Architektúra alebo architektúra (lat. architectura zo starogréčtiny αρχι - senior, náčelník a iné grécke τέκτων - staviteľ, tesár) je umenie navrhovať a stavať budovy a stavby (ako aj ich komplexy). Architektúra určite vytvára materiálne organizované prostredie, potrebné pre ľudí pre ich život a činnosť, v súlade s modernými technickými možnosťami a estetickými názormi spoločnosti.
Architektonické diela sú často vnímané ako kultúrne alebo politické symboly, podobne ako umelecké diela. Historické civilizácie sú charakteristické svojimi architektonickými úspechmi. Architektúra umožňuje vykonávať životne dôležité funkcie spoločnosti a zároveň usmerňovať životné procesy. Architektúra však vzniká v súlade s možnosťami a potrebami ľudí.
Architektúra ako forma umenia vstupuje do sféry duchovnej kultúry, esteticky formuje prostredie človeka, vyjadruje sociálne myšlienky v umeleckých obrazoch.
Historický vývoj spoločnosti určuje funkcie a typy stavieb (budovy s organizovaným vnútorným priestorom, stavby tvoriace otvorené priestory, súbory), technické konštrukčné systémy a umeleckú štruktúru architektonických štruktúr.
Podľa spôsobu vytvárania obrazov je architektúra klasifikovaná ako nereprezentatívna (tektonická) forma umenia, ktorá používa znaky, ktoré neumožňujú rozpoznať v obrazoch žiadne skutočné predmety, javy, akcie a sú adresované priamo asociačným mechanizmom vnímania. .
Podľa spôsobu rozmiestnenia obrazov je architektúra klasifikovaná ako priestorová (plastická) forma umenia, ktorej diela:
Existujú v priestore, bez toho, aby sa menili alebo vyvíjali v čase;
Majú podstatný charakter;
Vykonávané spracovaním materiálového materiálu;
Vnímané publikom priamo a vizuálne.
Priestorovo-plánovací dizajn (architektúra v užšom zmysle, architektúra) je hlavnou časťou architektúry spojenou s navrhovaním a výstavbou budov a stavieb.
Empír (z francúzskeho empire - empire) je štýl v architektúre a umení (hlavne dekoratívnom) prvých troch desaťročí 19. storočia, završujúci vývoj klasicizmu. Zameranie, ako klasicizmus, na príklady antického umenia, empírový štýl zahrnutý do ich okruhu umelecké dedičstvo archaické Grécko a cisársky Rím, čerpajúc z neho motívy pre stelesnenie majestátnej moci a vojenskej sily: monumentálne formy mohutných portikov (hlavne dórske a toskánske rády), vojenské emblémy v architektonických detailoch a výzdobe (liktorické zväzky, vojenské brnenia, vavrínové vence, orly a pod.). K empírovému slohu patrili aj jednotlivé staroegyptské architektonické a plastické motívy (veľké nedelené roviny stien a pylónov, mohutné geometrické objemy, egyptské ornamenty, štylizované sfingy a pod.).
V Ruskej ríši sa tento štýl objavil za Alexandra I. Pozývanie zahraničných architektov do Ruska bolo častým javom, keďže to bolo v móde medzi titulovanými osobami a v r. začiatkom XIX storočia v Rusku bola fascinácia francúzskou kultúrou. Na stavbu katedrály sv. Izáka pozval Alexander I. začínajúceho francúzskeho architekta Henriho Louisa Augusta Ricarda de Montferrand, ktorý sa neskôr stal jedným zo zakladateľov „ruského empírového štýlu“.
Ruský empírový štýl bol rozdelený na Moskvu a Petrohrad a takéto rozdelenie nebolo určené ani tak územnými charakteristikami, ako stupňom oddelenia od klasicizmu - moskovský mu bol bližší. Najznámejším predstaviteľom petrohradského slohu empírového slohu bol architekt Karl Rossi, z iných predstaviteľov tohto slohu je zvykom menovať architektov Andreja Zacharova, Andreja Voronikhina, Osipa Boveho, Domenica Gilardiho, Vasilija Stasova, resp. sochári Ivan Martos, Feodosius Shchedrin. V Rusku dominoval architektúre empírový štýl až do rokov 1830-1840.
Oživenie empírového štýlu v degenerovaných formách nastalo v Rusku počas sovietskej éry, od polovice 30. do polovice 50. rokov 20. storočia. Tento empírový štýl je známy aj ako „stalinský empírový štýl“.
Arch of Carrousel
Renesančná architektúra
Renesančná architektúra - obdobie rozvoja architektúry v r európske krajiny od začiatku 15. do začiatku 17. storočia, v celkovom priebehu renesancie a rozvoja základov duchovného a materiálnej kultúry Staroveké Grécko a Rím. Toto obdobie je prelomovým obdobím v dejinách architektúry, najmä vo vzťahu k predchádzajúcemu architektonickému štýlu, gotike. Gotika, na rozdiel od renesančnej architektúry, hľadala inšpiráciu vo vlastnej interpretácii klasického umenia.
Osobitný význam v tomto smere sa pripisuje formám starovekej architektúry: symetria, proporcia, geometria a poradie jej jednotlivých častí, o čom jasne svedčia dochované príklady rímskej architektúry. Zložité proporcie stredovekých stavieb sú nahradené usporiadaným usporiadaním stĺpov, pilastrov a prekladov, ktoré sú nahradené polkruhom oblúka, polguľou kupoly, výklenkami a edikulami. Architektúra sa opäť stáva objednávkou.
Rozvoj renesančnej architektúry viedol k inováciám v používaní stavebných techník a materiálov a k rozvoju architektonickej slovnej zásoby. Je dôležité poznamenať, že obrodné hnutie sa vyznačovalo odklonom od anonymity remeselníkov a vznikom osobného štýlu medzi architektmi. Je málo známych remeselníkov, ktorí stavali diela v románskom štýle, ako aj architektov, ktorí stavali nádherné gotické katedrály. Zatiaľ čo diela renesancie, dokonca aj malé stavby alebo len projekty boli starostlivo zdokumentované už od ich vzhľadu.
Prvým predstaviteľom tohto smeru možno nazvať Filippo Brunelleschi, ktorý pôsobil vo Florencii, meste, spolu s Benátkami, považovanom za pamiatku renesancie. Potom sa rozšíril do ďalších talianskych miest, Francúzska, Nemecka, Anglicka, Ruska a ďalších krajín.
Charakteristika renesančnej architektúry[upraviť | upraviť zdrojový text]
Sant'Agostino, Rím, Giacomo Pietrasanta, 1483
Architekti renesancie si požičali charakteristické črty rímskej klasickej architektúry. Tvar budov a ich účel, ako aj základné princípy urbanizmu sa však od pradávna menili. Rimania nikdy nestavali budovy ako kostoly z raného obdobia oživeného klasického štýlu alebo sídla úspešných obchodníkov z 15. storočia. Na druhej strane, v opísanom čase nebolo potrebné stavať obrovské stavby pre športové súťaže alebo verejné kúpele, ktoré postavili Rimania. Klasické normy boli študované a pretvorené, aby slúžili moderným účelom.
Pôdorys renesančných stavieb určujú pravouhlé tvary, symetria a proporcia vychádzajúca z modulu. V kostoloch je modul často na šírku rozpätia lode. Problém integrálnej jednoty štruktúry a fasády prvýkrát rozpoznal Brunelleschi, hoci tento problém nevyriešil v žiadnom zo svojich diel. Tento princíp sa prvýkrát objavuje v Albertiho budove, v Bazilike di Sant'Andrea v Mantove. Zlepšenie dizajnu svetskej stavby v renesančnom štýle sa začalo v 16. storočí a najvyšší bod dosiahnuté v diele Palladia.
Fasáda je symetrická podľa zvislej osi. Fasády kostola sú spravidla merané pilastrami, oblúkmi a kladím zakončeným štítom. Usporiadanie stĺpov a okien vyjadruje túžbu po strede. Prvú fasádu v renesančnom štýle možno nazvať fasádou katedrály v Pienze (1459-1462), pripisovanú florentskému architektovi Bernardovi Gambarellimu (známemu ako Rossellino), je možné, že na vytvorení chrámu sa podieľal aj Alberti .
Obytné budovy majú často rímsu, usporiadanie okien a súvisiacich detailov sa opakuje na každom poschodí, hlavné dvere sú označené nejakým prvkom - balkónom alebo obklopené rustikou. Jedným z prototypov takejto organizácie fasády bol palác Rucellai vo Florencii (1446-1451) s tromi radmi pilastrov po poschodí.
Bazilika svätého Petra v Ríme
baroko (talianske barocco – „bizarné“, „zvláštne“, „náchylné k prebytku“, port. perola barroca – „perla“ nepravidelný tvar"(doslova "perla s chybou"); existujú ďalšie predpoklady o pôvode tohto slova) – charakteristika európskej kultúry XVII-XVIII storočia, ktorých centrom bolo Taliansko. Barokový štýl sa objavil v 16.-17. storočí v talianskych mestách: Rím, Mantua, Benátky, Florencia. Obdobie baroka sa považuje za začiatok víťazného pochodu „západnej civilizácie“. Barok sa postavil proti klasicizmu a racionalizmu.
V 17. storočí Taliansko, prvé spojenie v umení renesancie, stratilo svoju ekonomickú a politickú moc. Cudzinci – Španieli a Francúzi – začínajú ovládať územie Talianska, diktujú si podmienky politiky atď. Vyčerpané Taliansko nestratilo výšku svojich kultúrnych pozícií – zostáva kultúrnym centrom Európy. Stredom katolíckeho sveta je Rím, je bohatý na duchovné sily.
Moc v kultúre sa prejavovala prispôsobením sa novým podmienkam – šľachta a cirkev potrebovali, aby každý videl svoju silu a bohatstvo, no keďže na stavbu paláca neboli peniaze, šľachta sa obrátila na umenie, aby vytvorila ilúziu moci a bohatstva. Štýl, ktorý dokáže povzniesť sa stáva populárnym, a tak sa v Taliansku v 16. storočí objavil barok.
Baroko sa vyznačuje kontrastom, napätím, dynamickými obrazmi, afektovanosťou, túžbou po vznešenosti a nádhere, po spojení reality a ilúzie, po splynutí umenia (mestské a palácové a parkové súbory, opera, náboženská hudba, oratórium); zároveň - tendencia k autonómii jednotlivých žánrov (concerto grosso, sonáta, suita v inštrumentálnej hudbe). Ideologické základy štýlu vznikli v dôsledku šoku, ktorým sa pre 16. storočie stala reformácia a Kopernikovo učenie. Zmenila sa predstava sveta, zavedeného v staroveku, ako racionálnej a stálej jednoty, ako aj renesančná predstava človeka ako najinteligentnejšej bytosti. Ako povedal Pascal, človek sa začal uznávať ako „niečo medzi všetkým a ničím“, „ten, kto zachytáva iba zdanie javov, ale nedokáže pochopiť ani ich začiatok, ani koniec“.
Barokovú architektúru (L. Bernini, F. Borromini v Taliansku, B. F. Rastrelli v Rusku, Jan Christoph Glaubitz v Poľsko-litovskom spoločenstve) charakterizuje priestorový rozsah, jednota a plynulosť zložitých, zvyčajne krivočiarych foriem. Často sú tu veľkorozmerné kolonády, množstvo plastík na fasádach a v interiéroch, volúty, veľké množstvo ostení, oblúkové fasády so stužením v strede, rustikované stĺpy a pilastre. Kupole nadobúdajú zložité tvary, často viacúrovňové, ako napríklad katedrála sv. Petra v Ríme. Charakteristické barokové detaily - telamon (Atlas), karyatída, maskarón.
