33.7
Per amici!
Riferimento
Parola orchestra(orchestra) ci è arrivata dall'antica Grecia. Orchestra era allora il nome dato alla zona antistante il palco, dove si trovava il coro durante la rappresentazione delle tragedie. Con lo sviluppo dell'arte strumentale in Europa, arrivò un nuovo significato di questa parola. Un'orchestra cominciò a essere chiamata un grande insieme di musicisti che insieme eseguivano la stessa opera. L'ensemble comprendeva artisti con diversi strumenti musicali, cioè la composizione non era costante. L'orchestra era appannaggio dei ricchi. Il numero dei musicisti dipendeva dal suo gusto e dal suo benessere materiale. Oggi esistono diversi tipi di orchestra. L'orchestra sinfonica è considerata la più completa di queste. Ci sono anche bande di ottoni, orchestre pop, gruppi di strumenti popolari russi, ecc. L'artista è la persona principale di tale orchestra.
La domanda per la professione
Molto richiesto
Attualmente, professione Artista dell'orchestra (ensemble). considerati molto richiesti nel mercato del lavoro. Molte aziende e molte imprese necessitano di specialisti qualificati in questo campo, perché l'industria si sta sviluppando rapidamente e gli specialisti stanno ancora ricevendo un'istruzione.
Descrizione dell'attività
Un artista d'orchestra suona uno o più strumenti musicali. Le orchestre possono far parte di teatri, società filarmoniche, istituzioni educative e altre organizzazioni o agire in proprio, da cui dipende in gran parte l'attività quotidiana degli artisti dell'orchestra. Fondamentalmente si tratta di prove e spettacoli (spettacoli). Le orchestre teatrali svolgono un ruolo importante nel trasmettere la visione del compositore e del regista al pubblico della produzione, e provano anche insieme agli attori.
Le orchestre commerciali che lavorano nel mondo dello spettacolo vanno spesso in tournée, partecipano a concerti, festival e concorsi. Anche le orchestre teatrali vanno in tournée, ma, di regola, con lo staff teatrale.
Salario
media per la Russia:Media di Mosca:
Unicità della professione
Professione rara
Rappresentanti della professione Artista dell'orchestra (ensemble). davvero raro di questi tempi. Non tutti decidono di diventarlo Artista di un'orchestra (ensemble). C'è una forte richiesta tra i datori di lavoro di specialisti in questo campo, quindi la professione Artista dell'orchestra (ensemble). ha il diritto di essere definita una professione rara.
Come gli utenti hanno valutato questo criterio:Quale educazione è necessaria
Formazione professionale superiore
I dati dell'indagine mostrano che lavorare nella professione Artista dell'orchestra (ensemble). Devi avere un diploma di istruzione professionale superiore nella specialità pertinente o in una specialità che ti consenta di lavorare Artista di un'orchestra (ensemble)(specialità correlata o simile). Per diventarlo non basta l’istruzione professionale secondaria Artista di un'orchestra (ensemble).
Come gli utenti hanno valutato questo criterio:Responsabilità lavorative
Le principali responsabilità lavorative di un artista d'orchestra sono lavorare alle prove e agli spettacoli (spettacoli) e seguire i requisiti. Prima dello spettacolo, l'artista deve conoscere con sicurezza le sue parti. A volte deve suonare più strumenti in un unico pezzo.
Tipo di lavoro
Principalmente lavoro mentale
Professione Artista dell'orchestra (ensemble).- Questa è una professione prevalentemente di lavoro mentale, che è in gran parte associata alla ricezione e all'elaborazione delle informazioni. In corso Artista dell'orchestra (ensemble). i risultati delle sue riflessioni intellettuali sono importanti. Ma, allo stesso tempo, il lavoro fisico non è escluso.
Come gli utenti hanno valutato questo criterio:Caratteristiche della crescita della carriera
Per un musicista, la crescita della carriera è possibile da un artista d'opera di prima e seconda categoria a uno specialista con la categoria di qualifica più alta (categoria 17). e vice accompagnatori di violini primi e secondi, viole, violoncelli, contrabbassi; le prime voci degli strumenti a fiato e degli ottoni e i loro regolatori; la prima arpa, specialista nel suonare la tuba e i timpani: questi sono musicisti della più alta categoria. Oltre alle agenzie governative, gli specialisti in questo campo possono lavorare in grandi organizzazioni private, mostrare programmi, organizzare anche la propria attività, esibirsi da soli o come parte di un ensemble (gruppo).
