Mikhaïl Vroubel. À un pas de la folie.
Mikhaïl Vroubel. La princesse cygne, 1900. Fragment

Les peintures de Mikhaïl Vroubel, le premier artiste symboliste russe de la fin du XIXe siècle, sont difficiles à ne pas reconnaître : son style créatif est si original que ses œuvres ne peuvent être confondues avec d'autres. Image centrale, vers lequel il s’est tourné presque toute sa vie, est l’image du Démon de Lermontov. Même de son vivant, de nombreuses rumeurs circulaient à propos de l'artiste - par exemple, selon lesquelles il aurait vendu son âme au diable et lui aurait révélé son vrai visage. Ce qu'il a vu l'a conduit à la cécité et à la folie, et dernières années L'artiste a passé sa vie dans une clinique pour malades mentaux. Qu’est-ce que la vérité ici et qu’est-ce que la fiction ?

Mikhaïl Vroubel. Démon (assis), 1890

L'image du Démon a vraiment hanté l'artiste. Il s'est tourné pour la première fois vers ce sujet en 1890, lorsqu'il a eu l'occasion de travailler sur des illustrations pour l'édition anniversaire des œuvres de M. Lermontov. Certains dessins n’ont jamais été inclus dans le livre – les contemporains n’ont pas pu apprécier le talent de l’artiste. Il a été accusé d'analphabétisme et d'incapacité à dessiner, de ne pas comprendre Lermontov, et manière créative qualifié avec mépris de « brillant ». Quelques décennies seulement après la mort de Vroubel, les critiques d’art s’accordaient à dire qu’il s’agissait des meilleures illustrations du poème de Lermontov, traduisant subtilement l’essence même du personnage.

Mikhaïl Vroubel. Tête du Démon, 1891

Vroubel a dédié plusieurs tableaux au Démon, et tous les personnages ont de grands yeux remplis de mélancolie. Après les avoir vus, il est impossible d’imaginer le Démon de Lermontov pour les autres. Vroubel a écrit : « Le démon n’est pas tant un esprit mauvais qu’un esprit souffrant et douloureux, mais néanmoins puissant et majestueux. » C’est exactement ainsi que nous le voyons dans le tableau « Démon (assis) ». Pouvoir caché et il contient autant de pouvoir que de chagrin et de malheur.

Mikhaïl Vroubel. Tête du Démon sur fond de montagnes, 1890

Dans la compréhension de Vroubel, le Démon n'est ni un diable ni un diable, puisque « diable » en grec signifie simplement « cornu », « diable » signifie « calomniateur » et « démon » signifie « âme ». Cela ressemble beaucoup à l’interprétation de Lermontov : « C’était comme une soirée claire : ni jour ni nuit – ni obscurité ni lumière ! »

Mikhaïl Vroubel. Tamara et le Démon, 1891

« Démon (assis) » – le plus œuvre célèbre Vroubel. Cependant, à côté de cela, il existe plusieurs autres tableaux sur le même thème. Et ils ont été écrits à une époque où l'artiste commençait à être vaincu par la maladie. Premiers signes désordre mental est apparu à l'époque où Vrubel travaillait sur "Le Démon vaincu", en 1902. Et en 1903, une tragédie s'est produite - son fils est mort, ce qui a finalement miné santé mentale artiste.

Mikhaïl Vroubel. Le démon est vaincu et le démon est assis. Croquis.

Mikhaïl Vroubel. Démon volant, 1899 (en haut) Démon vaincu, 1902 (en bas)

Depuis lors jusqu'à sa mort en 1910, Vrubel a vécu dans des cliniques et, dans de brefs instants d'illumination, il a créé œuvres remarquables, d’où émane quelque chose d’un autre monde. Cela a peut-être donné aux contemporains des raisons d'affirmer que l'artiste avait vendu son âme au diable et l'avait payée de sa propre santé.

Mikhaïl Vroubel. Séraphin à six ailes, 1904

Personne ne sait quelles visions Vroubel a eu à la fin de sa vie et s'il s'agissait réellement d'une révélation mystique de forces d'un autre monde - mais cela l'a vraiment rendu fou. Et aux yeux des démons dans ses peintures, il y a plus d'écrits que de mots ne peuvent l'expliquer.

Mikhaïl Vroubel. Le démon est vaincu. Esquisser.

Vroubel est un nom de famille polonais, mais au moment de la naissance de Mikhaïl, trois générations d'ancêtres de l'artiste vivaient déjà en Russie, ayant choisi la voie militaire. Mikhaïl s'est retrouvé très tôt sans mère ; la famille a déménagé d'un endroit à l'autre, à la suite de son père, officier de l'armée cosaque.

Sa passion pour la peinture se manifeste très tôt. Le père encourageait par tous les moyens le passe-temps de son plus jeune fils. Je l'ai emmené à des cours à écoles d'art Et atelier. Quand vient le temps de choisir un métier, futur maître complètement soumis à la volonté de son père, qui croyait que l’avenir de son fils devait être lié aux « bénéfices pour la société ». Vrubel entre à la Faculté de droit de l'Université de Saint-Pétersbourg.

Il est diplômé de l'université, mais le futur artiste n'était pas avocat depuis un seul jour. Avec beaucoup de difficulté, il surmonte toutes les difficultés du service militaire annuel et, contrairement au souhait de son père, entre à l’Académie des Arts.

