Sandro Botticelli, (italien : Sandro Botticelli, vrai nom : Alessandro di Mariano Filipepi Alessandro di Mariano Filipepi ; 1445 - 17 mai 1510) - Peintre italien de l'école toscane.
Biographie de Sandro Botticelli
Sandro Botticelli est un peintre italien de l'école toscane.
Représentant Début de la Renaissance. Il était proche de la cour des Médicis et des milieux humanistes de Florence. Les œuvres sur des thèmes religieux et mythologiques (« Printemps », vers 1477-1478 ; « Naissance de Vénus », vers 1483-1484) sont marquées par une poésie inspirée, des jeux de rythmes linéaires et des colorations subtiles. Sous l’influence des bouleversements sociaux des années 1490, l’art de Botticelli devient intensément dramatique (« Calomnie », après 1495). Dessins pour la « Divine Comédie » de Dante, portraits poignants et gracieux (« Giuliano de’ Medici »).
Alessandro di Mariano Filipepi est né en 1445 à Florence, fils du tanneur Mariano di Vanni Filipepi et de son épouse Smeralda. Après la mort de son père, son frère aîné, riche homme d'affaires boursier, surnommé Botticelli (« Tonneau »), devient le chef de famille, soit à cause de sa silhouette ronde, soit à cause de son intempérance envers le vin. Ce surnom s'est répandu auprès d'autres frères. (Giovanni, Antonio et Simone) Les frères Filipepi ont reçu leur éducation primaire au monastère dominicain de Santa Maria Novella, pour lequel Botticelli a ensuite travaillé. Au début, le futur artiste et son frère cadet Antonio ont été envoyés étudier la fabrication de bijoux. L'art de l'orfèvrerie, métier respecté au milieu du XVe siècle, lui a beaucoup appris.
La clarté des lignes de contour et l’utilisation habile de l’or, acquises par lui en tant que joaillier, resteront à jamais dans l’œuvre de l’artiste.
Antonio est devenu un bon bijoutier et Alessandro, après avoir terminé sa formation, s'est intéressé à la peinture et a décidé de s'y consacrer. La famille Filipepi était respectée dans la ville, ce qui lui a fourni plus tard des relations impressionnantes. La famille Vespucci habitait à côté. L'un d'eux, Amerigo Vespucci (1454-1512), célèbre commerçant et explorateur, qui a donné son nom à l'Amérique. En 1461-62, sur les conseils de George Antonio Vespucci, il fut envoyé dans l'atelier du célèbre artiste Filippo Lippi, à Prato, ville située à 20 km de Florence.
En 1467-68, après la mort de Lippi, Botticelli retourna à Florence après avoir beaucoup appris de son professeur. A Florence, le jeune artiste, étudiant avec Andreo de Verrocchio, où Léonard de Vinci étudiait en même temps, est devenu célèbre. La première travail indépendant un artiste qui a travaillé dans la maison de son père à partir de 1469.
En 1469, Sandro fut présenté par George Antonio Vespucci à un homme politique influent et homme d'État Tommaso Soderini. A partir de cette rencontre, des changements drastiques s’opèrent dans la vie de l’artiste.
En 1470, il reçut, avec le soutien de Soderini, la première commande officielle ; Soderini réunit Botticelli avec ses neveux Lorenzo et Giuliano Medici. Dès lors, son œuvre, et ce fut son apogée, fut associée au nom des Médicis. En 1472-75. il peint deux petites œuvres illustrant l'histoire de Judith, apparemment destinées aux portes d'armoires. Trois ans après « Force de l'Esprit », Botticelli crée St. Sébastien, qui fut très solennellement installé dans l'église de Santa Maria Maggiori, à Florence, apparaît de belles madones, rayonnantes de douceur éclairée. Mais il acquit sa plus grande renommée lorsque, vers 1475, il exécuta « l'Adoration des Mages » pour le monastère de Florence. Santa Maria Novella, où il représente les membres de la famille Médicis entourés de Marie. Florence, sous le règne des Médicis, était une ville de tournois chevaleresques, de mascarades et de processions festives. Le 28 janvier 1475, un de ces tournois eut lieu dans la ville. Elle s'est déroulée sur la Piazza Santa Corce et son personnage principal devait être le frère cadet de Laurent le Magnifique, Giuliano. Sa « belle dame » était Simonetta Vespucci, dont Giuliano était désespérément amoureux et, apparemment, pas seulement lui. La belle a ensuite été représentée par Botticelli comme Pallas Athéna sur l'étendard de Giuliano. Après ce tournoi, Botticelli prend une position de force dans le cercle restreint des Médicis et sa place dans vie officielle villes.
Lorenzo Pierfrancesco Médicis, cousin du Magnifique, devient son client régulier. Peu de temps après le tournoi, avant même le départ de l'artiste pour Rome, il lui commande plusieurs œuvres. Dès sa prime jeunesse, Botticelli a acquis de l'expérience dans la peinture de portraits, ce test caractéristique de l'habileté de l'artiste. Devenu célèbre dans toute l'Italie à partir de la fin des années 1470, Botticelli reçut des commandes de plus en plus lucratives de clients extérieurs à Florence. En 1481, le pape Sixte IV invita les peintres Sandro Botticelli, Domenico Ghirlandaio, Pietro Perugino et Cosimo Rosselli à Rome pour décorer de fresques les murs de la chapelle papale, appelée Chapelle Sixtine. La peinture murale a été réalisée sur une période étonnamment courte de seulement onze mois, de juillet 1481 à mai 1482. Botticelli a réalisé trois scènes. De retour de Rome, il peint un certain nombre de tableaux sur des thèmes mythologiques. L'artiste termine le tableau « Printemps », commencé avant son départ. Pendant cette période, des événements importants se sont produits à Florence qui ont influencé l'ambiance inhérente à cette œuvre. Initialement, le thème de l'écriture du "Printemps" était tiré du poème de Poliziano "Le Tournoi" dans lequel Giuliano de Médicis et son amante Simonetta Vespucci étaient glorifiés. Cependant, entre le début et l'achèvement des travaux, la belle Simonetta mourut subitement et Giuliano lui-même, avec qui l'artiste entretenait une amitié, fut assassiné de manière infâme.
Cela a affecté l'ambiance de l'image, y introduisant une note de tristesse et de compréhension du caractère éphémère de la vie.
"La Naissance de Vénus" a été écrit plusieurs années après "Printemps". On ne sait pas qui de la famille Médicis était son client. À peu près à la même époque, Botticelli écrit des épisodes de « L'Histoire de Nastagio degli Onesti » (Le Décaméron de Boccace), « Pallas et le Centaure » et « Vénus et Mars ». DANS dernières années Pendant son règne, Laurent le Magnifique, en 1490, appela à Florence le célèbre prédicateur Fra Girolamo Savonarola. Apparemment, ce faisant, le Magnifique voulait renforcer son autorité dans la ville.
Mais le prédicateur, militant militant pour le respect des dogmes de l'Église, entre en conflit aigu avec les autorités laïques de Florence. Il réussit à gagner de nombreux partisans dans la ville. De nombreux artistes talentueux et religieux tombèrent sous son influence et Botticelli ne put résister. La joie et le culte de la Beauté disparurent à jamais de son œuvre. Si les Madones précédentes apparaissaient dans la majesté solennelle de la Reine du Ciel, c'est désormais une femme pâle aux yeux pleins de larmes, qui a vécu et vécu beaucoup de choses. L'artiste a commencé à s'intéresser davantage aux sujets religieux ; même parmi les ordres officiels, il était principalement attiré par les peintures sur des thèmes bibliques. Cette période de créativité est marquée par le tableau « Le Couronnement de la Vierge Marie », commandé pour la chapelle de l’atelier du bijoutier. Sa dernière grande œuvre sur un thème profane était « La calomnie », mais, malgré tout le talent d'exécution, il n'y a pas de décoration luxueuse, style décoratif, inhérent à Botticelli. En 1493, Florence fut choquée par la mort de Laurent le Magnifique.