CONFERMO:
[Titolo di lavoro]
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[Nome dell'azienda]
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_______________________/[NOME E COGNOME.]/
"_____" _______________ 20___
DESCRIZIONE DEL LAVORO
Artista dell'orchestra
1. Disposizioni generali
1.1. Il presente incarico definisce e regola i poteri, le responsabilità funzionali e lavorative, i diritti e le responsabilità dell'artista dell'orchestra [Nome dell'organizzazione al caso genitivo] (di seguito denominata Società).
1.2. L'artista d'orchestra viene nominato e licenziato secondo la procedura stabilita dalla normativa vigente in materia di lavoro con provvedimento del titolare della Società.
1.3. Un artista d'orchestra appartiene alla categoria degli specialisti e fa capo a [nome della posizione del supervisore immediato nel caso dativo].
1.4. All'incarico di artista d'orchestra viene nominata una persona che soddisfa i requisiti di qualificazione:
Artista d'orchestra - maestro di scena principale (accompagnatore principale, capo di un gruppo di strumenti):
- istruzione professionale superiore (musicale) ed esperienza lavorativa in un'orchestra di almeno 5 anni come artista dell'orchestra della massima categoria;
- abilità musicali eccezionali;
- vasta conoscenza del repertorio del teatro musicale e vasta esperienza di lavoro in un'orchestra, nonché esecuzione di parti solistiche nel relativo gruppo di strumenti.
Artista dell'orchestra della massima categoria (accompagnatori e vice accompagnatori dei primi violini, secondi violini, viole, violoncelli, contrabbassi; seconde consolle dei gruppi di strumenti indicati; prime voci di strumenti a fiato e ottoni e loro regolatori; prima arpa , trombone basso, tuba, timpani):
- istruzione professionale superiore (musicale) ed esperienza lavorativa in un'orchestra di almeno 3 anni come artista d'orchestra di prima categoria;
- eccellenti capacità musicali;
- alto livello di tecnologia e cultura della performance musicale;
- conoscenza necessaria nel campo del repertorio del teatro musicale e vasta esperienza di lavoro in un'orchestra, nonché esecuzione di parti solistiche nel relativo gruppo di strumenti.
Artista d'orchestra di prima categoria (terze e quarte consolle dei primi violini e violoncelli, seconde consolle dei secondi violini, viole, contrabbassi, secondo flauto, secondo oboe, secondo clarinetto, secondo fagotto, secondo e quarto corno, seconda tromba, secondo trombone, piccolo strumenti a percussione, seconda arpa, pianoforte celesta):
- istruzione professionale superiore (musicale) ed esperienza lavorativa in un'orchestra di almeno 2 anni o istruzione professionale secondaria (musicale) ed esperienza lavorativa di almeno 5 anni come artista d'orchestra di seconda categoria;
- eccellenti capacità musicali;
- alto livello di tecnologia e cultura della performance musicale.
Artista dell'orchestra della seconda categoria:
- istruzione professionale superiore (musica) senza requisiti di esperienza lavorativa o istruzione professionale secondaria (musica) ed esperienza lavorativa di almeno 3 anni in una specialità corrispondente al profilo di istruzione.
1.5. Nelle attività pratiche l'artista d'orchestra deve essere guidato da:
- atti locali e documenti organizzativi e amministrativi della Società;
- normative interne sul lavoro;
- norme di tutela e sicurezza del lavoro, garantendo l'igiene industriale e la protezione antincendio;
- istruzioni, ordini, decisioni e istruzioni del supervisore immediato;
- questa descrizione del lavoro.
1.6. Un artista d'orchestra deve sapere:
- leggi e altri atti normativi della Federazione Russa relativi alle attività del teatro;
- storia e principali realizzazioni del teatro musicale, cultura musicale;
- repertorio classico e moderno russo e straniero di teatri musicali;
- il repertorio attuale del teatro;
- letteratura musicale per lo strumento musicale corrispondente;
- un complesso di materie teoriche musicali;
- metodi di lavoro indipendente su una parte musicale;
- nozioni di base sull'organizzazione del business teatrale, legislazione sul lavoro;
- normative interne sul lavoro;
- norme sulla protezione del lavoro e sulla sicurezza antincendio.
1.7. Durante il periodo di assenza temporanea di un artista dell'orchestra, le sue funzioni sono assegnate a [titolo di posizione supplente].
2. Responsabilità lavorative
Un artista d'orchestra è tenuto a svolgere le seguenti funzioni lavorative:
2.1. In conformità con le esigenze del direttore d'orchestra, impara ed esegue le parti orchestrali del corrispondente strumento musicale in rappresentazioni (concerti) del teatro in stazione, in tournée e fuori.
