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Gli artisti europei iniziarono a utilizzare la pittura ad olio nel XV secolo e da allora è stata utilizzata per creare i dipinti più famosi di tutti i tempi. Ma in questi tempi high-tech, il petrolio conserva ancora il suo fascino e il suo mistero, e gli artisti continuano a inventare nuove tecniche, facendo a pezzi lo stampo e ampliando i confini dell’arte moderna.
sito web ha scelto opere che ci hanno deliziato e ci hanno fatto ricordare che la bellezza può nascere in ogni epoca.
Proprietaria di incredibile abilità, l'artista polacca Justyna Kopania, nelle sue opere espressive e ampie, è riuscita a preservare la trasparenza della nebbia, la leggerezza della vela e il dolce dondolio della nave sulle onde.
I suoi dipinti stupiscono per la loro profondità, volume, ricchezza e la trama è tale che è impossibile distogliere lo sguardo da essi.
Artista primitivista di Minsk Valentin Gubarev non insegue la fama e fa solo ciò che ama. Il suo lavoro è incredibilmente popolare all'estero, ma quasi sconosciuto ai suoi connazionali. A metà degli anni '90, i francesi si innamorarono dei suoi schizzi quotidiani e firmarono un contratto con l'artista per 16 anni. I dipinti, che, a quanto pare, dovrebbero essere comprensibili solo per noi, portatori del “modesto fascino del socialismo sottosviluppato”, si rivolsero al pubblico europeo e iniziarono mostre in Svizzera, Germania, Gran Bretagna e altri paesi.
Nell'era moderna delle immagini ad alta risoluzione e dell'ascesa dell'iperrealismo, il lavoro di Philip Barlow attira immediatamente l'attenzione. Tuttavia, è richiesto un certo sforzo da parte dello spettatore per costringersi a guardare le sagome sfocate e i punti luminosi sulle tele dell'autore. Probabilmente è così che le persone miopi vedono il mondo senza occhiali e lenti a contatto.
L'artista americano Jeremy Mann dipinge ritratti dinamici di una metropoli moderna in olio su pannelli di legno. "Forme astratte, linee, contrasto di punti chiari e scuri: tutto crea un'immagine che evoca la sensazione che una persona prova nella folla e nel trambusto della città, ma può anche esprimere la calma che si trova quando si contempla la quieta bellezza." dice l'artista.
Nei dipinti dell'artista britannico Neil Simone nulla è come sembra a prima vista. "Per me, il mondo che mi circonda è una serie di forme, ombre e confini fragili e in costante cambiamento", afferma Simon. E nei suoi dipinti tutto è veramente illusorio e interconnesso. I confini sono sfumati e le storie confluiscono l'una nell'altra.
Italiano di nascita, l'artista americano contemporaneo Joseph Lorusso trasferisce su tela soggetti osservati nella vita quotidiana della gente comune. Abbracci e baci, esplosioni appassionate, momenti di tenerezza e desiderio riempiono le sue immagini emotive.
Prima di tutto, differisce nei colori utilizzati dagli artisti moderni. È improbabile che utilizzino i cristalli, che sono stati ampiamente utilizzati da tutti gli artisti sin dal Rinascimento. Tuttavia, la natura nelle opere dei paesaggisti moderni è ancora altrettanto bella. Il paesaggio moderno differisce dai suoi predecessori per un'espressione più vivida di sentimenti, stati d'animo e pensieri. Molto spesso gli artisti moderni dipinti, come i loro predecessori, utilizzano questo materiale in modo che il risultato soddisfi lo spettatore più a lungo.
L'artista Yuri Obukhovsky
Il paesaggio romantico della "Costa Bravo" ("marina") è pieno di artisti. In realtà si tratta della costa “selvaggia” della Spagna, lunga poco meno di duecento chilometri.
