Théâtre étranger du XXe siècle. Théâtres étrangers Les graves conséquences de la guerre ont dicté de nouveaux thèmes et formes pour la scène théâtrale, capables d'éveiller l'âme et la conscience de l'homme.

Comme l’écrivait William Shakespeare : « Le monde entier est une scène ». Mais nous découvrirons encore quels théâtres du monde sont considérés comme les plus beaux et les plus importants pour l'histoire, sur quelles scènes les grands chanteurs d'opéra et les stars du théâtre rêvent de se produire, où il n'y a toujours pas places gratuites et les billets doivent être réservés au moins six mois à l'avance.

Opéra de Sydney, Australie

L'Opéra de Sydney a la particularité d'être l'un des cinq bâtiments les plus reconnaissables au monde. Le théâtre, tel que conçu par l'architecte, est une image sculpturale d'un navire aux voiles relevées. C'est l'un des dix bâtiments remarquables architecture moderne et est carte de visite Sidney. Dans le port où a été construit le théâtre, il y avait auparavant un dépôt de tramway et, plus tôt encore, un ancien fort.

L'Opéra de Sydney a été officiellement inauguré par la reine Elizabeth II de Grande-Bretagne en 1973. Sa Majesté a visité le théâtre cinq fois.

En 2007, il a été reconnu site de l'UNESCO et la même année, il a été l'un des vingt finalistes du projet « Sept nouvelles merveilles du monde ». Le répertoire du théâtre comprend un opéra qui lui est dédié, intitulé « Le Huitième Miracle ». Le théâtre est ouvert 363 jours par an, sauf Noël catholique et le Vendredi Saint.

Opéra de Paris, France

L'Opéra de Paris, également connu sous le nom de Grand Opéra, est l'un des plus célèbres et théâtres importants paix. Il a été construit au milieu du XIXe siècle sur ordre de Napoléon III, qui dédaignait de se rendre dans l'ancien bâtiment pour assister à des représentations.

C'est l'Opéra de Paris qui a inspiré écrivain français Gaston Leroux pour écrire l'un de ses romans les plus célèbres, Le Fantôme de l'Opéra. De plus, le théâtre possède un « lac souterrain », mentionné dans le livre. Un réservoir d'eau est stocké au sous-sol du bâtiment, qui sert à stabiliser les fondations.

Le théâtre peut être visité quotidiennement dans le cadre d'une excursion, sauf trois vacances- Noël catholique, Nouvel An et Fête des Travailleurs le 1er mai.

Metropolitan Opera, New York, États-Unis

Le Metropolitan Opera, connu sous le nom de Met, a été fondé en 1880, mais le théâtre n'a emménagé dans son bâtiment actuel, le Lincoln Center, qu'en 1966. Le bâtiment abrite également des sculptures de Lehmbruck et Maillol, des fresques de Chagall, ainsi que des portraits d'artistes de renom.

Sur la scène du théâtre à temps différent Maria Callas, Leonard Warren, Fiodor Chaliapine, Dmitry Hvorostovsky, Placido Domingo, Anna Netrebko et Renée Fleming se sont produits.

Le théâtre fonctionne de septembre à avril et part en tournée de mai à juin. En juillet, il organise des spectacles gratuits dans les parcs new-yorkais, traditionnellement très fréquentés.

La Scala, Milan, Italie

Il a été inauguré en 1778 sur le site de l'église de Santa Maria della Scala, d'où le nom du théâtre lui-même. Le bâtiment a existé sous sa forme originale jusqu'à la Seconde Guerre mondiale, lorsque le théâtre a été complètement détruit.

Il est à noter que lors des fouilles du site pour la construction du théâtre, un ancien bloc de marbre avec l'image du célèbre mime romain Pylade a été découvert.

