Il y a une file d'attente à l'Ermitage, les gens vont voir Jan Fabre.
Seuls les paresseux n'allaient pas à l'Ermitage ces jours-ci, qui préparait tellement d'expositions pour le forum culturel de décembre 2016 que cela suffirait pour un an. Mais la plupart vont à l'exposition controversée de l'artiste belge Jan Fabre, « Le chevalier du désespoir - Guerrier de la beauté ».
J’ai été « accro » par plusieurs œuvres de l’artiste lorsque je suis allé voir le « Géographe » de Vermeer de Delft. Depuis que l’appareil photo était en main et que le travail de Jan Fabre peut être photographié, contrairement à d’autres expositions temporaires, sont apparues des photographies que je partage.
On a assez parlé sur Internet, dans les journaux et même à la radio de cette action sensationnelle et agaçante de l'Ermitage. L'Ermitage a préparé une série de conférences pour sensibiliser la population à la valeur art contemporain représenté par Jan Fabre.
Beaucoup de choses flatteuses ont été écrites sur l'artiste lui-même dans les médias : il est le plus célèbre et le plus célèbre, et il a des expositions dans les plus grands. grands musées paix. Son grand-père était un entomologiste réputé ; c’est probablement de là que vient l’amour de l’artiste pour les matériaux naturels d’origine naturelle : les animaux empaillés, leur fourrure et leurs plumes, les ailes d’insectes, etc. Il utilise tout cela comme matériau pour sa créativité.
Et nous regardons les photographies. Il n’y en a pas beaucoup, puisque les œuvres de l’artiste se trouvent dans des pièces différentes, et je n’en ai retenu que quelques-unes.
Dans les salles d'art, on dirait « traditionnel », on remarque immédiatement les œuvres de Jan Fabre ; elles sont délibérément exposées pour attirer le regard, non pas pour accompagner les maîtres anciens, mais pour les « crier » avec des couleurs criardes. .
Ces peintures irisées bleu-vert sont réalisées à partir des ailes de coléoptères dorés. Beaucoup d'entre eux.
Ils sont juste là groupes sculpturaux, c’est peut-être ainsi qu’il faudrait l’appeler. Si une telle œuvre était présentée dans un musée zoologique, personne ne la considérerait comme de l’art.
Etiquette de l'œuvre : "Loyauté et répétition de la mort". Belgique, 2016. Squelette en plastique d'un chien, coquilles d'un poisson rouge, perroquet empaillé, fil métallique, structure métallique.
Texte explicatif de l'exposition :
"Le chien - symbole de fidélité, de sincérité et d'obéissance - est présent dans de nombreux tableaux exposition permanente salle Les œuvres de Fabre présentées ici abordent cette image. Huit mosaïques vertes de chiens entourés de vanités (crânes, os, horloges) sont placées parmi quatre tableaux sélectionnés par Fabre dans la collection du musée : Adam et Eve d'Hendrik Goltzius, Le Roi Haricot et Le Festin de Cléopâtre de Jacob Jordaens, et Mullet et Procris. de Théodore Rombouts.
Selon Fabre, leur équilibre psychologique interne est perturbé, conduisant à la transgression, que l'artiste comprend comme une sorte d'acte d'excès, entraînant l'expérience du péché, de la trahison et de la tromperie. Le thème connexe de la vanité reflète ici non seulement l'imperfection du monde et sa fugacité, mais aussi l'idée de punition associée au sentiment de culpabilité. Les deux sculptures de Fabre, créées spécialement pour l'exposition, représentent les élytres décorés de coléoptères dorés et les squelettes de chiens avec des perroquets dans la gueule, symbole de la « morsure de la mort » qui interrompt inévitablement la plénitude de la vie. Au XIXe siècle déjà, l'éclat irisé des verges d'or attirait les bijoutiers et les costumiers en Europe, où la mode venait de l'Inde. Là-bas, les ailes des verges d'or sont utilisées depuis de nombreux siècles comme décoration. vêtements de cérémonie et les turbans, et lors de la création de peintures. Couleur verte, selon Fabre, se combine aux tons verts des paysages des peintures de la salle et symbolise la fidélité inhérente à un chien."
Dans l'étroit couloir sont accrochés d'autres chefs-d'œuvre de l'artiste : des inscriptions réalisées au stylo à bille sur du tissu. La planche explique : « De la série de 29 dessins « Tissu-BIC ». Tissu, encre BIC.
On admire, on comprend, on s'inspire, on avance.
" "Homme à la plume et poussins aigles". Belgique, 1986. Papier, stylo bille BIC. Collection particulière.
Ceci est un fragment bon travail artiste, créé avec le même stylo à bille BIC. D’ailleurs, on l’a déjà qualifié d’instrument artistique « non conventionnel » ; pourquoi, Jan Fabre lui-même peint avec ! Avant cela, il peignait avec son propre sang. Donc, voyez-vous, le crayon deviendra exotique si une célébrité le prend.
Mais bien sûr, il s’agissait toutes de « fleurs », et le travail réalisé à partir de plumes et d’animaux empaillés est vraiment choquant.
Le nom de cette installation (quel autre mot pouvez-vous utiliser ici ? Exposition de fragments de chouettes empaillées avec du verre à travers les yeux humains?) - "Les signes avant-coureurs de la mort décapités." Belgique, 2006. Plâtre, yeux en verre, plumes, nappe en lin. Collection KUKO.
De vraies plumes de hibou et des yeux de verre humains - et même le plein effet d'une tête coupée. Brrr. Peu importe ce que disent d’éminents critiques d’art sur la valeur du dialogue entre l’art moderne et l’art du passé, cela semble effrayant. Il vaut mieux ne pas le montrer aux enfants.
