украшения
Усыпанные бриллиантами броши были необычайно модны в ХVIII веке. Формы брошей рококо различны - ленты, букеты цветов или искусно переплетенных ветвей, щедро обогащенные эффектами асимметрии.
Брошам, украшавшим декольте, соответствовали эгреты (султаны), происходящие от заколок для волос. Они сверкали бриллиантами, другими драгоценными камнями и жемчугом. В декоре преобладали натурные мотивы, вдохновлявшие ювелиров рококо - яркие бабочки и изящные перья.
Как популярное украшение костюма кавалера в тридцатых годах получают распространение пряжки для штанов. Наряду с драгоценными экземплярами использовались и имитации бриллиантов - стразы. У представителей третьего сословия бытовали стальные пряжки, привозимые из Англии.
В эпоху рококо модными становятся колье с бриллиантовыми каплевидными или звездообразными подвесками.
Любимы модницами рококо были и медальоны с миниатюрами, которые носили на цветной или черной ленте, плотно охватывающей стройную шею.
В своем увлечении игрой рококо проявило интерес к типу серег "бриоле" - подвески, находящиеся в постоянном движении. Такие серьги часто вообще лишены оправы, за исключением креплений.
В кольцах рококо также доминирует камень - бриллиант цветные камни, обычно прямоугольные или овальные в обрамлении мелких бриллиантов, в скромной, почти невидимой оправе. Однако в это время встречаются и другие формы колец - банты или цветущие ветви.
Из других украшений, в большей степени имевшим утилитарное назначение ХVIII век отдавал предпочтение флаконам для духов (так называемые шатлены), состоящие из двух блях, соединенных между собой цепочкой и несколькими цепочками на второй бляхе, к которым крепились часы, ключики от них, печатки и другие "милые" вещицы.
Хорошо известны работы французских серебряников эпохи рококо. Родоначальником в производстве серебряных изделий в новом стиле стал Ж. Месонье.
Один из шедевров французских серебряников находится в России. Это выполненный Жаком Ретье в 1770 году по заказу Екатерины II "Орловский сервиз".
Очень велико в эти годы влияние на европейское искусство французской ювелирной пластики в серебре. Помимо этого материала в декоративной пластике используется также инкрустация слоновой костью, эмали, твердый камень, жемчуг.
Книги
Философию стиля Рококо определяли женщины. «Женщины царствовали», - сказал Пушкин о том времени, когда заря рококо только занималась. Рококо считает главным в жизни - праздник, утонченное наслаждение и любовь. Игра, «искусство казаться» в жизни достигло в этот век такого совершенства, что театр с его условностями на сцене - померк. Рост общественного влияния женщины, «феминизация» культуры, успехи женщин в самых разнообразных отраслях искусства – об этом свидетельствует вся Европа XVIII столетия. На протяжении всего XVIII в. чувственность и изысканность будут определять стиль женской аристократической одежды. В моде тонкая фигура, гибкая талия, мягкие округлые линии бедер, маленькая головка, небольшая высокая грудь, маленькие руки, тонкая шея, узкие плечи - женщина напоминала изящную фарфоровую статуэтку. Сближение внешних черт мужчины и женщины, их изнеженный, кукольный облик, пренебрежение к возрастным особенностям (и молодые и старые носили одинаковые костюмы, применяли одну и ту же косметику), галантный флирт и салонные развлечения - вот характерные особенности того времени. XVIII в.принято считать столетием аристократии.
Жан Франсуа де Труа.”Объяснение в любви”, 1731г.
До самой смерти Людовика XIV костюм, как мужской так и женский, практически не изменялся. Только детали: отделки, вышивки, узоры кружев и цвет выбирали по своему вкусу. За год до смерти Короля - Солнца, в 1714г., на придворный бал в Версале попала герцогиня Шрусбери. Людовик, главный законодатель европейских мод, положительно оценил её маленькую, скромную причёску и умерено пышные юбки, и сразу в моду вошла простая, слегка припудренная причёска, украшенная букетиками или кружевной наколкой. Эта кажущаяся простота и стала основной модной тенденцией века, сразу и навсегда уничтожив причёску «Фонтанж», продержавшуюся в моде более 30-ти лет. Женщины с полотен Ватто, Буше, Патера, де Труа, Шардена все до единой причёсаны скромно и элегантно, - будь то роскошная маркиза де Помпадур , добродетельная Мария-Терезия или юная Фике из Цербста . Названия этих причёсок также сохранились - «бабочка», «сентиментальная», «тайна», «неженка».
