La statue a été acquise par le Musée de Dresde en 1902 ; le célèbre antiquaire Georg Trey l'a reconnu comme une copie romaine plus petite de la célèbre bacchante dansante de Scopas. Skopas est un maître du pathétique et des passions fortes. Il présente une bacchante, participant à des actes orgiaques en l'honneur du dieu de la mort et de la renaissance Dionysos, dans un mouvement impétueux et violent. Dans sa main droite, elle tenait probablement un couteau avec lequel elle avait massacré un chevreau. En torturant un animal et en mangeant sa chair crue, les participants aux mystères dionysiaques se sont familiarisés avec la chair de Dieu lui-même, dont l'une des incarnations dans l'Antiquité était une chèvre. Une ancienne épigramme était dédiée à la statue :
La pierre de Paros est une bacchante,
Mais le sculpteur a donné une âme à la pierre,
Et, comme une femme ivre, sautant,
Elle a commencé à danser...
Ménades (grec ancien Μαινάδες « fou », « furieux ») - dans la mythologie grecque antique, compagnons et admirateurs de Dionysos. De son nom, les Romains appelaient Bacchus, ils s'appelaient Bacchae, également Bassarides - d'après l'une des épithètes de Dionysos - "Bassarae" (voir aussi Bassara), fiads, mimallons (voir ci-dessous).
Les ménades ont mis en pièces le légendaire Orphée.
Le mot ménade est mentionné dans l'Iliade d'Homère (XXII 460) comme comparaison pour décrire le comportement d'Andromaque. Eschyle appelle Io « Ménade d'Héra ».
Ils étaient environ trois cents. Selon l'interprétation, les bacchantes de l'armée de Dionysos auraient des lances déguisées en thyrsi.
Skopas peut à juste titre être considéré comme l'un des plus grands sculpteurs de la Grèce antique. La direction qu'il a créée dans les arts plastiques anciens a longtemps survécu à l'artiste et a eu une énorme influence non seulement sur ses contemporains, mais aussi sur les maîtres des générations suivantes.
On sait que Skopas était originaire de l'île de Paros dans la mer Égée, une île célèbre pour son marbre remarquable, et qu'il travaillait entre 370 et 330 avant JC. Son père, Aristandros, était un sculpteur dans l’atelier duquel, apparemment, le talent de Skopas s’est formé.
L'artiste a exécuté des commandes de différentes villes. Il y avait deux œuvres de Skopas en Attique. L'une, représentant les déesses vengeresses Érinyès, se trouvait à Athènes, l'autre, Apollon-Phoebus, dans la ville de Ramnunt. Deux œuvres de Skopas décoraient la ville de Thèbes en Béotie.
L'une des œuvres les plus intenses en émotions de Skopas est un groupe de trois personnages représentant Eros, Pothos et Himeros, c'est-à-dire l'amour, la passion et le désir. Le groupe se trouvait dans le temple de la déesse de l'amour Aphrodite à Mégaris, un État situé au sud de la Béotie. Les images d'Éros, d'Himéros et de Pothos, selon Pausanias, sont aussi différentes les unes des autres que les sentiments qu'elles personnifient diffèrent réellement. "La construction compositionnelle de la statue de Pothos est beaucoup plus complexe que dans d'autres premières œuvres Skopas, écrit A.G. Chubova. - Le rythme d'un mouvement fluide et doux passe par les bras étendus d'un côté, une tête relevée et un corps fortement incliné. Pour transmettre l’émotion de la passion, Skopas ne recourt pas ici à des expressions faciales fortes. Le visage de Pothos est pensif et concentré, son regard mélancolique et langoureux est dirigé vers le haut. Tout autour de lui semble ne pas exister pour le jeune homme. Comme toute sculpture grecque, la statue de Pothos était peinte et la couleur jouait un rôle important dans la conception artistique globale. Le manteau qui pendait au bras gauche du jeune homme était bleu vif.
ou rouge, qui mettait bien en valeur la blancheur du corps nu, laissé dans la couleur du marbre. Un oiseau blanc aux ailes légèrement teintées de gris se détachait nettement sur le fond du manteau. Les cheveux, les sourcils, les yeux, les joues et les lèvres de Pothos étaient également peints. Il est probable que la statue de Pothos, comme la statue d'Himéros, se trouvait sur un piédestal bas, et la statue d'Éros sur un piédestal plus haut. Ceci explique la rotation de la silhouette de Pothos et la direction de son regard. La tâche posée par Skopas dans cette œuvre était nouvelle et originale pour les arts plastiques de l'époque. Ayant incarné les nuances des grands sentiments humains dans les statues d'Eros, Pothos et Himeros, il a révélé à l'art plastique les possibilités de transmettre d'autres émotions diverses.
Travaillant dans le temple de la ville de Tegea, dans le Péloponnèse, Skopas est devenu célèbre non seulement en tant que sculpteur, mais aussi en tant qu'architecte. L'ancien temple de Tégée a brûlé en 395 avant JC. Pausanias dit que « le temple actuel, dans sa majesté et sa beauté, surpasse tous les temples du Péloponnèse... Son architecte était Parian Scopas, le même qui a construit de nombreuses statues en Hellas antique, Ionia et Carium." Sur le fronton oriental du temple d'Athéna Aleia à Tegea, le maître a présenté une chasse au sanglier calydonien. "Sur le fronton occidental, une scène d'un mythe a été représentée", écrit G.I. Sokolov, également loin de la participation des divinités olympiques suprêmes populaires au Ve siècle, mais avec une collision complexe et une issue dramatique. Les Grecs n'ont pas reconnu le fils d'Hercule Telephus, qui est entré en guerre contre Troie, et une bataille a commencé, qui s'est soldée par la mort de plusieurs de ses participants. Non seulement les sujets choisis pour ces frontons sont tragiques, mais aussi les images elles-mêmes. Le maître montre la tête d'un des blessés légèrement rejetée en arrière, comme souffrant d'une douleur atroce. Les lignes fortement incurvées des sourcils, de la bouche et du nez traduisent l'excitation et la tension colossale des sentiments. Les coins intérieurs des orbites, profondément creusés dans l’épaisseur du marbre, rehaussent les contrastes d’ombre et de lumière et créent de puissants effets dramatiques. Le relief du visage avec les muscles gonflés des arcades sourcilières, les coins de la bouche gonflés, inégaux, grumeleux, déformés par des souffrances cachées." La plus significative des créations de Skopas en plastique rond peut être considérée comme la statue d'une Bacchante (Ménade) avec un enfant.
