“Nový svet sa narodil, keď ho impresionisti namaľovali“
Henri Kahnweiler
XIX storočia. Francúzsko. V maľbe sa stalo niečo nevídané. Skupina mladých umelcov sa rozhodla otriasť 500-ročnými tradíciami. Namiesto jasnej kresby použili široký, „nedbalý“ ťah.
A úplne opustili obvyklé obrázky, zobrazujúce všetkých v rade. A dámy ľahkej cnosti a páni pochybnej povesti.
Verejnosť nebola pripravená na impresionistickú maľbu. Boli zosmiešňovaní a karhaní. A čo je najdôležitejšie, nič od nich nekúpili.
Ale odpor bol zlomený. A niektorí impresionisti sa svojho triumfu dočkali. Pravda, mali už cez 40. Ako Claude Monet alebo Auguste Renoir. Iní čakali na uznanie až na konci života, ako Camille Pissarro. Niektorí sa ho už nedožili, ako Alfred Sisley.
Aký revolučný dosiahol každý z nich? Prečo verejnosti trvalo tak dlho, kým ich prijala? Tu je 7 najznámejších francúzskych impresionistov, ktorých pozná celý svet.
1. Edouard Manet (1832-1883)
Edouard Manet. Autoportrét s paletou. 1878 Súkromná zbierkaManet bol starší ako väčšina impresionistov. Bol ich hlavnou inšpiráciou.
Sám Manet netvrdil, že je vodcom revolucionárov. Bol to svetský človek. sníval o oficiálne ocenenia.
Na uznanie však čakal veľmi dlho. Verejnosť chcela vidieť grécke bohyne alebo prinajhoršom zátišia, aby v jedálni vyzerali krásne. Manet chcel písať moderný život. Napríklad kurtizány.
Výsledkom boli „Raňajky v tráve“. Dvaja dandies relaxujú v spoločnosti ľahučkých dám. Jeden z nich, akoby sa nič nestalo, si sadne k oblečeným mužom.
Edouard Manet. Raňajky v tráve. 1863, Paríž Porovnajte jeho Luncheon on the Grass s románom Thomasa Couturea Romans in Decline. Coutureho maľba vyvolala senzáciu. Umelec sa okamžite stal slávnym.
„Raňajky v tráve“ boli obvinené z vulgárnosti. Tehotným ženám absolútne neodporúčali pozerať sa na ňu.
Thomas Couture. Rimania v ich úpadku. 1847 Musée d'Orsay, Paríž. artchive.ru V Coutureovej maľbe vidíme všetky atribúty akademizmu (tradičná maľba 16.-19. storočia). Stĺpy a sochy. Ľudia apolónskeho vzhľadu. Tradičné tlmené farby. Spôsoby póz a gest. Zápletka z ďalekého života úplne iných ľudí.
„Raňajky v tráve“ od Maneta majú iný formát. Pred ním nikto kurtizány tak ľahko nestvárnil. Blízko váženým občanom. Aj keď mnohí muži tej doby takto trávili voľný čas. To bolo skutočný život skutočných ľudí.
Raz som stvárnil váženú dámu. Škaredý. Nedokázal jej zalichotiť štetcom. Pani bola sklamaná. Nechala ho v slzách.
Edouard Manet. Angelina. 1860 Musée d'Orsay, Paríž. Wikimedia.commons.org A tak pokračoval v experimentoch. Napríklad s farbou. Nesnažil sa zobraziť takzvanú prirodzenú farbu. Ak videl šedo-hnedú vodu ako jasne modrú, potom ju zobrazil ako jasne modrú.
To divákov, samozrejme, podráždilo. „Ani Stredozemné more sa nemôže pochváliť tým, že je modré ako Manetova voda,“ vtipkovali.
Edouard Manet. Argenteuil. Múzeum z roku 1874 výtvarného umenia, Tournai, Belgicko. Wikipedia.org Faktom však ostáva fakt. Manet radikálne zmenil účel maľby. Obraz sa stal stelesnením individuality umelca, ktorý maľuje, ako sa mu zachce. Zabúdanie na vzory a tradície.
Inovácie sa dlho neodpúšťali. Uznania sa mu dostalo až na sklonku života. Ale už to nepotreboval. Bolestne na to zomieral nevyliečiteľná choroba.
2. Claude Monet (1840-1926)
Claude Monet. Autoportrét v barete. 1886 Súkromná zbierka Clauda Moneta možno nazvať učebnicovým impresionistom. Keďže bol tomuto smeru verný celý jeho dlhý život.
Maľoval nie predmety a ľudí, ale jednofarebnú konštrukciu melírov a škvŕn. Samostatné ťahy. Otrasy vzduchu.
Claude Monet. Detský bazén. 1869 Metropolitné múzeum umenia, New York. metmuseum.org Monet maľoval nielen prírodu. Bol dobrý aj v mestskom prostredí. Jeden z najznámejších - .
Na tomto obrázku je veľa fotografií. Pohyb je napríklad prenášaný cez rozmazaný obraz.
Poznámka: vzdialené stromy a postavy sa zdajú byť v opare.
Claude Monet. Boulevard des Capucines v Paríži. 1873 (Galéria európskeho a amerického umenia 19.-20. storočia), Moskva Pred nami je zamrznutý moment v rušnom živote Paríža. Žiadna inscenácia. Nikto nepózuje. Ľudia sú zobrazovaní ako súbor ťahov štetcom. Takýto nedostatok zápletky a efekt „zmrazenia snímky“ - Hlavná prednosť impresionizmus.
V polovici 80. rokov boli umelci rozčarovaní z impresionizmu. Estetika je, samozrejme, dobrá. Nedostatok zápletky však mnohých deprimoval.
Iba Monet naďalej pretrvával a preháňal impresionizmus. To sa vyvinulo do série obrazov.
