Les THÉÂTRES CABARET se sont largement répandus à Saint-Pétersbourg depuis 1908, devenant un phénomène important de la vie et de l'art de la décennie pré-révolutionnaire. Ils ont été créés sur le modèle des théâtres de cabaret d'Europe occidentale, en utilisant certaines formes de vie artistique et de loisirs domestiques (par exemple, les « spectacles de chou »). Devenus lieux de rencontre de l'intelligentsia artistique, ils se sont transformés en entreprises de divertissement pour le grand public, constituant l'une des formes de théâtres miniatures. Ils ont combiné les fonctions de communication du club basées sur les intérêts avec la présentation des dernières expériences artistiques et la mise en œuvre d'idées créatrices de vie du symbolisme, du futurisme et d'autres mouvements qui cherchaient à établir un nouveau style de comportement social. D'éminents écrivains et maîtres d'art modernes ont participé à l'organisation et aux activités des théâtres de cabaret. Les premiers théâtres de cabaret ont ouvert leurs portes au club de théâtre de Saint-Pétersbourg (42 Liteiny Prospect, Yusupov Mansion) : « Lukomorye » (1908) sous la direction de. V. E. Meyerhold avec la participation de M. M. Fokin, artistes du monde de l'art, acteurs de la scène d'improvisation, K. E. Gibshman et autres ; " Miroir tordu"(1908-18, 1922-31 ; saison 1923/24 à Moscou) A. R. Kugel et Z. V. Kholmskaya, soutenus par un groupe d'écrivains, avec le metteur en scène R. A. Ungern, N. N. Evreinov, acteurs littéraires - la société artistique du théâtre et la Komissarzhevskaya théâtre, artiste Yu. P. Annenkov, M. N. Yakovlev, compositeur I. A. Sats, V. G. Erenberg et d'autres. Les programmes des théâtres de cabaret, sceptiques et ironiques dans leur essence, comprenaient des parodies, des feuilletons, des artistes, des scènes comiques, des pantomimes, des miniatures, des voix. et des numéros de danse, comprenant des improvisations, des imitations et des performances d'artistes invités. Un exemple classique est l'opéra-parodie « Wampuka, la mariée africaine » dans « The Crooked Mirror » (1909), qui est devenu un autre concept célèbre de St. . Théâtre de cabaret de Saint-Pétersbourg : « Le Théâtre joyeux pour les enfants plus âgés » de F. F. Komissarzhevsky et Evreinov (1909, au Théâtre Komissarzhevskaya, rue Ofitserskaya, 39), « Maison des spectacles » du Docteur Dapertutto (1910-11), " Stray Dog" - club d'artistes de la société du théâtre intimiste, la seule entreprise à but non lucratif de ce type (1912-15), son successeur est « Halt of Comedians » (« Stargazer ») de la Petrograd Art Society (1916-19), « Black Cat » de V. Azov (pseud . V.A. Ashkinazi, 1910) et " Dame de pique"F. N. Falkovsky (1914-15, tous deux dans la salle Kononovsky sur la digue de la rivière Moïka, 61), "La chauve-souris" de A. S. Polonsky (1914, au coin des rues Sadovaya et Gorokhovaya), "Blue Bird" (1915, sur au coin des rues Nikolaevskaya et Borovaya), « Bi-ba-bo » avec la participation de K. A. Mardzhanov (1917, au sous-sol du « Passage »), etc. Les participants actifs au mouvement cabaret étaient N. A. Teffi, M. A. Kuzmin, A. T. Averchenko, N. I. Kulbin, N. V. Petrov, poètes, artistes, musiciens de toutes écoles et directions. Les multiples formes et méthodes artistiques développées dans les théâtres de cabaret se sont solidement établies dans l'arsenal des moyens d'expression du théâtre et du pop art.
Histoire du développement
Apparus au tournant des années 10 du 20e siècle, les petits théâtres se sont répandus à une vitesse fulgurante dans toute la Russie. En 1912, rien qu'à Moscou et à Saint-Pétersbourg, environ 125 cabarets et théâtres miniatures ont ouvert leurs rideaux simultanément. Il est impossible d'établir combien il y en avait en Russie : la plupart d'entre eux ont éclaté et se sont éteints comme des étincelles, ne laissant aucune trace. A la place de celui qui a disparu sans laisser de trace, plusieurs autres sont apparus. Ils occupèrent des sous-sols et des entrepôts vides ; d'anciens restaurants et marchés de patinage y furent transformés. Il arriva qu'un autre théâtre ouvrit ses portes dans les locaux d'un autre, encore existant.
Très vite, ce nouveau type de spectacle est devenu un concurrent sérieux de ses frères aînés et vénérables, les grands théâtres, en les privant de spectateurs et en attirant les acteurs.
Dans les cabarets et les théâtres miniatures, le public découvrait de nouvelles « stars », trouvait de nouvelles idoles, avec leurs photographies ils accrochaient les murs de leurs appartements, leurs voix résonnaient sur les disques des gramophones de toutes les maisons.
Mais moins de dix ans s’étaient écoulés avant que toute cette immense couche multicolore d’art spectaculaire ne disparaisse à jamais, disparaisse sous les décombres de la vie dont elle faisait partie. Seul son faible écho atteint le milieu des années 20. Puis il s'interrompit lui aussi. Le souvenir des cabarets et des théâtres miniatures russes s'est éteint pendant de nombreuses décennies. Ce n'est que récemment que les chercheurs ont recommencé à collecter des documents, à déterrer des archives, à rechercher des participants et des témoins oculaires qui ont survécu jusqu'à ce jour (et s'il existait de telles personnes) et leurs descendants, qui ont miraculeusement conservé des enregistrements de souvenirs, de lettres et de photographies auparavant inutiles. .
Mais la quantité de matériel survivant est disproportionnellement petite par rapport au grand nombre de petits théâtres qui remplissaient vie théâtrale 10s.
Les travailleurs du théâtre eux-mêmes sont parfois responsables du manque d'informations qui nous parviennent. À de rares exceptions près, il n'est jamais venu à l'esprit des gens qui ont servi dans les cabarets et les théâtres miniatures, comme il est d'usage dans les « grands théâtres » qui se respectent, de rassembler des archives, des revues de presse, de tenir des journaux de répétition, des journaux de représentations, de sauvegarder les textes des miniatures, sketches, sketches, intermèdes, plaisanteries, chansons, parodies, scénarios de numéros chorégraphiques et vocaux, bref, tout le répertoire hétéroclite et fragmenté qui se trouvait sur leur scène.
Quelque chose s'est installé dans les collections privées et les dépôts d'État à Moscou (RGALI, Musée du Théâtre A. A. Bakhrushin, bibliothèque du STD de la RSFSR, Musée du Théâtre d'art de Moscou, Bibliothèque d'État de Russie) et à Saint-Pétersbourg (Bibliothèque publique M. E. Saltykov-Shchedrin, Musée du Théâtre ). Malheureusement, les informations qui y sont stockées ne sont pas tellement : aléatoires, dispersées, dispersées parmi des fonds différents, parfois inattendus, des entrées dans des journaux personnels, de la correspondance, des notes envoyées par exprès en quelques mots, des ébauches, des croquis de conférences et des poèmes comiques, cartes d'invitation, programmes, affiches et affiches. Et surtout, ce matériau est réparti de manière extrêmement inégale. Sa partie principale revient aux théâtres les plus célèbres, tels que "The Bat", "Curved Mirror", "Stray Dog", "Comedians' Halt", associés aux noms des plus grands réalisateurs, acteurs, écrivains, artistes, musiciens russes. et des personnes de leur entourage immédiat, grâce aux efforts desquelles ces documents nous sont parvenus.
Les mêmes théâtres sont également mentionnés dans des mémoires dont les auteurs y ont été impliqués à un degré ou à un autre. V. Piast (« Rencontres »), B. Livshits (« Le Sagittaire aux yeux et demi »), A. Mgebrov (« La vie au théâtre »), V. Verigina (« Mémoires »), T. Karsavina ( "Stray Dog") a écrit sur "Stray Dog". Teatralnaya Street"), N. Petrov ("50 et 500"); A. Kugel a parlé de « The Crooked Mirror » dans « Leaves from a Tree » ; K. Stanislavsky a rappelé « La chauve-souris » dans son livre « Ma vie dans l'art » et Vl. Nemirovich-Danchenko "Du passé". "Bat", idée originale Théâtre d'art, en général, a eu plus de chance que les autres : N. Efros a écrit sur elle un livre séparé, consacré au dixième anniversaire de ce théâtre cabaret.
"Lukomoryu" et "House of Sideshows", associés au nom Vs. Meyerhold, les chercheurs de ses travaux N. Volkov et K. Rudnitsky y ont prêté attention.
Que le lecteur ne se laisse pas tromper par la longueur de la liste donnée : rarement dans un livre leurs auteurs consacrent plusieurs pages au cabaret, la plupart en parlent en passant et avec désinvolture.
Et seulement dans dernières années Des articles individuels, des chapitres de livres et des publications spéciales ont commencé à paraître, explorant ce phénomène spectaculaire d'une manière complètement nouvelle, plus complète et plus approfondie. Il s'agit notamment d'un article de Yu. Dmitriev « Théâtres miniatures », placé dans la collection « Culture artistique russe », de petits chapitres sur la « Maison des spectacles », « L'arrêt des comédiens », « La chauve-souris » et « Le miroir tordu » dans Le livre de D. Zolotnitsky "Dawns" Theatre October", qui couvre principalement la période post-révolutionnaire des trois derniers théâtres. Et enfin, deux merveilleuses publications des philologues R. Timenchik et A. Parnis, « Programmes du chien errant » et « Le cabaret artistique « Halte des comédiens » », parues dans les numéros de la publication « Monuments culturels. » pour 1983 et 1988 .
Mais les ouvrages répertoriés, à l'exception de l'article de Yu. Dmitriev, sont à nouveau consacrés à quelques cabarets littéraires, artistiques et artistiques célèbres. Sur des centaines d'autres théâtres de petites formes, ainsi que sur le mouvement dans son ensemble, les mémoristes restent silencieux et la science reste silencieuse.
Une partie importante des matériaux se trouve à l'étranger dans les dépôts de Harvard, Londres, Paris et autres, qui nous sont encore inaccessibles. Dans les premières années post-révolutionnaires, les acteurs émigrés (dont la plupart étaient d'ailleurs des membres de cabaret et des stars de la pop) ont emporté leurs archives avec eux : la culture pop s'est appauvrie avec toute la culture.
Ceux qui sont restés dans leur pays d'origine ont tenté d'oublier rapidement leur passé de cabaret et de « miniature », ainsi que les péchés de la jeunesse qui devraient être effacés une fois pour toutes de la mémoire. La plupart des anciens cabarets y ont très bien réussi. Et ceux qui ont réussi à trouver un emploi dans des « vrais » théâtres réputés ne voulaient se souvenir de rien, contrairement à la tendance habituelle des vieux acteurs à parler inlassablement de leurs premiers pas dans l'art.