Vrubel a rencontré des artistes alors qu'il était encore étudiant en droit. Mikhail passait chaque heure libre à étudier les œuvres de grands maîtres. Il fait depuis longtemps partie de la « foule » artistique, réussissant à étudier non seulement dans les cours de l’académie, mais aussi dans les ateliers de ses amis.

Les professeurs de Vroubel l'ont célébré sentiment aigu formes, couleurs, capacité à transmettre les textures les plus complexes. Son professeur principal Chistyakov considérait Mikhail comme le plus talentueux de ses élèves. C'est ce professeur qui a recommandé au jeune maître la restauration des fresques d'un monastère médiéval près de Kiev.

La période de Kiev de la vie de Vroubel est étroitement liée à l’étude des canons de la peinture byzantine. L'artiste travaille avec extase, oubliant tout ce qui existe dans le monde. Mais bientôt la passion laisse place à la confusion. Le maître quitte son emploi et quitte Kiev, puis revient et se met au travail sur la restauration. Un tel lancer ne pouvait pas plaire au client. Les problèmes financiers s'ajoutent au lancer créatif.

L'artiste a apporté sa propre compréhension dans ses œuvres histoires bibliques. L'église a refusé les services de Vroubel et n'a reconnu qu'après sa mort son exactitude et son interprétation philosophique des peintures d'église.

Après la période de Kiev, commence la période de Moscou dans la vie de l’artiste. Les œuvres de Vroubel ne sont pas populaires ; il n’a pas de clients. Une heureuse rencontre avec le célèbre philanthrope Savva Morozov permet à l'artiste de résoudre en partie ses problèmes financiers.

Durant cette période, le maître s'occupait d'un thème démoniaque. Sa série « Démons » est toujours considérée comme la plus oeuvres célébres masters, manuel d'art moderne tournant du XIXème siècle et XX siècles.

Malgré le génie et l'innovation indéniables des œuvres, on y discerne déjà les signes de la maladie qui va interrompre activité créative artiste.

Le patronage de Mamontov permet à Vroubel de travailler activement dans son propre style, quels que soient les goûts du public. L'artiste conçoit plusieurs spectacles d'opéra et s'essaye à l'architecture et à la céramique. Les critiques ont souvent été sévères et injustement désobligeantes à l'égard des œuvres de Vrubel.

Le 20e siècle a amené les deux maîtres grandes tragédies: son père meurt et le fils tant attendu naît avec un grave défaut : une fente labiale. Aux tragédies personnelles s'ajoutent une grave dépression créative.

En 1902, l'artiste fut placé clinique psychiatrique. Son état ne cesse de se dégrader et ses proches et amis se préparent au pire. Cependant, les efforts du professeur Bekhterev ont été couronnés de succès. Un an plus tard, Vroubel part en vacances en Crimée. Et même s'il ne peut pratiquement pas travailler, il y a un espoir de guérison. L'espoir s'effondre à un moment donné : Vroubel perd son fils.

Des petites périodes de clarté suivies de folie... Dernier événement, ce que le maître a pu percevoir - son élection comme académicien en 1905.

Pendant les cinq années suivantes, l'artiste n'a existé qu'en tant que patient régulier de diverses cliniques.

Vroubel Mikhaïl Alexandrovitch (Mikhail Vrubel), artiste russe, le plus grand représentant du symbolisme et du modernisme en russe beaux-Arts. Né à Omsk le 5 (17) mars 1856. Vrubel a étudié à l'Académie des Arts de Saint-Pétersbourg (1880-1884) avec Pavel Petrovich Chistyakov ; a suivi des cours d'aquarelle auprès d'Ilya Efimovich Repin. La peinture a eu une influence particulière sur Vrubel Renaissance vénitienne(parmi ses contemporains figurent l'Espagnol M. Fortuny et les Préraphaélites anglais). Le style original de Vroubel - un type particulier de dessin cristallin, scintillant dans les tons du « crépuscule du monde bleu-violet » - s'est finalement formé dans son Années de Kyiv(1884-1889), et conforme à l'art de l'église. Invité à restaurer l'église Cyrille (XIIe siècle), Vroubel dut à plusieurs reprises interpréter de nouvelles compositions (notamment La Descente du Saint-Esprit, 1884) ; Parallèlement, l'artiste peint également l'icône de la Mère de Dieu et de l'Enfant (Musée d'art russe de Kiev). La tradition byzantine est ici saturée du psychologisme aigu et tragiquement intense des temps modernes.

La splendeur enchanteresse des couleurs de Vroubel s'est pleinement manifestée dans le tableau Fille sur fond de tapis persan (1886, ibid.). Après avoir déménagé à Moscou, Vrubel devient l'un des membres les plus actifs groupe artistique Savva Mamontov. Ici, le peintre peint un certain nombre de ses meilleurs tableaux, œuvres en majolique - sculptures Tsar Berendey, Lel, Volkhov - le tout dans la galerie Tretiakov, Moscou, se tournant vers le design, il réalise des croquis d'un poêle en céramique, d'un vase, d'un banc (Musée d'Abramtsevo ). Le « style russe » de ces choses s'exprime également dans sa scénographie associée à l'opéra russe privé de Moscou de Savva Ivanovich Mamontov, notamment dans la conception de Sadko (1897) et du Conte du tsar Saltan (1900) de Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov. . Le talent de décorateur de Vroubel est également évident dans son immense panneau Rêves de princesse, commandé pour la Foire de Nijni Novgorod (1896, Galerie Tretiakov).