Desaťkrát zobrazil tú istú krajinu. IN iný čas dni. V rôznych obdobiach roka. Ukázať, ako môže teplota a svetlo zmeniť ten istý druh na nepoznanie.
Takto sa objavilo nespočetné množstvo kôp sena.
Obrazy Clauda Moneta v Múzeu výtvarných umení v Bostone. Vľavo: Haystack pri západe slnka v Giverny, 1891. Vpravo: Haystack (efekt snehu), 1891.
Upozorňujeme, že tiene na týchto obrazoch sú farebné. A nie sivá alebo čierna, ako bolo zvykom pred impresionistami. Toto je ďalší z ich vynálezov.
Monetovi sa podarilo tešiť z úspechu a materiálny blahobyt. Po 40-ke už zabudol na chudobu. Mám dom a krásna záhrada. A dlhé roky pracoval pre svoje potešenie.
Prečítajte si o najikonickejšej maľbe majstra v článku
3. Auguste Renoir (1841-1919)
Pierre-Auguste Renoir. Autoportrét. 1875 Sterling and Francine Clark Institute of Art, Massachusetts, USA. Pinterest.ru Impresionizmus je najpozitívnejšia maľba. A najpozitívnejší medzi impresionistami bol Renoir.
V jeho obrazoch nenájdete drámu. Nepoužil ani čiernu farbu. Iba radosť z bytia. Aj tie najbanálnejšie veci v Renoir vyzerajú nádherne.
Na rozdiel od Moneta Renoir maľoval ľudí častejšie. Krajiny boli pre neho menej dôležité. Jeho priatelia a známi na obrazoch relaxujú a užívajú si život.
Pierre-Auguste Renoir. Raňajky veslárov. 1880-1881 Phillips Collection, Washington, USA. Wikimedia.commons.org V Renoir nenájdete žiadnu hĺbku. Bol veľmi rád, že sa pridal k impresionistom, ktorí úplne opustili predmety.
Ako sám povedal, konečne má možnosť maľovať kvety a nazývať ich jednoducho „Kvety“. A nevymýšľajte si o nich žiadne príbehy.
Pierre-Auguste Renoir. Žena s dáždnikom v záhrade. 1875 Thyssen-Bormenis Museum, Madrid. arteuam.com Najlepšie sa Renoir cítil v spoločnosti žien. Požiadal svoje slúžky, aby spievali a žartovali. Čím hlúpejšia a naivnejšia pesnička bola, tým lepšie pre neho. A mužské štebotanie ho unavilo. Nie je prekvapujúce, že Renoir je známy svojimi nahými maľbami.
Modelka na obraze „Nahý v slnečné svetlo“ Zdá sa, že sa objavuje na farebnom abstraktnom pozadí. Pretože pre Renoira nie je nič druhoradé. Oko modelu alebo časť pozadia sú ekvivalentné.
Pierre-Auguste Renoir. Nahá na slnku. 1876 Musée d'Orsay, Paríž. wikimedia.commons.org Renoir žil dlhý život. A nikdy som neodložila štetec a paletku. Aj keď mal ruky úplne spútané reumou, kefu si priviazal k ruke povrazom. A kreslil.
Rovnako ako Monet čakal na uznanie po 40 rokoch. A videl som svoje obrazy v Louvri, vedľa diel slávnych majstrov.
Prečítajte si o jednom z najčarovnejších portrétov Renoira v článku
4. Edgar Degas (1834-1917)
Edgar Degas. Autoportrét. 1863 Múzeum Calouste Gulbenkian, Lisabon, Portugalsko. culted.com Degas nebol klasický impresionista. Nerád pracoval pod holým nebom (na vonku). Nenájdete u neho zámerne zosvetlenú paletku.
Naopak, miloval jasnú líniu. Má veľa čiernej. A pracoval výlučne v štúdiu.
Napriek tomu je vždy postavený do radu s inými veľkými impresionistami. Pretože bol impresionistom gest.
Neočakávané uhly. Asymetria v usporiadaní predmetov. Postavy zaskočené. To sú hlavné atribúty jeho obrazov.
Zastavil momenty života, nedovolil postavám, aby sa spamätali. Stačí sa pozrieť na jeho „Operný orchester“.
Edgar Degas. Operný orchester. 1870 Musée d'Orsay, Paríž. commons.wikimedia.org V popredí je operadlo stoličky. Hudobník je nám chrbtom. A v pozadí sa baleríny na javisku nezmestili do „rámu“. Ich hlavy sú nemilosrdne „odrezané“ okrajom obrazu.
Takže jeho obľúbené tanečnice nie sú vždy zobrazené v krásnych pózach. Niekedy robia len strečing.
Ale takáto improvizácia je vymyslená. Samozrejme, Degas si kompozíciu dôkladne premyslel. Toto je len efekt zmrazenia, nie skutočný zmrazený obraz.
Edgar Degas. Dvaja baletní tanečníci. 1879 Shelburne Museum, Vermút, USA Edgar Degas rád maľoval ženy. Ale choroba alebo vlastnosti tela mu nedovoľovali mať s nimi fyzický kontakt. Nikdy nebol ženatý. Nikto ho nikdy nevidel s dámou.
Absencia skutočných námetov v jeho osobnom živote dodávala jeho obrazom jemnú a intenzívnu erotiku.
Edgar Degas. Baletná hviezda. 1876-1878 Musee d'Orsay, Paríž. wikimedia.comons.org Upozorňujeme, že na obraze „Baletná hviezda“ je zobrazená iba samotná balerína. Jej kolegov v zákulisí takmer nevidno. Len pár nôh.
To neznamená, že Degas obraz nedokončil. Toto je recepcia. Zamerajte sa len na to najdôležitejšie. Nechajte zvyšok zmiznúť, nečitateľný.