Les discours enflammés de Savonarole ont été entendus dans toute la ville. Dans la ville, berceau de la pensée humaniste en Italie, une réévaluation des valeurs a eu lieu. En 1494, l'héritier du Magnifique, Piero, et d'autres Médicis furent expulsés de la ville. Durant cette période, Botticelli continue d'être fortement influencé par Savonarole. Tout cela a affecté son œuvre, qui a connu une crise profonde. La mélancolie et la tristesse émanent des deux « Lamentations du Christ ». Les sermons de Savonarole sur la fin du monde, le Jour du Jugement dernier et le châtiment de Dieu ont conduit au fait que le 7 février 1497, des milliers de personnes ont allumé un feu de joie sur la place centrale. de la Signoria, où ils brûlèrent les œuvres d'art les plus précieuses saisies dans les riches maisons : meubles, vêtements, livres, peintures, décorations. Parmi eux, qui ont succombé à la psychose, se trouvaient des artistes. (Lorenzo de Credi, l'ancien compagnon de Botticelli, a détruit plusieurs de ses croquis de nus.)
Botticelli était sur la place et, certains biographes de ces années-là, écrivent que, succombant à l'ambiance générale, il a brûlé plusieurs croquis (les tableaux étaient chez les clients), mais il n'y a aucune preuve exacte. Avec le soutien du pape Alexandre VI, Savonarole fut accusé d'hérésie et condamné à mort.
L'exécution publique a eu un grand effet sur Botticelli. Il écrit « Naissance mystique », où il montre son attitude face à ce qui se passe.
Les dernières peintures sont dédiées à deux héroïnes de la Rome antique : Lucrèce et Virginie. Les deux filles, pour sauver leur honneur, ont accepté la mort, ce qui a poussé le peuple à destituer les dirigeants. Les peintures symbolisent l'expulsion de la famille Médicis et la restauration de Florence en tant que république. Selon son biographe Giorgio Vasari, le peintre fut tourmenté par la maladie et l'infirmité à la fin de sa vie.
Il est devenu « tellement courbé qu'il a dû marcher à l'aide de deux bâtons ». Botticelli n'était pas marié et n'avait pas d'enfants.
Il mourut seul, à l'âge de 65 ans, et fut enterré près du monastère de Santa Maria Novella.
Œuvres du peintre italien
Son art, destiné aux connaisseurs instruits, imprégné de motifs de philosophie néoplatonicienne, fut longtemps peu apprécié.
Près trois siècles Botticelli a été presque oublié jusqu'à mi-parcours XIXème siècle l'intérêt pour son travail n'a pas repris, ce qui ne s'estompe pas à ce jour.
Écrivains tournant du XIX-XX des siècles (R. Sizeran, P. Muratov) a créé une image romantique-tragique de l'artiste, qui s'est depuis solidement implantée dans les esprits. Mais les documents de la fin du XVe et du début du XVIe siècle ne confirment pas une telle interprétation de sa personnalité et ne confirment pas toujours les données de la biographie de Sandro Botticelli écrite par Vasari.
La première œuvre appartenant sans aucun doute à Botticelli, « Allégorie du pouvoir » (Florence, Galerie des Offices), remonte à 1470. Il faisait partie de la série « Sept Vertus » (les autres ont été interprétées par Piero Pollaiuolo) pour la salle du Tribunal de Commerce. L'élève de Botticelli devint bientôt le célèbre Filippino Lippi, fils de Fra Filippo, décédé en 1469. Le 20 janvier 1474, à l'occasion de la fête de Saint-Pierre. Le tableau de Sébastien "Saint Sébastien" de Sandro Botticelli a été exposé dans l'église Santa Maria Maggiore de Florence.
Allégorie du pouvoir de Saint Sébastien
La même année, Sandro Botticelli est invité à Pise pour travailler sur les fresques de Camposanto. Pour une raison inconnue, il ne les a pas terminés, mais dans la cathédrale de Pise, il a peint la fresque « L'Assomption de Notre-Dame », décédée en 1583. Dans les années 1470, Botticelli se rapproche de la famille Médicis et du « cercle des Médicis ». - des poètes et philosophes néoplatoniciens (Marsile Ficin, Pic de la Mirandole, Angelo Poliziano). Le 28 janvier 1475, Giuliano, le frère de Laurent le Magnifique, participa à un tournoi sur l'une des places florentines avec un étendard peint par Botticelli (non conservé). Après l'échec du complot des Pazzi visant à renverser les Médicis (26 avril 1478), Botticelli, commandé par Laurent le Magnifique, peint une fresque sur la Porta della Dogana, qui menait au Palazzo Vecchio. Il représentait les conspirateurs pendus (ce tableau fut détruit le 14 novembre 1494 après la fuite de Piero de Médicis de Florence).
Parmi les meilleures œuvres de Sandro Botticelli des années 1470 figure « L'Adoration des Mages », où les membres de la famille Médicis et leurs proches sont représentés dans les images des sages orientaux et de leur suite. Au bord droit de l’image, l’artiste se représente lui-même.
Entre 1475 et 1480, Sandro Botticelli a créé l'une des œuvres les plus belles et les plus mystérieuses : le tableau "Printemps".
Il était destiné à Lorenzo di Pierfrancesco Medici, avec qui Botticelli entretenait des relations amicales. L'intrigue de ce tableau, qui combine des motifs du Moyen Âge et de la Renaissance, n'est pas encore entièrement expliquée et s'inspire évidemment à la fois de la cosmogonie néoplatonicienne et des événements de la famille Médicis.
La première période de l’œuvre de Botticelli se termine avec la fresque « St. Augustin" (1480, Florence, église d'Ognisanti), commandée par la famille Vespucci. Il s’agit d’une paire de compositions de Domenico Ghirlandaio « St. Jérôme" dans le même temple. La passion spirituelle de l'image d'Augustin contraste avec le prosaïsme de Jérôme, démontrant clairement les différences entre la créativité profonde et émotionnelle de Botticelli et le solide savoir-faire de Ghirlandaio.
En 1481, avec d'autres peintres de Florence et d'Ombrie (Pérugin, Piero di Cosimo, Domenico Ghirlandaio), Sandro Botticelli fut invité à Rome par le pape Sixte IV pour travailler dans la chapelle Sixtine du Vatican. Il revient à Florence au printemps 1482, après avoir réussi à écrire trois grandes compositions dans la chapelle : « La guérison du lépreux et la tentation du Christ », « La jeunesse de Moïse » et « Le châtiment de Coré, Dathan et Abiron ». ».
Dans les années 1480, Botticelli continue de travailler pour les Médicis et d’autres familles nobles florentines, produisant des peintures de sujets à la fois profanes et religieux. Vers 1483, avec Filippino Lippi, le Pérugin et Ghirlandaio, il travailla à Volterra à la Villa Spedaletto, qui appartenait à Laurent le Magnifique. Le célèbre tableau de Sandro Botticelli « La Naissance de Vénus » (Florence, Galerie des Offices), réalisé pour Lorenzo di Pierfrancesco, remonte à avant 1487. Avec le « Printemps » créé précédemment, il est devenu une sorte d'image emblématique, personnification à la fois de l'art de Botticelli et de la culture raffinée de la cour des Médicis.
Les deux meilleurs tondos (peintures rondes) de Botticelli remontent aux années 1480 - « Madonna Magnificat » et « Madonna with a Grenade » (tous deux à Florence, Galerie des Offices). Cette dernière était peut-être destinée à la salle d'audience du Palazzo Vecchio.
Madonna Magnificat Madonna à la Grenade
On pense qu'à partir de la fin des années 1480, Sandro Botticelli fut fortement influencé par les sermons du dominicain Girolamo Savonarola, qui dénonçait l'ordre de l'Église contemporaine et appelait au repentir.