Seule une excellente copie de la statue a survécu, conservée au musée de Dresde. Mais l'écrivain du 4ème siècle Callistrate est parti Description détaillée statues: " Scopas a créé une statue des Bacchantes en marbre de Paros, elle pourrait paraître vivante... On a pu voir comment cette pierre, dure par nature, imitant la tendresse féminine, devenait elle-même comme légère et nous transmet une image féminine... Privée par nature de la capacité du mouvement, il apprit sous les mains de l'artiste ce que signifie se précipiter dans une danse bachique... L'extase folle s'exprimait si clairement sur le visage de la Bacchante, bien que la manifestation de l'extase ne soit pas caractéristique de la pierre ; et tout ce qui engloutit une âme blessée par l'aiguillon de la folie, tous ces signes d'une grave souffrance mentale étaient ici clairement présentés par le don créateur de l'artiste dans une combinaison mystérieuse. Les cheveux semblaient livrés à la volonté de Zéphyr, pour qu'il puisse jouer avec eux, et la pierre semblait se transformer en mèches les plus petites. cheveux volumineux... Le même matériau a servi à l'artiste pour représenter la vie et la mort ; il a présenté devant nous la Bacchante vivante, alors qu'elle lutte pour Kiferon, et cette chèvre déjà morte... Ainsi, Skopas, créant des images même de ces créatures dépourvues de vie. , était un artiste plein de vérité ; dans ses corps, il était capable d'exprimer le miracle des sentiments spirituels..."
Créations célèbres Scopas était également situé en Asie Mineure, où il travailla dans les années cinquante du IVe siècle avant JC, il décora notamment le temple d'Artémis à Éphèse.
Et surtout, avec d'autres sculpteurs, Skopas a participé à la conception du mausolée d'Halicarnasse, achevé en 352 et décoré avec une splendeur véritablement orientale. Il y avait des statues de dieux, Mausole, son épouse, des ancêtres, des statues de cavaliers, des lions et trois frises en relief. L'une des frises représentait une course de chars, une autre représentait un combat entre les Grecs et des centaures (fantastiques mi-humains, mi-chevaux) et la troisième représentait une Amazonomachie, c'est-à-dire une bataille entre les Grecs et les Amazones. Des deux premiers reliefs, seuls de petits fragments ont survécu, du troisième, dix-sept dalles. On pense que Skopas était l'auteur de l'Amazonomachie. En effet, seul un sculpteur brillant pouvait créer une composition à plusieurs figures aussi riche en émotions et dynamique. La frise avec l'Amazonomachie, d'une hauteur totale de 0,9 mètre, avec des chiffres égaux à environ un tiers de la taille humaine, entourait toute la structure, et si l'on ne peut pas dire avec précision dans quelle partie elle était placée, il est encore possible de déterminer sa longueur, approximativement égale à 150-160 mètres. Il contenait probablement plus de 400 figures.
La légende des Amazones – tribu mythique de femmes guerrières – était l’un des thèmes favoris de l’art grec. Selon la légende, ils vivaient en Asie Mineure sur le fleuve Thermodon et, entreprenant de longues campagnes militaires, atteignirent même Athènes. Ils se sont battus avec de nombreux héros grecs et se distinguaient par leur courage et leur dextérité. L'une de ces batailles est représentée sur la frise Halicarnassienne. Bataille dans
bat son plein et il est difficile de dire qui sera le vainqueur. L'action se déroule à un rythme rapide. Les Amazones et les Grecs à pied et à cheval attaquent farouchement et se défendent vaillamment. Les visages des combattants sont capturés par le pathétique du combat. Une caractéristique de la structure compositionnelle de la frise était le placement libre des personnages sur un fond autrefois peint en bleu vif.
Une comparaison des dalles survivantes montre la conception artistique générale et la structure de composition générale de la frise. Il est très possible que la composition appartienne à un seul artiste, mais il est peu probable que l'auteur lui-même ait composé toutes les figures et tous les groupes. Il pouvait tracer la disposition générale des figures, donner leurs dimensions, planifier caractère général actions et laisser à d’autres artisans le soin de terminer le relief en détail. Sur les dalles de cette frise la mieux conservée, on distingue clairement « l'écriture » des quatre maîtres. Trois dalles avec dix figures de Grecs et d'Amazones, trouvées sur le côté oriental des ruines, se distinguent par leur valeur artistique exceptionnelle ; ils sont attribués à Skopas.
Sur les dalles, considérées comme l'œuvre de Leochares et Timofey, la rapidité du mouvement est soulignée non seulement par les poses des combattants, mais également par les capes et les chitons fluides. Skopas, au contraire, représente les Amazones uniquement dans des vêtements courts et ajustés, et les Grecs complètement nus, et parvient à exprimer la force et la rapidité du mouvement principalement à travers des tournures de figures et des expressions de gestes audacieuses et complexes. L’une des techniques de composition préférées de Skopas était la technique de collision de mouvements dirigés de manière opposée. Ainsi, un jeune guerrier, tombant à genoux, maintient son équilibre en touchant le sol. main droite et esquivant le coup de l'Amazonie, se défend en tendant la main main gauche avec un bouclier. L'Amazone s'éloigna du guerrier et en même temps lui lança sa hache. Le chiton d'Amazonie s'adapte parfaitement au corps, en soulignant bien la forme ; les lignes de pliage soulignent le mouvement de la figure. L'emplacement de la figure d'Amazon sur la dalle suivante est encore plus compliqué. Le jeune guerrier, se retirant du Grec barbu qui attaque rapidement, parvient toujours à le frapper d'un coup énergique. Le sculpteur était bien capable de transmettre les mouvements adroits de l'Amazonie, esquivant rapidement une attaque et passant immédiatement à l'attaque. La pose et les proportions de la figure, les vêtements qui s'ouvraient de manière à laisser apparaître la moitié du corps de l'Amazone - tout ressemble beaucoup à la célèbre statue des Bacchantes.
Skopas a utilisé avec audace la technique des mouvements contrastés dans la figure de l'Amazonie équestre. Une cavalière habile laissait galoper son cheval bien entraîné, lui tournait le dos et tirait sur ses ennemis avec un arc. Son chiton court s'ouvrit, révélant des muscles puissants. Dans les compositions de Skopas, l'impression de la tension de la lutte, du rythme rapide de la bataille, de la vitesse fulgurante des coups et des attaques est obtenue non seulement par les différents rythmes de mouvement, le placement libre des personnages dans l'avion, mais aussi par modelage plastique et exécution magistrale des vêtements. Chaque figure de la composition de Skopas est clairement « lisible ». Malgré le faible relief, la profondeur de l'espace se fait sentir partout. Skopas a probablement également travaillé sur la scène des courses de chars. Un fragment d'une frise avec la figure d'un conducteur de char a survécu. Visage expressif, courbe du corps douce, près du dos et des hanches
vêtements longs - tout rappelle les Amazones Skopasovsky. L'interprétation des yeux et des lèvres est proche des têtes de Tegeis.
La brillante personnalité de Skopas, ses techniques innovantes de révélation monde intérieur l'homme, en transmettant des expériences dramatiques fortes, ne pouvait qu'influencer tous ceux qui travaillaient à ses côtés.