Prečítajte si o ďalších obrazoch majstra v článku
5. Berthe Morisot (1841-1895)
Edouard Manet. Portrét Berthe Morisot. 1873 Marmottan-Monet Museum, Paríž. Berthe Morisot sa zriedka umiestňuje na prvom mieste medzi veľkými impresionistami. Som si istý, že je to nezaslúžené. Práve v jej tvorbe nájdete všetky hlavné črty a techniky impresionizmu. A ak sa vám tento štýl páči, jej tvorbu si zamilujete z celého srdca.
Morisot pracovala rýchlo a impulzívne a preniesla svoje dojmy na plátno. Zdá sa, že postavy sa čoskoro rozplynú vo vesmíre.
Berthe Morisot. Leto. 1880 Fabray Museum, Montpellier, Francúzsko. Podobne ako Degas často nechávala niektoré detaily nedokončené. A dokonca aj časti tela modelky. Nemôžeme rozlíšiť ruky dievčaťa na obraze „Leto“.
Morisotova cesta k sebavyjadreniu bola náročná. Nielenže sa venovala „neopatrnému“ maľovaniu. Bola to stále žena. V tých časoch mala dáma snívať o svadbe. Potom sa zabudlo na akýkoľvek koníček.
Bertha preto manželstvo dlho odmietala. Až kým nenašla muža, ktorý rešpektoval jej povolanie. Eugene Manet bol bratom umelca Edouarda Maneta. Za manželkou poslušne nosil stojan a farby.
Berthe Morisot. Eugene Manet so svojou dcérou v Bougival. 1881 Marmottan-Monet Museum, Paríž. Ale stále to bolo v 19. storočí. Nie, nemal som na sebe nohavice Morisot. Nemohla si však dovoliť úplnú slobodu pohybu.
Nemohla ísť do parku pracovať sama, bez sprievodu niekoho blízkeho. Nemohol som sedieť sám v kaviarni. Preto jej obrazy tvoria ľudia z rodinného kruhu. Manžel, dcéra, príbuzní, pestúnky.
Berthe Morisot. Žena s dieťaťom v záhrade v Bougival. 1881 národné múzeum Wales, Cardiff. Morisot nečakal na uznanie. Zomrela vo veku 54 rokov na zápal pľúc, pričom počas svojho života nepredala takmer žiadnu zo svojich prác. Na jej úmrtnom liste bola v stĺpci „povolanie“ pomlčka. Bolo nemysliteľné, aby žena bola nazývaná umelkyňou. Aj keby v skutočnosti bola.
Prečítajte si o maľbách majstra v článku
6. Camille Pissarro (1830 – 1903)
Camille Pissarro. Autoportrét. 1873 Musée d'Orsay, Paríž. Wikipedia.org Camille Pissarro. Nekonfliktné, rozumné. Mnohí ho vnímali ako učiteľa. O Pissarrovi nehovorili zle ani tí najtemperamentnejší kolegovia.
Bol verným stúpencom impresionizmu. Vo veľkej núdzi, s manželkou a piatimi deťmi, stále tvrdo pracoval vo svojom obľúbenom štýle. A nikdy neprešiel na salónne maľovanie, aby sa stal populárnejším. Nie je známe, kde nabral silu plne si veriť.
Aby vôbec nezomrel od hladu, Pissarro namaľoval vejáre, ktoré sa horlivo kupovali. Ale skutočné uznanie mu prišlo až po 60 rokoch! Potom bol konečne schopný zabudnúť na svoju potrebu.
Camille Pissarro. Dostavník v Louveciennes. 1869 Musee d'Orsay, Paríž Vzduch na Pissarrových obrazoch je hustý a hustý. Mimoriadne spojenie farieb a objemu.
Umelec sa nebál maľovať najpremenlivejšie prírodné úkazy, ktoré sa na chvíľu objavia a zaniknú. Prvý sneh, mrazivé slnko, dlhé tiene.
Camille Pissarro. Mráz. 1873 Musee d'Orsay, Paríž Jeho najznámejšie diela sú pohľady na Paríž. So širokými bulvármi a rušným pestrým davom. V noci, cez deň, za rôzneho počasia. V niektorých ohľadoch odrážajú sériu obrazov Clauda Moneta.
Ďalší vývoj európskeho maliarstva je spojený s impresionizmom. Tento termín sa zrodil náhodou. Dôvodom bol názov krajiny od C. Moneta „Impression. Východ slnka“ (pozri prílohu č. 1, obr. 3) (z francúzskeho impresia – impresia), ktorý sa objavil na výstave impresionistov v roku 1874. Toto je prvé hovorenie na verejnosti skupina umelcov, ku ktorej patrili C. Monet, E. Degas, O. Renoir, A. Sisley, C. Pissarro a ďalší, bola privítaná oficiálnou buržoáznou kritikou hrubým výsmechom a prenasledovaním. Pravda, už od konca 80. rokov 19. storočia formálne techniky ich maľby prevzali predstavitelia akademické umenie, čo dalo Degasovi dôvod trpko poznamenať: „Zastrelili nás, no zároveň nám prehrabali vrecká.“
Teraz, keď sú vášnivé debaty o impresionizme minulosťou, sotva sa niekto odváži spochybniť, že impresionistické hnutie bolo ďalším krokom vo vývoji európskeho umenia. realistická maľba. „Impresionizmus je predovšetkým umenie pozorovania reality, ktoré dosiahlo nebývalú sofistikovanosť“ (V. N. Prokofiev). V snahe o maximálnu spontánnosť a presnosť pri sprostredkovaní viditeľného sveta začali maľovať hlavne v plenéri a zvýšili význam náčrtov z prírody, ktoré takmer nahradili tradičný typ maľby, starostlivo a pomaly vytváraný v ateliéri.