Vasari écrit que Botticelli était un adepte de la « secte » de Savonarole et qu’il a même abandonné la peinture et « est tombé dans la plus grande ruine ». En effet, l’ambiance tragique et les éléments de mysticisme présents dans de nombreuses œuvres ultérieures du maître témoignent en faveur d’une telle opinion. Au même moment, l'épouse de Lorenzo di Pierfrancesco, dans une lettre du 25 novembre 1495, rapporte que Botticelli peignait la Villa Médicis à Trebbio avec des fresques, et le 2 juillet 1497, du même Lorenzo, l'artiste reçut un prêt pour l'exécution de peintures décoratives à la Villa Castello (non conservées). Dans le même 1497, plus de trois cents partisans de Savonarole ont signé une pétition adressée au pape Alexandre VI lui demandant de lever l'excommunication des Dominicains. Le nom de Sandro Botticelli ne figurait pas parmi ces signatures. En mars 1498, Guidantonio Vespucci invita Botticelli et Piero di Cosimo à décorer son nouvelle maison sur Via Servi. Parmi les peintures qui l'ornaient figuraient « L'Histoire de la Virginie romaine » (Bergame, Académie Carrara) et « L'Histoire de la Lucrèce romaine » (Boston, Gardner Museum). Savonarole fut brûlée la même année, le 29 mai, et il n'existe qu'une seule preuve directe du sérieux intérêt de Botticelli pour sa personne. Près de deux ans plus tard, le 2 novembre 1499, Simone, le frère de Sandro Botticelli, écrit dans son journal : « Alessandro di Mariano Filipepi, mon frère, l'un des meilleurs artistes, qui étaient à ces moments-là dans notre ville, en ma présence, assis chez moi près du feu, vers trois heures du matin, j'ai raconté comment ce jour-là, dans sa bottega de la maison, Sandro parlait avec Doffo Spini de le cas de Frate Girolamo. Spini était le juge en chef du procès contre Savonarole.
Les œuvres tardives les plus significatives de Botticelli comprennent deux « Mises au Tombeau » (toutes deux après 1500 ; Munich, Alte Pinakothek ; Milan, Musée Poldi Pezzoli) et la célèbre « Nativité mystique » (1501, Londres, National Gallery) - la seule signée et datée. oeuvre de l'artiste. Ils y voient, notamment dans « Nativité », l’appel de Botticelli aux techniques de l’art médiéval. art gothique, principalement en violation des relations de perspective et d'échelle.
Mise au tombeau Noël mystique
Cependant travaux tardifs les maîtres ne sont pas du pastiche.
L'utilisation de formes et de techniques étrangères à la méthode artistique de la Renaissance s'explique par le désir de valoriser l'expressivité émotionnelle et spirituelle, pour laquelle l'artiste n'avait pas suffisamment de spécificités du monde réel à transmettre. Botticelli, l’un des peintres les plus sensibles du Quattrocento, a pressenti très tôt la crise imminente de la culture humaniste de la Renaissance. Dans les années 1520, son début sera marqué par l’émergence de l’art irrationnel et subjectif du maniérisme.
Un des plus aspects intéressants créativité de Sandro Botticelli - peinture de portrait.
Dans ce domaine, il s'est imposé comme un brillant maître dès la fin des années 1460 (« Portrait d'un homme avec une médaille », 1466-1477, Florence, Galerie des Offices ; « Portrait de Giuliano de' Medici », vers 1475, Berlin, Assemblées d'État). Dans les meilleurs portraits du maître, la spiritualité et la sophistication des apparences des personnages se conjuguent avec une sorte d'hermétisme, les enfermant parfois dans une souffrance arrogante (Portrait d'un jeune homme, New York, Metropolitan Museum of Art).
L'un des plus magnifiques dessinateurs du XVe siècle, Botticelli, selon Vasari, peignait beaucoup et « exceptionnellement bien ». Ses dessins étaient extrêmement appréciés par ses contemporains et étaient conservés comme échantillons dans de nombreux ateliers d'artistes florentins. Très peu d’entre eux ont survécu à ce jour, mais une série unique d’illustrations pour la « Divine Comédie » de Dante permet de juger de l’habileté de Botticelli en tant que dessinateur. Exécutés sur parchemin, ces dessins étaient destinés à Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici. Sandro Botticelli s'est tourné vers l'illustration de Dante à deux reprises. Le premier petit groupe de dessins (non conservés) a apparemment été réalisé par lui à la fin des années 1470, et sur cette base, Baccio Baldini a réalisé dix-neuf gravures pour l'édition de 1481 de la Divine Comédie. L'illustration la plus célèbre de Botticelli à Dante est le dessin « Carte de ». L’enfer » (La mappa dell inferno).
Botticelli a commencé à compléter les pages du Codex Médicis après son retour de Rome, en utilisant en partie ses premières compositions. 92 feuilles ont survécu (85 au Cabinet des gravures de Berlin, 7 à la Bibliothèque vaticane). Les dessins étaient réalisés avec des épingles en argent et en plomb ; l'artiste traçait ensuite leur fine ligne grise à l'encre brune ou noire. Quatre feuilles sont peintes à la détrempe. Sur de nombreuses feuilles, l’encrage n’est pas terminé ou pas du tout. Ce sont ces illustrations qui font particulièrement sentir la beauté du trait léger, précis et nerveux de Botticelli.
Selon Vasari, Sandro Botticelli était « une personne très agréable et aimait souvent plaisanter avec ses étudiants et amis ».
« On dit aussi, écrit-il plus loin, qu'il aimait par-dessus tout ceux qu'il savait appliqués à leur art, et qu'il gagnait beaucoup, mais tout s'est ruiné pour lui, car il se débrouillait mal et était négligent. A la fin, il devint décrépit et incapable de marcher et marcha en s'appuyant sur deux bâtons... » À propos de la situation financière de Botticelli dans les années 1490, c'est-à-dire à l'époque où, selon Vasari, il dut abandonner la peinture et faire faillite sous la influence des sermons de Savonarole, nous permettent en partie de juger des documents des Archives de l'État de Florence. Il en résulte que le 19 avril 1494, Sandro Botticelli et son frère Simone acquièrent une maison avec un terrain et un vignoble devant les portes de San Frediano. Les revenus de cette propriété en 1498 étaient fixés à 156 florins. Certes, depuis 1503, le maître est endetté pour des contributions à la Guilde de Saint-Luc, mais une entrée datée du 18 octobre 1505 rapporte qu'elle a été entièrement remboursée. Le fait que le vieux Botticelli continue à jouir de la renommée est également attesté par une lettre de Francesco dei Malatesti, agent de la souveraine de Mantoue, Isabelle d'Este, qui cherchait des artisans pour décorer son studiolo. Le 23 septembre 1502, il l'informe de Florence que le Pérugin est à Sienne, Filippino Lippi est trop chargé de commandes, mais il y a aussi Botticelli, pour qui « on me loue beaucoup ». Le voyage à Mantoue n'a pas eu lieu pour une raison inconnue.
En 1503, Ugolino Verino, dans son poème « De ilrustratione urbis Florentiae », nomme Sandro Botticelli parmi les meilleurs peintres, le comparant aux artistes célèbres de l'Antiquité - Zeuxis et Apelle.
Le 25 janvier 1504, le maître faisait partie d’une commission discutant du choix du lieu pour l’installation du David de Michel-Ange. Les quatre dernières années et demie de la vie de Sandro Botticelli ne sont pas documentées. C’était cette triste période de décrépitude et d’incapacité dont parlait Vasari.
Faits intéressants : l’origine du surnom « Botticelli »
Le vrai nom de l'artiste est Alessandro Filipepi (pour les amis de Sandro).
Il était le plus jeune des quatre fils de Mariano Filipepi et de son épouse Zmeralda et est né à Florence en 1445. Mariano était tanneur de profession et vivait avec sa famille dans le quartier de Santa Maria Novella, via Nuova, où il louait un appartement dans une maison appartenant à Rucellai. Il possédait son propre atelier non loin du pont de Santa Trinita in Oltrarno, l'entreprise lui rapportait des revenus très modestes et le vieux Filipepi rêvait de trouver rapidement un emploi pour ses fils et d'avoir enfin la possibilité de quitter ce métier à forte intensité de main-d'œuvre.
La première mention d'Alessandro, ainsi que d'autres artistes florentins, se trouve dans ce qu'on appelle le « portate al Catasto », c'est-à-dire le cadastre, où étaient établies les déclarations de revenus pour l'impôt, qui, conformément au décret du Dans la République de 1427, le chef de chaque État florentin était obligé de fonder des familles.
Ainsi, en 1458, Mariano Filipepi indiquait qu'il avait quatre fils Giovanni, Antonio, Simone et Sandro, treize ans, et ajoutait que Sandro «apprend à lire, c'est un garçon maladif». Les quatre frères de Filipepi apportaient à la famille des revenus et un statut social importants. Les Filipepi possédaient des maisons, des terres, des vignobles et des magasins.
L’origine du surnom de Sandro, « Botticelli », reste encore incertaine.
