Quali sono le caratteristiche dell'antica scultura greca?

Di fronte all’arte greca, molte menti eccezionali espressero una genuina ammirazione. Uno dei più famosi ricercatori dell'arte dell'antica Grecia, Johann Winckelmann (1717-1768) parla della scultura greca: “Gli intenditori e gli imitatori delle opere greche trovano nelle loro magistrali creazioni non solo la natura più bella, ma anche più della natura, vale a dire la sua certa bellezza ideale, che... è creata da immagini abbozzate dalla mente. Tutti coloro che scrivono sull'arte greca notano in esso una straordinaria combinazione di ingenua spontaneità e profondità, realtà e finzione. Esso, soprattutto nella scultura, incarna l'ideale dell'uomo. Qual è la particolarità dell'ideale? Perché incantava così tanto la gente che il vecchio Goethe piangeva al Louvre davanti alla scultura di Afrodite?

I greci hanno sempre creduto che solo in un bel corpo possa vivere un'anima bella. Pertanto, l'armonia del corpo e la perfezione esterna sono una condizione indispensabile e la base di una persona ideale. L'ideale greco è definito dal termine kalokagathia(Greco kalos- meraviglioso + agathos Tipo). Poiché Kalokagathia include la perfezione sia della costituzione fisica che della struttura spirituale e morale, allo stesso tempo, insieme alla bellezza e alla forza, l'ideale porta giustizia, castità, coraggio e razionalità. Questo è ciò che rende gli dei greci, scolpiti da antichi scultori, di una bellezza unica.

http://historic.ru/lostcivil/greece/gallery/stat_001.shtmlI migliori monumenti dell'antica scultura greca furono creati nel V secolo. AVANTI CRISTO. Ma sono arrivati ​​anche a noi i lavori precedenti. Statue del VII-VI secolo. aC sono simmetrici: una metà del corpo è l'immagine speculare dell'altra. Postura incatenata, braccia tese premute sul corpo muscoloso. Non la minima inclinazione o giro della testa, ma le labbra sono aperte in un sorriso. Un sorriso sembra illuminare la scultura dall'interno con un'espressione di gioia di vivere.

Successivamente, durante il periodo del classicismo, le statue acquisirono una maggiore varietà di forme.

Ci sono stati tentativi di concettualizzare l'armonia algebricamente. Il primo studio scientifico su cosa sia l'armonia fu intrapreso da Pitagora. La scuola da lui fondata esaminava questioni di carattere filosofico e matematico, applicando i calcoli matematici a tutti gli aspetti della realtà. Né l'armonia musicale, né l'armonia del corpo umano o la struttura architettonica facevano eccezione. La scuola pitagorica considerava il numero la base e l'inizio del mondo.

Cosa c’entra la teoria dei numeri con l’arte greca? Si scopre che è il più diretto, poiché l'armonia delle sfere dell'Universo e l'armonia del mondo intero sono espresse dagli stessi rapporti di numeri, i principali dei quali sono i rapporti 2/1, 3/2 e 4/3 (in musica sono rispettivamente l'ottava, la quinta e la quarta). Inoltre, l'armonia presuppone la possibilità di calcolare l'eventuale correlazione delle parti di ciascun oggetto, compresa la scultura, secondo la seguente proporzione: a / b = b / c, dove a è una parte qualsiasi più piccola dell'oggetto, b è una parte qualsiasi più grande, c è il tutto. Su questa base, il grande scultore greco Policleto (V secolo a.C.) creò una scultura di un giovane lanciere (V secolo a.C.), chiamata "Doriforo" ("Lanciere") o "Canone" - dal titolo dell'opera scultore , dove, discutendo la teoria dell'arte, considera le leggi per rappresentare una persona perfetta. Si ritiene che il ragionamento dell’artista possa essere applicato alla sua scultura.

Le statue di Policleto sono piene di vita intensa. Policleto amava rappresentare gli atleti in stato di riposo. Prendi lo stesso "Spearman". Quest'uomo potente è pieno di autostima. Resta immobile davanti allo spettatore. Ma questa non è la pace statica delle antiche statue egiziane. Come un uomo che controlla abilmente e facilmente il proprio corpo, il lanciere piegò leggermente una gamba e spostò il peso del suo corpo sull'altra. Sembra che passerà un momento e lui farà un passo avanti, girerà la testa, orgoglioso della sua bellezza e forza. Davanti a noi c'è un uomo forte, bello, libero dalla paura, orgoglioso, riservato: l'incarnazione degli ideali greci.

A differenza del suo contemporaneo Policleto, Mirone amava rappresentare le sue statue in movimento. Qui, ad esempio, si trova la statua “Discobolo” (V secolo a.C.; Museo Termale, Roma). Il suo autore, il grande scultore Miron, ha raffigurato un bellissimo giovane nel momento in cui ha fatto oscillare un disco pesante. Il suo corpo, colto in movimento, è curvo e teso, come una molla pronta a dispiegarsi. Sotto la pelle elastica del braccio tirato indietro, i muscoli allenati si gonfiavano. Le dita dei piedi, formando un supporto affidabile, premevano in profondità nella sabbia. Le statue di Mirone e Policleto furono fuse in bronzo, ma sono arrivate fino a noi solo copie in marmo di antichi originali greci realizzati dai romani.

I greci consideravano Fidia il più grande scultore del suo tempo, che decorò il Partenone con sculture in marmo. Le sue sculture riflettono soprattutto che gli dei in Grecia non sono altro che immagini di una persona ideale. La striscia di marmo meglio conservata del rilievo del fregio è lunga 160 m e raffigura una processione diretta al tempio della dea Atena, il Partenone.