V talianskej architektúre bol najvýznamnejším predstaviteľom barokového umenia Carlo Maderna (1556-1629), ktorý sa rozišiel s manierizmom a vytvoril si vlastný štýl. Jeho hlavným výtvorom je fasáda rímskeho kostola Santa Susanna (1603). Hlavnou postavou vo vývoji barokového sochárstva bol Lorenzo Bernini, ktorého prvé majstrovské diela vyrobené v novom štýle sa datujú približne do roku 1620. Bernini je tiež architekt. Je zodpovedný za dizajn námestia Baziliky svätého Petra v Ríme a interiérov, ako aj ďalších budov. Významne prispeli Carlo Fontana, Carlo Rainaldi, Guarino Guarini, Baldassare Longhena, Luigi Vanvitelli, Pietro da Cortona. Na Sicílii sa po veľkom zemetrasení v roku 1693 objavil nový neskorobarokový štýl – sicílsky barok. Svetlo pôsobí ako zásadne dôležitý prvok barokového priestoru, vstupuje do kostolov cez lode.
Za kvintesenciu baroka, pôsobivé spojenie maliarstva, sochárstva a architektúry, sa považuje kaplnka Coranaro v kostole Santa Maria della Vittoria (1645-1652).
Barokový štýl sa rozšíril v Španielsku, Nemecku, Belgicku (vtedy vo Flámsku), Holandsku, Rusku, Francúzsku a Poľsko-litovskom spoločenstve. španielsky barok, alebo lokálne Churrigueresco (na počesť architekta Churriguera), ktorý sa rozšíril aj do Latinskej Ameriky. Jeho najobľúbenejšou pamiatkou je Katedrála svätého Jakuba, ktorá je zároveň veriacimi jedným z najuctievanejších kostolov v Španielsku. V Latinskej Amerike je barok zmiešaný s miestnymi architektonickými tradíciami, toto je jeho najprepracovanejšia verzia a nazýva sa ultrabarokom.
Vo Francúzsku je barokový štýl vyjadrený skromnejšie ako v iných krajinách. Predtým sa verilo, že štýl sa tu vôbec nerozvinul a barokové pamiatky boli považované za pamiatky klasicizmu. Termín „barokový klasicizmus“ sa niekedy používa v súvislosti s francúzskou a anglickou verziou baroka. Teraz sa Versaillský palác spolu s pravidelným parkom, Luxemburským palácom, budovou Francúzskej akadémie v Paríži a ďalšími dielami považujú za francúzsky barok. Majú niektoré klasicistické črty. Charakteristickým znakom barokového štýlu je pravidelný štýl v záhradníctve, ktorého príkladom je Versaillský park.
Neskôr, začiatkom 18. storočia, si Francúzi vyvinuli vlastný štýl, odrodu baroka – rokoka. Neprejavilo sa to vo vonkajšom stvárnení budov, ale len v interiéroch, ako aj v dizajne kníh, odevov, nábytku, obrazov. Štýl bol rozšírený v celej Európe a Rusku.
V Belgicku je vynikajúcou barokovou pamiatkou súbor Grand Place v Bruseli. Rubensov dom v Antverpách, postavený podľa umelcovho vlastného návrhu, má barokové prvky.
V Rusku sa baroko objavilo už v 17. storočí („Naryshkin baroque“, „Golitsyn baroque“). V 18. storočí za vlády Petra I. sa v Petrohrade a jeho predmestiach v diele D. Trezziniho začalo rozvíjať takzvané „petrínske baroko“ (zdržanlivejšie) a vrchol dosiahlo za vlády r. Elizabeth Petrovna v diele S. I. Čevakinského a B. Rastrelliho.
V Nemecku je pozoruhodnou barokovou pamiatkou Nový palác v Sans Souci (autori: I. G. Bühring (nem.) Rus, H. L. Manter) a tamojší Letný palác (G. W. von Knobelsdorff).
Najväčšie a najznámejšie barokové súbory na svete: Versailles (Francúzsko), Peterhof (Rusko), Aranjuez (Španielsko), Zwinger (Nemecko), Schönbrunn (Rakúsko).
V Litovskom veľkovojvodstve sa rozšíril sarmatský barok a vilniansky barok, najväčším predstaviteľom bol Jan Christoph Glaubitz. Medzi jeho známe projekty patrí prestavaný kostol Nanebovstúpenia (Vilnius), Katedrála sv. Sofie (Polotsk) atď.
Carlo Maderna Kostol svätej Susanny, Rím
klasicizmus
Klasicizmus (francúzsky classicisme, z latinského classicus - príkladný) - umelecký štýl a estetický smer v európskom umenie XVII-XIX storočia
Klasicizmus vychádza z myšlienok racionalizmu, ktoré sa formovali súčasne s rovnakými myšlienkami vo filozofii Descarta. Umelecké dielo by z hľadiska klasicizmu malo byť postavené na základe prísnych kánonov, čím sa odhalí harmónia a logika samotného vesmíru. Zaujímavosťou klasicizmu je len to večné, nemenné – v každom fenoméne sa snaží rozpoznať len podstatné, typologické črty, odvrhuje náhodné individuálne charakteristiky. Estetika klasicizmu pripisuje veľký význam spoločenskej a výchovnej funkcii umenia. Klasicizmus v mnohom vychádza z antického umenia (Aristoteles, Horatius).
Klasicizmus nastoľuje prísnu hierarchiu žánrov, ktoré sa delia na vysoké (óda, tragédia, epos) a nízke (komédia, satira, bájka). Každý žáner má prísne definované vlastnosti, ktorých miešanie nie je povolené.
Ako sa vo Francúzsku v 17. storočí formoval istý smer. Francúzsky klasicizmus potvrdil osobnosť človeka ako najvyššiu hodnotu existencie, oslobodil ho od náboženského a cirkevného vplyvu.
jasnosť a monumentálnosť. Architektúra klasicizmu ako celku sa vyznačuje pravidelnosťou usporiadania a jasnosťou objemovej formy. Základom architektonického jazyka klasicizmu bol poriadok, v proporciách a formách blízkych antike. Klasicizmus charakterizujú symetrické osové kompozície, zdržanlivosť dekoratívnej výzdoby a pravidelný systém urbanizmu.
Architektonický jazyk klasicizmu sformuloval na konci renesancie veľký benátsky majster Palladio a jeho nasledovník Scamozzi. Benátčania absolutizovali princípy starovekej chrámovej architektúry do takej miery, že ich uplatnili aj pri stavbe takých súkromných sídiel, ako je Villa Capra. Inigo Jones priniesol palladianizmus na sever do Anglicka, kde miestni palladiánski architekti nasledovali palladovské princípy s rôznou mierou vernosti až do polovice 18. storočia.
V tom čase sa medzi intelektuálmi kontinentálnej Európy začala hromadiť sýtosť „šľahačkou“ neskorého baroka a rokoka. Barok, zrodený od rímskych architektov Berniniho a Borrominiho, sa preriedil na rokoko, prevažne komorný štýl s dôrazom na interiérovú výzdobu a dekoratívne umenie. Táto estetika bola málo užitočná na riešenie veľkých urbanistických problémov. Už za Ľudovíta XV. (1715-74) boli v Paríži postavené urbanistické súbory v „starorímskom“ štýle, ako napríklad Place de la Concorde (architekt Jacques-Ange Gabriel) a kostol Saint-Sulpice, a za Ľudovíta XVI. (1774-92) sa podobný „ušľachtilý lakonizmus“ už stáva hlavným architektonickým smerom.
Najvýznamnejšie interiéry v klasicistickom štýle navrhol Škót Robert Adam, ktorý sa do vlasti vrátil z Ríma v roku 1758. Veľký dojem naňho zapôsobil ako archeologický výskum talianskych vedcov, tak architektonické fantázie Piranesi. Klasicizmus bol v Adamovej interpretácii štýlom, ktorý v prepracovanosti svojich interiérov sotva zaostával za rokokom, čím si získal obľubu nielen medzi demokraticky zmýšľajúcimi kruhmi spoločnosti, ale aj medzi aristokraciou. Rovnako ako jeho francúzski kolegovia, aj Adam hlásal úplné odmietnutie detailov zbavených konštruktívnej funkcie.
Francúz Jacques-Germain Soufflot pri stavbe kostola Sainte-Geneviève v Paríži preukázal schopnosť klasicizmu organizovať rozsiahle mestské priestory. Mohutná vznešenosť jeho návrhov predznamenala megalomániu napoleonského empírového štýlu a neskorého klasicizmu. V Rusku sa Baženov pohol rovnakým smerom ako Soufflot. Francúzi Claude-Nicolas Ledoux a Etienne-Louis Boullé zašli ešte ďalej smerom k rozvoju radikálneho vizionárskeho štýlu s dôrazom na abstraktnú geometrizáciu foriem. V revolučnom Francúzsku bol asketický občiansky pátos ich projektov málo žiadaný; Ledouxovu inováciu naplno ocenili až modernisti 20. storočia.
Architekti napoleonského Francúzska čerpali inšpiráciu z majestátnych obrazov vojenskej slávy, ktoré po sebe zanechal cisársky Rím, ako napríklad víťazný oblúk Septimia Severa a Trajánov stĺp. Na príkaz Napoleona boli tieto obrazy prenesené do Paríža v podobe víťazného oblúka Carrousel a stĺpu Vendôme. Vo vzťahu k pamiatkam vojenskej veľkosti z obdobia napoleonských vojen sa používa termín „cisársky štýl“ - empírový štýl. V Rusku sa Carl Rossi, Andrei Voronikhin a Andreyan Zakharov ukázali ako vynikajúci majstri empírového štýlu. V Británii empírovému štýlu zodpovedá tzv. „Regentský štýl“ (najväčším predstaviteľom je John Nash).
Estetika klasicizmu uprednostňovala veľké urbanistické projekty a viedla k zefektívneniu urbanistického rozvoja v meradle celých miest. V Rusku boli takmer všetky provinčné a mnohé okresné mestá preplánované v súlade s princípmi klasicistického racionalizmu. Do autentických múzeí klasicizmu pod otvorený vzduch sa stali mestá ako Petrohrad, Helsinki, Varšava, Dublin, Edinburgh a množstvo ďalších. Jediný architektonický jazyk, ktorý sa datuje od Palladia, dominoval v celom priestore od Minusinska po Philadelphiu. Bežný vývoj prebiehal v súlade s albumami štandardných projektov.
V nasledujúcom období Napoleonské vojny klasicizmus sa musel vyrovnať s romanticky zafarbeným eklekticizmom, najmä s návratom záujmu o stredovek a módu architektonickej neogotiky. V súvislosti s Champollionovými objavmi získavajú na obľube egyptské motívy. Záujem o starovekú rímsku architektúru je nahradený úctou ku všetkému starovekému gréckemu („neogréckemu“), čo sa obzvlášť zreteľne prejavilo v Nemecku a USA. Nemeckí architekti Leo von Klenze a Karl Friedrich Schinkel vybudovali Mníchov a Berlín s grandióznym múzeom a ďalšími verejnými budovami v duchu Parthenonu. Vo Francúzsku je čistota klasicizmu riedená voľnými výpožičkami z architektonického repertoáru renesancie a baroka
. 