Scopas a eu une influence particulièrement forte sur les jeunes maîtres Leochares et Briaxis. Selon Pline, ce sont les sculpteurs Scopas, Timothée, Briaxis et Leochares qui ont rendu cette structure si remarquable avec leurs œuvres qu'elle a été incluse dans les Sept Merveilles du Monde. "Courant diverses techniques sculptures, Skopas travaillait à la fois le marbre et le bronze, écrit A.G. Chubova. - Sa connaissance anatomie plastique c'était parfait. Représentation des positions les plus difficiles figure humaine ne lui a posé aucune difficulté. L'imagination de Skopas était extrêmement riche ; il créa toute une galerie ;
images aux caractéristiques vives. Son œuvres réalistes imprégné d'un grand humanisme. Capturant divers aspects d'expériences profondes, décrivant la tristesse, la souffrance, la passion, l'extase bacchanale, l'ardeur guerrière, Skopas n'a jamais interprété ces sentiments de manière naturaliste. Il les a poétisés, faisant admirer le spectateur beauté spirituelle et la force de ses héros."
Skopas est un célèbre sculpteur grec ancien de la période classique tardive.
Né sur l'île de Paros et a créé ses œuvres en différentes régions Grèce : Béotie, Attique, Asie Mineure, Arcadie entre 370 et 330.
Ses monuments sont caractérisés par le pathétique et l'émotion émotionnelle.
Les auteurs anciens mentionnent plus de vingt œuvres de Skopas, bien que beaucoup moins aient survécu jusqu'à nos jours.
Skopas, entre autres maîtres, a décoré les frises en relief du mausolée d'Halicarnasse. Le changement de sentiments exprimé dans la Ménade par la plasticité de la sculpture ronde, ressenti lors du déplacement autour de la sculpture, se déploie ici sur le ruban plat de la frise.
La variété des angles des reliefs est complétée par une juxtaposition magistrale de corps légers de filles et de corps lourds d’hommes, représentés dans une lutte impitoyable et brutale.
Skopas joue des combinaisons de deux ou trois pièces, en les montrant avec différents côtés et à différents moments du mouvement. Le pouvoir de l’intensité émotionnelle est présent ici dans une mesure disproportionnellement plus grande que dans les œuvres du Ve siècle avant JC.
La beauté du nouveau monde, montrée par Skopas dans l'art, réside dans le développement du drame, dans les explosions de passions humaines, dans l'entrelacement de sentiments complexes. Et en même temps, il y a une perte notable de clarté monumentale. grands classiques. Après tout, c'est dans les œuvres de cette période que l'esprit humain a triomphé, en tant que principe le plus élevé, dans la collision avec les éléments rampants.
Dans les reliefs de la période classique tardive, ce n'est pas l'intégrité harmonieuse qui domine, comme dans la zophore du Parthénon, mais une perception excitée et aiguë du monde, car ils ont été créés pendant la période de destruction des idées familières à l'époque classique. époque du classicisme. Selon ces idées, l’homme est appelé à dominer intelligemment le monde qui l’entoure. Ainsi, même à partir de l'exemple d'un monument, nous pouvons voir la faiblesse et la force des possibilités inhérentes à l'art classique tardif.
Cet art a découvert beaucoup de choses nouvelles dans la nature des sentiments et des émotions humains, mais cette réalisation a été réalisée au prix de la perte de la paix et de l'harmonie des grands classiques.
Praxitèle est un célèbre sculpteur grec ancien, un jeune contemporain de Scopas. Né vers 390 avant JC. Il a exprimé dans ses œuvres des sentiments complètement différents de ceux de Skopas.
Praxitèle est issu d'une famille de sculpteurs. Son grand-père, Praxitèle l'Ancien, était sculpteur. Le père, Céphisodote l'Ancien, était un maître célèbre en Grèce, auteur de la statue d'Eirène avec Pluton.
Billet 19.
1. Art byzantin du VIe siècle (époque de Justinien)
La culture profondément unique de Byzance a commencé son voyage comme si elle partait immédiatement du point culminant : sa première floraison a eu lieu au VIe siècle, « l’ère de Justinien » (527-565). À ce moment-là empire Byzantin atteint une puissance extrême comparable à la grandeur de la Rome impériale. Elle occupait un vaste territoire et jouissait d’un énorme prestige international. Les étrangers étaient émerveillés par l'apparence impressionnante de la capitale byzantine, Constantinople, la splendeur et le luxe de la cour impériale et la solennité des services religieux.
Les principales forces sur lesquelles s'appuyait l'empereur Justinien étaient l'armée et l'Église, qui trouvèrent en lui un patron zélé. Sous Justinien, se constitue une union du pouvoir spirituel et temporel, propre à Byzance, fondée sur la primauté des basileus - empereurs,
À l’époque de Justinien, l’architecture byzantine atteint son plus haut développement. De nombreuses fortifications sont érigées aux frontières du pays, des temples et des palais sont construits dans des villes marquées par la grandeur de leur ampleur et leur splendeur impériale. A cette époque, les deux principaux sanctuaires de Constantinople furent fondés : la cathédrale patriarcale Saint-Pierre. Sophie et l'église St. Apôtres.
Sainte-Sophie était la plus haute réalisation de l'architecture byzantine : au cours de tous les siècles suivants de l'histoire byzantine, aucun temple égal à celui-ci n'a été créé. La structure gigantesque, œuvre des architectes d'Asie Mineure Anthimius de Thrall et Isidore de Milet, est devenue l'incarnation de la force de l'État byzantin et du triomphe de la religion chrétienne.
D'après son plan, l'église St. Sophie est une basilique à trois nefs, c'est-à-dire un bâtiment rectangulaire, mais l'espace rectangulaire est ici couronné par un immense dôme rond (la soi-disant basilique en forme de dôme). Des deux côtés, ce dôme est soutenu par deux demi-dômes inférieurs, chacun d'eux étant à son tour adjacent à trois demi-dômes plus petits. Ainsi, tout l’espace allongé de la nef centrale forme un système de demi-dômes s’élevant vers le centre.
Quatre piliers massifs soutenant le dôme principal sont masqués au spectateur, et quarante fenêtres entourant sa base dans une couronne lumineuse presque continue créent un effet époustouflant. Il semble que l’immense bol du dôme flotte dans les airs, telle une couronne lumineuse. Il n'est pas surprenant que pour les contemporains l'église de St. Sophia semblait créée « non par la puissance humaine, mais par la volonté de Dieu ».
Vue extérieure de l'église St. Sofia, avec ses murs lisses, se caractérise par une simplicité austère. Mais à l’intérieur de la pièce, l’impression change radicalement. Justinien prévoyait de construire non seulement le plus grand bâtiment, mais aussi le plus riche en décoration intérieure. L'église est décorée de plus d'une centaine de colonnes de malachite et de porphyre, spécialement apportées de divers temples antiques, de dalles de marbre multicolore des types les plus précieux, de magnifiques mosaïques avec leur éclat de fond doré et la splendeur de leurs couleurs, des milliers de candélabres fabriqués d'argent massif. Au-dessus de la chaire - la plate-forme surélevée sur laquelle le sermon est prononcé - il y avait un dais en métaux précieux, couronné d'une croix d'or. Les bols, les récipients et les reliures des livres sacrés étaient en or. Le luxe sans précédent de cette cathédrale a tellement étonné les ambassadeurs du prince de Kiev Vladimir, qui au Xe siècle ont visité Constantinople (comme ils l'appelaient ville principale Byzance in Rus'), qu'eux, comme le raconte la chronique, ne pouvaient pas comprendre s'ils étaient sur terre ou au ciel.