Atmosphère conte de fées, caractéristique des tableaux Pan (1899), The Swan Princess, Towards Night, Lilac (tous 1900), est imprégné d'un sentiment de chaos sombre, caractéristique du symbolisme, caché derrière les couvertures extérieures de l'univers. Les portraits sont également expressifs et dramatiques (K. D. et M. I. Artsybushev, ainsi que Savva Mamontov, tous trois datant de 1897 ; toutes les œuvres se trouvent à la galerie Tretiakov). La tragédie sous-jacente atteint son paroxysme dans ces images de Vroubel qui remontent à ses illustrations pour le poème de Lermontov Démon (aquarelle, badigeon, 1890-1891, Galerie Tretiakov et Musée russe, Saint-Pétersbourg) - dans les tableaux Démon (1890) et Démon vaincu (1902 ; les deux œuvres – Galerie Tretiakov).

Le conglomérat de formes scintillantes de la dernière image est déjà proche de l’art non objectif. En 1902, Vroubel fut frappé par une grave maladie mentale, mais même dans sa période ultérieure (passée principalement dans des cliniques privées de Moscou et de Saint-Pétersbourg), il créa de nombreuses œuvres marquées par un savoir-faire exquis (Pearl, 1904 ; Portrait de Valery Yakovlevich Bryusov, 1906) - œuvres de transition du moderne à l'avant-garde. En 1906, l'artiste devient aveugle. Vroubel est décédé à Saint-Pétersbourg le 1er (14) avril 1910. L'influence de son art était universelle : presque tous les grands maîtres de l'art russe du XXe siècle l'ont expérimenté à un degré ou à un autre.

Un amour passionné pour la nature aide l'artiste à transmettre sa beauté. Des grappes luxuriantes de "Lilas" de Vroubel (1900, Galerie Tretiakov), scintillantes d'un feu violet, vivent, respirent, sentent parfumées dans l'éclat nuit étoilée. Un contemporain de Vroubel a écrit : « La nature l’a aveuglé... parce qu’il a scruté de trop près ses secrets. »

Parallèlement à des thèmes épiques, Vroubel a travaillé sur l'image du Démon tout au long des années 90. Dans l’une des lettres à son père, l’idée de l’artiste sur le Démon est exprimée : « Un démon n'est pas tant un esprit mauvais qu'un esprit souffrant et triste, mais en même temps un esprit puissant et majestueux.". La première tentative pour résoudre ce sujet remonte à 1885, mais l'ouvrage fut détruit par Vrubel.

Dans le tableau "Démon assis" (1890, Galerie Tretiakov), le jeune titan est représenté dans les rayons du coucher de soleil au sommet d'une falaise. Puissant beau corps comme s'il ne rentrait pas dans le cadre, les mains sont tordues, le visage est d'une beauté touchante, il y a une tristesse inhumaine dans les yeux. Le « Démon » de Vroubel est une combinaison de contradictions : beauté, grandeur, force et en même temps contrainte, impuissance, mélancolie ; il est entouré d'un être fabuleusement beau, mais pétrifié, monde froid. Il y a des contrastes dans la couleur du tableau. Froid couleur lilas« se bat » avec un or orange chaud. Des rochers, des fleurs, une figure sont peints d’une manière particulière, à la manière de Vrubel : l’artiste semble diviser la forme en faces séparées et il semble que le monde soit tissé à partir de blocs de bijoux. Un sentiment de primordialité est né.

Pensant en images fantastiques, Vroubel est étroitement lié à la vie qui l'entoure, son Démon est profondément moderne, il ne reflète pas seulement son caractère personnel. sentiments de l'âme l'artiste, mais l'époque elle-même avec ses contrastes et ses contradictions. Comme j'ai écrit A. Bloc : "Le démon de Vroubel est un symbole de notre époque, ni nuit ni jour, ni ténèbres ni lumière".

En 1891, pour l'édition anniversaire de ses œuvres Lermontov sous la direction de Konchalovsky, Vroubel a réalisé des illustrations, sur les trente, la moitié étaient liées au « Démon ». Ces illustrations représentent, pour l'essentiel, des œuvres indépendantes, importantes dans l'histoire de la Russie. graphiques de livre, et témoignent de la profonde compréhension de Vroubel de la poésie de Lermontov. L'aquarelle "Tête du Démon" est particulièrement remarquable. C'est vraiment monumental. Sur fond de sommets rocheux enneigés se trouve une tête avec une casquette de boucles noires. Visage pâle, lèvres desséchées, comme brûlées par un feu intérieur, yeux brûlants au regard perçant, avec une expression de tourment insupportable. Dans ce regard il y a une soif de « connaissance et de liberté », un esprit rebelle du doute.

Quelques années plus tard, Vroubel écrit « Le Démon volant » (1899, Musée russe). L’image est imprégnée d’une prémonition de mort et de malheur. La coloration de l'image est sombre.

Et enfin, ça remonte à 1901-1902 dernière image- "Le Démon vaincu", Vroubel y a travaillé intensément et douloureusement. A. Benoît se souvient que le tableau était déjà présent à l'exposition World of Art et que Vrubel continuait à réécrire le visage du démon, en changeant la couleur.

Le corps brisé et déformé du Démon aux ailes brisées est étendu dans la gorge, les yeux brûlants de colère. Le monde plonge dans les ténèbres, le dernier rayon éclaire la couronne du Démon, au sommet des montagnes. L’esprit rebelle est renversé, mais pas brisé.