La scultura del Partenone è stata gravemente danneggiata. E "Athena Parthenos" perì nei tempi antichi. Si trovava all'interno del tempio ed era incredibilmente bella. La testa della dea con la fronte bassa e liscia e il mento, il collo e le braccia arrotondati erano fatti di avorio, mentre i suoi capelli, i vestiti, lo scudo e l'elmo erano coniati da lastre d'oro. La dea sotto forma di bella donna è la personificazione di Atene.

http://historic.ru/lostcivil/greece/gallery/stat_007.shtmlMolte storie sono associate a questa scultura. Il capolavoro creato era così grande e famoso che il suo autore ebbe immediatamente molti invidiosi. Hanno cercato in tutti i modi di insultare lo scultore e hanno cercato vari motivi per accusarlo di qualcosa. Si dice che Fidia sia stato accusato di aver presumibilmente nascosto parte dell'oro dato come materiale per la decorazione della dea. Per dimostrare la sua innocenza, Fidia rimosse tutti gli oggetti d'oro dalla scultura e li pesò. Il peso coincideva esattamente con il peso dell'oro indicato per la scultura. Quindi Fidia fu accusato di ateismo. La ragione di ciò era lo scudo di Atena. Raffigurava la trama della battaglia tra i Greci e le Amazzoni. Tra i greci, Fidia raffigurava se stesso e il suo amato Pericle. L'immagine di Fidia sullo scudo divenne la causa del conflitto. Nonostante tutti i successi di Fidia, il pubblico greco riuscì a rivoltarsi contro di lui. La vita del grande scultore si concluse con un'esecuzione crudele.

Le realizzazioni di Fidia nel Partenone non furono esaustive per il suo lavoro. Lo scultore creò molte altre opere, le migliori delle quali furono la colossale figura in bronzo di Atena Promachos, eretta sull'acropoli intorno al 460 a.C., e l'altrettanto enorme figura in avorio e oro di Zeus per il tempio di Olimpia. Purtroppo le opere originali non esistono più e non possiamo vedere con i nostri occhi le magnifiche opere d'arte dell'Antica Grecia. Rimangono solo le loro descrizioni e copie. Ciò era in gran parte dovuto alla fanatica distruzione delle statue da parte dei credenti cristiani.

Così si può descrivere la statua di Zeus per il tempio di Olimpia: un enorme dio di quattordici metri sedeva su un trono d'oro, e sembrava che se si fosse alzato in piedi, raddrizzando le sue ampie spalle, si sarebbe sentito angusto nella vasta sala e il soffitto sarebbe basso. La testa di Zeus era decorata con una corona di rami d'ulivo, un segno della tranquillità del formidabile dio. Il viso, le spalle, le braccia, il petto erano d'avorio e il mantello era gettato sulla spalla sinistra. La corona e la barba di Zeus erano fatte di oro scintillante.

Fidia dotò Zeus della nobiltà umana. Il suo bel viso, incorniciato da una barba riccia e dai capelli ricci, non era solo severo, ma anche gentile, la sua postura era solenne, maestosa e calma. La combinazione di bellezza fisica e gentilezza d'animo enfatizzava la sua idealità divina. La statua fece una tale impressione che, secondo l'antico autore, le persone, depresse dal dolore, cercarono consolazione contemplando la creazione di Fidia. Si diceva che la statua di Zeus fosse una delle "sette meraviglie del mondo".

Le opere di tutti e tre gli scultori erano simili in quanto rappresentavano tutte l'armonia di un bel corpo e l'anima gentile in esso contenuta. Questa era la tendenza principale in quel momento.

Naturalmente, le norme e le linee guida nell’arte greca sono cambiate nel corso della storia. L’arte arcaica era più semplice; mancava quella sobrietà ricca di significato che deliziava l’umanità nel periodo dei classici greci. In epoca ellenistica, quando l'uomo perse il senso della stabilità del mondo, l'arte perse i suoi antichi ideali. Cominciò a riflettere i sentimenti di incertezza sul futuro che regnavano nelle tendenze sociali di quel tempo.

Una cosa univa tutti i periodi di sviluppo della società e dell'arte greca: questa, come scrive M. Alpatov, era una passione speciale per le arti plastiche, per le arti spaziali. Tale predilezione è comprensibile: enormi riserve di una varietà di colori, materiale nobile e ideale - il marmo - hanno offerto ampie opportunità per la sua realizzazione. Sebbene la maggior parte delle sculture greche fossero realizzate in bronzo, poiché il marmo era fragile, era la trama del marmo con il suo colore e la sua decoratività che permetteva di riprodurre la bellezza del corpo umano con la massima espressività. Pertanto, molto spesso "il corpo umano, la sua struttura e flessibilità, la sua armonia e flessibilità attiravano l'attenzione dei Greci; raffiguravano volentieri il corpo umano sia nudo che con abiti leggeri e trasparenti".

Poiché presto dovrò tenere un corso di lezioni sulla storia generale dell'arte, sto preparando e ripetendo il materiale. Ho deciso di pubblicarne alcune e i miei pensieri su questo argomento. Questa non è la conferenza in sé, ma pensieri su un argomento specifico e ristretto.

È difficile sopravvalutare il posto della scultura nell'arte dell'antichità. Tuttavia, le sue due manifestazioni nazionali più importanti - la scultura dell'Antica Grecia e la scultura dell'Antica Roma - rappresentano due fenomeni completamente diversi, per molti versi opposti. Quali sono?

La scultura della Grecia è davvero famosa e dovrebbe infatti essere al primo posto rispetto all'architettura greca. Il fatto è che i greci percepivano l'architettura stessa come scultura. Per un greco qualsiasi edificio è innanzitutto un volume plastico, un monumento, perfetto nelle sue forme, ma destinato principalmente alla contemplazione dall'esterno. Ma scriverò di architettura separatamente.

I nomi degli scultori greci sono ben conosciuti e ascoltati da tutti coloro che sono andati a scuola. I pittori da cavalletto greci erano altrettanto famosi e rinomati, tuttavia, come talvolta accade nella storia dell'arte, delle loro opere non è sopravvissuto nulla, anzi, forse, presunte copie sui muri delle case dei ricchi romani (come si può visto a Pompei). Tuttavia, come vedremo, la situazione non è così buona con gli originali delle statue greche, poiché la maggior parte di esse sono conosciute, ancora una volta, da repliche romane prive della perfezione greca.

