Lo spettacolo "Zio Vanja" sul palco del Teatro d'Arte di Mosca

Foto del 1899

Il debutto teatrale di Cechov nel 1896 non ebbe successo: la prima produzione de Il gabbiano fu un clamoroso fallimento sul palco del Teatro Alexandrinsky di San Pietroburgo. Per avere successo, ne aveva bisogno, così come il nuovo teatro aveva bisogno di se stesso. Due anni dopo, Stanislavskij e Nemirovich-Danchenko aprirono il Teatro d'arte pubblica di Mosca, nel quale abbandonarono i metodi tradizionali: furono sostituiti dallo psicologismo e ciò richiese nuove opere. Nel dicembre 1898, “Il gabbiano” portò la fama sia al teatro che a Cechov. Il turismo drammatico diventa un simbolo del Teatro d'Arte di Mosca: l'anno successivo Stanislavskij mette in scena “Uncle Vanya”, poi “Three Sisters” e “The Cherry Orchard”. I principali ruoli femminili sono interpretati da Olga Knipper, moglie di Cechov dal 1901.

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Ritratto di V. Ya. Bryusov

Disegno di Michail Vrubel. 1906

Nel 1894, il giovane poeta Valery Bryusov pubblicò una raccolta di poesie "Simbolisti russi" - un manifesto. Nella prefazione scrive che l'obiettivo del simbolismo è catturare stati d'animo sottili e trasmetterli attraverso immagini e accenni vaghi. Dopo i poeti, anche gli artisti si rivolgono al simbolismo, in primo luogo Mikhail Vrubel. Inizierà a dipingere il ritratto di Bryusov alla fine della sua vita e non lo finirà mai a causa di una malattia. Lo stesso Bryusov avrebbe poi detto che per tutta la vita aveva cercato di essere come questo ritratto.

Galleria statale Tretyakov

"Soldati, ragazzi coraggiosi, dov'è la vostra gloria?"

Dipinto di Valentin Serov. 1905

Il 9 gennaio (22) 1905, gli operai di San Pietroburgo, che erano in sciopero da quasi una settimana, si recarono con una petizione al Palazzo d'Inverno, chiedendo la convocazione dell'Assemblea costituente. Furono fucilati manifestanti disarmati, cosa che servì da impulso per l'inizio della prima rivoluzione russa - e questo giorno passò alla storia come Bloody Sunday. Valentin Serov ha assistito alla dispersione dei manifestanti dalle finestre dell'Accademia delle arti di San Pietroburgo. Dopo questi eventi, per protesta, si dimise dall'accademia, il cui presidente era lo zio dell'imperatore, il granduca Vladimir Alexandrovich, che represse personalmente i disordini.

Museo statale russo

“Ritratto di gruppo di artisti della società World of Art”

Dipinto di Boris Kustodiev. 1920

Boris Kustodiev decise di dipingere un ritratto dei suoi amici e di persone che la pensavano allo stesso modo subito dopo l'incontro fondativo del Mondo dell'Arte nel 1910. Questa è già la seconda composizione degli studenti del Mondo dell'Arte: il periodo di massimo splendore della prima, “classica”, si verificò negli anni 1898-1904, quando Alexandre Benois e Sergei Diaghilev proclamarono il rifiuto dell'accademismo e la ricerca di ispirazione in argomenti di il lontano passato. Nella fretta di catturare il "mondo dell'arte" per la storia, Kustodiev dipinge prima ritratti individuali e in seguito progetta di combinarli in una tela monumentale. Riesce a creare un ritratto di gruppo dopo la rivoluzione. Nella foto da sinistra a destra sullo sfondo: Igor Grabar, Nicholas Roerich, Evgeny Lanceray, Ivan Bilibin, Alexander Benois, Georgy Narbut, Nikolai Milioti, Konstantin Somov, Mstislav Dobuzhinsky; sullo sfondo: Boris Kustodiev, Anna Ostroumova-Lebedeva, Kuzma Petrov-Vodkin.

Museo statale russo

Costumi per Iskander (Vaclav Nijinsky) per il balletto “Peri”

Disegno di Leon Bakst. 1911

Nel 1906, l'imprenditore Sergei Diaghilev organizzò per la prima volta le "Stagioni russe", portando a Parigi dipinti di artisti russi. Dopo un incredibile successo, organizzò una tournée per compositori e nel 1909 toccò a lui. I costumi e le scenografie, luminosi e insoliti, sono creati secondo gli schizzi degli artisti mondiali Leon Bakst e Alexandre Benois. Diaghilev si rivolge a giovani compositori e ballerini, e il pubblico parigino accoglie con entusiasmo Mikhail Fokine, Ida Rubinstein e Vaslav Nijinsky. La musica per il balletto “Peri” è scritta da Paul Dukas, il ruolo di Iskander è assegnato a Nijinsky, ma la produzione non avrà mai luogo con questo cast a causa di conflitti interni. Le stagioni di Diaghilev proseguiranno fino alla morte dell'imprenditore, avvenuta nel 1929, e il balletto diventerà uno dei simboli della cultura russa.

Museo Metropolitano d'Arte

“Autoritratto e ritratto di Pyotr Petrovich Konchalovsky”

Dipinto di Ilya Mashkov. 1910

Nel 1910, a Mosca, fu aperta una mostra chiamata "Fante di quadri" - e immediatamente. I dipinti di Ilya Mashkov, Pyotr Konchalovsky, Aristarkh Lentulov sono pieni di un'estetica ruvida e farsesca, insolita sia nella forma che nel contenuto. Al centro sia della mostra che dello scandalo c'è la tela di Mashkov, dove raffigura se stesso e Konchalovsky come lottatori seminudi. Sullo scaffale nell'angolo in alto a sinistra c'è un volume con la scritta "Cezanne" - per i "Fanti di quadri" è l'idolo principale. L'anno successivo viene creata un'associazione artistica con lo stesso nome, ma alcuni degli organizzatori della mostra - tra cui Mikhail Larionov, che ha inventato il nome - non vi aderiranno più. Durante questo periodo, le correnti si sostituirono a vicenda con incredibile velocità, gli artisti di Donkey Tail erano in contrasto con i Fanti di quadri, i futuristi litigavano tra loro e gli avversari venivano accusati di accademismo.

Museo statale russo

Disegni dei costumi per l'opera “Vittoria sul sole”: Some Malicious One, Atleta del futuro, Funerale, Lettore

Disegni di Kazimir Malevich. 1913

Dal 1910, quando Velimir Khlebnikov e David Burliuk pubblicarono la raccolta “Il carro armato dei giudici”, i futuristi hanno instancabilmente scioccato il pubblico, gli scrittori e i critici. Nel 1913 crearono un'opera che unisce poeti, artisti e compositori: l'opera "Victory over the Sun". Alexey Kruchenykh e Velimir Khlebnikov scrivono il libretto ("il fischio sognante della schiuma riempirà la contemplazione"), Mikhail Matyushin compone musica dissonante e Kazimir Malevich dipinge lo scenario. L'opera dichiara l'idea principale dei futuristi: il popolo del buddismo (cioè i futuristi stessi) sconfigge il Sole, simboleggiando tutto ciò che è familiare, vecchio, tutta l'estetica precedente che sembrava irremovibile.

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“Il caso eroico di Kozma Kryuchkov”

Disegno di Dmitry Moor. Litografia della partnership di I. D. Sytin. 1914

Il cosacco Kozma Kryuchkov divenne il primo eroe russo della guerra mondiale, dopo che quattro dei suoi compagni attaccarono 27 cavalieri tedeschi al confine e sconfissero il nemico. A tutti i cosacchi furono assegnate le croci di San Giorgio e lo stesso Kryuchkov, che uccise 11 tedeschi, rimase a lungo un simbolo del valore nazionale: fu costantemente menzionato sui giornali, il suo ritratto adornò persino l'involucro di "Eroico" dolci. Durante la guerra mondiale, ricevette un'altra croce di San Giorgio e due medaglie "al coraggio" e morì nel 1919 durante la rivolta dei cosacchi del Don contro i bolscevichi.