В этот период модный силуэт женского платья напоминал перевёрнутый бокал – затянутый корсетом верх и широкая юбка внизу, пышность которой поддерживал юбочный каркас. Он-то и помогал дамам достичь идеального силуэта. Самою юбку делали из плотной проклееной ткани, а обручи из китового уса, металлических и ивовых прутьев или из туго сплетённого конского волоса. Вся эта конструкция пристёгивалось на пуговицах к корсету. Корсет плотно шнуровался сзади. Каркас называли , от фр. рanier – корзина. В Германии и в России подобные каркасы назывались фижмами (от нем. Fischbein - рыбья кость, китовый ус). Различали маленькое утреннее, или «осмотрительное» панье, панье «гондолу», сплющенное спереди и сзади, очень широкое панье «с локтями», на бока которого можно было положить локти.
 |
 |
 |
 |
 |
 |
 |
 |
 |
 |
 |
В одежде рококо, сильно обнажающей тело, уделяется большое внимание нижнему белью - женщины носят белые чулки, как мужчины, но иногда также и пестрые. Нижнее белье теперь является настоящим произведением искусства, шелковое, украшенное золотом и серебром, богатыми вышивками и кружевной отделкой. Декольте позволяло видеть рубашку с кружевной оторочкой. Нижняя юбка стала не только дополнением и укреплением верхней юбки, теперь она играет важную роль и при ходьбе, т. к. может быть видна. Поэтому её богато украшают лентами, кружевными фестонами, воланами. С богатством нижнего одеяния связаны и обычные утренние церемониалы, которые имели место не только у коронованных особ, но и в мещанских домах, где принимали участие кавалеры.
нижнее женское белье на 18 век: нижняя юбка, рубашка, корсет Франсуа Буше. Утренний туалет
Под корсетом и панье носили тонкую белую рубашку, расшитую шёлком, шитьём и кружевами. Поверх рубашки, корсета и панье надевали выходную шёлковую или парчёвую юбку, а иногда и две, но так чтобы верхняя, пышно декорированная, не полностью закрывала нижнюю, украшенную рюшами или оборками. Корсет (термин «корсет» появился только в XIV веке) скрывался лифом на шнуровке, к нему же были пришиты узкие рукава в три четверти, край которых украшали каскадом роскошных кружев разной ширины в виде воронки, которая именовалась «Пагода» .
 |
 |
 |
корсеты. Ок. 1790г. 1760-1780 г.г.
 |
 |
 |
К шнуровке, чтобы платье имело законченный вид, пристёгивали треугольную вставку. Она называлась стомак . Открытое спереди платье, плотно облегающее верхнюю часть тела и собранное сзади в складки, получило название robes a la francaie . Такое платье обязательно носили с этой V- или U-образной деталью. Иногда к стомаку пришивали небольшой внутренний кармашек. Чтобы эта треугольная пластина не собиралась и не топорщилась на груди, стомак щедро украшали вышивкой, кружевами, рядами аккуратно расположенных бантиков из лент, которые назывались ecbellt (лестница) и даже драгоценными камнями. Такой роскошный стомак считался ювелирным украшением, поэтому его часто переносили с одного платья на другое. Поскольку всякий раз, когда женщина одевалась, стомак необходимо было подколоть к лифу платья, туалет занимал немало времени.
 |
 |
 |
 |
| Франсуа Гюбер Друэ. Маркиза д"Эгиранд.1759 г. | Стомак, 1760 г. | Стомак, 1720 г. |
Во времена Регенства появилось несколько новых своеобразных фасонов женского платья – контуш , или платье со складкой Ватто . Это свободное цельнокроеное платье, узкое в плечах, мягко падающее на широкий каркас по линии бедер. Особую красоту и прелесть представляла его спинка: по ширине плеч, ткань закладывали в продольные глубокие и широкие складки, которые имитировали плащ. Спереди контуш низко открывал грудь и шею, мог быть накладным или распашным. В XVIII веке этот наряд называли «Адриена» или «Летящее платье». Сегодня мы называем его «Платье Ватто», в честь известного живописца, который не единожды изображал такой наряд. Очень быстро этот ансамбль превратился в туалет для придворных церемоний. Он обязательно дополнялся ещё кружевной наколкой в волосах или тончайшей мантильей с золотыми кисточками, прикрывавшей голову. Не исключено, что «Летящее платье» около 1715 года Париж увидел на сцене «Комеди Франсе» в спектакле по пьесе Флорана Картона Данкура «Кокетки летом». Похоже, что этот туалет пришёл в жизнь из театрального гардероба.
Вторым новым и ставший очень популярным, был фасон платьев с укороченной впереди юбкой, обычно чуть ниже колен, с руковами той же длины - до локтя (что дало ширококе распространение муфтам) распашные с завязками из лент на груди. Стали модны также платья в виде плащей, с рукавами и без них.