Tuttavia, con un'attenzione così attenta ai nomi dei creatori d'arte, i greci rimasero completamente indifferenti all'individualità, a quella che ora sarebbe chiamata la personalità di una persona. Avendo fatto dell'uomo il centro della loro arte, i Greci vedevano in lui un ideale sublime, una manifestazione di perfezione, un connubio armonioso di anima e corpo, ma non erano affatto interessati alle particolari caratteristiche della persona raffigurata. I Greci non conoscevano un ritratto nella nostra comprensione della parola (con la possibile eccezione del periodo ellenistico successivo). Erigendo statue di divinità umanoidi, eroi, famosi cittadini della loro polis, hanno creato un'immagine tipica e generalizzata che incarnava le qualità positive dell'anima, dell'eroismo, della virtù e della bellezza.

La visione del mondo dei Greci iniziò a cambiare solo con la fine dell'era classica nel IV secolo a.C. La fine del vecchio mondo fu posta da Alessandro Magno, la cui attività senza precedenti diede vita al fenomeno culturale della mescolanza di greco e medio oriente, chiamato ellenismo. Ma solo dopo più di 2 secoli Roma, già potente a quel tempo, entrò nell'arena della storia dell'arte.

Stranamente, ma per buona metà (se non gran parte) della sua storia, Roma non ha mostrato quasi nulla di sé dal punto di vista artistico. Così trascorse quasi tutto il periodo repubblicano, rimanendo nella memoria del popolo come il tempo del valore romano e della purezza dei costumi. Ma finalmente, nel I secolo a.C. Sorse il ritratto scultoreo romano. È difficile dire quanto grande sia stato in questo il ruolo dei Greci, che ora lavoravano per i Romani che li conquistarono. Si deve presumere che senza di loro Roma difficilmente avrebbe creato un'arte così brillante. Tuttavia, non importa chi abbia creato le opere d'arte romane, erano esattamente romane.

Paradossalmente, sebbene sia stata Roma a creare quella che potrebbe essere l'arte del ritratto più individuale al mondo, non è stata conservata alcuna informazione sugli scultori che hanno creato quest'arte. Pertanto, la scultura di Roma e, soprattutto, il ritratto scultoreo è il fenomeno opposto alla scultura classica della Grecia.

Va subito notato che un ruolo importante nella sua formazione ha avuto un'altra tradizione, questa volta locale, italiana, vale a dire l'arte degli Etruschi. Bene, diamo un'occhiata ai monumenti e usiamoli per caratterizzare i principali fenomeni della scultura antica.

Già in questa testa di marmo delle Isole Cicladi 3mila a.C. e. stabilì quel sentimento plastico che sarebbe diventato il principale patrimonio dell'arte greca. Ciò non è in alcun modo danneggiato dal minimalismo dei dettagli, che ovviamente è stato completato dalla pittura, poiché fino al pieno Rinascimento la scultura non era mai incolore.

Un gruppo ben noto (beh, questo si può dire di quasi tutte le statue di uno scultore greco) raffigurante gli assassini tironi Armodio e Aristogitone, scolpito da Crizia e Nesiot. Senza lasciarci distrarre dalla formazione dell'arte greca in epoca arcaica, ci siamo già rivolti ai classici del V secolo. AVANTI CRISTO. Rappresentando due eroi, combattenti per gli ideali democratici di Atene, gli scultori raffigurano due figure convenzionali, solo in termini generali simili ai prototipi stessi. Il loro compito principale è combinare in un unico insieme due corpi belli e ideali, catturati da un impulso eroico. La perfezione corporea qui implica la rettitudine interiore e la dignità di coloro che sono raffigurati.

In alcune delle loro opere, i greci cercavano di trasmettere l'armonia contenuta nella pace, nella statica. Policleto raggiunse questo risultato sia attraverso la proporzione della figura che attraverso la dinamica contenuta nel posizionamento della figura. T.n. chiasmo o altrimenti contrapposto - il movimento in direzione opposta di diverse parti di una figura - una delle conquiste di questo tempo, radicata per sempre nella carne dell'arte europea. Gli originali di Policleto sono andati perduti. Contrariamente all'usanza dello spettatore moderno, i greci spesso lavoravano fondendo statue in bronzo, evitando così gli ostacoli che si presentavano nelle ripetizioni marmoree di epoca romana. (A destra c'è una copia-ricostruzione in bronzo del Museo statale di belle arti Pushkin, quanto è migliore!)

Mirone divenne famoso per aver trasmesso stati molto complessi in cui la pace sta per lasciare il posto al movimento attivo. Ancora una volta presento due versioni del suo lanciatore del disco (entrambe tardive): marmo e bronzo.

“Rublev” dell'antica Grecia, il grande creatore della scultura dell'acropoli ateniese, Fidia, al contrario, raggiunse bellezza ed equilibrio anche nelle composizioni più intense e commoventi. Qui abbiamo l'opportunità di vedere gli originali del V secolo. aC, questa volta realizzato in marmo in relazione alla carne dell'architettura del Partenone. Anche nella loro forma spezzata, senza braccia, gambe e testa, sotto forma di pietose rovine, i classici greci sono sorprendentemente perfetti. Nessun'altra arte potrebbe farlo.

E il ritratto? Ecco una famosa immagine del grande Pericle. Ma cosa possiamo imparare da questo su quest’uomo? Solo che fu un grande cittadino della sua città, una figura di spicco e un valoroso comandante. E niente di più.

Il “ritratto” di Platone fu risolto diversamente, non più presentato come un giovane saggio con una barba folta e un volto intellettuale e mentalmente teso. La perdita della pittura degli occhi, ovviamente, priva in gran parte l'immagine di espressione.

L'immagine era già percepita diversamente alla fine del IV secolo. Le repliche sopravvissute dei ritratti di Alessandro Magno realizzati da Lisippo ci mostrano una personalità che non è più così integra, sicura e inequivocabile come abbiamo appena visto nel periodo classico della Grecia.