Sainte-Sophie n'est pas devenue un modèle pour le développement ultérieur de l'architecture byzantine, mais elle lui a donné une impulsion puissante : pendant de nombreux siècles, le type d'église à coupole s'est imposé ici.
Dans la plupart des églises byzantines, une coupole, symbolisant la voûte céleste, s'élève au centre de l'édifice. Quelle que soit leur disposition - ronde, carrée, multiforme - tous ces bâtiments sont dits centraux. Depuis le VIIe siècle, les plus courantes d'entre elles sont les églises à coupole croisée, dont le plan ressemble à une croix (grecque) à extrémités égales inscrite dans un carré ?
La composition centrée a séduit les architectes byzantins par son équilibre et son sentiment de paix, et la disposition (en croix) répondait surtout aux exigences du symbolisme chrétien.
Si l'expressivité du temple antique résidait principalement dans apparence(puisque tous les rituels et célébrations avaient lieu à l'extérieur, sur la place), le contenu principal et la beauté de l'église chrétienne sont concentrés à l'intérieur, car une église chrétienne est un lieu où les croyants se rassemblent pour participer au sacrement. Le désir de créer un environnement particulier à l'intérieur du temple, comme séparé du monde extérieur, a suscité une attention particulière dans la décoration intérieure, associée aux besoins du culte chrétien.
La richesse de la décoration intérieure était créée avant tout par les mosaïques qui décoraient les voûtes et la partie supérieure des murs. La mosaïque est l'un des principaux types art monumental, qui est une image ou un motif de morceaux de verre multicolores individuels, de pierres colorées, de métaux, d'émail, etc., très étroitement ajustés les uns aux autres.
À Byzance, les mosaïques étaient appréciées pour leur préciosité et pour leur capacité à produire des effets optiques inattendus. De petits cubes de maçonnerie en mosaïque, légèrement inclinés les uns par rapport aux autres, réfléchissent la lumière avec des rayons croisés, ce qui crée un miroitement magique irisé. Des cubes de smalt plus grands, placés en rangées égales, créent au contraire une surface « miroir » et la mosaïque acquiert l'effet d'une forte lueur.
Des exemples uniques de mosaïques byzantines sont conservés dans les églises et les mausolées de Ravenne, une ville du nord de l'Italie, près de la mer Adriatique. Le plus ancien d'entre eux est le décor du mausolée de la reine byzantine Galla Placidia (milieu du Ve siècle). À l’intérieur du mausolée, au-dessus de l’entrée, se trouve une magnifique composition représentant le Christ, le bon berger au milieu d’un paysage vallonné. Il est jeune et imberbe : c'est ainsi que le Christ était représenté dans les premiers siècles du christianisme, lorsque les idées anciennes sur la jeunesse éternelle comme attribut de la divinité étaient encore vivantes. D'un geste solennel, Jésus élève la croix, symbole principal Le christianisme.
Un cycle ultérieur de mosaïques se trouve dans l'autel de l'église de San Vitale (St. Vitali) à Ravenne (VIe siècle). Avec histoires bibliques deux scènes « historiques » sont ici présentées, la sortie cérémonielle de l'empereur Justinien et de son épouse l'impératrice Théodora avec leur suite dans le temple. Ils ont capturé la richesse et le luxe de la cour byzantine, la grandeur surnaturelle du monarque. Les figures frontales figées sont disposées en rangée continue sur un fond doré. Une stricte solennité règne, sur tous les visages, semblables les uns aux autres, on peut lire un détachement sévère et une force d'esprit.
Parmi les plus des œuvres merveilleuses byzantin peinture monumentale appartenait aux mosaïques aujourd'hui perdues de l'église de l'Assomption de Nicée (VIIe siècle) représentant des « anges des puissances célestes ». Les visages de ces anges sont étonnants, avec leur attrait sensuel distinct. Mais cette sensualité est éthérée, elle est associée à une inspiration intérieure extatique. Le désir de transmettre une énorme concentration spirituelle, jusqu'à la plus grande spiritualisation de la forme artistique, est resté l'idéal de l'art byzantin pendant des siècles.
Une place particulière dans l'ensemble d'une église chrétienne appartient à l'icône. Les premiers chrétiens appelaient ainsi chaque image d’un saint, en la comparant à une « idole », une image païenne. Plus tard, le mot « icône » a commencé à être utilisé uniquement pour les œuvres de chevalet, essayant de les distinguer des œuvres d'art monumentales (mosaïques, fresques).
Contrairement à l'habituel peinture sur chevalet Une icône est un objet de prière. Il est considéré par l’Église comme un symbole spécial, mystérieusement lié au monde « divin » suprasensible. En contemplant une image emblématique, une personne peut rejoindre spirituellement ce monde.
L'origine des icônes est généralement associée aux anciennes morgues égyptiennes. portraits pittoresques, destiné à la « transition » d’une personne vers l’autre monde. Basé sur l'emplacement de la première découverte majeure de ces monuments dans l'oasis du Fayoum (1887), ils ont été appelés portraits du Fayoum (Fayum). Les images, peintes sur des planches de bois avec de la cire du vivant du client, servaient de masque funéraire après sa mort.
Les icônes les plus anciennes conservées, proches des portraits du Fayoum, remontent au VIe siècle. Ils représentent généralement un saint, le plus souvent à la taille ou à la poitrine, strictement de face ou de trois quarts de tour. Le regard du saint, plein de profondeur spirituelle, est dirigé directement vers le spectateur, car un lien mystique devrait naître entre lui et la personne qui prie.
À monuments remarquables La peinture d'icônes byzantine des VIe-VIIe siècles comprend trois icônes du monastère de Saint-Pierre. Catherine au Sinaï : « Le Christ », « l'Apôtre Pierre » et « Notre-Dame entre Saint-Pierre ». Feodor et St. Georgiy."
La période de brillante prospérité (VI-VII siècles) fait place à une époque tragique pour l'art byzantin. Aux VIIIe et IXe siècles, un mouvement iconoclaste fait rage dans le pays, associé à l'interdiction des images à thème chrétien. Les iconoclastes, soutenus par l'empereur et sa cour, le patriarche et le plus haut cercle du clergé, se sont rebellés contre la représentation de Dieu et des saints sous forme humaine, sur la base d'arguments théologiques sur l'impossibilité de reproduire l'essence divine du Christ sous forme matérielle.
Durant la période iconoclaste, les icônes furent officiellement interdites et nombre d’entre elles furent détruites. Les églises étaient décorées principalement d’images de symboles chrétiens et de peintures ornementales. L'art profane était cultivé : paysages pittoresques, des images d'animaux et d'oiseaux, des scènes de mythes antiques et même des compétitions à l'hippodrome. Ces peintures ont été presque entièrement détruites par les partisans de la vénération des icônes (principalement de larges couches du peuple, le bas clergé, habitué à adorer les icônes) après leur restauration.