Наиболее полным воплощением черт рококо является костюм второй половины XVIII века. В костюме значительно уменьшаются детали и усложняется декор. Такое платье называется «Полонез» . Его обильно отделывали оборками, рюшами, всевозможными кружевами, цветами и выполнялось оно из более тонких и мягких тканей с мелким узором.
Перчатки без пальцев – митенки, были популярны весь XVIII век. Наиболее распространённым типом митенок был такой, когда большой палец отделялся от других четырёх пальчиков, а тыльную сторону ладони прикрывал треугольный клапан.
 |
 |
 Maria Luisa de Bourbon. 1775 |
При Марии-Антуанетте
происходила почти ежедневная смена фасонов, изобретением которых занималась сама королева при помощи тогда знаменитой модистки мадемаузель Бертен
и танцовщицы Гимар. Сама она нередко одевалась настолько рисковано, что однажды, послав свой портрет матери, Марии-Терезии, она получила его обратно с надписью следующего содержания: «Вместо французкой королевы, которой я надеялась полюбоваться на портрете, я увидела перед собой разряженную танцовщицу. Несомненно, портретом ошиблись и прислали не тот, который предназначался мне».
Дальнейшее развитие женского костюма вновь возвращает его к двум треугольникам, соединённых вершинами на линии талии. Примечательно, что на протяжении всего XVIII века покрой женского платья во многом зависел от таких элементов нижнего белья как корсет и панье. Корсет имел низкий вырез, благодаря чему грудь стала почти открытой. В его задачу входило приподнять бюст, соблазнительно виднеющийся сквозь тонкую кружевную оборку в вырезе платья. Плотный, жёсткий очень открытый лиф платья контрастировал с пышной, непомерно раздутой по бокам юбкой на фижмах. Создавалось ощущение хрупкости и изящества фигуры. Форму треугольника подчёркивали очертания и отделка лифа и юбки.
 |
 |
 |
Ткани и материи.
Не только костюм, головные уборы и причёски служили кутюрье эпохи рокайля, то же самое можно сказать о моде на расцветки тканей . В Париже не осталось ничего, вплоть до уличной грязи, чтобы не дало названия какому-нибудь оттенку шёлка: «Сточная канава» или цвет вышивки «парижская грязь», которой мадемуазель Ленорман отделала своё «Турецкое платье», вызвавшее настоящий фурор в обществе. Никто не сомневался в правильности названия цвета ткани «Кака дофина» , которая появилась в честь рождения наследника в королевской семье. И объяснялось это всё не только капризами вкуса, но и страсным желанием перен, что само по себе является «ритмом времени», в котором правящий класс бежал навстречу своей гибели, ускоряя её фривольным образом жизни, стремлением к необузданной роскоши и, дошедшей до предела, игровой условностью.
Самыми модными материями были: атлас, шёлк и полушёлк
с разноцветными узорами. Для особо богатых туалетов использовали брокат или парчу, для мантилий и вообще верхней одежды – разновидность лёгкого бархата или сатин. Эти ткани, обладавшие высокой драпируемостью и красивым рисунком характеризовались высокой подвижностью. Пересечения и изломы складок создавали выразительную, характерную для рококо ассиметрию, игру светотени. Композиция платья сочетала статичную, чётко фиксированную форму спереди и подвижную сзади.
Начиная с XVII века и далее, французское правительство поддерживало ткацкое производство в Лионе, щедро финансируя изобретение новых ткацких станков и технологий окраски. Французские шелка прославились благодаря первоклассному качеству и постепенно вытеснили итальянские шелковые ткани, доминировавшие в моде в предыдущем столетии. В середине XVIII века - в золотую эпоху стиля рококо - фаворитка Людовика XV мадам де Помпадур предстает на портретах в изумительных платьях, изготовленных из высококачественного шелка.
С начала 1770гг. распространилась мода на ткани в полоску среди всех слоёв населения. В модном журнале «Magasin des modes» , издававшемся в 1780-е годы, как раз перед Французской революцией, нередко встречаются как мужские, так и женские костюмы из ткани в вертикальную полоску двух цветов. Мода на ткани в полоску сохранилась и в период Французской революции.
Обувь.