Didascalia per l'immagine:
"4 cosacchi - Kozma Kryuchkov, Astakhov, Ivankov, Shchegolkov - guidarono 27 cavalieri tedeschi...<…>Il dipinto raffigura come l'eroe Kozma impala i tedeschi sulle picche e li pianta come alberi. È più bello tornare a casa con la lenza”.

Biblioteca storica pubblica statale della Russia

Membri della famiglia reale che si prendevano cura dei feriti durante la Prima Guerra Mondiale

Foto dall'album della famiglia Romanov. 1914-1915

Fin dall'inizio della Guerra Mondiale, la famiglia reale cercò di dimostrare che insieme ai suoi sudditi vivevano delle difficoltà. L'imperatore Nicola II appare in pubblico con una modesta uniforme da campo e le granduchesse e l'imperatrice Alexandra Feodorovna aiutano i feriti nell'ospedale come infermiere. La propaganda statale sottolinea instancabilmente la partecipazione della famiglia imperiale alla vita dei soldati comuni. Tuttavia, ogni anno di guerra si parla di persone auguste. Vestirsi da sorella di misericordia non salva Alexandra Fedorovna dalle voci sul suo legame con Rasputin e dallo spionaggio per la Germania.

Biblioteca di libri rari e manoscritti Beinecke

Aquile doppie spennate

Foto del 1917

Nel marzo 1917, la monarchia russa cadde: Nicola II abdicò al trono e il potere passò al governo provvisorio. Le prime settimane di vita senza lo zar furono segnate dall'eliminazione dei simboli del regime: i ritratti dell'imperatore e della sua famiglia furono bruciati sul rogo, le aquile bicipite e le corone furono abbattute da recinti ed edifici.

L'età dell'argento nella cultura artistica russa

L'età dell'argento nella storia dell'arte russa è un periodo di massima ascesa, che, forse, può essere paragonato all'ascesa dell'arte francese dell'era dell'impressionismo. Un nuovo stile nell'arte russa è emerso negli anni '80. XIX secolo fortemente influenzato dall’impressionismo francese. Il suo periodo di massimo splendore segnò la fine del XIX e XX secolo. E entro la fine degli anni '10. Nel ventesimo secolo, lo stile Art Nouveau nell'arte russa, a cui è associata l'età dell'argento, sta lasciando il posto a nuove direzioni.

Per diversi decenni dopo il suo declino, l’arte della Silver Age fu percepita come decadente e di cattivo gusto. Ma verso la fine del secondo millennio le stime cominciarono a cambiare. Il fatto è che ci sono due tipi di fioritura della cultura spirituale. Il primo è caratterizzato da potenti innovazioni e grandi risultati. Esempi vividi di ciò sono i classici greci del V-IV secolo. AVANTI CRISTO. e soprattutto il Rinascimento europeo. L'età d'oro della cultura russa è il XIX secolo: A.S. Pushkin, N.V. Gogol, A.A. Ivanov, P.I. Tchaikovsky, L.N. Tolstoy, F.M. Dostoevskij e molti altri. La seconda tipologia si distingue per la grazia e la raffinatezza dei valori che crea, non ama la luce troppo forte ed è associata alla luna, che, a sua volta, è tradizionalmente identificata con l'argento e la femminilità (in contrapposizione a sole maschile e oro). L'arte della Silver Age appartiene ovviamente al secondo tipo.

L’età dell’argento nella cultura russa è un concetto espansivo. Questa non è solo la pittura e l'architettura del modernismo, non solo il teatro simbolista, che incarnava l'idea di una sintesi delle arti, quando artisti e compositori lavoravano alla messa in scena di un'opera insieme a registi e attori, è anche la letteratura di simbolismo, e in particolare la poesia, entrata nella storia della letteratura mondiale sotto il nome di "poesia dell'età dell'argento". E oltre a tutto il resto, questo è lo stile dell'epoca, questo è uno stile di vita.

Torna a metà del 19 ° secolo. I rappresentanti del romanticismo sognavano di creare uno stile unificato che potesse circondare una persona di bellezza e quindi trasformare la vita. Trasformare il mondo attraverso i mezzi dell'arte: questo era il compito affidato ai creatori della bellezza da Richard Wagner e dai preraffaelliti. E già alla fine del XIX secolo. Oscar Wilde sosteneva che “la vita imita l’arte piuttosto che l’arte di vivere”. C'è stata una chiara teatralizzazione del comportamento e della vita, il gioco ha cominciato a determinare non solo la natura della cultura artistica, ma anche lo stile di vita dei suoi creatori.

Trasformare la tua vita in una poesia è stato un compito straordinario che gli eroi dell'età dell'argento si sono prefissati. Il poeta Vladislav Khodasevich lo spiega così: “I simbolisti, prima di tutto, non volevano separare lo scrittore dalla persona, la biografia letteraria da quella personale. Il simbolismo non voleva essere solo una scuola d'arte, un movimento letterario. Per tutto il tempo ha cercato di diventare un metodo creativo nella vita, e questa era la sua verità più profonda, forse impossibile; e in questo impegno costante si è svolta essenzialmente tutta la sua storia. Si è trattato di una serie di tentativi, a volte davvero eroici, per trovare una fusione impeccabilmente vera tra vita e creatività, una sorta di pietra filosofica dell’arte”.

C’erano anche lati oscuri in questa impresa. Discorsi e gesti eccessivamente educati, costumi scioccanti, droghe, spiritualismo: all'inizio del secolo, tutti questi erano segni di scelta e davano origine a una sorta di snobismo.

La Boemia letteraria e artistica, in netto contrasto con le masse, cercava novità, insolite ed esperienze acute. Uno dei modi per superare la quotidianità era l'occulto nelle sue più diverse manifestazioni. La magia, lo spiritualismo e la teosofia attirarono i simbolisti neoromantici non solo come materiale colorato per opere d'arte, ma anche come modi reali per espandere i propri orizzonti spirituali. Padroneggiare la conoscenza magica, credevano, alla fine rende una persona un dio, e questo percorso è assolutamente individuale per tutti.

In Russia è emersa una nuova generazione di intellighenzia letteraria e artistica; era notevolmente diversa dalla generazione degli “anni Sessanta” non solo nei suoi interessi creativi; Anche le differenze esterne erano sorprendenti. Miriskusniks, Goluborozovists, Symbolists, Acmeists hanno prestato molta attenzione al costume e all'aspetto generale. Questa tendenza si chiama dandismo russo; è tipico delle persone di chiaro orientamento occidentale.

"È impossibile immaginare K.A. Somov, un maestro riconosciuto delle scene galanti", scrive Yu.B. Demidenko, "che ha ricreato con cura e amore nei suoi dipinti" lo spirito delle piccole cose affascinanti e ariose ", vestito con un noioso vecchio- una redingote alla moda o una camicetta da lavoro scura. Indossava redingote dal taglio speciale e cravatte estremamente eleganti. M. Vrubel e V. Borisov-Musatov, L. Bakst, S. Diaghilev e altri artisti mondiali si vestivano non meno elegantemente. Ci sono molte prove di ciò. Ma Mikhail Kuzmin è giustamente considerato il re degli esteti di San Pietroburgo dell'età dell'argento. Quello di pietra bianca non rimase indietro; Anche molti dipendenti delle redazioni delle riviste “Golden Fleece” e “Libra” avevano tutto il diritto di essere chiamati dandy russi.

