Le jazz est une direction musicale apparue à la fin du XIXe et au début du XXe siècle aux États-Unis. Les traits caractéristiques du jazz sont l'improvisation, la polyrythmie basée sur des rythmes syncopés et un ensemble unique de techniques pour exécuter une texture rythmique - le swing.
Le jazz est un type de musique issu du blues et des spirituals des Afro-Américains, ainsi que des rythmes folkloriques africains, enrichis d'éléments d'harmonie et de mélodie européennes. Les caractéristiques déterminantes du jazz sont :
-rythme vif et souple, basé sur le principe de syncope ;
-utilisation généralisée d'instruments à percussion ;
-capacité d'improvisation très développée;
- une manière d'interprétation expressive, caractérisée par une grande expression, une dynamique et une tension sonore, allant jusqu'à l'extase.
Origine du nom jazz
L'origine du nom n'est pas tout à fait claire. Son orthographe moderne – jazz – a été établie dans les années 1920. Avant cela, d'autres options étaient connues : chas, jasm, gism, jas, jass, jaz. Il existe de nombreuses versions de l’origine du mot « jazz », dont les suivantes :
- du français jaser (pour discuter, parler vite) ;
- de l'anglais Chase (chase, poursuite) ;
- du jaiza africain (le nom d'un certain type de son de tambour) ;
- de l'arabe jazib (séducteur) ; des noms de musiciens de jazz légendaires - chas (de Charles), jas (de Jasper) ;
- de l'onomatopée jass, imitant le son des cymbales africaines en cuivre, etc.
Il y a des raisons de croire que le mot « jazz » a été utilisé dès le milieu du XIXe siècle pour désigner un cri extatique et encourageant parmi les Noirs. Selon certaines sources, dans les années 1880, il était utilisé par les créoles de la Nouvelle-Orléans, qui l'utilisaient pour signifier « accélérer », « faire plus vite », en référence à une musique rapide et syncopée.
Selon M. Stearns, dans les années 1910, ce mot était utilisé à Chicago et n'avait « pas une signification tout à fait décente ». Le mot jazz est apparu pour la première fois sous forme imprimée en 1913 (dans l'un des journaux de San Francisco). En 1915, il est devenu une partie du nom de l'orchestre de jazz de T. Brown - TORN BROWN'S DIXIELAND JASS BAND, qui s'est produit à Chicago, et en 1917, il est apparu sur un disque de gramophone enregistré par le célèbre orchestre de la Nouvelle-Orléans ORIGINAL DIXIELAND JAZZ (JASS) BAND .
Styles de jazz
Jazz archaïque (premier jazz, premier jazz, jazz archaischer allemand)
Le jazz archaïque est un ensemble des types de jazz traditionnels les plus anciens, créés par de petits ensembles en cours d'improvisation collective sur les thèmes du blues, du ragtime, ainsi que des chants et des danses européens.
Blues (blues, de l'anglais blue devils)
Le blues est un type de chanson folk noire dont la mélodie est basée sur un motif clair de 12 mesures.
Le blues chante l'amour trompé, le besoin, et le blues se caractérise par une attitude d'apitoiement sur soi. En même temps, les paroles du blues sont empreintes de stoïcisme, de douce moquerie et d'humour.
Dans la musique jazz, le blues s'est développé comme une pièce de danse instrumentale.
Boogie-woogie (boogie-woogie)
Le boogie-woogie est un style de piano blues caractérisé par une figure de basse répétitive qui détermine les possibilités rythmiques et mélodiques de l'improvisation.
Évangiles (de l'Évangile anglais - Évangile)
La musique gospel est constituée d'airs religieux des noirs nord-américains avec des paroles basées sur le Nouveau Testament.
Rag-time
Le ragtime est une musique pour piano basée sur le « battement » de deux lignes rythmiques non coïncidentes :
-comme une mélodie déchirée (fortement syncopée);
- un accompagnement clair, soutenu à la manière d'un pas rapide.
Âme
La soul est une musique noire associée à la tradition du blues.
La soul est un style de musique noire vocale né après la Seconde Guerre mondiale sur la base des traditions rythmique et blues et du gospel.
Soul-jazz
Le soul jazz est un type de hard bop caractérisé par une orientation vers les traditions du blues et du folklore afro-américain.
Spirituel
Spirituel - un genre spirituel archaïque de chant choral des noirs nord-américains ; des airs religieux avec des paroles basées sur l'Ancien Testament.