Veľké divadlo vo Varšave.
Gotika - obdobie vo vývoji stredoveké umenie na území západnej, strednej a čiastočne východnej Európy od 12. do 15.-16. Gotika nahradila románsky sloh a postupne ho vytlačila. Pojem „gotika“ sa najčastejšie používa na známy štýl architektúry, ktorý možno stručne opísať ako „zastrašujúco majestátny“. Ale gotika pokrýva takmer všetky diela výtvarné umenie tohto obdobia: sochárstvo, maľba, knižné miniatúry, vitráže, fresky a mnohé iné.
Gotický štýl vznikol v polovici 12. storočia v severnom Francúzsku, v 13. storočí sa rozšíril na územie moderného Nemecka, Rakúska, Českej republiky, Španielska a Anglicka. Gotika prenikla do Talianska neskôr s veľkými ťažkosťami a silnou transformáciou, ktorá viedla k vzniku „talianskej gotiky“. Koncom 14. storočia Európou zachvátila takzvaná internacionálna gotika. Gotika prenikla do krajín východnej Európy neskôr a zotrvala tam o niečo dlhšie – až do 16. storočia.
Pojem „neogotika“ sa vzťahuje na budovy a umelecké diela, ktoré obsahujú charakteristické gotické prvky, no vznikli v eklektickom období (polovica 19. storočia) a neskôr.
Gotický štýl sa prejavil najmä v architektúre chrámov, katedrál, kostolov a kláštorov. Vyvinul sa na základe románskej, presnejšie burgundskej architektúry. Na rozdiel od románskeho slohu s oblými oblúkmi, mohutnými stenami a malými oknami je gotický sloh charakteristický špicatými oblúkmi, úzkymi a vysokými vežami a stĺpmi, bohato zdobenou fasádou s vyrezávanými detailmi (vimpergi, tympanóny, archivolty) a viacnásobným - farebné vitráže lancety . Všetky štýlové prvky zdôrazňujú vertikalitu.
Za prvú gotickú architektonickú stavbu sa považuje kostol kláštora Saint-Denis, ktorý navrhol opát Suger. Počas výstavby boli odstránené mnohé podpery a vnútorné steny a kostol nadobudol v porovnaní s románskymi „božími pevnosťami“ elegantnejší vzhľad. Vo väčšine prípadov bola za vzor braná kaplnka Sainte-Chapelle v Paríži.
Z Ile-de-France (Francúzsko) sa gotický architektonický štýl rozšíril do západnej, strednej a južnej Európy – do Nemecka, Anglicka atď. V Taliansku nedominoval dlho a ako „barbarský štýl“ rýchlo ustúpil cesta do renesancie; a keďže sem prišiel z Nemecka, dodnes sa mu hovorí „stile tedesco“ – nemecký štýl.
V gotickej architektúre existujú 3 vývojové štádiá: raná, zrelá (vrcholná gotika) a neskorá (plamenná gotika, ktorej varianty boli aj manuelský (v Portugalsku) a isabelinský (v Kastílii) štýl.
S príchodom renesancie na začiatku 16. storočia severne a západne od Álp, gotický štýl stratilo zmysel.
Takmer celá architektúra gotických katedrál je spôsobená jedným hlavným vynálezom tej doby - novou rámovou štruktúrou, vďaka ktorej sú tieto katedrály ľahko rozpoznateľné.
katedrála Notre Dame v Paríži
Rokoko (franc. rokoko, z franc. rocaille - drvený kameň, ozdobná mušľa, mušľa, rokajl, menej často rokoko) je štýl v umení (hlavne v interiérovom dizajne), ktorý vznikol vo Francúzsku v prvej polovici 18. storočia (v období regentstva Philipa Orleansa) ako vývoj barokového štýlu. Charakteristickými črtami rokoka sú sofistikovanosť, veľká dekoratívnosť interiéru a kompozície, ladný ornamentálny rytmus, veľký dôraz na mytológiu a osobný komfort. Najvyšší rozvoj zaznamenal tento štýl v architektúre v Bavorsku.
Termín „rokoko“ (alebo „rokaille“) sa začal používať v polovici 19. storočia. Spočiatku je „rokail“ spôsob zdobenia interiérov jaskýň, fontánových misiek atď. rôznymi fosíliami, ktoré napodobňujú prírodné útvary, a „rokail“ je majster, ktorý takéto dekorácie vytvára. To, čo dnes nazývame „rokoko“, sa kedysi nazývalo „obrazový vkus“, ale v 50. rokoch 18. storočia. Kritika všetkého „prekrúteného“ a „núteného“ zosilnela a v literatúre sa začal objavovať pojem „pokazená chuť“. V kritike boli úspešní najmä encyklopedisti, podľa ktorých „pokazenej chuti“ chýbal racionálny princíp.
Napriek popularite nových „antických foriem“, ktoré prišli do módy koncom 50. rokov 18. storočia. (tento smer sa nazýval „grécky vkus“; predmety tohto štýlu sa často nesprávne zamieňajú za neskoré rokoko), tzv. rokoko si udržalo svoje postavenie až do konca storočia.
Architektonický (presnejšie dekoratívny) rokokový štýl sa objavil vo Francúzsku počas regentstva (1715-1723) a svoj vrchol dosiahol za Ľudovíta XV., rozšíril sa do ďalších európskych krajín a dominoval mu až do 80. rokov 18. storočia.
Po odmietnutí chladnej pompéznosti, ťažkej a nudnej pompéznosti umenia čias Ľudovíta XIV. a talianskeho baroka sa rokoková architektúra snaží byť za každú cenu ľahká, prívetivá, hravá; nestará sa o organickú kombináciu a rozmiestnenie častí stavby, ani o účelnosť ich foriem, ale nakladá s nimi s úplnou svojvoľnosťou, siahajúcou až do rozmaru, vyhýba sa prísnej symetrii, donekonečna variuje členenie a ornamentálne detaily a nešetrí na mrhaní tým druhým. V kreáciách tejto architektúry priamky a rovné plochy takmer zanikajú alebo podľa najmenej, sú maskované tvarovaným lemom; žiadny zo zavedených príkazov sa nevykonáva v čistej forme; stĺpiky sú niekedy predĺžené, niekedy skracované a špirálovito skrútené; ich kapitály sú skreslené koketnými zmenami a doplnkami, rímsy sú umiestnené nad rímsami; vysoké pilastre a obrovské karyatídy podopierajú nevýznamné výbežky so silne vystupujúcou rímsou; strechy sú po okraji obklopené balustrádami s fľašovitými balustrádami a s podstavcami umiestnenými v určitej vzdialenosti od seba, na ktorých sú umiestnené vázy alebo sochy; štíty, predstavujúce prerušované konvexné a vpadnuté línie, sú tiež korunované vázami, pyramídami, sochárskymi postavami, trofejami a inými podobnými predmetmi. Všade, v ráme okien, dverí, stenových priestorov vo vnútri budovy, v tienidlách sa používa zložitá štuková výzdoba, pozostávajúca z kučier, ktoré sa nejasne podobajú listom rastlín, konvexné štíty nepravidelne obklopené rovnakými kučeravkami, masky, kvetinové girlandy a girlandy, mušlí, hrubých kameňov (rokail) atď. Napriek takémuto nedostatku racionality v použití architektonických prvkov, takej vrtošivosti, sofistikovanosti a zaťažujúcim formám zanechal rokokový štýl množstvo pamiatok, ktoré dodnes fascinujú svojou originalitou, luxusom a veselou krásou. , ktorý nás živo sprostredkuje v ére rouge a whitewash, much a napudrovaných parochní (odtiaľ nemecké názvy štýlu: Perückenstil, Zopfstil).
Amalienburg pri Mníchove
Rímsky štýl
Románsky štýl (z lat. romanus – rímsky) je umelecký štýl, ktorý dominoval v západnej Európe (a zasiahol aj niektoré krajiny východnej Európy) v 11.-12. dôležité etapy vo vývoji stredovekého európskeho umenia. Najplnšie sa prejavil v architektúre.
hlavnú úlohu v románskom štýle bol venovaný drsnej pevnostnej architektúre: kláštorné komplexy, kostoly, zámky. Hlavnými budovami v tomto období boli chrámová pevnosť a hradná pevnosť, ktoré sa nachádzali na vyvýšených miestach a dominovali oblasti.
Románske budovy sa vyznačujú kombináciou jasnej architektonickej siluety a lakonickej vonkajšej výzdoby - budova vždy harmonicky zapadá do okolitej prírody, a preto vyzerala obzvlášť odolná a pevná. Uľahčili to mohutné múry s úzkymi okennými otvormi a stupňovito zapustenými portálmi. Takéto múry mali obranný účel.
Hlavnými budovami v tomto období boli chrám-pevnosť a hrad-pevnosť. Hlavným prvkom kompozície kláštora alebo hradu je veža - donjon. Okolo nej boli ostatné stavby, tvorené jednoduchými geometrickými tvarmi – kocky, hranoly, valce.
Vlastnosti architektúry románskej katedrály:
Plán vychádza z ranokresťanskej baziliky, teda z pozdĺžnej organizácie priestoru
Zväčšenie chóru alebo východného oltára chrámu
Zvýšenie výšky chrámu
Výmena kazetových (kazetových) stropov za kamenné klenby v najväčších katedrálach. Klenby boli viacerých typov: skriňové, krížové, často valené, ploché na trámoch (typické pre taliansku románsku architektúru).
Ťažké klenby si vyžadovali silné steny a stĺpy
Hlavným motívom interiéru sú polkruhové oblúky
Racionálna jednoduchosť dizajnu, tvorená jednotlivými štvorcovými bunkami – trávami.
Winchesterská katedrála, Anglicko
Dekonštruktivizmus
Dekonštruktivizmus je smer v modernej architektúre založený na aplikácii myšlienok francúzskeho filozofa Jacquesa Derridu v stavebnej praxi. Ďalším zdrojom inšpirácie pre dekonštruktivistov je raný sovietsky konštruktivizmus 20. rokov 20. storočia. Dekonštruktivistické projekty sa vyznačujú vizuálnou komplexnosťou, nečakanými rozbitými a zámerne deštruktívnymi formami, ako aj ostro agresívnou inváziou do mestského prostredia.
Dekonštruktivizmus sa objavil ako nezávislé hnutie koncom 80. rokov 20. storočia. (diela Peter Eisenman a Daniel Libeskind). Teoretickým pozadím hnutia bola Derridova úvaha o možnosti architektúry, ktorá sa dostáva do konfliktu, „odhaľuje“ a ruší samu seba. Ďalší vývoj dostali v periodikách Rema Koolhaasa. Požiarna stanica Vitra od Zahy Hadid (1993) a Guggenheimovo múzeum v Bilbau od Franka Gehryho (1997) sú považované za manifesty dekonštrukcionizmu.
Tancujúci dom, Česká republika
Hi-tech (anglicky hi-tech, od high technology - high technology) je štýl v architektúre a dizajne, ktorý vznikol v hlbinách neskorého modernizmu v 70. rokoch a široké uplatnenie našiel v 80. rokoch. Hlavnými teoretikmi a praktikami high-tech (väčšinou praktizujúcimi, na rozdiel od architektov dekonštruktivizmu a postmodernizmu) sú najmä Angličania – Norman Foster, Richard Rogers, Nicholas Grimshaw, v určitej fáze svojej tvorby James Stirling a Talian Renzo Piano .