Les contemporains voyaient dans cette image un principe contestataire, une belle personne invaincue. Les mots me viennent à l'esprit A. Bloc : "Quelle impuissance instantanée ! Le temps est une légère fumée ! Nous allons à nouveau déployer nos ailes !.." et ce qui a été dit un peu plus tard ! Chaliapine : "Et il a écrit ses Démons ! Forts, effrayants, effrayants et irrésistibles... De Vrubel, mon Démon."

Après avoir terminé le Démon vaincu, Mikhaïl Alexandrovitch Vrubel est tombé gravement malade et a été placé à l'hôpital. Avec de courtes pauses, la maladie dura jusqu'en 1904, puis une courte guérison eut lieu.

En 1904, il se rend à Saint-Pétersbourg. Commence la dernière Epoque la créativité.

En 1904, Vroubel écrivit « Les Séraphins à six ailes », censé être lié au poème de Pouchkine « Le Prophète ». Un ange puissant au plumage arc-en-ciel étincelant poursuit dans une certaine mesure le thème du Démon, mais cette image se distingue par son intégrité et son harmonie.

Au cours des dernières années de sa vie, Vroubel a créé l'une des images les plus tendres et les plus fragiles - "Portrait de N. I. Zabela sur fond de bouleaux" (1904, Musée russe). Des autoportraits intéressants remontent à cette époque. Depuis 1905, l'artiste est constamment hospitalisé, mais continue de travailler, se montrant un brillant dessinateur. Il peint des scènes de vie hospitalière, des portraits de médecins, des paysages. Les dessins, réalisés de différentes manières, se distinguent par une observation pointue et une grande émotivité. Le docteur Usoltsev, qui a soigné Vroubel, écrit : « Il était un artiste-créateur de tout son être, jusque dans les recoins les plus profonds de sa personnalité mentale. Il a toujours créé, pourrait-on dire, de manière continue, et la créativité était pour lui « aussi facile et aussi nécessaire que la respiration. Tant qu'une personne est vivante, elle respire encore, tandis que Vroubel respirait, il créait tout ».".

Quelques années avant sa mort, Vrubel commença à travailler sur un portrait V. Brioussova (1906, Musée russe). Quelque temps plus tard, Bryusov a écrit que toute sa vie, il avait essayé de ressembler à ce portrait. Vroubel n'a pas eu le temps d'achever cette œuvre ; en 1906, l'artiste est devenu aveugle. Tragiquement, il subit un coup terrible, dans une situation hospitalière difficile, il rêve du ciel bleu sur des champs sombres, des couleurs nacrées du printemps. La musique était la seule consolation. Vroubel est décédé le 1er avril 1910.

Création images tragiques, l'artiste y a incarné un début brillant et noble. La lutte entre la lumière et les ténèbres constitue le contenu de la plupart des œuvres de Vroubel. A. Blok en a parlé poétiquement sur la tombe de l'artiste : « Vroubel nous est venu comme messager que l'or était parsemé dans la nuit pourpre soirée claire. Il nous a laissé ses Démons, comme lanceurs de sorts contre le mal violet, contre la nuit. Je ne peux que trembler devant ce que Vroubel et d'autres comme lui révèlent à l'humanité une fois par siècle."

Les matériaux d'un article de Fedorova N.A. ont été utilisés à partir du livre : Dmitrienko A.F., Kuznetsova E.V., Petrova O.F., Fedorova N.A. 50 courtes biographies maîtres de l'art russe. Léningrad, 1971

Monographie sur Vrubel. Des chefs-d'œuvre méconnus

Fille en arrière-plan Tapis persan, 1886

Un voyage à Venise a été entrepris pour peindre les images d'iconostase commandées - le Christ, la Mère de Dieu et les saints - Cyrille et Athanase. Prakhov a décidé qu'il serait préférable que Vroubel y travaille non pas à Kiev, mais à Venise, la ville-musée, où se trouve la cathédrale Saint-Pétersbourg. Marquez avec ses célèbres mosaïques, les mosaïques du XIIe siècle à Torcello et les peintures de célèbres coloristes vénitiens.
Vrubel a passé environ six mois à Venise. De là, j'écrivis à ma sœur : « Je feuillette ma Venise (dans laquelle je suis assis tout le temps, car la commande est sur de lourdes planches de zinc avec lesquelles on ne peut pas rouler) comme un livre spécial utile, et non comme un livre spécial. fiction poétique. Ce que j’y trouve n’intéresse que ma palette. Ce qui l'intéressait le plus dans sa palette, ce n'étaient pas les luminaires Haute Renaissance- Titien, Véronèse, - et leurs prédécesseurs, les maîtres du Quattrocento (XVe siècle), plus étroitement associés à la tradition médiévale - Carpaccio, Cima da Conegliano et, surtout, Giovanni Bellini. L'influence du Quattrocento vénitien se reflète dans les icônes monumentales avec des personnages en pleine hauteur. Le premier biographe de Vroubel, A.P. Ivanov, a écrit à leur sujet : « La musique plastique de ces icônes est construite dans les modes majestueux et clairs de G. Bellini et Carpaccio, et dans ses profondeurs, comme l'élément dominant de la station d'orgue, résonne la magie colorée de les mosaïques de Saint-Marc.
Venise a beaucoup donné à Vrubel et est devenue étape importante dans son développement créatif: si la rencontre avec l'art byzantin a enrichi sa compréhension de la forme et élevé son expression, alors Peinture vénitienneéveillé le don de la couleur. Pourtant, il attendait son retour avec impatience. Ce qui lui est arrivé est ce qui arrive souvent aux personnes qui se retrouvent longtemps hors de leur patrie : ce n'est qu'alors qu'elles ressentent toute la force de son attrait. Une lettre de l'artiste de Venise à son camarade de l'Académie V.E. Savinsky a été conservée, dans laquelle il tente, avec un effort de pensée évident, de présenter pour lui des conclusions nouvelles et importantes auxquelles il est parvenu en Italie. Il dit qu'ici, c'est-à-dire en Italie, on peut étudier, mais créer uniquement sur le sol natal ; que créer signifie ressentir, et ressentir signifie « oublier que l’on est un artiste et se réjouir du fait que l’on est avant tout un être humain ». "...Combien de beauté nous avons en Rus'!" - une telle exclamation échappe à Vrubel pour la première fois. Avant, il semblait assez indifférent à son « sol natal » : c'était quelque chose de naturel, inaperçu, ses idées puisaient à des sources mondiales : l'Antiquité, Hamlet, Faust... Et seulement maintenant, à l'étranger, ses humeurs surgissent et des pensées qui conduisent plus tard à une interprétation poétique des contes de fées russes et de la nature russe.