La Scala a été restaurée et ensuite restaurée plus d'une fois. Dans le même temps, plus de 60 millions d'euros ont été dépensés pour la dernière restauration, qui a duré trois ans. D'abord morceau de musique, joué sur la scène rénovée le 7 décembre 2004, était l’opéra « Europe Recognized » de Salieri.

Scène lacustre du Festival de Bregenz, Autriche

La scène du Festival de Bregenz est construite sur 200 pilotis au bord du lac de Constance et peut accueillir plus de 6 000 spectateurs sur la rive. Le décor des représentations sur cette scène est le plus extraordinaire et le plus étanche au monde.

Tous les deux ans, la scène flottante est entièrement reconstruite. Depuis 1946, le célèbre Festival d'opéra de Bregenz se tient sur le site en juillet-août. Dans le cadre du festival, représentations théâtrales divers genres musicaux.

Opéra de Vienne, Autriche

Le plus grand théâtre d'Autriche, l'Opéra de Vienne, a ouvert ses portes en mai 1869 avec la première représentation de Don Giovanni de Mozart. Le dessin de la façade du bâtiment contient des fragments de l'opéra "La Flûte enchantée".

Aujourd'hui, le répertoire se compose principalement d'œuvres interprétées par l'Orchestre Philharmonique de Vienne. L'opéra est à juste titre considéré comme le gardien des meilleures traditions de l'école classique viennoise.

En hiver, le célèbre Bal de Vienne a lieu dans le bâtiment de l'Opéra national de Vienne. Au cours de l'existence du théâtre, la tradition des bals annuels n'a été interrompue que pendant 10 ans - après la destruction du bâtiment du théâtre par les bombardements en 1945.

Théâtre Esplanade, Singapour

L'Esplanade Theatre est devenu l'un des projets les plus ambitieux de Singapour. À l'intérieur se trouvent salle de concert de 1600 places, un théâtre de 2000 places, plusieurs restaurants, un centre commercial et un autre théâtre sous à ciel ouvert. Deux bureaux d'architecture ont travaillé simultanément sur le projet.

L’imagination des architectes était si riche que le projet original était communément surnommé « les fourmiliers copulants ». Des modifications ont été apportées à la conception finale, après quoi les habitants de Singapour ont renommé le bâtiment « durian » - un fruit exotique auquel ressemblent les dômes du complexe. Cependant, selon les architectes, les dômes ont la forme de coquilles.

L'Esplanade fonctionne toute l'année. Des spectacles y sont donnés et divers festivals annuels sont organisés. Certaines représentations sont toutefois gratuites pour tous.

Arènes de Vérone, Italie

L'Arène de Vérone, construite vers 30 après JC, peut à juste titre se targuer d'être la plus ancienne salle d'opération du monde. De plus, l'amphithéâtre est vraiment immense : il peut accueillir simultanément jusqu'à 16 000 spectateurs, ce qu'aucun autre théâtre ne peut faire. théâtre classique. L'amphithéâtre est le troisième plus grand et est classé Héritage du monde UNESCO.

L'arène fut à plusieurs reprises le lieu de combats de gladiateurs, batailles navales, spectacles de cirque, tournois, corridas et incendies d'hérétiques. Après le tremblement de terre de 1117 qui détruisit presque entièrement bague extérieure amphithéâtre, il servait de source de pierre pour d'autres bâtiments. Il est désormais ouvert de juin à août, lorsque les meilleurs interprètes d'opéra viennent à Vérone. De plus, le théâtre peut être visité dans le cadre d'excursions - du mardi au dimanche.

On dit que c'est à Vérone qu'on peut voir meilleures productions œuvre immortelle"Roméo et Juliette" de Shakespeare, dont les événements se sont déroulés dans cette ville.

Théâtre du Globe, Londres, Royaume-Uni

Le premier Théâtre du Globe a été fondé en 1599 grâce aux fonds des Lord Chamberlain's Men, une troupe d'acteurs à laquelle appartenait Shakespeare. Cependant, la construction de ce théâtre n'a pas duré longtemps : il a brûlé dans un incendie en 1613. Tout au long de son histoire, le bâtiment a été reconstruit à trois reprises. En 1997, le théâtre est restauré sous le nom de "". De plus, le nouveau bâtiment a été construit à seulement 200 mètres de l'emplacement d'origine.