Le texte explique l’intention de l’artiste, sinon on ne sait pas ce qu’il voulait dire ! Et ce n’est pas ironique, la vérité n’est pas claire. Qui a tout compris sans un indice ? Et qui n’a pas compris même avec un indice sous forme de texte ?
Le voici, lit-on : « Les hiboux, héros de l'installation « Messagers de la mort sans tête » (2006), disposés comme un autel, fixaient leur regard froid sur le spectateur, avec leur présence silencieuse et solennelle rappelant l'existence limite dans l'étape de l'existence posthume, le passage de la vie à la mort. Ce message est renforcé par les paysages hivernaux de Geisbrecht Leuthens (1586-1656) de la collection de l'Ermitage, qui sont placés sur les côtés de la composition.
Dans la Flandre médiévale, la chouette était considérée comme un signe avant-coureur de mort et de malheur. Elle était associée à un certain nombre de péchés mortels : paresse, gourmandise, luxure. Dans le même temps, la chouette, impuissante le jour, se réveille la nuit et voit l'invisible, et sa solitude correspond à un caractère mélancolique - signe d'une intelligence subtile. Mais c'est aussi un symbole de modestie : son immobilité et son silence indiquent un manque de fierté.
L'exposition, composée d'images d'oiseaux, ressemble à une sorte de cage à oiseaux. Selon l'idée de Ffabr, ce parallèle nous renvoie à l'histoire Jardin suspendu, où les pigeonniers de Catherine II ont été conservés jusqu'à nos jours, et à l'histoire du musée lui-même : après tout, galeries d'art le long du jardin marque le début de la collection de l'Ermitage. La couleur bleue particulière des dessins fait référence à « l'heure bleue » - le moment dans la nature où les créatures de la nuit s'endorment déjà et où les créatures du jour ne se sont pas encore réveillées : c'est un moment mystique où diverses énergies fusionnent. les frontières de la vie et de la mort.
Dans l'histoire précédente, j'ai cité les paroles de Yuri Nagibin selon lesquelles chacun ouvre, en général, toute œuvre d'art avec sa propre clé. Ce jugement me semble correct. Je pense que les artistes s’efforcent probablement non seulement de se « démarquer » et de devenir célèbres, mais aussi d’être compris. Et pour être compris, ils créent effectivement. Une œuvre d'art est toujours un message pour le spectateur et elle doit être réalisée de telle manière que les gens perçoivent ce message de manière autonome, sans textes d'accompagnement, conférences, émissions de radio et projections de films. L'art de Jan Fabre est incompréhensible. Peut-être s'adresse-t-il aux gens du futur, peut-être que l'artiste était en avance sur son temps. Je risquerai d'être considéré comme une personne dépassée et même de montrer mon incompétence professionnelle, mais j'exprimerai mon avis : les œuvres de Jan Fabre me provoquent une perplexité mêlée de dégoût.
Un de ces jours, je retournerai à l’Ermitage, cette fois à l’état-major. J'ai peur de tomber par hasard au coin de la rue sur les chefs-d'œuvre de Jan Fabre.
Egor Roussak/TASS
Exposition du célèbre Belge Yana Fabra"Le Chevalier du Désespoir - Guerrier de la Beauté" a été inauguré le 22 octobre à l'Ermitage dans les bâtiments de la Quai du Palais et dans les locaux de l'État-Major. Les opposants à l’art moderne ont trouvé un point faible dans l’exposition. Il s'est avéré qu'il s'agissait de chats et de chiens : dans l'installation jumelée « Carnival of Dead Mutts » (2006) et « Protest of Dead Stray Cats » (2007), située dans le bâtiment de l'état-major et occupant l'une des salles de l'enfilade, l'artiste a utilisé des animaux en peluche sur fond de néerlandais classique et Peinture flamande, y compris des natures mortes avec du gibier tué. Le musée l'explique aussitôt : Fabre a ramassé des cadavres sur les bords de l'autoroute, là où des animaux jetés par leurs propriétaires avaient été renversés. Les salles d'exposition correspondantes sont marquées d'une limite d'âge de 16+.
Cependant, cette histoire a continué : le 10 novembre, à 15 heures précises, une attaque de réseau contre le musée a commencé - des republications massives avec le hashtag #honte à l'Ermitage. Comme toujours dans de tels cas, ces messages sont dominés par des déclarations agressives utilisant des grossièretés. Les personnes qui n'étaient pas présentes à l'exposition (comme en témoigne la photo jointe à leurs plaintes concernant un chaton crucifié, qui n'est pas dans l'exposition) et qui ne sont pas en mesure d'écrire sans erreur le nom du directeur du musée, ont demandé la fermeture de l'exposition. exposition, le licenciement du directeur, des voix se sont fait entendre dans la même foule sur les violences physiques contre l'artiste et les employés du musée.
Le chanteur figurait, comme on pouvait s’y attendre, parmi les critiques intransigeants de l’art contemporain. Elena Vaenga et député de la Douma d'État de la Fédération de Russie Vitali Milonov.
L'indignation de Fabre face à l'exposition est partagée par Liana Roginskaïa, la veuve de l'artiste Mikhaïl Roguinski, connue pour son amour fanatique des animaux. « À mon avis, cela n’a rien à voir avec l’art, mais c’est un excellent exemple de la bassesse jusqu’à laquelle peuvent atteindre le narcissisme et l’exhibitionnisme, combinés au manque de talent. Une question : si les cadavres n’étaient pas des chiens, mais des humains, applaudiriez-vous aussi à cela ? Hurst pour les pauvres? — déclare elle.