Entre autres choses, les acteurs craignaient que leurs noms soient associés à des spectacles qui étaient devenus la responsabilité de l'industrie capitaliste du divertissement, ainsi que de l'art bourgeois réactionnaire. « « The Distorting Mirror » et « The Bat » portaient également l'empreinte d'une influence réactionnaire dans leur répertoire, à la fois directement et indirectement ; ""Miroir déformé"<...>a commencé à mettre en scène des drames en un acte au contenu réactionnaire et des exemples typiques de drame décadent"; "... Le dramaturge bourgeois à la mode N. N. Evreinov était un décadent et formaliste"; "... le théâtre Mamonovsky, qui cultivait l'art décadent ( sur scène pendant la Première Guerre mondiale, Alexander Vertinsky a fait ses débuts)".
Dans le cours réel de la vie artistique, toute classification, toute tentative d'isoler la formation des genres dans sa forme pure est lourde de schématisme. Surtout lorsqu’il s’agit de types d’art du divertissement, dont la frontière est fragile et facile à franchir. Néanmoins, le cabaret et le théâtre miniature sont deux points entre lesquels se développe l'histoire du théâtre de petite forme en Russie.
Les cabarets artistiques, lieu de rencontre des artistes, refuge d'élite des gens d'art, se professionnalisent peu à peu comme un type particulier d'art, se transformant en un théâtre public destiné aux spectateurs achetant des billets au box-office. Le public change, le type de relation entre la scène et la salle change, le langage de l'art change.
Le passage du cabaret au théâtre miniature s’inscrit à la fois dans le destin de théâtres individuels (Die Fledermaus et Crooked Mirror) et plus largement dans l’évolution globale des petites formes d’art du divertissement.
« Le Théâtre d’Art est un théâtre des plus sérieux, avec une tension héroïque, un bouillonnement forces créatrices résoudre les problèmes de scène les plus complexes. « Die Fledermaus » devrait devenir un lieu de repos constant pour les gens de théâtre, un royaume de « blagues gratuites mais belles, et loin du public extérieur ». C'est ce qu'écrit le critique N. Efros, proche du Théâtre d'Art, devenu témoin et conseiller des premières étapes encore préparatoires du cabaret. "Loin du public extérieur" - ces mots, une sorte de devise de "La Chauve-souris", sont devenus le premier et principal point de sa Charte, qui proclamait la plus stricte intimité et non-publicité du cabaret des acteurs du Théâtre d'art de Moscou.
"Ce sera le cas", a partagé N. Baliev peu avant l'ouverture de The Bat - une sorte de club de Théâtre d'Art, inaccessible aux autres. C’est incroyablement difficile de devenir membre du cercle. Les membres fondateurs de « La Chauve-souris » - et ils étaient tous les principaux acteurs du Théâtre d'Art : O. L. Knipper, V. I. Kachalov, I. M. Moskvin, V. V. Luzhsky, G. S. Burdzhalov, N. F. Gribunin, N. G. Aleksandrov et, en outre, N. F. Baliev et N. L. Tarasov a développé un système de vote très complexe pour les « étrangers » qui ne pouvaient être inclus dans le cercle des membres que par élection unanime. "Au premier tour, pas un seul nouveau député n'a été élu, car tout le monde avait au moins un "noir"". Ce système a dû être rapidement abandonné.
Le cercle restreint des « artistes » ne s’élargit que par les musiciens, les artistes, les écrivains et les proches du théâtre. Après la première « réunion de direction » - comme on appelait les soirées cabaret - la chronique du journal rapportait que parmi les « étrangers » présents figuraient L. Sobinov, V. Petrova-Zvantseva, le directeur du Théâtre Maly N. Popov et l'artiste du Nouveau Théâtre A. Kamionsky.
Le mystère de ce qui se passait dans le club fermé du Théâtre d’Art a accru la curiosité du public du théâtre. Des rumeurs, les unes plus alléchantes les unes que les autres, taquinaient l'imagination et enthousiasmaient « tout Moscou ». Les représentations à la taverne nocturne ne ressemblaient à rien d’autre.
On racontait que Stanislavski lui-même y avait dansé le cancan avec Moskvin ; on disait que le majestueux Knipper fredonnait une chansonette frivole, et que Nemirovitch-Danchenko, qui n'avait jamais tenu de baguette auparavant, dirigeait un petit orchestre, sur lequel Alisa Koonen et Kachalov dansaient une polka ou une mazurka enflammée...
"Blagues des Dieux" - c'est ainsi que le correspondant, admis un an après l'ouverture du cabaret du Théâtre d'Art, appellera sa note.
Les acteurs gardaient jalousement leur intimité.
Le métier d'acteur est le métier le plus public, d'ailleurs, toute son essence, tout son sens est dans la publicité - et tout à coup il claque les portes devant le public ! Le public moscovite ne pouvait pas comprendre ce paradoxe.
Pendant ce temps, les acteurs du Théâtre d'Art, peut-être sans le savoir, renouvelaient en quelque sorte l'idée qui avait inspiré les créateurs des premiers cabarets de France. Les organisateurs de cabarets de styles différents, séparés par des dizaines d'années et des milliers de kilomètres, étaient réunis par des objectifs communs : créer leur propre monde particulier dans le monde de la civilisation commerciale, où l'on pourrait se cacher de la vulgarité et du prosaïsme intolérables de la vie. .
La « retraite » des artistes dans le monde qu’ils ont créé s’est déroulée de la manière la plus littérale. Le « Bat » n'aurait pas dû être entré depuis l'entrée principale Pertsova à la maison , qui commençait par une salle luxueuse en peinture et en stuc, dans laquelle s'ouvraient les portes de l'ascenseur, décorées de bois sombre et de miroirs, et depuis l'allée, par une porte étroite de forme gothique, en descendant les escaliers. Dix marches menant au donjon séparaient le refuge des acteurs de la vie « terrestre ». Le sous-sol a pris vie après minuit. La réunion des invités était prévue à midi. Vie nocturne- tout à fait naturel pour les acteurs (ils sont occupés le jour et le soir) - avait aussi une signification cachée, intelligible uniquement pour les initiés. La nuit mystérieuse, s’opposant au jour rationnel et tristement prosaïque, est connue depuis longtemps comme l’alliée des artistes.
Faire tourner la batte
Parmi les veilleuses,
Nous allons broder un motif hétéroclite
Sur fond de jours sombres, -
C’est ainsi que cela a été chanté, mi-sérieux, mi-ironique, dans l’hymne « The Bat ». Ce n'est pas un hasard si les acteurs ont pris la chauve-souris comme patronne de leurs veillées nocturnes (ce n'est pas un hasard chat noir sur l'enseigne du cabaret Montmartre de Rudolf Saly ou un hibou noir sur l'une des tavernes littéraires de Saint-Pétersbourg) est une créature à la réputation plutôt douteuse, comme le savent les gens sensés. Les « gens sains d’esprit » n’avaient rien à faire au cabaret.
Pour l'ouverture de « La Chauve-souris », le jour de Kassianov a été délibérément choisi, le 29 février, un jour « supplémentaire », un jour de l'année pas tout à fait légal et pas tout à fait sérieux (l'anniversaire n'était donc célébré que les années bissextiles. Le dernier anniversaire de "La Chauve-souris" a eu lieu en 1920, alors qu'il n'y avait pas de temps pour plaisanter avec le "Révérend" Kasyan).
Dans le club des « artistes », tout essayait d'être différent de ce qu'il était dans la vie de tous les jours, tout soulignait la particularité, l'exclusivité du monde créé pour eux-mêmes par les créateurs : murs peints par les artistes K. Sapunov (frère le célèbre Nicolas Sapunov) et A. Klodt, du sol au plafond, était recouvert d'ornements à motifs exquis. Et la maison elle-même - la célèbre maison Pertsov à Moscou, récemment construite près de la cathédrale du Christ-Sauveur sur les rives de la rivière Moscou, avait une architecture bizarre et très à la mode à l'époque, rappelant à la fois un château médiéval et un ancien château russe. tour.
Le culte de la décoration raffinée qui régnait dans le cabaret n'avait pas grand-chose à voir avec le luxe arrogant des salons bourgeois russes du début du siècle. L’esprit de composition qui imprègne le cabaret a été ironiquement nuancé – et complété ! - l'utilitarisme de la lourde table non peinte qui s'étendait sur toute la longueur du sous-sol, les bancs serrés les uns contre les autres sur lesquels étaient entassés les frères de la nuit - le mobilier de la taverne ressemblait vivement à un atelier d'artiste.
Il y avait un buffet sur le mur en face de la scène. Il n'y avait pas de serveurs dans la taverne artistique. Tout le monde s'est approché du comptoir, a mis des sandwichs dans son assiette, a laissé de l'argent et est revenu à la table commune.
Diverses sortes de polémiques cachées et manifestes avec la vie qui se déroulait derrière les murs du cabaret donnaient à son atmosphère un attrait et un caractère poignant particuliers : la communauté des policiers et des citadins s'opposait ici à une communauté d'artistes, une confrérie artistique ; rigidité officielle, décence ennuyeuse de la bureaucratie bureaucratique - naturel et facilité de comportement, liberté et authenticité de la communication entre les gens.
Toute personne invitée au « Chauve-souris » subissait certainement un rite de passage aux « cabaretiers » : le fondateur de service du cabaret, « portant », notait au passage N. Efros, « d'ailleurs, un nom panrusse » (par le ce soir-là, c'était Kachalov), lui a installé une casquette en papier. Le bonnet de bouffon - signe d'appartenance à un monde particulier - semblait libérer son porteur des normes établies dans la vie « d'en haut ». Celui qui en était couronné s'engageait ainsi à laisser la tension, le sérieux et la vaine vanité au-delà du seuil de la « Chauve-souris » - le cabaret avait ses propres lois particulières, inscrites dans la Charte de la « Chauve-souris ». Le texte de ce document unique ne nous est pas parvenu, mais on peut supposer que l'esprit de la charte y a pris vie. Abbaye de Thélema , qui disait : fais ce que tu veux.
Au cabaret, les barrières hiérarchiques qui séparaient les gens dans la vie officielle étaient brisées ; ici les masques nécessaires à la vie quotidienne tombaient. « Les visages que nous avons l’habitude de voir comme importants et pragmatiques gémissaient avec des spasmes de rire incontrôlables. Tout le monde était saisi d'une sorte de folie insouciante de rire : le professeur d'art chantait comme un coq, le critique d'art grognait comme un cochon. Cela ne peut être trouvé que dans un carnaval animé en Italie ou dans une France amusante », a écrit N. Efros. La dernière remarque du critique, subtile et perspicace, anticipait la pensée ultérieure de M. Bakhtine selon laquelle la vie de la bohème artistique. a commencé en Russie siècle, incarné principalement dans le cabaret - au 20ème siècle, il s'est avéré être l'une des rares formes où les vestiges de la culture carnavalesque ont été préservés, bien sûr sous une forme rétrécie et appauvrie.