Le bâtiment Globe a été recréé aussi près que possible de l'original. Cela a été facilité par les fouilles du théâtre d'origine, qui ont également influencé les plans définitifs du chantier de construction.

Le nouveau bâtiment, conformément aux réalités historiques, ayant été construit sans toit, les représentations n'y sont organisées que de mai à octobre. Cependant, des visites du plus vieux théâtre de Londres sont proposées toute l'année. À côté du Globe se trouve un parc-musée à thème dédié à Shakespeare. Ici, vous pouvez participer personnellement à la production de l'une des pièces classiques.

Albert Hall, Londres, Royaume-Uni

Le Royal Albert Hall de Londres, ou Albert Hall, est la salle de concert la plus prestigieuse de Grande-Bretagne. Il a été construit à la mémoire du prince Albert sur ordre de sa veuve, la reine Victoria.

Dans dans années différentes effectué Les Beatles Led Zeppelin Violet foncé, Pink Floyd ABBA Dépêche Mode. La scène culminante de L'Homme qui en savait trop d'Albert Hitchcock a été tournée ici. D'abord Musicien russe qui s'est produit à l'Albert Hall en 2007 était Boris Grebenshchikov et son groupe « Aquarium ».

Aujourd'hui, la salle est toujours utilisée pour des concerts et autres événements. L'Albert Hall peut également être visité dans le cadre d'une excursion touristique.

Photo : thinkstockphotos.com, flickr.com

Des théâtres célèbres dans le monde sont situés dans des villes comme Londres, Paris, Vienne, Moscou, New York, Sydney, Milan, etc.
Un nombre considérable de spectateurs rêvent d’entrer dans au moins un des théâtres du monde. Je considérerais également cela comme un grand bonheur. Et si je pouvais tous les visiter...!!!

Le théâtre le plus célèbre de Londres

Londres est riche en célébrités théâtres lumineux. Le plus célèbre d’entre eux est Covent Garden. Depuis 1946, c'est le lieu où se déroulent des représentations d'opéra et de ballet. Ce théâtre est la scène du Royal Ballet et du Royal Opera. L'emplacement du Royal Theatre est Covent Garden, d'où le nom du théâtre.

Bâtiment moderne- c'est le troisième construit sur ce site. En 1720, se trouvait là le bâtiment du deuxième théâtre dramatique de Londres. En 1808, il y eut un incendie qui ne laissa presque rien du Théâtre Royal. Un an plus tard, un nouveau bâtiment y apparaît et le théâtre continue de fonctionner. La première production dans les murs nouvellement reconstruits fut Macbeth de Shakespeare.

En 1856, un nouvel incendie éclata et le théâtre fut à nouveau complètement détruit. Il a fallu deux ans pour le restaurer. Il s'est ouvert avec une production de "Les Huguenots" de Meyerbeer.

En 1990, il a été décidé de procéder à une reconstruction complète du bâtiment du Royal London Theatre. Désormais, sa salle pourra accueillir deux mille deux cent soixante-huit visiteurs. Tout danseur de ballet, acteur, chanteur d'opéra pense par lui-même bonne chance recevez une invitation et jouez sur scène ce théâtre célèbre. Monter sur scène à Covent Garden est une confirmation hautes réalisations et professionnalisme.
Une autre particularité du théâtre est que toutes les productions sont présentées dans la langue dans laquelle elles ont été écrites par l'auteur. Les salaires des acteurs de Covent Garden sont considérés comme étant peut-être les plus élevés au monde.

