Každý, kto bol v slávnych parížskych katedrálach, pravdepodobne pocítil zvláštneho ducha, jedinečnú atmosféru, ktorá tam je.
„Na tejto lavičke 2. júna 1937 počas svojho 1750. koncertu zomrel Louis Vierne,“
je napísané na štítku pripevnenom k starej organovej lavici prisunutej vedľa organu v katedrále Notre Dame. Vierne, slávny organista a skladateľ, ktorý bol od narodenia slepý, bol organistom Notre Dame 37 rokov.
Vierne bola žiačkou vynikajúceho Cesara Francka, patriarchu francúzskej organovej školy, podľa R. Rollanda „tohto svätca hudby“.
Viac ako tridsať rokov bol Frank organistom v kostole St. Clotilde. Až do konca svojich dní tam pravidelne vystupoval s inšpirovanými organovými improvizáciami, ktoré prilákali množstvo poslucháčov vrátane známych hudobníkov. Jedného dňa medzi nimi bol aj F. Liszt, ktorý bol Frankovým výkonom šokovaný.
Frankov mladší súčasník Camille Saint-Saëns pôsobil 20 rokov ako organista v inom parížskom kostole Madeleine a Alexandre Gilman pôsobil viac ako 30 rokov v kostole Najsvätejšej Trojice.
Veľký Olivier Messiaen bol dlhé roky aj organistom kostola Najsvätejšej Trojice. Po odchode z tohto postu v roku 1992 vymenoval za svojho nástupcu Najiho Hakima, pozoruhodného žijúceho virtuózneho organistu a skladateľa.
Organistom kostola svätej Clotildy bol aj Jean Langlet, slepý organista a skladateľ, súčasník a priateľ O. Messiaena a učiteľ N. Hakima.
A legendárny Marcel Dupre bol 37 rokov organistom katedrály Saint-Sulpice, v ktorej sa nachádza jeden z najkrajších romantických organov vo Francúzsku.
Zvláštnosťou tvorby všetkých týchto hudobníkov je spojenie skladateľa-tvorcu a interpreta v jednej osobe. S inšpiráciou predviedli svoje aj cudzie skladby. M. Dupre sa preslávil najmä ako interpret cudzích diel. Na svojich triumfálnych turné po Európe a Amerike predviedol všetky Bachove organové diela naspamäť.
Ďalšou črtou týchto hudobníkov je záujem nielen o sólovú hru na organe, ale aj o rôzne druhy súbornej hry. Na rozdiel od majstrov predchádzajúcich období oveľa častejšie zaraďujú organ do rôznych súborov: od duetov s rôznymi nástrojmi až po súťaž medzi organom a symfonickým orchestrom (napríklad slávna „Symfónia s organom“ od Saint-Saënsa. )
3. februára 2016 v Malej sále Moskovského konzervatória. Pre takéto súbory bude hrať P.I. Začiatok koncertu je o 19.00 hod.
Program:
I oddelenie
L. Vierne – Triumfálny pochod na pamiatku Napoleona Bonaparta op.46 pre tri trúbky, tri trombóny, tympány a organ;
C. Saint-Saens – „Modlitba“ op.158 pre violončelo a organ;
S. Frank – Prelúdium, fúga a variácia op.18 pre klavír a organ;
N. Hakim - Sonáta pre trúbku a organ.
II oddelenie
A. Gilman - Symfonická skladba op.88 pre trombón a organ;
J. Langlais – Tri chorály pre hoboj a organ, Diptych pre klavír a organ;
M. Dupre – Hrdinská báseň op.33 (venovaná bitke pri Verdune) pre tri trúbky, tri trombóny, perkusie a organ.
Účinkujúci:
- Ctihodná umelkyňa Ruska Ludmila Golub (organ),
- Ľudový umelec Ruska Alexander Rudin (violončelo),
- Ctihodná umelkyňa Ruska Olga Tomilova (hoboj),
- Yakov Katsnelson (klavír),
- Vladislav Lavrik (trúbka),
- Arkady Starkov (trombón),
- Súbor sólistov Národnej filharmónie Ruska.
Ľudmila Golubová
Vyrábali sa aj ručné prenosné počítače. Takýto nástroj bol zavesený na krku. Interpret jednou rukou pumpoval vzduch, druhou hral jednoduché melódie.