Dôsledne objasňujúc svoju paletu, impresionisti oslobodzovali maľbu od zemitých a hnedých lakov a farieb. Konvenčná, „múzejná“ čierňava na ich plátnach ustupuje nekonečne rozmanitej hre reflexov a farebných tieňov. Nesmierne rozšírili možnosti výtvarné umenie, objavovanie nielen sveta slnka, svetla a vzduchu, ale aj krásy hmiel, nepokojnej atmosféry života veľké mesto, rozptyl nočných svetiel a rytmus nepretržitého pohybu.
Práve vďaka metóde práce pod holým nebom zaujímala krajina, vrátane nimi objavenej mestskej krajiny, veľmi dôležité miesto v umení impresionistov. O tom, do akej miery sa tradícia a inovácia organicky prelínali v umení impresionistov, svedčí predovšetkým dielo vynikajúceho maliara 19. storočia Edouarda Maneta (1832-1883). Pravda, on sám sa nepovažoval za predstaviteľa impresionizmu a vždy vystavoval oddelene, no z ideologického a ideologického hľadiska bol nepochybne predchodcom aj ideovým vodcom tohto hnutia.
Na začiatku tvorivej kariéry bol E. Manet ostrakizovaný (výsmech spoločnosti). V očiach buržoáznej verejnosti a kritikov sa jeho umenie stáva synonymom škaredého a samotného umelca nazývajú „bláznom, ktorý maľuje obraz, trasúc sa v delíriu tremens“ (M. de Montifaud) (pozri prílohu č. 1, Obr. 4). Manetov talent dokázali oceniť len tie najbystrejšie mysle tej doby. Medzi nimi boli Charles Baudelaire a mladý E. Zola, ktorý vyhlásil, že „Pán Manet je predurčený na miesto v Louvri“.
Impresionizmus dostal svoj najdôslednejší, ale aj ďalekosiahly výraz v diele Clauda Moneta (1840-1926). Jeho meno je často spájané s takými úspechmi tejto maliarskej metódy, ako je prenos nepolapiteľných prechodných stavov osvetlenia, vibrácie svetla a vzduchu, ich vzájomný vzťah v procese neustálych zmien a premien. "Toto bolo nepochybne veľké víťazstvo pre umenie modernej doby," píše V.N. Prokofiev a dodáva: "Ale aj jeho konečné víťazstvo." Nie je náhoda, že Cezanne, aj keď trochu polemicky vyostril svoju pozíciu, neskôr tvrdil, že Monetovo umenie je „iba oko“.
Monetove rané diela sú celkom tradičné. Stále obsahujú ľudské postavy, ktoré sa neskôr čoraz viac menia na stafáž a postupne miznú z jeho obrazov. V 70. rokoch 19. storočia sa impresionistický štýl umelca konečne vyprofiloval a odteraz sa venoval výlučne krajine. Odvtedy sa venuje takmer výlučne plenérovej tvorbe. Práve v jeho tvorbe sa typ konečne ustálil veľký obraz- skica.
Monet ako jeden z prvých vytvoril sériu obrazov, na ktorých sa rovnaký motív opakuje v rôznych obdobiach roka a dňa, za rôznych svetelných a poveternostných podmienok (pozri prílohu č. 1, obr. 5, 6). Nie sú si všetci rovní, ale najlepšie plátna Tieto série ohromujú sviežosťou farieb, intenzitou farieb a umelosťou ich svetelných efektov.
V neskorom období tvorivosti v Monetovej maľbe zosilneli tendencie dekoratívnosti a plochosti. Jas a čistota farieb sa mení na svoj protiklad, objavuje sa akási belasosť. Keď E. Zola hovoril o zneužívaní „svetlého tónu, ktorý zmenili niektoré diela na odfarbené plátno“ zosnulými impresionistami, napísal: „A dnes už nie je nič iné ako plenér... zostali len škvrny: portrét je len bod, postavy sú len škvrny, iba škvrny.“
Ostatní impresionistickí umelci boli tiež väčšinou krajinári. Ich tvorba často nezaslúžene zostávala v tieni vedľa skutočne pestrej a pôsobivej Monetovej postavy, hoci v ostražitosti videnia prírody a v maliarskych schopnostiach neboli o nič menej ako on. Spomedzi nich treba ako prvé spomenúť mená Alfreda Sisleyho (1839-1899) a Camille Pissarra (1831-1903). Diela Sisleyho, rodeného Angličana, sa vyznačujú osobitou obrazovou eleganciou. Geniálny majster plenéru, vedel sprostredkovať priehľadný vzduch číre zimné ráno, ľahký opar slnkom prehriatej hmly, po oblohe bežia mraky vo veternom dni. Jeho rozsah sa vyznačuje bohatosťou odtieňov a vernosťou tónov. Umelcove krajiny sú vždy presiaknuté hlbokou náladou, odrážajúc jeho v podstate lyrické vnímanie prírody (pozri prílohu č. 1, obr. 7, 8, 9).
Bolo to komplikovanejšie kreatívna cesta Pissarro, jediný umelec, ktorý sa zúčastnil na všetkých ôsmich výstavách impresionistov, J. Rewald ho nazval „patriarchom“ tohto hnutia. Začínajúc maliarskymi krajinkami podobnými Barbizonom, pod vplyvom Maneta a jeho mladých priateľov začal pracovať pod holým nebom a postupne zľahčoval paletu. Postupne si rozvíja vlastnú impresionistickú metódu. Bol jedným z prvých, ktorí upustili od používania čiernej farby. Pissarro vždy inklinoval k analytickému prístupu k maľbe, preto jeho experimenty s rozkladom farieb - „divizionizmus“ a „pointelizmus“. Čoskoro sa však vracia k impresionistickému spôsobu, akým jeho najlepšie diela- nádherná séria mestských krajiniek Paríža (pozri prílohu č. 1, obr. 10,11,12,13). Ich kompozícia je vždy premyslená a vyvážená, maľba je vycibrená farebne a majstrovská v technike.