Ora, finalmente, è giunto il momento di passare a Roma, o meglio, per ora, agli Etruschi, che realizzavano immagini funerarie dei defunti. Gli Etruschi realizzavano urne canopi - urne per le ceneri - con immagini di teste e mani, paragonandole, finora condizionatamente, a una persona defunta. Vaso canopo in terracotta del VI secolo a.C. e.

Opere più complesse erano tali lapidi con figure di persone, spesso coppie sposate, adagiate come a una festa.

Sorrisi affascinanti, simili ai sorrisi delle statue greche arcaiche. Ma qui è importante qualcos'altro: si tratta di persone specifiche sepolte qui.

Le tradizioni etrusche gettarono una sorta di base per il ritratto romano stesso. Apparso solo nel I secolo a.C., il ritratto romano era nettamente diverso da qualsiasi altro. La cosa principale in esso era l'autenticità nel trasmettere la verità della vita, l'aspetto senza ornamenti di una persona, la sua rappresentazione così com'è. E in questo i romani vedevano senza dubbio la propria dignità. Il termine verismo può essere meglio applicato al ritratto romano della fine dell’era repubblicana. Spaventa persino con la sua ripugnante franchezza, che non si ferma a nessun tratto di bruttezza e vecchiaia.

Per illustrare la seguente tesi, darò un esempio enciclopedico: immagini di un romano in toga con i ritratti dei suoi antenati. In questa usanza romana obbligatoria non c'era solo il desiderio umano di preservare la memoria delle generazioni passate, ma anche una componente religiosa, così tipica per una religione domestica come quella romana.

Dopo gli Etruschi, anche i Romani raffigurarono sulle loro lapidi coppie sposate. In generale, le arti plastiche e la scultura erano naturali per un residente di Roma come lo è per noi la fotografia.

Ma ora è arrivato un nuovo momento. A cavallo del millennio (e delle epoche) Roma divenne un impero. D'ora in poi la nostra galleria sarà rappresentata principalmente da ritratti di imperatori. Tuttavia, quest'arte ufficiale non solo ha preservato, ma ha anche aumentato lo straordinario realismo che originariamente appariva nella ritrattistica romana. Tuttavia, prima nell'era di Augusto (27 a.C. - 14 d.C.), l'arte romana conobbe la sua prima seria interazione con la bellezza ideale inerente a tutto ciò che è greco. Ma anche qui, divenuto perfetto nella forma, rimase fedele ai lineamenti del ritratto dell'imperatore. Ammettendo la convenzione in un corpo perfetto, idealmente regolare e sano, vestito con l'armatura e in posa cerimoniale, l'arte romana colloca su questo corpo la vera testa di Augusto, quale era.

Una straordinaria maestria nella lavorazione della pietra passò dalla Grecia ai Romani, ma qui quest'arte non poteva oscurare ciò che era intrinsecamente romano.

Un'altra versione dell'immagine ufficiale di Augusto come il Grande Pontefice con un velo gettato sulla testa.

E ora, già nel ritratto di Vespasiano (69-79 d.C.) vediamo di nuovo un palese verismo. Questa immagine è rimasta impressa nella mia memoria fin dall'infanzia, affascinandomi con le caratteristiche personali dell'imperatore raffigurato. Un volto intelligente, nobile e allo stesso tempo astuto e calcolatore! (Come gli si addice un naso rotto))

Allo stesso tempo si stanno padroneggiando nuove tecniche di lavorazione del marmo. L'uso di un trapano consente di creare un gioco più complesso di volumi, luci e ombre e di introdurre contrasti di diverse texture: capelli ruvidi, pelle lucida. Ad esempio un'immagine femminile, altrimenti finora abbiamo presentato solo uomini.

Troiano (98 - 117)

Antonino Pio fu il secondo imperatore dopo Adriano a farsi crescere la barba alla maniera greca. E questo non è solo un certo gioco. Insieme all'aspetto “greco”, nell'immagine di una persona appare anche qualcosa di filosofico. Lo sguardo va di lato, verso l'alto, privando una persona di uno stato di equilibrio e appagamento con il corpo. (Ora le pupille degli occhi sono delineate dallo scultore stesso, il che preserva l'aspetto anche se si perde la colorazione precedente.)

Ciò è chiaramente evidente nei ritratti del filosofo sul trono - Marco Aurelio (161-180).

Questo interessante frammento mi attira per questo motivo. Prova a disegnare i tratti del viso e otterrai un'icona! Dai un'occhiata più da vicino alle forme dell'occhio, della palpebra, della pupilla e confrontale con le icone bizantine.

Ma i valorosi e i giusti non dovrebbero essere solo il soggetto di un ritratto romano! Eliogabalo (correttamente - Eliogabalo), un aderente al culto orientale del sole, sorprese i romani con usanze che erano loro completamente disgustose e non brillavano di purezza di vita. Ma anche questo ci mostra chiaramente il suo ritratto.

Infine, l’età d’oro di Roma è ormai lontana. I cosiddetti imperatori soldati vengono insediati uno dopo l’altro. Persone di qualsiasi classe, paese o popolo possono improvvisamente diventare sovrani di Roma, essendo proclamati dai loro soldati. Ritratto di Filippo l'Arabo (244 - 249), non il peggiore di loro. E ancora una volta c'è una sorta di malinconia o ansia nello sguardo...

Bene, questo è divertente: Trebonian Gall (251 - 253).

Qui è il momento di notare ciò che di volta in volta appariva nei ritratti romani precedenti. Ora la forma comincia inesorabilmente a schematizzarsi, la modellazione plastica lascia il posto alla grafica convenzionale. La carne stessa scompare gradualmente, lasciando il posto a un'immagine puramente spirituale, esclusivamente interna. Imperatore Probo (276-282).