Le théâtre le plus célèbre de Paris

Le théâtre le plus célèbre de Paris est le légendaire Grand Opéra. Son histoire commence en 1669, lorsque cet opéra fut fondé avec l'accord de Louis XIV. Ses fondateurs sont le poète Perrin et le compositeur Camber. Au fil des centaines d'années, le théâtre a changé non seulement de nom, mais aussi d'emplacement, jusqu'à se retrouver dans le 9e arrondissement de Paris dans un bâtiment construit en 1875 par l'architecte Charles Garnier. La façade du théâtre est luxueuse, elle est décorée de quatre sculptures, chacune personnifiant le Drame, la Musique, la Poésie et la Danse, ainsi que sept arches. Le sommet du bâtiment est un majestueux dôme brillant.

La scène du Grand Opéra a « vu » au fil des années l’existence d’opéras de compositeurs allemands, italiens et français. La première de l'opéra "Le Maure" de I. Stravinsky y a eu lieu. Son nom actuel est Palais Garnier et c'est le théâtre le plus visité au monde.

L'opéra le plus célèbre

Le plus célèbre et peut-être le meilleur Opéra nous pouvons appeler en toute confiance l'Opéra de Vienne. Ce n’est pas pour rien que l’Autriche est le berceau de nombreux compositeurs de renommée mondiale. Le bâtiment de l'opéra a été construit en 1869. L'ouverture a eu lieu avec l'opéra « Don Giovanni » de Mozart. Depuis que le bâtiment du théâtre a été construit dans le style néo-Renaissance, il a été soumis à plusieurs reprises à des critiques impitoyables. Cependant, les années ont passé et l'incarnation architecturale du théâtre a finalement été reconnue. À ce jour, le bâtiment de l'Opéra de Vienne est considéré comme l'un des plus beaux au monde.

Dans la seconde guerre mondiale le théâtre a été partiellement détruit, mais déjà en 1955 il a été détruit Grande ouverture, qui présentait l'opéra Fidelio de Beethoven. En termes de nombre de représentations, aucun théâtre au monde ne peut se comparer à l'Opéra de Vienne. Une soixantaine d’opéras y sont représentés chaque année. Les amateurs d'opéra ont la possibilité d'en profiter deux cent quatre-vingt-cinq jours par an. Chaque année dans Opéra de Vienne Le « Bal de l'Opéra » a lieu, où se réunissent un grand nombre de spectateurs et de participants.

Le théâtre le plus célèbre du monde

C'est l'Italie de la Renaissance qui a donné naissance à la modernité. art de l'opéra. À Milan, sur le territoire qui était auparavant le site de l'église de Santa Maria della Scala, un théâtre a été construit, appelé La Scala. Aujourd'hui, il porte le titre de théâtre le plus célèbre du monde. Le premier opéra mis en scène sur sa scène était « L'Europe reconnue », connue des œuvres de Pouchkine par le compositeur Antonio Salieri.

Les spectacles de théâtre dramatique sont basés sur travaux littéraires, dans lequel bel endroit l'improvisation a lieu. Selon le scénario, le jeu des acteurs peut contenir des éléments de chant, de danse et de pantomime. En termes simples, les spectacles de théâtre dramatique sont une symbiose divers types des arts qui cohabitent harmonieusement sur une même scène.

Représentations de théâtres étrangers

Combien dans le monde théâtres dramatiques, sur la scène desquels des chefs-d'œuvre du classique et art contemporain. La vie ne suffit pas pour assister à toutes les représentations en théâtre , dans lequel, grâce à un jeu incroyable, le sens de la réalité et du temps se perd. J'ai vraiment envie d'aller aux premières mondiales et aux spectacles. œuvres classiques Cependant, malheureusement, il est impossible de coordonner les performances des principaux artistes du théâtre avec notre emploi du temps. Mais néanmoins, les fans de cet art ont une excellente occasion de regarder des performances vidéo en mode « ici et maintenant », malgré la barrière de la langue, décalage horaire et statut social en société.