La teatralizzazione della vita scorreva dolcemente in un carnevale. In contrasto con l'estetica bohémien filo-occidentale, i sostenitori dell'idea nazionale si vestivano con abiti da villaggio, e più spesso con abiti pseudo-villaggi. Soprabiti, camicie di seta, stivali marocchini, scarpe di rafia, ecc. Yesenin, Klyuev, Chaliapin, Gorky lo usarono con piacere. Sia gli occidentali che gli slavofili all'inizio del secolo erano ugualmente sensibili al desiderio di esprimere i loro principi estetici nel comportamento e quindi colmare il divario tra vita e arte.

L'età dell'argento in Russia ha dato origine a un discreto numero di tutti i tipi di circoli e incontri per l'élite. I fondatori del Mondo dell'Arte iniziarono il loro viaggio organizzando un circolo di autoeducazione; si definivano autodidatti. Nei primi incontri sono state presentate relazioni su argomenti relativi allo sviluppo delle belle arti.

L'incontro più famoso e allo stesso tempo molto misterioso a San Pietroburgo all'inizio del secolo era il mercoledì

Vyacheslav Ivanov - nella leggendaria torre. Uno dei pensatori più profondi del simbolismo russo, Vyach Ivanov, amava la filosofia di F. Nietzsche ed era un profondo conoscitore della cultura antica; era particolarmente interessato ai misteri dionisiaci (la sua opera principale su questo argomento, "Dioniso e pre-dionisiasmo", fu pubblicata tardivamente solo nel 1923). L’appartamento di Ivanov, situato all’ultimo piano di un edificio d’angolo in via Tavricheskaya, sovrastato da una torre, divenne un luogo di ritrovo per l’élite artistica e letteraria del Simbolismo. K. Somov, M. Dobuzhinsky, A. Blok, Z. Gippius, F. Sologub, Vs. Meyerhold, S. Sudeikin venivano spesso qui. Molte voci circondavano la Torre di Ivanov. È noto che lì si svolgevano giochi dionisiaci con libagioni e vestizioni con abiti antichi. Qui si tenevano sedute spiritiche, venivano messe in scena spettacoli improvvisati, ma la cosa principale erano relazioni e discussioni su varie questioni filosofiche, religiose ed estetiche. Vyach.Ivanov e le sue persone che la pensano allo stesso modo predicarono la prossima rivelazione dello Spirito Santo; si presumeva che presto sarebbe sorta una nuova religione - il terzo Testamento (il primo - l'Antico Testamento - da Dio Padre; il secondo - il Nuovo Testamento - da Dio Figlio; il terzo - dallo Spirito Santo). Naturalmente la Chiesa ortodossa ha condannato tali idee.

Circoli e società di questo tipo erano, forse, in tutti i centri culturali dell'Impero russo; poco dopo divennero parte integrante della vita dell'emigrazione russa.

Un altro segno della teatralizzazione della vita nell'età dell'argento è l'emergere di molti cabaret letterari e artistici. A San Pietroburgo i teatri di cabaret più popolari erano “Stray Dog” e “Comedians’ Halt”, mentre a Mosca “The Bat”.

Organizzato nel 1908 da Nikita Baliev, il teatro di cabaret "The Bat" divenne particolarmente famoso nel 1915, quando si stabilì nel seminterrato del famoso grattacielo, la casa Nirnzee in Bolshoy Gnezdnikovsky Lane. L'artista Sergei Sudeikin ha dipinto l'atrio e il sipario è stato realizzato secondo il suo schizzo. Questo teatro di cabaret è nato direttamente dalle allegre scenette del Teatro d'Arte di Mosca, dove Nikita Baliev ha iniziato la sua carriera di attore. Il repertorio di "The Bat" consisteva in miniature teatrali, operette e spettacoli piuttosto seri. La folla masticante ai tavoli è stata infine sostituita dagli spettatori nelle file di sedie. Il mondo artistico di Mosca si è riposato e si è divertito qui. Nel 1920 Baliev emigrò con la maggior parte della troupe.

Quindi, lo stile unico che ebbe origine in Russia e divenne sinonimo del concetto di Silver Age era veramente universale, perché - anche se per un breve periodo - copriva non solo tutte le aree della creatività, ma anche direttamente la vita delle persone della pinna dell'epoca del secolo. Ogni grande stile è così.

Vrubel
1856 –1910

"Il serafino a sei ali" è una delle ultime opere di Vrubel. Lo ha scritto in ospedale, in uno stato mentale difficile. Nei suoi ultimi dipinti, Vrubel si allontana dal realismo nella rappresentazione delle figure e dello spazio. Sviluppa un mosaico di tratti del tutto speciale, caratteristico solo di lui, che esalta la decoratività della soluzione plastica. C'è una sensazione di vibrazione della luce spirituale che permea l'intero quadro.

"Il serafino a sei ali" è apparentemente ispirato alla famosa poesia "Il profeta" di A.S. Pushkin. L'immagine è percepita alla pari con "Il Demone" e conduce a quelle successive: "Testa del Profeta" e "Visione del Profeta Ezechiele".

Serov
1865 –1911

Tra gli studenti del World of Arts, Valentin Serov era il più vicino alla tradizione realistica. Forse è stato il più significativo dei ritrattisti russi dell'età dell'argento. Ha creato ritratti in cui il personaggio è rappresentato in interazione attiva con l'ambiente di vita.

Una delle sue opere migliori dell'ultimo periodo, il ritratto della principessa Olga Konstantinovna Orlova, corrisponde a questo principio. Tutto qui è costruito sulla simmetria e sui contrasti, portati però ad una certa armonia. Pertanto, la testa e il corpo della persona ritratta sono resi in modo molto tridimensionale e le gambe hanno una silhouette quasi piatta. Il triangolo in cui è inscritta la figura poggia su un angolo acuto; le cornici sono mirate in modo aggressivo alla testa della modella. Tuttavia, l'espressione calma e assolutamente sicura del viso, incorniciato da un enorme cappello, sembra fermare i movimenti improvvisi degli oggetti del ricco interno. Apparentemente Serov aveva un atteggiamento piuttosto ironico nei confronti della persona ritratta.

Roerich
1874 –1947

Nicholas Roerich non era solo un artista, ma anche uno storico. È noto anche il suo interesse per l'archeologia. Ciò si riflette nella sua arte. L'artista era particolarmente interessato all'antichità pagana slava e al primo cristianesimo. Roerich è vicino al mondo spirituale delle persone del lontano passato e alla loro capacità di sembrare dissolversi nel mondo naturale.

Il dipinto “Alexander Nevsky colpisce Jarl Birger” è una stilizzazione di grande successo di un’antica miniatura. Le linee di contorno e le macchie di colore locali svolgono un ruolo decisivo nell'immagine.

Bakst
1866 –1924

Lev Bakst si è avvicinato alla versione europea dell'Art Nouveau rispetto ad altri artisti del mondo dell'arte. Ciò è chiaramente visibile nella sua opera “Dinner”. Il contorno flessibile, l’interpretazione generalizzata della forma, il colore laconico e la piattezza dell’immagine indicano l’influenza di artisti occidentali come Edvard Munch, Andres Zorn e altri su Bakst.

Borisov-Musatov
1870 –1905

In tutti i dipinti di Borisov-Musatov trova espressione un sogno romantico di bella armonia, completamente estraneo al mondo moderno. Era un vero paroliere, sensibile alla natura, sentendo la fusione dell'uomo con la natura.

“Reservoir” è forse l’opera più perfetta dell’artista. Qui sono presenti tutti i motivi principali del suo lavoro: l'antico parco, le “ragazze Turgenev”, la composizione complessivamente statica, i colori calmi, la maggiore decoratività dell'“arazzo”... Le immagini delle eroine di “Reservoir” raffigurano la sorella dell'artista e moglie.