2.2. Ha sviluppato abilità nell'esecuzione di musica d'insieme e può leggere a prima vista fluentemente gli spartiti.
2.3. Migliora costantemente il suo livello tecnico e la cultura della performance musicale.
2.4. Se necessario, è coinvolto nell'esecuzione di parti orchestrali o soliste sul palco di uno spettacolo.
In caso di necessità ufficiale, l'artista d'orchestra può essere coinvolto nell'esercizio straordinario dei suoi compiti ufficiali, con decisione del supervisore immediato, secondo le modalità prescritte dalla legge.
3. Diritti
L'artista d'orchestra ha il diritto:
3.1. Richiedere e ricevere i materiali e i documenti necessari relativi alle problematiche delle proprie attività.
3.2. Intrattiene rapporti sia con le funzioni interne della Società che con le funzioni di enti ed organizzazioni terze per risolvere le problematiche operative delle attività produttive di sua competenza.
3.3. Rappresentare gli interessi dell'impresa presso organizzazioni terze su questioni relative alla propria attività professionale.
4. Responsabilità e valutazione delle prestazioni
4.1. L'artista dell'orchestra ha la responsabilità amministrativa, disciplinare e materiale (e in alcuni casi previsti dalla legislazione della Federazione Russa, penale) per:
4.1.1. Mancata esecuzione o esecuzione impropria delle istruzioni ufficiali del supervisore immediato.
4.1.2. Inadempimento o esecuzione impropria delle proprie funzioni lavorative e dei compiti assegnati.
4.1.3. Uso illegale dei poteri ufficiali concessi, nonché il loro utilizzo per scopi personali.
4.1.4. Informazioni inesatte sullo stato del lavoro assegnatogli.
4.1.5. Mancata adozione di misure per reprimere le violazioni identificate delle norme di sicurezza, della sicurezza antincendio e di altre norme che rappresentano una minaccia per le attività dell'impresa e dei suoi dipendenti.
4.1.6. Mancata garanzia del rispetto della disciplina del lavoro.
4.1.7. Reati commessi nell'esercizio delle proprie attività - nei limiti determinati dall'attuale legislazione amministrativa, penale e civile della Federazione Russa.
4.1.8. Causare danni materiali e/o perdite all'organizzazione o a terzi associati ad azioni o inazioni durante lo svolgimento delle funzioni ufficiali.
4.2. La performance di un artista d'orchestra è valutata da:
4.2.1. Dal supervisore immediato - regolarmente, nel corso dello svolgimento quotidiano delle sue funzioni lavorative da parte del dipendente.
4.2.2. Dalla commissione di certificazione dell'impresa - periodicamente, ma almeno una volta ogni due anni, sulla base dei risultati documentati del lavoro per il periodo di valutazione.
4.3. Il criterio principale per valutare il lavoro di un artista d'orchestra è la qualità, completezza e tempestività della sua esecuzione dei compiti previsti nelle presenti istruzioni.
5. Condizioni di lavoro
5.1. L'orario di lavoro di un artista d'orchestra è determinato in conformità con le norme interne sul lavoro stabilite dalla Società.
Ho letto le istruzioni ___________/___________/ “____” _______ 20__
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8 - 17 cifre
Responsabilità lavorative. In conformità con le esigenze del direttore d'orchestra, esegue parti orchestrali del suo strumento in stazione, in tournée e in trasferta. Ha sviluppato abilità nell'esecuzione di musica d'insieme e può leggere a prima vista fluentemente. Migliora costantemente il suo livello tecnico e la cultura della performance musicale. Coinvolto, se necessario, nell'esibizione sul palco di uno spettacolo teatrale.
Da conoscere: la storia e le principali realizzazioni della cultura musicale nazionale; repertorio classico e moderno russo e straniero di teatri musicali; il repertorio attuale del teatro; letteratura musicale per il tuo strumento; un complesso di materie musicali e teoriche; normative interne sul lavoro; norme e regolamenti in materia di tutela del lavoro, sicurezza e protezione antincendio.
Requisiti per la qualificazione nei ranghi del pagamento.
Formazione musicale superiore e almeno 5 anni di esperienza in un'orchestra:
accompagnatore principale, leader del gruppo strumentale
Categorie 14 - 17 - nel teatro dell'opera e del balletto;
artista d'orchestra della più alta categoria
12 - 13 categorie - nel teatro dell'opera e del balletto;
11 - 12 categorie - nei teatri drammatici, nel teatro giovanile, nel teatro delle marionette.
Eccellenti capacità musicali, alto livello di tecnologia e cultura della performance musicale, vasta conoscenza nel campo del repertorio del teatro musicale; Vasta esperienza di lavoro in un'orchestra, eseguendo parti solistiche nel mio gruppo.