Les « outrages » gratuits n'épuisent pas le contenu du passe-temps du cabaret. La joie détendue des artistes et leur totale liberté intérieure étaient teintées d’un lyrisme particulier, de la poésie cachée d’une communication spirituelle sans entrave. L'esprit du cabaret du Théâtre d'Art a été déterminé par des personnes proches qui se comprenaient parfaitement, des personnes talentueuses et significatives unies au service du véritable art. C’est peut-être pour cela que leur gaieté était particulièrement sincère et captivante. « Nous avons passé la nuit dans la « Chauve-souris », écrit O. Knipper à M. Lilina, « il n'y avait que les nôtres, nous honorions Vladimir Ivanovitch... De la vieille garde il y avait Luzhsky, Moskvin, Alexandrov, Burdzhalov et moi seulement. Une fanfare militaire jouait... dans le coin près du rideau, un trône était érigé pour les héros du jour... C'était agréable qu'il n'y ait pas d'étrangers. Ils chantaient la gloire. Baliyev a fait une bonne blague. Zvantsev lisait de la poésie à Karamazov. Tout le monde s'est réchauffé, s'est dispersé, a prononcé des mots chaleureux, s'est souvenu de Konstantin Sergueïevitch ; Vladimir Ivanovitch accordait son attention à tout le monde, s'asseyait avec tout le monde, discutait avec eux, s'enivrait, était aussi doux qu'on l'avait vu depuis longtemps, dirigeait l'orchestre, marchait même avec une lezginka... Le Bulgare chantait des chansons indigènes sauvages. des chansons, un autre jouait du piano, murmurait dans un coin Koreneva avec Luzhsky à propos de nouveau rôle, Deykarkhanova a flirté avec Tarasov, Koonen avec Tezavrovsky ils dansaient l'oira, Bravich la mazurka... »
En fait, que s'est-il passé dans " batte », n’étaient pas des représentations au sens habituel du terme. En règle générale, les représentations pour eux n'étaient pas spécialement préparées ; les improvisations légères - accompagnant les rassemblements et les fêtes d'acteurs - n'étaient pas destinées aux étrangers. Ici, tout le monde - ou presque - n'avait aucune idée de lui. Une seconde avant sa prestation, électrisé par l'interprète précédent, il s'envolait sur la scène légèrement surélevée au-dessus du sol, puis, après son improvisation, retournait à la table commune. Dans le cabaret, l'esprit de compétition artistique renaît, cette excitation de compétition joyeuse qui réunissait autrefois chanteurs, musiciens et conteurs d'antan pour des combats créatifs. Kabotin, sauvagement expulsé des murs du théâtre-temple, retrouve sa vie dans les acteurs. (C'était l'attitude des metteurs en scène et des acteurs à l'égard du Théâtre d'art de Moscou.) Le concert est ici revenu à son sens originel : la compétition.
Quelqu'un a apporté sur la scène de «The Bat» les fruits d'efforts créatifs indépendants, trouvant une issue aux possibilités artistiques qui n'étaient pas utilisées dans les performances.
Ici, des talents ont été découverts que personne ne soupçonnait même, souvent même leurs propriétaires eux-mêmes - auteurs d'improvisations talentueuses.
La vie des chansons impromptues nées au cabaret ne durait que ces quelques instants pendant lesquelles elles étaient interprétées. Quelque chose a ensuite été enregistré, mais cela s'est avéré complètement différent - les improvisations n'étaient vivantes que dans l'atmosphère du cabaret et sont mortes avec elle.
Mais les acteurs se souciaient peu de l'éphémère de leur créativité cabaret. Non pas parce que c’était pour eux quelque chose de frivole, qui ne méritait pas qu’on s’y intéresse. L'improvisation a contribué à créer ce qui était l'âme du cabaret : l'atmosphère de fête répandue dans la salle, la liberté de communication informelle.
Et pourtant, pour de nombreux acteurs, la Die Fledermaus était bien plus importante qu'un simple lieu de passe-temps insouciant. Les farces créatives et le jeu libre avec les formes ont amené les acteurs au-delà des moyens d'expression habituels et des techniques professionnelles établies. Ici, L. Sobinov, l'idole de Moscou, le romantique Lensky, a chanté des chansons comiques de la Petite Russie, drôlement habillées et maquillées, jouées de manière hilarante dans le duo populaire de Dargomyzhsky « Vanka-Tanka » ; ici V. Luzhsky a joué avec des distiques, O. Gzovskaya - avec des chansonettes, I. Moskvin a bêtement dirigé une chorale russe comique, et K. Stanislavsky, se présentant comme un prestidigitateur, a montré les merveilles de la magie blanche et noire - il n'a utilisé ses mains que pour retirer la chemise de « quiconque la voulait », sans déboutonner sa veste et gilet. Bien sûr, ces numéros ont été interprétés comme une parodie et un caractère particulièrement poignant est né du fait que les simples tours d'un magicien provincial ont été démontrés par le grand Stanislavski et l'une des meilleures et des plus importantes actrices du Théâtre d'Art, O. Knipper. , mettait en scène une chansonette grivoise.
Acteurs Cependant, ils ne se moquaient pas seulement de simples vers pop ou de trucs farfelus - ils se livraient avec plaisir à un jeu d'acteur débridé, se plongeaient dans un art naïf qui exigeait une virtuosité particulière - différente de celle du théâtre psychologique quotidien moderne. L'improvisation a ramené les acteurs aux racines de l'art théâtral.
Le monde du cabaret est un monde particulier, où règnent ses propres lois, régissant le comportement des gens, leurs relations entre eux, où chacun agit dans un rôle inhabituel, dans un rôle inhabituel pour lui ; un monde qui souligne de manière démonstrative sa différence avec la vie extérieure. Et pourtant, le cabaret est lié d'une manière particulière à la vie « diurne » et à l'art. Spécial car cette connexion est négative, parodique.
Dans « Die Fledermaus », presque tous les « grands » du Théâtre d’Art, à commencer par Stanislavski, Nemirovich-Danchenko, Knipper, découvrent le don de la caricature scénique. V. Luzhsky avait un talent extraordinaire. Ses célèbres « spectacles » de parodie de F. Chaliapine, L. Sobinov, K. Khokhlov ont été décrits par V. Kachalov, lui-même un parodiste exceptionnel. « Vasily Vasilyevich », écrit Kachalov, « bien sûr, n'avait ni la basse de Chaliapine, ni le ténor de Sobinov, ni le baryton de Khokhlov en général, il n'avait pas de véritable voix chantante ; Mais avec quelle excitation nous avons écouté ces chanteurs de la bouche de Loujski, dans son émission. Comme il était incroyablement capable de transmettre la puissance de Chaliapine, la tendresse de Sobinov et la beauté du timbre de Khokhlov. Et ici, nous n'avons plus ri, ici nous avons seulement remercié Vasily Vasilyevich avec des sourires excités et des hochements de tête approbateurs. Nous n'avons pas ri parce qu'il arrivait que, à nos demandes, selon nos « ordres », V.V. « donne » Chaliapine - dans « Boris Godounov » ou « Méphistophélès », ou Sobinov dans « Lohengrin » ou Lensky.
Il commencera à plaisanter et à rire, exagérant légèrement la douceur du pianissimo de Sobinov, accrochera soudainement le « Sobinov vivant », donnera un aperçu du son de son timbre unique - et immédiatement tout le monde retiendra son souffle et Vasily Vasilyevich continuera de chanter « Sobinov en sourdine »avec sérieux et enthousiasme. Aussi, plaisantant et espiègle, il commencera à parodier Chaliapine - "Et vous, fleurs, avec votre poison parfumé et subtil", soulignant parodiquement ces doubles et triples "m" à la fin des mots - ce fameux "stampik" de Chaliapine, mais Lorsque V.V., ayant atteint « et versé dans le cœur de Marguerite », a commencé à gonfler dans le « seeeerdtse » de Chaliapine, il a été soudainement véritablement capturé par le tempérament de Chaliapine, une vague de puissance spontanée de Chaliapine a déferlé.
La particularité de « Die Fledermaus » réside dans le fait qu’elle ridiculise avant tout le théâtre dans lequel elle est née. Le "miroir déformant" du Théâtre d'art de Moscou - c'est ainsi qu'on appelait "La Chauve-souris" - était dirigé vers son théâtre. "Cet animal semi-mystérieux", écrivait quelques années plus tard l'un des critiques réguliers de "La Chauve-souris", "entraîné par le jeune acteur du Théâtre d'art de Moscou N. F. Baliev, montrait ses dents acérées et se moquait de son patron, le Théâtre d’Art, en parodies maléfiques, en plaisanteries venimeuses et bien ciblées.
Les « soirées de spectacle » du cabaret du Théâtre d'art de Moscou s'ouvraient toujours par des parodies des représentations du Théâtre d'art de Moscou - « oiseau bleu" (1909), " Anatema " (1909), " Les frères Karamazov " (1910), " Le cadavre vivant " (1911), " Hamlet " (1911), etc. De plus, les premières des " drames satiriques " de cabaret immédiatement suivi leurs prototypes. Il arrivait même que des sketches soient joués le soir suivant la première représentation. En 1909" mot russe" a rapporté : " Le 19 septembre, le Théâtre d'art de Moscou ouvrira avec Anathema de Leonid Andreev, dans " Die Fledermaus " le même soir après la représentation principale, " Anatema " sera joué à l'envers " (cette fois l'intention n'a pas été réalisée : la première d'« Anatema », comme on le sait, a dû être annulée à la demande du Synode. L'année précédente, en 1908, « Die Fledermaus » a joué son « Blue Bird » une semaine (le 5 octobre) après la première. de la pièce de Maeterlinck (30 septembre).
Selon toutes les règles du travestissement et du burlesque, le « double riant » a adopté tout ce qui était possible de son original : dans son « Blue Bird », les mêmes 7 tableaux, disposés dans le même ordre que dans la représentation du Théâtre d'art de Moscou (il a même restauré la scène « au cimetière », raccourcie dans la version scénique de la pièce au Théâtre d'Art) ; La parodie d’« Anatema », comme le spectacle lui-même, consistait en un prologue, cinq scènes et un épilogue, répétant, bien sûr dans une réflexion grotesquement inversée, la structure, les détails et la structure rythmique de l’original.
Les textes de ces parodies n'ont pas survécu, ce qui n'est pas un hasard. Ils ne prétendaient pas être littéraires. Ce sont des enregistrements instantanés impromptus, pleins d'esprit d'improvisation, des blagues hâtivement recueillies dans le folklore théâtral, des réponses aux événements qui ont occupé à l'heure actuelle Moscou théâtrale et proche du théâtre. Ils ont suivi la vie du Théâtre d'art de Moscou et ont été conçus pour une seule représentation.