Костюм дополняли светлые шёлковые чулки с вышивкой, туфли на высоком изогнутом каблуке, который имел название «Голубиная лапа», Вогнутый внутрь, он создавал оптическую иллюзию, зрительно уменьшая расстояние между носком туфли и пяткой.
 |
В конце XVIII в. в женской обуви, представленной туфлями на высоких каблуках, возникает строгая классификация цвета: черная обувь считалась парадной, коричневая предназначалась для прогулок, красная и белая была привилегией знатных дам. Танцевали в узких лёгких, светлых, шёлковых туфлях с красными или расписанными миниатюрами изогнутыми каблуками, высотой в «четыре пальца». Сзади к туфельке пришивали крохотный язычок, торчащий вверх, весь осыпанный бриллиантами. Красный каблук, ещё со времён Людовика XIV, оставался знаком принадлежности к дворянскому сословию.
 |
По устоявшемуся мнению, главное украшение дамы – обувь. Знатные женщины носили в XVIII веке шелковые или лайковые туфельки на красном французском каблуе. Это лукавое и остроумное изобретение не только делало женскую фигуру выше, а осанку и походку изящнее, – французский каблук сделал ножку... маленькой! Это достигалось тем, что каблук-рюмочка смещал свой выступ к середине ступни, оставляя под пяткой лишь небольшое утолщение. Правда, ходить приходилось, семеня на цыпочках.
Дамы маленького роста носили особые башмаки – патены
– на подставках-платформах. Модницы постепенно уменьшали количество материала, шедшего на туфли, все больше обнажая ногу. К середине века закрытыми оставались лишь кончики пальцев и узенькая полоска вдоль подошвы. Ни пряжки, ни пуговицы тут прикрепить уже было некуда. А закончился век и вовсе сандалиями и туфлями на плоской мягкой подошве, повторяющей форму стопы, с ремнями и лентами, обвивавшими голень.
Внимание к обуви, её украшению в 60-х годах 18 в. объясняется тем, что платья в этот период стали несколько короче и открывали ногу, поэтому необходимо было туфлю украшать не меньше чем платье. Она обтягивает ногу, но так же, как и платье, загромождена украшениями. Обувь украшают вышивкам, кружевами, перфорациями, страусовыми перьями, лентами и т. д. Элементы украшений мы видим те же самые, что и на платье. На туфле появляются даже такие украшения, как ветряные мельницы. Туфли делают из цветной кожи или из блестящего атласа, декорируют бантами, розетками или маленькими металлическими пряжками, форма туфли узкая с острым носком и высоким каблуком.
Важнейшими элементами украшения платья в эпоху рококо были оборки, бахрома, букетики искусственных цветов, ленты, тесьма синель, рюши из нежнейших кружев. Большое значение придаётся мелким дополнениям в одежде: веер, который был необходимой частью умения кокетничать, сумочка «пампадур» для бесчисленных косметических мелочей, брегеты – часы-брелоки на цепочке, перчатки и муфточка.
 |
 |
Слева: Платье (robe à la française) около 1760.Шелковая тафта в белую и розовую клетку; двойные рукава „пагода”; стомак из лент; рюш и оборка на прическе со свисающими лопастями из аржантенского кружева. Справа: Платье (robe à la française) около 1760 Англия. Шелковая парча из Спайтафилда цвета слоновой кости с золотыми, серебряными и полихромными нитями; цветочный орнамент, золотое кружево, серебристый газ; двойные рукава „пагода”; нижняя юбка; стомак из золотого и серебряного кружева с оборкой; ангажанты из брюссельского кружева. |
Во второй половине XVIII века в художественной культуре начинает оформляться новое направление, которое идёт на смену рококо. В большом искусстве – литературе, живописи, театре – оно будет называться неоклассицизм а в декоративно-прикладном искусстве и в костюме его чаще определяют как стиль Людовика XVI . Философы Руссо, Дидро и др. призывали к возрождению античности, которая виделись царством справедливости и истинной красоты. Мечты о «естественной жизни» были общим поветрием эпохи. Модными стали «простые» чуства, гражданские и семейные добродетели, естественность. Женский костюм, в отличие от мужского, долго сопротивлялся переменам, сохраняя старые формы. Рококочные претенциозные интерьеры служили богатым оформлением пышным фантазийным туалетам в стиле зрелого рококо . С конца 70-х появляются некоторые изменения, в первую очередь в костюме для прогулок и деревенской жизни. Этому не мало способствовала Мария-Антуаннета, которая любила пребывать в своей «деревушке» (имение „Малый Трианон”, в деревенском стиле, которое выстроили специально для неё и которое она очень любила) в простых белых платьях из лёгкого муслина.
Появились лёгкие платья модного блошиного или плюсового цвета (всевозможные оттенки красно-коричневого цвета), платья из тонкой хлопчатобумажной материи с набивными цветными рисунками, белые из перкаля и муслина. Под такие платья не одевали корсет и панье, так как такие платья в английском стиле имели удлинённую мысом спинку, зрительно суживающую спину и талию.
Очень интересен силуэт костюма 70-х годов благодаря каркасу, который крепился к нижней линии корсета сзади и приподнимал пышную юбку. Декольте стали прикрывать лёгкой кружевной косынкой, которая свободно набрасывалась на открытую шею и крепилась на стомак. Её называли – фишю .