Il dipinto mostra una baia stretta con una costa rocciosa. L'azzurro del calmo Mar Mediterraneo compete con l'azzurro del cielo, come se fosse sbiadito dal sole splendente. Le nuvole bianche come la neve, sottolineandone l'azzurro, riecheggiano le bianche barche a vela triangolari in alto mare, le onde che si infrangono contro le rocce con schiuma bianca. Il blu del mare è eterogeneo. Vicino allo spettatore si schiarisce leggermente, mentre da lontano diventa blu intenso, come se fosse pieno della forza dell'imprevedibile elemento acqua. L'immagine è così piena di romanticismo che non lascia indifferente lo spettatore. Le rocce che incorniciano la baia sono visibili in leggere sfumature lilla in lontananza e brillano d'oro da vicino. Erano dorati in diverse tonalità dal sole splendente, che non è visibile allo spettatore, ma i suoi raggi caldi si fanno sentire in ogni cosa. Nel nostro clima grigio, è bello vedere i ricchi toni del blu e dell’oro, ed è una gioia avere a casa un’immagine del genere che in qualsiasi momento dell’anno parli dell’estate scintillante di tutti i colori. Questa immagine è bella non solo a casa, ma anche in ufficio, quando puoi distogliere lo sguardo dal computer e trasferirlo nel mare vivo e rilassante.
L'artista non si limita a un genere marino. Gli interessa tutto: i paesaggi di Mosca, Carelia e Crimea. Angoli meravigliosi di Mosca appaiono davanti allo spettatore nei paesaggi “Primavera sui patriarchi” e “Cortile sul viale Tverskoy”, che ci riscoprono ciò che ci è familiare. Questi dipinti ad olio suscitano costante ammirazione. Gli artisti moderni vedono e riflettono nei loro dipinti un mondo diverso e delizioso.
L'artista Kandybin
Il pittore ha dato il suo amore al paesaggio della Russia. Le sue tele raffigurano fiumi stretti, trasparenti e puliti con sponde ricoperte di erba verde. Ponti e barche dimostrano che da qualche parte nelle vicinanze le persone vivono in tanta bellezza. Alberi potenti, scendendo dai pendii, si avvicinano alle rive, riflessi nella tranquilla superficie dell'acqua. Su una delle tele c'è una chiesa a cinque cupole con un campanile bianco e lungo la riva fioriscono ninfee bianche.
I dipinti ad olio di artisti contemporanei (paesaggi) sono realistici. Tutte le tele di Kandybin sono piene di pace. E solo i punti traccia ci dicono che qui vivono e lavorano persone che si prendono cura del mondo che le circonda. Nel paesaggio all'inizio dell'autunno, quando l'erba lungo il fiume è ancora verde, come è ancora verde l'intera foresta, spicca un brillante acero arancio dorato, che preannunciava l'avvicinarsi delle giornate autunnali. Anche diversi cespugli rosso bordeaux lungo il fiume sono segnali dell'autunno. Lo sguardo dell’artista si ferma amorevolmente sul paesaggio invernale. Le sagome chiare dei vecchi alberi ramificati sono particolarmente belle sullo sfondo della neve. E le betulle dal tronco bianco brillano d'argento accanto al verde dei pini e degli abeti.
Paesaggi – Alexey Savchenko
L'esperto paesaggista, che ha compiuto quarant'anni nel 2015, non si stanca mai di ammirare il mutare delle stagioni. È membro dell'Unione creativa degli artisti russi. Villaggi abbandonati e semidimenticati prendono vita sulle sue tele. Quasi lo stesso paesaggio, dipinto sia in estate che in autunno, trasmette per la sua colorazione uno stato d'animo diverso, ma gioiosamente pensieroso. La strada di campagna è secca d'estate, ma in autunno i suoi solchi diventano viola scuro, fangosi per le frequenti piogge.
Artista onorato della Federazione Russa Alexander Afonin
Nato a Kursk e iniziato a disegnare all'età di 12 anni, ha studiato alla Zheleznogorsk Art School, che considera una delle migliori in Russia. L'artista dipinge tutti i paesaggi dalla natura, senza copiare fotografie. E il risultato è davanti a noi: vivere la natura russa in tutto il suo fascino discreto e poetico. (i dipinti di artisti contemporanei in particolare) sono pieni di alta estetica. E le opere di Afonin sono molto romantiche.