Skorá hi-tech
Centre Pompidou v Paríži (1977), ktoré postavili Richard Rogers a Renzo Piano, sa považuje za jednu z prvých dokončených dôležitých high-tech budov. Projekt sa spočiatku stretol s nevraživosťou, ale v 90. rokoch spory ustúpili a centrum sa stalo jednou z uznávaných pamiatok Paríža (ako kedysi Eiffelova veža).
V Anglicku sa skutočné high-tech budovy objavili až neskôr. Prvé londýnske high-tech budovy boli postavené až v 80. a 90. rokoch 20. storočia (budova Lloyds, 1986). Pomalá implementácia moderných high-tech projektov v Anglicku bola do určitej miery spojená s politikou princa Charlesa, ktorý potom spustil aktívna práca v rámci architektonickej súťaže na rekonštrukciu námestia Paternoster (1988). Princ sa zúčastnil na architektonických debatách a vyjadril sa na podporu nových klasicistov a proti high-tech architektom, pričom ich budovy nazval znetvorením tváre Londýna. Charles Jencks vyzýva „kráľov, aby prenechali architektúru architektom“, dokonca zaznieva aj názor Nová vlna monarchizmus s diktatúrou kniežaťa v architektúre.
Moderné high-tech
High-tech od 80. rokov 20. storočia. vyjadrenú prestíž (všetky high-tech budovy sú veľmi drahé), Charles Jencks ich nazýva „bankovými katedrálami“, dokonca možno povedať, že moderné high-tech formuje imidž najväčších komerčných firiem. V Londýne utíchla architektonická debata okolo high-tech a jej najvýznamnejší predstavitelia sú uznávaní a rešpektovaní (Norman Foster získal titul rytiera).
Od 90. rokov 20. storočia. biotechnológia a ekotechnológia sa rozvíjajú - štýly, na rozdiel od high-tech, sa snažia spojiť s prírodou, nie sa s ňou hádať, ale vstúpiť do dialógu (to je obzvlášť viditeľné v dielach architektov vlasti high-tech - Anglicko a taliansky R. Piano) .
Hlavné rysy
Použitie špičkových technológií pri projektovaní, konštrukcii a inžinierstve budov a stavieb.
Použitie rovných čiar a tvarov.
Široké použitie skla, plastu, kovu.
Použitie funkčných prvkov: výťahy, schody, ventilačné systémy a iné, vyvedené mimo budovy.
Decentné osvetlenie vytvárajúce efekt priestrannej, dobre osvetlenej miestnosti.
Široké využitie striebornej metalickej farby.
Vysoký pragmatizmus v plánovaní vesmíru.
Častý odkaz na prvky konštruktivizmu a kubizmu (na rozdiel od biotechnológií).
Výnimkou je obetovanie funkčnosti kvôli dizajnu.
Ústredie televízie Fuji (architekt: Kenzo Tange)
Typy architektúry
Architektúra objemových štruktúr.
Architektúra objemových štruktúr zahŕňa obytné budovy, verejné budovy (školy, divadlá, štadióny, obchody a iné), priemyselné budovy (továrne, továrne, elektrárne atď.)
2. Krajinná a parková architektúra.
Tento typ architektúry je spojený s organizáciou záhradného a parkového priestoru. Sú to námestia, bulváry a parky s „malou“ architektúrou – altánky, mosty, fontány, schody.
Urbanistické plánovanie.
Urbanistická činnosť je činnosť v urbanistickom plánovaní organizácie a rozvoja území a sídiel, určovanie druhov urbanistického využitia území, integrované navrhovanie mestských a vidieckych sídiel vrátane tvorivého procesu formovania urbanistického priestoru, vytváranie
Prečítajte si tiež:
|
Architektúra. Definícia. Princípy formovania architektonickej formy.
Architektúra (lat. architectura - z gréckeho architekthon - staviteľ, architekt, umenie navrhovať a stavať budovy a iné stavby, ako aj ich komplexy, vytvárajúce materiálne usporiadané prostredie potrebné pre ľudí pre ich život a činnosť, v súlade s ich účelom , moderné technické možnosti a estetické pohľady na spoločnosť.
Architektúra je systém formovania určitých štruktúr, pomocou ktorých sa vytvára a transformuje existujúci priestor. Architektúra je určujúcim prvkom sociality a kultúry spoločnosti. Ide o estetickú reakciu na funkčné úlohy. Architektúra je celý jazyk - spôsob vyjadrenia formy prostredníctvom systému notácií určených na výmenu informácií. Prvky jazyka architektúry spočívajú v obsahu architektonických foriem, ktoré možno rozpoznať označením prvkov pomocou základných geometrických tvarov - čiar, plánov, pomocou objemu, svetla a tieňa, farby a textúry.
Princípy architektonického formovania vyjadril Marcus Vitruvius Pollio, tento princíp pozostáva z troch častí „Použitie, Trvanlivosť, Krása“, čím zdôrazňuje, že funkčné, technické a estetické princípy sú v architektúre vzájomne prepojené. Účel funkcie architektonickej stavby je určený jej pôdorysnou a objemovo-priestorovou štruktúrou, stavebnou vybavenosťou - možnosťou, ekonomickou realizovateľnosťou a špecifickými prostriedkami jej tvorby. Obrazný a estetický princíp architektúry je spojený s jej sociálnou funkciou a prejavuje sa vo formovaní objemovo-priestorovej a konštruktívnej štruktúry stavby. „Úžitok“ sa vzťahuje na všetky funkčné procesy vyskytujúce sa vo vnútri (a mimo) budov a štruktúr. Napríklad: verejné, obytné alebo priemyselné funkcie. Všetky sú zase poskladané z kúskov, ako mozaika. Byt pozostáva z takých častí ako sú: obývacia izba, kuchyňa, sociálne zariadenie - wc a vaňa, vstupná časť.
Pod „konštrukciou“ rozumieme súhrn všetkých technických prostriedkov výstavby, zjednodušene povedané, sú to stavebné materiály ako stavebné prvky: tehly, betón, rámy a zruby. Čo sa myslí pod pojmom „krása“, je každému jasné. Toto je časť, ktorú chceme vidieť len z architektúry, pričom zabúdame na všetko ostatné.
Architektonický výraz, architektonický jazyk, sú kľúčovými zložkami architektúry. Koncepty.
Architektúra má svoj špecifický jazyk, ktorý možno pochopiť, ak architektúru považujeme za systém hmotnej organizácie priestoru, ktorý sa napokon zrealizoval v dvadsiatom storočí. (Z. Gidion, K. Lynch atď.). V „jazyku architektúry“ existuje sféra, ktorá bola vždy zameraná na priamy dialóg so spoločnosťou, s divákom. To je reč architektonických znakov – symbolov. Vzhľadom na architektúru ako historický časový proces nachádzame nepopierateľné znaky toho, že materiálna symbolizácia architektonických foriem bola takmer vždy stálym prostriedkom komunikácie. Vo všetkých fázach jeho zmeny a vývoja sa do architektonického jazyka vnášali prvky, ktoré možno priamo považovať za znaky a interpretovať ich z pohľadu semiotických teórií (Semiotika je veda, ktorá študuje vlastnosti znakov a ich systémov).
Architektonický výraz je prenesenie jednej entity do inej entity s vizuálnym charakterom. Je to viditeľný prejav neviditeľného obsahu so špecifickým významom. Symboly architektonických foriem sú rozpoznateľné a zrozumiteľné vďaka zložkám architektonického jazyka. Hlavné zložky architektúry sú: geometrické tvary, línia, pôdorys, objem. Komponenty ako svetlo, tieň, farba, textúra obohacujú a dopĺňajú jazyk architektúry.
Architektonický výraz je spojený s tromi princípmi, ktoré Marcus Vitruvius Pollio formuloval, keď hovoril o architektúre – „užitočnosť, sila, krása“. Táto slávna triáda sa pevne zakorenila v histórii a teórii architektúry a stala sa základom konceptu „Architektúra“. Akákoľvek odchýlka od tohto vzorca, ktorá nie je zložitá vo vzhľade a hlbokom obsahu, vedie k narušeniu integrity architektúry alebo jej absencie ako takej. Celá história architektúry je históriou hľadania harmonickej jednoty funkcie, dizajnu a formy. Podceňovanie formy a jej krásy v záujme úžitku narúša jednotu a harmóniu architektúry, mení sa na spoločenskú nepohodu a funkčnú menejcennosť architektonického diela. A naopak, to, čo je prospešné pre staviteľov a výrobných pracovníkov, sa nie vždy zhoduje s pohodlím, výhodami a estetickými vlastnosťami. Teda funkcia, dizajn, forma sú tri zložky jediného architektonického diela, ktoré určujú tri hlavné skupiny jeho charakteristických kvalít.
5.5 Umelecký jazyk moderného architekta
Originálny štýl architekta a individuálny autorský jazyk nachádzajú svoje najkompletnejšie stelesnenie v architektonickom diele. Zároveň v procese svojho formovania prechádzajú dlhou a náročnou cestou, skrytou pred priamym vnímaním „spotrebiteľov“ architektúry: zákazníkov, kolegov, kritikov, občanov a „hostí mesta“. Kreatívna „kuchyňa“, dielňa architekta je „posvätným hájom“, kde sa rodia architektonické obrazy a formy... Nie je náhoda, že toto „miesto“ je často chránené pred zvedavými pohľadmi a je pre autora posvätné. Ale napriek softvérovej latencii majú autorove metódy a prístupy k architektonickej kreativite zvláštny významštudovať architektúru. Zvažovaná téma je mimoriadne mnohostranná – zahŕňa metódy rozvíjania autorovej myšlienky na ceste od skice k práci; individuálne spôsoby a metódy architektonickej prezentácie, ako aj interdisciplinárne syntetické techniky v architektonickej tvorivosti. Vráťme sa k umeleckému spektru kreativity moderného architekta: ručné kreslenie architektúry, koláž, sochárstvo, dizajn a ďalšie takmer architektonické činnosti.
Autorove metódy architektonického skicovania a grafickej prezentácie projektu sú rôznorodé. Historicky určovala akademická tradícia vysoký stupeň požiadavky na ručné odovzdanie: zdokonaľovali sa spôsoby prenosu trojrozmerného priestoru v rovine (perspektívne a axonometrické konštrukcie), zdokonaľovali sa techniky architektonickej kresby a akvarelu. Začiatok dvadsiateho storočia sa navyše niesol v znamení rozkvetu grafiky vo všetkých oblastiach umenia. Tvorba ruských a zahraničných architektov v tomto období (A.V. Shchusev, F.O. Shekhtel, O. Wagner, A. Loos) je svojou povahou syntetická: nielenže organicky spája druhy výtvarného umenia do jedného diela, ale aj akoby , „zrovnoprávňuje práva“ medzi umeleckými prednosťami grafickej prezentácie a realizovaným architektonickým dielom.
Majstri ruskej avantgardy, využívajúci revolučné metódy v práci s formou, zachovali vysoká kultúra architektonickú prezentáciu. Architektonická grafika bola silne ovplyvnená (a stala sa súčasťou) nových trendov v plastickej kultúre (kubofuturizmus, suprematizmus, konštruktivizmus), živená objavmi predstaviteľov umeleckej avantgardy: L. Popova, A. Vesnina, K. Malevič, I. Čašnik, N. Suetin, L. ., V. Tatlin, A. Rodčenko.