Костюм последнего, предреволюционного периода находился под сильным английским влиянием. Из него исчезают многочисленные отделки: фалбала – узкая полоска отделочной ткани, собранная мелкими складками, гирлянды цветов, пуфы. В узорах тканей избегают сложных, запутанных линий. В женской модной одежде возникают функциональные элементы- comperes : две узкие полоски из ткани с пуговицами имитирующие жилет и прикрывающие переднюю часть корсета. Они соединялись с лифом платья при помощи крючков или пуговиц, а потому стомак, котороый всякий раз нужно было прикалывать к платью, стал не нужен, так как полочки «comperes» были более простыми и практичными элементами одежды. После 1785 года пропорции костюма изменяются: талия отмеченная поясом-кушаком поднимается под самую грудь, сама грудь прикрытая драпированной в складки косынкой, плавно выступает вперёд, основной объём юбки смещается назад. Свободное и элегантное платье, позволяющее красиво и легко двигаться, при дворе Марии-Антуанетты в шутку называли «рубашечным».
 |
 |
 |
 |
Появляется также несколько новых видов верхней одежды: карако, казакин – распашные верхние кофты с широкой баской. Их раньше использовали в домашнем костюме. Теперь они приобретают более строгую и удобную форму, предназначенную для прогулок. В холодное время года женщины стали одевать, похожий на мужской, редингот из тёмно-синего английского сукна, имеющий небольшой карманчик, куда совсем по мужски вкладывали золотые часы-брегеты, украшенные инкрустацией. Помимо функциональных деталей, костюм, построенный на сочетании ясных и чётких объёмов, ненавязчивый по цвету, дополняется атрибутами, необходимыми для удобства в повседневной жизни: часами, тростью, зонтиком, лорнетом. Происходит дальнейшее разделение предметов одежды по назначению и сезонам.
 |
 |
Причёски резко уменьшились в размере, упростились. Плоды, корабли и чучела уже кажутся анахронизмом, но пудру использовали до 1789 года.
В костюм вернулись шляпы из чёрного бархата с перьями райских птиц. Светлые соломенные шляпы обильно украшали пунцовыми розами. Из ювелирных украшений особой популярностью пользовался жемчуг. Он считался девственно скромным, почти не заметным.
Одежда простолюдинов, практически, не меняется. Сближение, а затем и смешение костюмов всех сословий начнётся только в следующем столетии, а пока все модные видоизменения воспринимается народом, как каприз аристократа.
Роза Бертэн – королевская модистка.. .
Вплоть до последней трети XVII века изготовлением платьев занимались исключительно портные - мужчины. Закон запрещал заниматься этой профессией женщинам. Только некоторые из них решались вступить на этот опасный путь и хотя заказчиц было много и они высоко ценили изящество исполненных работ, портнихам грозили большие неприятности. Не один раз негодующие портные врывались в ателье первых женщин - кутюрье, размахивали сборником законов корпорации, уничтожали незаконченные наряды, забирали ткани и аксессуары. В 1675 году у женщин – портных терпение кончилось и они подали королю прошение о предоставлении им права «изготовлять юбки и другую удобную одежду», подкрепляя свою просьбу тем аргументом, что «вполне благопристойно разрешать девушкам и женщинам заказывать одежду у особ одного с ними пола». Склонившаяся к плечу Короля-Солнца, благочестивая и стыдливая мадам де Мантенон (фаворитка короля) тоже читала текст прошения. Призыв к чистоте нравов возымел действие и женщины-портные завоевали право на существовние.
Эпоха рокайля родила новую профессию - модистка
. Вдохновение – было основным руководством этой новой профессии в старом портновском цехе. Сам крой годами оставался незыблемым, а вот отделка менялась стремительно. Модистка отделывала платье, фантазия, вкус и вдохновение вело её. Под её руководством создавались головные уборы – от чепцов до сложнеших шляп, шейных платков, мантилий. Модистка-художница выражала в платье свою индивидуальность и собственный художественный вкус. 
Роза Бертэн была одной из них. Никто и никогда из кутюрье, даже самых знаменитых не достигал такого уровня славы, как она. Никто из её собратьев по цеху не удостоился биографических статей в инцеклопедии. Даже имя великого Ворта гениального, создателя haute couture, появилось в таких изданиях далеко не сразу. Над её тщеславием смеялись, её искусством восхищались, но она была везде, она была необходима, она властвовала.