Après la victoire sur l'iconoclasme, qualifiée d'hérésie en 843, les phénomènes les plus importants pour son développement ultérieur ont eu lieu dans l'art byzantin. Ils sont associés au début de la formation du canon iconographique - des schémas iconographiques permanents, dont on n'était pas censé s'écarter lors de la représentation de sujets sacrés. Les peintures des temples sont ramenées dans un système cohérent, chaque composition trouve une place strictement définie.
Dans le dôme du temple, le Christ Pantocrator (Tout-Puissant) était représenté entouré d'anges. Entre les fenêtres du tambour - la partie supérieure du bâtiment, qui sert de base au dôme - étaient placés des prophètes ou des apôtres. Sur les voiles, au sommet des piliers soutenant le dôme, se trouvaient les évangélistes, quatre « piliers » enseignement de l'Évangile. Dans l'abside, sur le rebord de l'autel, se trouve une image de la Mère de Dieu, le plus souvent du type Oranta, c'est-à-dire priant les mains levées. Les archanges Michel et Gabriel planent près d'elle. Au sommet des murs du temple sont présentés des épisodes de la vie du Christ, qui comprenaient nécessairement des images de 12 fêtes (Annonciation, Noël, Présentation, Epiphanie, etc.). Dans la partie inférieure du temple se trouvent des figures de pères de l'Église, de grands prêtres et de saints martyrs. Une fois découvert, ce système de peinture est resté inchangé dans ses principales caractéristiques pendant de nombreux siècles dans tous les pays du monde orthodoxe.
Dans la période post-iconoclaste, en particulier aux XIe et XIIe siècles, l'art byzantin trouve ses types les plus parfaits et ses formes les plus idéales dans les mosaïques, les icônes et les miniatures de livres. Spiritualité profonde des visages, figures légères « flottantes », fluidité douce des lignes, contours arrondis, éclat de l'or, saturant l'image d'une lumière surnaturelle, absence de toute tension - tout cela crée une atmosphère très particulière. monde figuratif, rempli de paix sublime, d'harmonie et d'inspiration divine.
XIIIe et XIVe siècles - l'ère de la fin Culture byzantine. Malgré le grave affaiblissement économique et politique de Byzance, qui avait perdu la plupart leurs territoires, l'art de cette époque est marqué plus hautes réalisations, principalement en peinture. Les monuments remarquables du début du XIVe siècle, où l'art recherchait plus d'expression et de liberté, pour transmettre le mouvement, sont l'icône des « 12 Apôtres », les mosaïques de l'église Kahrie Jami de Constantinople, représentant la vie du Christ et du Mère de Dieu.
Cependant, les nouveaux idéaux artistiques n'étaient pas destinés à réellement se renforcer sur le sol de Byzance en déclin. Apparemment, ce n'est pas un hasard si le maître de Constantinople le plus talentueux de la seconde moitié du XIVe siècle, Théophane le Grec, a quitté l'empire, préférant la Russie.
En 1453, Byzance, conquise par les Turcs, cesse d'exister, mais sa culture laisse une profonde marque dans l'histoire de l'humanité. Ayant préservé l'ancienne tradition vivante, les Byzantins furent les premiers dans le monde médiéval à développer système artistique, correspondant à de nouveaux idéaux spirituels et sociaux, et ont agi en tant qu'enseignants et mentors originaux vis-à-vis des autres peuples de l'Europe médiévale.
Sculpture de Léohara
Léochares - sculpteur grec ancien du milieu du IVe siècle avant JC. e. Représentant du mouvement académique dans l'art des classiques tardifs. Étant Athénien, il a travaillé non seulement à Athènes, mais aussi à Olympie, Delphes, Halicarnasse (avec Scopas). Il sculpta en or et en ivoire plusieurs portraits de membres de la famille du roi macédonien Philippe (en utilisant la technique de la sculpture chrysoéléphantine) et, comme Lysippe, fut le maître de cour de son fils Alexandre le Grand ("Alexandre à la chasse au lion ", bronze). Il crée des images de dieux (« Artémis de Versailles », copie romaine en marbre, Louvre) et des scènes mythologiques.
L'apogée de l'art léocharien remonte à 350-320 avant JC. e. A cette époque, il fonde un groupe très populaire dans l'Antiquité, représentant le beau jeune Ganymède, porté à l'Olympe par un aigle envoyé par Zeus, ainsi qu'une statue d'Apollon, qui reçut renommée mondiale nommé d'après "Apollon Belvédère" (le nom du Palais du Belvédère du Vatican, où la statue est exposée) - les deux œuvres sont conservées dans du marbre romain
copies (Musée Pio Clementino, Vatican). Dans la statue d'Apollon du Belvédère, la meilleure œuvre de Léochares, qui nous est parvenue sous forme de copie romaine, on est captivé non seulement par la perfection de l'image, mais aussi par la maîtrise de la technique d'exécution. La statue, découverte à la Renaissance, a longtemps été considérée comme meilleur travail antiquité et chanté dans de nombreux poèmes et descriptions. Les œuvres de Léohar étaient exécutées avec une compétence technique extraordinaire ; son travail était très apprécié par Platon.
"Diane chasseresse" ou "Diane de Versailles", sculpture réalisée par Léochard vers 340 avant JC. Non conservé. Des sculptures de ce type sont connues des archéologues grâce aux fouilles de Leptis Magna et d'Antalya. L'un des exemplaires est conservé au Louvre.
Artémis est vêtue d'un chiton et d'un himation doriens. De la main droite elle s'apprête à retirer une flèche du carquois, sa main gauche repose sur la tête du faon qui l'accompagne. La tête est tournée vers la droite, vers la proie probable.
"Apollon Belvédère", statue en bronze exécutée par Léocharès vers 330 avant JC. n. e. La statue n'a pas survécu, mais a été conservée dans des copies romaines en marbre. L'une des statues de marbre se trouve dans le Belvédère, l'un des bâtiments du Musée du Vatican. Il a été trouvé dans les ruines de la villa de Néron à Antia au début du XVIe siècle.
La statue représente Apollon, dieu grec ancien soleil et lumière, sous la forme d'une belle jeune jeunesse tirant à l'arc. Statue en bronze de Léocharès, exécutée c. ., pendant le Late Classic, n’a pas survécu.
Montorsoli, élève de Michel-Ange, a restauré ses mains, mais l'a fait de manière incorrecte : Apollon aurait dû le tenir dans sa main droite couronne de laurier, dans sa main gauche se trouvait un arc, comme l'indique le carquois derrière le dos d'Apollon. Ces attributs entre les mains de la divinité signifiaient qu'Apollon punissait les pécheurs et purifiait ceux qui se repentaient.