Cri de rue
Street Edge est un genre folk archaïque ; une sorte de chanson de travail solo urbain de colporteurs ambulants, représentée par de nombreuses variétés.
Dixieland, dixie (dixieland, dixie)
Dixieland est un style modernisé de la Nouvelle-Orléans caractérisé par l'improvisation collective.
Dixieland est un groupe de jazz composé de musiciens (blancs) qui ont adopté le style du jazz noir.
Zong (de la chanson anglaise - chanson)
Zong - dans le théâtre de B. Brecht - une ballade interprétée sous forme d'interlude ou de commentaire d'auteur (parodie) à caractère grotesque avec un thème vagabond plébéien, proche d'un rythme jazz.
Improvisation
L'improvisation - en musique - est l'art de créer ou d'interpréter spontanément de la musique.
Cadenza (cadenza italienne, du latin Cado - fin)
Cadenza est une improvisation libre de nature virtuose, interprétée dans un concert instrumental pour soliste et orchestre. Parfois, les cadences étaient composées par des compositeurs, mais souvent elles étaient laissées à la discrétion de l'interprète.
Scat
Scat - en jazz - type d'improvisation vocale dans laquelle la voix est assimilée à un instrument.
Scat - chant instrumental - une technique de chant syllabique (sans texte), basée sur l'articulation de syllabes ou de combinaisons sonores sans rapport.
Chaud
Chaud - dans le jazz - une caractéristique d'un musicien improvisant avec un maximum d'énergie.
Style de jazz de la Nouvelle-Orléans
Le style de jazz de la Nouvelle-Orléans est une musique caractérisée par un rythme clair à deux temps ; la présence de trois lignes mélodiques indépendantes, qui sont interprétées simultanément au cornet (trompette), au trombone et à la clarinette, accompagnées d'un groupe rythmique : piano, banjo ou guitare, contrebasse ou tuba.
Dans les œuvres du jazz de la Nouvelle-Orléans, le thème musical principal est répété plusieurs fois dans diverses variations.
Son
Le son est une catégorie stylistique du jazz qui caractérise la qualité sonore individuelle d'un instrument ou d'une voix.
Le son est déterminé par la méthode de production sonore, le type d'attaque sonore, le mode d'intonation et l'interprétation du timbre ; le son est une forme individualisée de manifestation de l'idéal sonore dans le jazz.
Balançoire, balançoire classique (balançoire; balançoire classique)
Le swing est du jazz, arrangé pour des orchestres pop et de danse élargis (big bands).
Le swing se caractérise par un appel de trois groupes d'instruments à vent : saxophones, trompettes et trombones, créant l'effet de swing rythmé. Les artistes swing refusent l’improvisation collective ; les musiciens accompagnent l’improvisation du soliste avec un accompagnement pré-écrit.
Le swing atteint son apogée en 1938-1942.
Doux
Sweet est une caractéristique de la musique commerciale de divertissement et de danse de nature sentimentale, mélodieuse et lyrique, ainsi que des formes connexes de jazz commercialisé et de musique populaire « jazzée ».
Jazz symphonique
Le jazz symphonique est un style de jazz qui combine les caractéristiques de la musique symphonique avec des éléments du jazz.
Jazz moderne
Le jazz moderne est un ensemble de styles et de tendances du jazz qui ont émergé depuis la fin des années 1930, après la fin de la période du style classique et de « l’ère du swing ».
Jazz afro-cubain (allemand : afrokubanischer jazz)
Le jazz afro-cubain est un style de jazz qui s'est développé vers la fin des années 1940 à partir de la combinaison d'éléments bebop et de rythmes cubains.
Bebop, bop (bébop; bop)
Le Bebop est le premier style de jazz moderne apparu au début des années 1930.
Le Bebop est une direction du jazz noir de petits ensembles, qui se caractérise par :
-improvisation solo libre basée sur une séquence d'accords complexe ;
-utilisation du chant instrumental ;
-modernisation du vieux jazz chaud ;
-une mélodie spasmodique et instable aux syllabes brisées et au rythme fébrilement nerveux.
Combo
Combo est un petit orchestre de jazz moderne dans lequel tous les instruments sont solistes.
Cool jazz (cool jazz; cool jazz)
Le cool jazz est un style de jazz moderne apparu au début des années 50, actualisant et compliquant l'harmonie du bop ;
La polyphonie est largement utilisée dans le cool jazz.