S vynálezom jazýčkových píšťal sa začali stavať malé stolové organy len s jazýčkovými registrami. Boli povolaní regálie. Vďaka svojmu ostrému zvuku sa regal ľahko používal počas procesií na podporu zboru.
Rôzni predstavitelia rozvetvenej rodiny organov, ktorí sa rozšírili v hudobnej praxi tej doby, poskytli materiálny základ, na ktorom bolo možné rozvíjať špeciálnu organovú kreativitu a výkon. Hudba pre organy sa však štýlom dlho nelíšila od tej, ktorá bola vytvorená pre jeho klávesových súčasníkov (cembalo, klavichord, clavicembalo, virginel) a spájala sa s ňou pod spoločným názvom – hudba pre klavír. Samostatné organové a čembalové štýly sa vykryštalizovali postupne počas dlhého obdobia. Aj v zbierke J. S. Bacha, ktorá vyšla pod všeobecným názvom „Klavier Exercises“ („Klavierubung“), sú skladby pre organ a čembalo. Zároveň s rozvojom veľkých foriem zborovej polyfónie v cirkevnej hudbe a prenikaním viachlasných techník do svetskej viachlasnej piesne sa už v 15. storočí čoraz zreteľnejšie pociťuje organová sféra. Objavujú sa organové tabulatúry obsahujúce skladby rôznych skladateľov. Stavajú sa nové organy. V roku 1490 bol inštalovaný druhý organ v Dóme sv. Pečiatka v Benátkach. Kostolné budovy so svojou zvučnou akustikou boli tým najlepším miestom na stavbu veľkých organov a poslucháčske publikum z radov farníkov najrôznejších sociálnych skupín a pozícií si vynútilo pri tvorbe organových diel živú obraznosť a jednoznačnosť hudobných foriem.
Parížsky vydavateľ Pierre Attennan vydáva prvé zbierky hudby. Štyri z nich obsahujú piesne a tance, tri prezentujú liturgický repertoár pre organ a spinet - ide o úpravu zborových partov omší, prelúdií a pod.
V období renesancie sa začali formovať národné organové školy, vznikajúce na základe činnosti vynikajúcich organistov svojej doby. Najstarším z nich je florentský básnik a skladateľ, predstaviteľ talianskeho ars nova Francesco Landino (1325-1397). „Božský Francesco“, „Cieco degli Organi“ („slepý organista“) - tak ho nazývali jeho súčasníci. Francesco, syn umelca, ktorý v detstve prišiel o zrak, sa stal básnikom, korunovaným vavrínovým vencom z rúk Petrarcu v roku 1364 a inšpirovaným improvizátorom na organe. V kostole San Lorenzo predvádzal sakrálnu hudbu na veľkom organe. Na vojvodskom dvore hral Francesco Landino hudbu na prenosnom zariadení, hral svetské skladby a sprevádzal spevákov. Po Landinovi bol najznámejším v Taliansku Antonio Squacialuppi († asi 1471), slávny taliansky organista 15. storočia. Z jeho skladieb sa nezachovalo nič, okrem zbierky diel iných skladateľov, ktoré vydal.
Nemecko vyprodukovalo najlepšie postavy v organovej kultúre renesancie. Ide o skladateľov Konrada Paumanna (1410-1475), Heinricha Isaaca (1450-1517), Paula Hofheimera (1459-1537), Arnolda Schlicka (cca 1455-1525).
Medzi nimi vyniká najmä postava slávneho norimberského organistu Konrada Paumanna. Veľký hudobný talent a výnimočná pamäť umožnili Paumanovi, ktorý bol od narodenia nevidomý, ovládať hru na organe, lutne, husliach, flaute a iných nástrojoch. Časté cesty mimo Norimbergu prinášajú Paumanovi širokú slávu: vo veku 37 rokov sa stáva výraznou osobnosťou vo svojom rodnom meste. Ako uznanie za jeho hudobné zásluhy mu bol udelený rytiersky titul. Tento fakt je obzvlášť významný, pretože Pauman pochádzal z nižších vrstiev. Raoul Hoffheimer, organista arcivojvodu Žigmunda v Innsbrucku, bol neskôr vyznamenaný rytierskym titulom.