K. Melnikov, vyštudovaný výtvarník, využil možnosti ručnej grafiky pri hľadaní novej dynamickej geometrie (diagonálnej), „plávajúcej“ energie, ktorá poráža gravitáciu. Relevantnosť opísaných sľubov, ktoré sa ani zďaleka nerealizovali v období konštruktivizmu, pre moderné architektonické ašpirácie je úplne zrejmá.
Majstrovská grafika označuje diela I. Leonidova, v ktorých sa koncepcia a spôsob autorského podania spája do jednotného celku. Štýl majstra sa vyznačuje rôznymi technikami: „živá“ čiara náčrtu, čiara kreslenia, „obrátenie“ na čiernom pozadí. Zdá sa, že je možné považovať majstrovu tvorivú cestu za pohyb od lakonického architektonického suprematizmu k viacrozmernej architektonickej a umeleckej syntéze. Zároveň v každej fáze bola jedným z integrujúcich princípov dizajnová grafika vo všetkých ich rôznych formách: „živé“ náčrty ceruzkou, presná kresba grafiky s prvkami kresby a maľby, nášivka, projektové maľby vyrobené v starej ruštine “ technika maľby ikon. Majster použil syntézu výrazových prostriedkov na dosiahnutie farebnej a „priestorovej“ polyfónie.
Grafiky prvého, konštruktivistického obdobia sa vyznačujú maximálnou mierou zovšeobecňovania, povyšujúc projekt na úroveň konceptu. Použitie čierneho pozadia na projekcie spolu s tradičnou bielou viedlo k zrodu Leonidovej „svetelnej“ grafiky s charakteristickou „kozmickou“ hĺbkou, ktorú možno korelovať tak s domácim suprematistickým trendom, ako aj s obrazovými „svetmi“ V. Kandinsky, J. Miro, P. Klee a R. Delaunay. Leonidovov duchovný ideál bol najplnšie stelesnený v sérii obrazov venovaných projektu ideálneho mesta slnka, ktoré sa stalo umeleckým zhrnutím majstrových tvorivých hľadaní.
Architektonický náčrt v tvorbe vynikajúcich architektov je chápaný ako samostatné umelecké dielo, naplnené množstvom obrazných metafor, asociácií a konceptuálnych myšlienok, ktoré prispievajú k rozvoju autorovho štýlu. Výrazným príkladom syntézy architektonickej a umeleckej kreativity sú diela Le Corbusiera. Z modernejších príkladov je vhodné pripomenúť instantné majstrovské diela O. Niemeyera, hľadanie plasticity a organických analógií v diele S. Calatravu; metóda „akvarelu“ pri štúdiu svetlopriestorového prostredia budúcej tvorby S. Halla; energetické náčrty M. Bottu; formatívne impulzy v kresbách E.O. Mohs; herné prezentácie a veľkoplošné maľby W. Alsopa, J.B. Bolles a P.L. Wilson; minimalizmus architektonickej grafiky A. Siza; emotívne „obrazy“ M. Fuksasa, maľba Z. Hadid.
Architekt S. Calatrava považuje architektúru za umenie adresované každému jednotlivcovi, konkrétnemu adresátovi. Majster sa zároveň prikláňa k tomu, aby odbornú sféru architektonickej činnosti interpretoval komplexne ako integráciu činností inžiniera, umelca a vedca. Dielo S. Calatravu je teda jedinečnou syntézou konštruktívnych, vedeckých a umelecko-plastických princípov.
Aktívne pracuje ako umelec (sochár, grafik, keramik), majster vytvára abstraktné sochy stelesňujúce obraz letu a víťazstva nad gravitáciou, vlastným spôsobom nadväzujúc na sochárske hľadania Picassa, Naguchiho, Gaba, Brancusiho. Architekt vysvetľuje primárne impulzy svojich diel: „Niekedy vytváram štrukturálne kompozície, ktoré môžete nazvať sochami, ak chcete.“ Práve na sochách prvýkrát vyskúšal svoje priestorové a plastické nápady, nadväzujúce na tradície A. Gaudího. Diela S. Calatravu sú naplnené antropo- a biomorfnými formami a štruktúrami a séria autorských skíc sa venuje štúdiu prirodzenej plasticity a „biomechaniky“ prírodného a ľudského sveta, ktoré slúžia výraznosti architektonických štruktúr. Autorova metóda sochárskeho modelovania bola jednoznačne použitá na vytvorenie veže „Turning Torso“ v Malmö, na základe sochy, ktorú predtým vytvoril autor rovnakého mena.
J. Pallasmaa („The Thinking Hand“) poznamenáva, že Alvar Aalto, ako je známe, v procese hľadania zjednocujúcej témy pre budúce dielo vytvoril sériu abstraktných kresieb. Pomocou akejsi „vnútornej intuitívnej vízie“ majster objavil zovšeobecňujúcu podstatu všetkých plánov pre budúcu prácu a vytvoril sériu abstraktných kresieb, „rukopisov“. Zrod priestorového riešenia Mestskej knižnice vo Vyborgu tak sprevádzali početné skice horskej krajiny.
„...Architektúra berie do úvahy pohyb človeka v priestore a jeho ponorenie sa do viacvrstvového zážitku, v ktorom sa prelínajú priestor, svetlo, farba, geometria, vôňa, zvuk, povrchy a materiály,“ vysvetľuje architekt S. Hall the fenomenologický charakter jeho diel. Majster pomocou akvarelovej metódy autora študuje „fenomenologický rozmer“ architektúry, pričom skúma jedenásť typov javov. Architekt chápe architektúru ako „spojenie medzi myšlienkami, filozofiami, svetlom, priestorom, nádejami a materialitou sveta“ a integruje koncepty, obrazy a priestory do jedného umeleckého celku. Akvarely pevnej veľkosti tvoria akúsi kartotéku, z ktorej možno sledovať fázy vzniku a vývoja projektov.
Architekt W. Alsop vytvára mimoriadnu architektúru snov o vnemoch, archetypov vnímania, detských fantázií a spomienok. Existuje názor, že majster pristupuje k dizajnu skôr nie ako architekt, ale ako umelec. Jeho individuálny prístup je založený na hľadaní emocionálneho dojmu z budúceho diela tým najslobodnejším spôsobom. W. Alsop tvrdí, že na zrodenie experimentálneho budovania herných foriem musí byť vedomie autora absolútne slobodné: vtedy je možné nájsť umelecký nápad budúci projekt. V autorových akvareloch a gvašoch nie je presnosť dizajnu: mierka, funkčná, konštruktívna. Nejde o tradičnú architektonickú prezentáciu, ale o pokus o nabúranie stereotypov myslenia a čo najväčšie oslobodenie fantázie. Architekt-umelec tak vytvára abstraktné, emóciami nabité modely, ktoré vyjadrujú autorove koncepty hry imaginácie, dialógu a provokatívneho „objektového dizajnu“ v architektúre.
Diela M. Fuksasa v sebe integrujú črty architektonickej tradície, ostrý konceptuálny prístup a metafory moderného mesta. Autor venuje Osobitná pozornosťštúdium časopriestorových a „literárnych“ súvislostí budúceho objektu: prostredie, zmena ročných období a osvetlenie, architektonická „pamäť“ a „duch miesta“. Autorove klasifikačné tabuľky, vyhotovené v náčrtovej forme, sa venujú podrobnému štúdiu týchto faktorov, ako aj vývoju počiatočnej koncepcie projektu. K formovaniu obrazu budúceho diela zase dochádza prostredníctvom autorovej maľby - expresívnych obrazov, ktoré vyjadrujú emocionálnu štruktúru projektu. Nie je náhoda, že programová príťažlivosť M. Fuksasa k filmu, médiám a digitálnym technológiám dáva kvalitatívne novú úroveň „simultánnosti“ integrálneho vnímania.
Architekt Thom Mayne sa vo svojich dielach drží konceptuálneho a výtvarného jazyka. Je príznačné, že časť stránky venovanú grafickým rešeršniam a takmer architektonickým umeleckým dielam autor nazýva „Tangents and Outtakes“, čo možno preložiť ako práca „nad“ alebo presnejšie „na tangente“. Jeho skice, koláže a modely interpretujú konkrétny projekt pri jeho vývoji či následnej reflexii, no zároveň sa stávajú samostatnými dielami. A to robí kreatívne prístupy T. Maina podobnými dielam predstaviteľov konštruktivizmu, ktorý Main považuje za „najzaujímavejší a najsľubnejší architektonický štýl našej doby“. Napísal: „Ruskí konštruktivisti dokázali vo svojich budovách zachovať sviežosť línie a spontánnosť dizajnovej grafiky vrátane písmen a číslic.“ T. Main prejavuje záujem o nedokončené objekty, vníma ich ako stavby pripravené na život v meniacom sa súbore mesta.
Inšpirovaný podhodnotením kompozícií Ginzburga, Melnikova a Tatlina, T. Main používa architektonický jazyk otvorený rozmanitosti.
Thom Main vo svojom prejave na festivale Arch-Moscow 2006 sformuloval hlavné zložky svojej metodológie dizajnu, ktorá je založená na: starostlivom štúdiu krajiny; konštrukcia fragmentov; postupnosť vývoja projektu, počnúc náčrtom obrazu štruktúry. Architekt ilustroval postupnosť svojej práce na príklade náčrtov pre projekt Sun Tower v Soule: od prvej siluety proti oblohe až po vývoj vstupnej haly. Estetika rozloženia, čiara kreslenia „na pauzovací papier“, vrstvenie, svetelné osvetlenie farbou - to všetko je organicky zahrnuté v umeleckej estetiky diela majstra. Je príznačné, že jednou z charakteristických formálnych techník T. Maina je použitie písmen ako prvkov fasádnej kompozície.
Súčasná architektúra „silových polí“ sa stala jednoznačným znakom doby. Názorným príkladom tohto prístupu je expresívna kreativita Z. Hadid, ktorá sa preslávila svojimi grafickými prácami dávno pred budovami. Kresba je pre ňu teoretická, výskumná etapa, otvorená transformácii pôvodného plánu („výstrel do tmy“, ako napísal jej kolega P. Schumacher). Pravdepodobne nie náhodou sa v majstrovom diele objavil zvláštny fenomén „konceptuálnej maľby“ (Londýn, Berlín 2000, Manhattan, Pohľad na Madrid), ktorá zaujímala medzipolohu medzi architektonickou fantáziou a maľbou.
Čínsky architekt Ma Yansong sa drží konceptu emocionálno-zmyslovej architektúry. Architekt je presvedčený, že architektúra by mala byť podobná moderné umenie práve v aspekte slobodného a pestrého vyjadrovania citov. Sám architekt ochotne spolupracuje umeleckých projektov, čo ukázal zážitok zo spoločnej výstavy s O. Eliassonom „Pocity sú fakty.“
Ma Yansong poukazuje na významný rozdiel medzi jeho tvorivým prístupom a prístupom jeho častého spolupracovníka Bjarka Ingelsa, ktorý je v kontraste s jasnou metodológiou prežívania, individuálnych emócií, ktoré sa nedajú duplikovať. Mottom Ma Yansonga je presvedčenie, že architekti, rovnako ako umelci, musia ponúknuť sen konkrétnemu klientovi a spoločnosti.
Popri výtvarnom zostáva dôležitým aspektom skice aj intelektuálny, spojený s teoretickým modelovaním diela: analytická architektonická kresba R. Meyera; tabuľky klasifikácií autorov M. Fuksasa; sekvenčné štúdie a diagramy sémantických a morfologických volumetricko-priestorových transformácií navrhovaného zväzku od P. Eisenmana (grafika je doplnená layoutom).