In uno dei dipinti si apre davanti allo spettatore una piccola isola verde con una minuscola chiesa al centro. E intorno, nella foschia, il lago e l'enorme cielo infinito si fondono. Il pittore trovò un angolo appartato e bellissimo e lo mostrò a chi, per qualche motivo, non può uscire di casa. Lo sguardo dell'artista ci svela un vasto mondo sconosciuto.
Viktor Bykov scopre la bellezza della foresta
Il pittore è rimasto affascinato dai boschetti e dai bordi delle foreste, che gli abitanti delle città non visitano così spesso come vorrebbe. I raggi del sole, rifrangendosi e giocando con i colori, penetrano nelle sue tele. Cambiano la solita illuminazione cupa della foresta. Diventa semplicemente magico.
E la foresta invernale, piegata sotto il peso della nevicata appena passata, sembra inespugnabile, ma invita comunque a farsi strada tra i profondi cumuli di neve e scrollarsi di dosso la neve dai rami cadenti, inondando con essa tutti i propri compagni. La mattina nel dipinto è soleggiata e lo colora di toni rosa-lilla.
Sergej Peredereev
È membro dell'Unione degli artisti della Federazione Russa. Le sue opere sono piene di costante ammirazione per il nostro mondo materiale. Non si riferisce alla natura come Bazàrov, il quale diceva che la natura non è un tempio, ma un laboratorio. No, questo è un tempio che va apprezzato e amato, perché le risorse della natura non sono infinite. Per aver bisogno di dipinti ad olio. Gli artisti moderni ammirano non solo campi, foreste e boschi cedui. A volte un piccolo villaggio, magari un antico paese, adagiato su una collina in salita può essere molto interessante. L'immagine mostra la periferia e poi inizia la foresta. (dipinti) di artisti contemporanei portano lo spettatore lontano dal mondo urbano, dagli enormi condomini, dal flusso delle automobili, fino ad angoli tranquilli dove tutto è pieno di armonia.
Molte persone dipingono con oli. Gli artisti contemporanei spesso li riempiono di silenzio e calma. Le persone nei piccoli villaggi vivono lentamente, cercando solo di piantare, innaffiare, diserbare, raccogliere e prepararsi in tempo per l'inverno. E quando escono in veranda al mattino, respirano profondamente l'aria fresca piena degli aromi di erbe e fiori.
Guardando gli artisti paesaggisti contemporanei, si vede che in cui è importante la rappresentazione accurata della natura, che ha le sue origini nel XIX secolo, il lavoro degli artisti moderni continua. Se gli artisti precedenti si ponevano non solo obiettivi di genere, ma per molti era importante mostrare l'oppressione delle persone, ora l'indubbia abilità si traduce nei dipinti ad olio su tela di artisti contemporanei, prendono vita sulle tele e non lasciano indifferente lo spettatore.
Molte persone hanno un atteggiamento piuttosto contraddittorio nei confronti dell'arte contemporanea, quindi tutto ciò che è stato creato dopo il 19 ° secolo provoca un certo scetticismo: la maggioranza gravita ancora verso forme più classiche rispetto al "Quadrato nero" di Malevich e alle installazioni complesse. Tuttavia, la pittura a olio moderna non è sempre vernice versata sulla tela; può ereditare le tradizioni della pittura accademica e allo stesso tempo conservare l'atmosfera del 21° secolo.
Pittura a olio moderna
Tra l'enorme numero di artisti contemporanei, ci sono molti autori veramente talentuosi che dipingono dipinti ad olio, i cui dipinti deliziano anche i critici più severi. Abbiamo selezionato dieci nomi degni di nota le cui opere non devono lasciare indifferenti gli spettatori.
Valentin Gubarev
Valentin Gubarev è un artista dalla forte personalità e una visione insolita del mondo.
Paradossalmente sceglie i temi, le trame e le immagini delle sue opere in modo piuttosto banale, dalla vita di tutti i giorni. Non sembrano capolavori della pittura russa, ma affascinano con la loro affascinante semplicità.
La forza di questi dipinti sta nel fatto che dopo aver visto tutti i soggetti dipinti ad olio su di essi, sembrano dei vecchi conoscenti, ragazzi del nostro cortile. come questo pittura ad olio puoi guardarlo all'infinito, penetrando in questo mondo strano ma molto curioso.