V Rusku mestskú krajinu v impresionizme osvietil Konstantin Korovin. "Paríž bol pre mňa šok... impresionisti... v nich som videl to, za čo ma v Moskve karhali." Korovin (1861-1939) spolu so svojím priateľom Valentinom Serovom boli ústrednými postavami ruského impresionizmu. Pod veľkým vplyvom francúzskeho hnutia si vytvoril vlastný štýl, v ktorom sa miešali hlavné prvky francúzskeho impresionizmu so sýtou farebnosťou ruského umenia toho obdobia (pozri prílohu č. 1, obr. 15).
Jedno z najväčších hnutí v umení posledné desaťročia Devätnáste storočie a začiatok dvadsiateho je impresionizmus, ktorý sa do celého sveta rozšíril z Francúzska. Jeho predstavitelia sa zaoberali vývojom takých metód a techník maľby, ktoré by umožnili čo najživšie a najprirodzenejšie odrážať reálny svet v dynamike, sprostredkovať prchavé dojmy o ňom.
Mnoho umelcov vytvorilo svoje plátna v štýle impresionizmu, ale zakladateľmi hnutia boli Claude Monet, Edouard Manet, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Edgar Degas, Frederic Basil, Camille Pissarro. Nie je možné vymenovať ich najlepšie diela, pretože sú všetky krásne, ale existujú tie najznámejšie a o nich sa bude diskutovať ďalej.
Claude Monet: „Dojem. Vychádzajúce slnko"
Plátno, s ktorým by ste mali začať rozhovor o najlepších obrazoch impresionistov. Claude Monet ho namaľoval v roku 1872 zo života v starom prístave Le Havre vo Francúzsku. O dva roky neskôr bol obraz prvýkrát predstavený verejnosti v bývalom ateliéri francúzskeho umelca a karikaturistu Nadara. Táto výstava sa stala pre umelecký svet osudnou. Zaujatý (vôbec nie) v tom najlepšom zmysle) od Moneta, ktorého názov v pôvodnom jazyku znie ako „Impression, soleil levant“, novinár Louis Leroy prvýkrát vytvoril termín „impresionizmus“, ktorý označuje nový smer v maľbe.
Obraz bol ukradnutý v roku 1985 spolu s dielami O. Renoira a B. Morisota. Objavili ho o päť rokov neskôr. Aktuálne „Dojem. Vychádzajúce slnko„patrí do Marmottan-Monet Museum v Paríži.
Edouard Monet: "Olympia"
Obraz "Olympia", ktorý vytvoril francúzsky impresionista Edouard Manet v roku 1863, je jedným z majstrovských diel moderného maliarstva. Prvýkrát bol predstavený na Parížskom salóne v roku 1865. Impresionistickí umelci a ich obrazy sa často ocitli v centre vysokoprofilové škandály. Olympia však spôsobila najväčší z nich v dejinách umenia.
Na plátne vidíme nahú ženu, tvár a telo obrátené k publiku. Druhou postavou je slúžka tmavej pleti, ktorá drží luxusnú kyticu zabalenú v papieri. V nohách postele je čierne mačiatko v charakteristickej póze s klenutým chrbtom. O histórii maľby sa toho veľa nevie; dostali sa k nám len dve skice. Modelom bol s najväčšou pravdepodobnosťou Manetov obľúbený model Quiz Meunard. Existuje názor, že umelec použil obraz Marguerite Bellangerovej, Napoleonovej milenky.
V období kreativity, keď vznikla Olympia, Manet fascinoval japonské umenie, a preto zámerne odmietol rozpracovať nuansy tmy a svetla. Z tohto dôvodu jeho súčasníci nevideli objem zobrazenej postavy a považovali ju za plochú a drsnú. Umelec bol obvinený z nemravnosti a vulgárnosti. Nikdy predtým nevyvolali impresionistické obrazy také vzrušenie a výsmech davu. Administratíva bola nútená umiestniť okolo nej stráže. Manetovu slávu získanú Olympiou a odvahu, s ktorou prijímal kritiku, porovnal Degas so životným príbehom Garibaldiho.
Takmer štvrťstoročie po výstave bolo plátno v ateliéri umelca držané mimo dosahu zvedavých očí. Potom bola opäť vystavená v Paríži v roku 1889. Bola takmer kúpená, ale umelcovi priatelia vyzbierali požadovanú sumu a kúpili „Olympiu“ od Manetovej vdovy a potom ju darovali štátu. Teraz obraz patrí do múzea Orsay v Paríži.
Auguste Renoir: "Veľkí kúpači"
Obraz namaľoval francúzsky umelec v rokoch 1884-1887. Berúc teraz do úvahy všetko slávne obrazy impresionisti medzi rokom 1863 a začiatkom dvadsiateho storočia, “ Veľkí kúpači“ sa volá najviac veľkoplošné plátno s nahým ženské postavy. Renoir na ňom pracoval viac ako tri roky a počas tohto obdobia vzniklo mnoho skíc a náčrtov. V jeho tvorbe nebolo žiadneho iného obrazu, ktorému by venoval toľko času.
V popredí divák vidí tri nahé ženy, z ktorých dve sú na brehu a tretia stojí vo vode. Figúrky sú namaľované veľmi realisticky a zreteľne, čo je charakteristický znakštýl umelca. Renoirovými modelmi boli Alina Sharigo (jeho budúca manželka) a Suzanne Valadon, ktorá sa v budúcnosti sama stala slávnou umelkyňou.