O veľkej úcte, ktorej sa vtedajší organisti tešili, svedčí známy historický fakt: niektorí z nich boli zvolení za purkmistra a ich nástup do funkcie mestského organistu sprevádzal veľkolepý ceremoniál. Už v starobe bol Paumann pozvaný do Mníchova ako dvorný organista vojvodu Albrechta III. V mníchovskom Frauenkirche, kde Paumann hral na slávnom organe, sa zachoval náhrobný kameň zobrazujúci veľkého organistu s prenosným organom v rukách.
Paumanova tvorivá činnosť získala aj historický význam. Jeho hlavné dielo „Fundamentum organisandi“ („Fundamentum organisandi“, 1452-1455) bolo prvým sprievodcom organovej hry a techniky inštrumentálnych transkripcií. Obsahuje veľké množstvo úprav svetských i duchovných piesní. Prvýkrát sú uvedené príklady inštrumentálnej interpretácie vokálnych melódií pomocou takzvaného coloringu (melodické zafarbenie hlavnej melódie). V Paumannových návrhoch pokračoval a doplnil ich heidelberský organár Arnold Schlick vo svojom diele „Zrkadlo staviteľov organov a organistov“. Diela Paumanna a Schlicka svedčia o vznikajúcej túžbe po „teoretickom pochopení procesov prebiehajúcich v oblasti orgánovej kultúry.
V polovici 16. storočia sa veľmi preslávila benátska skladateľská škola, ktorej zakladateľom bol Flám Adrian Willart († 1562). Organovú hudbu tejto školy najvýraznejšie reprezentujú diela Andrea Gabrieliho (1510-1586) a najmä jeho žiaka a synovca Giovanniho Gabrieliho (1557-1612). Po napísaní vokálnej a inštrumentálnej hudby v širokej škále žánrov obidvaja Gabrieli v oblasti organovej hudby uprednostňovali polyfónne formy canzona a ricercara. U G. Gabrieliho nachádzame s najväčšou pravdepodobnosťou prvý príklad piatej fúgy s medzihrami, ktorú dodnes podľa tradície nazýva ricercar.
Vynikajúci organista a čembalista z Brescie Claudio Merulo (1533-1604) je známy organovými toccatami, ricercarami a canzones, ktoré svedčia o vplyve tradícií zborovej hudby na organový štýl. V roku 1557 bol mladý hudobník pozvaný do Benátok ako druhý organista Dómu sv. Marka a vstúpil do galaxie skladateľov benátskej školy.
Rozkvet cirkevnej hudby v Anglicku za kráľa Henricha VIII. znamenal vytvorenie anglickej organovej školy. V 40. a 50. rokoch 16. storočia sa do popredia dostal organista a skladateľ John Moerbeck († 1585). História zachovala mená organistov a skladateľov – jeho súčasníkov. Sú to Christophe Tee († 1572), Robert White († 1574), Thomas Tallis († 1585).
Klasik francúzskej organovej hudby je Jean Titlouz (1563-1633). Bol známym výkonným organistom a autorom zbierok organových hier. J. Titlouz v predslove k svojim dielam píše, že jeho cieľom bolo distribuovať organ s dvoma manuálmi a pedálom na samostatné, zreteľné prevedenie polyfónie, najmä pri krížení hlasov.
Tradície hry na organe v Španielsku siahajú stáročia do minulosti. Existujú dôkazy, že okolo roku 1254 potrebovala univerzita v Salamance staviteľa organov. Známe sú mená organistov 14.-15. storočia. Sú medzi nimi nielen Španieli, ale aj zástupcovia organistov iných národností. Aj na pozadí všeobecného rozkvetu hudobnej kultúry Španielska v 16. storočí vynikajú úspechy v oblasti organovej hudby. Vynikajúci teoretik Juan Bermudo (1510 – zomrel po roku 1555) píše veľké pojednanie – „Kniha vyzývajúca k štúdiu hudobných nástrojov“ („Libro llamado declaracion de instrumentos musicales“, 1549 – 1555), najmä klávesových nástrojov.