Architektonická grafika P. Eisenmana slúži na rozvíjanie formatívnych štruktúr budúcich architektonických objektov. Uplatnením konceptu „paradoxu správy v zabudnutom jazyku“ vstupuje P. Eisenman do dialógu s adresátom a architektúra sa stáva formou písania, autorského textu, ktorý musí adresát dešifrovať, odhaľujúc „stopy“ a tzv. logika inherentných transformácií. Eisenman predstavuje pojem „samotný dizajn“, ktorý možno preložiť ako „sebaorganizácia“. Podľa tohto princípu sa línie, roviny, objemy voľne „samoorganizujú“ do architektonických štruktúr - základ majstrovských diel. Na dizajn sa používa metóda diagramov - grafické štúdie postupných transformácií, ktoré sa riadia vnútornými zákonmi sebavývoja formy. Názornými príkladmi sú projekty jednotlivých domov na základe autorových experimentov s tvarom. latinské písmeno„L“ symbolizujúce nestabilitu a neúplnosť. Vlastná grafika a rozloženie sa tak stávajú súčasťou softvérovej stratégie „vlastného jazyka architektúry“. Procesualita autorovho chápania architektúry ju približuje k formám a metódam konceptuálneho umenia.
Ako viete, ruská architektonická škola bola vždy známa svojou umeleckou zložkou. Tradícia ručnej grafiky v domácej dizajnérskej praxi stále žije a rozvíja sa – mnohé ruských architektov obráť sa na „ručnú kresbu“ architektúry: S. Choban, S. Skuratov, M. Filippov a ďalší je známy ako dôsledný zástanca tradicionalistického smeru v architektúre, čo sa prejavuje aj v prezentáciách jeho projektov. Autor umne využíva klasické akvarelové techniky nielen na sprostredkovanie svetlovzdušného prostredia, ale aj na vytvorenie zvláštneho „idylického“ zvuku architektúry. Štúdium čŕt prostredia z rôznych uhlov vnímania v rôznych obdobiach roka pomocou série kresieb je dôležitou súčasťou autorskej metódy architekta S. Chobana. Autor tvrdí, že architektúra, ktorá je zaujímavá na kreslenie, je úspešná architektúra. Architekt novostavby v mestskom prostredí symbolicky porovnáva s lazúrou v maľbe, ktorá dopĺňa, ale neničí stopy niekdajších čias.
Hlavnou a integrálnou vlastnosťou náčrtu je identita jeho autora, ktorá stelesňuje individualitu majstra. Tento aspekt témy je obzvlášť významný V poslednej dobe, kedy je zrejmé isté zjednocovanie a univerzalizácia architektonických techník a prostriedkov spojených s plošným zavádzaním výpočtovej techniky. Náčrt sa objaví v určitom momente „tu a teraz“ a fixuje myšlienku v danom priestorovom a časovom kontexte.
Spolu s tým sa úspešný náčrt môže stať leitmotívom celej zdĺhavej tvorivej práce na projekte a dokonca ho „prežiť“, objaviť sa v publikáciách spolu s fotografiou realizovaného objektu. Krásna skica žije ako samostatné umelecké dielo. Zároveň je do istej miery izolovaný od stelesneného architektonického objektu, pretože môže obsahovať iné sémantické plány, metafory, štylistické znaky. Kreatívny vhľad, „nález“ v náčrte často tvorí základ celého smerovania autorovho hľadania – kryštalizuje sa autorov komunikačný systém. Skica zachytáva moment, kedy sa nápad zrodil. Navyše môže vzniknúť ako nevedomá intuitívna „stopa“ reflexie alebo ako výsledok cieľavedomého metodologického procesu, v ktorom sa testujú jednotlivé zložky budúcej koncepcie diela: séria náčrtov, grafov, diagramov, asociatívne série. V štádiu skicovania sa tak realizuje jediný proces vzniku myšlienky a jej štúdia – sebaidentifikácia kreatívneho konceptu. V širšom zmysle ide o sebaidentifikácia architekta ako Majstra, sprevádzaná neustálym uvažovaním o jeho kreativite.
V autorovom vlastnom náčrte vzťah a syntéza teoretických a plastických rešerší, ako aj architektonických a umeleckých foriem expresívnosť. Povaha architektonického náčrtu je mnohohodnotová a má množstvo druhových vlastností: ideologické, sémantické, asociatívne; architektonické a tvaroslovné; umelecký. Pôsobí súčasne ako proces a výsledok; je charakterizovaný výrazným zameraním a multiasociáciou; pokrýva celok a jednotlivé časti; vyjadruje úplnosť plánu a má podhodnotenie náčrtu. V tomto ohľade je termín futuristov „simultánnosť“ (simultánnosť) plne vhodný pre architektonickú skicu ako fenomén, keď sa štruktúra sémantickej, figuratívnej a funkčnej vrstvy diela súčasne odhaľuje v lakonickej podobe. To je jedna z výhod náčrtu, ktorá sa niekedy v dokončenom projekte nedá dosiahnuť. Z toho vyplýva, že práve architektonický náčrt načrtáva cestu k dialógu s príjemcom architektúry.
Náčrt v tvorivej práci architekta má množstvo znakov: identita pri formovaní autorovho jazyka a štýlu; konceptualita v štádiu rozvíjania autorskej koncepcie; syntetickosť na priesečníku umeleckého, vedeckého a literárne smery; polyvariantnosť náčrtu a otvorenosť dialógu; intuitívnosť, heuristika, procedurálnosť náčrtu ako fenoménu. Ako je známe, proces návrhu predstavuje sériu sekvenčných vzájomne prepojených etáp, ktoré je možné znázorniť v zjednodušenom diagrame: predprojektová analýza, predbežné a podrobné návrhy, schválenie projektu, dohľad počas procesu implementácie. Alebo inak povedané - ponorenie sa do témy, štúdium materiálu, kreatívne hľadanie - skicovanie a prototypovanie - vývoj a grafická prezentácia projektu - realizácia za účasti autora. Tento diagram zámerne sumarizuje fázy vypracovania projektovej dokumentácie, ktoré sa môžu líšiť. Nie je náhoda, že slovo „architekt“ sa používa už od staroveku - tvorca a remeselník, ktorý má celú škálu zručností a schopností potrebných na realizáciu plánu. V tradíciách domáceho akademického vzdelávania budeme častejšie používať termín „architekt-umelec“, ktorý si nevyžaduje ďalšie vysvetlenie.
V súčasnom kontexte je celkom korektné spomenúť skicovanie pomocou výpočtovej techniky, ktoré je skôr opozíciou k tej tradičnej manuálnej, než vývojom tejto línie. Virtuálny náčrt môže byť konceptuálny diagram, model, súbor primitív - prototypov tvaru budúceho objektu. Príťažlivosť architektov k technickým schopnostiam v počiatočných fázach návrhu je celkom pochopiteľná vďaka možnosti vytvárať a transformovať rôzne typy škrupín rôzneho stupňa zakrivenia (digitálna architektúra). Parametrický dizajn, ktorý sa vo svete aktívne rozvíja, využíva schopnosť počítača simulovať tvar objektu na základe zadaných charakteristík parametrov. Prezentované metódy sú do značnej miery progresívne a majú analógy v minulosti (tvarovanie kupolových štruktúr, populárne v 60. rokoch), ale miera autorstva v nich je často vyrovnaná. Počítačový „náčrt“ často nemá žiadnu nezávislú hodnotu - stáva sa súčasťou komplexného procesu navrhovania (model objektu v počiatočnom štádiu jeho vývoja).
Dnes, keď sa ručné odovzdávanie stalo vzácnosťou, sa otázka zachovania a identifikácie individuality autorovho jazyka stala dosť akútnou. V tomto smere z metodologického hľadiska nadobúda osobitný význam metóda vetných členov používaná vo výchovno-vzdelávacom procese. Klauzula a neustále skicovanie sú rýchle spôsoby komunikácie medzi majstrom a študentom, rozvíjajú kreatívne myslenie, pamäť a ručnú grafiku. V procese skutočného dizajnu sa architekti často obracajú na akýsi „kolektívny“ náčrt založený na klauzulovej metóde. Pracovníci dielne prezentujú jednotlivé riešenia, následne sa vyberú najúspešnejšie návrhy – na ich základe sa syntetizuje koncept budúceho projektu.
Treba poznamenať, že skicovanie ako kreatívna metóda sa rozširuje na funkciu, dizajn a formu. Funkčný náčrt je zónový diagram, definícia potrebných spojení medzi funkčnými blokmi a diagramy organizácie procesov v štruktúre. Neštandardné návrhy spojené s figuratívnou stránkou projektu sa premietajú aj do architektonických náčrtov. Samozrejme, najžiadanejšie je skicárske hľadanie podoby budúcej stavby, v ktorej sa rodí jej umelecký obraz. Skica je takmer vždy emocionálne naplnená a vyvoláva odozvu diváka, ktorého priťahuje „živosť“, uvoľnená grafika a voľnosť prezentácie materiálu.
V modernej dizajnérskej praxi sú možné rôzne prístupy ku klasifikácii náčrtov. Architektonický náčrt sa mení podľa štádií vývoja kreatívneho konceptu: náčrt ako fixácia prvej myšlienky; asociatívny alebo konceptuálny náčrt pri formovaní konceptu budúceho diela; objasnenie náčrtu pri práci na projekte; podľa zásady úplnosti: náčrt, náčrt; "architektonický náčrt"; skic architektonickej grafiky. Akýkoľvek typ náčrtu sa môže stať nezávislým umeleckým dielom.
Dnes sa v architektonickej tvorivosti dostávajú do popredia osobné autorské koncepty, ktoré sa stávajú syntetizujúcim jadrom v interdisciplinárnom kultúrnom a vedeckom priestore. V takomto širokom kontexte je vhodné považovať koncept architektonickej a umeleckej syntézy za mieru duchovného naplnenia, znak autorovej identity architektonickej tvorivosti, povyšujúci ju na úroveň umenia. Pojem „umelecký“ s určitou mierou konvencie možno chápať ako súbor osobného vnímania sveta a metód jeho stelesnenia v materiálnej realite. Je to „umelecké“ to, čo umožňuje „znieť“ architektúre autora. Kreatívny architekt rodí autorovu víziu, svoj vlastný individuálny plastický jazyk – osobný holistický systém metód a princípov, ktorý tvorí podstatu modernej architektonickej paradigmy.
Závery pre kapitolu 5
Je predstavený a zvážený pojem „osobno-osobné „pole“ umeleckej integrácie, ktorý predstavujú integračné metódy v autorskej tvorbe architekta. Boli identifikované integračné centrá, ku ktorým sa tiahne tvorivá orientácia majstrov modernej architektúry: racionálne, humanistické, prírodné, inžinierske a technologické, sociálne a dialogické princípy, ako aj intuitívne a figuratívno-symbolické, intelektuálne a kritické, sémantické a archetypálne základy. .
Bola vypracovaná klasifikácia tvorivých konceptov majstrov modernej architektúry podľa aktuálnych oblastí umeleckej integrácie. Osobné pojmy sa posudzujú podľa štyroch hlavných skupín faktorov:
Začlenenie do výtvarného systému na úrovni využívania výtvarných motívov a korelácie s jeho typmi;
Interdisciplinárny potenciál a schopnosť dosiahnuť metasystémovú úroveň.