Une bonne alternative au théâtre est la possibilité de regarder des spectacles gratuitement en ligne. Outre le fait que les amateurs de cette forme d'art peuvent assister à toutes les représentations qui se déroulent dans les théâtres locaux, il existe également une incroyable opportunité de rejoindre le public des théâtres dramatiques étrangers, dont les productions sont diffusées en ligne en russe. Ainsi, sans en avoir les moyens financiers et sans même être polyglotte, n'importe qui peut rejoindre le monde beau et sublime. arts théâtraux, malgré la barrière linguistique avec le pays dans lequel le spectacle est présenté.

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Suite au théâtre période de renouvellement, qui a débuté dans les années 70-90. XIXème siècle

Du naturalisme au symbolisme et au réalisme, telle était la voie des théâtres européens de cette époque. Dramaturgie étrangère fin XIX

• - début du 20ème siècle représenté par des noms
• B. Shaw (Angleterre ; « Widower's Houses », 1892, « Mrs. Warren's Profession », 1894, « Pygmalion », 1913),
• R. Rolland (France),
• G. Ibsen (Norvège),
• G. Hauptmann (Allemagne),

M. Maeterlinck (Belgique), etc. A cette époque, la stagnation qui avait commencé à l'époque du romantisme était surmontée au théâtre. Le plus grand réformateur du théâtre fut le dramaturge norvégien Henrik Ibsen (1828-1906), qui dirigea le théâtre d'abord à Bergen (1852-1856), puis à Christiania (1857-1862). Il a changé la structure dramatique de la pièce, il a cherché à faire du spectateur non pas un contemplateur, mais un participant à la représentation, il a voulu le faire réfléchir à ce qui se passait sur scène. Ibsen a vaincu la domination du théâtre. "l'inertie d'une bonne fin" La dramaturgie réaliste d'Ibsen dénonçait la loi, la morale et la religion bourgeoises. Ses personnages sont dynamiques, en quête d'eux-mêmes. Le théâtre commence avec l'œuvre d'Ibsen nouvelle étape . Ses pièces " Maison de poupées

"("Nora", 1879), "Docteur Shtokman" ("Ennemi du peuple", 1882) ont fait le tour des scènes de nombreux pays européens, dont la Russie. Ils racontent la vie de petites villes de province, bâties sur le mensonge, l'hypocrisie et l'hypocrisie. Quand quelqu’un essaie de dire la vérité, il est déclaré ennemi de la société. Un adepte des idées d'Ibsen était son jeune contemporain, le Suédois. Johan August Strindberg (1849-1912). Strindberg est également attiré monde spirituel personne , mais ses héros fuient, ils se livrent à des recherches sur eux-mêmes, se cachent en famille ou seuls (« Freken Julia », « Dance of Death », « Christina », etc.) - l'ambiance de décadence est affectée. Strindberg est le fondateur de la théorie "Théâtre Intime", qui a été développé en théâtre moderne. L'écart entre l'idéal humaniste de l'artiste et la réalité bourgeoise oblige les dramaturges, metteurs en scène et artistes à rechercher de nouveaux des moyens d'expression, de nouvelles images. Ces recherches ont été menées dans le domaine du symbolisme. L'imagerie symbolique a attiré les grands dramaturge norvégien Ibsen, cela se ressent dans ses pièces ultérieures (« The Builder Solnes », « Rosmersholm », « When We Dead Awaken », etc.).

Le symbolisme se reflétait également dans la créativité

• Hauptmann,
• A. Strindberg (Suède),
• W. B. Yeats (Irlande),
• S. Wyspianski,
• S. Przybyszewski (Pologne),
• G. Annunzio (Italie).