Nel suo capolavoro, Borisov-Musatov è riuscito a rappresentare uno stato senza tempo. Il nome neutro generalizzato “Reservoir” evoca l’immagine di un’unità naturale-umana armoniosa universale – l’indivisibilità, e l’immagine stessa si trasforma in un segno che richiede una contemplazione silenziosa.

introduzione

A cavallo tra il XIX e il XX secolo. – un periodo speciale e di svolta per la Russia. Boom e crisi economiche, la guerra mondiale perduta del 1904-05. e le rivoluzioni del 1905-07, la prima guerra mondiale del 1914-18. e, di conseguenza, le rivoluzioni del febbraio e dell’ottobre 1917, che rovesciarono la monarchia e poi il potere della borghesia. Nella società cresceva la sensazione dell'inevitabilità di una crisi sociale e della necessità di un cambiamento di valori. L’ideologia populista è crollata. È iniziata la ricerca di nuovi concetti ideologici di sviluppo sociale.

La vita spirituale della Russia rifletteva le contraddizioni sociali dell'epoca e le contraddizioni del pensiero sociale russo. Nella società sorge un sentimento di catastrofismo del tempo e di completezza della cultura. Su questa base sorgono motivi apocalittici nella letteratura e nell'arte. Tuttavia la Russia viveva allora un periodo di sviluppo culturale fruttuoso e dinamico. Fu un periodo di rinascita e rinnovamento spirituale. Il filosofo N.A. Berdyaev chiamò questo periodo della storia della cultura russa "l'età dell'argento".

I pittori di inizio secolo sono caratterizzati da modi espressivi diversi rispetto a quelli degli Erranti, altre forme di creatività artistica - in immagini contraddittorie, complicate e che riflettono solo indirettamente la modernità, senza illustratività e narrazione. Gli artisti cercano faticosamente l'armonia e la bellezza in un mondo che è fondamentalmente estraneo sia all'armonia che alla bellezza. Ecco perché molti vedevano la loro missione nel coltivare il senso della bellezza. Questo periodo di “vigilie”, aspettative di cambiamenti nella vita pubblica, ha dato origine a numerosi movimenti, associazioni, raggruppamenti, uno scontro di visioni del mondo e gusti diversi.

L'età dell'argento acquisì un'interpretazione ampia e cominciò ad essere utilizzata per caratterizzare alcuni processi culturali che ebbero luogo in Russia in quel periodo. Dopotutto, le stesse idee, motivazioni, stati d'animo alimentavano, insieme alla creatività letteraria, anche le arti musicali, teatrali e visive, riecheggiando allo stesso tempo le ricerche del pensiero religioso e filosofico russo. Allo stesso tempo, l’età dell’argento non solo rifletteva le condizioni storiche esistenti attraverso mezzi filosofici e artistici, ma, prendendo forma sulla base di una nuova visione del mondo, creò essa stessa un nuovo stile di pensiero e, in un certo senso, una nuova socialità, che ci permette di definirla una cultura.

Origini e concetto di simbolismo

L'antica parola greca per "simbolo" si riferiva originariamente a una moneta divisa in due. Due persone che possedevano ciascuna la metà di questa moneta potevano riconoscersi quando si incontravano sommando entrambe le parti. Tuttavia, nel tempo, il simbolo si è trasformato da semplice segno identificativo in uno dei concetti più complessi, capienti e profondi della cultura mondiale dell'arte e della filosofia. Il tema del simbolismo non può essere collocato nel quadro di una particolare scuola, direzione, stile, maniera... è piuttosto uno spaccato diacronico generale dello sviluppo dell'intera cultura artistica mondiale dall'antichità ai giorni nostri.

I principi basilari del simbolismo si esauriscono completamente nel concetto di “simbolo”. Un simbolo è, prima di tutto, un concetto universale, un'immagine universale, un segno, il numero di significati, i cui significati sono infiniti, come l'universo stesso. Nell'arte, il simbolismo è un tentativo da parte di una persona con mezzi di ragione limitati di esprimere l'inesprimibile, il trascendentale, di sentire intuitivamente l'abisso che è oltre il mondo visibile. I creatori, gli artisti del simbolismo, sono considerati intermediari tra il reale e il soprasensibile, ovunque segni di armonia mondiale, indovinando profeticamente i segni del futuro, sia nei fenomeni moderni che negli eventi del lontano passato. Pertanto il simbolico è, in qualche modo, sinonimo di sacro.

Come movimento, il simbolismo nelle arti visive si è sviluppato contemporaneamente al simbolismo nella letteratura negli anni '60 e '70. 19esimo secolo, nell'era della decadenza. Tuttavia, i tratti caratteristici del simbolismo compaiono molto prima: tutta l'iconografia e la pittura del Medioevo avevano un carattere profondamente simbolico.

I motivi principali del simbolismo nelle belle arti sono temi eterni: morte, amore, sofferenza.

Il simbolismo russo ha il suo carattere speciale e originale ed è una pietra miliare unica nella storia della cultura mondiale. L'emergere del simbolismo in Russia alla fine del XIX secolo è principalmente associato alle attività dei cosiddetti poeti e pubblicisti simbolisti senior D. Merezhkovsky e Z. Grippius; in parte Valery Bryusov. Il simbolismo di Merezhkovsky e Grippius è, prima di tutto, simbolismo cristiano, religioso e mistico, la comprensione del simbolismo come atto di conoscenza di Dio.

I più brillanti predecessori del simbolismo russo possono essere giustamente chiamati F.M. Dostoevskij e il filosofo S.M. Solovyova. Quest'ultimo era anche un poeta e, con la sua interpretazione poetica della dottrina di Sophia la Saggezza di Dio, determinò le caratteristiche dello sviluppo della direzione principale del simbolismo letterario russo da Grippius e Blok. A differenza dei loro predecessori, essi, aggirando la lingua francese, fecero risalire il termine “simbolismo” a una fonte greca. Nel vivo della controversia, Blok notò addirittura che il simbolismo russo, solo per coincidenza, portava lo stesso nome greco del movimento francese.

La creazione di un artista dell'età dell'argento

Fu negli anni '80 del XIX secolo, in un'era di stagnazione spirituale, che iniziò la formazione di un nuovo tipo di artista. Apparvero intellettuali ereditari, provenienti da famiglie professorali o circoli creativi.

L'artista non è più percepito come un artigiano, ma diventa il maestro dei pensieri. Era un uomo brillantemente istruito. Una caratteristica distintiva dell'artista della Silver Age era l'universalismo creativo. La brama di universalismo non fa rivivere la vecchia idea romantica di una sintesi delle arti. L'età dell'argento offriva molte opzioni per la sua attuazione: nell'Art Nouveau, nelle attività del mondo dell'arte...

Tuttavia, l’universalismo non riguardava solo la padronanza delle specialità correlate. Si è manifestato nel desiderio dell’artista di portare la creatività oltre gli stretti confini professionali della sua specialità immediata. Prima di tutto, l'argomento degli hobby costanti degli artisti della Silver Age era la filosofia. Intendiamo non solo la presenza di critica d'arte, opere filosofiche-estetiche e filosofiche tra la maggioranza dei modernisti, ma anche la natura filosofico-concettuale del contenuto delle loro opere artistiche, per cui dobbiamo classificarli come artisti dalla mentalità filosofica. .

L'artista, “plasmando” la realtà del prossimo secolo, crea un nuovo mito. Allontanandosi dall'eventualità, non crea un'illustrazione di ciò che è raffigurato, ma la sua trasmissione simbolica, un equivalente poetico. La finzione diventa una sorta di leggenda sulla vita, un modo per comprenderne i fondamenti e le leggi nascoste.

Così, la visione del mondo mitopoietica, l'esperienza poetico-emotiva del mondo, che era più in linea con lo spirito del tempo, che il suo sviluppo riflessivo-discorsivo, è tornata alla cultura. La visione del mondo mitizzata e il pensiero dialetticamente connesso con i simboli hanno stimolato l'interesse per l'arte popolare tradizionale, libera dalla riproduzione empirica diretta della realtà circostante. Le antiche culture erano attratte dal concetto mitologico del mondo, dalla sua percezione olistica e armoniosa. Tuttavia, il neomitologismo era fondamentalmente diverso dalla mitologia come forma di pensiero poetico ingenuo dei tempi antichi.