I personaggi dei dipinti di Gubarev sono familiari a tutti: o siamo noi o i nostri vicini, ma, in generale, questa è la nostra società passata e presente, vista attraverso la lente del sano umorismo, un po’ di ironia, la nostalgia del divertimento.
Jeremy Mann
Nel suo lavoro creativo, Mann si sforza di rappresentare la sua città, San Francisco, e di infondere in questi dipinti drammaticità, umore e carattere.
Porta un'atmosfera e una dinamica uniche nei dintorni della città. Molte delle opere dell'artista sono ispirate alla pioggia e al pavimento bagnato che riflette i lampioni e le insegne al neon.
Mann dipinge i suoi dipinti ad olio su pannelli di legno utilizzando una varietà di tecniche: macchiando le superfici con macchie, cancellando la vernice con un solvente, applicando ampi tratti di inchiostro sulla tela e fornendo sempre al suo dipinto sfumature armoniose e colorate.
Gerhard Gluck
Il fumettista Gerhard Gluck è forse il più brillante e abile scrittore satirico borghese tedesco. Lo stile dell'artista è già diventato riconoscibile: le caricature di Gluck e altre opere sono conosciute in tutta la Germania e oltre. I suoi personaggi sono europei tozzi, con volti senza mento pronunciato. Sono tutti raffigurati nelle storie della loro vita quotidiana.
"Questa era la prima volta che Brochards ordinava qualcosa online."
"Gioconda quotidiana"
Prima di diventare un artista, Gluck ha lavorato come insegnante d'arte a scuola. Un giorno uno dei suoi amici gli suggerì di inviare degli schizzi a un paio di giornali. Di conseguenza, Gluck ricevette una risposta positiva da uno di loro, lasciò il lavoro a scuola e continuò la sua attività esclusivamente come fumettista.
"André dava volentieri da mangiare ai pesci, ma aveva paura delle conseguenze."
Tutte le caricature di Gluck, sebbene rivelino aspetti diversi della natura umana, e talvolta non quelli più positivi, non possono definire malvagio questo divertente dipinto ad olio.
Laurent Parselier
L'evidente talento di Laurent Parselier era evidente durante i suoi studi alla Scuola d'Arte, dopo la pubblicazione di molti dei suoi album d'arte con il titolo "Strange World".
La sua popolarità iniziò a diffondersi ulteriormente quando vinse un concorso di pittura di strada. I fan si sono innamorati di lui per il suo stile unico e il suo modo rilassato di dipingere ad olio.
Le opere di Laurent combinano complesse composizioni cromatiche ed enormi quantità di luce. Parselier preferisce dipingere i suoi quadri in modo realistico, perché in questo modo, secondo lui, tutti possono indovinare che tipo di luogo è raffigurato nella foto.
Kevin Sloan
Kevin Sloan è un artista americano la cui pittura ad olio può essere definita realismo moderno. Lo stesso Kevin lo spiega come una realtà con un problema.
I dipinti dell'artista ti porteranno davvero in un altro mondo magico. L'autore ama usare simbolismo, metafore poetiche e allegorie nei suoi dipinti, cercando di trasmettere le meraviglie del mondo naturale e la sua abbondanza.
L'artista dipinge ad olio fin dai tempi del liceo e ancora, 37 anni dopo, questa rimane la sua passione principale.
La cosa preferita di Kevin è disegnare animali. Come dice lui, gli danno più libertà di scelta su chi e come dipingere rispetto alle persone, e gli permettono di concentrarsi meglio sulla storia che sta mettendo alla base del quadro.
Riccardo Estes
Inizialmente, Estes era interessato alla pittura accademica tradizionale, ma poi iniziò a dipingere nel genere del fotorealismo, perché voleva sempre imparare a rappresentare la realtà sulla tela nel modo più completo possibile. Tuttavia, anche nei dipinti dell’artista, la realtà appare idealizzata, insieme a forme perfette, linee chiare e composizione precisa.
Il soggetto preferito di Estes erano i paesaggi urbani, quando li vedi inizi a dubitare che si tratti davvero di un dipinto e non di una fotografia.