Le 11 novembre, les opposants à l'exposition ont lancé une pétition sur le portail change.org adressée au ministre de la Culture exigeant la fermeture de l'exposition. Il est caractéristique que le texte lui-même mentionne à nouveau le « chat crucifié », qui « a choqué les croyants, les a profondément blessés », même si, répétons-le, une telle œuvre n'est pas présente dans l'exposition. À ce jour, la pétition a été signée par près de 10 000 personnes.
En réponse, le ministère de la Culture a publié un commentaire sur son site Internet, déclarant qu'il ne jugeait pas nécessaire de s'immiscer dans la politique d'exposition du musée : « L'Ermitage, comme d'autres musées russes, disposant d'une indépendance et d'une liberté suffisamment larges, détermine de manière indépendante les priorités activités d'exposition, leur orientation thématique, leur solution artistique et leur design.
Chef du Département des dernières tendances au Musée d'État russe Alexandre Borovski, très critique à l’égard du travail de Fabre, écrit : « Je pense que, concernant cette pétition en particulier, elle ne concerne pas du tout les animaux. Je suis prêt à m'excuser auprès des amoureux simples d'esprit des êtres vivants - je ne parle pas de vous. Je vous conseille simplement de ne pas prendre l'art au pied de la lettre, sinon il vous sera difficile de trouver quelque chose de complètement neutre et agréable. Surtout dans l'art contemporain. Alors prenez soin de vous. Ou essayez d’adopter une vision légèrement plus large. Je parle des auteurs de la pétition. Et les commentaires sur les réseaux - je n'étais pas trop paresseux pour les parcourir. Ils sont écrits dans un langage étonnamment colérique et sans compromis, accusateur. Sur un ton si intolérant qu'on comprend : l'aversion pour les gens dépasse l'amour pour les animaux, prétendument piétinés par l'artiste et ses conservateurs de l'Ermitage. Si vous vous souciez des êtres vivants, ils n’écrivent pas sur les gens comme ça. Les revendications visant à appliquer la mesure la plus élevée étaient écrites sur ce ton dans les temps anciens.»
Aux côtés de Fabre, il y a un militant des droits des animaux à Saint-Pétersbourg Anna Kondratieva, a écrit sur son compte Facebook : « Et afin de montrer (raconter - TANR) aux téléspectateurs gentils et impressionnables ces milliers et milliers d'animaux abandonnés qui sont morts sous les roues et ont été amenés à être euthanasiés. Fabre semble sortir les squelettes des placards et les présenter au public. À mon humble avis, les manteaux de fourrure et les boas de fourrure sur les épaules des fashionistas sont beaucoup moins appropriés que les animaux en peluche dans les couloirs de l'Ermitage.
Artiste de Saint-Pétersbourg et bénévole au Centre Sirin pour les animaux sauvages Alexandra Garth exactement noté sur sa page Facebook : « En relation avec la dernière épidémie d'activité zooschizoïde dans le flux, la pensée suivante m'est venue à l'esprit - et Hirst est un gars formidable, un gars intelligent. Personne n'a pitié des cochons et des requins, même s'ils ont été tués spécifiquement pour ses œuvres. Et le méchant Fabre bourre les chats et les chiens, même morts, pour le pendre à des crochets !
Le 12 novembre, l'Ermitage a lancé un hashtag de réponse #catszafabra et a reçu le soutien, notamment, du musée et du café « République des chats », où vivent, entre autres, les chats enlevés à l'Ermitage. "Pas un seul chat n'a été blessé lors de la préparation de l'exposition Jan Fabre, peu importe la volonté des auteurs du hashtag #shamethehermitage", a-t-il écrit sur Facebook. Dmitri Ozerkov, responsable du département d'art contemporain de l'Ermitage.
L'Ermitage est le seul musée au monde à compter parmi son personnel toute une équipe de chats depuis des décennies et à organiser même une célébration annuelle de la « Journée du chat ».
PDG Etat de l'Ermitage Mikhaïl Piotrovski dans son article pour le journal Saint-Pétersbourg Vedomosti, il écrit :
« Une exposition d'un artiste sage s'est ouverte à l'Ermitage Yana Fabra. Tout le monde regarde des natures mortes Snyders et pense à quel point ils sont beaux. Mais les fruits coupés et les animaux tués rappellent la mort. Cela vaut la peine d’imaginer une seconde à quoi ressemble le « Game Shop » ou le « Fish Shop » de Snyders. Ses natures mortes ont un second sens. En les regardant, une personne devrait voir le talent de l’artiste et penser que la vie passe.
C'est pourquoi Fabre insère des crânes entre les tableaux. Souviens-toi! En face il place un paon en peluche tenu par un squelette. Souviens-toi! Il place son image près de l’image pour que le sang « coule de son nez ». Se rapprocher trop de l’art est dangereux. Fabre a partout des significations complexes.
Ses installations de chats et de chiens en peluche dans le bâtiment de l'état-major choquent. Mais cela rappelle l’attitude barbare envers les animaux, comme son nom l’indique. Il ne faut pas s'indigner, mais réfléchir à ce dont parle l'artiste.
Oui, très fortement. Mais l’art ne doit pas toujours procurer uniquement un plaisir esthétique. Fabre « crie » sur ce qui se passe dans le monde. Inconfortable? Oui, mais rappelez-vous ce qui se passe.
J'ai une pile de protestations sur mon bureau. Ils écrivent comme une copie conforme : « retirez Fabre de l'Ermitage » (c'est, disent-ils, « un manque de culture »). Ils reprochent : comment montrer cela maintenant, alors que le pays est agité par l'histoire des équarrisseurs de Khabarovsk. En ce moment, cela semble spécial. Les horreurs sont caractéristiques de notre époque, tout comme l’intolérance.