Nella categoria più alta rientrano: gli accompagnatori e i vice accompagnatori di violini primi, violini secondi, viole, violoncelli, contrabbassi; seconde console dei gruppi di strumenti specificati; le prime voci degli strumenti a fiato e degli ottoni e i loro regolatori; prima arpa, basso - trombone, tuba, timpani.
Formazione musicale superiore ed esperienza lavorativa in un'orchestra per almeno 3 anni oppure formazione musicale secondaria ed esperienza lavorativa in un'orchestra per almeno 5 anni:
artista d'orchestra di prima categoria
10 - 11 categorie - nel teatro dell'opera e del balletto;
9 - 10 categorie - nei teatri drammatici, nel teatro giovanile, nel teatro delle marionette.
Eccellenti capacità musicali, un livello abbastanza elevato di tecnologia e cultura della performance musicale.
Della prima categoria fanno parte: le consolle terze e quarte dei primi violini e dei violoncelli, le consolle seconde dei secondi violini, viole, contrabbassi, il secondo flauto, il secondo oboe, il secondo clarinetto, il secondo fagotto, il secondo e quarto corni, seconda tromba, secondo trombone, piccole percussioni, seconda arpa, pianoforte - celesta.
Istruzione musicale superiore senza requisiti di esperienza lavorativa o istruzione musicale secondaria e almeno 3 anni di esperienza in un'orchestra:
artista d'orchestra della seconda categoria
8 - 9 categorie - nel teatro dell'opera e del balletto;
8a categoria - nei teatri drammatici, nel teatro giovanile, nel teatro delle marionette.
La seconda categoria comprende il resto degli artisti dell'orchestra che hanno una formazione professionale, compresi giovani specialisti - diplomati di scuole di musica che hanno acquisito le capacità di esecuzione orchestrale durante i loro studi.
Istruzioni:
Utilizzando le informazioni contenute in questo articolo e la metodologia per creare una descrizione del lavoro, sviluppa una descrizione del lavoro. Per valutare il tuo lavoro, crea un argomento sul forum. Aiuteremo e apprezzeremo sempre.
La psicologia del lavoro di un musicista orchestrale è scarsamente trattata in letteratura. Questo articolo è destinato ai giovani musicisti che si preparano a lavorare in un'orchestra sinfonica e agli studenti di direzione d'orchestra. Tuttavia, i problemi sollevati in queste note interessano non solo gli studenti, ma tutti coloro che amano la musica sinfonica.
L'articolo non riguarda le caratteristiche di un particolare gruppo orchestrale, ma le gioie e i dolori tipici che, secondo l'autore, sperimentano tutti i musicisti orchestrali del mondo.
Per la maggior parte degli artisti dell'orchestra, il lavoro creativo collettivo è il significato della vita e una fonte di grande gioia. Il lavoro di un orchestratore presenta però alcune caratteristiche che non piacciono a tutti i musicisti, ma che bisogna sopportare perché inevitabili. Tuttavia, gli aspetti negativi del lavoro orchestrale non possono oscurare l’amore di un musicista per la creatività.
Sfortunatamente, non tutti i direttori d’orchestra hanno bisogno del pensiero brillante e fantasioso dei musicisti che suonano Tutti. Alcuni di loro apprezzano soprattutto non lo stile creativo individuale del suonatore d'orchestra, ma il modo di suonare accurato, affidabile, "senza problemi" e l'obbedienza creativa. Mentre verbalmente sostengono l’unicità artistica della personalità di ogni musicista, in realtà possono tranquillamente fare a meno di questo “servizio”.
Molti musicisti che suonano in un gruppo si lamentano del fatto che il loro stile creativo individuale viene loro richiesto solo una volta: durante la competizione per riempire un posto vacante nell'orchestra. Questi orchestrali mentono certamente. Capiscono infatti che l'esecuzione orchestrale valorizza l'individualità creativa di ogni musicista, compresi quelli che suonano nel gruppo.
Il piano del direttore, non importa quanto attentamente sia pensato a casa, è solo il terreno su cui, nel corso del lavoro con l'orchestra, vengono lucidati i dettagli (a volte molto importanti). Ogni musicista contribuisce alla versione finale (doppiata) delle intenzioni del direttore.
L'interpretazione dell'opera proposta dall'orchestra è il frutto degli sforzi di molte persone, e il ruolo più responsabile nella sua creazione è assegnato al direttore.
Le idee uditive del direttore d'orchestra che sorgono prima dell'incontro con l'orchestra non possono essere realizzate nel suono reale con assoluta precisione. Già la prima prova introduce qualcosa di inaspettato.