Edgar Degas: "Blue Dancers"
Nie všetky slávne impresionistické obrazy uvedené v článku boli namaľované olejom na plátne. Vyššie uvedená fotografia vám umožňuje pochopiť, čo predstavuje obraz „Blue Dancers“. Bol vyrobený pastelmi na papier s rozmermi 65x65 cm a patrí do neskoré obdobie tvorivosť umelca (1897). Maľoval ho s už zhoršeným zrakom, takže prvoradý význam sa prikladá dekoratívnej organizácii: obraz je vnímaný ako veľké farebné škvrny, najmä pri pohľade zblízka. Degasovi bola blízka téma tanečníkov. V jeho tvorbe sa to opakovalo mnohokrát. Mnohí kritici sa domnievajú, že vďaka harmónii farby a kompozície „ Modrí tanečníci“ dalo by sa zvážiť najlepšia práca umelec na táto téma. V súčasnosti je obraz uložený v Múzeu umenia. A. S. Puškina v Moskve.
Frédéric Bazille: "Ružové šaty"
Jeden zo zakladateľov francúzskeho impresionizmu Frédéric Bazille sa narodil v buržoáznej rodine bohatého vinára. Ešte počas štúdia na lýceu sa začal zaujímať o maľbu. Po presťahovaní sa do Paríža sa zoznámil s C. Monetom a O. Renoirom. Bohužiaľ, umelec bol predurčený na krátky čas životná cesta. Zomrel vo veku 28 rokov na fronte počas francúzsko-pruskej vojny. Jeho obrazy, aj keď ich je málo, sú však právom zaradené do zoznamu „ Najlepšie maľby Impresionisti." Jedným z nich sú „Pink Dress“ namaľované v roku 1864. Podľa všetkého možno plátno pripísať ranému impresionizmu: farebné kontrasty, pozornosť voči farbám, slnečnému žiareniu a zmrazený moment, presne to, čo sa nazývalo „dojem“. Jedna z umelcových sesterníc, Teresa de Hors, pôsobila ako modelka. Obraz v súčasnosti patrí do Musée d'Orsay v Paríži.
Camille Pissarro: „Boulevard Montmartre. Popoludnie, slnečné“
Camille Pissarro sa stal známym vďaka svojim krajinám, charakteristický znakčo je kresba svetla a osvetlených predmetov. Jeho diela mali výrazný vplyv na žáner impresionizmu. Umelec nezávisle rozvinul mnohé zo svojich základných princípov, ktoré tvorili základ pre jeho budúcu kreativitu.
Pissarro rád maľoval to isté miesto v rôznych časoch dňa. Na konte má celú sériu plátien s parížskymi bulvármi a ulicami. Najznámejší z nich je „Boulevard Montmartre“ (1897). Odráža všetko kúzlo, ktoré umelec vidí v kypiacom a nepokojnom živote tohto kúta Paríža. Pri pohľade na bulvár z toho istého miesta ho ukazuje divákovi za slnečného a zamračeného dňa, ráno, popoludní a neskoro večer. Na fotografii nižšie je obraz „Montmartre Boulevard v noci“.
Tento štýl si následne osvojili mnohí umelci. Spomenieme len, ktoré impresionistické obrazy boli napísané pod vplyvom Pissarra. Tento trend je jasne viditeľný v Monetovom diele (séria obrazov „Haystacks“).
Alfred Sisley: "Trávniky na jar"
„Trávniky na jar“ sú jedným z najviac neskoré maľby krajinár Alfred Sisley, maľovaný v rokoch 1880-1881. Divák v ňom vidí lesnú cestu po brehu Seiny s dedinou na opačnom brehu. V popredí je dievča – umelcova dcéra Jeanne Sisley.
Umelcove krajiny sprostredkúvajú autentickú atmosféru historického regiónu Ile-de-France a zachovávajú si zvláštnu jemnosť a transparentnosť prirodzený fenomén, charakteristické pre konkrétne obdobia roka. Umelec nikdy nebol zástancom nezvyčajných efektov a držal sa jednoduchej kompozície a obmedzenej palety farieb. V súčasnosti je obraz uložený Národná galéria Londýn.
Uviedli sme najznámejšie impresionistické obrazy (s názvami a popismi). Sú to majstrovské diela svetovej maľby. Jedinečný štýl maľby, ktorý vznikol vo Francúzsku, bol spočiatku vnímaný s výsmechom a iróniou, kritici zdôrazňovali priamu nedbanlivosť umelcov pri maľovaní ich plátien. Teraz by sa sotva niekto odvážil vyzvať ich génia. Impresionistické obrazy sú vystavené v najprestížnejších múzeách sveta a sú vyhľadávaným exponátom pre každú súkromnú zbierku.
Štýl neupadol do zabudnutia a má veľa nasledovníkov. Známy je náš krajan Andrei Kokh, francúzsky maliar Laurent Parselier, Američanky Diana Leonard a Karen Tarleton novodobí impresionisti. Ich obrazy sú vyrobené v najlepších tradíciách žánru, naplnené svetlé farby, odvážne ťahy a život. Na fotografii vyššie je práca Laurenta Parseliera „V lúčoch slnka“.
Chlapci, vložili sme našu dušu do stránky. Ďakujem za to
že objavujete túto krásu. Ďakujem za inšpiráciu a naskakuje mi husia koža.
Pridajte sa k nám Facebook A V kontakte s
Jeseň je plná romantiky a zvláštnej oduševnenosti. Príroda žiari zlatou a karmínovou farbou, ľudia sa stávajú sentimentálnejšími a umelci sa inšpirujú svojimi štetcami. A ich výtvory, tak odlišné v prevedení, odzrkadľujú všetko to najkrajšie: farebné lesy, dažde uspávajúce metropoly, opadané lístie v jazerách...