Vrcholné príklady predstavuje dielo Antonia de Cabezon (1510-1566), slepého cembalistu a dvorného organistu španielskeho kráľa Filipa II. Cabezon sprevádzal kráľa na cestách do Talianska, Anglicka a Holandska. Medzi jeho dielami majú významné miesto, podobne ako Pauman, diela pedagogického charakteru. Z hudobných diel Cabezon najviac priťahoval tiento (zo španielskeho tiento - „dotyk“ alebo „nevidiaci personál“). Sú to veľké polyfónne hry, ktoré sa svojou formou podobajú ricercaru a starovekej fúge. Okrem tienta boli v dielach španielskych skladateľov 16. storočia obľúbené malé skladby, ako napríklad predohry. Nazývali sa verso, alebo versillo - termín prevzatý zo sféry poézie (verso - verš).
Dochované poľské organové tabulatúry kláštora sv. Ducha v Krakove (1548), Jana z Lublinu (1548) a ďalších dávajú predstavu o organovej hudbe Poľska 16. storočia s jej pomerne výraznou národnou príchuťou. Známe sú mená viacerých skladateľov 16. storočia. Ide o Mikolaya z Krakova, Marcina Leopolitu, Václava zo Szamotulu a ďalších.
Vysoký vzostup európskej organovej kultúry v období renesancie bol zároveň sprevádzaný obdobiami ťažkých skúšok. Organ, tak hojne používaný v západoeurópskych krajinách, bol z kostola neraz vyhnaný. Búrlivé udalosti protifeudálnych povstaní a vojen mali v tomto období často podobu náboženského boja proti katolíckej cirkvi a pápežstvu. Protestantizmus tvrdo vystupoval nielen proti ideologickým, politickým, teologickým a organizačným postojom katolicizmu, ale aj proti všetkým vonkajším prejavom katolíckeho kultu. Všetko, čo dávalo bohoslužbe okázalosť a vznešenosť, bolo prenasledované. Boli zničené sochy, zničené ikony, viachlasné omše boli nahradené jednoduchými zborovými spevmi a namiesto latinských textov sa do bohoslužieb zaviedol národný jazyk. Krutý osud postihol aj orgán. Tak bol v Anglicku nádherný nástroj Westminsterského opátstva úplne zničený a jeho fajky vyrobené z drahej kovovej zliatiny sa predávali v krčme za pohár piva. Tridsaťročná vojna v Nemecku viedla k zbedačovaniu krajiny, početným deštrukciám a úpadku hudobnej kultúry. V kláštoroch a katedrálach sa obmedzili na spev luteránskych chorálov, ktoré predvádzala celá komunita. Zároveň sa práve v tomto období rozvíjal nový intonačný štýl, ktorý vyvrcholil v tvorbe J. S. Bacha. F. Engels napísal: „Luther vyčistil Augejské maštale nielen kostola, ale aj nemeckého jazyka, vytvoril modernú nemeckú prózu a zložil text a melódiu toho chorálu, preniknutého dôverou vo víťazstvo, ktorý sa stal „Marseillaisou“. zo 16. storočia“. (Engels F. Dialektika prírody. Úvod. M., 1950, s. 4).
Organová hudba už dlho obsahuje úpravy melódií gregoriánskeho chorálu. Teraz sú základom pre takéto úpravy v dielach nemeckých skladateľov melódie protestantských zborových spevov. Široko sa rozvíja žáner zborovej predohry, zborovej fantázie a zborových variácií.