3. Architektúra umeleckého poriadku ( R. Meyer, J. Sterling, D. Chipperfield, A. Siza, E. Souto de Moura, S. Braunfels):
Priestorová organizácia architektúry je prioritou a stáva sa hlavným nositeľom umeleckého obsahu a obrazu a časová zložka pomáha integrovať priestorové „obrazy“ do holistického dojmu;
Umelecká oblasť preniká do všetkých úrovní organizácie objektu a oslovuje obrazy výtvarného umenia.
Ideál abstraktnej harmónie, kompozičnej usporiadanosti a obraznosti zrodený v dielach, prezentovaných v najabstraktnejšej forme, siaha až do medzisystémovej roviny kultúrneho poľa.
4. Architektúra komunikácie v systéme kontextov (R. Venturi, A. Rossi, M. Graves, P. Eisenman, K. Portzamparc, B. Tschumi, M. Safdie, A. Predok):
Kontexty architektonickej tvorivosti sú koncipované ako znakovo-symbolický systém, vyjadrený zložitou dynamickou substanciou časopriestorového poľa, v ktorom čas v podobe historickej a kultúrnej informácie nadobúda osobitný umelecký význam;
Oblasti výrazových významov výtvarného odboru, ktorý si zachováva príbuznosť s výtvarnou plasticitou, sa sústreďujú okolo fenoménov pamäti, významotvorných konštruktov, hravých zámerov, obohacujúcich architektúru o literárne významy;
Sémantická štruktúra dáva vznik znakovému poľu architektúry, ktorá definuje medzisystémovú oblasť tvorivej komunikácie.
5. Architektúra prírodných vzťahov (P. Zumthor, S. Hall, K. Norberg-Schultz, R. Piano):
Človek a svet okolo neho sú interpretované ako prepojený, prenikajúci organizmus a kontext je vnímaný ako pokračovanie tejto prirodzenej jednoty – časopriestorové pole je interpretované čo najširšie, pokrývajúce prírodné javy, motívy fyzikálnych a osobný rozvoj človeka, základy a tradície;
Umelecké pole sa tiahne k dvom hlavným významom: uznanie hodnoty umenia ako remesla a umeleckej interpretácii prejavov prírodných síl, priblíženie sa k „umeniu živlov“.
Hranice opísaného smeru sa definujú najťažšie, keďže má medzisystémový charakter a má veľa individuálnych či fragmentárnych prejavov vo výtvarnom chápaní vody, svetla či motívov vytvorených človekom.
6. Architektúra nasleduje prírodu (S. Calatrava, R. Piano, N. Grimshaw, F. Huben (Mecanoo), K. Kurokawa, T. Ando, K. Kuma):
Architekti oslovujú umelecké obrazy z prírodného sveta a interpretujú ich ako základné sémantické a štruktúrotvorné súvislosti a časové parametre sa stávajú pokračovaním prirodzených metafor rastu a vývoja;
Výtvarná oblasť slúži ako experimentálna oblasť pre rozvoj organických motívov v jazyku architektonickej formy, ktorej rozvoj je uľahčený aktívnym zapojením výrazových prostriedkov maľby, kresby, sochy, počítačovej grafiky a digitálneho modelovania;
Na úrovni metasystému sa potvrdzuje vitalita a jednota antropogénnych a prírodných princípov, vyjadrená v možnosti osvojiť si organické princípy a vytvárať prírode podobné architektonické obrazy.
7. Architektúra iluzórneho obrazu (J. Nouvel, F. Gehry, M. Fuksas, J. Herzog a P. de Meuron, Koop Himmelblau):
Časopriestorové pole určuje kontextový začiatok iluzórnej architektúry, podobne ako komunikačná línia v znakovo-symbolickom zmysle architektonického rozprávania, a obrazy ako mizanscény javiskovej akcie sa vrstvia v časovej postupnosti a tvoria architektonické predstavenie. ;
Umelecká oblasť iluzórnosti nám približuje kolážovú estetiku a techniky mediálneho umenia (kino, fotografia, multimediálne efekty), čo spolu dáva vznikať divadelnosti architektúry;
Integrálny iluzórny obraz vytvorený vo vnímaní adresáta, blízky „umeleckému klamu“, sa stáva znakom danej architektonickej línie v oblasti metasystému.
8. Architektonický dizajn a sociálny dialóg (W. Alsop, S. Behnisch, P. Cook, B. Ingels (BIG), Bureau „Diener & Diener Architekten“, MVRDV, MAD, FAT („Móda. Architektúra. Vkus“ - „ Móda).
Časopriestorové súvislosti sú nahradené sociálnymi scenármi zameranými na intenzívny verejný dialóg;
Umelecká expresivita sa dosahuje prostriedkami blízkymi dizajnu, využívaním techník módneho priemyslu, reklamnej oblasti, ako aj umenia rétoriky;
Umenie architektúry obetuje jemné elitárstvo v prospech demokratizácie tvorivého procesu a dostupnosti širokej verejnosti na meta úrovni.
9. Architektúra analytického výskumu a sociálnych stratégií (R. Koolhaas, T. Main, B. Ingels (BIG Bureau), MVRDV):
Časopriestorové pole je riešené ako problematická oblasť aplikovaného výskumu, ktorú možno čiastočne výtvarne interpretovať pomocou architektonického návrhu;
Výtvarnú zložku vyjadruje aktualizovaná estetika mestského priestoru, spájajúca riešenie pragmatických otázok a architektonicko-výtvarné riešenie prostredia;
Nové mestské stratégie sa spoliehajú na interdisciplinárne interakcie a aktívne zapájajú aj oblasť súčasného mediálneho umenia a land artu.
10. Architektúra výrazu, energetické toky a sloboda tvaru (F. Gehry, Z. Hadid, D. Libeskinda, O. Dekk, M. Fuksas, H. Rashid, Bureau Koop Himmelblau, Nox, F. Romero, Asimptote):
V časopriestorovej oblasti sa programová nedôvera v existujúci environmentálny kontext stáva oporou pre revíziu základných kategórií, ktorá vedie k „vynálezu“ aktualizovaného časopriestoru s výraznou kategóriou pohybu a dynamickej formy a podporou pre plastické experimenty sú objavy domácej a zahraničnej umeleckej avantgardy a konceptuálneho umenia;
Naplno sa prejavujú multiintegračné tendencie umeleckej oblasti (konceptuálnosť, dizajnérsky prístup, teatralizácia) a architektonický objekt s prioritou symbolickej formy pôsobí ako voľné výtvarné gesto - svižná línia, socha, digitálny obraz, dokonca aj inštalácia;
Expresívny obraz a pôsobivá trojrozmerná forma sa stávajú rozpoznateľnými charakteristikami tohto smeru v metasystéme architektonickej a umeleckej integrácie.
11. Je dokázané, že rozhodujúcim faktorom v tvorivej práci architekta je komplexná metóda umeleckej integrácie. Metodika autorskej kreativity majstrov modernej architektúry vychádza z osobných konceptov architektonickej a umeleckej integrácie, formulovaných v štúdii:
Koncept umeleckej integrácie založený na rozvoji myšlienky geometrickej harmónie R. Meyera;
Koncept organického minimalizmu a umeleckej askézy architektonickej formy od A. Sizu;
Koncept figuratívnej a symbolickej syntézy organizácie priestorového prostredia založený na myšlienke hudobnosti v architektúre C. Portzamparca;
Koncept viacrozmernej syntézy založenej na sémantickej komunikácii a sebarozvoji architektonickej formy od P. Eisenmana;
fenomenologický koncept architektonickej a umeleckej integrácie S. Halla;
Koncepcia umeleckej, humanistickej a duchovnej jednoty architektúry a miesta P. Zumthora;
Koncept symbiotickej architektonickej integrácie od K. Kurokawu;
Koncept umelecko-konštruktívnej a sochársko-bionickej jednoty S. Calatravu;
Koncept konceptuálnej a kontextovej syntézy na základe autorovej metódy „intelektuálnej dematerializácie“ od J. Nouvela;
Koncept viacrozmernej integrácie a teatralizácie prostredia technikou koláže architektonickej a výtvarnej syntézy J. Herzoga a P. de Meurona;
Koncept architektonickej „hry“ a experimentálneho výtvarného dizajnu W. Alsopa;
Koncept intelektuálnej syntézy a súvislého scenára priestorovej organizácie architektonického objektu R. Koolhaasa;
Koncept sociálne orientovaného návrhu architektonického prostredia B. Ingelsa;
Koncept emocionálne determinovanej architektonickej a umeleckej syntézy a rozvoja kategórie pohybu pomocou architektúry Z. Hadid;
Koncept slobody tvarovania plastov pomocou digitálneho modelovania od F. Gehryho;
Koncept integratívneho návrhu nelineárnej architektúry od F. Romera.
12. Výtvarný jazyk moderného architekta je otvorený celému spektru kreativity: ručná kresba architektúry, koláž, maľba, grafika, sochárstvo, dizajn (grafický, interiérový a odevný dizajn), digitálne umenie, konceptuálna kreativita.
ArchitektúraAkoumenie mnohé vznikli
storočia, takže históriu jeho vzniku a vývoja možno porovnať s
len samotná história ľudstva. Slovo "architektúra" V
v preklade z latinčiny znamená umenie vytvárať jednoduché a najviac
iné budovy, a potom na nich stavať rôzne stavby. Vyúsťujúce do
osoba si vytvára pre seba vecne usporiadanú zónu pobytu, nevyhnutnú
ho ako pre plnohodnotný život, tak aj pre prácu.
Architektúra sa často porovnáva
so zamrznutou hudbou: poslúchanie jej zákonov, pripomína
notový zápis, kde hlavnými zložkami každého diela je myšlienka a jej materiálne stvárnenie. Po dosiahnutí harmonického splynutia
týchto prvkov, či už činnosť architekta alebo výpočet, výsledok
ich účasť na architektonickom diele bude skutočne pôvabná a rozkošná.
Každý človek
civilizácia sa vyvinula s jej charakteristickým architektonickým štýlom, ktorý
symbolizoval určité historické obdobie, jeho charakter, hlavné črty a
politická ideológia. Architektonické pamiatky sú schopní sprostredkovať odveký
informácie o tom, čo si ľudia vážili v čase ich výstavby, čo v tom čase bolo
štandard krásy v umení architektúry, pokiaľ ide o
osvietený z hľadiska kultúrneho rozvoja bol ich spôsob života a pod. Najväčší antický
civilizácie sú stále veľmi často spájané s neporovnateľnou architektúrou
majstrovské diela, ktoré sa po nich zachovali dodnes. Toto je úžasný Egypt
so svojimi nádhernými pyramídami a Veľkým múrom v exotickej Číne a
majestátne Koloseum ako historická architektonická stopa existencie rímskeho
ríše... Podobných príkladov je nepreberné množstvo.
História architektúry je
nezávislá veda o dvoch profiloch súčasne: teoretickej a
historické. Táto vlastnosť je predurčená špecifikami samotného objektu, kde
zahŕňa dejiny vzniku a vývoja architektúry všeobecne, teoretické
znalosti o architektúre, architektonickej kompozícii, architektonickom jazyku, ako aj
pozorovanie všeobecných znakov a znakov architektúry určitej doby a
miesto, čo umožňuje rozpoznať jeho rôzne štýly. Viac podrobností o
Je to vidieť z nasledujúceho diagramu:
História architektonického umenia:
Éra turbulentných technológií
vývoj v modernom svete dáva architektom nekonečné množstvo
možnosti pretaviť tie najodvážnejšie nápady a nápady do reality, vďaka čomu
Dnes existujú také architektonické štýly ako High Tech A moderné. Oni, v porovnaní,
napríklad s kontroverzným barokom alebo starovekým románskym hnutím je charakteristické
odvaha a vytrvalosť v rozhodnutiach, nápaditosť a rôznorodosť materiálov.