Pourtant, il y a un but dans les sketches de Die Fledermaus. Les objets de leurs adaptations comiques sont devenus l'une des principales « lignes » du Théâtre d'art de Moscou au cours de ces années - la « ligne du symbolisme et de l'impressionnisme », comme l'a défini Stanislavski, qui s'est concrétisée dans les représentations « L'Oiseau bleu », « Anatema » et « Hamlet ».
« La chauve-souris » est née au cours d'une période assez difficile de l'histoire du Théâtre d'art de Moscou. Les metteurs en scène de théâtre ont entrepris des expériences dans le domaine d'autres expressivités théâtrales, essayant d'amener le théâtre au-delà des techniques de jeu et des décisions de production « tchékhoviennes » déjà familières ou d'élargir la portée de leur influence sur les formes de théâtre non domestiques. De nombreux acteurs n’ont pas compris et n’ont pas accepté ces quêtes.
Ici, dans une certaine mesure, le conservatisme du jeu d'acteur, le désir de se renforcer dans des techniques familières et la résistance tout à fait compréhensible de l'acteur « tchekhovien » aux exigences parfois étrangères des réalisateurs ont été révélés. "TroupeX.T. "J'ai rencontré la production de "L'Oiseau Bleu" avec beaucoup d'hostilité", se souvient A. Mgebrov, "les acteurs étaient en colère d'être obligés de représenter des objets inanimés. L’ironie et le ridicule n’avaient pas de fin. Mais ils étaient là tranquillement, d’une manière ou d’une autre, du coin de la rue. Les acteurs étaient irrités par la nature extatique et intense des performances symbolistes - Hamlet, Anathema.
Les parodies de « The Bat » jouaient une sorte de rôle de « drames satiriques » et servaient de soupape par laquelle sortait l'énergie destructrice du mécontentement.
L'une des soirées cabaret, organisée à l'automne 1909, était entièrement consacrée à « Anatema ». Tout d'abord, « sous forme d'introduction, N. Zvantsev a lu le « livret » de la pièce, rédigé avec beaucoup d'esprit. Il y a eu des rires homériques dans la taverne pendant toute la lecture de cette plaisanterie. La parodie de la pièce, qui après l'introduction a été interprétée par des marionnettes par son auteur et unique interprète N. Baliev, a été construite sur certains détails et phrases de la pièce d'Andreev traduits avec humour en dessins animés - dans la dernière image de la parodie, les ombres de Byron , Goethe, Hugo, Lermontov, Voltaire se dirigent vers Andreev et bien d'autres (à qui, comme le laisse entendre la parodie, l'auteur emprunte) « et crient : donnez-nous ce qui est à nous, rendez ce que vous avez pris ». Après la représentation parodique, les narrateurs ont parlé : l'acteur du Théâtre Maly V. Lebedev « a résumé l'idée de la pièce du point de vue d'un marchand qui a vu « Anatema » : « Et c'est le genre de lizurt que j'ai reçu », le le marchand philosophe : « Je ne devrais jamais le donner aux pauvres » ; écrivainV. Gilyarovsky, transmettant les impressions d'un homme qui, par hasard, grâce à sa connaissance d'un machiniste, s'est retrouvé à la répétition d'« Anatema » : « Et ce même Anathema se dresse, énorme, tout de fer, terrible », a raconté l'homme avec horreur sacrée, prenant l'ange gardien pour Anathème. Gilyarovsky, cependant, n'a pas seulement parodié le spectateur inexpérimenté, bien au contraire : la raison simple d'esprit a ironiquement mis en valeur l'emphase et le mysticisme prétentieux de la tragédie d'Andreev.
"Hamlet" de Nikita Baliev, joué lors d'une autre "réunion de spectacle", a abordé ces points clés autour desquels des controverses ont éclaté à la fois dans le théâtre d'art lui-même et dans les pages des journaux : les célèbres paravents Craig, la cour remplie d'or de Claudius et V. Kachalov - Hamlet. La soirée a commencé par une introduction écrite par Lo1o (L. G. Munshtein, rédacteur en chef de l'hebdomadaire "Ramp and Life"). Vakhtangov, maquillé en Kachalov en Hamlet, imitant sa voix avec une similitude incroyable, a lu le monologue « Être ou ne pas être »... sur les écrans de Craig. "Kachalov s'est plaint d'avoir dû jouer Hamlet à la manière de Craig derrière les écrans ; il a rappelé avec amertume comment il avait joué à Kazan, ce qu'il ressentait, ce qu'il voulait." Après la représentation de Vakhtangov dans The Bat, un spectacle comique a commencé (contrairement aux précédents, qui étaient mis en scène avec des marionnettes, Hamlet a été interprété par de jeunes artistes du Théâtre d'art de Moscou et de l'école Adashev). Sur une petite scène étaient assis Claudius (joué par un acteur maquillé par Stanislavski) et Gertrude (l'acteur A. Barov dans le rôle de Nemirovich-Danchenko), vêtus de robes étincelantes et de couronnes en forme de samovar et de cafetière. L'explosion de rire dont parle le critique est tout à fait compréhensible : dans l'un des articles sur « Hamlet » au Théâtre d'art de Moscou, il était écrit que Claudius et Gertrude dans leurs robes dorées ressemblaient aux articles ménagers mentionnés ci-dessus. La même technique de métaphore réalisée a été utilisée pour créer les affiches accrochées, comme toujours, aux murs du cabaret. Ils représentaient la transformation successive d'un samovar de Toula et d'une théière en roi et reine. Les écrans de Craig ont été parodiés par des cubes de toile - des figurants s'y sont assis et, aux moments les plus inopportuns, ils ont commencé à se déplacer arbitrairement sur la scène. La parodie était très perverse. "Craig a eu suffisamment de temps pour sentir les ailes de la chauve-souris, ce qui l'a blessé douloureusement." La parodie s'est terminée par un "mot funéraire", prononcé par l'acteur incarnant Fortinbras - A. Stakhovich. Après la parodie, comme d'habitude, il y avait des numéros séparés, V. Lebedev, au nom de son héros constant - le marchand - a partagé ses impressions sur « Hamlet » ; B. Borissov et N. Baliev, costumés et maquillés, garçons et filles, sur l'air de la chanson pour enfants « Il y a deux poules dans la rue », ont chanté des distiques sur « Hamlet ».
Les thèmes des parodies de The Bat, bien entendu, ne se limitaient pas au ridicule du symbolisme. Avec une joyeuse excitation, les cabaretiers s'attaquent à tous les opposants évidents et implicites au Théâtre d'Art. Dans l'un des tableaux de "L'Oiseau bleu" de Letuchymyshin, errant au "pays des souvenirs", Tyltil et Mytil se sont retrouvés dans... le Théâtre Maly. « Comment allez-vous, les enfants ? » - ont demandé les grands-parents du « malotheatrovsky ». "Oui, tous les soirs, c'est complet", ont répondu les enfants du Théâtre d'art de Moscou. « Qu'est-ce que c'est, les enfants ? Nous ne nous en souviendrons même pas. Dans le film "La Nuit", parmi toutes les horreurs, la plus terrible était la critique théâtrale. Les journaux moscovites étaient représentés par des « arbres stoeros » hostiles à l'homme, dont les troncs - des rubans avec les titres de périodiques - se terminaient par des couronnes - portraits des chroniqueurs de théâtre de ce journal. (Le public les reconnaît instantanément : chacun de ceux qui sont assis dans la salle les connaît bien de vue.) Les arbres se balancent et font du bruit, discutent des mérites du Théâtre d'art de Moscou « Blue Bird », complotent diverses intrigues avec la plume des critiques. , révélant leurs tempéraments bestiaux ; ils expliquent leur réticence à donner du succès à Tiltil et Mytil sur la base de considérations très vulgaires et banales - "parce qu'alors il n'y aura pas de douceur avec eux".
Les représentations parodiques qui ont commencé après minuit, avec des méfaits fringants, ont renversé ce qui était entouré de révérence et de révérence pendant la journée - ici les autorités sont tombées éperdument, livrées à des reproches blasphématoires et joyeux. Des personnalités connues et respectées sont devenues des héros comiques dans des critiques parodiques, des citations de drames symbolistes, tragédies philosophiques servaient à discuter de sujets purement quotidiens, humains, trop humains.
Dans la parodie « Les frères Karamazov » (composée d'épisodes portant le même nom que dans le Théâtre d'art de Moscou), dans la scène « Au-dessus du cognac », au lieu des personnages de Dostoïevski (mais sous leur apparence), ils sirotaient paisiblement du cognac, discutant du jusqu'à la première production de «Le cadavre vivant» (cette question délicate était alors exagérée partout), A. Yuzhin et Vl. Nemirovitch-Danchenko ; La scène "Une autre réputation perdue", où Chaliapine était représenté dans le costume de Méphistophélès, qui poursuivait les "vaches tyroliennes" - les choristes du Théâtre Bolchoï - qui le fuyaient, faisait allusion à un incident survenu à F . Chaliapine et est devenu le sujet de conversation de la ville dans les journaux.
Les grotesques, les travestissements et les burlesques de Die Fledermaus, qui ont bouleversé les productions du Théâtre d'art de Moscou, ont soumis leur mécène à un test impitoyable - un test de viabilité. Après tout, « l'exposition de la technique », qui s'est produite involontairement dans la parodie, aurait dû équivaloir à la mort pour le Théâtre d'Art en tant que théâtre psychologique. Mais la parodie de l'art du Théâtre d'art de Moscou n'a pu causer aucun dommage. L’essence de l’art du Théâtre d’Art, son noyau est resté intact. De plus, la présence constante à l'intérieur du théâtre de son double parodique, l'oiseau moqueur sournois, prouvait qu'il s'agissait d'un théâtre vivant, capable de se renouveler constamment, que ses corefei étaient jeunes et pleins de force créatrice. Rire de soi est un signe d'eux santé spirituelle. Au Théâtre d'Art, comme l'a judicieusement noté V. Shverubovich, ils n'aimaient pas ce dont ils ne pouvaient pas rire.
L'esprit de la bande dessinée dans The Bat était déterminé par une atmosphère de fête, pleine de joie créatrice et de liberté.
La « souris » ne s’est pas placée en dehors du phénomène ridiculisé, n’a pas perdu le contact spirituel avec lui. C’est précisément la différence entre ses parodies et bien d’autres formes parodiques qui ont rapidement émergé sur le sol russe au début du siècle.
"La souris" n'est pas restée longtemps dans le sous-sol de la maison de Pertsov. La crue printanière de 1908 fut orageuse. La rivière Moscou déborde de ses rives et inonde le refuge des cabaretieres. Lorsque l’eau s’est calmée, ils ont constaté que le tableau, la scène et le mobilier étaient détruits. Le sous-sol a dû être abandonné. "Bat" a déménagé dans de nouveaux locaux à Milyutinsky Lane.
L'« ouverture officielle » du cabaret du Théâtre d'Art eut lieu ici le 5 octobre 1908.