Progressive
Le progressif est une direction de style du jazz née au début des années 1940 sur la base des traditions du swing classique et du bop, associées à la pratique des big bands et des grands orchestres symphoniques. Utilisant largement des mélodies et des rythmes latino-américains.
Jazz libre
Le free jazz est un style de jazz moderne associé à des expérimentations radicales dans le domaine de l'harmonie, de la forme, du rythme et des techniques d'improvisation.
Le free jazz se caractérise par :
-improvisation libre individuelle et en groupe;
-utilisation de la polymétrie et de la polyrythmie, de la polytonalité et de l'atonalité, de la technique sérielle et dodécaphonique, des formes libres, de la technique modale, etc.
Bob dur
Le hard bop est un style de jazz issu du bebop du début des années 1950. Le hard bop est différent :
-coloration sombre et rugueuse ;
-rythme expressif et rigide ;
-renforcer les éléments du blues en harmonie.
Jazz à la Chicago (chicago-still)
Le style de jazz de Chicago est une variante du style de jazz de la Nouvelle-Orléans, qui se caractérise par :
-une organisation compositionnelle plus stricte ;
-renforcement de l'improvisation solo (épisodes virtuoses interprétés par divers instruments).
Orchestre de variétés
Un orchestre pop est un type d'orchestre de jazz ;
ensemble instrumental interprétant de la musique de divertissement et de danse et des pièces du répertoire jazz,
accompagnant des interprètes de chansons populaires et d'autres maîtres du genre pop.
En règle générale, un orchestre pop comprend un groupe d'instruments à anches et à cuivres, un piano, une guitare, une contrebasse et une batterie.
Contexte historique du jazz
On pense que le jazz, en tant que mouvement indépendant, est apparu à la Nouvelle-Orléans entre 1900 et 1917. Une légende bien connue raconte que depuis la Nouvelle-Orléans, le jazz s'est répandu le long du Mississippi jusqu'à Memphis, Saint-Louis et enfin Chicago. La validité de cette légende a récemment été remise en question par un certain nombre d'historiens du jazz, et on pense aujourd'hui que le jazz est né de la sous-culture noire simultanément dans différents endroits d'Amérique, principalement à New York, Kansas City, Chicago et Saint-Louis. Et pourtant, la vieille légende n’est apparemment pas loin de la vérité.
Elle s'appuie d'abord sur les témoignages d'anciens musiciens ayant vécu à l'époque où le jazz atteignait les frontières des ghettos noirs. Tous confirment que les musiciens de la Nouvelle-Orléans jouaient une musique très particulière, que d’autres artistes copiaient volontiers. Le fait que la Nouvelle-Orléans soit le berceau du jazz est également confirmé par les enregistrements. Les disques de jazz enregistrés avant 1924 ont été réalisés par des musiciens de la Nouvelle-Orléans.
La période classique du jazz s’étend de 1890 à 1929 et se termine avec le début de « l’ère du swing ». Le jazz classique comprend généralement : le style Nouvelle-Orléans (représenté par les styles nègre et créole), le style Nouvelle-Orléans-Chicago (qui est apparu à Chicago après 1917 en relation avec l'installation ici de la plupart des principaux jazzmen noirs de la Nouvelle-Orléans), le Dixieland (en ses variétés de la Nouvelle-Orléans et de Chicago), un certain nombre de variétés de piano jazz (barrel house, boogie-woogie, etc.), ainsi que des styles de jazz liés à la même période apparus dans d'autres villes du sud et du Midwest de les États Unis. Le jazz classique, ainsi que certaines formes stylistiques archaïques, sont parfois appelés jazz traditionnel.
Jazz en Russie
Le premier orchestre de jazz de la Russie soviétique a été créé à Moscou en 1922 par le poète, traducteur, danseur et personnage de théâtre Valentin Parnakh et s'appelait « Le premier orchestre excentrique des groupes de jazz de Valentin Parnakh en RSFSR ». L'anniversaire du jazz russe est traditionnellement considéré comme le 1er octobre 1922, date du premier concert de ce groupe.
L'attitude des autorités soviétiques à l'égard du jazz était ambiguë. Au début, les artistes de jazz nationaux n'étaient pas interdits, mais les critiques sévères du jazz et de la culture occidentale étaient répandues. À la fin des années 40, lors de la lutte contre le cosmopolitisme, les groupes de jazz interprétant de la musique « occidentale » furent persécutés. Avec le début du dégel, les répressions contre les musiciens ont cessé, mais les critiques ont continué.