E ora ci siamo avvicinati alla fine del III e all'inizio del IV secolo. Diocleziano crea un nuovo sistema di governo dell'Impero: la tetrarchia. Due Augusti e due Cesari regnano sulle sue quattro parti. La città vecchia di Roma, che ha perso da tempo il suo ruolo di capitale, non è più importante. Un buffo gruppo di quattro figure quasi identiche, identificate con i tetrarchi, era conservato a Venezia, prelevato da Costantinopoli. Viene spesso mostrato come la fine di un ritratto romano. Ma non è vero! In realtà si tratta, diciamo, di un esperimento speciale, l’avanguardia dell’epoca. Inoltre, secondo alcuni miei maestri, si tratta di un'opera egiziana, cosa particolarmente evidente dall'uso del porfido duro. La scuola metropolitana romana rimase, ovviamente, diversa e non morì per almeno un altro secolo.

A conferma di quanto detto, un'altra immagine proveniente dall'Egitto è l'imperatore Massimino Daza (305 - 313). Stilizzazione, schematizzazione e astrazione completa, se lo desideri.

Ma cosa continuò ad accadere a Roma. Costantino il Grande (306 - 337) diventa il sovrano sovrano dell'Impero. Nel suo ritratto su scala colossale (questa, in effetti, è la testa del Colosso - una statua gigante installata nella Basilica romana di Costantino-Massenzio) è pienamente presente sia un'elaborazione ideale e perfetta della forma sia una nuova forma finalmente formata immagine, staccata da tutto ciò che è temporaneo. Negli occhi enormi e belli che guardano da qualche parte dietro di noi, sopracciglia volitive, naso duro, labbra chiuse, ora non c'è solo l'immagine di un sovrano terreno, ma anche qualcosa che ha già varcato i confini di quella riflessione che ha consumato Marcus Aurelio e gli altri suoi contemporanei, ai quali fu gravato questo involucro corporeo in cui è racchiusa l'anima.

Se il famoso editto di Milano del 313 fermò solo la persecuzione del cristianesimo, consentendo ai cristiani di esistere legalmente nell'Impero (lo stesso Costantino fu battezzato solo alla morte), allora alla fine del IV secolo dopo Cristo il cristianesimo era già diventato dominante. E in questo periodo dell'antichità cristiana, continuarono a essere creati ritratti scultorei. Il ritratto dell'imperatore Arcadio (383-408) stupisce per la sua bellezza, ma anche per la sua astrazione ultraterrena.

È qui che alla fine è arrivato il ritratto romano, questa è l'immagine che ha dato vita, diventando essa stessa arte cristiana. La scultura ora lascia il posto alla pittura. Ma la grande eredità della cultura precedente non viene rifiutata, continuando a vivere, al servizio di nuove mete e obiettivi. L'immagine cristiana (icona), da un lato, è nata dalle parole: "Dio nessuno lo ha mai visto; Egli ha rivelato il Figlio unigenito, che è nel seno del Padre" (Giovanni 1:18). D'altra parte, ha assorbito tutta l'esperienza dell'arte che lo ha preceduto, come abbiamo visto, che per lungo tempo aveva faticosamente cercato la verità, e finalmente l'ha trovata.

Ma questa è una storia completamente diversa, non per questa storia...

Un'ipotesi interessante riguardante l'antico miracolo greco è stata trovata sul blog dello scultore Nigel Konstam: egli ritiene che le statue antiche fossero calchi di persone viventi, poiché altrimenti non si spiegherebbe un passaggio così rapido dalla produzione di statue statiche dell'Egitto all'arte perfettamente realistica di trasmettere il movimento, avvenuta tra il 500 e il 450 a.C.

Nigel conferma la sua ipotesi esaminando i piedi di statue antiche, confrontandoli con stampe in gesso e calchi in cera realizzati da modelli moderni in piedi in una determinata posa. La deformazione del materiale sui piedi conferma la sua ipotesi secondo cui i Greci non realizzavano statue come prima, ma cominciarono invece ad utilizzare calchi di persone vive.
Konstama è venuta a conoscenza di questa ipotesi per la prima volta dal film "Atene. La verità sulla democrazia", ​​ha cercato materiale su Internet e questo è ciò che ha trovato.

Nigel ha realizzato un video in cui spiega la sua ipotesi riguardo ai calchi antichi e può essere visualizzato qui http://youtu.be/7fe6PL7yTck in inglese.
Ma diamo prima un'occhiata alle statue stesse.

Antica statua di kouros di epoca arcaica, 530 a.C. circa. sembra costretto e teso, quindi non era ancora noto il contrapposto: la posizione libera della figura quando l'equilibrio del riposo è creato da movimenti opposti l'uno all'altro.


Kouros, figura di giovane, inizi del V secolo a.C. sembra un po' più dinamico.

Guerrieri di Riace, statue del secondo quarto del V secolo a.C. 197 cm di altezza - un raro ritrovamento di scultura greca originale del periodo classico, la maggior parte della quale ci è nota da copie romane. Nel 1972, l'ingegnere romano Stefano Mariotini, mentre faceva snorkeling, li trovò sul fondo del mare al largo delle coste italiane.

Queste figure in bronzo non furono fuse interamente; le loro parti furono fissate insieme come un set da costruzione, il che ci permette di imparare molto di più sulla tecnica di creazione delle sculture di quel tempo. Le loro pupille sono fatte di pasta d'oro, le ciglia e i denti sono d'argento, le labbra e i capezzoli sono di rame e i loro occhi sono realizzati utilizzando tecniche di intarsio di ossa e vetro.
Cioè, in linea di principio, come hanno scoperto gli scienziati, alcuni dettagli delle statue potrebbero essere stati alterati più volte da calchi di modelli viventi, anche se ingranditi e migliorati.

Fu proprio mentre studiava i piedi deformati dalla gravità dei Guerrieri di Riace che lo scultore Konstam ebbe questa idea di calchi che potrebbero essere stati utilizzati da scultori antichi.