Peut-être que le drôle de surnom de rue « Botticella », qui signifie « Tonneau », a été hérité par le maestro élancé et adroit Sandro du gros homme Giovanni, le frère aîné de Sandro, qui s'est occupé de lui paternellement, qui est devenu courtier et a servi d'intermédiaire financier pour le gouvernement.
Apparemment, Giovanni, voulant aider son père vieillissant, a passé beaucoup de temps à élever son plus jeune enfant. Mais peut-être que le surnom est né en accord avec le métier de joaillier du deuxième frère, Antonio. Cependant, quelle que soit la façon dont nous interprétons le document ci-dessus, l'art de la joaillerie a joué un rôle important dans le développement du jeune Botticelli, car c'est dans cette direction que le même frère Antonio l'a dirigé. Le père d’Alessandro, fatigué de son « esprit extravagant », doué et capable d’apprendre, mais agité et n’ayant toujours pas trouvé les vraies vocations ; Mariano souhaitait peut-être que son plus jeune fils suive les traces d'Antonio, qui travaillait comme orfèvre depuis au moins 1457, ce qui aurait marqué le début d'une petite mais fiable entreprise familiale.
Selon Vasari, à cette époque, il existait un lien si étroit entre les bijoutiers et les peintres qu'entrer dans l'atelier de l'un signifiait accéder directement au métier des autres, tandis que Sandro, qui était assez doué en dessin, un art nécessaire pour dessiner avec précision et confiance, « noircissement », s'intéresse vite à la peinture et décide de s'y consacrer, sans oublier les leçons les plus précieuses de l'art de la joaillerie, en particulier la clarté dans le dessin des lignes de contour et l'utilisation habile de l'or, qui sera ensuite souvent utilisé par l'artiste comme un en mélange aux peintures ou sous sa forme pure pour le fond.
Un cratère sur Mercure porte le nom de Botticelli.
Bibliographie
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- Dolgopolov I.V. Maîtres et chefs-d'œuvre. - M. : art, 1986. - T.I.
- Benoit A. Histoire de la peinture de tous les temps et de tous les peuples. - M. : Neva, 2004. - T. 2.
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Sandro Botticelli, dont les œuvres représentent un patrimoine inestimable qui incarne les reflets des temps passés, est un peintre marquant de la Renaissance, une figure brillante parmi les peintres de la période de Laurent le Magnifique.
Biographie de l'artiste italien
Le vrai nom de Botticelli est Alessandro di Mariano Filipepi. Le surnom de Botticelli a été hérité de son frère aîné et signifie « baril ».
Le florentin Sandro Botticelli, dont les œuvres sont admirées dans le monde entier, est né en 1445 dans la famille d'un tanneur de cuir et était le plus jeune fils. Le père Mariano Filipepi et sa femme Zmeralda louaient un appartement ; leur propre atelier leur procurait un revenu très modeste, alors le tanneur rêvait de réussir à installer ses fils et à abandonner son métier. En 1458, Sandro travaille comme apprenti dans un atelier de bijouterie appartenant à son frère. Maîtrisant cet art délicat, qui demande confiance et précision dans le dessin, il s'intéresse rapidement à la peinture et devient deux ans plus tard l'apprenti du peintre florentin Fra Filippo Lippi, avec qui il étudie jusqu'à l'âge de 22 ans.
Les premières leçons de Botticelli
De précieuses leçons de joaillerie ont été utiles à l'artiste à l'avenir : les œuvres célèbres de Sandro Botticelli se caractérisent par des lignes de contour claires et l'utilisation professionnelle de l'or, utilisé sous sa forme pure pour représenter l'arrière-plan ou comme mélange de peintures. Le temps passé dans l’atelier du mentor a été productif et amusant pour le jeune homme. L'élève est devenu un disciple de son professeur et l'a imité en tout. Ce dernier, en retour d'un tel dévouement sincère et d'un désir d'absorber autant que possible les connaissances qu'il a reçues, a essayé de donner à Botticelli tout ce qui était en son pouvoir. Le style du premier professeur a eu une énorme influence sur le style de peinture de Botticelli, notamment sur les détails ornementaux, la couleur et le type de visages.
Ensuite, Sandro, assoiffé de nouvelles connaissances, est devenu visiteur de l'atelier d'Andrea Verrocchio, sculpteur et peintre italien, une personne polyvalente qui dirigeait une équipe d'artistes en herbe talentueux. L'atmosphère de recherche créatrice qui régnait parmi les gens d'art s'exprime clairement dans les premières œuvres du maître florentin : « La Vierge à l'Enfant et deux anges » et « La Vierge au Rosaire ». C'est en eux que l'expérience acquise par Botticelli auprès de ses professeurs est clairement visible. En 1467, le Florentin décide d'ouvrir son propre atelier.
Œuvres majeures de Sandro Botticelli : « Allégorie de la Force »
L'artiste réalise sa première commande en 1470 pour la salle du Tribunal de Commerce, une institution municipale qui jugeait les affaires de délits économiques. C'était une peinture de l'Allégorie du Pouvoir, représentant un personnage assis sur un trône profond. Représentant l’incarnation de la conviction et de la force morale, la « Force » de Botticelli exprime l’instabilité et la fragilité intérieure par sa pose.
L'année 1472 pour Sandro est marquée par son inscription à l'association des artistes - la Guilde de Saint-Luc, qui donne au peintre la possibilité d'entretenir légalement un atelier, en s'entourant d'assistants. L'un des élèves de Botticelli était le fils d'un ancien professeur, Filippino Lippi.
Renommée du peintre florentin
En 1475, Sandro Botticelli, dont les œuvres étaient pour la plupart écrites sur des thèmes bibliques et mythologiques, était devenu un maître largement connu et recherché. L'artiste peint des tableaux pour des églises, crée des fresques, remplaçant progressivement la grâce et la linéarité plate adoptées par Filippo par une nouvelle compréhension des volumes et une interprétation plus puissante des figures. Contrairement à son premier professeur, dont les œuvres se caractérisent par une palette pâle, le peintre enrichit ses toiles de couleurs vives, qui deviennent progressivement de plus en plus saturées. De plus, Sandro Botticelli, dont les peintures incarnent l'esprit de la Renaissance, a commencé à utiliser des ombres ocres pour transmettre la couleur chair - une technique qui est devenue une caractéristique de son style de peinture.
Œuvres célèbres de Sandro Botticelli
Les photos des peintures de l'artiste italien traduisent l'énorme talent du Florentin, qui a laissé une marque brillante sur patrimoine créatif de votre pays. De nombreuses œuvres de Sandro Botticelli remontent aux années 1470, même si toutes ne sont pas précisément datées. L’époque de rédaction de la plupart d’entre eux a été déterminée par une analyse stylistique.
Cette période comprend des peintures telles que « L'Adoration des Mages » (1475), « St. Sébastien" (1473), "Portrait d'une dame florentine" (1470) et "Portrait d'un jeune homme" (1470). Vers 1476, un portrait du frère de Laurent le Magnifique, Giuliano de Médicis, tué lors de la conspiration de 1478, fut peint. Botticelli était en contact étroit avec la famille Médicis, dirigeants incontestés de Florence. C'est pour Giuliano que l'artiste peint l'étendard du tournoi de 1475.
L'individualité du style de Botticelli
Dans les œuvres de la période des années 1470, on peut retracer la croissance progressive de la compétence artistique de l'auteur florentin : les styles empruntés à d'autres artistes et les fluctuations stylistiques ont disparu dans ses toiles. Botticelli a développé son propre style d'écriture : les personnages de ses peintures se caractérisent par une structure forte, les contours sont caractérisés par l'énergie, l'élégance et la clarté, et les images dramatiques sont obtenues par une combinaison d'une forte humeur intérieure et d'une action active.
Ces éléments sont présents dans la fresque « Saint Augustin » (1480). L'artiste était fort dans la peinture de natures mortes. Les objets présents dans ses peintures sont représentés avec précision et clarté, exprimant la capacité de l’auteur à capturer correctement l’essence de la forme. En même temps, ils ne sont pas mis en avant, concentrant l’attention du spectateur sur les personnages clés. Sandro Botticelli, dont les peintures sont présentées dans les galeries les plus célèbres du monde, a utilisé des églises gothiques et des murs de châteaux comme arrière-plan, obtenant ainsi un effet romantique et pittoresque.