Tím webovej stránky tiež presiaknutý lyrickou náladou a pozýva vychutnať si obrazy umelcov očarených jeseňou.
Mestské melódie od Guya Dessata
Talentovaný francúzsky umelec navštevoval najviac rôzne rohy mier. Na jeho obrazoch môžete vidieť Japonsko aj Ameriku. Ale predovšetkým sa spomínajú diela Guya Dessata venované najromantickejšiemu mestu na svete - Parížu.
Magický akvarel od Abe Toshiyuki
Úžasné akvarely Japonský umelec Abe Toshiyuki je uvedený do filozofickej nálady. Dôležité najmenšie detaily: žblnkot rieky, šuchot lístia, nežnosť okvetných lístkov sakury... Podľa maliara „umenie je zrkadlom duše pozorovateľa“, takže každý obraz si môžete nastaviť podľa seba.
Krásna realita Petra Mörka Mönsteda
Peter Mørk Mønsted, známy realistický umelec z Dánska, vo svojich obrazoch najčastejšie zobrazoval vidiecke oblasti, lesy a rieky. Napriek jednoduchosti deja nemožno zabudnúť na krajinu talentovaného maliara. Sú vykonávané s majstrovskou zručnosťou a pozývajú nás, aby sme si užili kontempláciu prírodného sveta.
Slnečný svet Laurenta Parseliera
Ak vás zamračené počasie zarmúti, bude sa vám páčiť solárne maľby pravý Francúz Laurent Parselier. Na obrazoch pozitívneho impresionistického umelca je aj na jeseň len krásne počasie. A jeho „podpisové“ slnečné lúče vám okamžite zdvihnú náladu.
Záhada Johna Atkinsona Grimshawa
O tom úžasný umelec povedali, že „kreslí mesačný svit hmla a súmrak." Zdá sa, že jeho ohromujúce obrazy sú naplnené nejakým mystickým významom. Diela Johna Atkinsona možno dnes vidieť len v katalógoch, keďže všetky originály sú v súkromných zbierkach. Ale kedysi boli rodičia mladého Johna kategoricky proti jeho vášni pre maľovanie.
18-19 storočia znamenala obdobie prosperity európske umenie. Vo Francúzsku cisár Napoleon III nariadil rekonštrukciu Paríža po nepriateľských akciách počas francúzsko-pruskej vojny. Paríž sa rýchlo stal tým istým „žiariacim mestom“, akým bol za Druhej ríše, a opäť sa vyhlásil za centrum európskeho umenia. Preto sa mnohí impresionistickí umelci vo svojich dielach obracali k téme moderného mesta. Moderné mesto v ich dielach nie je monštrum, ale vlasť, kde žijú ľudia. Mnohé diela sú impregnované silný pocit vlastenectvo.
Vidno to najmä na obrazoch Clauda Moneta. Vytvoril viac ako 30 obrazov s pohľadmi na Rouenskú katedrálu v širokej škále svetelných a atmosférických podmienok. Napríklad v roku 1894 Monet namaľoval dva obrazy - „Rouenská katedrála na poludnie“ a „Rouenská katedrála večer“. Oba obrazy zobrazujú ten istý fragment katedrály, ale v iných tónoch - v teplých žlto-ružových tónoch poludnia a v studených modrastých odtieňoch umierajúceho svetla súmraku. Farebná škvrna v obrazoch úplne rozpúšťa líniu, nie hmotnú váhu kameňa, ale akoby svetlú farebnú záclonu.
Impresionisti sa snažili, aby obraz vyzeral otvorené okno, cez ktorý je viditeľný reálny svet. Často si zvolili výhľad z okna na ulicu. Slávny „Boulevard des Capucines“ od C. Moneta, namaľovaný v roku 1873 a vystavený na prvej impresionistickej výstave v roku 1874, je vynikajúcim príkladom tejto techniky. Je tu veľa inovácií - ako motív krajiny bol vybraný pohľad na veľkú mestskú ulicu, ale umelca zaujíma jej vzhľad ako celok, a nie jej atrakcie. Celá masa ľudí je zobrazená kĺzavými ťahmi, zovšeobecneným spôsobom, v ktorom je ťažké rozoznať jednotlivé postavy.
Monet v tomto diele sprostredkúva okamžitý, čisto vizuálny dojem sotva badateľného vibrujúceho vzduchu, ulíc, ľudí a odchádzajúcich vozňov idúcich hlbšie do hĺbky. Ničí myšlienku plochého plátna, vytvára ilúziu priestoru a napĺňa ho svetlom, vzduchom a pohybom. Ľudské oko rúti sa do nekonečna a neexistuje žiadny hraničný bod, kde by sa mohol zastaviť.
Vysoký uhol pohľadu umožňuje umelcovi opustiť popredie a sprostredkúva brilantné slnečné svetlo v kontraste s modrofialovými tieňmi domov ležiacich na dlažbe ulice. Monet dáva slnečnej strane oranžovú, zlatistú teplú, tieňovú fialovú, ale jediný svetlovzdušný opar dáva celej krajine tónovú harmóniu a obrysy domov a stromov sa vynárajú vo vzduchu, preniknutého slnečnými lúčmi.