Guardando il film "Atene. La verità sulla democrazia" mi ha interessato come si è sentita la modella piuttosto soffice quando è stato rimosso lo stampo in gesso, perché molti di coloro che hanno dovuto indossare il cerotto si sono lamentati che era doloroso rimuoverlo perché dovevano strapparlo i loro capelli.

Da un lato, ci sono fonti da cui è noto che nell'antica Grecia non solo le donne, ma anche gli atleti maschi si toglievano i peli del corpo.
D'altronde era la loro pelosità a distinguerli dalle donne. Non per niente nella commedia di Aristofane “Le donne nell'Assemblea nazionale” una delle eroine che decisero di togliere il potere agli uomini dice:
- E la prima cosa che ho fatto è stata buttare via il rasoio.
Più lontano, affinché io possa diventare ruvido e irsuto,
Non assomigliare per niente ad una donna.

Si scopre che se gli uomini si sono depilati, è stato molto probabilmente da coloro che erano coinvolti professionalmente nello sport, ed erano proprio questi modelli di cui avevano bisogno gli scultori.

Tuttavia, ho letto dell'intonaco e ho scoperto che anche nell'antichità esistevano modi per combattere questo fenomeno: quando venivano realizzate maschere e calchi, i corpi dei modelli venivano unti con speciali unguenti oleosi, grazie ai quali l'intonaco veniva rimosso in modo indolore, anche se ci fossero peli sul corpo. Cioè, la tecnica di realizzare calchi non solo da una persona morta, ma anche da una persona viva nell'antichità era infatti ben nota in Egitto, tuttavia, era proprio il trasferimento del movimento e la copia di una persona che lì non era considerata bella .

Ma per gli Elleni il bellissimo corpo umano, perfetto nella sua nudità, sembrava essere il valore più grande e oggetto di culto. Forse è per questo che non vedevano nulla di riprovevole nell'utilizzare i calchi di un simile corpo per realizzare opere d'arte.


Frine davanti all'Areopago. J.L. Girolamo. 1861, Amburgo, Germania.
D'altra parte, potrebbero benissimo accusare lo scultore di empietà e di insulto agli dei perché ha usato un'etera come modello per la statua della dea. Nel caso di Prassitele, Frine fu accusata di ateismo. Ma una persona non eterosessuale accetterebbe di posare per lui?
L'Areopago la assolse nel 340 a.C., tuttavia, dopo che, durante un discorso in sua difesa, l'oratore Iperide presentò l'originale Frine nuda, togliendosi il chitone e chiedendo retoricamente come tanta bellezza potesse essere colpevole. Dopotutto, i greci credevano che un bel corpo avesse un'anima altrettanto bella.
È possibile che anche prima di Prassitele le dee fossero raffigurate nude, e i giudici avrebbero potuto considerare malvagio il fatto che la dea somigliasse troppo a Frine, come se fosse uno a uno, e accusare la stessa etera di ateismo fosse solo un pretesto? Forse sapevano o intuivano le possibilità di lavorare con i calchi in gesso di una persona vivente? E poi potrebbe sorgere una domanda inutile: chi adorano nel tempio: Frine o la dea.

Usando la fotografia, un moderno artista informatico ha “rivitalizzato” Phryne, cioè, ovviamente, la statua di Afrodite di Cnido, e più specificamente, la sua copia, poiché l'originale non ci è pervenuto.
E, come sappiamo, gli antichi greci dipingevano statue, quindi può darsi che l'etera avrebbe potuto assomigliare a questo se la sua pelle fosse stata leggermente giallastra, per cui, secondo alcune fonti, era soprannominata Frine.
Anche se in questo caso il nostro contemporaneo è in competizione con Nicias, un artista, ovviamente, e non un comandante, al quale su Wikipedia c'è un collegamento errato. Dopotutto, quando gli fu chiesto quale delle sue opere Prassitele considerasse le migliori, secondo la leggenda, rispose che quelle dipinte da Nicia.
A proposito, questa frase rimase misteriosa per molti secoli per coloro che non sapevano o non credevano che le sculture greche completate non fossero bianche.
Ma mi sembra che fosse improbabile che la statua di Afrodite stessa fosse dipinta in questo modo, perché gli scienziati affermano che i Greci le dipingevano in modo piuttosto colorato.

Piuttosto, più o meno allo stesso modo in cui Apollo è dipinto dalla mostra The Motley Gods "Bunte Götter".

E immagina quanto si sia sentito strano il soggetto quando ha visto le persone adorarlo sotto forma di un dio.
O non lui, ma la sua copia, che l'artista ha ingrandito proporzionalmente, colorato brillantemente e corretto piccole incongruenze fisiche e difetti secondo il canone di Policleto? È il tuo corpo, ma più grande e migliore. O non è più tuo? Poteva credere che la statua fatta di lui fosse la statua di un dio?

In uno degli articoli ho anche letto di un numero enorme di grezzi di gesso in un'antica officina greca per copie preparate per la spedizione a Roma, che furono scoperte dagli archeologi. Forse anche questi erano calchi di persone e non solo statue?

Non insisterò sull’ipotesi di Konstam, che mi interessava: certo gli specialisti lo sanno meglio, ma non c’è dubbio che gli scultori antichi, come quelli moderni, utilizzassero calchi di persone viventi e parti dei loro corpi. Potete davvero pensare che gli antichi greci fossero così stupidi che, sapendo cosa fosse il gesso, non avrebbero indovinato?
Ma pensi che fare copie di persone viventi sia arte o inganno?

La scultura dell'antica Grecia occupava un posto importante nell'arte greca antica ed era il risultato più alto nella cultura del mondo antico.

La scultura dell'antica Grecia in tutte le sue manifestazioni rimase sempre profondamente antropocentrica, esprimendo la religiosità e il mondo spirituale dell'uomo o l'atto sacro che lo scultore cercò di catturare e trasmettere.

La maggior parte delle sculture furono realizzate per offerte nei santuari o come monumenti funerari. La particolarità dell'arte greca era che il maestro, quando creava opere, cercava di trasmettere la bellezza e la perfezione del corpo umano.

