Moment de l'événement.

En Europe- XVII - début XIX siècle

La fin du XVIIe siècle est une période de déclin.

Le classicisme a été relancé au siècle des Lumières - Voltaire, M. Chénier et d'autres Après la Grande Révolution française, avec l'effondrement des idées rationalistes, le classicisme a décliné et le romantisme est devenu le style dominant de l'art européen.

En Russie- dans le 2ème quart du 18ème siècle.

Lieu d'origine.

France. (P. Corneille, J. Racine, J. Lafontaine, J. B. Molière, etc.)

Représentants de la littérature russe, œuvres.

A. D. Kantemir (satire « De ceux qui blasphèment l'enseignement », fables)

V.K. Trediakovsky (roman « À cheval sur l'île de l'amour », poèmes)

M. V. Lomonossov (poème « Conversation avec Anacréon », « Ode le jour de l'accession au trône de l'impératrice Elizabeth Petrovna, 1747 »

A. P. Sumarokov, (tragédies « Khorev », « Sinav et Truvor »)

Y. B. Knyazhnin (tragédies "Dido", "Rosslav")

G. R. Derjavin (ode « Felitsa »)

Représentants de la littérature mondiale.

P. Corneille (tragédies « Cid », « Horace », « Cinna ».

J. Racine (tragédies de Phèdre, Mithridate)

Voltaire (tragédies "Brutus", "Tancred")

J. B. Molière (comédies « Tartuffe », « Le Bourgeois dans la noblesse »)

N. Boileau (traité en vers « Art poétique »)

J. Lafontaine (fables).

Classicisme du fr. classicisme, de Lat. classicus - exemplaire.

Caractéristiques du classicisme.

• Le but de l'art- influence morale sur l'éducation des sentiments nobles.
• S'appuyer sur l'art ancien(d’où le nom du style), qui reposait sur le principe de « l’imitation de la nature ».
• La base est le principe rationalisme((du latin « ratio » - raison), une vision d'une œuvre d'art comme une création artificielle - consciemment créée, intelligemment organisée, logiquement construite.
• Culte de l'esprit(croyance en la toute-puissance de la raison et que le monde peut être réorganisé sur des bases rationnelles).
• Direction les intérêts de l'État avant les intérêts personnels, la prédominance des motivations civiles et patriotiques, le culte du devoir moral. Affirmation des valeurs positives et de l'idéal de l'État.
• Conflit principalœuvres classiques - c'est la lutte du héros entre raison et sentiment. Héros positif doit toujours faire un choix en faveur de la raison (par exemple, lorsqu'il choisit entre l'amour et la nécessité de se consacrer entièrement au service de l'État, il doit choisir ce dernier), et un choix négatif - en faveur du sentiment.
• La personnalité est la valeur la plus élevée de l'existence.
• Harmonie contenu et forme.
• Le respect des règles dans une œuvre dramatique "trois unités": unité de lieu, de temps, d'action.
• Diviser les héros en positif et négatif. Le héros devait incarner un trait de caractère : l'avarice, l'hypocrisie, la gentillesse, l'hypocrisie, etc.
• Hiérarchie stricte des genres, le mélange des genres n'était pas autorisé :

"haut"- poème épique, tragédie, ode ;

« milieu » - poésie didactique, épîtres, satire, poème d'amour ;

"faible"- fable, comédie, farce.

• Pureté du langage (dans les genres élevés - vocabulaire élevé, dans les genres faibles - familier) ;
• Simplicité, harmonie, logique de présentation.
• Intérêt pour l'éternel, immuable, désir de retrouver des traits typologiques. Par conséquent, les images sont dépourvues de caractéristiques individuelles, puisqu’elles sont conçues principalement pour capturer des caractéristiques stables, génériques et durables dans le temps.
• Fonction sociale et éducative de la littérature. Éducation d'une personnalité harmonieuse.

Caractéristiques du classicisme russe.

La littérature russe maîtrisait les formes stylistiques et de genre du classicisme, mais possédait également ses propres caractéristiques, qui se distinguaient par son originalité.

• L'État (et non l'individu) a été déclaré valeur la plus élevée, en conjonction avec la foi dans la théorie de l'absolutisme éclairé. Selon la théorie de l'absolutisme éclairé, l'État devrait être dirigé par un monarque sage et éclairé, exigeant que chacun serve pour le bien de la société.
• Général pathétique patriotique Classicisme russe. Patriotisme des écrivains russes, leur intérêt pour l'histoire de leur patrie. Ils étudient tous l'histoire de la Russie et écrivent des ouvrages sur des sujets nationaux et historiques.
• Humanité, puisque la direction s'est formée sous l'influence des idées des Lumières.
• La nature humaine est égoïste, soumise aux passions, c'est-à-dire aux sentiments qui s'opposent à la raison, mais en même temps se prêtent à éducation.
• Affirmation de l’égalité naturelle de tous.
• Conflit principal- entre l'aristocratie et la bourgeoisie.
• Les œuvres sont centrées non seulement sur les expériences personnelles des personnages, mais aussi sur des problèmes sociaux.
• Focus satirique- une place importante est occupée par des genres tels que la satire, la fable, la comédie, qui dépeignent de manière satirique des phénomènes spécifiques de la vie russe ;
• La prédominance des thèmes historiques nationaux sur les thèmes anciens. En Russie, « l’antiquité » était l’histoire nationale.
• Haut niveau de développement du genre odes(de M.V. Lomonossov et G.R. Derzhavin) ;
• L'intrigue est généralement basée sur triangle amoureux: l'héroïne est le héros-amant, le deuxième amant.
• A la fin d'une comédie classique, le vice est toujours puni et le bien triomphe.

Trois périodes de classicisme dans la littérature russe.

1. Années 30-50 du XVIIIe siècle (naissance du classicisme, création de la littérature, de la langue nationale, épanouissement du genre ode - M.V. Lomonosov, A.P. Sumarkov, etc.)
2. années 60 la fin de l'année XVIIIe siècle (la tâche principale de la littérature est l'éducation d'un citoyen, le service humain au profit des sociétés, la révélation des vices des gens, l'épanouissement de la satire - N.R. Derzhavin, D.I. Fonviin).
3. Fin du XVIIIe - début du XIXe siècle (crise progressive du classicisme, émergence du sentimentalisme, renforcement des tendances réalistes, motifs nationaux, image d'un noble idéal - N.R. Derzhavin, I.A. Krylov, etc.)

Matériel préparé par : Melnikova Vera Aleksandrovna.

Un autre style influent du XVIIe siècle. est devenu le classicisme (du latin « classicus » - « exemplaire »). Il s'est concentré sur l'imitation de modèles anciens, ce qui n'impliquait pas du tout leur simple répétition. L'émergence du classicisme en tant que système de style intégral a été associée à l'établissement de l'absolutisme en France. Les monarques ont été impressionnés par l'idée d'un ordre majestueux, d'une unité impressionnante et d'une stricte subordination. L’État, se prétendant « raisonnable », cherche à être considéré comme un principe stabilisateur et unificateur. Des aspirations similaires étaient inhérentes à la conscience de la bourgeoisie, qui partageait l’idéal d’un État rationnellement organisé. Le côté attrayant du classicisme était son orientation morale et civique.

Les partisans du classicisme croyaient que l'art était censé refléter non pas tant le réel, mais une vie ennoblie et idéale, construite sur les principes de rationalité, contribuant à l'amélioration de l'homme et de la société. À cet égard, le classicisme cherchait à exprimer des idéaux élevés, à la symétrie et à l'organisation stricte, aux proportions logiques et claires, à l'harmonie de la forme et du contenu d'une œuvre littéraire, picturale ou musicale.

L'esthétique du classicisme formait une stricte hiérarchie des genres. Ils étaient divisés en "haut"(tragédie, épopée, ode, tableau historique, mythologique, religieux, etc.) et "faible"(comédie, satire, fable, peinture de genre, paysage, nature morte, etc.). Chaque genre avait des limites strictes et leur mélange était considéré comme inacceptable.

Architecture. Contrairement au baroque prétentieux, l'architecture du classicisme se caractérisait par une géométrie claire des formes, une logique et une régularité de disposition, une combinaison d'un mur lisse avec un ordre, des portiques, des colonnades, des statues, des reliefs et un décor sobre. À tout le monde apparence le bâtiment devait faire preuve de clarté, d'ordre et de représentation. La symétrie est devenue une caractéristique intégrante de toutes les compositions architecturales. L'art sobre et majestueux des anciens Grecs et Romains est devenu un modèle, c'est pourquoi la base du langage architectural du classicisme était un ordre proche en proportions et en formes de l'ancien. La conception spatiale des bâtiments se distinguait par des plans clairs et une logique claire de la façade, dans laquelle le décor architectural ne servait que d'« accompagnement » qui ne cachait pas la structure globale du bâtiment. Déjà dans les bâtiments de l'un des fondateurs du classicisme français, l'architecte François Mansara(1598 - 1666) la richesse plastique du décor baroque des façades se conjugue à la clarté et à la simplicité de la composition volumétrique-spatiale globale ( Palais de Maisons– Laffite).

Un ordre strict a même été introduit dans la nature. Maître de jardin et architecte paysagiste à la française André Le Nôtre(1613-1700) devint le créateur du système régulier, appelé « Français" parc.

Les intérieurs des bâtiments se distinguaient par des couleurs douces, une utilisation modérée de détails plastiques et sculpturaux et une utilisation intensive d'effets picturaux et de perspective.

Le classicisme a été adopté comme style dominant dans les monarchies absolutistes d’Europe. Grand succès il en avait également en Angleterre, où dès la fin du XVIIe siècle. est devenu le style principal des bâtiments officiels. Le plus remarquable d'entre eux était le London Cathédrale St. Pavel- la plus grande église protestante du monde. Idées du plus grand architecte et scientifique anglais ChristopheRéna(1632-1723), incarné dans ce temple, a eu une influence significative sur le développement de l'architecture des églises en Europe et aux États-Unis.

En France, sous le règne de Louis XIV (1643-1715), sur la base du classicisme, la formation de ce qu'on appelle « Grand style" Un classicisme strict et rationnel ne pouvait refléter pleinement le triomphe et la grandeur de la monarchie absolue. Les maîtres français se sont donc tournés vers les formes du baroque italien, dont le classicisme a emprunté certains éléments décoratifs. Le résultat fut la création de deux ensembles grandioses - le palais royal Persienne et résidence royale de campagne Versailles. L'un des principaux maîtres du classicisme français prit une part active à leur construction. Louis Lévo(vers 1612-1670). Un autre créateur célèbre de Versailles est architecte et urbaniste Jules Hardouin-Mansart(1646-1708) fut également l'auteur du magnifique Cathédrale des Invalidesà Paris. Le « Grand Style » a assuré la diffusion progressive des idées du classicisme dans la plupart des pays européens et a jeté les bases d’une culture judiciaire européenne internationale.

Peinture. Comme dans d’autres formes d’art, en peinture, les artistes devaient se concentrer sur des exemples parfaits de l’Antiquité et de la Haute Renaissance. Les sujets des peintures étaient principalement empruntés à la mythologie et à l’histoire ancienne, et les héros étaient représentés comme des personnages aux caractères et aux actions forts. L’un des principaux était le thème du devoir, le thème de l’affirmation des principes éthiques les plus élevés. Selon l'esthétique du classicisme, la raison était le principal critère de beauté. Par conséquent, contrairement au baroque, le classicisme ne permettait pas une expressivité émotionnelle exagérée. La mesure et l'ordre sont devenus la base de la peinture classique. Les peintures devaient se distinguer par l'harmonie générale, et les figures - par la sévérité et l'exhaustivité classique. Les principaux éléments de modélisation des formes étaient la ligne et le clair-obscur. La couleur se voit attribuer un rôle subordonné ; elle est utilisée pour révéler la plasticité des figures et des objets, pour séparer les plans spatiaux de l'image.

Le développement logique de l'intrigue, la proportionnalité des parties du tout, l'ordre extérieur, l'harmonie, l'équilibre de la composition - tout cela est devenu traits caractéristiques style du célèbre artiste français NicolasPoussin(1594-1665). Poussin s'est souvent tourné vers des thèmes de l'histoire ancienne (« Mort de Germanicus"), mythologie (" Royaume de la Flore"), les mettant au service de son époque contemporaine. Glorifiant des exemples de haute moralité et de valeur civique, il cherchait à éduquer une personnalité parfaite. L'artiste a révélé le sens philosophique profond des dogmes chrétiens dans le cycle « Sept sacrements».

Les principes du classicisme se reflètent clairement dans le paysage. Les artistes cherchaient à représenter non pas la nature réelle, mais « améliorée », créée par l'imagination artistique du créateur. Le « paysage idéal », qui incarnait le rêve des classiques de « l’âge d’or » de l’humanité, se reflétait dans les peintures. Claude Lorrain(1600-1682). Ses paysages idylliques aux distances infinies (« Sanctuaire de Delphes") a eu une influence énorme sur le développement de la peinture de paysage européenne et surtout anglaise.