Il y avait une autre raison pour laquelle Vroubel souhaitait retourner à Kiev le plus tôt possible. Il était amoureux de l'épouse de Prakhov, Emilia Lvovna, ce à quoi il avait mystérieusement fait allusion à plusieurs reprises, sans citer de nom, dans des lettres à sa sœur : c'était son secret « affaire sincère ».
Avant même de partir à l'étranger, il a peint plusieurs fois E.L. Prakhova - son visage lui a servi de prototype pour le visage de la Mère de Dieu. La ressemblance du portrait a été conservée dans l'icône elle-même, mais là elle est atténuée ; plus clairement - dans deux croquis au crayon de la tête de la Vierge. De ces dessins se détache un visage étonnant : plutôt laid que beau, le visage infiniment touchant d'un vagabond - des foulards jusqu'aux sourcils, une bouche apparemment gonflée, des yeux clairs et ronds dilatés comme s'il contemplait quelque chose d'inconnu des autres.
Parmi les quatre images de l'iconostase, l'artiste a particulièrement réussi avec la Mère de Dieu. C'est l'un de ses chefs-d'œuvre incontestables. Il est peint sur un fond doré, dans une robe aux tons rouge foncé profonds et veloutés, l'oreiller du trône est brodé de perles et au pied se trouvent de délicates roses blanches. La Mère de Dieu tient le bébé sur ses genoux, mais ne se penche pas vers lui, mais s'assoit droite et regarde devant elle avec un regard triste et prophétique. Dans les traits et l’expression du visage, il y a une certaine ressemblance avec le type de paysanne russe, comme ces visages féminins qui souffrent depuis longtemps que l’on retrouve dans les peintures de Sourikov.
Le premier amour ressenti pour la patrie, le premier amour sublime pour une femme spiritualisa cette image et la rapprocha du cœur humain.
De retour de Venise, Vroubel se précipitait. C'était comme s'il ne parvenait pas à trouver une place pour lui-même - soit il décidait de quitter Kiev (et partait même à Odessa pendant plusieurs mois), puis il revenait ; il était attiré par l'enivrante « coupe de la vie », il était violemment entiché d'une danseuse en visite, buvait beaucoup, vivait de manière instable, fébrile, et en plus, il était dans une grande pauvreté, car il n'y avait pas d'argent, et sa relation avec Prakhov est devenu plus froid et plus distant.
Le père de l'artiste était inquiet : son fils avait déjà trente ans, avait une formation universitaire, éducation artistique, « un abîme de talents », et pourtant pas de nom, pas de position sûre – pas d'enjeu, pas de chantier. Aux invitations persistantes à venir vivre chez lui (la famille vivait alors à Kharkov), il n'a pas répondu. À l'automne 1886, A.M. Vrubel lui-même est venu à Kiev pour rendre visite à son fils, et ses craintes se sont confirmées : « Misha est en bonne santé (selon lui), mais il a l'air maigre et pâle. De la gare, je suis allé directement vers lui et j'ai été attristé par sa chambre et son mobilier. Imaginez, pas une seule table, pas une seule chaise. Tous les meubles sont constitués de deux tabourets simples et d'un lit. Je n’ai pas vu de couverture chaude, de manteau chaud, ni de robe autre que celle qu’il portait (une redingote grasse et un pantalon usé). Peut-être dans un pion... C'était douloureux, amer jusqu'aux larmes... Il fallait que je voie tout ça. Après tout, il y en a tellement de brillants espoirs!»