Fresques pour la Chapelle Sixtine
Sandro Botticelli, dont les œuvres ravissent le public, recevait principalement ses commandes à Florence. L'un des tableaux les plus célèbres est « Saint Sébastien », peint pour la plus ancienne église de la ville de Santa Maria Maggiore. La toile, solennellement posée sur l'une des colonnes de l'église en janvier 1474, s'est solidement implantée dans le panorama artistique de Florence. En 1481, Sandro Botticelli, avec Domenico Ghirlandaio et Cosimo Rosselli, reçurent une invitation du pape Sixte IV à Rome pour peindre des fresques sur les murs latéraux de la chapelle Sixtine nouvellement érigée.
Dans les ouvrages achevés « La guérison du lépreux et la tentation du Christ », « Le châtiment de Coré » et « Scènes de la vie de Moïse », l'auteur a magistralement résolu le problème de l'interprétation d'un programme théologique complexe : utiliser pleinement effets de composition, il l'interprète avec des scènes dramatiques vives, claires et légères.
Tendances mythologiques dans les peintures de Botticelli
De retour à Florence en 1482, Sandro enterra son père. Après une courte pause, j'ai repris la peinture. Cette époque marque l’apogée de la renommée de Botticelli : les clients affluent dans son atelier, certaines commandes sont donc exécutées par les étudiants du maître, tandis que lui-même prend en charge des commandes complexes et prestigieuses.
A cette époque, le monde voit les œuvres célèbres de Sandro Botticelli : « Pallas et le Centaure », « Printemps », « Vénus et Mars », « Naissance de Vénus », qui comptent parmi les œuvres les plus précieuses de la Renaissance et sont vraies. chefs-d'œuvre Art d'Europe occidentale. Les sujets de ces peintures, dans lesquels se font clairement sentir l'influence de l'art ancien et l'excellente connaissance de la sculpture classique, sont inspirés de la mythologie.
"Naissance de Vénus"
« La Naissance de Vénus » symbolise le mythe de l'union de la matière et de l'esprit vivifiant qui lui insuffle la vie. L'amélioration de la race humaine est incarnée dans la figure d'Ora, tendant le manteau de modestie à la déesse - un moment historique qui est capturé très clairement et avec émotion. Maître italien Sandro Botticelli.
Peintures, dont la liste est assez longue, sur étapes ultérieures a commencé à se caractériser par des signes d'un certain maniérisme, pour ainsi dire, du narcissisme de sa propre compétence. Pour augmenter l'expressivité psychologique, il viole les proportions des personnages. On sait que Botticelli commandait souvent des croquis pour des gravures et des textiles, mais seule une petite partie de ces dessins a survécu à ce jour.
Tableaux célèbres de l'Italien
La toile « Les Noces de la Mère de Dieu » (1490) est empreinte d'anxiété passionnante, d'inquiétude émotionnelle et d'espoirs brillants. Les anges représentés dans le tableau expriment l'anxiété, dans le geste de Saint-Pierre. Jérôme respire la confiance et la dignité. Dans l'œuvre, on sent un certain écart par rapport à la perfection des proportions, une augmentation de la tension, une augmentation de la netteté de la couleur - un certain changement dans le style inhérent à Sandro Botticelli.
Les œuvres et les photographies des peintures expriment un désir de drame profond, clairement visible dans le tableau « Abandonné », dont l'intrigue est tirée de la Bible : Tamar, chassée par Ammon. La personnification artistique de ce fait historique porte une signification universelle : compréhension de la faiblesse d’une femme, sympathie pour la solitude et le désespoir qu’elle retient, barrière vierge en forme de mur épais et porte verrouillée.
Les dernières années de la vie de l'artiste italien
En 1493, Botticelli enterra son frère bien-aimé Giovanni, tandis que Florence disait au revoir à Laurent le Magnifique. Dans la ville, ancien berceau de la pensée humaniste, les discours révolutionnaires de Savonaroda ont été entendus. est arrivé dans la vie de Sandro Botticelli. Les peintures, dont la description est caractérisée par une profonde tristesse et une mélancolie, expriment un déclin complet de l’humeur de l’auteur. Les sermons de Savonaroda sur la fin prochaine du monde ont conduit au fait qu'en février 1497, les gens ont allumé un immense feu de joie sur la place centrale, dans lequel ils ont brûlé des œuvres d'art de valeur. Certains artistes ont également succombé à la psychose de masse, parmi lesquels Botticelli. Il a brûlé plusieurs de ses croquis dans les flammes, bien qu'il n'existe aucune preuve exacte de cet acte. Bientôt, Savonarole fut accusé d'hérésie et exécuté publiquement.
Vers la fin de sa vie, Botticelli était très seul, devint fragile et très malade. Selon les contemporains, l'artiste ne pouvait se déplacer qu'à l'aide de béquilles. Son ancienne gloire est restée dans le passé, les commandes n'arrivent plus : les temps ont changé, elle a été remplacée nouvelle ère art. L'artiste n'a jamais été marié et n'a pas eu d'enfants. Sandro Botticelli mourut complètement seul en 1510.
Cela arrive souvent dans la vie d'un amateur : vous venez de découvrir l'Amérique, vous commencez juste à vous réjouir et à être fier, et puis paf, il s'avère qu'elle a été découverte bien avant vous ! Eh bien, commençons par le commencement.
Chaque ville a un lieu incontournable. A Paris, c'est bien sûr le Louvre, à Rome - le Colisée, à Saint-Pétersbourg - l'Ermitage et à Florence - la Galerie des Offices.
Bien sûr, il y a beaucoup à voir à Florence en plus de la galerie, David à lui seul en vaut la peine !
Comme vous l'avez deviné, ce n'est pas le vrai David, mais le vrai ici.
Le fait que la Galerie des Offices soit un point obligatoire sur tout itinéraire touristique à Florence crée certaines difficultés pour y accéder. Notre recommandation : réservez vos billets à l'avance en ligne icihttp://www.florence-museum.com/booking-tickets.php . Les réservations imprimées doivent être échangées contre des billets au bureau de la galerie en face de l'entrée principale. Eh bien, vous devez alors faire la queue dans une petite file de touristes avancés, tout comme vous (par rapport à l'immense file d'attente voisine de touristes non avancés).
Enfin, vous êtes à l'intérieur. Toutes les personnes normales ne peuvent pas essayer de parcourir toute la galerie en même temps, vous devez donc d'abord regarder le meilleur ! Pour nous, les peintures du grand peintre de l’époque florentine sont devenues « les meilleures »RenaissanceSandro Botticelli.
Son vrai nom est Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi. Botticelli, ou traduit grossièrement « de la famille des tonneaux », est plutôt un surnom que le mince Sandro « a hérité » de son frère aîné - un gros homme et véritablement un vrai « tonneau » (une logique florentine si particulière).
La Galerie des Offices dispose de plusieurs salles dédiées à ses œuvres. "La Naissance de Vénus", "Le Printemps", les portraits de Dante et de Giuliano Médicis - ces œuvres de Botticelli sont connues presque depuis l'école.
Mais les reproductions dans un manuel sont une chose, mais voici les originaux, les voici, à bout de bras. Une expérience inoubliable! En regardant les photos, j'arrive à une conclusion complètement inattendue : tous les « principaux rôles féminins« La plupart des tableaux de Botticelli présentés à la Galerie des Offices sont donnés à la même « actrice » ! Il semblerait que la plupart de ses tableaux représentent en réalité la même femme ! La femme qui se tient à côté de lui arrive à la même conclusion. C'est impossible ? Jugez par vous-même
Comme nous l’avons découvert plus tard, le secret de l’étranger dans les peintures de Botticelli a été découvert au XVIe siècle par le peintre italien Giorgio Vasari.
Vasari vécut à Florence près de trente ans après la mort de Botticelli. En tant qu'artiste, Vasari n'a pas réussi, même s'il a été à un moment donné l'élève de Michel-Ange lui-même. Mais il est en réalité devenu le fondateur de la critique d'art moderne, en écrivant l'œuvre principale de sa vie - la collection 178.biographies d'artistes italiens de la Renaissance " Vies des peintres, sculpteurs et architectes les plus célèbres». C'est dans cet ouvrage, publié en 1568, que Giorgio Vasari avance une hypothèse sur le nom de la femme que Sandro Botticelli glorifiait dans presque toutes ses œuvres. Selon Vasari, cette femme est Simonetta Vespucci, la première beauté de Florence dans la seconde moitié du XVe siècle.