Le premier livre sur le jazz en URSS a été publié par la maison d'édition de Leningrad Academia en 1926. Il a été compilé par le musicologue Semyon Ginzburg à partir de traductions d'articles de compositeurs et de critiques musicaux occidentaux, ainsi que de ses propres documents, et s'intitulait « Jazz Band and Modern Music ». Le prochain livre sur le jazz n'a été publié en URSS qu'au début. années 1960. Il a été écrit par Valery Mysovsky et Vladimir Feyertag, intitulé « Jazz » et était essentiellement une compilation d'informations pouvant être obtenues à partir de diverses sources à l'époque. En 2001, la maison d'édition « Skifia » de Saint-Pétersbourg a publié l'encyclopédie « Jazz. XXe siècle Ouvrage de référence encyclopédique." Le livre a été préparé par le critique de jazz faisant autorité Vladimir Feyertag.
le jazz- un type d'art musical apparu à la fin du XIXe et au début du XXe siècle à la suite du mélange de la culture musicale africaine des esclaves noirs et de la culture européenne. De la première culture, ce type de musique a emprunté l'improvisation, le rythme, la répétition répétée du motif principal, et de la seconde l'harmonie, les sons en mineur et en majeur. Il convient de noter que des éléments du folklore des esclaves africains amenés en Amérique, tels que les danses rituelles, les chants de travail et d'église et le blues, se reflétaient également dans les mélodies de jazz.
Les controverses sur l'origine du jazz sont toujours d'actualité. On sait avec certitude qu'il s'est répandu dans le monde entier depuis les États-Unis et que sa direction classique est originaire de la Nouvelle-Orléans, où le 26 février 1917, l'Original Dixieland Jazz Band a enregistré le premier disque de jazz.
Au cours de la première décennie du 20e siècle, les ensembles musicaux réalisant des improvisations originales sur les thèmes du blues, du ragtime et des chansons européennes sont devenus particulièrement populaires dans les États du sud des États-Unis. On les appelait « jazz-band », d’où le mot « jazz ». Ces groupes comprenaient des musiciens jouant une variété d'instruments, notamment : trompette, clarinette, trombone, banjo, tuba, contrebasse, batterie et piano.
Le jazz présente plusieurs traits caractéristiques qui le distinguent des autres genres musicaux :
- rythme;
- balançoire;
- des instruments qui imitent la parole humaine ;
- une sorte de « dialogue » entre instruments ;
- chant spécifique, intonation rappelant une conversation.
Le jazz est devenu une partie intégrante de l’industrie musicale et s’est répandue dans le monde entier. La popularité des mélodies de jazz a conduit à la création d'un grand nombre d'ensembles qui les interprètent, ainsi qu'à l'émergence de nouvelles orientations dans ce genre de musique. Aujourd'hui, plus de 30 styles de ce type sont connus, parmi lesquels les plus populaires sont le blues, la soul, le ragtime, le swing, le jazz-rock et le jazz symphonique.
Pour ceux qui souhaitent maîtriser les bases de ce type d'art musical, la décision est d'acheter une clarinette, trompette, banjo, trombone ou tout autre instrument de jazz sera un excellent début pour maîtriser ce genre. Plus tard, le saxophone a été inclus dans les orchestres et ensembles de jazz, qui peuvent aujourd'hui même être achetés dans une boutique en ligne. En plus de ceux répertoriés, un groupe de jazz peut également comprendre des instruments de musique ethniques.
LE JAZZ. Le mot jazz, apparu au début du XXe siècle, commence à désigner un type de musique nouvelle,
la musique qui sonnait alors pour la première fois, ainsi que l'orchestre qui jouait cette musique
effectué. De quel genre de musique s’agit-il et comment est-elle apparue ?
Le jazz est né aux États-Unis parmi la population noire opprimée et privée de ses droits,
parmi les descendants d'esclaves noirs qui furent autrefois emmenés de force de leur pays d'origine.
Au début du XVIIe siècle, les premiers navires négriers transportant des animaux vivants arrivèrent en Amérique.
cargaison. Elle fut rapidement récupérée par les riches du sud des États-Unis, qui devinrent
utilisent le travail des esclaves pour les travaux pénibles dans leurs plantations. Déchiré
de leur patrie, séparés de leurs proches, épuisés par le surmenage,
les esclaves noirs trouvaient du réconfort dans la musique.
Les Noirs sont incroyablement musicaux. Leur sens du rythme est particulièrement subtil et sophistiqué.