Pertanto, l'esperienza delle epoche arcaiche nella cultura e per l'artista si sovrappone ai tentativi dell'arte moderna di penetrare nei recessi più profondi del mondo interiore dell'uomo. Grazie ad un sentimento speciale e ad una speciale consapevolezza del presente, si è formato l'artista dell'età dell'argento.

Periodi della storia del simbolismo russo dell'età dell'argento. Cronologia dello sviluppo

Il simbolismo in Russia è nato durante tre periodi di tempo:

Il primo copre il periodo compreso tra la metà del 1880 e il 1900. - il tempo dell'emergere e dello sviluppo delle tendenze simboliste nel lavoro dei partecipanti al circolo Abramtsevo e degli artisti di Mosca, l'associazione “World of Art”;

Il secondo periodo è limitato al 1900-14. – il periodo di massimo splendore del movimento simbolista nella letteratura, nel teatro e nelle arti plastiche, quando Vrubel, Borisov-Musatov, i maestri del “Mondo dell’Arte” e i giovani della “Rosa Blu” creavano, e quando i principi del simbolismo furono implementati in modo univoco nelle opere della prima avanguardia russa;

Il terzo è legato all'era della prima guerra mondiale e alla rivoluzione iniziata in Russia (1914-1920), integrale nei suoi problemi e risultati.

Le tele gospel di V.G. fungono da “proto-simbolismo”. Perova, N.N. Ge, dipinti religiosi e storici degli ultimi accademici V.P. Vereshchagin, G.I. Semiradskij, P.A. Svedomsky e altri Negli anni 1880-90. questa tendenza a trasmettere la “verità interiore” e l'esperienza viva ed emotiva dell'autore troverà il suo sviluppo nelle opere religiose di M.A. Vrubel, V.M. Vasnetsova, I.E. Repina.

Negli anni ottanta dell'Ottocento, al culmine del trionfo dei Vagabondi, apparvero le prime opere simboliste di M. A. Vrubel. Il dualismo permeava il suo lavoro; dimostrava contemporaneamente il culto della filosofia naturale di Goethe e il dualismo di Kant, Schopenhauer e Nietzsche. Quasi contemporaneamente, l'artista ha dipinto i santi e il demone, l'incarnazione della lotta contro Dio. Autore di pattern sublimi e astratti, è rimasto stregato dal microcosmo delle piante e dei pattern. Negli anni ottanta dell'Ottocento. si è unito alla ricerca simbolista di I.I. Levitan, S.V.Malyutin, A.Ya. Golovin, V.E. Borisov-Musatov, K.A Somov, A.N. Benoit, L.S. Bakst et al.

La revisione del simbolismo russo ebbe luogo nel 1896-97. alla “Mostra di esperimenti (schizzi) di creatività artistica”, alla quale hanno preso parte Repin, Vasnetsov, Polenov, Golovin, Nesterov, Somov. L'idea stessa di una simile mostra era caratteristica del simbolismo con il suo culto dell'incompletezza.

Negli anni '90 dell'Ottocento. Il sogno di unire scrittori e artisti si realizzò brevemente nella redazione della rivista “World of Art”: poesie e prosa di Merezhkovsky, Balmont, Sologub furono pubblicate nei disegni di Benois, Bakst, Lanceray. Molte delle loro vignette, finali e salvaschermi sono capolavori riconosciuti della grafica simbolista.

Hanno avuto l'opportunità di creare nell'era dell'età dell'argento e di non limitarsi solo alle solite forme d'arte. Ognuno di questi artisti era talentuoso e originale a modo suo, e l'opportunità di mettersi alla prova in una nuova veste sembrava molto allettante. Forse è per questo che i costumi e le scenografie teatrali di quel tempo sono pieni di un'atmosfera incredibile e di una sorta di magia speciale.

Mstislav Dobuzhinsky

Mstislav Dobuzhinsky ricevette i suoi primi ordini teatrali dal Teatro d'Arte di Mosca e l'inizio della sua attività in questo campo fu strettamente legato a Konstantin Stanislavsky. Il grande regista non si è limitato a dichiarare la sua idea, ma ha fatto da mentore al giovane artista, cercando di trasmettergli la sua visione del design di una particolare performance.

Al Teatro d'Arte di Mosca, Mstislav Dobuzhinsky ha progettato "Un mese nel villaggio", "Lo scroccone", "Dove si strappa sottilmente" e "La ragazza di provincia" secondo Turgenev, "Nikolai Stavrogin" e "Il villaggio di Stepanchikovo" secondo Dostoevskij. Al Teatro Bolshoi fu responsabile del dipartimento artistico e, dopo l'emigrazione, progettò spettacoli d'opera a Kaunas, tra cui “Don Juan”, “Boris Godunov”, “Pagliacci” e “La regina di picche”. Successivamente partecipò alla progettazione di spettacoli a Londra, Parigi e negli Stati Uniti, dove si trasferì negli ultimi anni della sua vita.

Konstantin Korovin

Ha iniziato la sua carriera teatrale nell'opera di Savva Mamontov, dove ha lavorato per 15 anni, riuscendo a progettare più di dieci spettacoli e ad acquisire fama come talentuoso scenografo.

"Le allegre comari di Windsor", "Aida", "Lakme" - il lavoro dell'artista in queste produzioni ha meritato il massimo elogio da parte della critica. Successivamente, Konstantin Korovin creò il progetto per il Teatro Bolshoi e il Mariinsky, e a Parigi riuscì a sorprendere anche gli spettatori più viziati con l'incredibile design dell'opera “Il principe Igor” all'Opera russa.

Alessandro Golovin

L'artista ha prestato servizio al Teatro Bolshoi, ha lavorato per le stagioni russe di Diaghilev, al Teatro Mariinsky e al Teatro d'Arte di Mosca. Allo stesso tempo, ha lavorato nel suo stile, senza mai iniziare a sviluppare la scena dalla prima scena, preferendo disegnare prima la parte finale o quella centrale. Inoltre, l'artista non sapeva lavorare con gli assistenti, ma ha fatto tutto da solo.

Vasilij Polenov

Le esibizioni sono state ideate anche dall'eccezionale artista ed educatore russo Vasily Polenov. Per la maggior parte ha lavorato per l'opera privata di Savva Mamontov, e poi ha organizzato il proprio teatro. Per lui non solo ha disegnato scene e costumi, ma ha anche messo in scena spettacoli con i bambini e ha ammirato i bambini di talento che provenivano da famiglie contadine.

Levi Bakst

Per la maggior parte, il famoso artista ha progettato spettacoli a San Pietroburgo e Parigi, ha lavorato per i teatri Alexandrinsky ed Hermitage, ha creato costumi e scenografie per le stagioni russe di Diaghilev e ha particolarmente amato il processo di lavorazione dei costumi. Lui, per così dire, sentiva con il colore. Per lui ogni sfumatura era triste o casta, piena di disperazione, trionfo o orgoglio. Non per niente in seguito molti dei suoi abiti di scena si rifletterono nella moda di quel tempo.

Nicola Roerich

L'artista iniziò la sua carriera teatrale nel 1907 con lo spettacolo “I tre saggi” per il Teatro antico di San Pietroburgo. Nonostante il fallimento della produzione stessa, la scenografia dello spettacolo è stata accolta favorevolmente dalla critica. Successivamente, Nicholas Roerich sviluppò il design per le Stagioni russe di Diaghilev, che apprezzò molto l’artista, e i critici parigini successivamente parlarono con entusiasmo delle decorazioni di Roerich e notarono la loro autenticità storica in completa assenza di banalità.