Le plus grand dramaturge et théoricien du symbolisme était Maurice Maeterlinck(1862-1949). Son homme existe dans un monde où il est entouré d’un mal invisible et caché. Les héros de Maeterlinck sont des créatures faibles et fragiles, incapables de se défendre ou de changer des schémas qui leur sont hostiles. Mais ils gardent en eux les principes d’humanité, de beauté spirituelle et de foi en l’idéal. Ses pièces sont donc pleines de drame et de haute poésie (« La Mort de Tentagille », « Pélias et Mélisande », etc.). Il a créé forme classique drame symbolique avec une action extérieure affaiblie, un dialogue intermittent plein d’anxiété cachée et d’euphémisme. Chaque détail du décor, du geste et de l'intonation de l'acteur y remplissait sa propre fonction figurative, participait à la divulgation sujet principal- la lutte de la vie et de la mort. L'homme lui-même est devenu le symbole de cette lutte, le mondeétait l'expression de sa tragédie intérieure. Les pièces de Maeterlinck ont ​​été jouées dans toute l'Europe, et il a également été mis en scène en Russie, où le symbolisme est apparu plus tard (au Théâtre d'art de Moscou en 1904, ses "Les aveugles", "Les non invités", "Là l'intérieur" ont été mis en scène, en 1908 " Oiseau bleu" ; à Saint-Pétersbourg, au théâtre de V. Krmissarrzhevskaya « Sœur Béatrice »).

Réalisateurs symbolistes P. Faure, O. Lunier-Poe, J. Rouchet en France, A. Appiah en Suisse, G. Craig en Angleterre, G. Fuchs et en partie M. Reinhardt en Allemagne, ont cherché dans leurs productions à dépasser le caractère concret du représentation quotidienne et naturaliste de la réalité, dominante dans le théâtre de cette époque. Puis pratiquer arts performants a commencé à entrer paysage conventionnel, l'environnement et le lieu d'action ont été désignés de manière généralisée et concentrée, sans détails.

Scénographie(la scénographie) a commencé à être cohérent avec l'ambiance d'un fragment particulier de la pièce, pour activer la perception subconsciente du public. Pour résoudre ces problèmes, les réalisateurs ont combiné les moyens de la peinture, de l'architecture, de la musique, de la couleur et de la lumière ; la mise en scène quotidienne a été remplacée par une mise en scène plastiquement organisée et statique. Le rythme, reflétant la « vie cachée de l'âme » et la tension dans le « fond » de l'action, acquiert une grande importance dans la performance. Les réalisateurs ont cherché à rapprocher les acteurs et les spectateurs, créant humeur générale, tandis que les machines étaient activement utilisées. C'était un temps de grâce synthèse des arts. La recherche s'est déroulée dans tous les types d'art, et les représentants de différents types d'art ont cherché à collaborer et à expérimenter ensemble, créant de nouveaux moyens d'expression.

Au théâtre, c'était l'époque où le metteur en scène devenait la principale profession théâtrale ; il était désormais responsable de l'ensemble de la production et la réalisait. Et le 20e siècle est déjà devenu l’époque non seulement de grands dramaturges et artistes, mais aussi de grands metteurs en scène.

Ainsi, en 1902, l'artiste Max Reinhardt(1873-1943) créé Théâtre de chambre, dans lequel ont travaillé des acteurs majeurs : Rosa Bergens, Reicher, ainsi que de nouvelles célébrités comme Gertrude Eisold. Le théâtre se tourne vers les dramaturges orientation avant-gardiste(Wilde (« Salomé »), Suédois August Strindberg, Franz Wedenkind). La renommée est venue au théâtre avec la production sur scène de la pièce de Gorki « Aux profondeurs ». Mis en scène selon un plan en partie symboliste, en partie préfigurant l'expressionnisme, il a choqué le public. En deux saisons, la pièce fut jouée plus de 500 fois et Reinhardt, encouragé par le succès, ouvrit un autre théâtre - Nouveau, où en 1905 « Rêve en nuit d'été» Shakespeare. Le succès colossal de la production nous fait parler de Reinhardt comme premier réalisateur allemand. Nouveau théâtre fusionne avec Théâtre allemand Brahma (voir ci-dessus) et Reinhardt reçoit de nombreuses opportunités pour le travail. Il s'éloigne du naturalisme de Brahm, remet en scène toute une série de pièces de Hauptmann et d'Ibsen, essayant d'y traduire d'abord la douloureuse quête spirituelle des héros, une crise de conscience et les tourments d'une passion désespérée. .