Aux rares heures de repos, les noirs chantaient en s'accompagnant en frappant dans leurs mains,
frapper des boîtes vides, des canettes - tout ce qui était à portée de main.
Au début, c'était de la vraie musique africaine. Celui que les esclaves
ramenés de leur pays natal. Mais des années et des décennies ont passé. Dans la mémoire des générations
Les souvenirs de la musique du pays de nos ancêtres ont été effacés. Tout ce qui restait était spontané
soif de musique, soif de mouvement sur musique, sens du rythme, tempérament. Sur
l'oreille percevait ce qui résonnait autour : la musique des blancs. Et ils ont chanté
des hymnes religieux principalement chrétiens. Et les noirs aussi se mirent à les chanter. Mais
chante à ta manière, en investissant en eux toute ta douleur, tout ton espoir passionné de
une vie meilleure, au moins au-delà de la tombe. C'est ainsi que sont nés les chants spirituels nègres
spirituels.
Et à la fin du XIXe siècle d'autres chants apparaissent - chants de plainte, chants
manifestation. On a commencé à les appeler les blues. Les blues parlent de besoin, de difficultés
travail, sur des espoirs déçus. Les chanteurs de blues sont généralement accompagnés
vous-même sur un instrument fait maison. Par exemple, ils ont adapté
manche et cordes pour une vieille boite. Ce n'est que plus tard qu'ils ont pu acheter pour eux-mêmes
de vraies guitares.
Les Noirs aimaient jouer dans des orchestres, mais même ici, les instruments devaient être
inventez-vous. Le travail impliquait des peignes enveloppés dans du papier de soie, des veines,
tendu sur un bâton avec une citrouille séchée attachée à la place d'un corps,
planches à laver.
Après la fin de la guerre civile de 1861-1865, les États-Unis sont dissous.
fanfares des unités militaires. Les instruments qui en restèrent finirent dans
des brocantes où ils étaient vendus pour presque rien. De là les noirs enfin
ont pu se procurer de vrais instruments de musique. a commencé à apparaître partout
fanfares noires. Mineurs de charbon, maçons, charpentiers, colporteurs
pendant leur temps libre, ils se réunissaient et jouaient pour leur propre plaisir. Jouaient
pour toute occasion : vacances, mariages, pique-niques, funérailles.
Des musiciens noirs jouaient des marches et des danses. Ils jouaient en imitant la manière
performances de spirituals et de blues - leur musique vocale nationale. Sur
avec leurs trompettes, clarinettes et trombones, ils reproduisaient les traits
Le chant nègre, sa liberté rythmique. Ils ne connaissaient pas les notes ; musical
les écoles blanches leur étaient fermées. Joué à l'oreille, apprenant auprès d'expérimentés
musiciens, écoutant leurs conseils, adoptant leurs techniques. Pareil pour
composé par la rumeur.
À la suite du transfert de la musique vocale et du rythme nègre vers
Dans le domaine instrumental, une nouvelle musique orchestrale est née : le jazz.
Les principales caractéristiques du jazz sont l'improvisation et la liberté du rythme,
mélodie de respiration libre. Les musiciens de jazz doivent savoir improviser
soit collectivement, soit en solo sur fond d'accompagnement répété. Quoi
concerne le rythme du jazz (il est désigné par le mot swing de l'anglais swing
Swinging), puis l'un des musiciens de jazz américains a écrit à ce sujet ainsi :
"C'est la sensation d'un rythme inspiré qui fait que les musiciens se sentent
facilité et liberté d'improvisation et donne l'impression d'un mouvement imparable
l'ensemble de l'orchestre avance à une vitesse toujours croissante, même si
en fait, le rythme reste le même. »
Depuis ses origines dans la ville sud-américaine de la Nouvelle-Orléans, le jazz
J'ai parcouru un long chemin. Il s'est propagé d'abord en Amérique, puis
mondial. Ce n'est plus l'art des noirs : très vite ils viennent au jazz
musiciens blancs. Les noms de grands maîtres du jazz sont connus de tous. C'est Louis
Armstrong, Duke Ellington, Beni Goodman, Glen Miller. C'est la chanteuse Ella
Fitzgerald et Bessie Smith.
La musique jazz a influencé la musique symphonique et lyrique. compositeur américain
George Gershwin a écrit « Rhapsody in Blue » pour piano avec
orchestre, a utilisé des éléments de jazz dans son opéra Porgy and Bess.