Avšak aj napriek rýchlemu a asertívnemu pohybu novej moderny
prúdy, starobylé sídla, paláce a katedrály, ktoré zohrávajú dôležitú úlohu
jedinečný symbol mesta alebo štátu, kde sa nachádzajú, nikdy
nestratia svoje čaro a príťažlivosť. Zdá sa, že tieto budovy existujú
nad všetky časy, čo spôsobuje úžas a potešenie medzi skutočnými znalcami umenia architektúry.
Architektúraako umenie stavby,
ktorý formuje podmienky životného priestoru človeka prostredníctvom súboru špecifických
budovy a stavby sú rozdelené do určitých typov:
- Objemová architektúra
štruktúry . Patria sem obytné budovy, verejné budovy (obchody, školy,
štadióny, divadlá atď.), priemyselné budovy (elektrárne, továrne atď.)
továrne atď.); - prírodná architektúra
. Tento typ priamo súvisí s organizáciou záhradníckych a parkových plôch: ulice,
bulváry, námestia a parky s prítomnosťou „malej“ architektúry v podobe altánkov,
mosty, fontány, schody; - Urbanistické plánovanie
. Pokrýva
vytváranie nových miest a miest, ako aj rekonštrukcia starých miest
okresov.
Každá jednotlivá budova resp
ich komplexy a súbory, parky, aleje, ulice a námestia, celé mestá a dokonca
malé dedinky v nás môžu vyvolať špecifické pocity a nálady, znepokojiť nás
neopísateľné emócie. Deje sa tak ich ovplyvňovaním
určité myšlienky a sémantické informácie, ktoré do nich autori vkladajú
architektonické diela. Každá budova podlieha špecifickému účelu,
čomu by mal zodpovedať jeho vzhľad, ktorý ľudí nastavuje na zabehnuté
dobre Základom práce architekta je nájsť toho najúspešnejšieho
kompozície, ktoré budú najharmonickejšie kombinovať rôzne
časti a detaily budúcej budovy, ako aj dokončenie povrchu vytvoreného „majstrovského diela“
architektúra. Hlavné umelecké zariadenie emocionálneho vplyvu na diváka
je tvar budovy a jej komponentov, ktoré môžu byť ľahké alebo ťažké,
pokojné alebo dynamické, obyčajné alebo farebné. Avšak predpoklad
tu je koordinácia všetkých jednotlivých častí medzi sebou a s celou budovou
celkovo vytvára neodmysliteľný dojem harmónie. Tvorcom umenia architektúry to pomáhajú dosiahnuť rôzne umelecké techniky:
- symetrické a
asymetrické zloženie; - horizontálny a vertikálny rytmus;
- osvetlenie a farba.
Významná pomoc pre architektov
Moderné technológie určite áno. Toto najnovší vývoj dizajnov
a materiály, výkonné stavebné stroje, vďaka ktorým sa rodia každý deň
čoraz pokročilejšie typy budov, rozsah a rýchlosť výstavby sa zvyšuje,
vznikajú nové mestá.
Moderné umenie architektúry je založené na úplnej slobode názorov a myšlienok, prioritných smerov a spôsobu
takýto štýl prakticky chýba a všetky koncepty, na ktorých ide
rozvoj, mať slobodu a rovnosť. Kreatívna predstavivosť dnešný
architekti nie sú ničím obmedzovaní, ale sú im plne poskytnuté možnosti
aby naše životy boli výraznejšie a jasnejšie sú stelesnené v moderných budovách s
nepolapiteľná rýchlosť.
Spojenie medzi architektúrou a svetom myšlienok, ktoré dominujú spoločnosti v určitej dobe, je v mnohých ohľadoch užšie ako u iných druhov umenia. Na rozdiel od maliara či sochára nemôže architekt vytvoriť svoje dielo sám. Výstavba si vyžaduje čas, peniaze a účasť veľkého počtu ľudí.
Architekt musí nevyhnutne získať schválenie svojho nápadu od spoločnosti, inak ho nemožno realizovať. Mnohé projekty, nie bez geniality, zostali na papieri len preto, že sa zdali svojim súčasníkom príliš odvážne či nezvyčajné.
Architektonické dielo nevyjadruje názory a vkus ani tak jedného konkrétneho človeka – autora projektu – ale celej historickej éry. Túžba po harmónii tela a ducha, charakteristická pre kultúru starovekého Grécka, sa tak odrazila vo vzhľade chrámov.
Slávnosť a presadzovanie sily moci možno vidieť v rímskych víťazných oblúkoch. Mystický impulz duše rútiacej sa k Bohu - v gotických katedrálach. Tvorcovia renesančných chrámov sa snažili - v súlade s myšlienkami svojej doby - sprostredkovať štruktúru Vesmíru v jazyku architektúry.
Umelecký jazyk architektúry
Každý druh umenia má špeciálne, jedinečné prostriedky a techniky tvorby. umelecký obraz, svoj vlastný jedinečný umelecký jazyk. Základom umeleckého jazyka v grafike je čiara, v maľbe - čiara a farba, v sochárstve - objemová forma.
Architekt pretvára prírodný materiál, vnáša doň určitú organizáciu, t.j. vytvára architektonickú štruktúru. Zároveň nevyhnutne berie do úvahy fyzikálne vlastnosti materiálov: odolnosť, pevnosť a čo je najdôležitejšie, hmotnosť. Ťažké časti budovy sú teda umiestnené dole, ľahké hore. Základ musí byť pevnejší ako strecha, podpery musia byť masívnejšie ako stropy.
Dizajn je založený na princípe tektoniky - harmonická kombinácia rôzne častištruktúry, čo vytvára dojem stability, celistvosti a prirodzenosti stavby. Porušenie princípu tektoniky dáva takzvaný atektonický efekt. Môže byť použitý v architektúre ako umelecké zariadenie.
Napríklad v gotických katedrálach sú steny budovy nahradené vitrážami - malebnými obrazmi z farebného skla, ktoré sú vložené do okenných otvorov. Štruktúry sa zdajú byť bez tiaže, nemajú inú oporu ako svetlo prenikajúce cez sklo.
Obrovský priestor katedrály, jej nebeské klenby a hra svetla vo vitrážových oknách majú silný emocionálny dopad. Bol to práve tento obraz chrámu, ktorý akoby nepodliehal pozemským zákonom, čo najpresnejšie zodpovedal povznesenému stavu ducha veriacich.
Niekedy sa architekti uchýlia k dekorácii, aby vytvorili špeciálny umelecký efekt. Zvyčajne sa toto slovo chápe ako „dekorácia“. Ale „decorum“ v preklade z latinčiny znamená „vhodné“. Dekoratívne detaily by mali zodpovedať dizajnu a zdôrazňovať jeho štruktúru.
Mierka - dojem veľkosti budovy - je ďalším výrazovým prostriedkom architektúry. Nemalo by sa to však zamieňať s veľkosťou. Roman víťazné oblúky, napríklad nie sú príliš veľké, ale pôsobia grandióznym dojmom. A pomerne veľké sídlo Arsenyho Morozova na ulici Vozdvizhenka v Moskve sa zdá byť bezvýznamné kvôli svojmu mätúcemu plánu a mnohým malým dekoráciám.
Forma - vonkajší obrys budovy - môže byť jednoduchá, gravitujúca k pravidelnému geometrickému útvaru, ako v egyptskej pyramíde, alebo zložitá, rozdelená do mnohých detailov. Môže byť symetrický alebo asymetrický. Jednoduchá, symetrická forma budovy je harmonická a ľahko vnímateľná, zatiaľ čo zložitá, asymetrická forma, nesúca prvok disharmónie, prebúdza predstavivosť.
Krása stavby, jej úplnosť a harmónia však závisia nielen od jej architektonickej formy. Napríklad asymetrické indické chrámy so svojimi zložitými tvarmi nevyzerajú škaredo. Faktom je, že súlad architektonických foriem navzájom a so stavbou ako celkom nie je o nič menej dôležitý ako samotné formy. Tieto korešpondencie – proporcie – sú najdôležitejším prvkom umeleckého jazyka architektúry.
Architektonická forma sleduje určitý rytmus. Napríklad gigantická fasáda Versailles, ktorej dĺžka presahuje pol kilometra, má prevažne horizontálny smer vývoja.
Horizontálne línie fasády a striedanie jednotlivých detailov (okná, stĺpy, prvky sochárskej výzdoby) vytvárajú osobitý rytmus, ktorý navodzuje pocit pokoja, stability a voľného prirodzeného pohybu. Vertikálna forma budovy naopak pôsobí dynamickejšie. Zdá sa, že architektonická štruktúra, ktorá sa rozvíja smerom nahor, prekonáva gravitačné sily. Najvýraznejším príkladom je gotická katedrála.
Architektonická stavba v nás určite vyvoláva určité pocity, napríklad pocity rýchleho pohybu a výšky, priestoru a pokoja, svetlej radosti alebo pochmúrnej izolácie, depresie. A stavebné materiály v tom zohrávajú dôležitú úlohu. Vždy ovplyvňovali vývoj architektonických a konštrukčných foriem budov a stavieb, ich pôdorysné a výškové rozmery a ich estetické kvality. Nemôžete stavať z kameňa, ako môžete stavať z dreva, nemôžete stavať z tehál, ako môžete stavať zo železobetónu. Každý stavebný materiál má skrátka svoje schopnosti, ktoré musia brať do úvahy architekti a stavebníci. Pretože pre každú éru, pre každého historické obdobie Charakteristické je formovanie a rozvíjanie určitých presvedčení, estetických ideálov, vkusu a preferencií, čo sa určite odráža v architektúre budov a stavieb, ktoré sa v tejto dobe stavajú, a teda aj v používaní najvhodnejších stavebných materiálov, ktoré sa už nejaký čas prejavujú; stať sa obľúbenými.
Materiál a vzory, mierka a tvar, proporcie a rytmus – to všetko vyjadrovacie prostriedky vlastné nielen architektúre, ale napríklad aj sochárstvu.
Znaky umeleckého jazyka však odlišujú architektúru od iných druhov umenia. Cieľom architektonického návrhu je totiž vytvoriť vnútorný priestor (miestnosť, park alebo mesto).
Najdôležitejším nástrojom na usporiadanie vnútorného priestoru je svetlo. Určitým usporiadaním jeho prameňov, zvýraznením niektorých častí priestoru svetlom a stmavením iných, architekt dosiahne požadovaný efekt. Od dávnych čias architekti používali farby aj na zvýraznenie a zdôraznenie najdôležitejších detailov architektonickej formy. Napríklad v starovekom Grécku sa farba vyberala v súlade s princípom tektoniky: nosné, nosné časti boli pokryté modrou farbou a nosné, nosné časti boli pokryté červenou farbou,
Dizajn, forma a priestor, proporcie a rytmus, svetlo a farba tvoria jednotu charakteristických čŕt vývoja architektúry - štýlu. Štýl architektúry, podobne ako iné druhy umenia, je na jednej strane vonkajšou formou a na druhej strane je odrazom myšlienok určitej doby.
Práve v architektúre sú najplnšie a najpresnejšie vyjadrené umelecké ideály určitého historického obdobia. Štýl doby je predovšetkým štýlom architektúry.