Il n'y a aucune preuve directe de l'état d'esprit de l'artiste à cette époque - il n'aimait pas être franc - mais il est bien évident qu'il ne traversait pas seulement une crise financière. Il a enduré la pauvreté sans soucis, le manque de célébrité aussi : il savait que tôt ou tard cela arriverait, et si cela n’arrivait pas, et alors ? Un amour qui est dans une impasse, c'était sérieux. Mais pas seulement. Il a été traversé par de profonds bouleversements, qu’il a partagés avec son époque, même si les causes immédiates peuvent avoir été intimes et personnelles. Vrubel a connu très tôt ce que Blok a appelé deux décennies plus tard « l’afflux de mondes violets », des ténèbres violettes écrasant la lumière dorée. Une rébellion athée surgit en lui. Pendant deux ans, Vroubel a travaillé pour l'Église, dans une atmosphère de religiosité qui était aussi peu en accord avec son entourage que la laïque Emilia Prakhova était peu en accord avec l'idéal de la Mère de Dieu. Et pour la première fois, l'image sombre du Dieu-combattant, le Démon, a commencé à tenter Vroubel et à captiver son imagination.
Il travaillait justement sur « Le Démon » lorsque son père est arrivé de manière inattendue. Le père décrit le tableau inachevé dans la même lettre, disant que le Démon lui apparaît comme « une vieille femme colérique, sensuelle et repoussante ». Aucune trace du « Démon » de Kiev ne nous est parvenue - l'artiste l'a détruit, tous les « Démons » aujourd'hui connus ont été réalisés bien plus tard. Mais l’idée et le début remontent à la période de Kiev.
En même temps, Vroubel travaillait sur d'autres choses, commandées par le philanthrope de Kiev I.N. Tereshchenko. Ils témoignent d’une envie d’Orient – ​​fleuri, magique, épicé. Pour Tereshchenko, Vrubel s'est engagé à peindre le tableau " Conte de fée oriental", mais n'a fait qu'un croquis à l'aquarelle, et même celui-ci a été déchiré lorsque E.L. Prahova a refusé de l'accepter comme cadeau. Il a ensuite recollé la feuille déchirée, qui fait encore aujourd'hui la fierté du Musée d'art russe de Kiev. Cette grande aquarelle est incroyable. Au premier coup d’œil, il est difficile de distinguer ce qui est représenté : l’œil est ébloui par une mosaïque irisée de particules précieuses, éclairée par des éclairs de lumière phosphorescente bleutée, comme si l’on était réellement entré dans une grotte, trésor des mille et une nuits. Mais alors l’œil s’y habitue et commence à distinguer l’intérieur de la tente du prince perse, les tapis qui la recouvrent, le prince lui-même et ses odalisques. Les personnages sont pleins d'émotion et de poésie : le prince, assis sur le lit, regarde d'un regard pensif et lourd la belle jeune fille qui se tient devant lui, les yeux baissés.

Monographie sur Vrubel. Kyiv. Rencontre avec l'Antiquité

Fille en arrière-plan Tapis persan, 1886

L'artiste L. Kovalsky, alors étudiant à l'école de dessin de Kiev, a raconté plus tard comment il a rencontré Vrubel pour la première fois peu après son arrivée à Kiev. Kowalski s'est installé pour peindre un croquis sur une haute colline surplombant le Dniepr et les prairies lointaines. « Le silence de la soirée, l'absence totale de personne, à l'exception des hirondelles qui tournaient et gazouillaient dans l'air. Dans une contemplation calme, j'ai représenté du mieux que je pouvais mon paysage de 30 verstes, mais des pas tranquilles, puis un regard fixe m'ont fait me retourner. Le spectacle était plus qu'extraordinaire : sur fond de collines primitives de Kirillovsky, se tenait derrière moi un blond blond, presque blanc, jeune, avec une tête très caractéristique, une petite moustache, également presque blanche. Il était petit, de corpulence très proportionnée, habillé... c'est ce qui aurait pu me frapper le plus à ce moment-là... le tout d'un costume de velours noir, de bas, d'un pantalon court et de bottes. Personne ne s'habillait ainsi à Kiev, et c'est ce qui m'a fait la bonne impression. En général, c'était un jeune Vénitien d'après un tableau du Tintoret ou du Titien, mais je l'ai appris bien des années plus tard, lorsque j'étais à Venise. Or, sur fond de collines Kirillov et du dôme colossal du ciel bleu de Kiev, l'apparition de cette figure contrastée, aux cheveux blonds, vêtue de velours noir, était plus qu'un anachronisme incompréhensible.
... L'étranger se pencha plus près, regarda attentivement et d'un ton sérieux, comme si quelque chose était d'une importance inconnue, et dit : « Où est ton premier plan ? Est-ce que ce sont ces meules de foin ? Mais ils sont à plusieurs kilomètres ! Vous ne pouvez pas écrire comme ça, vous faites des bêtises - vous devez commencer à étudier la nature à partir d'un morceau de papier, à partir des détails, et non, comme vous, prendre toutes sortes de choses et les mettre dans un morceau de papier insignifiant - c'est une sorte d'encyclopédie, pas de peinture. Ne vous fâchez pas, j’ai dit cela parce que je vois votre erreur. Il regarda encore un peu et disparut ; Je ne me suis même pas retourné pour regarder, j'ai été submergé par les propos offensants, qui me semblaient nombreux dans sa remarque, mais cela m'intéressait quand même qu'il parle si sincèrement et sérieusement de mon travail, que je considérais comme un chose qui ne mérite pas d’attention « On m’a appris cela à l’école ; personne là-bas ne regardait sérieusement son propre travail ou celui des autres. »