Les contemporains considéraient sa beauté comme un don divin, l'incarnation d'un plan parfait, et pour sa beauté, la jeune fille reçut le surnom d'Incomparable et Belle Simonetta.
En avril 1469Simonetta, 16 ans, a épousé son pair Marco Vespucci, un parent éloigné du futur célèbre navigateur florentinAmerigo Vespucci Et,après quoi le nouveau continent découvert par Colomb sera nommé (un autre exemple d'une logique particulière). Je n'ai pas trouvé de portrait de Marco Vespucci, mais Amerigo est là
Bien sûr, Simonetta Vespucci était inaccessible à Botticelli :
- Mais qu'est-ce qu'elle se soucie de moi, elle était à Paris,
- Marcel Marceau lui-même lui a dit quelque chose !
Après tout, c'est un peintre simple, quoique à la mode, mais elle est l'épouse d'un des banquiers de la famille Médicis régnant à Florence, celle dont la faveur était recherchée par tous les hommes nobles florentins, y compris le souverain de la ville, Laurent le Magnifique (voici son buste de la collection de la Galerie des Offices)
ainsi que son jeune frère Giuliano (voici son portrait par Botticelli) :
Avec tout cela, Sandro, s'il le voulait, pouvait admirer Simonetta Vespucci tous les jours - leur maison était adjacente au palais Vespucci. Simonetta était-elle au courant de l’existence de Sandro ? Si elle le savait, alors probablement elle n’attachait guère d’importance à cette connaissance. Mais pour Botticelli, elle était la femme idéale. Ceci est confirmé par le fait que "La Naissance de Vénus", "Le Printemps", "Vénus et Mars", ainsi que "Portrait d'une jeune femme" ont été écrits par l'artiste après la mort de Simonetta, décédée subitement. le 26 avril 1476, à l'âge de 23 ans, au plus fort de l'épidémie de tuberculose qui éclata à Florence. Ainsi, Botticelli revient encore et encore à l'image de Simonetta, même 9 ans après sa mort. Mais est-ce que cela correspond à son image ? Après tout, les photographies de la vie de Simonetta raisons connues sont portés disparus et aucun portrait clairement attribué n'a survécu. Très probablement, Sandro dessinait un certain, selon les mots du poète Mikhaïl Kouzmine, « pour les siècles éternels, un symbole de jeunesse éphémère », incarné pour lui dans Simonetta.
Sandro Botticelli ne s'est jamais marié, a vécu longtemps, est décédé à l'âge de 65 ans et, conformément à son testament, a été enterré à Florence dans l'église de Tous les Saints (Chiesa di Ognissanti), dans laquelle Simonetta Vespucci avait été enterrée auparavant. Nous avons trouvé cette église, juste avant sa fermeture.
Un moine franciscain noir (!) nous a fait faire une mini visite de l'église.
C'est une telle histoire d'amour.
Mais enfin, je voudrais vous dire encore une chose qui n'est pas moins romantique, mais aussi récit édifiant sur l'amour.
Dans le tableau de Botticelli « La Naissance de Vénus », dans le coin supérieur gauche, nous pouvons remarquer un couple si étrange : un jeune homme élancé avec joues gonflées et une fille qui a enveloppé son copain non seulement avec ses bras, mais aussi avec ses jambes !
Ce jeune homme est Zéphyr, le dieu du vent printanier d'ouest, sur la photo, il conduit un coquillage avec une Vénus nouveau-née jusqu'au rivage. Et la jeune fille est l'épouse légale de Zéphyr, la déesse grecque des fleurs Chloris, que les Romains appelaient Flore.
Au début, Chloris évita les avances persistantes de Zephyr et l’ignora de toutes les manières possibles. Ici, elle fuit le Zéphyr aimant dans le coin droit du tableau « Printemps » de Botticelli.
Finalement, Zephyr fut envahi par une passion si folle que, après avoir battu le record olympique de rattrapage des filles, il dépassa Chloris et s'en empara de force. Oh comment! Le résultat fut que chez la fille naquit non pas moins, mais une passion réciproque si sauvage, si sauvage et réciproque pour Zéphyr qu'elle s'accrocha à lui de tout son corps et ne se sépara plus jamais de lui, enveloppant étroitement son mari désormais de tout son corps. membres existants.
Et depuis, Zephyr a toujours été avec sa femme Chlorida-Flora. Et pendant la journée, et la nuit, et en vacances, et au travail, et lors d'un concert, et lors d'un banquet, et au football, et dans les bains publics lors d'une réunion avec des camarades de classe !
Comme on dit, nous sommes tombés sur ce pour quoi nous nous sommes battus ! Alors étudiez l'HISTOIRE !
De Florence
Dans une ville ancienne, étrangère et étrangement proche
La tranquillité d'un rêve captivait l'esprit.
Sans penser au temporaire et à la base,
Vous déambulez au hasard dans les rues étroites...
DANS galeries d'art- dans un corps lent
Toutes les mélodies des miracles se sont réveillées
Et les Madones du Botticelli d'un autre,
Vous célébrez tant de messes silencieuses avec incrédulité...
...
Sasha Tcherny
J’ai décidé de consacrer la cinquième partie de mon récit à cette partie de l’œuvre de Botticelli qui a traversé toute sa vie. chemin créatif- Ce Image de la Madone .
Beaucoup d’entre vous ne peuvent probablement citer que cinq ou six Madones Botticelli, mais il y en avait beaucoup plus. Selon des estimations prudentes J'en ai compté plus d'une quinzaine et ce n'est qu'une de ces images dont j'ai pu trouver. Les dates de création de beaucoup d’entre elles ne sont pas établies avec précision et fluctuent souvent dans les 10 ans. Dans le même temps, différentes dates de création du tableau et différents lieux du tableau sont attribués à la même image. Il est possible qu'il s'agisse de copies réalisées par l'artiste au cours de différentes années et qui se sont ensuite retrouvées dans diverses galeries, ou peut-être s'agit-il simplement d'erreurs de la part des auteurs présentant ces reproductions. L’histoire reste muette à ce sujet. N'étant ni historien ni critique d'art, je leur laisse cette question.
Je ne pourrai pas m’attarder ici sur toutes les Madones de Botticelli en raison de l’espace limité du post, mais j’essaierai si possible de m’attarder sur les images les plus marquantes. Si les lecteurs ont des questions sur le reste des tableaux, posez des questions et peut-être dans les commentaires ou dans le prochain post j'essaierai d'y répondre, bien sûr, dans les limites de mes compétences et de mes connaissances limitées dans ce domaine.
Dans la première partie de mes récits (http://www.liveinternet.ru/community/1726655/post69921657/) sur le travail de Sandro Botticelli, j'ai déjà cité 4 reproductions d'une grande série d'images de Madones. C'étaient les peintures" Vierge à l'Enfant et à l'Ange "1465, Galerie de l'Orphelinat, Galerie des Offices;" Madone sur la loggia "(Madonna della Loggia) 1467, Galerie des Offices;" Madone dans la roseraie " (Vers 1470, Isabella Stewart Gardner Museum, Boston, États-Unis) (Notez qu'il existe une image « miroir » presque identique sur Internet, mais avec le nom « Madonna del Roseto », marqué 1460, Galerie des Offices, Florence) ; et , enfin, " Vierge à l'Enfant avec deux anges " (1 468-1469, Naples, Musée de Capodimonte). Je ne m'y attarderai pas ici.
Vierge à l'Enfant avec saint Jean-Baptiste, 1468, Louvre, Paris
Madone en gloire, vers 1469-1470, Galerie des Offices, Florence
A partir de l'exemple de Philippe Lippi et Verrocchio, l'artiste donne une interprétation actualisée de l'image de la Madone. Il allonge les proportions de la silhouette et souligne la finesse des mains.
Maria porte un voile transparent sur la tête, un détail qu'il emprunte à Lippi et qu'il répétera souvent. Sa robe coule librement, contrairement au costume d'une citadine, typique des peintures de son professeur, qui portent des associations de vie.