Victor Vasnetsov

Viktor Mikhailovich praticamente non ha lavorato per il teatro, ma solo i suoi schizzi per "La fanciulla di neve" di Ostrovsky furono una sorta di rivoluzione nella scenografia di quel tempo. Allo stesso tempo, l'artista stesso ha interpretato Padre Gelo in questa performance ad Abramtsevo, e con lui Ilya Repin è apparsa sul palco nell'immagine del boiardo Bermyata e Savva Mamontov nell'immagine di Berendey.
Successivamente, l'artista ha riprodotto le stesse scene e costumi, ma all'Opera di Mosca di Savva Mamontov. Quindi i critici hanno notato l'originalità delle forme e degli ornamenti antichi russi ricreati dall'artista.

Ivan Bilibin

Ivan Bilibin era principalmente un illustratore di libri e si specializzava in poemi epici e fiabe russe. Durante la progettazione della suite di balletto “Russian Dances”, si è lasciato trasportare così tanto che il risultato della sua creatività ha deliziato l'artista. Tuttavia, ciascuna delle sue opere teatrali, sia essa "Fuente Ovejunu" per il Teatro Antico o "Boris Godunov" per il Teatro degli Champs-Elysees, si distingueva per originalità, coraggio e una sorta di bellezza incontaminata.

Alessandro Benois

Iniziò a lavorare al Teatro Hermitage, poi progettò spettacoli per il Teatro Mariinsky, e in Europa divenne famoso grazie alla progettazione delle produzioni per le Stagioni russe di Diaghilev. Allo stesso tempo, molti contemporanei hanno notato: l'unica passione dell'artista è l'arte, alla quale è pronto a dedicarsi con tutto l'ardore della sua natura. Questo è probabilmente il motivo per cui le scene e i costumi da lui creati si sono rivelati vivi e sensuali.

Sergej Sudeikin

Sergei Sudeikin ha iniziato la sua attività teatrale collaborando con Savva Mamontov. Alexander Blok, dopo aver visto la versione di Sorella Beatrice di Maeterlinck, ha scritto dell'impatto delle scene e dei costumi sullo spettatore. La scena è letteralmente sbocciata miracolosamente e ha trasmesso pienamente i sentimenti e le emozioni dell'autore. Tuttavia, ogni performance alla creazione alla quale ha partecipato l'artista è stata piena di questo stesso miracolo.

Per molti artisti, Savva Mamontov è diventata la persona che ha aperto le porte al magico mondo del teatro. E in generale fu una delle figure più importanti della fine del XIX secolo.

Pubblicazioni nella sezione Teatri

10 artisti teatrali dell'età dell'argento

Nel XIX e all'inizio del XX secolo gli artisti spesso non solo dipingevano quadri, ma progettavano anche scene teatrali. Molti di loro hanno lavorato per le stagioni russe di Sergei Diaghilev e hanno creato scenografie per l'opera privata di Mosca di Savva Mamontov, i teatri Bolshoi e Mariinsky. Il portale "Culture.RF" parla di dieci pittori che si sono affermati come scenografi.

Mstislav Dobuzhinsky

Mstislav Dobuzhinsky. Soggiorno blu. Scenografia per il primo atto di Un mese in campagna di Ivan Turgenev. 1909. Galleria Statale Tretyakov, Mosca

Mstislav Dobuzhinsky. Costumi per Comus per la commedia “L'avvocato Patlen” di Bruillet e Palapra. 1915. Museo statale russo, San Pietroburgo

Mstislav Dobuzhinsky. Strada della città. Scenografia per l'opera teatrale "Petrushka" di Pyotr Potemkin. 1908. Museo statale del teatro centrale intitolato ad A.A. Bachrushina, Mosca

Mstislav Dobuzhinsky ha eseguito le sue prime opere teatrali commissionate dal Teatro d'Arte di Mosca. Uno dei più riusciti è stato il design dello spettacolo basato sull'opera di Turgenev "Un mese in campagna". L'artista ha ricordato il suo lavoro su questa produzione come segue: “Con Konstantin Sergeevich, nonostante la notevole differenza di anni, ho sviluppato subito un grande riavvicinamento spirituale. Non mi metteva molto in imbarazzo e sapeva come avere una conversazione insolitamente confortevole. Il compito che ho dovuto affrontare in Un mese in campagna era molto più profondo e andava ben oltre la semplice creazione di una “bella cornice” per lo spettacolo. Sono entrato in un clima di lavoro del tutto nuovo ed eccezionale, e quella che Stanislavskij mi ha rivelato è stata per me una grande scuola”..

Sempre al Teatro d'Arte di Mosca ha ideato gli spettacoli "Nikolai Stavrogin" basati su Dostoevskij, "Dove è sottile, lì si rompe" di Turgenev, "Lo scroccone" e "La donna provinciale". L’ultima opera dell’artista al Teatro d’Arte di Mosca è stata un’altra produzione di Dostoevskij, “Il villaggio di Stepanchikovo”. A questo punto, tra Stanislavskij e Dobuzhinsky si erano accumulate differenze creative, motivo per cui smisero di collaborare. Nonostante ciò, l'artista ha sempre ricordato calorosamente Stanislavskij.

In esilio, Dobuzhinsky ha lavorato molto al Teatro di Kaunas - lì ha messo in scena dieci opere, tra cui "La regina di picche", "Pagliacci", "Boris Godunov", così come la sua migliore interpretazione, secondo i critici, "Don Juan ”. Dobuzhinsky ha anche preparato le scene per il balletto di Mikhail Fokine Il soldato russo e ha lavorato con Mikhail Chekhov alla produzione londinese di The Demons. Negli Stati Uniti, dove si trasferì alla fine della sua vita, riuscì a mettere in scena lo spettacolo “Un ballo in maschera” di Giuseppe Verdi al Metropolitan Opera e “Wozzeck” di Alban Berg alla New York Opera insieme a Fyodor Komissarzhevskij. .

Konstantin Korovin

Konstantin Korovin. Foresta. Bozzetto di scenografia per l’opera di Nikolai Rimsky-Korsakov “Il racconto della città invisibile di Kitezh”. 1918. Museo statale del teatro centrale intitolato ad A.A. Bachrushina, Mosca

Konstantin Korovin. Palazzo di Cleopatra, Sala Egizia. Scenografia per l'opera-balletto Mlada di Nikolai Rimsky-Korsakov. 1916. Collezione privata

Konstantin Korovin. Danza. Bozzetto di scenografia per la produzione del balletto di Cesar Pugni “Il cavallino gobbo” sul palcoscenico del Teatro Mariinsky di San Pietroburgo. 1912. Museo statale di teatro e arte musicale di San Pietroburgo, San Pietroburgo

Konstantin Korovin ha mosso i suoi primi passi come scenografo nell'opera privata di Savva Mamontov. Lì nel 1885 progettò Le allegre comari di Windsor di Otto Nicolai. Nei successivi 15 anni, Korovin ha lavorato al Teatro Mamontov in una dozzina di produzioni, tra cui "Aida", "Sansone e Dalila" e "Khovanshchina". I critici hanno scritto della sua scenografia per l'opera Lakmé di Leo Delibes: “Tutte e tre le serie di “Lakme” dell'artista Korovin sono piuttosto belle: emanano decisamente il calore tropicale dell'India. I costumi sono realizzati con gusto e inoltre sono originali.”.

Successivamente, Korovin ha lavorato al Teatro Bolshoi, dove ha disegnato “La Sirena” e “Il Galletto d'Oro”, e per il Teatro Mariinsky ha preparato le scene per “Il Demone” di Rubinstein. Come ha scritto l’artista: "Colori, accordi di colori, forme: questo è il compito che mi sono posto nella pittura decorativa del balletto e del teatro dell'opera". Nonostante quarant'anni di esperienza e più di cento rappresentazioni messe in scena, all'inizio Korovin il decoratore non era richiesto in emigrazione. Ma con l'apertura dell'Opera Russa a Parigi, l'artista è tornato alla sua professione preferita e ha creato le scene per il principe Igor.