Kovalsky, excité, n'a pas continué le croquis et s'est rendu à l'église Saint-Cyrille pour voir ses camarades qui travaillaient à la restauration des fresques. Dans la chorale, il aperçut un inconnu qu'il venait de rencontrer ; les camarades dirent qu'il s'agissait de l'artiste Vroubel et lui montrèrent la « Descente du Saint-Esprit » qu'il avait commencée, ainsi que deux anges : « Vroubel a dit qu'ici il se rapprochait le plus de Byzance. »
Ainsi, Vroubel à Kiev a dû superviser la restauration des fresques byzantines du XIIe siècle dans l'église Saint-Cyrille, en plus de peindre plusieurs nouvelles figures et compositions sur ses murs pour remplacer celles perdues, et également peindre des images pour l'iconostase. La direction générale des travaux appartenait à Prahov.
A.V. Prakhov, en communication étroite avec qui (et avec sa famille) Vroubel a passé cinq ans à Kiev, était connu dans les cercles artistiques. Historien de l'art, archéologue, professeur à l'Université de Saint-Pétersbourg, il s'est exprimé activement dans les années 70 en tant que critique d'art dans la revue « Bee ». Dans des articles sous le pseudonyme de «Profan», Prakhov a promu l'art des Vagabonds avec un grand brio littéraire et un grand tempérament. L'un de ses articles les plus intéressants, consacré au Sixième exposition itinérante 1878 (en fait, deux expositions - "Stoker" de Yaroshenko et "Protodiacon de Repin") n'ont pas été autorisées à passer par la censure. L'article a été conservé dans des épreuves et, par la suite, même aujourd'hui, sa paternité a été attribuée par erreur à I.N. Puis Prahov s'est complètement éloigné de activité critique, a arrêté de travailler dans l'art contemporain (symptôme caractéristique des années 80 !) et s'est remis à l'étude des antiquités. Cependant, il ne perdit pas ses liens avec les artistes et sa maison à Kiev leur était presque aussi ouverte que les maisons de Polenov et Mamontov à Moscou. Énergique, actif, pas encore quarante ans, Prahov a remué vie artistique Kyiv, entreprend l'étude et la restauration monuments uniques Russie kiévienne. Il a également supervisé la décoration intérieure de la nouvelle église Vladimir, fondée dans les années 1860. Les artistes russes avaient alors des idées assez approximatives sur le style byzantin, tout comme sur les techniques de restauration. Les fresques de Kirillov étaient en mauvais état ; une équipe d'étudiants de l'école de dessin de Kiev, dirigée par l'artiste N.I. Murashko (avec qui Vroubel se lia plus tard d'amitié), travailla à leur « renouvellement ». Avec leurs mains non habiles, les fresques ont été peintes d'en haut selon les contours conservés (d'après les « comtes ») ; or, une telle méthode serait considérée comme barbare. Il y a des informations selon lesquelles Vroubel s'y est opposé, proposant simplement de nettoyer les fresques et de les laisser intactes, mais ils n'ont pas accepté cela : le temple était actif et les figures de saints à moitié effacées pourraient dérouter les paroissiens. Il fallait les compléter en conservant autant que possible le style du XIIe siècle. Comment a-t-il été possible de le sauver ? Ce n'est pas seulement les étudiants de Murashko, mais aussi Vroubel lui-même qui ont découvert l'art byzantin pour la première fois à Kiev. Pendant plusieurs mois, il se plonge dans l'étude des antiquités, utilisant, outre les originaux de l'église Cyrille et de la cathédrale Saint-Pierre. Sofia, livres, tables de couleurs et photographies de la riche bibliothèque de Prahov. Il traita avec beaucoup de soin la restauration de fresques anciennes à partir de fragments survivants ; comme l'a rappelé N.A. Prakhov (fils d'A.V. Prakhov), « il n'a rien inventé de lui-même, mais a étudié l'emplacement des figures et des plis de vêtements en utilisant des matériaux conservés ailleurs ».
Aujourd'hui, au milieu non pas du 19e, mais du 20e siècle, les fresques de Kirillov ont été restaurées selon toutes les règles. science moderne, même si la plupart d'entre eux ont été irrémédiablement perdus et que seules quelques pièces de peinture ancienne ont été conservées intactes. Mais maintenant, l'église Cyrille est également entrée dans l'histoire comme un monument capturé par le génie de Vroubel. Vroubel a peint sur les murs plusieurs figures d'anges, la tête du Christ, la tête de Moïse et, enfin, deux compositions indépendantes - l'immense « Descente du Saint-Esprit » dans le chœur et « Lamentation » dans le narthex. En travaillant dessus, l'artiste ne copiait plus d'échantillons anciens. Il avait le droit intérieur de ne pas suivre la lettre du style ancien - il pénétrait dans son esprit.