Avec sa tête penchée comme une fleur, Notre-Dame semble touchante et fragile. presque éthérée, même si les draperies s'adaptent plastiquement à son corps.
Les chérubins formant une auréole autour de la tête de la Madone - ce motif symbolique de glorification - ne font que souligner l'humilité de l'image présentée par Botticelli.
Vierge à l'Enfant avec un ange (Madone de l'Eucharistie), 1471, Isabella Stewart Gardner Museum, Boston, États-Unis
Dans un espace clos avec une fenêtre ouverte donnant sur le paysage toscan sinueux - rivière et collines - Botticelli a présenté un groupe de personnages dans une relation de composition plus complexe que les premiers exemples de ses Madones.
Les chiffres ne sont plus aussi proches les uns des autres. Maria, la tête légèrement inclinée en signe de tristesse et de réflexion, touche l'épillet. La direction de son regard est incertaine. Le Bébé sérieux, assis sur les genoux de la Mère, leva la main dans un geste de bénédiction.
Un jeune ange au visage ovale très pointu et à la sophistication enfantine est une image inhabituelle pour les premiers Botticelli. Il tend sur un plateau des raisins et des épis du petit Christ, signe du sacrement de l'Eucharistie, des souffrances futures du Seigneur, de sa Passion.
Dans le film, on peut ressentir une atmosphère de profonde réflexion, de détachement et une sorte de désunion interne des personnages.
Un ange présente à Marie un vase rempli de raisins et d'épis. Raisins et épis de maïs - le vin et le pain sont une image symbolique de la Sainte-Cène ; selon l'artiste, ils devraient former le centre sémantique et compositionnel du tableau, réunissant les trois personnages. Léonard de Vince s'est fixé une tâche similaire. Dans le proche-temps "Benois Madonna". Dans ce document, Marie remet à l'enfant une fleur crucifère, symbole de la croix. Mais Léonard n'a besoin de cette fleur que pour créer un lien psychologique clairement tangible entre la mère et l'enfant ; il a besoin d'un objet sur lequel il puisse également concentrer l'attention des deux et donner du sens à leurs gestes. Chez Botticelli, un vase avec des raisins absorbe également complètement l'attention des personnages. Cependant, cela ne les unit pas, mais plutôt les sépare intérieurement ; En la regardant pensivement, ils s'oublient.
L'image dégage une atmosphère de contemplation et de solitude intérieure. Ceci est grandement facilité par la nature de l'éclairage, uniforme, diffus et presque sans ombres. La lumière transparente de Botticelli n'est pas propice à la proximité spirituelle, à la communication intime, tandis que Léonard crée une impression de crépuscule : elle enveloppe les héros, les laissant seuls les uns avec les autres.
Madone aux huit anges chanteurs (Madonna de Berlin), tondo, vers 1477
Malheureusement, je n'ai pas trouvé de description de cette photo, si quelqu'un l'a, merci de la poster dans les commentaires.
Vierge au livre, 1479-1485, Musée Poldi Pezzoli, Milan
Les tableaux de Botticelli sont pleins images symboliques. Le tableau « Madone avec un livre » est également appelé « Madone apprenant à lire à l’Enfant Jésus ». La capacité de lire en période d’analphabétisme général était respectée. Les livres étaient très rares, pour la plupart scientifiques ou théologiques.
Il a été établi que le livre posé devant Marie est le Livre d'Heures de Marie ; il symbolise l'autorité de l'enseignement de l'Église ;
Les cerises posées à côté du livre sont destinées à symboliser le paradis promis, dont la porte s'est ouverte aux croyants en Christ.
Les clous et la couronne d'épines dans les mains de l'Enfant symbolisent les souffrances à venir du Sauveur.
Madone Magnificat, vers 1481-1486, scène : Vierge à l'Enfant Christ et cinq anges,
tondo, Galerie des Offices, Florence
Les images de Madones peintes par Botticelli au milieu des années 1480 sont de nature plus complexe que ses images antérieures de la Vierge Marie. Cela s'applique à la fois aux types de composition finement développés et au contenu interne de l'image. Sur le visage de la Madone, il y a invariablement une ombre de tristesse, d'anxiété et d'incertitude, et la figure de l'Enfant est généralement représentée avec des symboles de la Passion, rappelant le chemin sacrificiel du Christ.
La forme ronde donne à l'artiste la possibilité de mener des expériences optiques. "Madonna Magnificat" de 1485, grâce à la courbure particulière des lignes courbes et au rythme circulaire général, donne l'impression d'un tableau peint sur une surface convexe ;
"Madonna Magnificat" - "La grandeur de la Madone" - un tondo typiquement florentin ("tondo" - une peinture ou un relief de forme ronde, italien) souligne le caractère raffiné de la peinture de Sandro Botticelli. Tondo remonte à l'apogée de l'atelier de Botticelli, lorsqu'il produisait de nombreuses copies de ses peintures, réalisées par les élèves de Botticelli à partir de ses dessins et cartons. Tout d’abord, il s’agissait d’images de Madonna, pour lesquelles il y avait une énorme demande. Parmi eux se trouve ce chef-d’œuvre.
« Madonna Magnificat » est la plus célèbre des peintures à sujet religieux de l’artiste, écrites pour des chapelles privées ; il doit son nom au premier mot de la prière de la Mère de Dieu,dont le texte est bien visible sur la planche du livre ouvert . L'Enfant Christ tient une grenade dans une main et de l'autre il conduit la main de la Madone, qui écrit le début d'un chant d'action de grâce dans un livre ouvert (Hébreux de Luc I : 46). Deux garçons, accompagnés d'un troisième plus âgé, tiennent un livre et un encrier, tandis que deux anges élèvent une couronne sur la tête de la Madone.
Cette composition habilement inscrite dans un cercle est l'une des créations les plus remarquables du maître. Les lignes exquises des mains entourant la figure du Christ enfant semblent se poursuivre avec le geste de l'un des beaux anges et, à travers les mains d'autres personnages, se refermer sur la couronne de Marie. Un tel anneau de mains est comme une sorte de tourbillon, au centre duquel est visible un paysage lointain et paisible. Comme dans la Madone à la Grenade, le Christ tient dans sa main un fruit, symbole de l'immortalité qu'il apportera à l'humanité.
Le visage de la « Madone Magnificat » est marqué par toutes les qualités qui faisaient partie de l’idéal de beauté cultivé par Botticelli. Ceux-ci incluent une peau fine et claire et une structure faciale ferme mais gracieuse. L'expression de pureté et d'innocence est complétée par une pointe de tendresse visible dans les lèvres arrondies. Les cheveux épais tressés produisent une impression terrestre, rappelant l'apparence d'une paysanne, mais des vêtements à la mode - un foulard et un couvre-lit transparent - semblent transformer la vraie femme prise comme modèle par Botticelli en l'image idéale de la Madone.
Marie et l'Enfant Christ, fragment du retable de Bardi, 1484-85, Berlin, Galerie d'art
Les sermons de Savonarole ont eu une forte influence sur de nombreux artistes religieux et talentueux, et Botticelli n'a pas pu résister.
La joie et le culte de la beauté disparurent à jamais de son œuvre. Si les Madones précédentes apparaissaient dans la majesté solennelle de la Reine du Ciel, c'est désormais une femme pâle aux yeux pleins de larmes, qui a vécu et vécu beaucoup de choses.
Les traits du visage et les mains de Madonna deviennent de plus en plus allongés, fragiles, surnaturels. La figure entière de la Mère de Dieu, les plis verticaux des vêtements, les rayures bleues de la cape et les mèches de cheveux lâches soulignent la direction vers le haut. Le visage du bébé est plein d'une tristesse enfantine.
La flore environnante, le belvédère en osier, l'intérieur environnant - tout est dessiné avec une décoration surnaturelle.
Sur les côtés droit et gauche de l'autel sont représentés Jean-Baptiste et Jean l'Évangéliste. Leurs visages sont sévères, tristes, ridés à cause des épreuves et des épreuves qu'ils ont endurées. Ils ne sont pas visibles dans le fragment donné, si quelqu'un est intéressé par une version étendue de la reproduction, alors écrivez dans les commentaires et je pourrai la montrer.
Vierge à la grenade, 1487, tondo, Galerie des Offices, Florence
(Madone avec l'Enfant Jésus et six anges).