Le « cri » de Fabre contient beaucoup de choses sens profond. Si vous ne voulez pas entendre, n'écoutez pas. Il est impeccable, comme s’il s’arrêtait au bord au-delà duquel il y a l’horreur et la saleté.
L'art contemporain est un défi. En provoquant, cela fait réfléchir. Nous devrions nous en réjouir et ne pas nous plaindre. Si quelqu’un n’aime pas ce genre d’art ou si tout le monde ne le comprend pas, c’est normal.
Vendredi, l'Ermitage inaugure l'exposition « Jan Fabre : Chevalier du Désespoir - Guerrier de la Beauté » - une grande rétrospective de l'un des artistes contemporains les plus célèbres. Des projets d'une ampleur similaire (et l'exposition utilisera les salles du Palais d'Hiver, du Nouvel Ermitage et du bâtiment de l'état-major) n'ont encore été attribués à aucun auteur contemporain. Il y a plusieurs raisons pour lesquelles le musée accorde à Fabre des droits spéciaux, mais la principale réside dans son attitude respectueuse envers l'art classique, en dialogue avec lequel il construit la plupart de ses installations.
Fabre a également de l'expérience dans des projets similaires à l'Ermitage. Il y a huit ans, il avait déjà fait quelque chose de similaire au Louvre : dans la salle des portraits d'apparat, il avait disposé des pierres tombales, parmi lesquelles rampait un ver géant tête humaine, dans un autre - il a exposé un lit en fer et un cercueil, incrustés de scarabées dorés irisés, où se trouvaient des animaux empaillés, des sculptures et des dessins dorés ; Fabre est le petit-fils du célèbre entomologiste français Jean-Henri Fabre, que Victor Hugo appelait « l'Homère des insectes ». Il est important de garder cela à l'esprit lorsque vous voyez des coquillages, des squelettes, des cornes et chiens morts, animaux empaillés dont il utilise souvent - pour comprendre que tous ces objets qui choquent le spectateur non préparé ne sont pas une fin en soi, mais une manière naturelle d'appréhender la réalité pour une personne qui, depuis son enfance, était entourée de collections de créatures conservées dans alcool en flacons.
Les animaux empaillés deviendront inévitablement les expositions dont on parle le plus. Par exemple, Fabre place plusieurs œuvres de la série « Crânes » dans la salle Snyders à côté de ses natures mortes, remplies de gibier, de poisson, de légumes et de fruits, comme pour faire allusion à la décadence qui se cache derrière les tables chargées de nourriture. Mais les animaux empaillés ne représentent qu’une petite partie de ce qui sera montré à l’Ermitage dans le cadre de l’exposition de l’artiste.
Le Village compilé petit guide sur le travail de Fabre et a demandé à la commissaire adjointe Anastasia Chaladze de commenter certaines œuvres individuelles.
Sciences et arts
En 2011, à la Biennale de Venise, Fabre présente une réplique de la Pietà de Michel-Ange, dans laquelle la figure de la Mort tient le corps de l'artiste sur ses genoux avec cerveau humain dans la main. L'exposition fait alors beaucoup de bruit : certains n'aiment pas l'emprunt d'une image chrétienne canonique, d'autres ne voient dans l'œuvre qu'une tentative de choquer le public. En réalité, l'idée devrait s'expliquer par le véritable plaisir que Fabre évoque dans le fantôme d'un artiste-scientifique médiéval. En même temps, étant donné que depuis l'époque de Léonard, la science a progressé et contribue réellement à progrès scientifique les auteurs modernes ne le peuvent pas, Fabre n'a plus qu'une chose à faire : idéaliser et romantiser l'image d'une personne vivant le monde.
"L'homme qui mesure les nuages" (1998)
un commentaire Anastasia Chaladzé :
« C'est la première œuvre que le spectateur voit s'il commence à se familiariser avec l'exposition du Palais d'Hiver : la sculpture rencontre les gens dans la cour, juste derrière la porte centrale. À mon avis, cette image révèle parfaitement Fabre en tant que personnage sentimental et artiste. Nous sommes habitués au fait que les auteurs modernes se tournent souvent vers les sphères politiques et sociales de la société, mais Fabre reste un romantique : pour certains, l'image d'un homme mesurant les nuages avec une règle peut paraître stupide, mais pour lui ce héros est un symbole de servir son idée et son rêve.
Sang
L'une des premières expositions de Fabre, qu'il présente en 1978, s'intitule « Mon corps, mon sang, mon paysage » et consiste en des peintures peintes avec du sang. L'idée d'utiliser son propre corps pour travailler n'était plus nouvelle, cependant, c'est peut-être Fabre qui fut le premier à transférer l'expérience du plan de l'expérimentation artistique au domaine de l'expression consciente, sans se contenter de faire allusion au sien l'exclusivité, mais aussi en soulignant la nature sacrificielle de l'art. En plus premières œuvres sang, l'installation moderne « I Let Myself Bleed » a été présentée à l'Ermitage - un mannequin d'autoportrait en silicone hyperréaliste qui se tient le nez enfoui dans une reproduction du tableau de Rogier van der Weyden « Portrait d'un juge de tournoi ».