Théâtre et littérature. Les lois du classicisme se manifestaient le plus clairement dans le théâtre. Au 17ème siècle les principales règles de construction d'une tragédie classique ont été formées : unité d'action, de lieu et de temps ; simplicité de l'intrigue, dans laquelle la raison et le devoir l'emportaient sur les sentiments et les passions humaines élémentaires. L'intrigue principale ne doit pas dérouter le spectateur et priver l'image de son intégrité. Une grande attention a été accordée au monde intérieur du héros, qui incarne la contradiction de la personnalité humaine.

Un éminent représentant du classicisme était le dramaturge français Pierre Corneille(1606-1684). Le thème de l’État en tant qu’incarnation de la raison et des intérêts nationaux a été entendu dans nombre de ses tragédies (« Horace», « Cinna"). Le conflit tragique de la passion et du devoir était au cœur de la tragi-comédie" Sidé».

Les problèmes des relations entre l'individu et l'État sont devenus la base de l'intrigue de nombreuses tragédies. Jean Racine(1639-1699). Son " Phèdre" est devenu le summum de la dramaturgie non seulement de l'écrivain lui-même, mais de tout le classicisme français.

Les exigences du classicisme se manifestent moins clairement dans les comédies. Au XVIIe siècle, le drame français donne naissance au plus grand comédien, créateur du genre de la comédie sociale Jean-Baptiste Molière(1622-1673). Dans son œuvre, il ridiculise les préjugés de classe des nobles, l’étroitesse d’esprit de la bourgeoisie, l’hypocrisie du clergé et le pouvoir corrupteur de l’argent (« Tartuffe», « don Juan», « Commerçant dans la noblesse"). C'est grâce à Molière que le célèbre théâtre de la Comédie Française apparaît à Paris en 1680.

Au théâtre du XVIIe siècle. une école classique de jeu tragique s'est développée ( Floridor, Scaramouche, M. Béjart, Molière). Elle se caractérisait par un comportement particulier des acteurs sur scène, une lecture mesurée de la poésie et tout un système d'intonations et de gestes.

Dans la littérature du classicisme, un rôle important est joué par prose. En règle générale, les œuvres en prose écrites dans le style classique reflétaient les opinions politiques, philosophiques, religieuses et éthiques de leurs auteurs et étaient de nature éducative et moralisatrice prononcée. La littérature en prose était dominée par des œuvres sous forme de lettres, d'expériences moralistes ou philosophiques, d'aphorismes, de sermons, d'éloges funèbres et de mémoires.

Musique. En France les principes du classicisme ont influencé la formation du style lyrique français. Ainsi, dans les opéras du remarquable compositeur et chef d'orchestre français Jean-Baptiste Lully(1632-1687) incarnait des traits classiques caractéristiques tels que le pathétique et l'héroïsme, la primauté du principe de « symétrie musicale » et la prédominance des sujets mythologiques (« Persée», « Phaéton»).

Le classicisme a également pénétré la musique instrumentale. En Italie, une tradition de technique classique du violon est née, qui a largement survécu jusqu'à nos jours. Son fondateur était Arcangelo Corelli(1653-1713). Il devient l'un des créateurs de la sonate pour violon et du genre concerto grosso(« grand concert »), qui servit de base au développement de la musique symphonique.

Originaire de la France absolutiste, le classicisme a acquis une large reconnaissance dans presque tous les pays européens, devenant ainsi une étape notable dans leur développement artistique.

Classicisme

Classicisme(du latin classicus - exemplaire) - le style artistique de l'art européen des XVIIe-XIXe siècles, dont l'une des caractéristiques les plus importantes était l'appel à l'art ancien comme exemple le plus élevé et le recours aux traditions de la Haute Renaissance. L'art du classicisme reflétait les idées d'une structure harmonieuse de la société, mais les perdait à bien des égards par rapport à la culture de la Renaissance. Les conflits entre personnalité et société, idéal et réalité, sentiments et raison témoignent de la complexité de l'art du classicisme. Les formes artistiques du classicisme se caractérisent par une organisation stricte, l'équilibre, la clarté et l'harmonie des images.

Œuvre d'art, du point de vue du classicisme, doit être construit sur la base de canons stricts, révélant ainsi l'harmonie et la logique de l'univers lui-même. Le classicisme n'intéresse que l'éternel, l'immuable - dans chaque phénomène, il s'efforce de reconnaître uniquement les caractéristiques typologiques essentielles, en écartant les caractéristiques individuelles aléatoires. L'esthétique du classicisme attache une grande importance à la fonction sociale et éducative de l'art.

La direction est dirigée par l'Académie des Arts de Paris, qui a créé un ensemble de règles dogmatiques artificielles et de lois soi-disant inébranlables en matière de composition du dessin. Cette Académie a également établi des principes rationalistes pour la représentation des émotions (« passions ») et la division des genres en « haut » et « bas ». Les genres « élevés » comprenaient les genres historiques, religieux et mythologiques, les genres « faibles » comprenaient le portrait, le paysage, la vie quotidienne et la nature morte.

Comment s'est formée une certaine direction en France, au XVIIe siècle. classicisme français a libéré l'homme de l'influence religieuse et ecclésiale, affirmant la personnalité comme la valeur la plus élevée de l'existence. Le classicisme russe a non seulement adopté la théorie de l’Europe occidentale, mais l’a également enrichie de caractéristiques nationales.

Le classicisme s'est formé comme un mouvement antagoniste par rapport à l'art magnifique et virtuose du baroque. Mais lorsque, dans la seconde moitié du XVIIe siècle, le classicisme devint art officiel monarchie absolutiste, elle incorporait des éléments du baroque. Cela se manifeste dans l'architecture de Versailles, dans l'œuvre du peintre C. Le Brun, dans les sculptures de F. Girardon et d'A. Coyzevox.

Au milieu du XVIIIe siècle, sur fond de mouvement pédagogique, à la veille de la Révolution française, surgit une nouvelle direction du classicisme, s'opposant à l'art du rococo et à l'œuvre de ses épigones, les académiciens. Une caractéristique de cette direction était la manifestation des traits du réalisme, le désir de clarté et de simplicité, reflet de l'idéal des Lumières de « l'humanité naturelle ».

La période du classicisme tardif - l'Empire - tombe dans le premier tiers du XIXe siècle. Elle se distingue par son faste et sa splendeur, exprimés dans l'architecture et les arts appliqués. Cette période est considérée comme indépendante.

DANS peinture le classicisme, le développement logique de l'intrigue, une composition claire et équilibrée, un transfert de volume clair, avec l'aide du clair-obscur le rôle subordonné de la couleur, l'utilisation des couleurs locales (N. Poussin, C. Lorrain) ont acquis l'importance principale.

La démarcation des plans dans les paysages se révélait également à l'aide de la couleur : le premier plan devait être marron, celui du milieu devait être vert et celui du loin devait être bleu.

Au début du XVIIe siècle, les jeunes étrangers affluaient à Rome pour se familiariser avec le patrimoine de l'Antiquité et de la Renaissance. La place la plus importante parmi eux était occupée par le Français Nicolas Poussin, dans ses peintures, principalement sur les thèmes de l'Antiquité antique et de la mythologie, qui a fourni des exemples inégalés de composition géométriquement précise et de relations réfléchies entre les groupes de couleurs. Les thèmes des peintures de Poussin sont variés : mythologie, histoire, Nouveau et Ancien Testament. Les héros de Poussin sont des gens au caractère fort et aux actions majestueuses, sensation élevée dette envers la société et l’État. La finalité sociale de l’art était très importante pour Poussin. Toutes ces caractéristiques sont incluses dans le programme naissant du classicisme. Un autre Français, Claude Lorrain, dans ses paysages antiques des environs " ville Eternelle« a ordonné les images de la nature en les harmonisant avec la lumière du soleil couchant et en introduisant des scènes architecturales uniques.

La découverte de la « véritable » peinture ancienne lors des fouilles de Pompéi, la déification de l'Antiquité par le critique d'art allemand Winckelmann et le culte de Raphaël, prêché par l'artiste Mengs, qui lui était proche dans les vues, insufflèrent un nouveau souffle au classicisme en la seconde moitié du XVIIIe siècle (dans la littérature occidentale, cette étape est appelée néoclassicisme). Le plus grand représentant du « nouveau classicisme » était Jacques-Louis David ; son langage artistique extrêmement laconique et dramatique servit avec un égal succès à promouvoir les idéaux de la Révolution française (« La Mort de Marat ») et du Premier Empire (« La Dédicace de l’Empereur Napoléon Ier »).

Au XIXe siècle, la peinture classique entre dans une période de crise et devient un frein au développement de l’art, non seulement en France, mais aussi dans d’autres pays. La ligne artistique de David a été poursuivie avec succès par Ingres, qui, tout en conservant le langage du classicisme dans ses œuvres, s'est souvent tourné vers histoires romantiques Avec saveur orientale; ses œuvres de portraits sont marquées par une subtile idéalisation du modèle. Des artistes d'autres pays (comme, par exemple, Karl Bryullov) ont également rempli des œuvres de forme classique d'un esprit de romantisme imprudent ; cette combinaison s'appelait académisme. De nombreuses académies d’art lui servent de vivier.

Sculpture L'ère du classicisme se distingue par la sévérité et la retenue, la cohérence des formes, le calme des poses, quand même le mouvement ne viole pas la clôture formelle (E. Falconet, J. Houdon).

L'impulsion pour le développement de la sculpture classique au milieu du XVIIIe siècle a été les écrits de Winckelmann et les fouilles archéologiques des villes anciennes, qui ont élargi les connaissances des contemporains sur la sculpture ancienne. En France, des sculpteurs comme Pigalle et Houdon oscillaient à la limite du baroque et du classicisme. Le classicisme atteint sa plus haute incarnation dans le domaine de l'art plastique dans les œuvres héroïques et idylliques d'Antonio Canova, qui s'inspire principalement des statues de l'époque hellénistique (Praxitèle). En Russie, Fedot Shubin, Mikhail Kozlovsky, Boris Orlovsky et Ivan Martos se sont tournés vers l'esthétique du classicisme.

Les monuments publics, qui se sont répandus à l'époque du classicisme, ont donné aux sculpteurs l'occasion d'idéaliser la valeur militaire et la sagesse des hommes d'État. La fidélité au modèle ancien obligeait les sculpteurs à représenter des modèles nus, ce qui était en contradiction avec les normes acceptées.

Morale. Pour résoudre cette contradiction, les figures modernes ont d'abord été représentées par des sculpteurs classiques sous la forme de dieux antiques nus : sous Napoléon, le problème a été résolu en passant à la représentation de figures modernes en toges anciennes (ce sont les figures de Koutouzov et Barclay de Tolly devant de la cathédrale de Kazan).

La clientèle privée de l'époque classique préférait pérenniser son nom en pierres tombales. La popularité de cette forme sculpturale a été facilitée par l'aménagement de cimetières publics dans les principales villes d'Europe. Conformément à l’idéal classique, les personnages sur les pierres tombales sont généralement dans un état de profond repos. La sculpture du classicisme est généralement étrangère aux mouvements brusques et aux manifestations extérieures d'émotions comme la colère.

Le classicisme de l'Empire tardif, représenté principalement par le prolifique sculpteur danois Thorvaldsen, est imprégné d'un pathétique aride. La pureté des lignes, la retenue des gestes et les expressions impartiales sont particulièrement appréciées. Dans le choix des modèles, l’accent se déplace de l’hellénisme vers la période archaïque. Les images religieuses deviennent à la mode et, selon l’interprétation de Thorvaldsen, produisent une impression quelque peu effrayante sur le spectateur. La sculpture sur pierre tombale du classicisme tardif porte souvent une légère touche de sentimentalité.

La principale caractéristiquearchitecture le classicisme était un appel aux formes de l'architecture ancienne comme norme d'harmonie, de simplicité, de rigueur, de clarté logique et de monumentalité. L'architecture du classicisme dans son ensemble se caractérise par la régularité du tracé et la clarté des formes volumétriques. La base du langage architectural du classicisme était l'ordre, dans des proportions et des formes proches de l'Antiquité. Le classicisme se caractérise par des compositions axiales symétriques, une décoration sobre et un système régulier d'urbanisme.

Le langage architectural du classicisme a été formulé à la fin de la Renaissance par le grand maître vénitien Palladio et son disciple Scamozzi.

Les intérieurs les plus importants du style classique ont été conçus par l'Écossais Robert Adam, qui est revenu de Rome dans son pays natal en 1758. Il fut très impressionné à la fois par les recherches archéologiques des scientifiques italiens et par les fantaisies architecturales de Piranèse. Selon l’interprétation d’Adam, le classicisme était un style à peine inférieur au rococo dans la sophistication de ses intérieurs, ce qui lui a valu une popularité non seulement parmi les cercles démocratiques de la société, mais aussi parmi l’aristocratie. Comme ses collègues français, Adam prêchait un rejet total des détails dépourvus de fonction constructive.

Architectes France napoléonienne s'est inspiré des images majestueuses de la gloire militaire laissées par la Rome impériale, comme l'arc de triomphe de Septime Sévère et la colonne Trajane. Sur ordre de Napoléon, ces images furent transférées à Paris sous la forme de l'arc de triomphe du Carrousel et de la colonne Vendôme. En ce qui concerne les monuments de grandeur militaire de l'époque des guerres napoléoniennes, le terme « style impérial » est utilisé - style Empire. En Russie, Carl Rossi, Andrei Voronikhin et Andreyan Zakharov se sont révélés être des maîtres exceptionnels du style Empire. En Grande-Bretagne, le style empire correspond à ce qu'on appelle. « Style Régence » (le plus grand représentant est John Nash).