De nombreuses œuvres de Reinhardt portent le sceau de la décadence, mais toutes sont marquées par un grand courage artistique et des découvertes véritablement innovantes. Reinhardt crée nouveau genre acteur, exige de ses interprètes une approche analytique de la pièce, la vérité de l’expérience, une créativité vivante sur scène, cela la rapproche du théâtre de Stanislavski. Le design stylisé de la mise en scène a été réalisé par des artistes proches du mouvement d'avant-garde.

Reinhardt sentit les limites du symbolisme et, dans de nouvelles recherches, parvint à expressionnisme. Dans Macbeth, Hamlet et La Mégère apprivoisée de Shakespeare, le réalisateur a exposé de manière dramatique la théâtralité de la performance jouée sur scène, même avec des éléments du style « affiche ». Il a utilisé les principes du théâtre de masques, introduit la bouffonnerie et obtenu une seule note de bout en bout dans ses performances. Expérimentant sans relâche, Reinhardt commença à monter des spectacles dans l'immense arène du cirque Schumann de Berlin en 1910. Il y testa ses idées pour un spectacle de masse destiné à faire revivre sur scène des spectacles anciens et leurs mythes (« Œdipe Roi » dans l’adaptation de Hofmannsthal, « Sœur Béatrice » de Maeterlinck). Ces expériences ont suscité de vives controverses, mais elles anticipent directement la quête ultérieure de Brecht et d'autres dramaturges expressionnistes, qui cherchaient à impliquer le spectateur dans l'action, à montrer sur scène les aspirations et les motivations d'immenses masses de personnes.

Le réalisateur anglais a suivi un parcours proche de Reinhardt. Gordon Craig. Il débute comme acteur dans la compagnie d'Henry Irving, où il joue dans des pièces de Shakespeare avec sa mère, l'éminente actrice Ellen Terry. Il abandonna définitivement l’expérience et le naturalisme d’Irving et suivit la voie performance purement symbolique. Craig a exposé son point de vue dans le livre "L'art du théâtre"(1911). Il déclara que la tâche du théâtre était de créer des spectacles. questions philosophiques, immersion dans le monde des conventions, dans le « monde invisible » de l’esprit. Le théâtre ne doit être ni réaliste ni, à proprement parler, psychologique. Son objectif, selon Craig, est de recréer en images visibles certains problèmes éternels sortis du contexte historique. vie humaine, mystères philosophiques de l'existence. Hamlet de Craig était un drame sur le conflit entre les désirs spirituels et charnels. La « Salomé » de Wilde a été résolue comme une tragédie passionnelle délicieusement abstraite.

Craig refusa de refléter son époque et voua ainsi sa réforme à l’échec. Mais ses découvertes sont comme

• le principe de conception décorative de la représentation,
• utilisation de plates-formes de scène surélevées,
• la volonté de minimiser la distance entre l'acteur et le spectateur,
• transférer l'action de la scène à la salle,

ont été utilisés par de nombreux réalisateurs exceptionnels, dont V. E. Meyerhold. Gordon Craig se distingue par esprit d'exploration créative, caractéristique de l'art européen de cette époque. Et là où il y a de la créativité, il y a toujours des réussites et des échecs.

A cette époque, l'actrice italienne devient mondialement connue Éléonora Duse(1858-1924). Elle était admirée Les meilleurs gens des époques telles que Stanislavski et Blok. La Française était aussi la maîtresse des pensées Sarah Bernhardt (1844-1923).

Extrait du livre Volume 3. Théâtre soviétique et pré-révolutionnaire auteur