"Je me laisse saigner" (2007)
un commentaire Anastasia Chaladzé :
« C’est une métaphore de l’invasion de l’histoire de l’art par l’artiste moderne. D'un côté, le résultat est triste : un saignement de nez est une illustration de la défaite d'un artiste moderne face aux maîtres du passé. D'autre part, l'installation sera placée entre deux portails polychromes représentant des scènes de la vie du Christ, ce qui donne à l'ensemble une nouvelle signification, suggérant que Fabre se considère comme un sauveur du monde de l'art. C'est une déclaration assez audacieuse, mais elle n'a rien de fondamentalement nouveau : depuis le Moyen Âge, il est d'usage que les artistes subissent des tourments pour vivre les états de l'histoire sacrée, renonçant à la richesse et au divertissement pour se rapprocher à l'état des personnages qu'ils représentaient dans leurs tableaux.
Mosaïques de coquilles de coléoptères
Un des plus techniciens célèbres Fabra est une mosaïque qu'il dispose à partir de coquilles irisées de coléoptères dorés. Avec eux, il a aménagé les plafonds et les lustres du Palais Royal de Bruxelles ainsi que d'innombrables installations et sculptures plus compactes. Joukov Fabre les considère très sincèrement comme les créatures vivantes les plus parfaites et admire la logique naturelle qui a pu protéger si simplement et efficacement ces créatures très fragiles des dangers.
"Après la fête du roi"
(2016)
un commentaire ANASTASIA CHALADZÉ :
« La Vanitas est un phénomène très populaire au XVIIème siècle, c’est tellement négatif, perception négative divertissement, un indice que les joies de la vie sont vides et que nous devons y réfléchir davantage choses importantes. Accroché dans le hall peinture célèbre"Le roi des haricots" de Jacob Jordaens avec l'image d'une fête, et à côté se trouve l'œuvre de Fabre "Après la fête du roi", qui n'est pas un commentaire direct, mais montre en un sens ce qui se passe après les vacances. On voit ici du vide, des os et des mouches ramassés pour les charognes, et au milieu de tout cela un chien solitaire resté fidèle à on ne sait quoi.
Dessins au stylo à bille Bic
Une autre technique inhabituelle dans la collection de Fabre réside dans les dessins qu'il réalise à l'aide de simples stylos à bille Bic. Le plus œuvre célèbre dans cette technique - un panneau géant " Heure bleue» de la collection du Royal musée d'art Belgique. Pour l’Ermitage, l’artiste a peint une série spéciale de répliques des œuvres de Rubens, qui seront accrochées dans la même pièce que les originaux pendant l’exposition. Leur valeur est particulièrement élevée puisque Rubens joue un rôle particulier dans le destin de Fabre. En fait, c’est après avoir visité la maison de Rubens à Anvers lorsqu’il était enfant que Fabre, comme il l’a admis, s’est intéressé à l’art.
Il serait difficile de qualifier Jan Fabre de simple artiste. L'un des Flamands les plus éminents de la scène artistique contemporaine, il a travaillé au cours des dernières décennies dans presque tous les domaines de l'art. Fabre organise sa première exposition en 1978, montrant des dessins réalisés avec son propre sang. En 1980, il commence à monter des pièces de théâtre et, en 1986, il fonde sa propre compagnie de théâtre. Troubleyn. Aujourd'hui, le nom du Flamand est connu bien au-delà des frontières de sa Belgique natale. Fabre devient le premier artiste dont les œuvres sont exposées au Louvre de son vivant (c'était en 2008), et mène en 2015 une expérimentation sur les acteurs et les spectateurs, mettant en place une Festivals Performance 24 heures sur 24 "Mont Olympe".
Fabre se qualifie de continuateur des traditions de l'art flamand et de « gnome né au pays des géants », en référence à ses grands « professeurs » - Peter Paul Rubens et Jacob Jordaens. A Anvers, où le maître est né, vit et travaille, son père l'emmène chez Rubens, où le jeune Fabre copie les tableaux du célèbre peintre. Et son grand-père, le célèbre entomologiste Jean-Henri Fabre, est allé au zoo, où le garçon a dessiné des animaux et des insectes, qui sont devenus plus tard l'un des thèmes principaux de son travail.
Les insectes deviennent pour Fabre non seulement un objet d’étude artistique, mais aussi un matériau de travail. En 2002, la reine Paola de Belgique contacte l'artiste pour lui demander d'intégrer l'art contemporain dans son design d'intérieur palais C'est ainsi qu'est apparu l'un des chefs-d'œuvre de l'artiste - "Ciel de délice". Fabre a plaqué le plafond et l'un des lustres anciens de la Salle des Glaces Palais Royal, en utilisant près de 1,5 million de coquilles de scarabées. Le matériau utilisé pour le travail de l’artiste a été et continue d’être importé de Thaïlande, où les coléoptères sont consommés et leurs coquilles sont conservées à des fins décoratives.
© Valéry Zubarov
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Les œuvres de Fabre sont présentes dans de nombreux lieux publics en Belgique. À Bruxelles Musée Art ancien , par exemple, son travail est apparu il y a plusieurs années "L'heure bleue", qui occupait quatre murs au-dessus de l'escalier royal. Quatre toiles photographiques peintes aux stylos à bille bleus Bic- un autre instrument préféré de Fabre - a coûté 350 000 €, payés par un philanthrope qui a souhaité garder l'anonymat. Sur les toiles, l'artiste a représenté les yeux de quatre créatures centrales de son œuvre : un scarabée, un papillon, une femme et un hibou.