"Ménade"
« Ménade » est une petite copie en marbre de 45 cm de haut, datant environ du Ier siècle. ANNONCE 6, situé dans la Staatliche Kunstsammlungen de Dresde et réalisé à partir d'un original vraisemblablement légèrement plus grand en marbre de Paros vers le milieu du IVe siècle. AVANT JC. 7 Au Musée d'État beaux-Arts eux. COMME. Pouchkine à Moscou, un moulage de cette statue est présenté.
La paternité de la "Ménade", également connue sous le nom de "Bacchante dansante" ou simplement "La Bacchante", semble facile à établir grâce à l'ouvrage "Description des statues" de Callistratus, dans lequel Skopas est directement désigné comme le sculpteur. de la statue de la Bacchante dansante ; les années de travail de Skopas, sculpteur et architecte, nous sont également connues plus précisément (vers 380 avant JC - vers 330 avant JC). Identifié la « Ménade » de Skopas dans la statue au début du XXe siècle. Georg Trey, directeur du Musée Albertinum de Dresde, et désormais le texte de Callistrate semble être étroitement associé à cette œuvre d'art ; cependant sur ce moment Une étude détaillée de la « Ménade » a fait naître des doutes quant au fait que la description mentionnée se réfère spécifiquement à cette sculpture. En particulier, le plus grand problème est la chèvre morte, qui est directement indiquée dans Callistrate, mais qui n'a pu être remise dans aucune des mains aujourd'hui perdues ; Certains pensent que l'hypothèse initiale de Trey n'a pas pris en compte le fait qu'une tentative infructueuse de restauration de la statue dans le passé, selon laquelle au lieu d'une chèvre, une ménade tenait instrument de musique, et qu'il est donc extrêmement improbable que Skopas ait créé deux sculptures presque identiques d'une bacchante - l'une avec une chèvre et l'autre avec un instrument de musique.
Sur la question de la période chronologique, les historiens de l’art ne peuvent pas non plus s’entendre. D'une part, en se référant à des sources faisant autorité, ils parlent de « Ménade » dans le contexte période tardive les œuvres de Scopas (jusqu'à 330 avant JC 8) ; en revanche, les traits caractéristiques du « style Scopas » peuvent, en principe, lui être attribués à tort, et les traits du modelé des vêtements et de la tête, selon Andrew F. Stewart, indiquent que les dates de la « Ménade » d'une époque antérieure, avant le mausolée d'Halicarnasse (351 av. J.-C.) ; Les experts du Musée des Beaux-Arts Pouchkine adhèrent à la même datation. COMME. Pouchkine 9 et l'Université de Cambridge 10.
Dans l'intérêt de ce travail, à savoir analyse comparative Parmi les deux sculptures décrites ci-dessus, j'accepterai les idées les plus courantes sur la paternité et la datation. Commençons notre réflexion par le problème le plus important de la sculpture : le problème du mouvement.
6 Statue einer tanzenden Mänade, sog. Dresdner Mänade // Staatliche Kunstsammlungen Dresden - Page d'accueil.
7 Ménade // Musée national des beaux-arts. A.S. Pouchkine - Site officiel. [Moscou, 2009 -]. URL : http://www.arts-museum.ru/data/fonds/ancient_world/2_1_i/0000_1000/982_menada/ (date d'accès : 31/10/2015).
8 Skopas // Wikipédia, l "enciclopedia libera. Date de révision : 5 juillet 2015. URL : https://it.wikipedia.org/wiki/Skopas#Menade%20di%20Dresda (date d'accès : 31/10/2015) .
9 Ménade // Musée national des beaux-arts. A.S. Pouchkine - Site officiel.
10 Ménade de Skopas // Bases de données du Musée d'archéologie classique. URL : http://museum.classics.cam.ac.uk/collections/casts/maenad-skopas (consulté le 31.10.2015).
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Texte de l'article : Konstantin Krylovsky, 2015.
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Skopas peut à juste titre être considéré comme l'un des plus grands sculpteurs de la Grèce antique. La direction qu'il a créée dans les arts plastiques anciens a longtemps survécu à l'artiste et a eu une énorme influence non seulement sur ses contemporains, mais aussi sur les maîtres des générations suivantes.
On sait que Skopas était originaire de l'île de Paros dans la mer Égée, une île célèbre pour son marbre remarquable, et qu'elle était active entre 370 et 330 avant JC. Son père, Aristandros, était un sculpteur dans l’atelier duquel, apparemment, le talent de Skopas s’est formé.
L'artiste a exécuté des commandes de différentes villes. Il y avait deux œuvres de Skopas en Attique. L'une, représentant les déesses vengeresses Érinyès, se trouvait à Athènes, l'autre, Apollon-Phoebus, dans la ville de Ramnunt. Deux œuvres de Skopas décoraient la ville de Thèbes en Béotie.
L'une des œuvres les plus intenses en émotions de Skopas est un groupe de trois personnages représentant Eros, Potos et Himeros, c'est-à-dire l'amour, la passion et le désir. Le groupe se trouvait dans le temple de la déesse de l'amour Aphrodite à Mégaris, un État situé au sud de la Béotie.
Les images d'Éros, d'Himéros et de Pothos, selon Pausanias, sont aussi différentes les unes des autres que les sentiments qu'elles personnifient diffèrent réellement.
"La construction compositionnelle de la statue de Pothos est beaucoup plus complexe que celle des œuvres antérieures de Skopas", écrit A. G. Chubova. - Le rythme d'un mouvement fluide et doux passe par les bras étendus d'un côté, une tête relevée et un corps fortement incliné. Pour transmettre l’émotion de la passion, Skopas ne recourt pas ici à des expressions faciales fortes. Le visage de Pothos est pensif et concentré, son regard mélancolique et langoureux est dirigé vers le haut. Tout autour de lui semble ne pas exister pour le jeune homme. Comme toute sculpture grecque, la statue de Pothos était peinte et la couleur jouait un rôle important dans la conception artistique globale. Le manteau suspendu au bras gauche du jeune homme était bleu vif ou rouge, ce qui mettait bien en valeur la blancheur du corps nu, laissé dans la couleur du marbre. Un oiseau blanc aux ailes légèrement teintées de gris se détachait nettement sur le fond du manteau. Les cheveux, les sourcils, les yeux, les joues et les lèvres de Pothos étaient également peints.
Il est probable que la statue de Pothos, comme la statue d'Himéros, se trouvait sur un piédestal bas, et la statue d'Éros sur un piédestal plus haut. Ceci explique la rotation de la silhouette de Pothos et la direction de son regard. La tâche posée par Skopas dans cette œuvre était nouvelle et originale pour les arts plastiques de l'époque. Ayant incarné les nuances des grands sentiments humains dans les statues d’Eros, Pothos et Himeros, il a révélé à l’art plastique les possibilités de transmettre d’autres émotions diverses.
Travaillant dans le temple de la ville de Tegea, dans le Péloponnèse, Skopas est devenu célèbre non seulement en tant que sculpteur, mais également en tant qu'architecte et constructeur.
L'ancien temple de Tégée a brûlé en 395 avant JC. Pausanias dit que « le temple actuel, dans sa majesté et sa beauté, surpasse tous les temples du Péloponnèse... Son architecte était Parian Scopas, le même qui a construit de nombreuses statues dans l'ancienne Hellas, Ionie et Carie ».