ZLATÝ VEK ORGANOVEJ HUDBY
Na konci 16. storočia a prvej polovice 17. storočia boli najvýznamnejšími osobnosťami na poli európskej organovej kultúry traja skladatelia: Holanďan Jan Peterson Sweelinck, Talian Girolamo Frescobaldi a Nemec Samuel Scheidt. Na formovanie organového štýlu malo nepochybne vplyv aj dielo Heinricha Schütza (1585-1672), tvorcu sakrálnej hudby vychádzajúcej z národnej kultúry, najväčšieho Bachovho predchodcu na poli kantátovo-oratóriových žánrov. Sweelinck (1562-1621) bol vo svojom okolí dedičom holandskej polyfonickej školy, ktorá od 15. storočia presadzovala dominanciu vokálno-zborového štýlu. Sweelinckove tvorivé a interpretačné aktivity sa odohrávali v Amsterdame. Ako kostolný organista komponoval zborovú náboženskú hudbu. Ako pozoruhodný interpret Sweelinck čoraz viac individualizuje organový part a vnáša doň prvky virtuozity. V amsterdamskom kostole organizuje nezávislé organové koncerty, čím premieňa budovu kostola na sálu na podporu nových foriem tvorby hudby. Sweelinck predvádza svoje toccaty, capriccios a slávnu „Chromatic Fantasy“. Na čembale a malom pozitívnom organe predvádza variácie na ľudové melódie a úpravy ľudových piesní a tancov. U Sweelincka študovali mnohí známi severonemeckí organisti: Melchior Schild, Heinrich Scheidemann, Jacob Pretorius a ďalší. Medzi jeho žiakmi vidíme najväčšieho majstra nemeckej organovej hudby prvej polovice 17. storočia Samuela Scheidta.
Samuel Scheidt (1587-1654) je zakladateľom stredonemeckej organovej školy (patrili k nej strýko J. S. Bacha Johann Christoph Bach, Johann Pachelbel a ďalší). Pôsobil v Halle, bol skladateľom a pedagógom, dvorným a kostolným organistom, kapelníkom a pôsobil ako mestský hudobný riaditeľ. Jeho najväčším dielom bola trojzväzková „Nová tablatúra“ (1614-1653) pre organ a klavír, ktorá obsahovala tokáty, fúgy, variácie na melódie chorálov a ľudových piesní, fantázie atď. Scheidt sa preslávil najmä ako majster variačnej formy a autor rôznych chorálových úprav.
Ako mnohí milovníci hudby, každá koncertná sezóna patrí medzi moje predplatné na organové koncerty.
Túto sezónu - v Malej sále konzervatória.
Predplatné č.14. JE. Bach a svetová organová kultúra
Cyklus pozostáva zo štyroch koncertov, 9. decembra je druhý koncert v podaní o
Konstantin Volostnov (organ)
V programe:
1. časť koncertu - I.S. Bach
Predohra a fúga A dur, BWV 536
Chorálové variácie, BWV 769
Pastoračná F dur, BWV 590
Passacaglia c mol, BWV 582
2. časť koncertu:
A. Goedicke
Prelúdium a fúga Es dur, op. 34 č.2
S. Taneev
Chorálové variácie
S. Ljapunov
Predohra-pastoračná
Kh
Passacaglia a fúga f mol
Pozor na názvy diel v prvej a druhej časti koncertu!
Každý kus Bacha uvedený v prvej časti zodpovedá
hudba ruského skladateľa s rovnomenným názvom, uvedená v druhej časti.
Nižšie vysvetlím, s čím to súvisí.
Koncom 19. storočia začal opát Joubert vydávať „Antológiu súčasnej organovej hudby“, žiaľ, neexistovala žiadna organová hudba ruských skladateľov! Potom organista Jacques Gandshin, ktorý v tom čase pôsobil v Rusku, pozval niekoľkých ruských skladateľov, aby napísali organovú hudbu, a objavilo sa to!
Opusy uvedené na koncerte boli výsledkom Joubertovej objednávky pre každého zo skladateľov sa Bachovo dielo stalo štandardom.
Všetky diela ruských skladateľov v druhej časti koncertu boli veľmi dobré, obrazy boli také živé, že keď som zatvoril oči a počúval túto hudbu, predstavoval som si buď pastierku hrajúcu na flaute, alebo dámy a pánov tancujúcich v stredoveku. oblečenie, alebo rozbúrené more, ktoré naplnilo sálu aj celú moju bytosť silnými zvukmi rozbúrených živlov...
Organista hral tak, ako ešte nikto z mnohých, mnohých, ktorých som mal to potešenie počuť!
Nikto nikdy!
Mladý organista (klavirista, čembalista) Konstantin Volostnov (nar. 1979, Moskva) vylúdil z nástroja zvuky mimoriadnej čistoty a krásy, zaujal publikum, ani zvuk, ani kašeľ, ani škrípanie počas vystúpenia, potlesk a plač. „bravo“ po každom opuse.