L’esthétique du classicisme a favorisé les projets d’urbanisme à grande échelle et a conduit à la rationalisation du développement urbain à l’échelle de villes entières. En Russie, presque toutes les villes de province et de nombreuses villes de district ont été réaménagées en

Conformément aux principes du rationalisme classique. Des villes comme Saint-Pétersbourg, Helsinki, Varsovie, Dublin, Édimbourg et bien d'autres sont devenues de véritables musées en plein air du classicisme. Un langage architectural unique, remontant à Palladio, dominait tout l'espace, de Minusinsk à Philadelphie. Le développement ordinaire a été réalisé conformément aux albums de projets standards.

Littérature. Le fondateur de la poétique du classicisme est le Français François Malherbe (1555-1628), qui procéda à une réforme de la langue et du vers français et développa des canons poétiques. Les principaux représentants du classicisme dans le théâtre étaient les tragédiens Corneille et Racine (1639-1699), dont le principal sujet de créativité était le conflit entre le devoir public et les passions personnelles. Les genres « bas » connaissent également un fort développement : fable (J. Lafontaine), satire (Boileau), comédie (Molière 1622-1673).

Le classicisme du XVIIIe siècle s'est développé sous l'influence des idées des Lumières. L'œuvre de Voltaire (1694-1778) est dirigée contre le fanatisme religieux, l'oppression absolutiste et est remplie du pathos de la liberté. Le but de la créativité est de changer le monde pour le mieux, de construire la société elle-même selon les lois du classicisme. Du point de vue du classicisme, l'Anglais Samuel Johnson a passé en revue la littérature contemporaine, autour de laquelle s'est formé un brillant cercle de personnes partageant les mêmes idées.

En Russie, le classicisme est né au XVIIIe siècle, après les réformes de Pierre Ier. Lomonossov a procédé à une réforme du vers russe et développé la théorie des « trois calmes », qui était essentiellement une adaptation des règles classiques françaises à la langue russe. Les images du classicisme sont dépourvues de caractéristiques individuelles, car elles sont conçues principalement pour capturer des caractéristiques génériques stables qui ne se transmettent pas dans le temps, agissant comme l'incarnation de forces sociales ou spirituelles.

Le classicisme en Russie s'est développé sous la grande influence des Lumières - les idées d'égalité et de justice ont toujours été au centre de l'attention des écrivains classiques russes. Par conséquent, dans le classicisme russe, les genres qui nécessitent une évaluation obligatoire de la réalité historique par l'auteur ont connu un grand développement : comédie (D. I. Fonvizin), satire (A. D. Kantemir), fable (A. P. Sumarokov, I. I. Khemnitser), ode (Lomonossov, G. R. Derzhavin).

Classicisme(de lat. classique– exemplaire), comme le baroque, s’avère être un phénomène à l’échelle paneuropéenne. La poétique du classicisme a commencé à prendre forme à l'époque fin de la Renaissance en Italie. Au seuil du classicisme se trouve la tragédie du dramaturge italien G. Trissino « Sofonisba » (1515), écrite à l'imitation des tragédiens antiques. Il décrivait des caractéristiques qui devinrent plus tard caractéristiques du drame classique - une intrigue logiquement structurée, s'appuyant sur le mot et non sur action sur scène, rationalité et caractère supra-individuel des personnages. La « Poétique » (1561) de l'Italien J. Ts. Scaliger, qui anticipa avec succès le goût du siècle prochain, le siècle de la logique et de la raison, eut une influence significative sur la formation du classicisme dans les pays européens. Et pourtant, la formation du classicisme a duré tout un siècle et, en tant que système artistique intégral, le classicisme s'est initialement développé en France au milieu du XVIIe siècle.

Le développement du classicisme en France est étroitement lié à l'établissement et à l'épanouissement du pouvoir royal centralisé (monarchie absolue). L'État à pouvoir unique limitait les droits de l'aristocratie féodale volontaire, cherchait à définir et à réglementer par la loi les relations entre l'individu et l'État et à distinguer clairement les sphères de la vie privée et personnelle. L'esprit de réglementation et de discipline s'étend à la sphère de la littérature et de l'art, déterminant leur contenu et leurs caractéristiques formelles. Afin de contrôler la vie littéraire, l'Académie française est créée à l'initiative du premier ministre, le cardinal Richelieu, et le cardinal lui-même intervient à plusieurs reprises dans les conflits littéraires dans les années 1630.

Les canons du classicisme ont pris forme dans des polémiques acerbes avec la littérature de précision, ainsi qu'avec les dramaturges espagnols (Lope de Vega, Tirso de Molina). Ce dernier ridiculise notamment l’exigence de l’unité du temps. (« Quant à vos 24 heures, quoi de plus absurde, que l'amour, commençant en pleine journée, se termine le soir par un mariage ! ») Poursuivant certaines traditions de la Renaissance (admiration pour l'Antiquité, foi en la raison , idéal d'harmonie et de modération), le classicisme était la Renaissance et une sorte d'antithèse, qui la rendait semblable, avec toutes leurs différence profonde, du baroque.

Les humanistes de la Renaissance accordaient la plus haute valeur à la libre expression de la nature humaine. Leur héros est une personnalité harmonieuse, affranchie du pouvoir de la corporation immobilière et sans retenue dans son individualisme. Les humanistes du XVIIe siècle - les fondateurs du classicisme -, en raison de l'expérience historique européenne, les passions semblaient être une force destructrice et anarchique, générée par l'égoïsme. Lors de l'évaluation d'une personne, les normes morales (vertus) sont désormais prioritaires. Le contenu principal de la créativité dans le classicisme réside dans les contradictions entre nature naturelle l'homme et le devoir civique, entre ses passions et sa raison, ce qui a donné lieu à des conflits tragiques.

Les classiques voyaient le but de l'art dans la connaissance de la vérité, qui constitue pour eux l'idéal de beauté. Les classiques proposent une méthode pour y parvenir, fondée sur trois catégories centrales de leur esthétique : la raison, le modèle et le goût (ces mêmes notions sont devenues des critères objectifs de l'art). Pour créer une grande œuvre, selon les classiques, il faut suivre les préceptes de la raison, en s'appuyant sur des œuvres « exemplaires », c'est-à-dire classiques, de l'Antiquité (antiquité) et guidé par les règles du bon goût (« le bon goût » est le juge suprême du « beau »). Ainsi, les classiques introduisent créativité artistiqueéléments activité scientifique.

Les principes de la poétique et de l'esthétique classiques sont déterminés par le système de vues philosophiques de l'époque, basé sur le rationalisme de Descartes. Pour lui, la raison est le critère le plus élevé de vérité. En utilisant une méthode analytique rationnelle, on peut pénétrer dans l'essence et le but idéaux de tout objet ou phénomène, comprendre les lois éternelles et immuables qui sous-tendent l'ordre mondial, et donc la base de la créativité artistique.

Le rationalisme a contribué à surmonter les préjugés religieux et la scolastique médiévale, mais il avait aussi ses propres faiblesses. La paix dans ce système philosophiqueétait considéré d'un point de vue métaphysique - comme immuable et immobile.

Ce concept a convaincu les classiques que l'idéal esthétique est éternel et inchangé à tout moment, mais il a été incarné avec la plus grande complétude et perfection dans l'art de l'Antiquité. Pour reproduire cet idéal, il faut se tourner vers l’art ancien et étudier minutieusement ses règles et lois. Dans le même temps, conformément aux idéaux politiques du XVIIe siècle, une attention particulière a été portée à l'art de la Rome impériale (l'ère de la concentration du pouvoir entre les mains d'une seule personne - l'empereur) et à la poésie du " âge d'or" - l'œuvre de Virgile, Ovide, Horace. Outre la « Poétique » d’Aristote, N. Boileau s’appuie sur « l’Épître à Pison » d’Horace dans son traité poétique « L’Art poétique » (1674), rassemblant et généralisant principes théoriques classicisme, résumé pratique artistique leurs prédécesseurs et contemporains.

En essayant de recréer le monde de l'Antiquité (« anobli » et « corrigé »), les classiques n'en empruntent que des « vêtements ». Quoique Boileau, s'adressant aux écrivains contemporains, écrive :

Et vous devez étudier les coutumes des pays et des années.

Après tout, le climat ne peut qu’influencer les gens.

Mais attention à ne pas être saturé de mauvais goût vulgaire

Avec l’esprit français de Rome... –

ce n'est rien de plus qu'une déclaration. Dans la pratique littéraire du classicisme, les personnages des XVIIe et XVIIIe siècles se cachent sous les noms de héros antiques, et les intrigues anciennes révèlent avant tout la formulation des problèmes les plus urgents de notre temps. Le classicisme est fondamentalement anhistorique, puisqu’il est guidé par les lois « éternelles et immuables » de la raison.

Les classiques proclament le principe de l'imitation de la nature, mais en même temps ils ne s'efforcent pas du tout de reproduire la réalité dans son intégralité. Ils ne s’intéressent pas à ce qui est, mais à ce qui devrait être selon les idées de leur esprit. Tout ce qui ne correspond pas au modèle et au « bon goût » est exclu de l’art et déclaré « indécent ». Dans les cas où il faut reproduire le laid, celui-ci est esthétiquement transformé :

Incarné dans l'art, à la fois monstre et reptile

Nous sommes toujours satisfaits du regard méfiant :

Le pinceau de l'artiste nous montre la transformation

Des objets abominables en objets d'admiration...

Un autre problème clé de la poétique classique est celui de la vérité et de la vraisemblance. Un écrivain doit-il décrire des phénomènes exceptionnels, incroyables, hors du commun, mais inscrits dans l'histoire (« vérité »), ou créer des images et des situations fictives, mais conformes à la logique des choses et aux exigences de la raison (c'est-à-dire « plausibles ») ? ") ? Boileau privilégie le deuxième groupe de phénomènes :

Ne nous tourmentez pas avec l’incroyable et dérangeant l’esprit :

Et parfois, la vérité ne ressemble pas à la vérité.

Je ne me réjouirai pas de merveilleuses bêtises :

L’esprit ne se soucie pas de ce qu’il ne croit pas.

La notion de vraisemblance sous-tend également le personnage classique : le héros tragique ne peut être « mesquin et insignifiant »,

Mais pourtant, sans faiblesses, son caractère est faux.

Achille nous captive par son ardeur,

Mais s'il pleure, je l'aime davantage.

Après tout, dans ces petites choses, la nature prend vie,

Et véritablement, l’image nous étonne.

(N. Boileau, "L'Art Poétique")

Boileau est proche de la position de J. Racine qui, s'appuyant sur la « Poétique » d'Aristote, dans la préface de la tragédie « Andromaque », écrivait à propos de ses héros qu'« ils devraient être des gens moyens dans leurs qualités spirituelles, c'est-à-dire : avoir de la vertu, mais être sujet à des faiblesses, et le malheur doit leur arriver à la suite d'une erreur capable de susciter pour eux de la pitié et non du dégoût.

Tous les classiques ne partageaient pas ce concept. Le fondateur de la tragédie classique française, P. Corneille, s'est tourné vers la création de personnages exceptionnels. Ses héros ne font pas monter les larmes aux yeux du public, mais suscitent une admiration indéniable pour leur résilience et leur héroïsme. Dans la préface de sa tragédie « Nicomède », Corneille déclarait : « La tendresse et les passions, qui devraient être l'âme de la tragédie, n'ont pas leur place ici : seule règne ici la grandeur héroïque, jetant sur ses douleurs un regard rempli d'un tel mépris qu'il n'en a pas. ne permet pas qu'on les arrache du cœur. personne, sauf par sa valeur et son amour... » Corneille motive le pouvoir de persuasion de ceux qu'il imagine avec le concept de vérité vitale et d'authenticité historique : « L'histoire qui m'a donné l'occasion de démontrer le plus haut degré de cette grandeur a été reprise par moi de Justin.

Le culte de la raison chez les classiques détermine également les principes de création de personnages - l'une des catégories esthétiques centrales du classicisme. Pour les classiques, le caractère n'implique pas un ensemble de traits individuels d'une personne particulière, mais incarne une certaine structure générale et en même temps éternelle de la nature humaine et de la psychologie. Ce n'est que sous l'aspect de l'éternel, de l'immuable et de l'universel que le personnage est devenu un objet. recherche artistique art classique.

À la suite des théoriciens de l'Antiquité - Aristote et Horace - Boileau estime que « l'art » doit préserver « à chacun ses sentiments particuliers ». Ces « sentiments particuliers » déterminent la constitution psychologique d'une personne, faisant de l'un un dandy vulgaire, d'un autre un avare, d'un troisième un dépensier, etc. Le caractère était ainsi réduit à un trait dominant. Pouchkine a également noté que dans Molière, l'hypocrite Tartuffe « demande même un verre d'eau, l'hypocrite », et que l'avare Harpagon « est avare et rien de plus ». Il ne sert à rien d’y rechercher un contenu psychologique plus important. Quand Harpagon s'explique à sa bien-aimée, il se comporte en avare, et avec ses enfants il se comporte en avare. "Il n'y a qu'une seule peinture, mais elle est appliquée de plus en plus épaisse et, finalement, amène l'image à une invraisemblance psychologique quotidienne." Ce principe de typification a conduit à une division nette des héros en positifs, vertueux et négatifs, vicieux.