Sur le fronton oriental du temple d'Athéna Alea à Tégée, le maître présenta la chasse au sanglier calydonien.
« Sur le fronton occidental, une scène d'un mythe a été montrée », écrit G.I. Sokolov, « également loin de la participation des divinités olympiques suprêmes populaires au Ve siècle, mais avec une collision complexe et une issue dramatique. Les Grecs n'ont pas reconnu le fils d'Hercule Telephus, qui est entré en guerre contre Troie, et une bataille a commencé, qui s'est soldée par la mort de plusieurs de ses participants. Non seulement les sujets choisis pour ces frontons sont tragiques, mais aussi les images elles-mêmes.
Le maître montre la tête d'un des blessés légèrement rejetée en arrière, comme souffrant d'une douleur atroce. Les lignes fortement incurvées des sourcils, de la bouche et du nez traduisent l'excitation et la tension colossale des sentiments. Les coins intérieurs des orbites, profondément creusés dans l’épaisseur du marbre, rehaussent les contrastes d’ombre et de lumière et créent de puissants effets dramatiques. Le relief du visage avec les muscles gonflés des arcades sourcilières, les coins de la bouche gonflés, inégal, bosselé, déformé par une souffrance cachée.
La plus significative des créations de Skopas en plastique rond peut être considérée comme la statue d’une Bacchante (Ménade) avec un chevreau.
Seule une excellente copie de la statue a survécu, conservée au musée de Dresde. Mais l'écrivain Callistrate du IVe siècle a laissé une description détaillée de la statue :
« Scopas a créé une statue des Bacchantes en marbre de Paros, elle pourrait paraître vivante... On pouvait voir comment cette pierre, dure par nature, imitant la tendresse féminine, devenait elle-même comme légère et nous transmettait une image féminine... Privée par nature de la capacité de bouger, c'est sous les mains de l'artiste que j'ai appris ce que signifie se précipiter dans une danse bachique... L'extase folle s'exprimait si clairement sur le visage de la Bacchante, bien que la manifestation de l'extase ne soit pas caractéristique de la pierre ; et tout ce qui recouvre l'âme, piqué par l'aiguillon de la folie, tous ces signes de souffrance mentale sévère ont été clairement présentés ici par le don créatif de l'artiste dans une combinaison mystérieuse. Les cheveux semblaient livrés à la volonté de Zéphyr, pour qu'il puisse jouer avec eux, et la pierre semblait se transformer en de petites mèches de cheveux luxuriants...
Le même matériau a servi à l'artiste pour représenter la vie et la mort ; Il nous a présenté la Bacchante vivante, alors qu'elle lutte pour Kiferon, et cette chèvre est déjà morte...
Ainsi, Skopas, créant des images même de ces créatures sans vie, était un artiste plein de véracité ; dans ses corps, il était capable d'exprimer le miracle des sentiments spirituels..."
De nombreux poètes ont écrit des poèmes sur cette œuvre. Voici l'un d'entre eux:
Pierre bacchanale parienne, Mais le sculpteur a donné une âme à la pierre. Et, ivre comme elle l'était, elle se leva d'un bond et se mit à danser. Ayant créé ce fiad dans une frénésie avec une chèvre tuée Avec un ciseau idolâtre, tu as accompli un miracle, Skopas.
Les célèbres créations de Skopas se trouvaient également en Asie Mineure, où il travailla dans les années cinquante du IVe siècle avant JC, il décora notamment le temple d'Artémis à Éphèse.
Et surtout, avec d'autres sculpteurs, Skopas a participé à la conception du mausolée d'Halicarnasse, achevé en 352 et décoré avec une splendeur véritablement orientale. Il y avait des statues de dieux, Mausole, son épouse, des ancêtres, des statues de cavaliers, des lions et trois frises en relief. L'une des frises représentait une course de chars, une autre représentait un combat entre les Grecs et des centaures (fantastiques mi-humains, mi-chevaux) et la troisième représentait une Amazonomachie, c'est-à-dire une bataille entre les Grecs et les Amazones. Des deux premiers reliefs, seuls de petits fragments ont survécu, du troisième, dix-sept dalles.
La frise avec l'Amazonomachie, d'une hauteur totale de 0,9 mètre, avec des chiffres égaux à environ un tiers de la taille humaine, entourait toute la structure, et si l'on ne peut pas dire avec précision dans quelle partie elle était placée, il est encore possible de déterminer sa longueur, approximativement égale à 150-160 mètres. Il contenait probablement plus de 400 figures.
La légende des Amazones – tribu mythique de femmes guerrières – était l’un des thèmes favoris de l’art grec. Selon la légende, ils vivaient en Asie Mineure sur le fleuve Thermodon et, entreprenant de longues campagnes militaires, atteignirent même Athènes. Ils se sont battus avec de nombreux héros grecs et se distinguaient par leur courage et leur dextérité. L'une de ces batailles est représentée sur la frise Halicarnassienne. La bataille bat son plein et il est difficile de dire qui sera le vainqueur. L'action se déroule à un rythme rapide. Les Amazones et les Grecs à pied et à cheval attaquent farouchement et se défendent vaillamment. Les visages des combattants sont capturés par le pathétique du combat.
Une caractéristique de la structure compositionnelle de la frise était le placement libre des personnages sur un fond autrefois peint en bleu vif. Une comparaison des dalles survivantes montre la conception artistique générale et la structure de composition générale de la frise. Il est très possible que la composition appartienne à un seul artiste, mais il est peu probable que l'auteur lui-même ait composé toutes les figures et tous les groupes. Il pouvait esquisser la disposition générale des figures, donner leurs dimensions, concevoir la nature générale de l'action et laisser à d'autres maîtres le soin de terminer le relief en détail.
Sur les dalles de cette frise la mieux conservée, on distingue clairement « l'écriture » des quatre maîtres. Trois dalles avec dix figures de Grecs et d'Amazones, trouvées sur le côté oriental des ruines, se distinguent par leur valeur artistique exceptionnelle ; ils sont attribués à Skopas. Sur les dalles, considérées comme l'œuvre de Léochares et Timofey, la rapidité du mouvement est soulignée non seulement par les poses des combattants, mais également par les manteaux et les chitons fluides. Skopas, au contraire, représente les Amazones uniquement dans des vêtements courts et ajustés, et les Grecs complètement nus, et parvient à exprimer la force et la rapidité du mouvement principalement à travers des tournures de figures et des expressions de gestes audacieuses et complexes.
L’une des techniques de composition préférées de Skopas était la technique de collision de mouvements dirigés de manière opposée. Ainsi, un jeune guerrier, tombé à genoux, maintient son équilibre, touche le sol avec sa main droite et esquive le coup de l'Amazone, se défend en étendant sa main gauche vers l'avant avec un bouclier. L'Amazone s'éloigna du guerrier et en même temps lui lança sa hache. Le chiton d'Amazonie s'adapte parfaitement au corps, en soulignant bien la forme ; les lignes de pliage soulignent le mouvement de la figure.