Konstantin Volostnov bol študentom hudobnej školy, nasledovalo štúdium na Moskovskom konzervatóriu, jeho postgraduálne štúdium a Vyššia hudobná škola v Stuttgarte (Nemecko).
Úspech sa dostavil v roku 2008 - víťazstvo na prestížnych súťažiach v Nemecku a v Rusku na súťaži pomenovanej po A.F. Gedickeho "za najlepšie prevedenie hudby domácich autorov."
A v roku 2009 - triumf organistu - víťazstvo na najprestížnejšej medzinárodnej súťaži vo Veľkej Británii, sa Konstantin Volostnov stal víťazom jubilejného 25. medzinárodného organového festivalu v St. Albans (The International Organ Festival at St. Albans).
Ruská organová škola po prvý raz získala najvyššie hodnotenie na významnej medzinárodnej súťaži, kde Volostnov získal nielen prvú cenu, ale aj cenu za najlepšie prevedenie Bachových diel, cenu za najlepšie premiérové prevedenie (skladba od Johna Caskena) a cenu publika.
Potom mnohí hudobní pozorovatelia označili Volostnova za najlepšieho organistu na svete!
Na tomto koncerte publikum prijalo organistu veľmi srdečne, na konci koncertu zožalo také ovácie, organistu nepustilo, že zahral ako prídavok najprv Bachov chorál, potom jeho fúgu, publikum tzv. maestro znova a znova, až keď sa v hale rozsvietili svetlá, neochotne sa začali rozchádzať...
Žiaľ, tentokrát nemôžeme potešiť čitateľa vlastnými exkluzívnymi záznamami z tohto koncertu, ale môžete si vypočuť hru Volostnov!
Nižšie sú jeho nahrávky urobené v Dome hudby a paláci na Yauze, ako aj rozhovor s ním.
Najčestnejšie miesto v hudobnom živote 17. storočia zaujímal organ so svojím repertoárom. Príde čas - a organové umenie ustúpi do úzadia (už v ére viedenskej klasiky). V 17. storočí sa tešil najväčšej úcte. V tom čase bol organ považovaný za „kráľa všetkých nástrojov“ a skutočne ospravedlňoval tento opis:
- svojim pôsobivým polyfónnym zvukom širokého rozsahu, ktorý presahoval rozsah všetkých nástrojov orchestra;
- najjasnejšie dynamické kontrasty;
- obrovské timbrové schopnosti (počet registrov vo veľkých organoch dosahuje až 200, ale hlavné je, že spojením viacerých registrov vzniká nový timbre, úplne odlišný od pôvodného.
Najnovšie nástroje využívajú „pamäťové“ zariadenie, vďaka ktorému si môžete vopred zvoliť určitú kombináciu registrov a rozozvučať ich v správnom čase). Vo zvuku organu je počuť zbor aj všetky nástroje symfonického orchestra, preto sa hovorí, že organ je „veľký symfonický orchester, na ktorom hrá jedna osoba“. To všetko vynieslo organ na prvé miesto medzi nástrojmi 17. storočia a ani vtedajší orchester mu nedokázal konkurovať.
Organ je klávesový a dychový nástroj, ktorý má veľmi dlhú históriu. Už v Starovekom Egypte a starovekom Grécku existovala tzv hydraulika- vodný organ, ktorého píšťaly zneli pomocou vodného lisu. Postupne sa štruktúra orgánu stále viac zlepšovala. V modernom orgáne:
- od 800 do 30 000 rúr rôznych veľkostí a každá má svoju vlastnú farbu;
- niekoľko klávesníc, ktoré sú umiestnené v krokoch nad sebou a sú tzv príručky;
- veľa pedálov tvoriacich akúsi nožnú klaviatúru – organista hrá rukami aj nohami, takže noty pre organ sa píšu na troch pravítkoch;
- Mechanizmus fúkania vzduchu - vlnovce a vzduchové potrubia;
- oddelenie, kde je sústredený systém riadenia.
Organy sa vždy stavali pre konkrétne miestnosti a stavitelia organov zohľadňovali všetky ich vlastnosti, veľkosti a akustiku. Preto na svete neexistujú dva absolútne identické orgány, každý je jedinečným výtvorom majstra. Jeden z najlepších organov v Európe sa nachádza v Rige, v katedrále Dome.