Родилась она в 1747 году в Аббевиле, местности, где все занимались ткачеством. Но отец её служил лучником в отряде конной стражи. Первые навыки профессии девушка получила в своём родном городе, затем в Париже. Первое упоминание о Розе Бертэн связано с её лавочкой «Великий могол» в 1773 году. В 1776 году она вступила в Синдикат, новую корпорацию модисток. В 1792 году она уехала за границу в связи с революцией. В 1800 году окончательно обосновывается в Париже. Умерла Роза Бертен в 1813 году.
Биографы Розы с удовольствием расказывают один анекдот, а может быть случай из жизни модистки: как-то раз Розе Бертэн, тогда ещё ученице у модистки Пагель, приказали отнести готовый туалет во дворец принцессы де Конти. Прибыв по адресу, она увидела в полутёмной прихожей молодую женщину и решив, что перед ней горничная, заговорила сней как сравной. Принцессу, а это была она, этот эпизот рассмешил, девушка ей понравилась и она взялась ей покровительствовать. Молодая аристократка заказала мастерице сшить приданное для дочери герцога де Пентьевра, затем себе свадебный наряд. После свадьбы с герцогом де Шартр она стала одной из самых знатных клиенток Розы Бертэн. Герцогиня де Шартр и её свояченица, принцесса де Ламбаль, были без ума от своей модистки и даже представили её жене наследника престола. Вот так модистка Роза Бетрэн предстала перед Марией-Антуанетой. Через два года Мария-Антуанетта взойдёт на трон. Присутствия Розы Бетрэт будет достаточно, чтобы зеркало показало королеве образ молодой красавицы, вспорхнувшей с полотен Буше. Мать королевы, императрица Мария-Терезия была не на шутку встревожена. Второй раз она написала своей дочери: «…не могу не затронуть тему, к которой часто возвращаются в газетах, а именно твои причёски! Говорят они вздымаются вверх на высоту в 36 дюймов, а наверху ещё перья и ленты…». Мадам Кампан, ведающая одеванием Марии-Антуанетты, преданная ей дама, её доверенное лицо, расписывала в своих мемуарах любовь королевы к нарядам, возникшей под влиянием Роз Бертен. И если есть в этих мемуарах правдивые сведения, то страсть королевы Марии Антуанетты к нарядам была делом рук модистки, которая, бесспорно, должна была быть наделена безошибочным вкусом. Достоверным свидетелем является баронесса д"Оберкирх, в мемуарах которой содержатся частые упоминания о модной торговке-модистке с улицы Сэн Оноре; в 1782 году она пишет о посещении этой самой известной королевской модистки: «Мадмуазель Бертэн показалась мне особой очень важной, ставившей себя на один уровень с принцессами. Она рассказала, как к ней однажды пришла какая-то провинциальная дама с целью приобрести у неё шляпу для приема у королевы- это должно было быть что-то новое. Модистка вызывающе смерила её взглядом с головы до ног, а затем, очевидно, оставшись довольной осмотром, она с величественным видом обратилась к одной из своих заместительниц и сказала: «Покажите мадам мою последнюю работу для её Светлости…»
Все дамы Версаля хотели носить наряды и украшения как у королевы, рискуя разорить мужей. Говорили, что общая страсть аристократии к роскоши раззорили страну, но эти слухи не доходили до Марии-Антуанетты. Её плохоё настроение объяснялось лишь необходимостью подчиняться строгому этикету Версальского королевского двора: едва королева открывала глаза, как множество придворных дам окружали её кровать и начинали торопить. Дама, отвечающая за честь королевы, протягивала ей юбку, отвечающая за одевание – рубашку. Каждый жест не просто движение, а церемониал, за право исполнять который боролись даже принцессы. В конце концов королеве преподносили альбом с образцами её туалетов и она концом длинной булавки указывала, какое платье хочет одеть сегодня. В больших коробках ей приносили нижнее бельё, придворные платья, наряды для интимных ужинов. Едва утренний туалет королевы заканчивался она убегала от своей свиты. В личных апартаментах её ждала Роза Бертэн. Обсуждать новые наряды, утверждать правила хорошего вкуса на сегодня - они предпочитали вдвоём. Вот так родилась «министр моды» - Роза Бертэн.
 |
 |
 |
 |
Платье, которое, как полагают, создала Роз Бертен для Марии-Антуанетты в 1780-ые г.
Чтобы убедиться в её поистине фантастической востребованности, знатности и широте клиентуры, достаточно полистать книги счетов. Открыв наугад, мы видим имена королевы Испании, королевы Швеции, герцогини Люксембургской, герцогини де Шартр, графини де Талейран, герцогини де Мазарини, герцогини Девонширской, герцогини Вюртембергской, супруги будущего российского императора Павла I… Бухгалтерские книги мадемуазель Бертэн, исписаные её чётким подчерком, раскрывают очарование XVIII века: в них есть всё – короткие дамские накидки из лебяжьего пуха, банты из тафты, тонкое кружево, вышивки жемчугом и драгоценными камнями, муслиновые розы со стебельками, шипами, листьями. Эти маленькие шедевры, созданные безупречным вкусом больших художников, останутся в веках, запечатлённые лёгкими мазками в картинах Ватто, Фрагонара, Буше.