Les personnages des tragédies sont également déterminés par un trait dominant. L'unilinéarité des héros de Corneille souligne leur intégrité, qui justifie le « cœur » de leur caractère. C'est plus difficile pour Racine : la passion qui définit le caractère de ses personnages est elle-même contradictoire (il s'agit généralement de l'amour). L’épuisement de toute la gamme des nuances psychologiques de la passion est la méthode de caractérisation de Racine – une méthode, comme celle de Corneille, profondément rationaliste.

Incarnant des traits génériques et « éternels » dans son personnage, l'artiste classique lui-même cherchait à parler non pas à partir de son « je » particulier et unique, mais à partir de la position d'un homme d'État. C'est pourquoi les genres « objectifs » prédominent dans le classicisme - principalement les genres dramatiques, et parmi les genres lyriques, ceux où prédomine une orientation vers l'impersonnel, universellement significatif (ode, satire, fable).

La normativité et la rationalité de l’esthétique classique se manifestent également dans la stricte hiérarchie des genres. Il existe des genres « élevés » – tragédie, épopée, ode. Leur sphère est la vie publique, les événements historiques, la mythologie ; leurs héros sont des monarques, des généraux, des historiques et personnages mythologiques. Ce choix de héros tragiques était déterminé non pas tant par les goûts et l'influence de la cour, mais par la mesure de la responsabilité morale des personnes chargées du sort de l'État.

Les genres « hauts » s’opposent aux genres « bas » – comédie, satire, fable – tournés vers la sphère privée Vie courante nobles et citadins. Une place intermédiaire est donnée aux genres « intermédiaires » - élégie, idylle, épître, sonnet, chanson. Représentant le monde intérieur d'un individu, ces genres n'occupaient aucune place notable dans le processus littéraire à l'apogée de la littérature classique, imprégnée de hauts idéaux civiques. Le temps de ces genres viendra plus tard : ils auront un impact significatif sur le développement de la littérature à l'ère de la crise du classicisme.

La prose, en particulier la fiction, est bien moins valorisée par les classiques que la poésie. « L'amour pensé en vers », s'exclame Boileau au début de son traité et « n'élève au Parnasse » que les genres poétiques. Les genres de prose à caractère principalement informatif - sermons, mémoires, lettres - se généralisent. Dans le même temps, la prose scientifique, philosophique et épistolaire, devenue domaine public à l'ère du culte de la science, acquiert les traits d'une œuvre véritablement littéraire et a déjà une valeur non seulement scientifique ou historique, mais aussi esthétique (« Lettres d'un Provinciales » et « Pensées » de B. Pascal, « Maximes ou Réflexions morales » de F. de La Rochefoucauld, « Personnages » de J. de La Bruyère, etc.).

Chaque genre du classicisme a des limites strictes et des caractéristiques formelles claires. Aucun mélange du sublime et du vil, du tragique et du comique, de l'héroïque et de l'ordinaire n'est permis : ce qui est permis dans la satire est exclu dans la tragédie, ce qui est bon dans la comédie est inacceptable dans l'épopée. Une « loi particulière de l'unité de style » règne ici (G. Gukovsky) - chaque unité de genre a son propre canon de style formel strict. Les genres mixtes, par exemple la tragi-comédie, très populaire dans la première moitié du XVIIe siècle, sont repoussés hors des frontières de la « vraie littérature ». « Désormais, seul l’ensemble du système des genres est capable d’exprimer la diversité de la vie. »

L'approche rationaliste a également déterminé l'attitude envers la forme poétique :

Vous apprenez à penser, puis à écrire.

La parole suit la pensée ; plus clair ou plus foncé

Et la phrase est calquée sur l’idée ;

Ce qui est clairement compris sera clairement entendu,

Et le mot exact viendra immédiatement.

(N. Boileau, "L'Art Poétique")

Chaque œuvre doit être strictement pensée, la composition doit être logiquement structurée, les parties individuelles doivent être proportionnées et indissolubles, le style doit être clair jusqu'à la transparence, le langage doit être laconique et précis. Le concept de mesure, de proportion et de symétrie est inhérent non seulement à la littérature, mais aussi à toute la culture artistique du classicisme - architecture, peinture, art du paysage. La pensée scientifique et artistique de l’époque a un caractère mathématique prononcé.

En architecture, les bâtiments publics qui expriment l’idée d’État commencent à donner le ton. Les schémas de planification reposent sur des formes géométriques régulières (carré, triangle, cercle). Les architectes classiques maîtrisaient la construction d'un immense complexe composé d'un palais et d'un parc. Ils deviennent capables de compositions détaillées et mathématiquement vérifiées. En France, les nouvelles tendances s'incarnent d'abord pleinement dans l'ensemble grandiose de Versailles (1661-1689, architectes L. Levo, A. Le Nôtre, J. Hardouin-Mansart, etc.).

Les peintures des classiques se distinguent également par leur clarté, leur logique et leur harmonie compositionnelle. N. Poussin, créateur et chef du classicisme français en peinture, a choisi des sujets qui donnaient matière à réflexion à l'esprit, cultivaient la vertu chez une personne et lui enseignaient la sagesse. Il trouva ces sujets principalement dans la mythologie antique et l'histoire légendaire de Rome. Ses tableaux « La Mort de Germanicus » (1627), « La Prise de Jérusalem » (1628) et « Le Viol des Sabines » (1633) sont consacrés à la représentation d’« actions héroïques et inhabituelles ». La composition de ces peintures est strictement ordonnée ; elle ressemble à la composition des bas-reliefs antiques (les personnages sont situés dans un espace peu profond, divisé en plusieurs plans). Poussin, de manière presque sculpturale, dessine clairement les volumes des personnages, vérifie soigneusement leur structure anatomique et dispose leurs vêtements selon des plis classiques. La répartition des couleurs dans le tableau est également soumise à la même stricte harmonie.

Des lois strictes régnaient également dans l'art verbal. Ces lois ont été établies particulièrement strictement pour les genres élevés, exprimés sous la forme poétique obligatoire. Ainsi, la tragédie, comme l’épopée, devait être présentée dans des vers alexandrins majestueux. L'intrigue de la tragédie, historique ou mythologique, était tirée des temps anciens et était généralement connue du spectateur (plus tard, les classiques ont commencé à tirer le matériel de leurs tragédies de l'histoire orientale, et les classiques russes ont préféré les intrigues de leur propre histoire nationale). La familiarité de l'intrigue a amené le spectateur à ne pas percevoir une intrigue complexe et complexe, mais à analyser les expériences émotionnelles et les aspirations opposées des personnages. Selon la définition de G. A. Gukovsky, « la tragédie classique n'est pas un drame d'action, mais un drame de conversation ; le poète classique ne s'intéresse pas aux faits, mais à l'analyse directement formée dans le mot ».

Les lois de la logique formelle déterminaient la structure des genres dramatiques, principalement la tragédie, censée se composer de cinq actes. Les comédies pouvaient aussi être en trois actes (les comédies en un acte apparaîtraient au XVIIIe siècle), mais en aucun cas en quatre ou deux actes. Les classiques ont élevé le principe des trois unités - lieu, action et temps, formulé dans les traités de G. Trissino et Y. Scaliger, basés sur la Poétique d'Aristote, en une loi incontestable pour les genres dramatiques. Selon la règle de l'unité de lieu, toute l'action de la pièce doit se dérouler en un seul lieu : un palais, une maison ou même une pièce. L'unité de temps exigeait que toute l'action de la pièce ne dure pas plus d'une journée, et plus elle correspondait à la durée de la représentation - trois heures - mieux c'était. Enfin, l'unité d'action impliquait que les événements décrits dans la pièce aient leur propre début, développement et fin. De plus, la pièce ne doit pas contenir d'épisodes ou de personnages « supplémentaires » qui ne sont pas directement liés au développement de l'intrigue principale. Sinon, croyaient les théoriciens du classicisme, la diversité des impressions empêchait le spectateur de percevoir le « fondement raisonnable » de la vie.

L'exigence de trois unités a radicalement changé la structure du drame, car elle a obligé les dramaturges à décrire non pas l'ensemble du système d'événements (comme c'était le cas, par exemple, dans la pièce de mystère médiévale), mais seulement l'épisode qui complète tel ou tel événement. . Les événements eux-mêmes étaient « retirés de la scène » et pouvaient couvrir une longue période de temps, mais ils étaient de nature rétrospective et le spectateur les apprenait grâce aux monologues et aux dialogues des personnages.

Au début, les trois unités n'étaient pas formelles. Le principe sous-jacent de la vraisemblance, principe fondamental du classicisme, s'est formé dans la lutte avec les traditions du théâtre médiéval, avec ses pièces dont l'action s'étendait parfois sur plusieurs jours, impliquant des centaines d'interprètes, et l'intrigue était remplie de tous sortes de miracles et d'effets naturalistes naïfs. Mais, élevant le principe des trois unités en règle inébranlable, les classiques n'ont pas pris en compte les particularités de la perception subjective de l'art, qui permet l'illusion artistique, la non-identité. image artistique objet reproduit. Les romantiques, qui ont découvert la « subjectivité » du spectateur, commenceront leur assaut contre le théâtre classique en renversant la règle des trois unités.

Le genre a suscité un intérêt particulier de la part des écrivains et des théoriciens du classicisme. des épopées, ou poème héroïque, que Boileau plaçait même au-dessus de la tragédie. Ce n’est que dans l’épopée, selon Boileau, que le poète « a gagné de l’espace/pour captiver notre esprit et notre regard avec une invention noble ». Les poètes classiques sont également attirés par l'épopée par un thème héroïque particulier basé sur événements majeurs le passé, et des héros exceptionnels par leurs qualités et la manière de raconter les événements, que Boileau formule ainsi :

Laissez votre histoire être dynamique, claire, concise,

Et dans les descriptions c'est à la fois magnifique et riche.

Comme dans la tragédie, une attitude morale et didactique est importante dans l'épopée. Représentant des temps héroïques, l'épopée, selon V. Trediakovsky, donne « une instruction ferme à la race humaine, lui apprenant à aimer la vertu » (« Prédiction du poème héroïque », 1766).

Dans la structure artistique de l'épopée, Boileau attribue un rôle déterminant à la fiction (« En prenant pour base le mythe, il vit de fiction... »). L'attitude de Boileau envers la mythologie antique et chrétienne est systématiquement rationaliste - le mythe antique l'attire par la transparence de l'allégorie, qui ne contredit pas la raison. Les miracles chrétiens ne peuvent faire l’objet d’une incarnation esthétique ; de plus, selon Boileau, leur utilisation en poésie peut compromettre les dogmes religieux (« les sacrements du Christ ne sont pas utilisés pour le plaisir »). Pour caractériser l'épopée, Boileau s'appuie sur l'épopée ancienne, principalement l'Énéide de Virgile.

Critiquant « l'épopée chrétienne » de T. Tasso (« Jérusalem libérée »), Boileau s'oppose également à l'épopée héroïque nationale basée sur des matériaux du haut Moyen Âge (« Alaric » de J. Scuderi, « La Vierge » de J. Chaplin) . Le classique Boileau n'accepte pas le Moyen Âge comme une époque de « barbarie », ce qui signifie que les sujets tirés de cette époque ne peuvent avoir pour lui une valeur esthétique et didactique.

Les principes de l'épopée formulés par Boileau, orientés vers Homère et Virgile, n'ont pas été mis en œuvre pleinement et globalement dans littérature XVII siècle. Ce genre a déjà dépassé son utilité, et I. G. Herder, le théoricien du mouvement littéraire en Allemagne « Tempête et Drang » (années 70 du XVIIIe siècle), du point de vue de l'historicisme, a expliqué l'impossibilité de sa résurrection (il parle du épopée ancienne) : "L'épopée appartient à l'enfance de l'humanité." Au XVIIIe siècle, tentatives de création d'une épopée héroïque basée sur du matériel national dans le cadre du classicisme système artistique D'ailleurs, ils ne furent pas couronnés de succès (« Henriada » de Voltaire, 1728 ; « Rossiyada » de M. Kheraskov, 1779).

L'ode, l'un des genres principaux du classicisme, a également une forme stricte. Son trait obligatoire est le « désordre lyrique », qui présuppose le libre développement de la pensée poétique :

Laissez le style orageux d'Odes se précipiter au hasard :

Sa tenue est magnifique avec ses belles rides.

Loin des rimeurs timides, dont l'esprit est flegmatique

L'ordre dogmatique est maintenu dans les passions elles-mêmes...

(N. Boileau, "L'Art Poétique")

Et pourtant, cet « ordre dogmatique » a été strictement respecté. L'ode, comme un discours oratoire, se composait de trois parties : une « attaque », c'est-à-dire une introduction au sujet, une discussion où ce sujet était développé et une conclusion énergique et émotionnelle. Le « désordre lyrique » est de nature purement extérieure : passer d'une pensée à une autre, introduire digressions lyriques, le poète a subordonné la construction de l'ode au développement de l'idée principale. Le lyrisme de l'ode n'est pas individuel, mais, pour ainsi dire, collectif, il exprime « les aspirations et les aspirations de tout l'organisme étatique » (G. Gukovsky).