L’expression noble et sobre des mosaïques et des fresques anciennes a clarifié les propres quêtes de Vroubel. L'expression était au départ caractéristique de son talent, mais dans premières choses il tomba dans l'exagération et les clichés romantiques. Ainsi, dans le dessin « Le rendez-vous d’Anna Karénine avec son fils », réalisé au début des années 80, Anna, avec une ardeur exagérée, manque d’étrangler un enfant dans ses bras. Dans les dessins de Mozart et Salieri (1884), Salieri apparaît comme un méchant mélodramatique. Et seulement après s'être familiarisé avec le monumental byzantin et art russe ancien L'expression de Vrubel devient majestueuse - la pression psychologique disparaît, une expression typique de Vrubel de tension spirituelle apparaît dans le regard concentré d'yeux immenses ( gros yeux- aussi un trait Peinture byzantine), avec des poses qui semblent engourdies, avec un geste avare, dans une atmosphère de profond silence. C'est déjà le cas dans la « Descente du Saint-Esprit », écrite sur la voûte de l'église Saint-Cyrille. Selon la tradition évangélique, l’Esprit Saint est apparu aux apôtres sous la forme d’une colombe et des langues de flammes qui en émanaient « se posaient sur chacun d’eux ». Après cela, les apôtres ont acquis le don de parler dans toutes les langues et de prêcher les enseignements du Christ à toutes les nations. Comme d'autres contes évangéliques, l'intrigue de la « Descente » avait son propre schéma iconographique dans l'art religieux, fixé par une tradition séculaire. Vroubel a suivi le schéma de très près, utilisant apparemment des miniatures d'évangiles anciens. Mais dans son interprétation des figures et des visages, il se montre comme un artiste moderne, comme un psychologue. Ses apôtres avaient des prototypes vivants. Auparavant, on pensait que l'artiste avait réalisé des croquis préparatoires de malades mentaux (l'église Saint-Cyrille était située sur le territoire d'un hôpital psychiatrique), mais c'est inexact : le fils d'A.V. Prakhov N.A. Prakhov nomme un certain nombre de personnes. des personnes reconnues dans la « Descente » - des scientifiques de Kiev, des prêtres, des archéologues, parmi lesquels Adrian Viktorovich Prakhov lui-même.
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Mikhaïl Vroubel. Galerie de peintures. Peinture

Le démon est vaincu. 1901	Démon assis, 1890. Croquis	Le démon est vaincu. 1902	Démon volant. 1899
Dame en violet. Portrait de l'artiste N.I. Zabela-Vrubel. 1904	Fleurs rouges et feuilles de bégonia dans un panier. 1886-1887	Paon. Début des années 1900	Danse orientale. 1887
Le démon est vaincu. 1902. Croquis à l'aquarelle	Portrait de K.D. Artsybushev. 1897	Séraphin à six ailes. 1905	Nuit en Italie. 1891
Bogatyr. 1898	Hamlet et Ophélie. 1884	Fille des neiges. années 1890	Rose musquée. 1884
Jeux de naïades et de tritons	Adieu du roi de la mer à la princesse Volkhova. 1899	Catane. Sicile. 1894	Porto Fino. Italie. 1894

Séraphin à six ailes (Azrael). 1904

Mikhaïl Alexandrovitch Vroubel- Artiste post-impressionniste russe. Né à Omsk le 5 mars 1856 - décédé à Saint-Pétersbourg le 1er avril 1910. Sa peinture était caractérisée par le symbolisme et la philosophie. Dans chaque image, il y a un sous-texte supplémentaire, qui indique qu'il y a un deuxième fond dans l'image. C'est une chose de simplement regarder un tableau magnifiquement peint, et une autre d'y voir une œuvre entière, avec une réflexion très profonde. Mikhaïl Vroubel était exactement un tel artiste.

En plus de la philosophie, il a utilisé dans ses œuvres une technique tout à fait inhabituelle qui étonne encore aujourd'hui les connaisseurs d'art. Des couleurs intenses qui font ressentir des sentiments ambigus, une constructivité claire des dessins, une tragédie voilée. Tout cela amène les gens à s’arrêter longtemps devant les peintures de Vroubel dans les musées et à se surprendre à penser que la peinture est belle et magique.

Mikhaïl Alexandrovitch Vrubel est né à Omsk dans la famille d'un avocat militaire. A étudié à l'Académie des Arts. Ses professeurs étaient P. P. Chistyakov et M. Fortuny. Les préraphaélites et les artistes ont eu une grande influence sur le travail et la vision du monde de l'artiste post-impressionniste russe. Renaissance italienne, ainsi que les écrivains William Shakespeare, Goethe, Lermontov et d'autres. Il convient également de dire que le cercle d’Abramtsevo (aujourd’hui musée d’Abramtsevo) n’a pas moins contribué à l’art de l’artiste. C'est ici qu'il écrivit certaines de ses œuvres les plus célèbres : La Femme égyptienne, Kupava, Mizgir, Volkhova, etc.

Un des plus de célèbres tableaux L'ouvrage de Mikhaïl Vroubel intitulé « Démon". En plus du fait qu'il est rempli d'une extraordinaire intensité de tragédie, d'une sorte de romance transcendantale qui dépasse les frontières de la vie, Mikhaïl Alexandrovitch a utilisé ici toute son expérience et ses compétences en peinture pour concrétiser une idée qui était inhabituelle même pour cela. le temps - pour peindre un démon. Le contraste des couleurs atteint son point culminant sur cette toile. Il faut dire que le tableau est dédié à l'une des œuvres de M. Yu. Lermontov. Sans aucun doute, l'artiste Mikhaïl Vrubel est devenu le plus brillant et le peintre le plus célèbre, qui a laissé une marque très brillante et indélébile dans l'art de l'avant-garde russe.

La meilleure décoration pour n’importe quelle maison est une œuvre d’art. Si vous ne savez pas où acheter un tableau à moindre coût, la Boutique de Peinture vous aidera. Des peintures pour tous les goûts.

Vroubel (photo)

Autoportrait

Princesse Volkhova

Démon vaincu

Fille sur le fond du tapis

Paysage fantastique

perle

Romains en fête

La fuite de Faust et de Méphistophélès