© angelos.be/fr/press
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La sculpture de Fabre a réussi à « pénétrer » même dans la cathédrale Notre-Dame d’Anvers. Son recteur cherchait du travail pour le temple depuis quatre ans. De plus, avant cela, la cathédrale n'avait pas été acquise depuis plus d'un siècle œuvres d'art. Finalement, le choix s'est porté sur la sculpture de Jan Fabre "L'homme qui porte la croix", que l'abbé a vu dans l'un des galeries d'art. Pour Fabre lui-même, c'est une véritable fierté. Premièrement, sa sculpture est devenue la première œuvre d’art moderne à l’intérieur de ce temple. Deuxièmement, l'artiste s'est avéré être le premier maître après Rubens dont l'œuvre a été achetée par la cathédrale d'Anvers. Et troisièmement, pour Fabre lui-même, il s'agissait d'une tentative de relier deux principes en lui-même : la religion de sa mère catholique profondément croyante et l'athéisme de son père communiste.
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DANS Ermitage Jan Fabre propose une rétrospective de deux cents objets, qui durera jusqu'au 9 avril 2017. Il s'étendra sur Palais d'Hiver et déménagera au Quartier Général - les œuvres de l'artiste seront présentées dans l'exposition principale. La préparation a duré trois ans. « L'exposition Jan Fabre fait partie du programme Ermitage 20/21, dans lequel nous exposons d'importants artistes contemporains », a déclaré "Style RBC" commissaire de l'exposition, responsable du département art contemporain Ermitage Dmitri Ozerkov. — En règle générale, nous organisons des expositions pour que les auteurs construisent un dialogue avec ceux exposés chez nous œuvres classiques. DANS Ermitage il y a une collection d'art de Flandre - des maîtres du Moyen Âge et du Siècle d'Or, par exemple Jordaens et Rubens. Et le projet de Fabre est axé sur le dialogue avec les Flamands : dans les mêmes salles où sont accrochées depuis des centaines d'années leurs peintures de l'exposition permanente, les œuvres de Jan seront exposées, inspirées par ces œuvres et parlant des mêmes sujets - le carnaval, l'argent. , art de haute qualité- une nouvelle langue."
L'artiste a créé certaines œuvres spécialement pour l'exposition à Saint-Pétersbourg. « Avant même le début de l'exposition, il a réalisé une performance vidéo, qui est devenue la base sémantique de l'ensemble du projet : dans la vidéo, Fabre parcourt les salles où seront hébergées ses œuvres à l'avenir, et s'incline devant les chefs-d'œuvre de le passé », a noté Ozerkov. « De plus, une série de reliefs à grande échelle en marbre de Carrare ont été réalisés spécialement pour l'exposition, où Fabre représente les rois de Flandre. De plus, l’artiste a créé des dessins et des sculptures à partir de carapaces de scarabées sur les thèmes de la fidélité, des symboles et de la mort.
Alexeï Kostromine
À travers les couloirs Ermitageà l'été 2016, Fabre a non seulement marché, mais il l'a fait dans l'armure d'un chevalier médiéval. Et l'exposition s'appelait . "On pense que artistes contemporains ils nient les maîtres anciens et s'opposent à eux. En Russie, l'idée du grand art classique et auteurs modernes qui « gâchent tout ». Le projet de Fabre porte sur la façon dont l'auteur d'aujourd'hui, au contraire, s'incline devant les chefs-d'œuvre du passé. "Chevalier du Désespoir - Guerrier de la Beauté" est un artiste qui s'habille en armure et défend les maîtres anciens. L'exposition d'Ian porte sur la modernité et art classique unissons-nous pour lutter ensemble contre la barbarie », a expliqué Dmitri Ozerkov.
« Les travaux ont nécessité trois camions pour voyager d'Anvers à Saint-Pétersbourg en une semaine et leur installation dans les halls Ermitage cela prendra trois fois plus de temps », a déclaré « Style RBC" la conservatrice adjointe Anastasia Chaladze. « Nous travaillons avec tout le département, Fabre lui-même et ses quatre adjoints. L'artiste dirige lui-même certains aspects et construit l'exposition. Certaines œuvres se sont avérées trop lourdes et trop grandes pour un bâtiment ancien ; lors de leur installation, il faut être très prudent et utiliser des podiums spécialement conçus.
© Alexeï Kostromine
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Deux semaines avant le début de l'exposition, des camions avec de gros cartons continuent d'arriver dans la rue Millionnaya - par l'entrée du bâtiment Nouvel Ermitage, ornée de figures atlantes, l'œuvre de Fabre déplace lentement plusieurs personnes à la fois. Et dans les salles, chevaleresques et flamandes, plusieurs œuvres de Fabre sont installées et accessibles au public avant même l'ouverture : dans les vitrines en face des armures et des épées médiévales, par exemple, se trouvent leurs analogues plus modernes, réalisés par l'artiste belge. des coquilles de coléoptères chatoyantes de toutes les couleurs. Dans une autre salle, ses sculptures affrontent les peintures de Franz Snyders : Fabre utilise ici des fragments de squelette humain, un cygne empaillé et un paon réalisé à partir de coléoptères. L'histoire continue dans la salle avec les Néerlandais art XVII siècle, mais cette fois avec des squelettes de dinosaures et des perroquets.
Alexeï Kostromine
Alors que les œuvres de Fabre étaient déjà livrées à Ermitage, le département d'art contemporain du musée "a lancé un appel" pour retrouver de vieux tours, machines à coudre et à imprimer pour l'installation de l'artiste "Umbraculum". De plus, il a été précisé que plus ils sont rouillés, mieux c'est.
A la veille du vernissage de l'exposition, Jan Fabre s'est exprimé personnellement "Style RBC" sur l’animal chez l’homme, les thèmes interdits dans la créativité et la chair nue dans les toiles de Rubens.
Valéry Zubarov
— Jan, dans ton travail, tu utilises souvent des matériaux inhabituels, par exemple des coquilles de scarabées. On peut les voir sur le plafond et le lustre de la Galerie des Glaces du Palais Royal de Bruxelles. Comment ce matériau est-il apparu dans votre arsenal artistique ?