Alessandro Golovin

Alessandro Golovin. Sala funebre. Scenografia per il dramma di Mikhail Lermontov "Masquerade". 1917. Museo statale del teatro centrale intitolato ad A.A. Bachrushina, Mosca

Alessandro Golovin. Sala d'Oro. Scenografia per il balletto "Il Lago dei Cigni" di Pyotr Tchaikovsky. 1901. Museo statale del teatro centrale intitolato ad A.A. Bachrushina, Mosca

Alessandro Golovin. Incoronazione. Bozzetto di scenografia per il prologo dell'opera Boris Godunov di Modest Mussorgsky. 1908. Museo statale del teatro centrale intitolato ad A.A. Bachrushina, Mosca

Alexander Golovin è venuto al Teatro Bolshoi su raccomandazione di Vasily Polenov - qui ha creato le scene per le opere "La casa di ghiaccio" di Arseny Koreshchenko e "La donna di Pskov" di Nikolai Rimsky-Korsakov. L'artista ha ricordato: “Non mi piaceva iniziare dall’inizio, cioè dalla prima foto per poi passare alla seconda, alla terza, ecc., ma iniziare o dalla fine, dall’ultima foto, o da metà. Così, quando ho messo in scena The Ice House, ho iniziato con una foto dell'alba su un accampamento gitano.

La difficoltà del lavoro era che dovevo fare tutto da solo: non sapevo mai dire esattamente cosa mi serviva, cosa volevo, e ho sempre preferito fare il lavoro da solo piuttosto che affidarlo ad assistenti”.

Golovin ha lavorato anche per le Stagioni russe di Diaghilev a Parigi: ha disegnato l'opera Boris Godunov di Modest Mussorgsky e il balletto L'uccello di fuoco di Igor Stravinsky. Ha anche preparato produzioni per il Teatro Mariinsky: in totale ha ideato lì 15 spettacoli. Insieme a Vsevolod Meyerhold, Golovin ha diretto Orfeo ed Euridice, Elettra e L'ospite di pietra. Meyerhold ha scritto: "Due nomi non scompariranno mai dalla mia memoria: Golovin e il defunto Nikolai Sapunov, questi sono quelli a cui, come me, sono state aperte le porte segrete della terra delle meraviglie.". L'ultimo lavoro congiunto di Meyerhold e Golovin è stato Masquerade di Lermontov. Golovin ha scritto circa quattromila disegni e schizzi di scenografie, tessuti e oggetti di scena per questa performance. Dopo la rivoluzione, la loro unione creativa andò in pezzi. Nel 1925, al Teatro d'Arte di Mosca, Golovin progettò Le nozze di Figaro e Otello: questa performance fu l'ultima per l'artista.

Vasilij Polenov

Vasilij Polenov. Cimitero tra i cipressi. Bozzetto per l'opera "Orfeo ed Euridice" di Christophe Gluck. 1897. Museo statale del teatro centrale intitolato ad A.A. Bachrushina, Mosca

Vasilij Polenov. Sala in un castello magico. Schizzo di decorazione. 1883. Museo-Riserva statale storico, artistico e letterario “Abramtsevo”, regione di Mosca

Vasilij Polenov. Atrio. Schizzo di decorazione. 1879. Museo-Riserva statale storico, artistico e letterario “Abramtsevo”, regione di Mosca

Tra le famose produzioni di Vasily Polenov figurano la scenografia della fiaba “La rosa scarlatta” basata sull'opera di Savva Mamontov e le scene per “Orfeo ed Euridice” di Christophe Gluck, realizzate per l'Opera privata di Savva Mamontov. Ha anche disegnato La pulzella d'Orleans di Pyotr Tchaikovsky. Ma Polenov non solo ha lavorato in altri teatri, ma ha anche organizzato il proprio. Insieme ai suoi figli, ha mostrato spettacoli per gli studenti di una scuola rurale situata vicino alla sua tenuta. Dopo la rivoluzione, i bambini contadini iniziarono a recitare in teatro. Ecco come lo ha descritto l’artista: “Abbiamo due gruppi teatrali formati qui tra i contadini… Tra gli interpreti o artisti, come li chiamiamo noi, ce ne sono di molto talentuosi e spirituali. Le figlie sono impegnate nella regia, nei costumi, nel trucco, ma partecipano anche loro stesse, e io scrivo le scene, allestisco il palco e realizzo gli oggetti di scena”..

Levi Bakst

Levi Bakst. Scenografia per il balletto “Scheherazade” sulla musica di Nikolai Rimsky-Korsakov. 1910. Collezione privata

Levi Bakst. Costumi di Cleopatra per Ida Rubinstein per il balletto “Cleopatra” sulla musica di Anton Arensky. 1909. Collezione privata

Levi Bakst. Scenografia per il balletto Daphnis e Chloe. 1912. Collezione privata

Una delle prime opere teatrali di Lev Bakst fu il balletto “The Puppet Fairy” di Joseph Bayer, messo in scena nel 1900. Bakst ha lavorato molto per i teatri Hermitage e Alexandrinsky. Successivamente ha collaborato con Russian Seasons di Sergei Diaghilev, grazie al quale è stato riconosciuto in Europa. Bakst ha decorato i balletti Cleopatra, Scheherazade, Carnival e altri. L'artista era particolarmente bravo nelle opere antiche e orientali. Come scenografo teatrale, Bakst ha acquisito una particolare abilità nella creazione di costumi. I modelli inventati da Bakst non solo trovarono il loro posto sul palco, ma influenzarono anche seriamente la moda mondiale di quel tempo. Bakst ha descritto il suo metodo creativo in questo modo: “In ogni colore ci sono sfumature che a volte esprimono sincerità e castità, a volte sensualità e persino brutalità, a volte orgoglio, a volte disperazione. Può essere... trasmesso al pubblico... Questo è quello che ho cercato di fare in Scheherazade. Sul verde triste ho messo il blu, pieno di disperazione... Ci sono rossi solenni e rossi che uccidono... Un artista che sa trarre beneficio da queste proprietà è come un direttore d'orchestra..."

Nicola Roerich

Nicola Roerich. Grande sacrificio. Bozzetto per il balletto “La sagra della primavera” di Igor Stravinsky. 1910. Museo d'arte di Saratov intitolato a A.N. Radishcheva, Saratov

La prima esperienza teatrale di Roerich avvenne nel 1907: i creatori del Teatro Antico di San Pietroburgo, Nikolai Evreinov e Nikolai Drizen, gli commissionarono la scenografia dell'opera "I tre saggi". I critici hanno criticato all'unanimità la produzione, ma, tuttavia, hanno elogiato la scenografia. Successivamente, per ordine di Diaghilev, Roerich disegnò “Il principe Igor” e “La donna di Pskov” per le stagioni russe (insieme agli artisti Alexander Golovin e Konstantin Yuon). Come scrisse il regista Alexander Sanin a Roerich: "Sarai bravissimo in questa cosa." Se non esistessi dovresti essere inventato e nato per “Igor”.”. Anche la stampa parigina ha scritto con ammirazione delle opere teatrali dell’artista: “Non ho l'onore di conoscere Roerich personalmente... Lo giudico solo dai paesaggi dello Chatelet e li trovo meravigliosi... Tutto quello che ho visto allo Chatelet mi porta nei musei, tutto mostra lo studio più profondo della storia , e in tutto questo non c'è la routine, la banalità e le noiose convenzioni a cui è così abituato il pubblico del nostro teatro...” Un'altra opera di Nicholas Roerich per Diaghilev è stato il balletto di Igor Stravinsky “La sagra della primavera”, che il compositore ha ricordato: “Ho iniziato a lavorare con Roerich e dopo pochi giorni sono stati inventati il ​​piano dell'azione scenica e i nomi delle danze. Mentre vivevamo lì, Roerich fece anche schizzi dei suoi famosi fondali, di spirito polovtsiano, e schizzi di costumi basati su campioni autentici della collezione della principessa..