Ai direttori d'orchestra non piace dire che la loro interpretazione del pezzo eseguito è influenzata dai musicisti orchestrali. Se lo ammettono, fingono di decidere da soli con quali proposte dell'orchestra concordare e quali respingere. Così, ad esempio, K.P. Kondrashin nel libro “Il mondo del direttore d'orchestra” scrive: “Se ciò che propone l'orchestra è diverso da quello che immaginavi e lo sopporti, non sei più il maestro dell'interpretazione. Devi forzare l’orchestra a suonare con i timbri che avevi immaginato”.
Secondo me qui si usa male l’espressione “maestro dell’interpretazione”. Nessun direttore d'orchestra al mondo può essere l'unico “maestro dell'interpretazione”, perché lo stile esecutivo di un gruppo orchestrale lascia un'impronta in tutto ciò che fa. Nel processo di comunicazione creativa tra il maestro e l'orchestra, il piano “fantasticato” cambia nei dettagli, indipendentemente dalla sua volontà.
Le tradizioni in cui è cresciuto l'ensemble orchestrale non hanno meno influenza sul risultato artistico dell'idea del direttore d'orchestra covata dal maestro di casa. Ciò è particolarmente evidente quando un direttore d'orchestra in tournée esegue, ad esempio, la musica di George Gershwin in Russia o a San Francisco. Non importa quanto il direttore d'orchestra russo insista sul suo concetto esecutivo per “Porgy and Bess”, i musicisti neri suoneranno a modo loro. E in caso di successo, il maestro finge di aver ottenuto esattamente ciò che voleva.
Puoi diventare l'unico “maestro dell'interpretazione” solo se suoni da solo, ad esempio, eseguendo brani per pianoforte o sonate. Il direttore d'orchestra, per quanta autorità goda, per quanto l'orchestra gli sia obbediente, non ha il diritto di chiamarsi così.
Gli studenti dei dipartimenti di direzione sinfonica non dovrebbero dimenticare che, sebbene il direttore abbia un ruolo di primo piano nella creazione dell'interpretazione di un'opera, non ne è tuttavia l'unico autore.
A volte capita che gli artisti dell'orchestra, guidati da un organizzatore di talento, si uniscano per qualche tempo in un gruppo monolitico di persone che la pensano allo stesso modo. Ma è impossibile immaginare un'orchestra in cui tutti i musicisti ad ogni prova, ad ogni concerto, pensino e sentano lo stesso.
Se un gruppo orchestrale ha il proprio stile creativo, agisce come solista collettivo. Il compito non è solo suonare insieme, ma anche creare liberamente, liberati, come fanno i buoni solisti, creare senza paura di cadere dall'ensemble e senza caderne. Quando un orchestratore si preoccupa solo di non saltare fuori, di non distinguersi dal suono generale, l'intero gruppo suona piatto e poco interessante.
A volte si sente il giudizio secondo cui un musicista orchestrale che suona in un gruppo non interpreta la musica, ma la esegue solo. Tuttavia, uno dei postulati della musicologia afferma che è impossibile eseguire la musica senza interpretarla.
La musica non può essere spiegata né con i gesti né con le mani. Anche un direttore d'orchestra molto esperto riesce a trasmettere con le sue mani solo lo schema più generale delle sue idee musicali. La relatività del gesto del direttore e le limitate possibilità del linguaggio verbale obbligano i musicisti d'orchestra all'iniziativa co-creativa, richiedendo loro di specificare e approfondire l'intenzione del direttore. Rimanendo nell'interpretazione dell'opera da parte del direttore, i talentuosi membri dell'orchestra offrono colori e dettagli aggiuntivi, arricchendo il piano del direttore con il loro stile esecutivo speciale e il loro timbro individuale.
La molteplicità delle letture del piano del direttore d'orchestra non porta a discrepanze nel modo di suonare dei musicisti, ma forma un'interpretazione collettiva, dove l'ultima parola spetta al direttore d'orchestra.
Una conversazione speciale sul solista dell'orchestra.
L'individualità creativa del solista dell'orchestra è, ovviamente, molto apprezzata. Ma solo se non va oltre le idee uditive del maestro. In ogni orchestra, il solista deve pacificare costantemente i suoi desideri creativi per non violare l'integrità dell'interpretazione artistica offerta dal direttore.
Il solista dell’orchestra interpreta non solo la composizione, ma anche l’interpretazione del direttore. Puoi eseguire scrupolosamente e accuratamente tutte le istruzioni più sottili della mano del direttore d'orchestra e, tuttavia, ogni volta realizzi le esigenze del direttore d'orchestra in modo leggermente diverso. I risultati artistici più alti si ottengono nei casi in cui tutto ciò avviene inconsciamente, senza sforzi mirati, inosservato dall'esecutore stesso.