I dipinti moderni di questo genere sono diventati molto popolari tra gli intenditori della pittura del 21° secolo.
Pittura ad olio: paesaggi e nature morte
Nella pittura moderna, oltre ai ritratti, sono particolarmente apprezzati generi come il paesaggio e la natura morta. Ti invitiamo a prestare attenzione ai seguenti nomi di artisti contemporanei che creano dipinti ad olio in questi generi.
Dmitrij Annenkov
Dmitry Annenkov sembra essere in grado di disegnare qualsiasi soggetto in modo tale che lo spettatore stesso lo guarderà con occhi diversi. Non un singolo dettaglio è nascosto all'occhio attento di questo artista russo.
Dipinge spesso gli oggetti più semplici e banali, quotidiani e antichi, conferendo a ciascuno di essi il proprio carattere unico, come se in essi appaia un'anima. Allo stesso tempo, sembrano così vivi e realistici che vorresti allungarli e portarli fuori dalla foto. Dmitry è un vero maestro di un genere di pittura come la natura morta.
Ora Dmitry collabora con varie gallerie in tutto il mondo, anche da paesi come Stati Uniti, Norvegia e Francia.
Giustina Kopanja
Un artista polacco che dipinge dipinti ad olio sorprendenti per volume e profondità, il tutto grazie ad una speciale tecnica originale.
Nonostante la natura ampia ed espressiva delle opere, i paesaggi marini non perdono la trasparenza dell'acqua e la leggerezza delle vele, e anche viceversa, si attraggono con la loro consistenza voluminosa, che vuoi sentire al tatto.
Justina afferma che l'obiettivo principale dei suoi dipinti è trasmettere atmosfera, non realismo, e chiede che i suoi dipinti ad olio siano percepiti come frammenti di ricordi.
Nonostante il fatto che tra le sue opere dominino in modo significativo vari paesaggi, considera le persone la sua principale ispirazione.
Xing-Yao Tsen
Questo giovane artista, originario di Taiwan, ha iniziato a dipingere quando aveva dieci anni. Ora ventinovenne e con il suo stile personale, i dipinti di Xing-Yao Tsen sono riconosciuti sia dalle principali riviste d'arte che da rinomate gallerie d'arte.
L'artista dipinge molto spesso paesaggi urbani di San Francisco, dove si è laureato all'Accademia delle Arti con una laurea.
Esegue le sue opere ad olio in un modo unico "fluttuante" - alcuni credono che a causa di questa tecnica, le sue opere ad olio possano essere confuse con gli acquerelli. Il momento migliore per creare paesaggi di Xing-Yao Tsen considera le ore del tramonto e dell'alba.
Pedro Campos
Un altro fan del fotorealismo è Pedro Campos, un artista spagnolo di Madrid. Questo dipinto ad olio può essere facilmente confuso con la fotografia, ma chi l'avrebbe mai detto! In un modo o nell'altro, i dipinti di Pedro portano gli spettatori in un piacere indescrivibile.
Nella pittura di generi diversi - natura morta, paesaggio, ritratto - la composizione è costituita da piani diversi. Anche se si tratta di un semplice ritratto, l'immagine sarà comunque composta da almeno due piani: lo sfondo e la figura umana. Ma se parliamo di piani spaziali in un paesaggio, allora bisogna dire che molto dipende da essi, perché il paesaggio è, prima di tutto, spazio. Anche se si tratta di un boschetto di foresta, in esso saranno visibili anche piani diversi: tronchi d'albero davanti, dietro, in lontananza, ecc. Pertanto, in questa lezione di pittura discuteremo dei mezzi con cui i piani spaziali possono essere trasmessi in un paesaggio. Dipingerò betulle sulla riva del lago. Tecnica: pittura ad olio. Utilizzando questo lavoro come esempio, puoi vedere quali tecniche utilizzano gli artisti per trasmettere lo spazio. Quindi, cominciamo.
1. Suddivisione in piani.
Dividiamo la vista raffigurata in piani condizionali: primo, secondo, terzo... ad esempio, gli alberi di fronte sono il primo piano. La radura più avanti è la seconda. Una striscia di foresta vicino all'orizzonte è la terza, ecc. Il numero di piani spaziali può essere arbitrario. Tuttavia, non dovresti farne troppi.