Victor Vasnetsov

Victor Vasnetsov. Scenografia per l'opera "La fanciulla di neve" di Nikolai Rimsky-Korsakov. 1885. Galleria Statale Tretyakov, Mosca

Victor Vasnetsov. Prologo. Scenografia per l'opera "La fanciulla di neve" di Nikolai Rimsky-Korsakov. 1881. Riserva museale statale storica, artistica e letteraria "Abramtsevo", Regione di Mosca

Victor Vasnetsov. Scenografia per l'opera "Boris Godunov" di Modest Mussorgsky. 1898. Museo statale del teatro centrale intitolato ad A.A. Bachrushina, Mosca

Viktor Vasnetsov ha lavorato poco per il palcoscenico teatrale, ma i suoi schizzi per “La fanciulla di neve” di Alexander Ostrovsky sono diventati innovativi nella scenografia russa. Innanzitutto, Vasnetsov ha progettato uno spettacolo casalingo nella tenuta Abramtsevo di Savva Mamontov. A proposito, Vasnetsov non solo ha eseguito la scenografia, ma ha anche interpretato il ruolo di Babbo Natale; Ilya Repin era il boiardo Bermyata e lo stesso Savva Mamontov era lo zar Berendey. Tre anni dopo, Viktor Vasnetsov ripeté il progetto della Fanciulla di neve, ma per l'Opera privata di Mosca di Savva Mamontov. L'artista si è ispirato all'antica architettura russa e all'artigianato popolare. Ecco come ha scritto il critico Vladimir Stasov riguardo a questa produzione: "Vasnetsov ha composto tutti i costumi e le scenografie, inclusa la Camera di Berendeyev." Si tratta di veri e propri chef-d’oeuvre (capolavori) della creatività teatrale e nazionale. Mai prima d'ora, per quanto posso giudicare, l'immaginazione di qualcuno è andata così lontano e così profondamente nel ricreare le forme architettoniche e gli ornamenti dell'antica Rus', favolosi, leggendari, epici. Tutto ciò che rimane con noi nei frammenti della vita quotidiana dell'antica vita russa, nei ricami, nelle stampe popolari, nei biscotti di pan di zenzero, nelle antiche sculture in legno: tutto questo è combinato qui in un'immagine meravigliosa e incomparabile. Qui si aprono orizzonti ampi e lontani per ammirare e studiare non solo gli artisti, ma tutti”..

Ivan Bilibin

Ivan Bilibin. Le stanze di Dadon. Scenografia per l'opera Il gallo d'oro di Nikolai Rimsky-Korsakov. 1909. Collezione di archivi di arte e storia, Berlino, Germania

Ivan Bilibin. Piccolo Kitezh sul Volga. Schizzo di scenografia per il secondo atto dell’opera di Nikolai Rimsky-Korsakov “La leggenda della città invisibile di Kitezh e della fanciulla Fevronia”. 1934. Collezione privata

Ivan Bilibin. Tenda della regina Shamakhan. Scenografia per l'opera Il gallo d'oro di Nikolai Rimsky-Korsakov. 1909. Collezione di archivi di arte e storia, Berlino, Germania

Ivan Bilibin è noto principalmente per le sue illustrazioni di libri di fiabe ed epiche russe. Ma si è dimostrato anche un artista teatrale. Tra le sue opere c'è la suite di balletto “Russian Dances”. Ha scritto riguardo ai costumi per questa produzione: “Era bellissimo questo costume? È stato fantastico. C'è la bellezza del movimento e la bellezza della pace. Prendiamo ad esempio la nostra danza russa. L’uomo balla come un demone, coprendosi le ginocchia con una velocità vertiginosa, solo per rompere la calma maestosa del centro della danza: la donna, e lei sta quasi ferma, nel suo bellissimo vestito di pace, muovendo solo leggermente le spalle.”.

Ha progettato “Fuente Ovejuna” di Lope de Vega per il Teatro Antico, “Il galletto d'oro” di Nikolai Rimsky-Korsakov e “Askold's Grave” di Alexei Verstovsky per il Teatro privato dell'Opera Zimin di Mosca, “Ruslan e Lyudmila” di Mikhail Glinka e “Sadko” di Nikolai Rimsky-Korsakov - per il Teatro della Casa del Popolo di San Pietroburgo. Come altri artisti dell'inizio del XX secolo, Bilibin ha lavorato per le stagioni russe a Parigi - ha partecipato alla progettazione dell'opera "Boris Godunov" e della suite di danza "The Feast". In esilio, Bilibin ha ideato le produzioni delle opere russe “La sposa dello zar”, “Il principe Igor”, “Boris Godunov” al Théâtre des Champs-Élysées e ha ideato il balletto “L'uccello di fuoco” di Igor Stravinsky al Teatro Colon di Buenos Aires .

Alessandro Benois

Alessandro Benois. Giusto. Scenografia per “Petrushka” di Igor Stravinskij. 1911. Museo del Teatro Accademico Bolshoi di Russia, Mosca Igor Grabar scrive dell'artista: “Benois ha molte passioni, ma la più grande è la passione per l'arte, e nel campo dell'arte, forse, per il teatro... È la persona più teatrale che abbia mai incontrato in vita mia, non meno teatrale di Stanislavskij stesso, che Meyerhold...”

In Europa, Benois divenne famoso grazie alla sua partecipazione alle stagioni russe di Diaghilev: disegnò i balletti La Sylphide, Giselle e L'Usignolo. Ma il suo miglior successo fu con la scenografia del balletto di Stravinsky “Petrushka”, per il quale scrisse anche il libretto. Benois ha anche lavorato molto con Stanislavskij al Teatro d'Arte di Mosca - ha ideato le opere di Molière "Il malato immaginario" e "Tartufo", "La padrona di casa della locanda" di Goldoni. Stanislavskij ricordava l'artista in questo modo: “Benoit si è rivelato affascinante. Ascolta, si sottopone volentieri a tutti i tipi di prove e modifiche e, a quanto pare, vuole capire i segreti del palco. È un eccellente regista-psicologo e ha colto in modo superbo e immediato tutte le nostre tecniche e ne è rimasto affascinato. Lavorare sodo. In una parola, è una persona teatrale.". In esilio, Benois ha lavorato al Grand Opera Theatre di Parigi, dove ha creato le scene per Il bacio della fata di Igor Stravinsky Sergei Sudeikin. Ad Olimpia. Scenografia per "I racconti di Hoffmann" di Jacques Offenbach. 1915. Museo statale del teatro centrale intitolato ad A.A. Bachrushina, Mosca

I primi lavori di Sergei Sudeikin in teatro, come molti artisti del suo tempo, sono diventati possibili grazie alla collaborazione con Savva Mamontov. Allo Studio Theatre di Povarskaya ha scenografato “La morte di Tentageille” di Maeterlinck. Successivamente lavorò ad un'altra opera di Maeterlinck, “Sorella Beatrice”, sulla quale Alexander Blok scrisse: "Come se questi spettatori occasionali sentissero il" soffio del miracolo "con cui è sbocciato il palco, abbiamo riconosciuto una grande eccitazione, eccitazione per l'amore, per le ali, per la gioia del futuro.".

Al New Drama Theatre, Sudeikin ha realizzato le scene per Cesare e Cleopatra sotto la direzione di Fyodor Komissarzhevskij. Al Maly Theatre ha ideato i balletti Il lago dei cigni, Cavalry Halt e Vain Precaution. Diaghilev ha incaricato Sudeikin di progettare Il pomeriggio di un fauno di Claude Debussy e La sagra della primavera di Igor Stravinsky, nonché La tragedia di Salome di Florent Schmidt. In esilio, Sudeikin è stato scenografo per il cabaret “Die Fledermaus” a Parigi e ha lavorato al Metropolitan Opera di New York.