Contrairement à la tragédie et à l'épopée « hautes », les « genres bas » classiques - la comédie et la satire - sont appliqués à la vie quotidienne moderne. Le but de la comédie est d'éduquer, de ridiculiser les défauts, de « gouverner l'humeur par la moquerie ;/de faire rire les gens et d'utiliser ses règles directes » (A. Sumarokov). Le classicisme a rejeté la comédie satirique pamphlet (c'est-à-dire dirigée contre des individus spécifiques) d'Aristophane. Le comédien s'intéresse aux vices humains universels dans leurs manifestations quotidiennes - paresse, gaspillage, avarice, etc. Mais cela ne veut pas dire que la comédie classique est dépourvue de contenu social. Le classicisme se caractérise par une orientation idéologique et morale-didactique claire, et donc l'appel à des questions socialement significatives a donné à de nombreuses comédies classiques un son social et même d'actualité ("Tartuffe", "Don Juan", "Le Misanthrope" de Molière ; "Le Brigadier", "Le Mineur" de D. Fonvizin ; "Sneak" de V. Kapnist).

Dans ses jugements sur la comédie, Boileau se concentre sur la comédie morale « sérieuse », présentée dans l'Antiquité par Ménandre et Térence, et dans les temps modernes par Molière. Boileau considère « Le Misanthrope » et « Tartuffe » comme les plus hautes réalisations de Molière, mais reproche au comédien d'utiliser les traditions de la farce populaire, les jugeant grossières et vulgaires (la comédie « Les Astuces de Scapin »). Boileau prône la création d'une comédie de personnages par opposition à une comédie d'intrigues. Plus tard, ce type de comédie classique, abordant des problèmes d'importance sociale ou socio-politique, se verra attribuer la définition de « haute » comédie.

La satire a beaucoup de points communs avec la comédie et la fable. Tous ces genres ont un sujet de représentation commun - les défauts et les vices humains, une évaluation émotionnelle et artistique commune - le ridicule. La structure compositionnelle de la satire et de la fable est basée sur la combinaison des principes de l'auteur et du récit. L'auteur de satire et de fable utilise souvent le dialogue. Cependant, contrairement à la comédie, dans la satire, le dialogue n'est pas lié à l'action, à un système d'événements, et la représentation des phénomènes de la vie, contrairement à une fable, dans la satire est basée sur une image directe plutôt qu'allégorique.

Poète satirique par son talent, Boileau s'écarte en théorie de l'esthétique antique, qui classait la satire comme un genre « bas ». Il considère la satire comme un genre socialement actif. Donnant une description détaillée de la satire, Boileau rappelle les satiristes romains Lucilius, Horace et Persius Flaccus, qui dénonçaient avec audace les vices des puissants. Mais il met Juvénal au dessus de tout. Et bien que le théoricien français note les origines « régionales » de la satire du poète romain, son autorité sur Boileau est incontestable :

Ses poèmes vivent de la terrible vérité,

Et pourtant, leur beauté scintille ici et là.

Le tempérament de satiriste a prévalu sur les postulats théoriques chez Boileau et dans sa défense du droit à la satire personnelle dirigée contre des personnes précises et connues (« Discours sur la satire » ; il est caractéristique que Boileau ne reconnaisse pas la satire sur les visages dans la comédie) . Cette technique a apporté une couleur journalistique d’actualité à la satire classique. Le classique-satiriste russe A. Kantemir a également largement utilisé la technique de la satire sur les visages, donnant à ses personnages « supra-individualistes », personnifiant une sorte de vice humain, un portrait ressemblant à ses ennemis.

Une contribution importante du classicisme au développement ultérieur de la littérature a été le développement d'un langage clair et harmonieux des œuvres artistiques (« Ce qui est clairement compris sonnera clairement »), libéré du vocabulaire étranger, capable d'exprimer divers sentiments et expériences (« Colère est fier, il a besoin de paroles arrogantes, / Mais les chagrins de la plainte ne sont pas si intenses »), corrélés aux personnages et à l'âge des personnages (« Alors choisissez bien votre langue : / Un vieil homme ne peut pas parler comme un jeune homme » ).

La formation du classicisme en France et en Russie commence par des réformes linguistiques et poétiques. En France, ce travail a été lancé par F. Malherbe, qui fut le premier à proposer la notion de bon goût comme critère de compétence artistique. Malherbe a beaucoup fait pour nettoyer la langue française de nombreux provincialismes, archaïsmes et prédominance du latin et du latin empruntés. Mots grecs, introduit dans la circulation littéraire par les poètes des Pléiades au XVIe siècle. Malherbe a procédé à une codification de la langue littéraire française, en éliminant tout ce qui y est aléatoire, en se concentrant sur l'orthophonie des gens éclairés de la capitale, à condition que la langue littéraire soit compréhensible par toutes les couches de la population. La contribution de Malherbe au domaine de la versification française fut également significative. Les règles de métrique formulées par lui (lieu fixe de césure, interdiction des transferts d'une ligne poétique à une autre, etc.) sont non seulement entrées dans la poétique du classicisme français, mais ont également été adoptées par la théorie et la pratique poétiques d'autres pays européens.

En Russie, un travail similaire fut réalisé un siècle plus tard par M. Lomonossov. La théorie des « trois calmes » de Lomonossov a éliminé la diversité et le désordre des formes littéraires de communication caractéristiques de la littérature russe de la fin du XVIIe au premier tiers du XVIIIe siècle, rationalisé l'usage des mots littéraires au sein d'un genre particulier, déterminant le développement du droit du discours littéraire. jusqu'à Pouchkine. Non moins importante est la réforme poétique de Trediakovsky-Lomonossov. En réformant la versification sur la base du système syllabique-tonique, inhérent à la langue russe, Trediakovsky et Lomonosov ont ainsi jeté les bases d'une culture poétique nationale.

Au XVIIIe siècle, le classicisme connaît sa deuxième apogée. L'influence déterminante sur celle-ci, ainsi que sur d'autres tendances stylistiques, est éclaircissement- un mouvement idéologique né dans des conditions de crise aiguë d'absolutisme et dirigé contre le système féodal-absolutiste et l'Église qui le soutient. Les idées des Lumières sont basées sur le concept philosophique de l'Anglais J. Locke, qui a proposé un nouveau modèle du processus de cognition, basé sur le sentiment, la sensation, comme seule source connaissance humaine sur le monde ("Essai sur l'esprit humain", 1690). Locke a rejeté de manière décisive la doctrine des « idées innées » de R. Descartes, comparant l'âme d'une personne née à une ardoise vierge (tabula rasa), où l'expérience écrit « ses propres écrits » tout au long de la vie.

Cette vision de la nature humaine a conduit à l'idée de l'influence déterminante sur la formation de la personnalité de l'environnement social et naturel, qui rend une personne bonne ou mauvaise. L'ignorance, la superstition et les préjugés générés par l'ordre social féodal déterminent, de l'avis des éducateurs, le désordre social et déforment la nature initialement morale de l'homme. Et seul l'enseignement général peut éliminer l'écart entre les relations publiques et les exigences de la raison et de la nature humaine. La littérature et l’art ont commencé à être considérés comme l’un des principaux outils de transformation et de rééducation de la société.

Tout cela a déterminé des fonctionnalités fondamentalement nouvelles dans Classicisme XVIII siècle. Tout en préservant les principes de base de l'esthétique classique dans l'art et la littérature du classicisme pédagogique, la compréhension du but et des objectifs d'un certain nombre de genres change considérablement. La transformation du classicisme dans l'esprit des principes des Lumières est particulièrement visible dans les tragédies de Voltaire. Rester fidèle à l'essentiel principes esthétiques classicisme, Voltaire s'efforce d'influencer non seulement l'esprit du public, mais aussi ses sentiments. Il recherche de nouveaux thèmes et de nouveaux moyens d'expression. Continuant à développer le thème antique familier au classicisme, Voltaire se tourne également dans ses tragédies vers des sujets médiévaux (Tancred, 1760), orientaux (Mahomet, 1742), et liés à la conquête du Nouveau Monde (Alzira, 1736). Il donne une nouvelle justification à la tragédie : « La tragédie est une peinture en mouvement, un tableau animé, et les gens qui y sont représentés doivent agir » (c'est-à-dire que Voltaire considère la dramaturgie non seulement comme l'art des mots, mais aussi comme l'art). du mouvement, du geste, des expressions faciales).

Voltaire remplit la tragédie classique d'un contenu philosophique et socio-politique aigu lié aux problèmes urgents de notre temps. Le dramaturge se concentre sur la lutte contre le fanatisme religieux, la tyrannie politique et le despotisme. Ainsi, dans l’une de ses tragédies les plus célèbres, « Mahomet », Voltaire prouve que toute déification d’une personnalité individuelle conduit finalement à un pouvoir incontrôlé sur les autres. L'intolérance religieuse conduit les héros de la tragédie « Zaïre » (1732) à fin tragique, et des dieux impitoyables et des prêtres perfides poussent les mortels faibles à commettre des crimes (« Œdipe », 1718). Dans l'esprit des grands enjeux de société, Voltaire repense et transforme l'épopée et l'ode héroïques.

Durant la période de la Grande Révolution française (1789-1794), le mouvement classiciste en vie littéraire a une signification particulière. Le classicisme de cette époque non seulement généralise et assimile les traits novateurs de la tragédie de Voltaire, mais restructure aussi radicalement les genres élevés. M. J. Chénier refuse de dénoncer le despotisme en général et c'est pourquoi il prend pour sujet de ses images non seulement l'Antiquité, mais aussi l'Europe des temps modernes (« Charles IX », « Jean Calas »). Le héros des tragédies de Chénier promeut les idées de droit naturel, de liberté et de droit, il est proche du peuple, et dans la tragédie, le peuple apparaît non seulement sur scène, mais agit également aux côtés du personnage principal ("Cai Gracchus", 1792 ). Le concept de l'État comme catégorie positive, opposée au personnel, individualiste, est remplacé dans l'esprit du dramaturge par la catégorie « nation ». Ce n'est pas un hasard si Chénier a qualifié sa pièce « Charles IX » de « tragédie nationale ».

Dans le cadre du classicisme de l'époque de la Révolution française, un nouveau type d'ode a été créé. Préservant le principe classique de la priorité de la raison sur la réalité, l'ode révolutionnaire inclut dans son monde des personnes partageant les mêmes idées que le héros lyrique. L'auteur lui-même ne parle plus en son nom propre, mais au nom de ses concitoyens, en utilisant le pronom « nous ». Rouget de Lisle dans « La Marseillaise » prononce des slogans révolutionnaires comme s'il était avec ses auditeurs, les encourageant ainsi et lui-même à des changements révolutionnaires.

Le créateur d'un nouveau type de classicisme, correspondant à l'air du temps, en peinture fut J. David. Avec son tableau "Le Serment des Horaces" (1784), un nouveau thème apparaît dans les beaux-arts français - civil, journalistique dans son expression directe, un nouveau héros - un républicain romain, moralement intègre, mettant avant tout le devoir envers sa patrie. sinon, une nouvelle manière - sévère et ascétique, contrastant avec le style de chambre raffiné Peinture française seconde moitié du XVIIIe siècle.

Sous l'influence de la littérature française au XVIIIe siècle, des modèles nationaux de classicisme se dessinent dans d'autres pays européens : en Angleterre (A. Pope, J. Addison), en Italie (V. Alfieri), en Allemagne (I. K. Gottsched). Dans les années 1770-1780, un phénomène artistique aussi original que le « classicisme de Weimar » (J. W. Goethe, F. Schiller) est apparu en Allemagne. Se tournant vers les formes artistiques et les traditions de l'Antiquité, Goethe et Schiller se sont donné pour tâche de créer une nouvelle littérature de haut style comme principal moyen éducation esthétique personne harmonieuse.

La formation et l'épanouissement du classicisme russe se situent dans les années 1730-1750 et se déroulent dans les conditions de formation d'un État absolutiste assez similaire à celui de la France. Mais malgré un certain nombre points généraux dans l'esthétique du classicisme russe et français (rationalisme, normativité et régulation des genres, abstraction et convention comme traits dominants de l'image artistique, reconnaissance du rôle du monarque éclairé dans l'établissement d'un ordre social juste fondé sur la loi), le classicisme russe a ses propres caractéristiques nationales uniques.

Les idées des Lumières ont alimenté le classicisme russe dès le début. L'affirmation de l'égalité naturelle des personnes conduit les écrivains russes à l'idée de la valeur extra-classe de l'homme. Cantemir déjà, dans sa deuxième satire « Filaret et Eugène » (1730), déclare que « le même sang coule chez les libres et chez les esclaves », et que les « nobles » « se manifestent par une seule vertu ». Quarante ans plus tard, A. Sumarokov, dans sa satire « De la noblesse », poursuivra : « Quelle est la différence entre un gentleman et un paysan ? Tous deux sont un morceau de terre animé. » Fonvizinsky Starodum ("Mineur", 1782) déterminera la noblesse d'une personne par le nombre d'actes accomplis pour la patrie ("sans actes nobles, un État noble n'est rien"), et l'illumination d'une personne dépendra directement de la culture de la vertu en lui (« Le but principal de toute connaissance humaine est un bon comportement »).