Le parole del direttore d'orchestra Gennady Rozhdestvensky su un trasferimento di pensieri così mirato all'orchestra, “in modo che possano essere aumentati in modo esponenziale dai musicisti e trasmessi al pubblico in forma “espressa”, fanno una grande impressione. Ma è davvero possibile “allargare i pensieri del conduttore” senza introdurre in essi qualcosa di proprio, senza riempirli con il proprio atteggiamento personale?
Un microclima psicologico favorevole al lavoro di un ensemble orchestrale è possibile solo laddove il direttore, esigendo l'unità artistica, non sopprime l'individualità esecutiva del membro dell'orchestra, ma fa affidamento su di essa, utilizzandola nell'interesse della causa comune.
Succede che la lettura di una frase musicale da parte del solista dell'orchestra ispira così tanto il direttore d'orchestra che gli sembra di essere lui stesso l'iniziatore di questa lettura. Dopo aver ascoltato l'interessante struttura di una frase musicale eseguita da un solista dell'orchestra, dopo un po' di tempo richiede proprio tale esecuzione e presenta la richiesta come una sua scoperta personale. Si scopre che il direttore d'orchestra insegna al musicista ciò che ha imparato da lui. Probabilmente non c'è niente di sbagliato in questo. La co-creazione di un direttore d'orchestra di talento con un buon musicista orchestrale arricchisce entrambi e consente loro di rivelare più pienamente i propri talenti individuali.
Il sentimento di libertà creativa e di apparente indipendenza dal direttore è particolarmente necessario per il solista dell'orchestra che esegue una frase estesa rubato il tempo. Alcuni direttori d'orchestra, dimostrando la tecnica manuale, “spiegano” con le mani ogni nota, ogni sfumatura. A volte lo fanno per ragioni ambiziose: vogliono creare l'impressione che tutti i successi e le scoperte creative provengano solo da loro, i conduttori, e da nessun altro.
Al concerto sembra che tutto sia stato fatto correttamente: tutto ciò che era stato concordato durante le prove è stato rispettato, sia il direttore che il solista dell'orchestra hanno lo stesso sentimento per la frase musicale, eppure l'esecuzione non è impressionante. La ragione sta nel fatto che la natura intima della musica non può essere trasmessa mediante dettatura. Il successo si ottiene solo se il direttore, al momento del tempo rubato, controlla solo i momenti chiave dell'esecuzione e dirige come se non sapesse nulla della libertà ritmica del solista all'interno della battuta. Allo stesso tempo, le deviazioni ritmiche all'interno di una battuta consentite dal solista non devono distorcere il tempo dettato dal direttore.
Il grande Mozart scriveva al padre: “Molti non riescono a capire come nell'Adagio la mano destra suoni il tempo rubato, ma la sinistra non ne sa nulla. Per altri, la mano sinistra segue la destra." A volte il direttore e il solista dell'orchestra devono agire come le mani di Mozart: in concerto, in un insieme rigoroso, ma come se fossero indipendenti l'uno dall'altro.
Basandomi sulla mia pluriennale esperienza in orchestra, ho concluso: quanto migliore è il direttore, tanto più volentieri e spesso si fida dell'abilità del solista dell'orchestra; Quanto più bravo è il musicista, tanto più rispetto ha per il lavoro del direttore d’orchestra e più è attento al suo intento artistico.
La cosa peggiore è quando un direttore d'orchestra in tournée si presenta al primo incontro con un gruppo a lui sconosciuto con un atteggiamento psicologico già stabilito: per mostrare la sua superiorità, “per pulirsi il naso”.
Ci sono direttori d'orchestra che pensano in anticipo a quale osservazione, in quale luogo e con quale tono faranno l'esecutore. Pronunciano le linee preparate come un credo creativo, indipendentemente da come suona l'artista dell'orchestra.
C'è una battuta ben nota tra i musicisti:
Alla primissima prova il direttore d'orchestra mezzo cieco grida irritato:
- Terzo trombone, non suonare così forte, non sei una locomotiva!
- Maestro! Nessuno suona la terza parte del trombone. Il musicista è malato. Verrà domani.
- Beh, digli quando viene che suona troppo forte in questo posto!
Il sogno di molti direttori d'orchestra è sentire un musicista confessare: “Prima di incontrarti pensavo di conoscere bene la musica che abbiamo suonato oggi, ma dopo le tue prove mi è stato chiaro che non era così. Mi hai aperto nuovi lati nel lavoro del compositore”. Non importa quanto ipocrita sia un musicista, molto probabilmente le sue parole verranno prese per oro colato. Dopotutto, nel profondo della sua anima, il conduttore la pensa allo stesso modo.