L'artiste a reçu une commande publique de représentants du fisc pour la salle d'audience du Palazzo Signoria.
Comme la Madone Magnificat, le tableau est un tondo florentin, forme ronde donne à l'artiste la possibilité de mener des expériences optiques. Mais dans Madone à la Grenade, la technique inverse est utilisée, créant l'effet d'une surface concave.
Si les premières Madones de Botticelli rayonnent d'une douceur éclairée, générée par l'harmonie des sentiments, alors dans les images des Madones ultérieures, créées sous l'influence des sermons ascétiques de Savonarole, l'artiste triste et déçu s'éloigne du désir de trouver l'incarnation de la beauté éternelle.
Le visage de la Madone dans ses peintures devient exsangue et pâle, ses yeux pleins de larmes. Ces visages peuvent encore être comparés aux images médiévales de la Mère de Dieu, mais ils n'ont pas la grandeur solennelle de la Reine du Ciel. Ce sont des femmes des temps modernes qui ont vécu et vécu beaucoup de choses.
Retable de l'église Saint-Barnabé de Florence, 1488
Madone sur le trône quatre anges et saints - de gauche à droite : Catherine d'Alexandrie, Augustin, Barnabas,
à droite : Jean-Baptiste, Ignace et l'archange Michel.
La profondeur passionnée de l’émotion a marqué les œuvres de Sandro Botticelli. Les peintures de Botticelli de la fin des années 1480, alors qu'une atmosphère de fermentation religieuse se formait dans la ville, indiquent que l'artiste était submergé d'excitation, il éprouvait un choc, qui conduirait plus tard à la discorde dans son âme. Durant cette période, Botticelli achève l'autel de l'église florentine de San Barnaba. Parmi les grandes compositions religieuses, le chef-d'œuvre incontestable est " Autel de St. Barnabas".
La force de l’exécution rend certaines images de cette composition vraiment magnifiques. Telle est Sainte Catherine, une image pleine de passion cachée et donc bien plus vivante que l'image de Vénus ; Saint Barnabé est un ange au visage de martyr.
Jean-Baptiste dans le retable de Botticelli est l'une des images les plus profondes et les plus humaines de l'art de tous les temps.
Retable de Saint Marc
(Couronnement de Marie avec les anges, l'évangéliste Jean
(Couronnement de Marie avec les anges, l'évangéliste Jean
et saints Augustin, Jérôme et Eligius), 1488-90, Galerie des Offices, Florence
Un des plus travail brillant Botticelli est " Retable de Saint Marc" ("Couronnement de Marie avec les anges, l'évangéliste Jean et les saints Augustin, Jérôme et Eligius"), écrit vers 1488-1490 pour la chapelle des orfèvres de l'église Saint-Marc. La chapelle était dédiée à leur patron saint Eligius. La partie centrale de l'autel est marquée par des éléments archaïques : les figures d'anges et de saints diffèrent fortement par leur échelle ; une niche fantastique dans laquelle est enfermée la scène du couronnement contraste avec le traitement plus réaliste de l'environnement spatial des quatre personnages principaux.
En même temps, dans les peintures de la prédelle, il y a beaucoup de vivacité dans la représentation de Jean parmi les tas de blocs de pierre sur l'île de Patmos ou de Saint Augustin dans sa cellule presque déserte, dans l'Annonciation laconique et intense, dans la scène du repentir de saint Jérôme dans une grotte rocheuse, et enfin, dans la figure énergique de saint Eligius, forgeant miraculeusement nouvelle jambe cheval, et sous l'angle inhabituel d'un cavalier démonté dans un manteau fluide. Le cheval blanc de cet épisode est un motif léonardien qui, comme tout emprunt de Botticelli à d'autres artistes, prend le caractère d'une interprétation profondément personnelle. Le tableau contient cette expression intense qui fait plier les formes, prendre des virages serrés et se déformer.
Fin des années 1480 images religieuses Les scènes de chambre intimes sont remplacées dans l'œuvre de Botticelli par des compositions à grande échelle, comme si elles s'adressaient à un public plus large. Dans la solution des thèmes, différentes intonations sonnent désormais de plus en plus, elles sont remplies d'un son dramatique aigu. Le format même des œuvres de Sandro de cette période sur des motifs religieux est élargi, ce qui leur donne une nouvelle signification. Un exemple typique de ce type de composition est retable de Saint Marc.
Si en 1484-1489 Botticelli semble satisfait de lui-même et traverse sereinement une période de gloire et de maîtrise, alors « Le Couronnement » témoigne déjà de la confusion des sentiments, de nouvelles angoisses et espoirs.
Il y a beaucoup d'émotion dans la représentation des anges, le geste de serment de saint Paul. Jérôme respire la confiance et la dignité. En même temps, il y a un certain écart par rapport à la « perfection des proportions » (c'est peut-être pour cela que cette œuvre n'a pas eu grand succès). La tension augmente, mais elle concerne exclusivement monde intérieur personnages et donc non dénués de grandeur, la netteté des couleurs s'intensifie, devenant de plus en plus indépendante du clair-obscur.
Malgré la grande popularité dont jouit l'œuvre immédiatement après son achèvement, un sort difficile l'attendait et de nombreuses années d'errance. De l'autel de la chapelle de l'église, il est passé à la salle capitulaire du monastère de Saint-Marc, de là à la galerie de l'Académie de Florence et puis, en 1919, aux Offices. Ce n'est qu'après l'achèvement de sa longue restauration, réalisée dans le laboratoire de l'Opificio delle Pietre Dure en 1989, que les mouvements topographiques du tableau peuvent être considérés comme achevés. Quant à la restauration, elle n'a éliminé que partiellement les dégâts causés à la magnifique œuvre par les nombreux déplacements d'une pièce à l'autre. À cause d'eux, le cadre original de l'autel a été irrémédiablement perdu, qui a été remplacé par un cadre sculpté provenant de l'église Battilani, aujourd'hui disparue. Le tableau a nécessité une restauration à partir de 1830 (quand il était à l'Académie et restauré par Acciai) jusqu'en 1921, lorsque Fabrizio Lucarini reprit le travail, réécrivant complètement la robe verte de l'ange de gauche. Mais malgré ces travaux, l'écaillage et la perte de la couche picturale se sont poursuivis, ce qui a conduit à la restauration finale, la plus complète, qui semble avoir stoppé le processus de destruction du tableau.
Le pouvoir d'influence de ce tableau tient en grande partie à l'interprétation de la vision céleste, saturée de motifs religieux et symboliques aux connotations apocalyptiques. Ils s'inspirent des sermons de Savonarole à Florence, qui conduisent bientôt à un bouleversement politique qui se termine par l'expulsion des Médicis en 1494. Jean, l'auteur de l'Évangile, des Épîtres et de l'Apocalypse, représenté avec un livre ouvert relevé vers le haut (avec des pages blanches, car il attend toujours les paroles de l'Apocalypse), apparaît dans la composition comme une figure médiatrice entre les contemplatifs de la vision. (Augustin, Jérôme, Eligius) et la rotation fantastique des anges autour de l'arc-en-ciel, un arc d'angelots et de séraphins bordant la scène du Couronnement de Marie. L'apparition des anges sur fond de rayons dorés, dans un éclat éblouissant, au milieu d'une pluie de roses, et le paysage terrestre avec ses rochers et sa prairie déserte sur laquelle se tiennent les saints, semblent souligner le contraste entre la réalité céleste fantasmagorique et attrayante et les difficultés du monde matériel.
L’excellente restauration nous permet d’apprécier l’importance du retable de Saint-Marc dans l’œuvre de Botticelli, qui marque le passage de solutions picturales plus réalistes et rationnelles caractéristiques de la peinture du Quattrocento à derniers travaux artiste.
Madone sous le dais, vers 1493, Pinacothèque Ambrosienne, Milan
Le tableau a été peint pour Guido di Lorenzo, abbé de Santa Maria degli Angeli et ami de Laurent le Magnifique.
Dans les années 90, dans les œuvres du maître, le symbolisme acquiert un caractère nettement mystique, avec des thèmes moraux et éthiques qui prennent le dessus. Contrairement à plus premières peintures, durant cette période, Botticelli mettait l'accent sur la transmission des sentiments intérieurs des personnages plutôt que sur la pompe extérieure.