Voyant dans l'éducation « la garantie du bien-être de l'État » (D. Fonvizine) et croyant à l'utilité d'une monarchie éclairée, les classiques russes entament le long processus d'éducation des autocrates, en leur rappelant leurs responsabilités envers leurs sujets :

Les dieux ne l'ont pas fait roi pour son bénéfice ;

Il est roi, afin qu'il soit un homme pour tous les peuples :

Il doit tout donner aux gens tout le temps,

Tous vos soins, tout votre zèle pour les gens...

(V. Trediakovsky, "Tilemakhida")

Si le roi ne remplit pas ses devoirs, s'il est un tyran, il doit être renversé du trône. Cela peut également se produire par le biais d'un soulèvement populaire (« Dmitri le prétendant » de A. Sumarokov).

Le matériau principal des classiques russes n'est pas l'Antiquité, mais leur propre histoire nationale, à partir de laquelle ils ont préféré tirer des sujets pour des genres élevés. Et au lieu d'un dirigeant idéal abstrait, un « philosophe sur le trône », caractéristique du classicisme européen, les écrivains russes ont reconnu un personnage historique très spécifique - Pierre Ier - comme un souverain exemplaire, un « ouvrier sur le trône ».

Le théoricien du classicisme russe Sumarokov, s'appuyant dans son « Épistole sur la poésie » (1748) sur « l'art poétique » de Boileau, introduit un certain nombre de nouvelles dispositions dans son traité théorique, rend hommage à la reconnaissance non seulement des maîtres du classicisme, mais aussi aux représentants d'autres mouvements. Ainsi, il élève au rang d'Hélicon, aux côtés de Malherbe et Racine, Camoes, Lope de Vega, Milton, Pope, le Shakespeare « non éclairé », ainsi que les écrivains contemporains - Détouches et Voltaire. Sumarokov parle de manière suffisamment détaillée du poème et de l'épistole héroïque-comique, non mentionnés par Boileau, explique en détail les caractéristiques de la fable « entrepôt » en utilisant l'exemple des fables de Boileau Lafontaine contournée, et s'attarde sur le genre de la chanson, que le théoricien français mentionne en passant. Tout cela témoigne non seulement des préférences esthétiques personnelles de Sumarokov, mais aussi des changements qui mûrissent dans le classicisme européen du XVIIIe siècle.

Ces changements sont principalement associés à l'intérêt croissant de la littérature pour la vie intérieure de l'individu, qui a finalement conduit à une restructuration significative des structures de genre du classicisme. Un exemple typique ici est le travail de G. Derzhavin. Restant « avant tout un classique » (V. Belinsky), Derzhavin introduit un fort élément personnel dans sa poésie, détruisant ainsi la loi de l'unité de style. Dans sa poésie apparaissent des formations complexes en termes de genre - ode-satire ("Felitsa", 1782), poèmes anacréontiques écrits sur une intrigue odique ("Poèmes pour la naissance d'un jeune porphyre dans le Nord", 1779 ), une élégie aux traits d'un message et d'une ode (« À la mort du prince Meshchersky », 1779), etc.

Cédant la place à de nouveaux courants littéraires, le classicisme ne laisse pas la littérature sans trace. Le tournant vers le sentimentalisme s'effectue dans le cadre des genres classiques « moyens » - élégie, message, idylle. Les poètes du début du XIXe siècle K. Batyushkov et N. Gnedich, tout en restant fondamentalement fidèles à l'idéal classique (en partie au canon du classicisme), ont chacun suivi leur propre chemin vers le romantisme. Batyushkov – de la « poésie légère » à l'élégie psychologique et historique, Gnedich – à la traduction de « l'Iliade » et aux genres associés art folklorique. Les formes strictes de la tragédie classique de Racine ont été choisies par P. Katenin pour son Andromaque (1809), bien qu'en tant que romantique il s'intéresse à l'esprit même de la culture antique. La haute tradition civique du classicisme s'est poursuivie dans les paroles épris de liberté des poètes radichtcheviens, des décembristes et de Pouchkine.

Goukovski G.A. Littérature russe du XVIIIe siècle. M., 1939. P. 123.

Cm.: Moskvicheva V.G. Classicisme russe. M., 1986. P. 96.

Codification(de lat. codification– systématisation) – ici : systématisation des règles, normes et lois de l’usage littéraire.

Le nom de cette doctrine philosophique est sensualisme(lat. sens- sensation, sensation).

Cm.: Oblomievsky D.D. Littérature de la Révolution//Histoire littérature mondiale: V 9 t. M., 1988. T. 5. P. 154, 155.

Classicisme en architecture et urbanisme.

La principale caractéristique de l'architecture du classicisme était l'appel aux formes de l'architecture ancienne comme norme d'harmonie, de simplicité, de rigueur, de clarté logique et de monumentalité. L'architecture du classicisme dans son ensemble se caractérise par la régularité du tracé et la clarté des formes volumétriques. La base du langage architectural du classicisme était l'ordre, dans des proportions et des formes proches de l'Antiquité. Le classicisme se caractérise par des compositions axiales symétriques, une décoration sobre et un système régulier d'urbanisme.

Le langage architectural du classicisme a été formulé à la fin de la Renaissance par le grand maître vénitien Palladio et son disciple Scamozzi.

Les Vénitiens ont absolutisé les principes de l’architecture des temples antiques à tel point qu’ils les ont même appliqués à la construction d’hôtels particuliers tels que la Villa Capra. Inigo Jones a amené le palladianisme au nord de l'Angleterre, où les architectes palladiens locaux ont suivi les principes palladiens avec plus ou moins de fidélité jusqu'au milieu du XVIIIe siècle.

À Venise, Palladio, commandé par l'Église, réalise plusieurs projets et construit plusieurs églises (San Pietro in Castello, 1558 ; cloître de l'église de Santa Maria della Carita [aujourd'hui Musée de l'Académie] ; façade de l'église de San Francesco della Vigna, 1562 ; San Giorgio Maggiore sur la même île, 1565 [complété par V. Scamozzi vers 1610] ; Santa Maria della Présentation, ou "Le Santa Lucia" ; milieu du XIXe siècle lors de la construction de la gare). Si les villas de Palladio dans leur ensemble sont unies par l'impression d'harmonie et de tranquillité des formes, alors dans ses églises l'essentiel est la dynamique des formes, parfois excitées par le pathos.

Robert Adam (travaillant en collaboration avec son frère James) est devenu l'architecte le plus recherché de Grande-Bretagne. Les connaisseurs de la beauté admiraient la liberté avec laquelle il combinait des éléments classiques auparavant considérés comme incompatibles. Une nouvelle approche de l’agencement des techniques architecturales familières (fenêtre thermique, serliano) témoigne de la profonde pénétration d’Adam dans l’essence de l’art ancien. Bâtiments : Kedleston Hall, Syon House, Register House, Osterley Park.

Le classicisme en peinture.

Les quelques peintures d'Agostino Carracci (les plus belles d'entre elles sont les fresques du Palais Farnèse à Rome, réalisées avec le frère Annibale, « La Communion de Saint Jérôme » et « L'Assomption de la Vierge » de la Pinacothèque de Bologne) sont se distingue par l'exactitude du dessin et une couleur claire et gaie.

Agostino était un graveur plus célèbre que son frère Annibale. Imitant Cornelis Cort, il atteint de grands sommets dans l'art de la gravure. Les plus célèbres de ses gravures sont : « La Crucifixion » (avec le Tintoret, 1589), « Enée et Anchise » (avec Barocchio, 1595), « La Vierge à l'Enfant » (avec le Corrège), « La Tentation de Saint-Pierre ». Antoine", "St. Jérôme" (avec le Tintoret), ainsi que quelques gravures tirées de ses propres œuvres.

Claude Lorrain a représenté avec une grande habileté le jeu des rayons du soleil à différentes heures de la journée, la fraîcheur du matin, la chaleur de midi, le scintillement mélancolique du crépuscule, les ombres fraîches des nuits chaudes, l'éclat des eaux calmes ou légèrement agitées. , la transparence de l'air pur et la distance parcourue par un léger brouillard. Dans son œuvre, deux styles peuvent être distingués : les peintures datant du début de son activité sont peintes avec force, épaisseur, dans des couleurs chaudes ; les suivants - plus doux, sur un ton froid. Les personnages avec lesquels ses paysages sont habituellement animés.

Lorrain, contrairement à Poussin, est allé au-delà du paysage métaphysique (lire académique). La lumière est toujours importante dans son travail. Il est le premier à étudier le problème de l'éclairement solaire, matin et soir ; le premier qui s'est sérieusement intéressé à l'atmosphère et à sa saturation lumineuse. Son travail a influencé le développement de la peinture paysagère européenne, en particulier William Turner

Le classicisme en musique

La musique de la période du classicisme ou la musique du classicisme est une période de développement de musique européenne environ entre 1730 et 1820 (voir « Délais de périodes dans le développement de la musique classique » pour plus de détails sur les problèmes liés à la distinction de ces cadres). Le concept de classicisme en musique est régulièrement associé aux œuvres de Haydn, Mozart et Beethoven, appelées Classiques viennois et déterminé l'orientation du développement ultérieur de la composition musicale.

Une caractéristique distinctive de l'œuvre de Mozart est l'étonnante combinaison de formes strictes et claires avec une profonde émotivité. Le caractère unique de son œuvre réside dans le fait qu'il a non seulement écrit dans toutes les formes et tous les genres qui existaient à son époque, mais qu'il a également laissé dans chacun d'eux des œuvres d'une importance durable. La musique de Mozart révèle de nombreux liens avec différentes cultures nationales (notamment italiennes), mais elle appartient néanmoins au sol national viennois et porte la marque de l'individualité créatrice du grand compositeur.

Mozart est l'un des plus grands mélodistes. Sa mélodie combine les caractéristiques des chansons folkloriques autrichiennes et allemandes avec la mélodie de la cantilène italienne. Malgré le fait que ses œuvres se distinguent par la poésie et la grâce subtile, elles contiennent souvent des mélodies de nature masculine, avec un grand pathétique dramatique et des éléments contrastés. Les opéras les plus populaires étaient « Les Noces de Figaro », « Don Giovanni » et « La Flûte enchantée ».

Questions et tâches :

1) Classicisme (classicisme français, du latin classicus - exemplaire) - style artistique et direction esthétique dans l'art européen des XVIIe-XIXe siècles.

Il y a deux étapes dans le développement du classicisme : le XVIIe siècle. et XVIII - début XIX siècles. Au XVIIIe siècle

Le classicisme est basé sur les idées du rationalisme, qui se sont formées simultanément avec les mêmes idées dans la philosophie de Descartes. Une œuvre d'art, du point de vue du classicisme, doit être construite sur la base de canons stricts, révélant ainsi l'harmonie et la logique de l'univers lui-même. Le classicisme n'intéresse que l'éternel, l'immuable - dans chaque phénomène, il s'efforce de reconnaître uniquement les caractéristiques typologiques essentielles, en écartant les caractéristiques individuelles aléatoires. L'esthétique du classicisme attache une grande importance à la fonction sociale et éducative de l'art. Le classicisme reprend de nombreuses règles et canons de l'art ancien (Aristote, Horace).

Le classicisme établit une hiérarchie stricte de genres, qui sont divisés en hauts (ode, tragédie, épopée) et bas (comédie, satire, fable). Chaque genre a des caractéristiques strictement définies dont le mélange n'est pas autorisé.

Comment s'est formée une certaine direction en France, au XVIIe siècle. Le classicisme français affirmait la personnalité de l'homme comme la valeur la plus élevée de l'existence, le libérant de l'influence religieuse et ecclésiale.

Peinture, sculpture, architecture, littérature, musique, le classicisme est représenté.

2) Du bâtiment monumental, ils arrivent à un bâtiment exprimant une certaine fonction sociale, l'unité de ces fonctions crée un organisme urbain, et sa structure est la coordination de ces fonctions. Puisque la coordination sociale repose sur les principes de rationalité, les plans urbains deviennent plus rationnels, c'est-à-dire qu'ils suivent des motifs géométriques rectangulaires ou radiaux clairs constitués de rues larges et droites, de grandes zones carrées ou circulaires. L'idée d'interconnexion Société humaine et la nature s'exprime dans la ville par l'introduction de vastes espaces verts, le plus souvent des parcs à proximité de palais ou de jardins d'anciens monastères devenus propriété de l'État après la révolution. Réduire l'architecture à la seule réalisation de tâches d'urbanisme implique une simplification et une typification de ses formes.

3) L'architecte du classicisme rejette la « chantilly » du baroque et insiste sur les normes d'harmonie, de rigueur, de clarté logique et de monumentalité. En fait, pour lui, il n’y avait aucun doute quant à savoir si l’art était objectif ou non. Bien sûr, objectivement, mais lui-même sert l'éternité et tout ce qui est immuable. D'où l'accent mis sur le système d'ordre, la régularité de l'agencement et la symétrie. Mec, si nous nous en souvenons, cela semble fier. Et la régularité et la clarté sont précisément ce qui distingue la création humaine de l'asymétrie spontanée de la nature. Pour les bâtiments et les parcs, tout cela signifiait l'apparition de rangées de colonnes s'étendant en perspective, de buissons parfaitement taillés et de dizaines de mètres de sculptures parfaites. Et les boucles, les plis architecturaux et les volants viennent du malin. L'architecte du classicisme était le plus souvent un touriste et voyageait en Italie et en Grèce pour admirer les ruines, les œuvres de Palladio, Scamozzi et les dessins de Piranesi, puis il transportait ces connaissances dans son propre pays. Cela s'est produit en particulier avec Inigo Jones, responsable de l'introduction du classicisme en Grande-Bretagne, et avec Robert Adam, qui a changé le visage de l'Écosse. Les Allemands Leo von Klenze et Karl Friedrich Schinkel, devenus fous de la beauté du Parthénon, ont construit Munich et Berlin dans l'esprit néo-grec avec de grandioses musées et autres édifices publics.