Причудливый и капризный, этот стиль возник во Франции, в начале XVIII века. Рококо в архитектуре представлял собой не столько самостоятельное направление, сколько определенный момент развития общеевропейского барокко.
Характерные особенности рококо
Стиль рококо в архитектуре - одно из первых направлений в искусстве, которое отошло от устоявшихся канонов и обратилось к утонченным и изысканным темам. Некоторые исследователи и эксперты полагают, что этому направлению присущи легкомысленность и несерьезность. Тем не менее именно оно оказало значительное влияние на множество других течений и стилей во всем искусстве.
Довольно часто проявления рококо в архитектуре, фото которых можно посмотреть несколько ниже, характеризуют как легкие и бездумные. При этом совершенно не замечаются изысканность, утонченность и совершенство форм, скрывающиеся за кажущимся легкомыслием.
Рококо в искусстве - это прежде всего вымышленный мир интимных переживаний, кажущейся театральности, декоративной утонченности и изысканности. Здесь совершенно нет места пафосу и героизму. На смену им приходят фантазии, безделушки и игра в любовь.
Отличительным признаком этого направления является изогнутая и капризная линия, которая своими очертаниями напоминает раковину, часто встречающуюся в архитектурных проявлениях рококо.
История возникновения
Архитектурное направление под названием «рококо» появилось во Франции, в начале XVIII века. В те времена это была так называемая ответная реакция на «Большой стиль» - монументальный и непоколебимый классицизм, официальный барокко, ярчайшим примером которого является Версальский дворец Людовика XIV. в архитектуре и других направлениях искусства господствовал на протяжении практически всего периода царствования короля-Солнца.
Стоит отметить, что ближе к середине XVIII века в излишняя легкомысленность рококо стала постепенно выходить из моды, а вот в самом центре континента это направление в искусстве было популярным практически до самого конца столетия.
Термин «рококо» происходит от французского слова rocaille, что в переводе означает «причудливый», «капризный», а также «осколки камней» и «раковины». За все время существования этого стиля было создано невероятное количество произведений искусства и архитектуры, но одним из самых значимых является городской ансамбль во Франции - комплекс, состоящий из трех площадей в городе Нанси в Лотарингии.
Рококо на европейском континенте
Территория европейского континента была неравномерно охвачена тенденциями и веяниями этого направления в искусстве. Тем не менее некоторые страны и государства достаточно сильно ощутили влияние этого стиля. Так, например, Франция по праву считалась основоположницей рококо, а вот наибольшего распространения стиль рококо в архитектуре достиг на территории Германии, особенно сильно отразившись в Пруссии при дворе Фридриха II.
Изысканность и утонченность этого направления нашли проявления в роскошных дворцовых ансамблях Германии, Франции, России и некоторых других государств.
Отелей отличалась пышным оформлением внутреннего пространства - рокайльные интерьеры очень гармонично сочетались с относительно строгим внешним дизайном здания. Стиль рококо в архитектуре с течением времени стал распространяться по всей Европе. Австрия, Польша и Чехия в скором времени ощутили веяния этого модного направления в искусстве.
Рококо на территории России
Новомодные европейские тенденции рококо 18 века в России особенно сильно начали проявляться в середине столетия. По большей части это направление нашло широкое применение во внутренней отделке дворцовых интерьеров и лепнине на фасадах многих зданий, а также в некоторых отраслях декоративно-прикладного искусства. Веяние архитектурного стиля пришло в Россию из Франции с почти полувековым опозданием.
В 1662 году король Франции - Людовик XIV - начинает строительство Версаля, а в 1710 году в России появляется Петергоф. Не прошло и полвека, как Антонио Ринальди строит в Ораниенбауме, прямо посреди крепости Петерштадт, дворец в стиле рококо. В XVIII веке его чаще всего именовали «Каменный дом», а в настоящее время здесь расположен музей «Дворец Петра III».
Проявления рококо в архитектуре северной столицы России
Каменный Дом в имеет сходство с парковым павильоном и выполнен в довольно необычной форме - квадрат со срезанным по плавной дуге углом. Верх центральной двери украшает балкон с изысканной кованой решеткой. Элегантность и утонченность здания достигаются благодаря высоким и вытянутым окнам на втором этаже, а также необычной балюстраде.