Un errore di un solista dell'orchestra costa caro all'orchestra. Tempi imprecisi, climax mal posizionati, distorsione della forma della composizione: tutto questo non viene notato da tutti gli ascoltatori, ma il calcio del suonatore di corno viene sentito da tutti nella sala: sia dagli intenditori dell'arte orchestrale che da coloro che sono venuti al concerto per caso. Alle persone poco esperte di musica sembra che sia il suonatore di corno il responsabile del fatto che l'esecuzione dell'orchestra non ha lasciato molta impressione e, commentando il concerto, ricordano solo questo calcio.
La paura di un errore accidentale, alimentata da alcuni direttori d'orchestra, intralcia il pensiero fantasioso del musicista e gli impedisce di "espandersi" al massimo delle sue potenzialità. Il direttore d'orchestra Oscar Danon ha detto: "Quando ti trovi sulla cima di una montagna ad ammirare un paesaggio maestoso, un mucchio di letame sotto i tuoi piedi non rovina lo spettacolo, ma in una zona desolata dove l'occhio, come si suol dire, non ha dove riposare, questo il mucchio diventerà inevitabilmente il centro della tua attenzione. Gli errori casuali non rovinano l’impressione se l’orchestra e il direttore d’orchestra sono riusciti a rivelare in profondità le immagini musicali dell’opera” (dal diario personale dell’autore).
Danon ha sicuramente ragione. Quando la "regia" del direttore d'orchestra non ha successo, un errore accidentale del suonatore di ottoni o un calcio (perdita involontaria del suono) assume un significato speciale: sembra che sia stato questo errore a rovinare le aspirazioni creative dell'orchestra e del direttore. Dopo il concerto, il direttore d'orchestra rimprovera con rabbia il suonatore di fiati che ha commesso un errore, ma perdona facilmente l'errore del musicista se l'esecuzione nel suo insieme ha avuto successo, se è soddisfatto del proprio lavoro. In questo caso, il kix d'ottone è un piccolo incidente.
Qualsiasi direttore d'orchestra, sia eccezionale che mediocre, si aspetta che le sue scoperte artistiche suscitino invariabilmente almeno interesse, se non delizia, tra i musicisti. Ma è necessario avere una ricettività spalancata, aperta a nuove impressioni, per essere immediatamente “contagiati” dal pensiero di qualcun altro, dal sentimento di qualcun altro. Ci sono musicisti che non hanno perso questa capacità fino alla vecchiaia; gli altri devono solo seguire obbedientemente le istruzioni del direttore d’orchestra.
Non importa quanta esperienza e abilità abbia un musicista, dovrà comunque ascoltare desideri educati e non così educati, suggerimenti persistenti e talvolta commenti sarcastici o grida irritate durante le prove. A volte diventa noioso. Ma questa è una caratteristica inevitabile della professione di orchestratore. Non esiste altro metodo di lavoro di prova. E quanto più responsabile è la parte eseguita, tanto maggiori sono le richieste del direttore nei confronti del membro dell’orchestra. Un musicista deve abituarsi a questo.
Il lavoro di un musicista orchestrale non consiste solo in risultati artistici. Ci sono anche gravi fallimenti. Un membro dell’orchestra, come un pugile, deve imparare a “prendere un pugno”. Non importa quanto possa essere doloroso dopo un errore di esecuzione, non importa quanto offensivo possa essere dopo la replica caustica di un direttore d’orchestra, devi comunque trovare la forza dentro di te per concentrarti su compiti creativi. Non importa quanto meravigliose qualità spirituali possa avere un direttore d'orchestra, non aiuterà il musicista e non lo consolerà in un momento di fallimento. Un solista d'orchestra lavora in un grande gruppo, ma è sempre solo. Devi analizzare tu stesso le ragioni dell'errore per non calpestare lo stesso rastrello. Molti membri dell'orchestra ricordano e sperimentano gli errori creativi commessi molti anni fa, e nessun rimprovero del direttore, anche il più offensivo, può essere paragonato al dolore che portano nel cuore da molti anni.
I direttori si sostituiscono a vicenda e ognuno ha il proprio stile di lavoro durante le prove. Alcuni raggiungono i loro obiettivi con tenacia e allo stesso tempo con calma, altri introducono eccessivo nervosismo nel lavoro. Un musicista orchestrale deve adattarsi in modo flessibile a qualsiasi metodo di leadership e in qualsiasi situazione, non importa quanto intensa sia l'atmosfera psicologica, utilizzare pienamente tutte le sue capacità creative e svolgere la sua parte con piena dedizione.