Les Français Jacques-Germain Soufflot, Claude-Nicolas Ledoux et Etienne-Louis Boullé ont créé leurs propres versions du classicisme : le premier maîtrisait de plus en plus les espaces autour du bâtiment, tandis que Ledoux et Boullé se laissaient emporter par la géométrisation radicale des formes. Les Français (et après eux les Russes), de tous les Européens, se révélèrent les plus sensibles au luxe de la Rome impériale et n'hésitèrent pas à copier les arcs et les colonnes de triomphe.

4) Voir la question n°3.

5) Une caractéristique distinctive de l’œuvre de Mozart est l’étonnante combinaison de formes strictes et claires avec une profonde émotivité. Le caractère unique de son œuvre réside dans le fait qu'il a non seulement écrit dans toutes les formes et tous les genres qui existaient à son époque, mais qu'il a également laissé dans chacun d'eux des œuvres d'une importance durable. La musique de Mozart révèle de nombreux liens avec différentes cultures nationales (notamment italiennes), mais elle appartient néanmoins au sol national viennois et porte la marque de l'individualité créatrice du grand compositeur.

6) Nicolas Poussin. Maître de la composition martelée et rythmée. Il fut l'un des premiers à apprécier la monumentalité de la couleur locale.

Né en Normandie, original éducation artistique reçu dans son pays natal, puis étudie à Paris, sous la direction de Quentin Varenne et de J. Lallemand. En 1624, déjà artiste assez connu, Poussin se rend en Italie et se lie d'amitié à Rome avec le poète Marino, qui lui inculque le goût d'étudier les poètes italiens, dont les œuvres fournissent à Poussin un matériau abondant pour ses compositions. Après la mort de Marino, Poussin se retrouve à Rome sans aucun soutien. Sa situation ne s'améliora qu'après avoir trouvé des mécènes en la personne du cardinal Francesco Barberini et du cavalier Cassiano del Pozzo, pour qui il écrivit Les Sept Sacrements. Grâce à une série de ces excellents tableaux, Poussin fut invité par le cardinal Richelieu à Paris en 1639 pour décorer la galerie du Louvre. Louis XIII l'élève au titre de son premier peintre. A Paris, Poussin a de nombreuses commandes, mais il forme un parti d'opposants en la personne des artistes Vouet, Bréquier et Mercier, qui avaient auparavant travaillé à la décoration du Louvre. L'école de la Vue, qui bénéficiait du patronage de la reine, intriguait particulièrement contre lui. Ainsi, en 1642, Poussin quitte Paris et retourne à Rome, où il réside jusqu'à sa mort.

Poussin était particulièrement fort en paysage. Profitant des résultats obtenus dans ce type de peinture par l'école de Bologne et les Hollandais vivant en Italie, il créa ce qu'on appelle le « paysage héroïque », qui, étant agencé selon les règles d'une répartition équilibrée des masses, avec ses formes agréables et majestueuses lui servaient de scène pour dépeindre un âge d'or idyllique. Les paysages de Poussin sont empreints d'une ambiance sérieuse et mélancolique. En représentant des personnages, il adhère aux antiquités, à travers lesquelles il détermine le chemin ultérieur que l'école de peinture française suit après lui. En tant que peintre d'histoire, Poussin avait une connaissance approfondie du dessin et un don pour la composition. Dans le dessin, il se distingue par une stricte cohérence de style et d'exactitude.

« La Générosité de Scipion », « Les Bergers d'Arcadie », « Tancrède et Erminia ».

La générosité de Scipion.

Une peinture basée sur la capture de Nouvelle Carthage (Carthagène moderne), le fief espagnol des Puniques pendant la Seconde Guerre punique, que Scipion a capturé avec d'innombrables trésors, des otages des tribus espagnoles et une grande quantité de provisions. Au fait, je l'ai capturé en une journée.

En fait, la générosité de Scipion réside dans le fait qu'il a libéré les otages et organisé leur renvoi chez eux, et a également préservé l'honneur des filles nobles de ces tribus espagnoles, ce qui a gagné l'amitié et la faveur de nombreux Espagnols qui se sont rangés du côté de Rome.

N° 21 Fondements de la vision du monde dans la culture éducative. Les Lumières en Europe et en Amérique

La formation d'une nouvelle idéologie est associée à la formation d'une nouvelle couche sociale. Convaincu des idées du rationalisme, instruit. Pas des aristocrates. Ils constatent la pauvreté et l'humiliation du peuple, la décomposition des couches supérieures et se fixent pour objectif de changer la situation, en utilisant une vision scientifique du monde capable d'influencer l'humeur des masses. (Ce sont des fauteurs de troubles et des esclaves)

Ils prônent la reconnaissance des droits individuels, et c’est ainsi qu’apparaissent les doctrines du droit naturel. Ils apparaissent dans les enseignements de Hobbes, Locke et Grotius au XVIIIe siècle. L'idée originale de Hobbes sur la loi naturelle est que la nature humaine est mauvaise et égoïste. « L’homme est un loup pour l’homme », l’état naturel est « une guerre de tous contre tous ». Dans cette guerre, l’homme est guidé par sa loi naturelle : la loi de la force. La loi naturelle s'oppose aux lois naturelles, qui constituent le principe moral rationnel de l'homme. Lois d'auto-préservation et de satisfaction des besoins. Puisque la guerre de tous contre tous menace l’humanité d’autodestruction, il est nécessaire de changer l’état de nature en un état civil. Un contrat social doit être conclu. Les gens cèdent volontairement certains de leurs droits et libertés à l’État et acceptent de se conformer aux lois. Ainsi la loi naturelle de la force est remplacée par l'harmonie des lois naturelles et civiles. L’État est donc une condition nécessaire à la culture. Locke croyait que la vérité de la vie sociale ne réside pas dans l’État, mais dans l’homme lui-même. Les gens s'unissent dans la société pour garantir les droits naturels d'une personne. Selon Locke, il s’agit du droit à la vie, à la propriété et au travail. Le travail et la propriété donnent aux gens liberté et égalité. L'État est obligé de protéger la liberté confidentialité personne. Dès le début, les théories du droit naturel avaient une orientation anti-ecclésiale et anti-féodale, car l'accent était mis sur l'origine naturelle du droit. Ce qui s'oppose à la théorie du droit divin selon laquelle la religion est à l'origine de l'État féodal et des inégalités sociales. Le terme illumination est utilisé pour la première fois par Aviary. La priorité dans le développement de l'éducation appartient à la France. Et Herder, avec Voltaire, a inventé ce chapeau : l'illumination. Kant a écrit que l’illumination est un moyen de sortir d’un état de minorité dans lequel une personne se trouvait de son plein gré. Un mineur de plein gré est celui dont les causes ne résident pas dans des déficiences de la raison, mais dans un manque de détermination et de courage pour l'utiliser sans l'aide de quelqu'un d'autre. La devise de l’illumination selon Kant est d’avoir le courage d’utiliser son propre esprit.

Les idées des Lumières sont basées sur les idées du rationalisme. Ce n'est pas un hasard si la littérature et l'art glorifient la raison, le pouvoir de l'esprit humain - c'est une vision du monde optimiste. Croyance au pouvoir de l'esprit humain. Pauvillon - « Merveilles de l'esprit humain ». Au centre du concept de l'homme des Lumières se trouve l'idée d'un homme naturel, et le roman de Daniel Defoe « Robinson Crusoé » - un homme à l'état de nature - a joué un rôle énorme dans sa formation. C'est une histoire sur la vie de l'humanité, qui est passée de la sauvagerie à la civilisation. C'est l'état naturel qui éduque Robinson. J.-J. lui succède. Rousseau. Dans un traité sur le raisonnement sur les sciences et les arts, il rapporte que l'homme naturel est éclairé, mais pas par les sciences et les arts, dont les despotes ont besoin pour briser la résistance des hommes. La civilisation n'a pu créer que des esclaves heureux ; Rousseau les oppose aux sauvages de l'Amérique. Ne comptant que sur la chasse, ils sont invincibles. Aucun joug ne peut être imposé à des personnes qui n’ont aucun besoin. Rousseau développe également le concept d'homme naturel dans des traités sur l'origine et les fondements de l'inégalité entre les hommes et sur le contrat social. L’origine des inégalités s’explique historiquement. Voltaire et Montesquieu ont vivement critiqué l'idée du pouvoir sacré du clergé. Dieu s'est discrédité car pendant longtemps son nom a été utilisé par les oligarques pour tromper le peuple et renforcer son pouvoir. Ensuite, les éclaireurs ont travaillé au développement d’utopies sociales.

D’abord se construit la reconstruction de la société, puis la théorie d’une société universelle. Tout le monde a essayé de déterminer l'état naturel de l'homme, qui se reflétait dans la réalité sociale du bien-être matériel. Rousseau croyait pouvoir bien-être matériel, richesse - les capacités humaines se développent, les idées se développent, les sentiments sont ennoblis, l'âme est élevée.

Claude Helvétius a formulé le concept de vertu, qui pour lui se mesure par l'utilité, et non par l'abnégation, comme c'était le cas dans la morale chrétienne. Autrement dit, une personne devrait profiter de la vie et ne pas servir Dieu avec l’abnégation caractéristique d’un chrétien. Cette idée a été soutenue par l'éducateur anglais Bentham, qui croyait que la vertu devait être basée sur le bénéfice personnel, en tenant compte des intérêts publics de la société. C'est ainsi que ça commence nouvelle étape dans le développement des Lumières, qui dans son ensemble a subi une évolution : depuis des tentatives éparses pour établir l'idée des Lumières, jusqu'à l'unification des forces des éclaireurs ; du déisme de Walter à l'athéisme de Denis Diderot. De l'idée d'une monarchie éclairée, la passion pour le système anglais au développement d'un changement révolutionnaire dans le système social français jusqu'à l'instauration de l'idée de république, du principe d'égalité. Le slogan le plus important est « Liberté, égalité, fraternité ». En général, les éducateurs créent une image harmonieuse du monde parce qu’elle est optimiste. L'idée d'universalité, de culture mondiale se forme. Le plus célèbre était Johann Herder. Il affirme l'égalité des cultures des différents peuples et époques. Dans le même temps, le terrain apparaît pour le développement de l’eurocentrisme. Pendant longtemps, les Européens n’ont pas connu les cultures étrangères et lorsqu’ils ont conquis les peuples d’Amérique et d’Australie, ils ont agi en conquérants. Ils ont ignoré la culture de leurs ennemis. Alors qu’avec le développement de l’idée d’universalité, en comparant les cultures sur un pied d’égalité, la sienne s’avère plus importante, supérieure à celle de quelqu’un d’autre. Le développement des idées de Rousseau pendant la Révolution française a témoigné d'une nouvelle attitude envers l'homme, si bien que socialement, des idées ont commencé à apparaître qui contredisaient les idées de l'esclavage.

Les Droits de l'homme de Thomas Pen ont été publiés en 1791.

"Une justification des droits des femmes" par Ounstonecraft, 1792. Le Danemark a été le premier pays à interdire l'esclavage. Puis, en 1794, la France l'a interdit. En 1807, l’esclavage est aboli dans l’Empire britannique. Les idées des Lumières ont déterminé le développement de la culture américaine. Philadelphie devient le centre de l'éducation en Amérique ; la première bibliothèque d'Amérique et la première revue juridique y sont créées. La première école de médecine et hôpital, les activités éducatives de Benjamin Franklin, qui a formulé les principes classiques de la morale bourgeoise, sont associées à cette ville. Un héros des temps modernes est une personne qui ne doit tout qu’à elle-même. Il se caractérise par la sobriété d'esprit, la rationalité, la concentration sur la vraie vie, avec ses joies matérielles. C'est à lui que parlent de nombreux aphorismes de la culture bourgeoise et de la moralité bourgeoise : « Le temps, c'est de l'argent », « L'épargne et le travail mènent à la richesse », etc.

La culture éducative est basée sur les idées de Cottan Mather et Jonathan Edwards.

L'idéologie des Lumières a contribué au développement de l'éducation. Les érudits des Lumières croient que l'éducation dans l'esprit science moderne, les connaissances modernes peuvent améliorer la vie des gens, ce n'est pas un hasard si Diderot a uni les forces des éclaireurs Voltaire et Montesquieu pour créer un dictionnaire explicatif ou Encyclopédie des Sciences, des Arts et des Métiers.

Peu à peu, une situation plus favorable à l'obtention d'une éducation se développe en Amérique que dans l'ancien monde. Ceci explique l'apparition des pères fondateurs de la république.