L'emplacement de la figure d'Amazon sur la dalle suivante est encore plus compliqué. Le jeune guerrier, se retirant du Grec barbu qui attaque rapidement, parvient toujours à le frapper d'un coup énergique. Le sculpteur était bien capable de transmettre les mouvements adroits de l'Amazonie, esquivant rapidement une attaque et passant immédiatement à l'attaque. La pose et les proportions de la figure, les vêtements qui s'ouvraient de manière à laisser apparaître la moitié du corps de l'Amazone - tout ressemble beaucoup à la célèbre statue des Bacchantes. Skopas a utilisé avec audace la technique des mouvements contrastés dans la figure de l'Amazonie équestre. Une cavalière habile laissait galoper son cheval bien entraîné, lui tournait le dos et tirait sur ses ennemis avec un arc. Son chiton court s'ouvrit, révélant des muscles puissants.
Dans les compositions de Skopas, l'impression de l'intensité de la lutte, du rythme rapide de la bataille, de la vitesse fulgurante des coups et des attaques est obtenue non seulement par les différents rythmes de mouvement, le placement libre des personnages dans l'avion, mais aussi par modelage plastique et exécution magistrale des vêtements. Chaque figure de la composition de Skopas est clairement « lisible ». Malgré le faible relief, la profondeur de l'espace se fait sentir partout. Skopas a probablement également travaillé sur la scène des courses de chars. Un fragment d'une frise avec la figure d'un conducteur de char a survécu. Un visage expressif, une courbe douce du corps, des vêtements longs bien ajustés au dos et aux hanches, tout rappelle les Amazones Skopasov. L'interprétation des yeux et des lèvres est proche des têtes tégéennes.
La personnalité brillante de Skopas, ses techniques innovantes pour révéler le monde intérieur d'une personne et transmettre de fortes expériences dramatiques ne pouvaient qu'influencer tous ceux qui travaillaient à ses côtés. Scopas a eu une influence particulièrement forte sur les jeunes maîtres Leochares et Briaxis. Selon Pline, ce sont les sculpteurs Scopas, Timothée, Briaxis et Leochares qui ont rendu cette structure si remarquable avec leurs œuvres qu'elle a été incluse dans les Sept Merveilles du Monde.
«Maîtrisant diverses techniques de sculpture, Skopas travaillait à la fois le marbre et le bronze», écrit A. G. Chubova. - Sa connaissance de l'anatomie plastique était parfaite. Représenter les positions les plus complexes de la figure humaine ne lui présentait aucune difficulté. L'imagination de Skopas était extrêmement riche ; il a créé toute une galerie d'images aux caractéristiques vives.
Ses œuvres réalistes sont empreintes d'un grand humanisme. Capturant divers aspects d'expériences profondes, décrivant la tristesse, la souffrance, la passion, l'extase bacchanale, l'ardeur guerrière, Skopas n'a jamais interprété ces sentiments de manière naturaliste. Il les a poétisés, obligeant le spectateur à admirer la beauté spirituelle et la force de ses héros.
Traits caractéristiques de la sculpture de la première moitié du IVe siècle. avant JC e. reflété dans les œuvres des grands maîtres - Scopas et Praxitèle. Malgré les différences entre eux, ils sont unis par le désir de transmettre des actions énergétiques et, surtout, le monde des sentiments et des expériences humaines. Passion et tristesse, rêverie et amour, fureur et désespoir, souffrance et chagrin deviennent l'objet du travail de ces artistes.
Skopas(420 - vers 355 avant JC) était originaire de l'île de Paros, riche en marbre. J'ai travaillé avec ce matériau grand sculpteur, mais presque toutes ses œuvres ont été détruites par le temps. Le peu qui a survécu à ce jour témoigne de la plus haute compétence artistique et de la technique magistrale du traitement du marbre. Les mouvements passionnés et impétueux de ses sculptures, semblant perdre l'équilibre, les scènes de bataille avec les Amazones transmettent la ferveur du combat et l'extase du combat.
L'une des créations les plus parfaites de Skopas est la statue de la Ménade, la nymphe qui a élevé le jeune dieu Dionysos. Skopas possède également de nombreuses sculptures sur frontons, frises en relief et sculptures rondes. Il est également connu comme architecte ayant participé à la décoration du célèbre mausolée d'Halicarnasse.
Praxitèle(vers 390-330 avant JC), originaire d'Athènes, est entré dans l'histoire de la sculpture comme un chanteur inspiré beauté féminine. Les images d’athlètes, selon toute vraisemblance, n’intéressaient pas beaucoup l’artiste. S'il s'est tourné vers l'idéal d'un beau jeune homme, il a tout d'abord mis l'accent non pas sur les qualités physiques de sa silhouette, mais sur l'harmonie et la grâce, la joie et le bonheur serein. Il s'agit de « Hermès et Dionysos », « Le satyre au repos » et « Apollo Saurokton » (ou « Apollo tuant le lézard »).
Mais les images féminines en sculpture, et en particulier la célèbre « Aphrodite de Cnide », ont valu à Praxitèle une renommée particulière. Selon la légende, Praxitèle a créé deux statues, représentant la déesse habillée dans l'une et nue dans l'autre. Les habitants de l'île de Kos, effrayés par le courage du maître, achetèrent Aphrodite en robe pour leur ville, et les habitants de l'île de Cnide se révélèrent plus prévoyants : ils installèrent une statue d'une déesse nue dans une des places principales. Désormais, les fans de la célèbre création du sculpteur commencent à venir ici de toute la Grèce, augmentant ainsi la gloire de la ville.
Aphrodite est représentée au moment où, après avoir jeté ses vêtements, elle veut entrer dans la source pour se baigner.
Dans l’apparence de la déesse, il n’y a même pas l’ombre de coquetterie ou de narcissisme. Sa beauté est simple et naturelle. Si le maître avait permis le moindre soupçon d'affectation ou de modestie dans la nudité, elle serait devenue loin de la perfection et de la divinité. Praxitèle a réussi à transmettre magistralement l'étonnante vitalité de l'image. De plus, la statue était teintée de peintures à la cire aux tons délicats et chaleureux. Ce n'est pas un hasard si l'écrivain romain du Ier siècle. Pline l'Ancien considérait cette œuvre du sculpteur " plus élevé que toutes les œuvres non seulement de Praxitèle, mais existant généralement dans l'Univers. "
On sait que le modèle de la statue était la belle Phryné, à laquelle de nombreuses belles légendes sont associées. Selon l'un d'eux, Phryné aurait demandé à Praxitèle de lui offrir son meilleur travail en signe d'amour. Il a accepté, mais a refusé de le nommer. Alors la rusée Phryné ordonna à l'esclave d'informer l'artiste que son atelier avait été détruit par un incendie. Praxitèle effrayé s'est exclamé : « Si la flamme a détruit Éros et Satyre, alors tout a péri. » Phryné a donc découvert ce qu'elle devait exactement demander au sculpteur comme cadeau.