— Quand j'étais enfant, mes parents m'emmenaient souvent au zoo. Là, je me suis toujours inspiré des animaux : leurs réactions, leur comportement. Depuis mon enfance, je les entraîne avec les gens. Je pense que les insectes – ces petites créatures – sont très intelligents. Ils représentent la mémoire de notre passé, car ce sont les créatures les plus anciennes de la planète. Et bien sûr, de nombreux animaux sont des symboles. Auparavant, ils désignaient les professions et les guildes. Par exemple, dans le tableau de David Teniers le Jeune "Portrait de groupe des membres de la guilde de tir à Anvers" qui s'accroche Ermitage, on voit des représentants d'anciennes guildes et chacune a son propre emblème « animal ».
— Votre série d'Autoportraits « Chapitre I - XVIII » a été exposée au Musée d'Art Ancien de Bruxelles. Vous vous êtes représenté dans différentes périodes la vie, mais avec les attributs obligatoires du monde animal - cornes ou oreilles d'âne. Était-ce une tentative de retrouver l’animal chez l’homme ?
— Je pense que les gens sont des animaux. D'une manière positive! Aujourd'hui, nous ne pouvons pas imaginer notre vie sans ordinateurs. Mais regardez les dauphins. Depuis des millions d’années, ils nagent à des distances indescriptibles les uns des autres et communiquent par échographie. Et ils sont plus avancés que nos ordinateurs. Nous pouvons donc en apprendre beaucoup.
— Vous dites que vous en apprenez davantage sur votre corps et ce qu’il contient. Utiliser son propre sang pour créer des œuvres est-il aussi une des étapes de la connaissance de soi ?
— J’avais dix-huit ans lorsque j’ai peint pour la première fois un tableau avec du sang. Et cela doit être considéré comme une tradition flamande. Il y a déjà plusieurs siècles, les artistes mélangeaient sang humain avec un animal pour marronétait plus expressif. Ils broyaient également des os humains pour rendre les blancs plus brillants. Artistes flamandsétaient des alchimistes et des fondateurs de ce genre de peinture. Mes peintures « sanglantes » doivent donc être perçues dans les traditions de la peinture flamande. Et bien sûr, en dialogue avec le Christ. Le sang est une substance très importante. C'est elle qui nous rend si beaux et en même temps si vulnérables.
Hermitage, écrit plus franchement que la plupart œuvres modernes. Rappelez-vous, l’un des thèmes principaux de l’œuvre de Rubens est la chair humaine. Il admirait sa beauté. Mais ce n’est pas une provocation, c’est de l’art classique. Quand j'étais jeune, je suis allé à New York et j'y ai rencontré Andy Warhol à plusieurs reprises. Et quand il est rentré chez lui, il s'est vanté de l'avoir rencontré. Il y a 400 ans, Rubens était Warhol.
Il arrive probablement qu'une génération soit ouverte à tout et que la suivante ait peur du courage. Il est très important d’être fier du corps humain, de constater à la fois sa puissance et sa vulnérabilité. Comment ne pas soutenir un art qui révèle cela ?
Installation de l'exposition Jan Fabre dans le bâtiment de l'état-major de l'Ermitage
Alexeï Kostromine
— Vous parlez de dialogue avec le spectateur, et cela pose des problèmes en Russie.
— Oui, mais ils existent aussi en Europe. Je suis partisan de l'idée d'ouverture à tout. Pour moi, être artiste, c’est célébrer la vie sous toutes ses formes. Et faites-le dans le respect de chacun et de l’art lui-même.
— Votre exposition, qui s'ouvre le 22 octobre à l'Ermitage, s'intitule « Chevalier du désespoir - Guerrier de la beauté ». Comment est née cette image et que signifie-t-elle pour vous ?
— Parfois, je me considère comme une guerrière de la beauté. C'est une sorte d'idée romantique. En tant que guerrier, je dois protéger la vulnérabilité de la beauté et de la race humaine. Et le « chevalier du désespoir » se bat aussi pour le bien. Et en la société moderne les guerriers pour moi sont Mandela et Gandhi. Ce sont des gens qui se sont battus pour rendre le monde meilleur et plus beau.
Jan Fabre(Anglais) Jan Fabre, R. 1958) est un artiste, sculpteur et réalisateur belge contemporain. Ses œuvres ont été exposées aux Biennales de Venise 1984, 1990, 2003 et à la documenta 1987, 1992.
Première biographie
Jan Fabre né en 1958 à Anvers, Belgique. Son grand-père était le célèbre entomologiste Jean-Henri Fabre (1823-1915). Dans les années 70, il est diplômé de l'Institut municipal art décoratif et l'Académie Royale des Beaux-Arts puis commence à écrire ses premiers scénarios pour le théâtre et à créer ses premières œuvres. En 1977, il « rebaptise » la rue dans laquelle il habite rue Jan Fabre et installe une pancarte près de sa maison « Jan Fabre vit et travaille ici ». Il a peint avec son propre sang la série de peintures la plus remarquable de cette période ( "Mon corps, mon sang, mon paysage", 1978), organisant une performance du même nom à partir du processus même de création. L'année suivante, l'artiste attire à nouveau l'attention du grand public avec la performance « Money ». Fabre récupérait les billets en papier des visiteurs, après quoi il commençait à les froisser, à les couper, à marcher dessus avec ses pieds, etc. À la fin de la représentation, il a brûlé les billets et a écrit le mot « Money » en utilisant les cendres. Bientôt, une installation du même nom est apparue, réalisée avec de l'argent réel. Toujours en 1978, Jan Fabre crée sa première sculpture intitulée « Moi, le Rêveur » (Nid. Ik, aan het dromen). ce travail est une sculpture d'un scientifique avec un microscope. Les « pattes » du scientifique et la table sont en viande.