La soirée a commencé par la célèbre parodie du « cirque stupide » décrit par K. Stanislavsky dans le livre « Ma vie dans l'art ». Stanislavski lui-même y a joué le rôle d'un directeur de cirque. «Je suis apparu en frac», écrit Stanislavski, «avec un haut-de-forme porté d'un côté pour le chic, des leggings blancs, des gants blancs et des bottes noires, avec un nez énorme, des sourcils noirs épais et une large barbiche noire. Tous les domestiques en livrée rouge se sont alignés sur des treillis, la musique a joué une marche d'apparat, je suis sorti, je me suis incliné devant le public, puis le chef cavalier m'a remis, comme prévu, un fouet et un fouet (j'ai étudié cet art toute la semaine tous les jours sans spectacle), et un étalon dressé, interprété par A. L. Vishnevsky, a volé sur scène.
Mais la partition du rôle du metteur en scène, conservée au Musée du Théâtre d'art de Moscou, écrite de la main de Stanislavski, permet de voir que cet acte ne concernait pas le cirque, qui n'était qu'un dispositif comique de parodie, mais le Théâtre d'art lui-même : le les barrières par-dessus lesquelles sautait le cheval dressé Vishnevski indiquaient les noms des représentations du Théâtre d'art de Moscou.
La comédie de la parodie est née de la parodie comparant le Théâtre d'Art à un cirque, ses représentations à des barrières de cirque, ses acteurs à des animaux muets dressés et le directeur du théâtre à un formidable metteur en scène. N'y avait-il pas là une allusion cachée à la « tyrannie et au bourbonisme » du chef du théâtre, contre lesquels les acteurs « en secret, du coin de la rue » se plaignaient ?
Les parodies de cabaret du Théâtre d'Art avaient ainsi un effet thérapeutique : elles faisaient ressortir - et ainsi éloigner - les conflits cachés.
On peut dire que les parodies - sans aucune intention consciente de leurs auteurs - visaient à préserver et à préserver l'âme vivante du Théâtre d'Art, tout comme à la fin des processions triomphales des anciens généraux romains, il y avait des soldats qui grondaient et se moquait des héros de toutes les manières - seulement pour les maudire de rire et les sauver de l'envie des dieux. Que cette comparaison ne paraisse pas forcée et trop académique, loin du simple plaisir du théâtre d'acteur. Car dans l'art intime du cabaret - référons-nous encore une fois à M. M. Bakhtine - ressuscitent paradoxalement les anciennes traditions du rire rituel, selon lesquelles le blasphème festif fait partie du rite sacré.
Ce n'est que dans ce contexte que la parodie de l'anniversaire du Théâtre d'art, présentée deux semaines (27 octobre 1908) après les célébrations consacrées au dixième anniversaire du Théâtre d'art de Moscou, peut être compréhensible. L'anniversaire parodique du Théâtre d'art de Moscou dans "La Chauve-souris", étape par étape, a répété presque littéralement celui qui a eu lieu le 14 octobre sur la scène de Kamergersky.
Sur la scène miniature du cabaret, une copie exacte de la scène du Théâtre d'Art de ce jour important a été présentée. Tout comme là-bas, un rideau gris-vert, rabattu vers le fond de la scène, a servi de décor à la représentation anniversaire. Tout comme là-bas, des chaises ont été placées près de la scène pour Stanislavski et Nemirovitch-Danchenko.
Seule l’ambiance qui régnait ici était complètement différente. Le 14 octobre, M. Savitskaya a écrit à propos de la célébration de l'anniversaire, lorsque Stanislavski et Nemirovich-Danchenko « sont apparus dans la salle, notre chorale et presque tous ceux qui étaient ici ont commencé à chanter « Gloire » et les ont comblés de fleurs. Et une telle excitation nous a submergés que nous avons pleuré comme des enfants. Vladimir Ivanovitch et Konstantin Sergueïevitch ont embrassé et serré tout le monde dans leurs bras et n'ont pas pu retenir leurs larmes.
Lors de l'anniversaire du Bat, les larmes coulaient à cause des rires continus. Tout ce qui était touchant et spirituellement sublime à cet anniversaire était remarqué par les parodistes et répété avec des rires moqueurs. Au lieu d’une mouette planant, ils ont attaché une chauve-souris noire tentaculaire au rideau. Au lieu de représentants solennels et respectables des théâtres et de diverses institutions culturelles, des « députations » ont eu lieu avant les anniversaires de... l'« Union des baigneurs de Moscou », qui a reconnu parmi les dirigeants du Théâtre d'Art leurs frères soucieux de la pureté spirituelle. tout comme ils se soucient de la pureté physique ; de la "Poultry Society", qui a hautement apprécié les activités du théâtre dans le domaine de l'élevage d'oiseaux - l'apprivoisement d'un oiseau aussi doux que la "Mouette", la capture du "Blue Bird", bien qu'elle ait constaté l'échec de la transformation du "Wild Duck" en un canard domestique.
Si au gala anniversaire les acteurs différents théâtres De la poésie et de la prose sérieuses ont été lues, des chanteurs d'opéra ont chanté une cantate entière en chœur, et ici un médecin célèbre a interprété une chansonette fringante. Au lieu de Chaliapine, qui ce jour solennel a chanté une blague musicale spécialement écrite par S. V. Rachmaninov pour l'anniversaire, dans laquelle le motif de l'église « De nombreuses années » était élégamment combiné avec l'accompagnement de la polka de I. A. Sats pour « L'Oiseau bleu », l'acteur N . A. Znamensky et, copiant de manière hilarante le grand chanteur, ont interprété une lettre de salutation musicale humoristique au héros du jour de Sats. "Il y avait beaucoup de précision et même de mal", se souvient N. Efros, "mais le talent et le talent artistique doraient tellement toutes les pilules que leur amertume semblait agréable."
The Bat organisera des anniversaires parodiques tout au long de sa courte histoire.
Ici, le héros du jour n'a pas été glorifié, aucun encens n'a été fumé pour lui, au contraire, il a été victime d'intimidation, couvert d'une pluie de ridicule et de blagues familières. Lors de la célébration de L. Sobinov (1909) - l'un des participants réguliers aux soirées "La Chauve-souris", V. Luzhsky a lu un message de bienvenue du Théâtre d'art de Moscou, écrit dans un style délibérément laid comme celui de Trediakovsky. La soirée en l'honneur de B. Borisov - artiste du Théâtre Korsh et participant permanent aux « rencontres scéniques » de « La Chauve-souris » - a commencé par l'inauguration d'un monument à l'artiste.
Quand, au son d'une carcasse, la couverture fut retirée, une immense image, grandeur nature, du héros du jour, chauve, apparut en dessous.
L'atmosphère, loin d'être solennelle, qui régnait lors des anniversaires parodiques n'enlevait en rien les mérites du héros de l'occasion. Contre. Le déclin parodique a mis en lambeaux l’uniforme officiel des anniversaires d’État. Des paroles solennelles et sentiments élevés, « épuisés et compromis », comme l’a écrit B.I. Zingerman à une autre occasion, « dans leur existence sérieuse et officielle, après avoir traversé l’épreuve des coups de bâton des bouffons », ont été ramenés à une nouvelle vie, « rajeunis et lissés ». L'un des journalistes a écrit à propos de la parodie honorant O. O. Sadovskaya : « À travers la blague et les rires, une admiration chaleureuse et profonde pour le grand artiste a éclaté (ou il serait plus exact d'écrire ceci : grâce à la blague et aux rires), exprimé en paroles humoristiques voilées, en musique ironique, cela sonnait plus pleinement que dans toutes les doxologies solennelles. La parodie a détruit, démystifié non pas les véritables idoles, mais a attaqué les clichés et les mensonges, exagéré la fanfaronnade. Elle a libéré des sentiments sincères, les a testés par le rire, et a rendu aux valeurs réelles, en les passant par le creuset de la bande dessinée, leur éclat d'antan.
L'âme du cabaret était l'un de ses principaux fondateurs, Nikita Fedorovich Baliev, artiste et cabaretier né.
« Le visage rond souriait largement, mêlant étroitement la bonhomie à l'ironie, et on y sentait la joie de quelque chose encore nouveau pour lui, préservant tout le charme passionnant de sa créativité originelle.
Heureux ceux qui ont deviné leur vocation », a écrit à son sujet N. Efros. Baliyev, cependant, n’a pas immédiatement deviné sa vocation.
Amateur doué, fervent admirateur du Théâtre d'Art, ami de ses acteurs, il est accepté en 1907 dans la troupe du Théâtre d'Art de Moscou. L'histoire de son invitation au Théâtre d'Art est également insolite. Lorsqu'en 1906 le théâtre entreprit sa première tournée européenne, deux jeunes hommes - le riche moscovite N. Tarasov et son parent éloigné N. Baliev - suivirent leur théâtre préféré, se déplaçant avec lui de ville en ville. Et le soir, nous nous asseyions avec les acteurs des célèbres cabarets. Le succès artistique du théâtre de Moscou fut énorme. Mais les frais ne pouvaient pas couvrir les dépenses gigantesques associées à la tournée. Pour rentrer chez lui, le théâtre avait besoin d'une somme qu'il n'y avait nulle part où trouver. Et puis Tarasov a donné 30 000 roubles pour une durée indéterminée et sans intérêt. En remerciement, les directeurs du théâtre l'ont invité à rejoindre les actionnaires du Théâtre d'art de Moscou et Baliev a d'abord été accepté comme secrétaire de la direction, puis après un certain temps dans la troupe.
Cependant, son destin d'acteur au théâtre n'était pas heureux. Il échoua les uns après les autres dans les petits rôles qui lui étaient assignés, « découvrant », comme le pensait V. Luzhsky à propos du rôle de Baliev dans le rôle de Kister dans « Brand », « un manque total de talent dramatique ». Son talent ne convenait pas vraiment au théâtre – pas seulement au théâtre artistique, mais à tout autre genre. Son talent était exclusivement celui de la variété. Son apparence ne se prêtait à aucun maquillage. À travers chacune de ses couches, un visage complètement rond et rusé apparaissait, avec des yeux sournois et bridés, et le regardant à peine, le public, peu importe ce qui se passait sur scène, commençait déjà à s'amuser. "Mon visage est ma tragédie", écrit désespérément Baliev à V.I. Nemirovich-Danchenko, cherchant le rôle de Pourikes dans "Anatem" d'Andreev, "il y a une comédie en cours - ils disent que Baliev ne peut pas être donné (Bobchinsky) - il" Je vais tuer tout le théâtre, il y a un drame en cours - Pareil. Je commence tragiquement à me demander pourquoi Dieu m'a autant puni.<...>. Je jouerai le rôle de Purikes<...>et peut-être pourrai-je : vous montrer de l'humour tragique dans ce rôle. Croyez-moi une fois dans votre vie, cher Vladimir Ivanovitch, sinon, par Dieu, ma situation est tragique. Soit un accent du sud, soit un visage trop comique. Ce qu'il faut faire? Tirer? Surtout si vous aimez le théâtre. Je crois, Vladimir Ivanovitch, que cette année tu me confieras un rôle. Par Dieu, c'est nécessaire. Je ne vous déshonorerai pas, cher, cher Vladimir Ivanovitch. De plus, vous avez un bon rôle épisodique. Vous me l’avez promis et je sais que vous tenez parole. Une telle lettre pourrait ébranler le cœur de n’importe qui. Et dans tous les autres cas, le cœur de Nemirovich-Danchenko aurait probablement tremblé sans l’art du Théâtre d’Art. Si Stanislavski et Nemirovitch-Danchenko avaient été un peu moins exigeants et stricts, le théâtre aurait acquis pour longtemps un acteur dramatique médiocre, et la scène aurait perdu à jamais l'un de ses metteurs en scène les plus talentueux, l'artiste qui devint le fondateur de Artiste russe.