Thomas Jefferson auteur de la Déclaration d'Indépendance. Il devient l'interprète américain des enseignements de Locke. Il considérait que le but de l'État était de protéger les droits de l'homme : les droits à la vie, à la propriété, à la liberté et au bonheur. Le peuple peut renverser l’État. L'essentiel est de répartir correctement le pouvoir. La liberté est étroitement liée aux responsabilités.

La déception à l'égard des idéaux des Lumières a été exprimée dans le roman Gulliver's Travels de Jonathan Swift - une satire sur les idées des Lumières. Swift doutait du progrès scientifique.

Le siècle des Lumières a duré environ 100 ans, puis est venue la réaction aux résultats de la Révolution française. La partie pensante de l’humanité européenne estimait que l’idéal de l’homme, formé par la culture de la Renaissance, ne correspondait pas à la réalité.

№22,23 Le romantisme comme paradigme culturel, Le romantisme en Europe

Au XVIIIe siècle se forme le préromantisme, dont J.-J. Rousseau joue un rôle particulier dans la formation, principalement avec la célèbre confession. L’âge de raison parlait de la primauté du sentiment, de la singularité de chaque personne. En Allemagne, le romantisme est alimenté par les idées du mouvement littéraire et social « Storm and Drang ». Les œuvres des premiers Goethe, Schiller. Parmi les sources importantes figurent la philosophie de Fichte avec son absolutisation de la liberté créatrice. Et Arthur Schopenhauer avec son idée d'une volonté aveugle et déraisonnable qui crée le monde selon sa propre volonté. La réalité semblait défavorable, parfois terrible, et la raison ne pouvait la corriger. La vision du monde des romantiques est irrationnelle. L'idée de l'existence de forces d'un autre monde est un produit fantastique, non contrôlé par l'esprit éclairé. Cette tendance s'est manifestée dans le travail de l'artiste espagnol Francisco Goya. Il reflète de nouvelles thématiques, remet en question le culte du principe rationnel humain, la croyance en l'humanité originelle. Les affaires humaines jettent un profond doute sur les affirmations précédentes. Goya refuse de diviser la vie entre le bien et le mal, le haut et le bas. L’expérience de la nouvelle ère, bouleversée par les révolutions et les guerres, a réfuté l’idée selon laquelle les principes de l’obscurité et de la lumière sont incompatibles. La vie s'est avérée plus compliquée et tout ce qui existe - les gens, l'histoire, l'homme, avec ses rêves, ses fantasmes, est impliqué dans un processus continu de changement et de formation. D'un côté, Goya fait preuve de courage, de persévérance, de grandeur d'âme, de l'autre, il sait montrer le crime, l'inhumanité. Le romantisme surgit en réaction à la Révolution française, à l'idée de leur culte de la raison. Et la raison de son développement est aussi le mouvement de libération nationale. Initialement, le terme romantisme était utilisé dans la littérature des peuples germano-romains ; il recouvrait ensuite la musique et les arts visuels. L'idée de mondes doubles, c'est-à-dire la comparaison et le contraste des mondes réels et représentés, est devenue fondamentale pour l'art romantique. La vie réelle ou la prose de la vie, avec son manque de spiritualité et d'utilitarisme, est considérée comme une illusion indigne de l'homme, opposée au monde réel. L'affirmation du développement d'un bel idéal en tant que réalité réalisée au moins dans les rêves est la caractéristique principale du romantisme. La réalité moderne est rejetée comme dépositaire de tous les vices, donc le romantique la fuit. L'évacuation s'effectue dans les directions suivantes :

1. Aller dans la nature, la nature est donc un diapason d'expériences émotionnelles, l'incarnation d'une liberté réelle, d'où l'intérêt pour la campagne, la critique de la ville. Intérêt pour le folklore, les mythes anciens, les contes, les épopées.
2. Évadez-vous vers des pays exotiques, une civilisation bourgeoise préservée aux yeux des romantiques.
3. A défaut d’une véritable adresse territoriale de fuite, elle s’invente, se construit dans l’imaginaire.
4. Évadez-vous vers un autre temps. Le romantisme cherche surtout à s’échapper jusqu’au Moyen Âge. Il y a là un bel idéal chevaleresque.

C’est dans la vie du cœur que les romantiques voient le contraire de l’absence de cœur du monde extérieur. Un portrait romantique, un autoportrait, se développe en peinture. Les héros des portraits sont des personnalités créatives extraordinaires. Des poètes, des écrivains qui ont un monde intérieur extraordinaire. L'image du monde intérieur devient dominante. L'une des premières images d'une personnalité libre a été incarnée par l'écrivain et poète Byron, « Le voyage et le pèlerinage de Chaid Harold ». L'image d'une personnalité libre a été appelée le héros byronique. Il se caractérise par des traits tels que la solitude et l'égocentrisme. Libéré de la société, ce héros est malheureux. L'indépendance lui est plus précieuse que le confort et la paix. Le thème de la solitude se reflète dans le travail de Caspar David Friedrich lorsqu'il représente des figures humaines solitaires sur fond de nature. Hector Berlioz devient le fondateur du français. À cet égard, cela devient une symphonie fantastique. Fantastique est le reflet du monde intérieur du héros lyrique, un poète fugitif solitaire et méconnu, tourmenté par un amour non partagé. La vision romantique du monde s'exprimait en deux versions : 1) le monde semblait être une subjectivité cosmique sans fin et sans visage, l'énergie créatrice de l'esprit étant le début de la création de l'harmonie mondiale. Ceci se caractérise par une image panthéiste du monde, de l’optimisme et un sentiment sublime. 2) La subjectivité humaine est prise en compte, en conflit avec le monde extérieur. Cette attitude est caractérisée par le pessimisme.

Formes nationales de romantisme, si disponibles caractéristiques communes original. Donc Romantisme allemand sérieux, mystique. En Allemagne, la théorie et l'esthétique du romantisme prennent forme (Fichte, Schopenhauer). Dans le même temps, naissent ici des chefs-d'œuvre de la musique et de la littérature, destinés à l'approfondissement. Le romantisme français est impétueux et épris de liberté. Tout d’abord, cela s’est manifesté par peinture de genre. Dans l'histoire et image de tous les jours, dans le genre du portrait, dans la romance. Le romantisme anglais sentimental et sensuel utilisait des formes fantastiques, allégoriques et symboliques pour représenter le monde, l'ironie et le grotesque.

Le fondateur du romantisme français est Théodore Géricault. Il surmonte l'influence du classicisme, ses œuvres reflètent la diversité de la nature. En introduisant la vie humaine dans la composition, Géricault s’efforce de révéler de la manière la plus vivante possible les expériences et les émotions intérieures d’une personne. Ayant conservé le besoin classique de généralisation et d'images héroïques, Géricault incarne pour la première fois dans la peinture française un sens aigu du conflit du monde. Il incarne les phénomènes dramatiques de la modernité, une passion forte. Premières œuvres Geriot reflétait l'héroïsme guerres Napoléoniennes. « Officier des rangers à cheval de la garde impériale partant à l'attaque », « Cuirassier blessé sortant du champ de bataille ». Composition et couleur dynamiques. L'une des œuvres centrales de Géricault est « Le Radeau de Méduse ». Il a été écrit sur une histoire d’actualité sur la frégate perdue « Medusa ». Géricault donne une signification historique et symbolique à un événement privé. L'œuvre révèle une gamme complexe de sentiments. Du désespoir complet à l’apathie totale et à l’espoir passionné de salut. L'idée d'un artiste romantique en tant que personne libre et indépendante est profondément personnalité émotionnelle. Géricault l'a exprimé dans une série de ses portraits. (Portrait de Delacroix, vingt ans) et autoportraits. La série de portraits de malades mentaux est significative. La tradition de Géricault a été reprise par Eugène Delacroix. "Dante et Virgile" ou "Le bateau de Dante") La même passion et la même protestation contre toute violence marquent ses œuvres ultérieures. "Massacre à Yosa" ou "La Grèce sur les ruines de Messalonga") reflète les événements de la défense des Grecs contre l'invasion turque. « La liberté sur les barricades » a été écrit sur le thème des événements contemporains. Sa symbolique romantique et révolutionnaire s'exprime par la figure allégorique de la liberté, avec le développement du savoir en main. De nombreuses œuvres sont inspirées de voyages en Afrique du Nord. « Femmes algériennes dans leurs appartements », « Mariage juif au Maroc », « Chasse au lion au Maroc ». Delacroix aimait les courses et les chevaux. Delacroix peint des portraits de compositeurs (Chopin, Paganini). L'expression du romantisme dans la peinture allemande est l'œuvre de K.D. Friedrich. Déjà là premières œuvres l'atmosphère mystique complète de son art était déterminée. Il s'agit de peintures telles que « Tombeau des Huns dans la neige », « Croix dans les montagnes », « Moine au bord de la mer ». Il représente le spectateur comme un personnage contemplant le paysage avec détachement. Une nature mystérieusement silencieuse se révèle à ce contemplateur. Divers symboles d'existence surnaturelle. (Horizon marin, sommet d'une montagne, bateau, ville lointaine, crucifix de voyage, croix, cimetière) Pour Friedrich, la nature est porteuse d'expériences religieuses profondes. Le paysage était utilisé comme moyen d’afficher des expériences émotionnelles profondes. Il y a quatre âges de la vie dans le travail programmatique. Des personnages de différents âges sont représentés sur une côte arctique déserte et quatre navires s'approchant du rivage. C'est ainsi que l'artiste a représenté le passage du temps, le passage du temps, la mortalité vouée à l'échec de l'homme. La scène elle-même, sur fond de coucher de soleil, évoque un vif sentiment de nostalgie mélancolique. Le titre d’une autre œuvre parle de lui-même : « L’effondrement de l’espoir ». Les Préraphaélites sont une confrérie d'artistes anglais. (Rosetti, Milles, Hunt). Les crises économiques et les révolutions des années 1840 n’ont pas affecté l’Angleterre. C’est l’apogée du capitalisme britannique. Le diktat esthétique de l’Angleterre. Le nom Préraphaélites est apparu en raison du fait que les membres de la société adoraient l'art du pré-Cinquecento. Ils s'appuient principalement sur le Quattrocento et le Trecento. La peinture préraphaélite était une réaction au pragmatisme monde bourgeois et était une critique du capitalisme du point de vue de la beauté. Il s'agit d'une tentative de créer davantage meilleure réalité basé sur l’harmonie spirituelle, physique et sociale. Le sens divin de la beauté idéale, le sens universel de l’existence et la haute spiritualité se révèlent dans la nature qui entoure l’homme et dans la vie quotidienne. L'intérêt pour le Moyen Âge était dû au désir de renouveau religieux. «La Mariée» - Rosetti, l'image de la féminité apparaît. Les peintures de Hunt sont imprégnées de symbolisme. « Le berger engagé » La tête de mort est un symbole de rétribution, la pomme est un symbole de tentation. "Je me suis réveillé de la honte" Hunt. La « Lampe du Monde » représente le Christ marchant. "Le bouc émissaire" est une allégorie du Christ dans le désert. Milles "Le Christ en domicile parental", le tableau était autrement appelé "atelier de menuiserie". Le romantisme en Amérique est né sous l'influence culture européenne. Il y avait une tendance à romantiser la Révolution américaine, présentée comme une voie vers le plus haut degré de développement et plaçant les États-Unis à la tête du progrès mondial. Ainsi, l’exclusivité de la voie américaine a été affirmée. Le genre biographique se développe. Washington est devenu le premier héros. Le père de la biographie américaine est Gerard Sparks. Il a créé 12 volumes sur Washington, 10 volumes sur Franklin. L’industrialisation rapide des États du Nord détruisait les traditions.

N°24 Système de valeurs et culture de la société industrielle

Principes démocratiques dans la structure sociale, développement de la science expérimentale et industrialisation. Celui-ci a été créé au 17ème siècle. Le résultat de la révolution industrielle a été l’émergence d’une société industrielle. Dont les idéaux sont le travail, la production, la science, l'éducation, la démocratie. Saint-Simon rêve d'une société organisée comme une immense usine dirigée par des industriels et des scientifiques. L'usine à cette époque a changé la manufacture, entraînant une augmentation sans précédent de la productivité du travail social. L'introduction d'innovations techniques s'est accompagnée de la consolidation des entreprises et de la transition vers la production de produits de masse et standardisés. La production de masse a conduit à l'urbanisation. (croissance urbaine) Les États-Unis ont démontré la perspective d’un développement accéléré du capitalisme. Le processus est devenu global et plus homogène ; l’histoire s’est transformée en histoire mondiale. La formation de la culture comme unité et diversité cultures nationales et écoles d'art. Les pays traditionnels, comme le Japon, sont également inclus dans ce processus. Le problème du dialogue culturel acquiert une saveur particulière. Un nouveau système de valeurs est en train d’émerger. La sensibilité est basée sur le bénéfice, la prospérité, le confort. Le progrès s’identifie au progrès économique. Dans le même temps, le principe du bénéfice transforme la notion de vérité. L'essentiel est ce qui est pratique et utile. L'étiquette prend un caractère utilitaire. Régulation des relations entre partenaires libres par les moyens d'achat et de vente. Le vendeur doit être poli et courtois, mais pas l’acheteur. L'attention n'est portée qu'à ceux qui sont utiles. Les relations sont formalisées.