V roku 1872 v Le Havre Monet namaľoval „Dojem. Východ slnka“ – pohľad na prístav Le Havre, neskôr prezentovaný na prvej výstave impresionistov. Tu sa umelec zrejme konečne oslobodil od všeobecne akceptovanej myšlienky obrazového objektu ako určitého objemu a úplne sa venoval sprostredkovaniu momentálneho stavu atmosféry v modrých a ružovo-oranžových tónoch. V skutočnosti sa všetko zdá byť nehmotné: mólo Le Havre a lode splývajú s pruhmi na oblohe a odrazom vo vode a siluety rybárov a lodí v popredí sú len tmavé škvrny, vyrobený niekoľkými intenzívnymi ťahmi. Odmietanie akademických techník, maľby v plenéri a výber nezvyčajných námetov sa stretlo s nevraživosťou vtedajších kritikov. Louis Leroy, autor zúrivého článku, ktorý sa objavil v časopise „Charivari“, prvýkrát v súvislosti s týmto konkrétnym obrazom použil termín „impresionizmus“ ako definíciu nového pohybu v maľbe.
Ešte jeden vynikajúca práca, venovaný mestu, bol obraz Clauda Moneta „Gare Saint-Lazare“. Monet namaľoval viac ako desať obrazov podľa vlakovej stanice Saint-Lazare, z ktorých sedem bolo vystavených na 3. výstave impresionistov v roku 1877.
Monet si prenajal malý byt na Monsey Street, ktorý sa nachádza neďaleko stanice. Umelec dostal úplnú slobodu konania. Pohyb vlakov sa na chvíľu zastavil a on jasne videl nástupištia, pece dymiacich lokomotív, ktoré boli naplnené uhlím - aby sa para valila z komínov. Monet sa pevne „usadil“ na stanici, cestujúci ho sledovali s rešpektom a úctou.
Keďže sa vzhľad stanice neustále menil, Monet si na mieste robil iba náčrty a na základe nich v ateliéri maľoval samotné obrazy. Na plátne vidíme veľkú železničnú stanicu, zakrytú baldachýnom namontovaným na železných stĺpoch. Vľavo aj vpravo sú nástupištia: jedna koľaj je určená pre prímestské vlaky, druhá pre diaľkové vlaky. Špeciálna atmosféra sa prenáša prostredníctvom kontrastu slabého osvetlenia vo vnútri stanice a jasného, oslnivého pouličného osvetlenia. Oblaky dymu a pary roztrúsené po celom plátne vyvažujú kontrastné pruhy osvetlenia. Všade presakuje dym, žiariace oblaky víria proti slabým siluetám budov. Zdá sa, že hustá para dáva tvar mohutným vežiam a zakrýva ich ľahkým závojom ako najtenšia pavučina. Obraz je maľovaný v jemných tlmených tónoch s jemnými prechodmi odtieňov. Svižné, presné ťahy v tvare čiarok, charakteristické pre tú dobu, sú vnímané ako mozaika, divák má dojem, že para sa buď rozptyľuje, alebo kondenzuje.
Ďalší predstaviteľ impresionistov C. Pissarro, ako všetci impresionisti, rád maľoval mesto, ktoré ho uchvátilo nekonečným pohybom, prúdením prúdov vzduchu a hrou svetla. Vnímal ho ako živý, nepokojný organizmus, schopný meniť sa v závislosti od ročného obdobia a stupňa osvetlenia.
V zime a na jar roku 1897 Pissarro pracoval na sérii obrazov s názvom „Boulevards of Paris“. Tieto diela priniesli umelcovi slávu a pritiahli pozornosť kritikov, ktorí spájali jeho meno s divizionistickým hnutím. Umelec robil náčrty pre sériu z okna hotelovej izby v Paríži a práce na obrazoch dokončil vo svojom ateliéri v Eragny koncom apríla. Táto séria je jediná v Pissarrovom diele, v ktorej sa umelec snažil zachytiť s maximálnou presnosťou rôzne štáty počasie a slnečné svetlo. Umelec napríklad namaľoval 30 obrazov zobrazujúcich Montmartre Boulevard, pričom si ho prezeral z rovnakého okna.
V obrazoch „Boulevard Montmartre v Paríži“ majster C. Pissarro majstrovsky sprostredkoval bohatstvo atmosférických efektov, farebnú zložitosť a jemnosť zamračeného dňa. Dynamika mestského života, tak presvedčivo stelesnená maliarovým rýchlym štetcom, vytvára obraz moderného mesta – nie slávnostného, nie oficiálneho, ale vzrušeného a živého. Mestská krajina sa stala hlavným žánrom v práci tohto vynikajúceho impresionistu - „speváka Paríža“.
Hlavné mesto Francúzska zaujíma v Pissarrovej tvorbe osobitné miesto. Umelec neustále žil mimo mesta, ale Paríž ho neustále priťahoval. Paris ho uchvacuje svojim neustálym a univerzálnym pohybom – chôdzou chodcov a jazdou kočov, prúdením vzdušných prúdov a hrou svetla. Pissarrovo mesto nie je zoznamom pozoruhodných domov, ktoré sa dostali do umelcovho zorného poľa, ale živým a nepokojným organizmom. V zajatí tohto života si neuvedomujeme banalitu budov, ktoré tvoria Boulevard Montmartre. Umelec nachádza jedinečné čaro v nepokoji Veľkých bulvárov. Pissarro zachytil Montmartre Boulevard ako ráno a deň, večer a noc, slnkom zaliaty a sivý, hľadiac naň z toho istého okna. Jasný a jednoduchý motív ulice tiahnucej sa do diaľky vytvára jasný kompozičný základ, ktorý sa nemení z plátna na plátno. Cyklus plátien namaľovaných nasledujúci rok z okna hotela Louvre bol skonštruovaný úplne inak. Pissarro v liste synovi pri práci na cykle zdôraznil odlišný charakter tohto miesta, teda námestia, od bulvárov. francúzske divadlo a okolie. Naozaj, všetko sa tam ponáhľa po osi ulice. Tu sa nanajvýš pretína námestie, ktoré slúžilo ako konečná zastávka viacerých omnibusových trás rôznymi smermi a namiesto širokej panorámy s množstvom vzduchu sa našim očiam ponúka uzavretý priestor v popredí.