2. Prospettiva lineare.
Secondo le leggi della prospettiva lineare, tutti gli oggetti diminuiscono di dimensioni man mano che si allontanano. Ciò significa che i tronchi delle betulle in primo piano saranno più grandi dei tronchi delle stesse betulle, ma sullo sfondo. Nel terzo piano tutti gli alberi si fondono in un'unica striscia di foresta: i singoli alberi sono generalizzati in un'unica massa di foresta.
Le singole foglie degli alberi in primo piano sono più evidenti del fogliame sullo sfondo. Puoi anche scrivere singole foglie sugli alberi situati di fronte. Ma non dovresti lasciarti trasportare da tali dettagli, poiché visivamente tutte le foglie sono combinate in gruppi, anche in primo piano. Ma da lontano una tale generalizzazione si manifesterà in modo più forte e più si va avanti, tanto più. Pertanto, generalizzo coraggiosamente il verde delle betulle sullo sfondo e scrivo attraverso i punti.
3. Prospettiva aerea.
Man mano che si allontanano dallo spettatore, gli oggetti del paesaggio non solo diminuiscono di dimensioni, ma diventano anche meno chiari e meno contrastanti. Questa si chiama prospettiva aerea. C'è una massa d'aria tra lo spettatore e l'oggetto distante. Cambia l'aspetto di un oggetto. Le sagome sembrano diventare più nuvolose. A una distanza di 30 metri non si nota molto. Ma a una distanza di 3-5 chilometri, questo effetto immerge così tanto gli oggetti nell'aria che possono scomparire come nella nebbia. La prospettiva aerea rende le sagome scure un po' più chiare e quelle chiare un po' più scure. È meglio ricordare questo schema, poiché quando lavori sui paesaggi devi incontrarlo costantemente. E, naturalmente, in condizioni meteorologiche diverse questo fenomeno si manifesta in modo diverso. In una giornata limpida e soleggiata e in una giornata umida e nuvolosa, la vista sarà diversa. Ma la prospettiva aerea sarà evidente in entrambi i casi, solo con intensità diversa.
Oltre alle leggi fisiche della natura, l'effetto sopra menzionato è necessario anche per ragioni artistiche. Per avvicinare gli oggetti, vengono resi più contrastanti, saturi di colore e più chiari. Per “affondare” le sagome, per renderle meno evidenti, gli artisti rimuovono la chiarezza dei contorni, riducono il contrasto delle sagome e riducono la saturazione del colore. Ad esempio, il verde dell’erba, man mano che si allontana verso l’orizzonte, sarà meno “succoso”. Le sagome degli alberi sono meno contrastanti e i loro contorni sono più sfumati e indistinti.
4. Tecniche di pittura ad olio per trasmettere la prospettiva lineare e aerea.
Questo è un argomento molto interessante Per creare l'illusione della realtà, inclusa l'illusione dello spazio, gli artisti utilizzano una varietà di metodi. Non ci sono cliché qui, perché ogni autore può inventare intuitivamente la propria tecnica di esecuzione. Pertanto, è meglio evitare i cliché qui. Ma alcune soluzioni tecniche sono diventate così diffuse da acquisire lo status di soluzioni tradizionali.
- Ad esempio, per avvicinare il tronco di una betulla in primo piano, dipingo con grandi pennellate di colore impastato. Questa “rugosità” di esecuzione rende la superficie della corteccia più materica, “tangibile”. Sembra di vedere l'oggetto nel dettaglio, come se fosse vicino, proprio di fronte a noi. È un'illusione. Ed è con l'aiuto dell'illusione che nella pittura si crea l'effetto della realtà. Per questo stile di scrittura, puoi usare una spatola. Con il suo aiuto, lo strato di vernice diventa in rilievo e questo conferisce ulteriore materialità alla superficie raffigurata. Il rilievo della vernice può essere ottenuto anche con un pennello, l'importante è che la vernice sia pastosa e in quantità sufficientemente grande.