Non solo i messaggeri degli dei salgono sul sacro podio. Se un direttore d'orchestra arriva all'orchestra, la cui idea creativa non è maturata, il processo di prova si riduce a una persona che per molte ore sottolinea instancabilmente le carenze di altre persone. Viene creata l'apparenza di un'attività utile, ma in realtà non c'è alcun beneficio da prove così noiose. In questi casi il musicista richiede grande resistenza e pazienza.
Non importa quanto il maestro cerchi di trattare allo stesso modo tutti gli artisti dell’orchestra, gli errori di una persona sono più fastidiosi e gli errori di un’altra meno. Non c’è scampo da questo; questo accade in tutti i gruppi creativi del mondo. Se un buon musicista irrita in qualche modo un buon direttore d'orchestra, entrambi subiscono delle perdite. In questo caso, il musicista stesso deve capire quali tratti del suo carattere interferiscono con il lavoro di squadra e cercare di liberarsi da questi tratti. Certo, non è facile identificare, e ancora più difficile eliminare, le qualità umane che interferiscono con la creatività collettiva. Devi essere una persona con cui è facile comunicare: semplice, comprensibile, efficiente, senza ambizioni. Se il musicista conosce l'opera che sta eseguendo più del direttore d'orchestra, non dovrebbe enfatizzarlo. Nel caso in cui il direttore manchi, il musicista non deve mostrare con parole, espressioni facciali o gesti di averlo notato. Il maestro stesso correggerà il suo errore.
La vita in un’orchestra è difficile per le persone gelose dei successi altrui, per coloro che sono permalosi, facilmente vulnerabili, sospettosi e per coloro che non sanno obbedire. Se è vero che “la performance dell'artista riflette la sua personalità, la sua psiche”, se è vero che “i lati deboli del carattere umano diventano i lati deboli dell'individualità creativa”, allora dovremo ammettere che il carattere umano di un il membro dell'orchestra determina molte delle caratteristiche del suo talento esecutivo.
La resistenza di alcuni musicisti, che reagiscono dolorosamente ad ogni osservazione del direttore d'orchestra, può essere spiegata da vari motivi: arroganza, scarsa educazione, delusione nella professione... Questi musicisti devono essere eliminati. Ma in quelle formazioni in cui il direttore sa affascinare con un'interessante interpretazione dell'opera, dove i commenti non assumono necessariamente la forma di rimprovero, dove le prove non si riducono all'affermazione di errori evidenti, anche la più feroce testardaggine non trova una risposta motivo della sua espressione.
E un altro lato negativo del lavoro orchestrale. Per un musicista d'orchestra non esiste il concetto di “promozione”. Divenuto accompagnatore del gruppo, dopo aver ricevuto un titolo onorifico, scopre di aver raggiunto il punto più alto della sua carriera e ora, non importa quanti anni lavori, è destinato a sedersi ogni giorno alla stessa console familiare , per svolgere tutte le stesse responsabilità familiari. Un buon musicista che ama il suo lavoro lo fa con piacere.
Difficoltà e dolori non possono oscurare la gioia di essere coinvolti nell'arte alta. Eseguire la musica di grandi compositori, comunicare in modo creativo con musicisti eccezionali del mondo, partecipare attivamente alla celebrazione dell'esecuzione di un concerto è felicità!
Il compito principale del musicista orchestrale può essere brevemente espresso come segue: pur mantenendo l'individualità dello stile esecutivo, cercare, per quanto possibile, di realizzare nel modo più accurato possibile l'intenzione dell'autore e del direttore d'orchestra.
Lavorare con un direttore d'orchestra di talento e con una personalità interessante non è mai forzato. La sottomissione a lui non priva l'artista dell'orchestra della libertà creativa. In questo caso, il direttore appare all'orchestra non come un dittatore, ma come un partner autorevole nell'ensemble. Lavorare insieme a lui è molto onorevole e istruttivo. Quei giorni luminosi in cui sia il direttore che l'orchestra realizzano un'interpretazione interessante della composizione, quando i musicisti vogliono suonare mentre dirige il maestro e il direttore vuole dirigere mentre suona l'orchestra, saranno ricordati per molti anni.
I laureati delle università musicali che intendono lavorare in un ensemble sinfonico devono conoscere tutte le complessità della professione prescelta e, se le difficoltà non li spaventano, se l'arte del suonare orchestrale dà loro gioia, devono unirsi coraggiosamente ai ranghi dei meravigliosi fratellanza chiamata orchestra. Buona fortuna e felicità a te, membro dell'orchestra! La tua professione è meravigliosa!