Внутреннее убранство Каменного Дома, так же как и фасад, выполнено в стиле рококо. Именно с этого времени декор помещения становится отдельным направлением в архитектуре. Для интерьера в этом стиле характерны утонченность, элегантность и изысканность. Обилие пастельных оттенков, сочетание нежного белого с зеленым, голубым или розовым, а также инкрустация золотом - все это отличительные признаки рококо в архитектуре Санкт-Петербурга.
Вместе с этим направлением в Россию пришла еще одна новомодная тенденция - китайская экзотика, которая нашла отражение в безделушках, украшавших помещение, а также целые просторные залы, оформленные в этом стиле.
Отличительные особенности рококо
Отличительными особенностями архитектурного рококо от монументального и тяжеловесного барокко являются характерная легкость, изящество и манерность. Архитекторы больше не стремились сооружать длинные и высокие залы, а отдавали предпочтение маленьким уютным комнатам с высокими окнами, которые, в свою очередь, группировались вокруг центральной лестницы, таким образом обеспечивая максимальное удобство для всех жильцов дома.
В большинстве своем здания становятся все больше похожими на так называемый особняк-отель, который предназначается для проживания одной семьи. Такая архитектурная планировка стала пользоваться популярностью, в результате чего начали перестраиваться многие здания, ранее сооруженные в помпезном и монументальном барочном стиле.
Ко всему прочему, несмотря на обилие украшений и прочих элементов декора, рококо не выглядел тяжеловесно и монументально. Скорее наоборот - он казался легким и воздушным благодаря утонченности и изысканности всех деталей и гармонично подобранной цветовой гамме.
Рококо во внутреннем убранстве зданий
Эпоха рококо затронула не только тенденции и веяния в архитектуре - этот стиль не обошел стороной и другие стороны искусства. Более того, для большинства архитекторов того времени именно интерьер являлся тем самым местом, где новое направление находило свое самое ярчайшее проявление. Планировка зданий чаще всего была ассиметричной, строились круглые, овальные и даже 8-угольные комнаты.
В XVIII веке рококо, архитектура которого отличалась легкостью и изяществом, прочно вошло и во внутреннее убранство помещений. Меблировка комнат, посуда и драпировка, а также радующие глаз мелочи, которые придавали комнате еще больше утонченности, - все это характерно для интерьера в стиле рококо.
Китайский акцент в рококо
Как уже было сказано несколько выше, новомодное направление в архитектуре XVIII века неким образом сочеталось с китайскими отголосками. В эту эпоху во внутреннем убранстве помещений все чаще можно было заметить элементы восточной культуры, которые как нельзя лучше подходили для стиля рококо. Помещения были разделены на своеобразные зоны при помощи легких ширм и перегородок, а на кухне все чаще можно было заметить оригинальные сервизы и прочую посуду, изготовленную из китайского фарфора.
Для комнат были характерны природные оттенки и Деревья с тонкими стволами, аквариумные рыбки и грациозная красота орхидей, обилие позолоты и прочие китайские мотивы - все это гармонично сочеталось в интерьере эпохи рококо.
Женское начало в архитектурном рококо
Для того чтобы проникнуться всей красотой и атмосферой этого направления в искусстве и архитектуре, недостаточно лишь видеть прекрасное - нужно уметь чувствовать его. Неслучайно, наверно, этому стилю приписывают женское начало. Хватит лишь напомнить о том, что все помещения из больших и просторных перестраивались в маленькие, укромные и интимные комнаты. Женственность чувствовалась абсолютно во всем. Более того, даже парадные залы и комнаты были скорее похожи на будуары - уж слишком в них все было камерно и интимно.
Светлые и нежные оттенки помещений, плавные и изящные изгибы стен, большое количество зеркал, а также кружевные элементы орнамента и обилие лепнины с живописными вставками - разве может какой-либо другой стиль быть настолько близок к прекрасному?
Игривый и изящный архитектурный стиль как нельзя лучше передает особенности женского характера.
Рококо сегодня
XVIII век - время рококо в архитектуре России. Однако и в настоящее время находятся поклонники этого изысканного и утонченного стиля.
Пастельные тона, плавность линий и отделка золотом, светлые оттенки и большое количество милых аксессуаров, всевозможные узоры и завитки, а также необыкновенные зеркала и разнообразные драпировки - это одни из самых главных отличительных особенностей данного архитектурного направления.
Отделка комнаты в стиле 18 столетия - это прекрасная возможность почувствовать себя настоящим аристократом. Возможности и перспективы развития мебельных компаний, а также невероятные фантазии дизайнеров и декораторов помогут создать оригинальную и необычную комнату в стиле рококо. В таких помещениях можно по-настоящему наслаждаться жизнью и радоваться каждому новому дню.