Le rôle de Purikes, pour lequel Baliev a travaillé dur, ne l'a jamais atteint. Dans Anathem, il jouait un joueur d'orgue. "Ramp and Life" a immédiatement publié une photographie de Baliev dans ce rôle. Elle l'a fait, probablement, non pas parce que le joueur d'orgue était une grande réussite de l'artiste, mais parce qu'à cette époque, Baliev, en tant qu'animateur et cabaretie principale de « La Chauve-souris », devenait l'une des personnes les plus populaires de Moscou.
Loujski, en réponse aux plaintes de Baliev à propos de Pourikes, lui promit qu'il jouerait dans la pièce où « son don comique, ses plaisanteries pleines de ressources et son ventre lui conviendraient ». Ayant déjà assez bien maîtrisé les leçons du théâtre d'art, Baliev comprend qu'il s'agit d'un refus diplomatique. Peu à peu, il commence à se rendre compte qu'il n'a rien à faire au Théâtre d'art de Moscou. Il avait un rôle dans lequel il avait déjà utilisé ses données - Bread dans "The Blue Bird" (il est curieux que plusieurs années plus tard, un autre futur artiste, M.N. Garkavi, joue le même rôle). Du pain drôle et pas très bon enfant roulé sur scène en chignon sur pattes courtes. Son rôle s'est transformé en un numéro d'insertion ; dans la représentation générale, il a joué sa propre petite performance, se démarquant désespérément de l'ensemble. Il a essayé d'attirer l'attention avec toutes sortes d'astuces et diverses techniques amusantes, essayant de prouver que son « don comique, ses blagues ingénieuses et sa panse » pouvaient être utiles dans le théâtre d'art. Il a argumenté avec tant de diligence que Stanislavski, comme le rappelle L.M. Leonidov, « un jour, comme par hasard, a demandé à Baliev s'il aimait le cirque.
"Oh oui", répond Baliev.
Et les clowns ? - demande Stanislavski.
J'adore ça », poursuit Baliev.
C’est évident, tu n’es qu’une farce… »
Pourtant, cette caractéristique, mortelle pour un acteur dramatique, était presque un éloge pour un acteur de variétés. Le théâtre n'était pas la vocation de Baliev. Il est né pour la scène. Seulement ici, il s'est avéré talentueux, brillant et intéressant. Il ne pouvait pas jouer différents rôles. Mais toute sa vie, il a brillamment joué le seul - le propriétaire et animateur de "The Bat" Nikita Baliev. Tout ce qui le dérangeait au théâtre devenait ici non seulement approprié mais nécessaire. Et un visage caractéristique dont on se souvient instantanément, et une personnalité unique.
Baliev ne rentrait pas dans le cadre rigide d'un spectacle répété, vérifié et construit pour toujours. Une force inconnue l'a arraché au déroulement mesuré de la représentation, le poussant sur le devant de la scène face à face avec le public, en tête-à-tête avec le spectateur. Il était par nature un acteur soliste, un « one-man », ici, sur place, devant le public, créant sa propre performance, indépendante de quiconque et sans lien avec personne, dont toutes les parties sont fluidement changeantes, subtilement mobile. Spectacle d'improvisation. Ce n'est pas un hasard si son don d'artiste s'est découvert lors de soirées amusantes impromptues. Il soutenait, légèrement dirigeait, le cours général du plaisir, tout en s'y dissolvant. C'est lors de ces soirées que naissent spontanément les techniques qui feront partie de l'arsenal des moyens artistiques du futur artiste. "Son amusement inépuisable, sa débrouillardise, son esprit - à la fois dans l'essence même et sous la forme de la présentation de ses blagues, son courage, atteignant souvent le point d'insolence, sa capacité à tenir le public entre ses mains, son sens des proportions, sa capacité à l'équilibre à la frontière de l'audace et de la gaieté, de l'offensif et du ludique, la capacité de s'arrêter dans le temps et de donner à la blague une direction complètement différente et bon enfant - tout cela a fait de lui une figure artistique intéressante de notre nouveau genre », a écrit K. Stanislavsky à son sujet, le succès de Baliev en tant qu'artiste a augmenté en proportion inverse de son succès en tant qu'acteur dramatique. Le jour de la « réunion de spectacle » du cabaret ou du « spectacle du chou » annuel était à peine passé, que, comme l'écrit L. Leonidov, N. Baliev a imaginé lundi de la première semaine du Carême d'organiser au Musée d'art de Moscou Théâtre, où « il a fait preuve de beaucoup d'esprit, d'ingéniosité, de goût », où « Stanislavski, Nemirovitch-Danchenko avec toute la troupe et les ateliers se sont livrés à lui », Baliev s'est de nouveau retrouvé sans travail. Sa position au théâtre empirait de plus en plus, il était à peine présent dans les représentations - au cours de la saison 1911/12, il joua deux petits rôles épisodiques, dont un sans paroles. Il n’y avait aucun espoir de changement. « Peut-être qu'en fait, écrivait Baliev à Nemirovich-Danchenko peu avant son départ, le Théâtre d'Art, où le destin m'a poussé, n'est pas mon théâtre. Je suis impoli et inintelligent avec lui. Et puis, peu importe combien c'est difficile, peu importe l'effondrement des idéaux, il faut se décider et partir - avant qu'ils ne disent : partez, nous n'avons pas besoin de vous, et cela peut aussi arriver.»
Baliev mûrissait depuis longtemps des projets liés à «La Chauve-souris». La dernière étape restait à franchir. Et Baliev le fait. Au printemps 1912, les journaux rapportèrent pour la première fois qu'à partir de la saison suivante, Baliev quittait la troupe du Théâtre d'art de Moscou et organisait un grand cabaret largement accessible au public.
C’est essentiellement à cela que tout conduisait. En 1910, le cabaret a commencé à émettre des billets, appelés billets marchands - ils coûtaient de 10 à 25 roubles et étaient pour l'instant appelés timidement contremarques et étaient distribués par le biais de notes entre amis. Mais les ennuis commencèrent : au début, n'ouvrant que légèrement les portes au public extérieur, il fut bientôt contraint de les ouvrir grandes. Et déjà en 1911, le journaliste notait tristement que « les meilleures places sont occupées par les représentants des plus grandes entreprises commerciales de Moscou ». Mais il n’y a ni Stanislavski, ni Nemirovitch-Danchenko, ni Knipper.» D'un refuge pour les artistes, The Bat est devenu une entreprise commerciale. L'évolution du cabaret moscovite ne fait pas exception. C'était une voie naturelle et logique que tous les cabarets - russes et européens - suivirent tôt ou tard.
L'histoire du cabaret artistique du Théâtre d'Art est terminée.
L'histoire du théâtre miniature « The Bat » a commencé.
Théâtre cabaret N.F. Balieva "La chauve-souris" changé plusieurs adresses à Moscou :
- Le théâtre a commencé dans le petit sous-sol de la maison de Z.A. Pertsova chez Soimonovsky proezd, 1. Dans celui-ci après les représentations en 1908-1912. les artistes du Théâtre d'art de Moscou (MAT) se sont réunis ;
- puis pendant trois ans, de 1912 à 1915, le Théâtre Bat a passé dans le sous-sol de la maison de Milyutinsky, 16 C1 ;
- de là, pour la nouvelle saison de 1915, le Bat Theatre a déménagé au sous-sol de la maison Nirnzee nouvellement construite à B. Gnezdnikovsky, 10. Le troisième refuge s'est avéré être le dernier : en 1922, le Bat Theatre en Russie a été fermé. .
Outre les artistes du Théâtre d'art de Moscou - Kachalov, Stanislavsky, Knipper-Chekhova - de nombreuses célébrités invitées se sont produites sur la scène du Théâtre Bat. Parmi eux se trouvaient Fiodor Chaliapine et Leonid Sobinov.
Emblème du théâtre cabaret "La Chauve-souris"
L'emblème-caprice « Chauve-souris » sur le rideau du théâtre de cabaret contraste avec la « Mouette » académique sur le rideau du Théâtre d'art de Moscou. Je voulais faire une pause avec The Seagull.
"The Bat" - une tentative de renaissance
12 juin 1989 avec la pièce « Reading nouvelle pièce"Le théâtre cabaret "The Bat" de Grigory Gurvich a ouvert ses portes. Cela n'a pas duré longtemps. Après la mort subite de Gurvich (1957-1999), le théâtre a duré deux ans : le 30 décembre 2001, il a cessé de donner des représentations.
Le théâtre cabaret est né en 1908 des « cabbets » du Théâtre d'art de Moscou ; il existait initialement comme un club pour les acteurs de ce théâtre. Organisateurs - N.F. Baliev et N.A. Tarasov (avec O. L. Knipper, V. I. Kachalov, I. M. Moskvin et d'autres). Les « soirées de spectacle » du club étaient de nature improvisée, conçues pour « leur » public, et comprenaient des performances comiques de K.S. Stanislavski, Knipper, Kachalov et autres, parodies de représentations du Théâtre d'art de Moscou. Depuis 1910, le club a commencé à donner des spectacles payants, ce qui a influencé la composition du public et le répertoire ; en 1912, il fut transformé en un cabaret commercial indépendant destiné à un public riche et instruit. Le réalisateur, directeur artistique et animateur était Baliev. Auteurs réguliers - B.A. Sadovskaya et T.L. Shchepkina-Kupernik.
Les genres de soirées amateurs étaient activement utilisés - danses quotidiennes, blagues, jeux de mots, charades, chansons intimes. Au théâtre se forme une sorte d'acteur synthétique, capable de combiner lecteur, danseur, chanteur et improvisateur. La troupe comprenait V.A. Podgorny, Ya.M. Volkov, V.Ya. Henkin, KE (2003). Gibshman, E.A. Marsheva, A.F. Heinz, E.A. Khovanskaya et autres. Réalisé par V.V. Luzhsky, Moskvin, Baliev, E.B. Vakhtangov et autres.