- Per far sì che gli oggetti sullo sfondo “vadano in lontananza”, li generalizziamo. E quindi lo stile di scrittura risulterà più fluido, forse anche più sfocato. Cioè, in lontananza possiamo evitare i dettagli e lo strato di vernice sarà più liscio e meno prominente. Ciò può essere ottenuto strofinando la massa di vernice con un pennello e meno applicando la vernice con tratti netti.
- La terza tecnica riguarda la trasparenza e l'opacità dello strato pittorico. Il fatto è che quando si aggiunge il bianco a un colore, diventa, per così dire, “sbiancato”, cioè il colore perde la sua saturazione e acquisisce una “fumosità”. E poiché la prospettiva aerea è l’immersione della silhouette nella foschia dell’aria, è incoraggiato l’uso del bianco nelle miscele di colori. In altre parole, in primo piano è meglio combinare strati di vernice traslucidi con strati di impasto, e sullo sfondo è meglio usare strati più opachi con l'aggiunta di bianco.
- La quarta tecnica riguarda l'elaborazione dei dettagli e la generalizzazione. Ne ho scritto sopra. Ma come si possono tecnicamente scrivere i dettagli del primo piano e generalizzare gli oggetti di piani lontani? Innanzitutto, utilizzando diverse dimensioni di pennello. Con un pennello grande è conveniente scrivere in modo ampio e generalizzare. E con i pennelli piccoli è più conveniente dipingere piccoli dettagli. In secondo luogo, puoi combinare il lavoro con il bordo di una spazzola piatta e il suo piano. Nel primo caso i tratti diventano “niti” e chiari e possono essere utilizzati per scrivere i dettagli dei primi piani. Nel secondo caso, l'ampio piano del pennello consente di stendere la vernice “in modo ampio e audace”, oltre a generalizzarla strofinando la vernice. Cioè, il pennello può, per così dire, "scivolare" lungo lo strato di vernice, sfregando e generalizzando i contorni non necessari. In terzo luogo, puoi utilizzare la punta di una spatola o il suo bordo per scrivere dettagli fini in modo nitido e chiaro. Il piano della lama della spatola, al contrario, stende ampiamente la vernice. Può essere utilizzato anche per generalizzare, lubrificare e strofinare. Pertanto, ruotando magistralmente la spatola, gli artisti ottengono effetti molto interessanti. Ad esempio, alternando linee chiare e nette a punti larghi e sfocati.
5. Applicazione della teoria nella pratica. Avanzamento passo passo del lavoro sulla tela “Betulle sul lago”.
In questo esempio puoi vedere chiaramente come implementare nella pratica la teoria di cui sopra. Questo lavoro non dovrebbe essere percepito come un modello. Ogni artista ha il suo stile, le sue soluzioni creative. Infine, ci sono eccezioni a ogni regola. Pertanto, i modelli descritti in questo articolo devono essere presi saggiamente in considerazione nel proprio lavoro, basandosi sull'intuizione, su un'idea creativa e sulla comprensione dell'essenza.
1) Quindi, come al solito, faccio un disegno semplice e approssimativo del paesaggio futuro con un pennello.
2) Dipingo la verniciatura di fondo con vernici traslucide.
3) Introduco calce e pittura ad impasto sullo sfondo. Come accennato in precedenza, il campo lungo deve essere immerso nella foschia della massa d'aria. Il bianco nella miscela di vernice aiuta in questo. La tonalità della striscia di foresta in lontananza sarà più chiara rispetto agli alberi vicini.
4) Inizio a lavorare con una spatola.
5) Il primo piano è elaborato in modo strutturato. Lo strato di vernice è in rilievo. Questo enfatizza le irregolarità del terreno e dell'erba, quindi la superficie diventa materica.
6) I tronchi degli alberi variano di tono. Alcuni saranno più chiari, avanzando verso la luce del sole. Alcuni saranno più scuri, andando nell'ombra. Con questo creiamo, per così dire, un tunnel di alberi. Si forma uno spazio all'interno della foresta.
7) Scriviamo piccoli dettagli. Più gli oggetti sono vicini, più verranno descritti in modo dettagliato. Appariranno anche più nitidi e avranno più contrasto.
8) Portiamo il dipinto allo stato finito.