Nelle forme delle prime statue si cerca di equilibrare la divinità e l'uomo, nell'espressione delle loro emozioni. La scultura dell'antica Grecia raggiunse la sua massima fioritura nel V secolo a.C. e, mentre l'origine della scultura nell'antica Grecia può essere fatta risalire al XII-VIII secolo a.C. e.

Inizialmente, gli artigiani greci utilizzavano materiali morbidi nel loro lavoro: legno e pietra calcarea porosa, e successivamente marmo. La fusione del bronzo fu utilizzata per la prima volta dagli artigiani dell'isola di Samos.

Le figurine del periodo omerico raffiguravano dei o eroi, nell'opera dei maestri sta solo emergendo un interesse per la plasticità del corpo.

Durante il periodo arcaico scultura dell'Antica Grecia, acquista un sorriso arcaico, trasformando sempre più i volti delle sculture nell'immagine di una persona, il corpo acquisisce un armonioso equilibrio di forme. Gli uomini erano raffigurati nudi, mentre la donna era vestita.

A quel tempo, nell'arte scultorea dell'antica Grecia, erano diffusi i kouros: giovani uomini, realizzati principalmente per rituali commemorativi. I maestri raffiguravano il kouros sobrio, con una buona postura, un sorriso, con i pugni chiusi e l'acconciatura del kouros somigliava a una parrucca. Una delle sculture di kouros più famose è “Kouros di Tenea” (κούρος της Τενέας). La scultura è stata ritrovata nei pressi di Corinto, a Tenea, nel tempio di Apollo. Ora è conservato al Museo di Monaco.

I greci raffiguravano giovani ragazze o kors in abiti tradizionali, in chitone o peplo. Kore (κόρη) è un tipo specifico di statua con forme femminili di epoca arcaica, precisamente della seconda metà del VII secolo a.C. Acconciatura ricca, gioielli alla moda e modelli di abbigliamento colorati: ecco come li raffiguravano gli scultori dell'antica Grecia.

L'età classica è ciò che chiamiamo il periodo che inizia nel 480 a.C. e termina nel 323 a.C., cioè dalla fine delle guerre greco-persiane alla morte di Alessandro Magno. Durante questo periodo importanti cambiamenti sociali e innovazioni parallele si verificarono nella scultura dell'antica Grecia. Gli antichi greci si concentravano sulla trasmissione di spirito e passione. Gli artisti studiano il linguaggio del corpo per rivelare i loro pensieri più intimi, per mostrare il movimento del corpo: la posizione degli arti, della testa e del torace.

La prima statua, che raffigura essenzialmente la fine di un'epoca e l'inizio di un'altra, è il "ragazzo di Kritias" (Κριτίου παίς), conservato nel Museo dell'Acropoli. Questa statua di un adolescente nudo, alta 1,67 m, è uno degli esempi più belli e perfetti della prima arte classica. La scultura combina movimento, plasticità e serietà appare nell'espressione del viso.

La famosa scultura di un auriga (alla guida di un carro) risale al primo periodo classico ed è conservata nel Museo di Delfi. La statua di un giovane è in bronzo, ha un'altezza di 1,8 m, indossa un chitone con maniche, mostra il braccio muscoloso di un giovane, in mano tiene brandelli di redini. Il drappeggio delle pieghe sugli abiti che corrispondono ai movimenti è ben reso.

Nel 450-420 AVANTI CRISTO e. periodo classico, la scultura dell'antica Grecia viene modificata. Le sculture ora hanno più morbidezza, plasticità e maturità. Caratteristiche dell'arte classica erano rappresentate da Fidia nelle sculture del Partenone.

In questo momento apparvero altri degni scultori: Agorakritos, Alkamen, Kolot, specialisti nella realizzazione di statue in oro e avorio. Callimaco fu uno degli inventori dell'ordine corinzio, Policleto, che raffigurava gli atleti, fu il primo a scrivere un testo teorico sulla scultura, e altri.

Durante il periodo tardo classico, nella scultura dell'antica Grecia, apparvero tendenze nello studio della forma umana nello spazio tridimensionale, apparvero una bellezza e un dramma più sensuali.

I grandi scultori di questo periodo sono: Cefisodoto (“Eirene con il bambino in braccio”), Πρassitele, che creò la Gioventù di Maratona e Afrodite di Cnido, Efranore, Silanione, Leochares, Scopa e Lisippo, gli ultimi scultori del tardo periodo classico che aprì la strada all'era dell'arte ellenistica.

L'era ellenistica nella scultura dell'antica Grecia si rifletteva in un'interpretazione più differenziata delle forme plastiche, degli angoli più complessi e dei più piccoli dettagli. Si sta sviluppando l'arte plastica monumentale, compaiono enormi composizioni in rilievo, gruppi multifigura, rilievi, che sono parte integrante dell'espressione dell'arte scultorea, la piccola arte plastica è complicata dal carattere vitale delle immagini.

Le opere più famose di questo periodo: “Nike di Samotracia” di Pitocrito, alta 3,28 m, “Venere di Milo”, altezza 2,02 m, realizzata dallo scultore Alessandro di Antiochia è conservata al Louvre, “Laocoonte e i suoi figli” di degli scultori rodi Agesandro di Rodi, Polidoro e Atenodoro, si trova in Vaticano.

Nell'antica Grecia, le persone apprezzavano estremamente la bellezza. I greci preferivano soprattutto la scultura. Tuttavia, molti capolavori di grandi scultori sono morti e non sono sopravvissuti ai nostri tempi. Ad esempio, Discobolo dello scultore Mirone, Doriforo di Policleto, “Afrodite di Cnido” di Prassitele, Laocoonte dello scultore Agesandro. Tutte queste sculture sono morte, eppure... le conosciamo molto bene. Come si potrebbero preservare le sculture scomparse? Solo grazie alle numerose copie che si trovavano nelle case di ricchi collezionisti antichi e decoravano cortili, gallerie e sale dei Greci e dei Romani.