Organy 17. storočia sa už zvukovo výrazne nelíšili od moderných organov, aj keď ich technické zdokonaľovanie pokračovalo. Boli nepostrádateľnými účastníkmi bohoslužieb a vykonávali sa aj mimo kostola – v súkromných domoch. Bol niekoľko odrôd orgány:
- vo veľkých katedrálach boli tie najdokonalejšie, majestátne organy gigantickej veľkosti s dvoma alebo tromi manuálmi;
- v domácom živote, v malých kostoloch sa rozšírili pozitíva(izba) a prenosné(prenosné) orgány; v divadlách, malých kaplnkách, na uliciach bolo počuť kráľovský - malý orgán s prenikavým, trochu nosovým zvukom.
Holandská organová škola
Na rozvoji organovej hudby sa tak či onak podieľali skladatelia z rôznych európskych krajín. Takmer všade v západnej Európe vo veľkých katedrálach a kostoloch pôsobili prvotriedni organisti - skladatelia a interpreti v jednej osobe, čo bolo v tej dobe štandardom. Napríklad v Holandsko, v Amsterdame prebiehala činnosť brilantného interpreta-improvizátora na organe Ján Pietersa Sweelink- reprezentatívny Holandská škola. S jeho menom sa spájajú prvé verejné organové koncerty v dejinách hudby, ktoré Sweelinck organizoval priamo v kostole, kde pôsobil. Svoje skúsenosti a vedomosti ochotne odovzdával početným študentom, ktorí prišli z rôznych krajín. Medzi nimi aj neskorší slávny nemecký organista Samuel Scheidt.
talianska organová škola
Taliansko v tejto dobe predložilo veľké Girolamo Frescobaldi. „Taliansky Bach“, „otec skutočného organového štýlu“ – tak sa mu hovorilo neskôr. Frescobaldiho aktivity prebiehali v Ríme, kde bol organistom Dómu sv. Petra. Frescobaldiho diela sa zrodili v úzkom spojení s jeho interpretačnou činnosťou. Chýry o brilantnom organistovi prilákali do Ríma veľké publikum, ktoré sa húfne hrnulo do katedrály, akoby do koncertnej sály, aby si vypočulo jeho hru.
nemecká organová škola
Najdôležitejšiu úlohu vo vývoji organovej hudby však zohrali Nemci. IN Nemecko organové umenie dosiahlo nevídaný rozsah. Tu sa objavila celá plejáda veľkých a originálnych majstrov, ktorí držali prvenstvo vo vývoji organovej hudby až do čias Bacha.
Prví nemeckí organisti boli študentmi veľkých Benátčanov - Andrea a Giovanni Gabrieli, organisti zo 16. storočia. Mnohí z nich študovali u Frescobaldiho a Sweelincka. Nemecká organová škola tak prijala všetko najlepšie, čo mali skladatelia z iných krajín, a syntetizovala úspechy talianskej a holandskej školy. Z početných organistov v Nemecku sú najznámejší Samuel ScheidtJán Adam Reinken, Dietrich Buxtehude(zástupcovia severonemeckej školy), Johann Pachelbel.
S rozkvetom súvisí rozvoj organovej hudby inštrumentálna polyfónia. Tvorivé úsilie nemeckých organistov smerovalo predovšetkým k žánru fúgy- najvyššia polyfónna forma. Fúga v dielach nemeckých polyfonistov sa vyvíjala v „predbachovskej“ podobe, pričom ešte nedosiahla najvyššiu zrelosť. Klasicky dokonalú podobu nadobudne o niečo neskôr, v Bachovom diele.
Ďalším obľúbeným žánrom nemeckej organovej hudby je chorálová predohra. Ide o organovú úpravu nápevov protestantského chorálu, teda duchovných spevov luteránskej cirkvi. Vznikli počas reformácie a vychádzali z nemeckých ľudových melódií. Ide o rodný nemecký národný žáner. K povinnostiam nemeckého organistu patrilo sprevádzanie spevu komunitného chorálu a „predohrávanie“ chorálových tém počas bohoslužby (striedavo so spevom farníkov). Zborové aranžmány majú mnoho variácií, od najjednoduchších harmonizácií zborových nápevov až po prepracované zborové fantázie.