Depuis 1914, le Bat Theatre, sans changer de nom, se rapproche progressivement du type de théâtre miniature. Les tables ont été remplacées par des rangées de fauteuils, le genre phare était la miniature scénique, construite sur la base de l'opérette classique, le vaudeville (« Six Brides and No Groom » de F. Suppe, « Wedding by Lanterns » de J. Offenbach), dramatisations d'œuvres classiques (« La Dame de Pique » de A.S. Pouchkine, « Le Trésorier » de M.Yu. Lermontov, « Le Nez », « Le Pardessus » et « La Poussette » de N.V. Gogol, « Le Livre des Plaintes », « Caméléon » d’A.P. Depuis 1908, le club était situé au sous-sol de la maison de Pertsov ; Après l'inondation, il a déménagé à Milyutinsky Lane. Depuis 1915 au sous-sol de la maison Nirnzee (rue Bolchoï Gnezdnikovsky, 10). En 1920, une partie de la troupe de théâtre dirigée par Baliyev émigre et une nouvelle scène européenne de « La Chauve-souris » commence. Le reste de la troupe fut intégré au théâtre Satyre-agitateur.
L’idée de créer un club de théâtre n’a pas été conçue pour le public, mais pour son absence totale. En réalité, le public ne devrait pas voir leurs personnages théâtraux dans des situations quotidiennes.
Le club « fermé » comprenait des acteurs du Théâtre d'art : Olga Leonardovna Knipper-Chekhova, Vasily Ivanovich Kachalov, Ivan Mikhailovich Moskvin, Georgy Sergeevich Burdzhalov et Alisa Koonen.
La charte du cercle « Chauve-souris » a été soumise pour enregistrement à la présence de la ville, ce qui a ensuite été rapporté par le journal « Russkoe Slovo ». .
| "Lorsque le besoin d'une salle spéciale pour les jeunes est devenu évident, une salle au sous-sol a été ajoutée, qui abritait autrefois un cercle d'artistes du Théâtre d'art de Moscou appelé "La Chauve-souris", qui tenait ses réunions intimes et fermées la nuit après les représentations. . L'âme de ces réunions était N. F. Baliev, qui organisa plus tard sa propre troupe pour des représentations publiques de « La Chauve-souris », qui devint bientôt si populaire à Moscou. Pour aménager une salle de danse, j'ai approfondi la pièce avec un archine et posé du parquet en chêne pour préparer l'asphalte », se souvient plus tard le propriétaire de la maison. |
Ainsi, il était nécessaire de créer un club de théâtre et les perspectives de son développement se sont révélées plus tard. Les créateurs du théâtre n’y ont même pas pensé.
Tarassov
Période post-inondation
Un mois et demi plus tard, en avril 1908, le niveau de la rivière Moscou monta et l'eau déborda de ses rives. Dans certains des endroits les plus bas du centre-ville, tous les sous-sols ont été inondés d’eau.
"Deux ou trois jours chauds d'affilée et plusieurs pluies simultanées ont favorisé la fonte de la neige et ont tellement détaché la glace qu'une crue rapide et importante de la rivière Moscou ne faisait plus de doute."
Après l’inondation, le sous-sol confortable de la maison de Pertsov a dû être restauré et la troupe de Baliev a repris ses représentations.
"La Chauve-souris a duré une courte saison théâtrale et demie dans ses locaux d'origine, après avoir été dévastée par les eaux déchaînées de la rivière Moscou au printemps."
Théâtre semi-extérieur
Pour la deuxième saison, le théâtre a débuté ses représentations à 21h30 du soir.
L'ouverture officielle du «sous-sol» a eu lieu le 18 octobre de l'année avec une parodie de la première (13 octobre 1908) du spectacle du Théâtre d'art de Moscou «L'oiseau bleu», dans lequel Konstantin Sergeevich Stanislavsky et Nemirovich-Danchenko recherchaient cet oiseau. Le théâtre était prêt à recevoir 60 invités, comme l'a annoncé le journal « Russian Word » :
Il faut dire que la représentation du Théâtre d'Art lui-même a été un énorme succès. Pendant un siècle entier, le spectacle légendaire n'a pas quitté la scène et a été diffusé au moins quatre mille cinq cents fois. L'auteur a accordé pour la première fois le droit d'utiliser le conte à Stanislavski ; La conception du spectacle comprenait une partition d'éclairage complexe.
"La Chauve-souris" a célébré son premier anniversaire le 19 mars 1909, en même temps que le 20e anniversaire de scène d'Alexandre Léonidovitch Vishnevski. Nikita Baliev a divisé l'histoire du théâtre en périodes « antédiluvienne » et « post-déluge ». Parmi les invités figuraient V. A. Serov, N. A. Andreev et A. V. Sobinov, qui ont été escortés à Buenos Aires le lendemain. .
Théâtre ouvert
Théâtre de la ruelle Milyutinsky
Au début, « The Bat » vivait sans publicité ni publications, qui ont été remplacées par la rumeur moscovite. Tout le monde rêvait d'aller au théâtre et de voir de ses propres yeux ce qui se passait derrière. portes closes. Et le théâtre devient de plus en plus ouvert, perdant son intimité.
« Tarasov est un jeune homme élégant aux yeux de velours sur un beau visage mat. Il avait un goût délicat et une apparence heureuse. Le destin lui fut extrêmement miséricordieux et généreux. Mais Tarassov portait en lui une soif de joie de vivre, mais il ne pouvait jamais l'étancher, il ne pouvait pas en faire l'expérience.»
La représentation au Théâtre d'Art a été annulée.
Théâtre commercial
Au fil du temps, l'esthétique et le désir de sophistication raffinée ont commencé à se manifester de plus en plus dans les programmes du théâtre.
Ambiance théâtre
Les murs du théâtre cabaret étaient ornés de caricatures et de caricatures de thèmes de théâtre. Il y avait une inscription au-dessus de l'entrée du théâtre « Tout le monde est censé se connaître », et les invités de bienvenue du « Bat » pouvaient signer livre célèbreà côté des autographes de K. S. Stanislavsky lui-même, V. S. Kachalov, O. L. Knipper-Chekhova, Rachmaninov et Isadora Duncan. Le « public proche du théâtre » est immédiatement tombé au cœur de la vie mouvementée des coulisses. Comme s'il entrait dans le théâtre par l'entrée de service, le spectateur faisait un voyage passionnant dans le monde des scènes théâtrales, se sentant intimement impliqué dans la sphère artistique.
Les représentations au Bat ont commencé à 23h30. Le public a pris place, les lumières se sont éteintes et les acteurs sont sortis furtivement des stalles pour monter sur scène. Vêtus de robes noires flottant comme des ailes de chauve-souris, ils chantaient à voix basse au rythme des lumières rouges vacillantes : "La souris est mon animal volant, la souris est aussi légère que la brise". Le public, déjà impliqué dans le processus, se sentait « à pied d’égalité » avec artistes célèbres. Les performances impromptues de Vera Nikolaeva Pashennaya, Nikolai Fedorovich Monakhov et même de Marie Petipa, qui se sont retrouvées « accidentellement » dans le sous-sol de « The Bat », ont en fait été pensées et même payées par Baliev. Ainsi, une fusion complète a été réalisée salle et des scènes. La Bohême était composée d'hommes d'affaires, de fonctionnaires respectables et d'intellectuels à succès qui jouaient les rôles d'« artistes » et d'« acteurs ».
Théâtre au sous-sol de la maison Nirnzee
Grâce à un grand nombre fans du théâtre cabaret et du succès des représentations, en 1915 « Die Fledermaus » déménage dans un théâtre spécialement adapté avec une scène fonctionnelle, salle et un buffet. Les représentations ont eu lieu dans le sous-sol de l'immeuble n°10 de la ruelle Bolchoï Gnezdnikovsky, appelé la « Première Maison de Nirnzee », qui à l'époque ressemblait à un gratte-ciel.
Au théâtre cabaret "Die Fledermaus", Kasyan Yaroslavich Goleizovsky a incarné ses idées créatives pour les productions de ballet, représentant les départements de divertissement.
Mais le temps a donné naissance « une atmosphère de tristesse nostalgique du passé passager et de confusion fatiguée devant un avenir incompréhensible ».
Dans les années 1920, Baliev part en tournée européenne avec une partie de la troupe Bat. Jusqu'en 1922, ils essayèrent tant bien que mal de préserver le répertoire, mais « Die Fledermaus » mourut en Russie.
En 1918, Efros écrivit un vœu pour le dixième anniversaire du théâtre :
« Que ce qui s'est passé se reproduise. Que la réalité dépasse à nouveau tous les rêves et désirs»
Répertoire (1908-1920)
Le répertoire du cabaret était une version humoristique des productions du Théâtre d'Art ; dans sa position d'« homme du dehors », qui permet de déceler avec une acuité particulière la comédie des phénomènes et des situations dans lesquelles « l'homme de l'intérieur » pouvait voir un schéma inébranlable. Les acteurs aux multiples visages changeaient d'images et de personnages plusieurs fois par jour. Premier au répertoire "Théâtre des parodies improvisées" il y avait des miniatures humoristiques et des croquis pour les productions du Théâtre d'Art. Nikolai Baliev était l'un des artistes les plus spirituels, ses reprises créaient un éclat particulier aux soirées théâtrales de "The Bat". Ensuite, le répertoire s'est rempli de performances musicales et dramatiques. Les productions ont commencé à graviter vers la sophistication et l’élitisme, destinées à un public aisé. Le théâtre vivait dans ses propres locaux avec tous les ateliers de décorateurs nécessaires, et le théâtre disposait déjà d'une troupe permanente.