Bic-art
Jan Fabre est également connu pour ses œuvres dans lesquelles il utilise des stylos à bille produits par la société Bic. Ces stylos étaient considérés comme les plus courants, et Fabre lui-même commentait son choix : « c'était bon marché et pratique. Je pourrais les emmener n’importe où et les voler n’importe où. L'idée même d'utiliser les stylos à bille Bic n'est pas nouvelle et le terme Bic-Art utilisé non seulement en relation avec les œuvres de Jan Fabre, mais au sein de ce « genre » artiste belge Nous avons également réussi à proposer plusieurs solutions originales.
Au début des années 80, Jan Fabre organise plusieurs performances, classiquement réunies dans la série « Ilad du Bic Art ». Ilad est ici un anonyme du nom de famille Dali. La performance la plus remarquable ici peut être considérée comme « Ilad du Bic Art, la salle du Bic Art » (Ilad du Bic Art, la salle du Bic Art). Pendant trois jours et trois nuits, Fabre s'est enfermé dans une pièce où tout était blanc (y compris toute la vaisselle et les vêtements de l'artiste lui-même), et il n'avait que des stylos Bic. En 1990, Fabre présente son nouveau projet Tivoli. L'artiste a peint un manoir entier en utilisant uniquement des stylos à bille.
Spectacles et performances
Jan Fabre fait souvent appel au théâtre dans son travail. Sa première production importante s'intitule « C'est le théâtre comme prévu et comme prévu » (1982). Pour la Biennale de Venise de 1984, il prépare la pièce « Le pouvoir de la stupidité théâtrale », dans laquelle les acteurs devaient se battre les uns les autres et se battre eux-mêmes. En 1986, Jan Fabre fonde le groupe artistique Troubleyn, dédié à représentations théâtrales. Fabre lui-même qualifie ce projet de laboratoire de performances du 21e siècle.
En 2015, Jan Fabre présente au public sa grandiose production "Mont Olympe"("Mont Olympe"). Slogan officiel : « Pour glorifier le culte de la tragédie, un spectacle de 24 heures. » L'action a duré 24 heures et a impliqué 27 artistes du groupe Troubleyn. La pièce/performance a été bien accueillie par le public et a été reprise à Anvers en 2016 (du 30 au 31 janvier) (la représentation a été diffusée en en direct Chaîne de télévision française CultureBox). En outre, "Le Mont Olympe" a été projeté dans de nombreux pays européens et en Israël.
Sculptures
Jan Fabre a commencé à créer ses premières sculptures dans les années 80. D'un point de vue conceptuel, trois thèmes principaux caractérisent le sculpteur Fabre: le monde de l'insecte, corps humain et la stratégie de guerre.
En 2002, Fabre crée une série d'œuvres intitulée "Ciel de délice"(Paradis de délice). En utilisant près d'un million et demi d'élytres de coléoptères thaïlandais, l'artiste a peint le plafond et le lustre central de la Galerie des Glaces du Palais Royal de Bruxelles. Il s'agit peut-être d'une référence à la fresque de Michel-Ange Chapelle Sixtineà Rome. L'œuvre a été commandée par la reine Paola de Belgique.
Jan Fabre a créé un certain nombre de sculptures dont la signification conceptuelle peut être débattue. De plus, beaucoup d'entre eux ont été créés en plusieurs exemplaires et situés à des endroits différents, acquérant à chaque fois une nouvelle signification en raison de environnement externe. Par exemple, "L'Homme qui mesure les nuages" est apparu pour la première fois à Gand en 1998. La même année, la même sculpture est installée à l'aéroport de Bruxelles, et en 2004 à Anvers, ville natale artiste.
En 2008, le Louvre a accueilli une exposition sous Nom commun "Jan Fabre au Louvre : L'Ange de la Métamorphose"(Jan Fabre au Louvre : L'Ange de la Métamorphose). Les éléments « étrangers » de Fabre ont été introduits dans l'espace du musée. Ses œuvres ont été présentées avec œuvres classiques maîtres du passé et, en un sens, complétaient la réalité, introduisant des éléments de chaos et de nouveaux modèles sémantiques accessibles à l'interprétation. En 2016-2017 projet similaire Jan Fabre a organisé conjointement avec l'Ermitage ( "Jan Fabre : Chevalier du Désespoir - Guerrier de la Beauté"). Les œuvres de Fabre dans le genre de la taxidermie ont été accueillies de manière ambiguë par le public. Le scandale a été provoqué par l’utilisation par l’artiste d’animaux empaillés et leur présence dans l’enceinte d’un musée comme l’Ermitage. Par exemple, le diocèse de l'Église orthodoxe russe de Saint-Pétersbourg a déclaré qu'« une telle exposition n'aurait pas dû avoir lieu à l'Ermitage » et que l'exposition elle-même « semble assez honteuse ». Parallèlement, Sergueï Shnurov commente l'exposition : « Je suis allé voir Fabre à l'Ermitage et ce que j'y ai vu : des rimes complexes mais lisibles, une intégration délicate et même un respect des maîtres anciens, ce qui, à vrai dire, est rare. pour l'art moderne, je n'y ai pas vu de carnage, ni de harcèlement des gens, mais bien au contraire, le caractère provocateur de l'exposition des « combattants libres pour la culture » était grandement exagéré, et les mérites artistiques sont passés complètement inaperçus pour eux.