Doryfor - "Portatore di lancia" è diventato un modello di bellezza maschile per molti secoli. E "Afrodite di Cnido" - una delle sculture femminili nude più famose dell'antica Grecia - divenne un esempio di bellezza femminile. Per ammirare Afrodite, gli antichi greci venivano da altre città e, vedendo quanto era bella, ordinarono a scultori sconosciuti di realizzare esattamente la stessa copia per collocare Afrodite nella piazza della città o nel cortile della loro ricca casa.

Lanciatore di discoteche - statua in bronzo perduta di un atleta in procinto di lanciare un disco, creato da Mirone intorno al V secolo a.C. e. - questo è il primo tentativo nell'arte greca di scolpire una persona in movimento, e il tentativo ha più che successo. Il giovane atleta si blocca per una frazione di secondo e il momento successivo inizia a girare per lanciare il disco con tutta la sua forza.

Laocoonte è un gruppo scultoreo di persone sofferenti, raffigurato in una lotta dolorosa. Laocoonte era un sacerdote che avvertì gli abitanti della città di Troia - i Troiani - che la città poteva essere sconfitta grazie ad un cavallo di legno. Per questo, il dio dei mari, Poseidone, mandò due serpenti dal mare e strangolarono Laocoonte e i suoi figli. La statua è stata ritrovata relativamente di recente, nel XVII secolo. E il grande scultore rinascimentale Michelangelo disse che Laocoonte è la migliore statua del mondo. Se nell'antichità non ci fossero amanti e collezionisti di esempi di belle sculture, l'umanità moderna non avrebbe conosciuto questo capolavoro.

Sono arrivate fino a noi anche numerose erme romane e greche: teste e busti di persone su stand. L'arte di creare erme ha origine nella creazione di pilastri rituali del culto di Hermes, sul supporto superiore dei quali si trovava una testa modellata della divinità del commercio, della scienza e dei viaggi. Dopo il nome di Hermes, i pilastri iniziarono a essere chiamati erme. Tali pilastri erano situati agli incroci, all'ingresso di una città o di un paese o all'ingresso di una casa. Si credeva che un'immagine del genere spaventasse le forze del male e gli spiriti cattivi.

A partire dal IV secolo a.C. circa, tutte le immagini dei ritratti di persone iniziarono a essere chiamate erme; divennero parte dell'arredamento interno della casa, e i ricchi e nobili greci e romani acquisirono intere gallerie di ritratti, creando una sorta di mostra di erme di famiglia. . Grazie a questa moda e tradizione, sappiamo che aspetto avevano molti antichi filosofi, generali e imperatori vissuti migliaia di anni fa.

La pittura dell'antica Grecia praticamente non ci è arrivata, tuttavia, gli esempi sopravvissuti dimostrano che l'arte ellenica raggiunse le vette sia della pittura realistica che di quella simbolica. La tragedia della città di Pompei, sepolta sotto le ceneri del Vesuvio, ha conservato fino ad oggi brillanti dipinti che ricoprivano tutte le pareti dei locali pubblici e residenziali, comprese le case dei quartieri poveri. Gli affreschi murali erano dedicati a una varietà di soggetti; gli artisti dell'antichità raggiunsero la perfezione nella pittura, e solo secoli dopo questo percorso fu ripetuto dai maestri del Rinascimento.

Gli storici testimoniano che nell'antica Grecia esisteva un ampliamento del tempio ateniese, chiamato Pinacoteca, e lì erano conservati antichi dipinti greci. Un'antica leggenda racconta come apparve il primo dipinto. Una ragazza greca non voleva davvero separarsi dal suo amante, che doveva andare in guerra. Durante il loro appuntamento notturno, la luna era piena. Sul muro bianco apparve l'ombra di un giovane. La ragazza prese un pezzo di carbone e ne tracciò l'ombra. Questo incontro si è rivelato l'ultimo. Il giovane è morto. Ma la sua ombra rimase sul muro, e questa immagine d'ombra fu conservata per lungo tempo in uno dei templi della città di Corinto.

Molti dipinti degli antichi greci furono creati secondo il principio di riempimento della sagoma: prima veniva disegnato il contorno della figura nell'immagine, quasi lo stesso indicato nella leggenda, e solo allora il contorno cominciò a essere dipinto. All'inizio gli antichi greci avevano solo quattro colori: bianco, nero, rosso e giallo. Erano a base di minerali colorati e mescolati con tuorlo d'uovo o cera fusa e diluiti con acqua. Le figure distanti nella foto potrebbero essere più grandi di quelle frontali; gli antichi greci usavano sia la prospettiva diretta che quella inversa. I dipinti venivano dipinti su tavole o su intonaco umido.

L'arte è penetrata anche nei campi applicativi. Vasi, anfore e vasi greci dipinti sono conservati in molti musei di tutto il mondo e ci portano la bellezza della vita quotidiana caratteristica delle antiche civiltà.

Un'arte antica speciale che ci ha portato tutta la bellezza della pittura antica è il mosaico- Dipinti colossali, realizzati con pezzi di pietre colorate e, in periodi successivi, di vetro, furono creati secondo schizzi pittorici e si rivelarono una sorta di arte eterna. I mosaici venivano utilizzati per decorare pavimenti, pareti e facciate delle case; svolgevano un ruolo sia estetico che pratico nel creare un ambiente abitativo armonioso e bello.

L'era dell'antichità divenne il periodo di massimo splendore dell'arte di creare bellezza e armonia in ogni manifestazione. Il declino e l'oblio della cultura antica hanno portato al ritorno dell'umanità alle filosofie del negativismo e al trionfo di pregiudizi assurdi. La perdita dell'estetica dell'ammirazione della bellezza, la negazione della bellezza naturale del corpo umano, la distruzione di antichi templi e opere d'arte divennero la conseguenza più evidente del crollo del mondo antico. Ci sono voluti secoli perché gli ideali dell'antichità ritornassero e cominciassero a essere ripensati in modo creativo dagli artisti del Rinascimento, e poi dai maestri moderni.