Le répertoire du théâtre cabaret comprenait des miniatures :
"Blue Bird" (1908, parodie de la pièce du Théâtre d'art de Moscou) "Horloge" miniature - de la collection de porcelaine française, interprétée par T. Oganesova et V. Seliverstova "Sous le regard des ancêtres" - une ancienne gavotte était interprété par T. Oganesova, Y. Volkov, T. Kh Deykarkhanov, V. Selivestrov « Cathédrale de Constance » sur la musique de A. Arkhangelsky et les paroles de A. Maykov, interprétée par Y. Volkov, A. Karnitsky, M. Efremov , B. Vasiliev, A. Sokolov, N. Sokolov, B. Podgorny « Trésorier." Scènes basées sur M. Yu. Lermontov. Participants : Trésorier - I. I. Lagutin, Capitaine d'état-major - Y. Volkov, Trésorier - E. A. Tumanova « Zarya-Zaryanitsa » sur des poèmes de Fiodor Sologub et une musique de Suvorovsky. Interprété par T. Oganesova, L. Kolumbova, N. Khotkevich, S. Tumanova, A. Sokolov, V. V. Barsova, N. Vesnina. "Moonlight Serenade", actrice N.V. Meskhieva-Kareeva (N.V. Alekseeva - Meskhieva) Peinture mise en scène de Malyavin "Whirlwind". « Femmes » : E. A. Tumanova, T. Kh. Deykarkhanova, L. Kolumbova, V. V. Barsova, V. Seliverstova, A. Sokolova « L'Inspecteur général », 1909 (court, facile, concis, pertinent, maléfique, plein d'esprit) « Mary Stuart " - Parodie de N. Tarasov de la pièce du Théâtre Maly, 1910. "Le scandale avec Napoléon, ou un épisode inconnu arrivé à Napoléon à Moscou" (à propos du grand Napoléon et de son chauffeur disparu) - bouffonnerie de N. Tarasov, 1910. Dramatisation « Les frères Karamazov » (dans la pièce Nemirovich-Danchenko et Alexander Sumbatov s'assoient à une table et boivent du cognac, avec la participation de Fiodor Chaliapine, 1910) Scènes basées sur le poème de Pouchkine « La fontaine de Bakhchisarai » sur la musique de A. Arkhangelski. Les rôles ont été interprétés par : Maria - N. Khotkevich, Zarema - T.Kh Deykarkhanova, Khan - V. A. Podgorny « V clair de lune "(Chanson française), interprétée par A.K. Fechtner, N.A. Khotkevich, V. Seliverstova, T. Oganesova, N. Vesnina "Le chevalier qui a perdu sa femme à cause du diable". La pièce de M. Kuzmin, dans laquelle cette épouse était interprétée par N. A. Khotkevich, L. A. Gatova, T. Kh. Deykarkhanov "Le jouet russe de Posad Sergiev". Musique de A. Arkhangelsky. La pièce met en vedette A.K. Fechtner, M. Borin, K. Korinct (?) « Brigan Papa » ou « le maître mezalien méchamment battu ». Vaudeville de M. Dolinov avec chant. Interprètes : N. A. Khotkevich, I. Lagutin, A. Fechtner, Y. Volkov « La boutique de Madame Bourdieu » - scènes d'un Moscou qui passe. Acteurs : N. Milatovich, A. Fechtner, V. Barsova, I. Lagutin, T. Oganesova "à Krutogorsk" - Interprètes : N. Baliev, E. Zhenin, N. Khotkevich "Mère", scènes basées sur M. Gorky avec la participation de V. A. Podgorny dans le rôle de Timur Lench "Le Caprice de Vogdykhan". D'après l'histoire d'A. Ronier. Interprètes V. A. Podgorny, A. Sokolov, Y. Volkov « Sérénade d'un faune » sur la musique de Mozart, rôles joués par V. V. Barsova, E. A. Tumanova et A. Sokolova « Crocodile et Cléopâtre », dans lesquels le rôle de Cléopâtre a été interprété par E. A. Tumanova, puis N. M. Khotkevich, V. K. Seliverstova « Katenka ». Polka oubliée des années 80. Les rôles ont été interprétés par V.V. Barsova, A.K. Fechtner, M. Borin Opera (?) Humperdinck, traduit et mis en scène par Nikolai Zvantsev, 1911 « Peer Gynt » (un poème dramatique et musical de Baliev en dix scènes, 1912) « Sorochinskaya Elena » - une parodie des performances " Foire de Sorotchinskaya», K. Mardzhanova et « Belle Elena », A. Tairova, 1913 « Revue des théâtres : les plus gros échecs de la saison récemment commencée. » "Ekaterina Ivanovna" - une parodie de la pièce de L. Andreev, 1913 "Comte Nulin" sur la musique d'Alexei Arkhangelsky, 1915. "La Dame de Pique", 1915. Avec la participation de T. Kh. Deykarkhanova "Le Pardessus". » de Gogol, dans le rôle d'Akakiy Akakievich V.A. Podgorny, A. Sokolov, A. Milatovich, Efremov, I. Lagutin, E. Zhenin, M. Borin « La querelle d'Ivan Ivanovitch avec Ivan Nikiforovitch », scènes basées sur Gogol. Ivan Ivanovitch - V. A. Podgorny Départements Divertimento de K. Ya Goleizovsky, 1916 « Chanson de Fortunio » sur la musique de J. Offenbach (miniature de 20 minutes, ) « Salade italienne » ; "À propos de l'hétaïre Melitis" (mystère stylisé) "Lev Gurych Sinichkin" - vaudeville de D. T. Lensky "Qu'est-il arrivé aux héros de "L'Inspecteur général" le lendemain du départ de Khlestakov" (numéro parodique) "Mariage aux lanternes" () " Canard" O trois nez"(opérette en trois actes d'E. Jonas, ().
Révolution
Dans les années 1920, la troupe donne des concerts aux unités de l'Armée rouge. Le théâtre se produisait dans d'immenses dépôts ferroviaires pour les ouvriers et les employés. Avec une partie de la troupe, Baliyev s'est rendu à Bakou, puis en Turquie, car les tentatives visant à prolonger la vie de la « Chauve-souris » dans son pays natal étaient inutiles. Le Théâtre Baliev a fait une tournée mondiale sans retourner dans son pays d'origine. La troupe de Nikita Baliev a été emmenée à Londres par un entrepreneur de théâtre
Sir Charles Blake Cochran Des chansons du répertoire de « The Bat » ont été enregistrées par la maison de disques Compagnie de graphophones Columbia sur le disque, face « A » : « Round the Hay Wain » (anglais), face « B » : Barcarolles en russe, accompagné d'un orchestre Théâtre du Vaudeville
Nikita Baliev s'est lié d'amitié avec les dramaturges américains de la société Round Table. Table ronde algonquine ). Un soir, la pièce « No Sirree ! » a été jouée. " Avec accompagnement musical Jascha Heifetz, parmi numéros musicaux Il y avait la chanson de Dorothy Parker « The Everlastin Ingenue Blues », chantée par Robert Sherwood accompagnée d'un « chœur de filles » : Tallulah Bankhead, Helen Hayes et Mary Brandon. La pièce a duré 15 représentations. Le Théâtre Baliev a présenté un spectacle basé sur la pièce d’Alexander Milne « Mr. Pim passe par là"
Revue sur Broadway
Du 4 février jusqu'à la fin de la saison, en juin, Chauve-Souris a présenté 153 représentations à Broadway. "Théâtre de la quarante-neuvième rue" sur la 49ème rue.
- Créateurs
- Casting
| Images externes | |
|---|---|
| Nikita Baliev dans le magazine Time | |
| Dessin de Nicolas Remisoff | |
| Esquisse de M. V. Dobuzhinsky pour la pièce « La marche des soldats de bois » | |
La production a été présentée dans le deuxième programme de la revue "Chauve-Souris" à Broadway au Fairyland Theatre en juin de cette année et a fait sensation. Ce n'était plus seulement une pièce de théâtre, mais toute une œuvre de cinq minutes, très instructive, avec un arrangement coloré, avec une transition rythmique d'une marche à un piano et un fox-trot ; parties vocales pour quatuor d'hommes, parties pour violon et violoncelle ; partitions pour un petit orchestre militaire; mandoline solo avec guitare, mandoline avec piano et guitare avec piano.
Les performances ont été conçues par l'artiste Mstislav Dobuzhinsky.
Le programme comprenait 13 numéros répartis en deux sections. Acteurs :
Mme Tamara Deykarhanova (Mme.Tamara Deykarhanova), Mme Dianina (Mme. Dianina), Mme Fischner (Mme. Fechner), Mme Birse (Mme.Birse), Mme Ershova-Dolina (Mme. Ershova), Mme . Vasilkova (Mme Vassilkova), Mme Lomakina (Mme. Lomakina), Mme Kochetovskaya (Mme. Kotchetovsky), Mme Karabanova (Mara Craig) (Mme. Karabanova) et Mme Mme Komissarjevskaya (Mme. Komisarjevskaia).
M. Dalmatov, M. Gorodetsky, M. Salama, M. Birse, M. Emil Boreo (M. . Emil Boreo), M. Davidoff, M. Jourist (M. Jourist), M. Kochetovsky (M. Kochetovsky), M. Marievsky, M. Stoyanovsky ( M. Stoianovsky, M. Zotov, M. Doubinsky, M. Malakoff, M. Wavitch, M. Gontacharov M. Gontacharoff)
Tournée et destin ultérieur
Baliev a participé aux récitals de Teffi, Don-Aminado et Munstein.
Du 10 octobre au 17 décembre sur la scène new-yorkaise "Théâtre cosmopolite" La compagnie de Baliev a donné 80 représentations - un spectacle en deux parties, avec des arrangements musicaux d'Alexei Arkhangelsky.
Du 12 au 21 août de l'année "Théâtre Royal" Gleb Yellin a présenté une nouvelle revue musicale russe en deux actes intitulée Chauve-Souris.
Filmographie
Commentaires
Remarques
- Encyclopédie du théâtre. En 5 volumes + volume supplémentaire = ensemble de 6 livres / Editeur Stefan Mokulski. - M. : « Encyclopédie soviétique", . - 6098 pages.
- E.D. Ouvarova Encyclopédie « Variété en Russie XXe siècle ». - M. : "Olma-Presse", . - 864 p. - 5000 exemplaires.
- - ISBN5-224-04462-6 N.E. Efros « Théâtre « Bat » de N. F. Baliev. 1908 - 1918" = Bilan décennal travail artistique
- le premier théâtre cabaret russe / Texte de N. E. Efros. - Publié dans les ateliers d'art du magazine "Soleil de Russie". - M., 1918. - 76 p. - ISBN978-599-898-592-8
- sur le site « Journal Vieillesse ». Archivé
- « Mot russe », daté du 17 mars 1908"Maison Pertsov : architecture et vie" . Archivé de l'original le 9 avril 2012. Récupéré le 3 avril 2011. - Revue "»
- art russe
- Tarasov. Archivé portrait des archives de A. Frolov.
- Nikolaï Tarassov. Archivé de l'original le 22 novembre 2012. Actualités Moskovski
- , daté du 20 mars 1909
- sur le site Photos du vieux Moscou : oldmos.ru
- "Mot russe" du 23 avril 1908 Oiseau bleu (1908) (russe). sur le site Musée du Théâtre
- eux. A.A. Bakhrushina. Archivé de l'original le 27 juillet 2012.
- Images créées par les acteurs du Théâtre d'art de Moscou sur des cartes postales - sur le site ArtPages
- Nikolaï Tarassov. Archivé de l'original le 22 novembre 2012. Oiseau bleu (russe). sur le site Internet du Théâtre d'art de Moscou. Archivé de l'original le 27 juillet 2012.
- , Revue du 14 avril 1909
- "Nouvelle heure" du 14 (01) avril Dans le livre - 1916 : K. Goleizovsky
- . Photos du livre de N.E. Efros (russe). site Web non officiel d'Evgeny Petrosyan. Archivé de l'original le 27 juillet 2012.
- Chœur du Théâtre Bat N. Baliev, orchestre du Théâtre du Vaudeville, chef d'orchestre S. Kogan (russe). Records russes. Archivé de l'original le 27 juillet 2012.
- «Morris Gest présente Nikita Balieff, Théâtre De La Chauve-Souris» = Une déclaration de Morris Gest. Programme 12-16. - États-Unis, . - 38 s.
- La Ligue Broadway // - Base de données ibdb internet Broadway
- Chauve-Souris 1922. Théâtre de la 49e rue (anglais). playbillvault.com (4 février 1922 - 1er juin 1922). Archivé de l'original le 27 juillet 2012. Récupéré le 24 janvier 2012.