Il y a aussi du jazz dans notre pays. Le premier d’entre eux est apparu dans les années vingt. Ce
il y avait un orchestre de jazz théâtral dirigé par Leonid Utesov. Sur
Pendant de nombreuses années, le compositeur Dunaevsky a lié son destin créatif à lui.
Vous avez probablement aussi entendu cet orchestre : il semble joyeux, jusqu'à présent
depuis le film à succès "Jolly Fellows".
Contrairement à un orchestre symphonique, le jazz n’a pas de composition permanente. le jazz
C'est toujours un ensemble de solistes. Et même si par hasard les compositions de deux jazz
les collectifs coïncideront, après tout, ils ne peuvent pas être complètement identiques : après tout, dans
Dans un cas, le meilleur soliste sera par exemple un trompettiste, dans un autre ce sera
un autre musicien.
JAZZ : développement et distribution
Introduction
1. Histoire du développement du jazz. Principaux courants
1.1 Jazz de la Nouvelle-Orléans
1.3 Grands groupes
1.4. Grand public
1.4.2 À la manière de Kansas City
1.5 Cool (jazz cool)
1.6 Jazz progressif
1.7 Hardbop
1.8 Jazz modal
1.9 Jazz soul
1.10 Jazz libre
1.11 Créatif
1.13 Post-bop
1.14 Jazz acide
1.15 Jazz doux
1.16 Jazz Manouche
2. Diffusion du jazz
2.1 Le jazz en URSS et en Russie
2.2 Jazz latino
2.3 Le jazz dans le monde moderne
Introduction
style de musique jazz
Le jazz est une forme d'art musical née à la fin du XIXe et au début du XXe siècle aux États-Unis, à la Nouvelle-Orléans, à la suite de la synthèse des cultures africaines et européennes et qui s'est ensuite répandue. Les origines du jazz étaient le blues et d’autres musiques folkloriques afro-américaines, à l’apogée des années 1930. Les traits caractéristiques du langage musical du jazz étaient initialement l'improvisation, la polyrythmie basée sur des rythmes syncopés et un ensemble unique de techniques pour exécuter une texture rythmique - le swing. Le développement ultérieur du jazz s'est produit grâce au développement de nouveaux modèles rythmiques et harmoniques par les musiciens et compositeurs de jazz. Les genres de jazz sont : le jazz d'avant-garde, le bebop, le jazz classique, le cool, le jazz modal, le swing, le smooth jazz, le soul jazz, le free jazz, la fusion, le hard bop et bien d'autres.
1. Histoire du développement du jazz
Le jazz est né d'une combinaison de plusieurs cultures musicales et traditions nationales. Il est originaire des terres africaines. Toute musique africaine se caractérise par un rythme très complexe ; la musique est toujours accompagnée de danses, qui consistent à taper du pied et à applaudir rapidement. Sur cette base, à la fin du XIXe siècle, un autre genre musical émerge : le ragtime. Par la suite, les rythmes ragtime combinés à des éléments de blues ont donné naissance à une nouvelle direction musicale : le jazz. Les origines du jazz sont liées au blues. Il est né à la fin du XIXe siècle comme une fusion de rythmes africains et d'harmonie européenne, mais ses origines doivent être recherchées à partir du moment de l'importation d'esclaves d'Afrique sur le territoire du Nouveau Monde. Les esclaves amenés ne venaient pas de la même famille et ne se comprenaient généralement pas. Le besoin de consolidation a conduit à l'unification de nombreuses cultures et, par conséquent, à la création d'une culture unique (y compris musicale) des Afro-Américains. Les processus de mélange des cultures musicales africaine et européenne (qui ont également connu de sérieux changements dans le Nouveau Monde) se sont produits à partir du XVIIIe siècle et ont conduit au XIXe siècle à l'émergence du « proto-jazz », puis du jazz au sens généralement accepté. . Le berceau du jazz était le sud des États-Unis, et notamment la Nouvelle-Orléans. La particularité du style jazz est la performance individuelle unique d'un jazzman virtuose. La clé de la jeunesse éternelle du jazz est l’improvisation. Après l'émergence d'un brillant interprète qui a vécu toute sa vie au rythme du jazz et qui reste encore une légende - Louis Armstrong, l'art de l'interprétation jazz a vu des horizons nouveaux et insolites : l'interprétation solo vocale ou instrumentale devient le centre de l'ensemble de la performance, changer complètement l'idée du jazz. Le jazz n'est pas seulement un certain type de performance musicale, mais aussi une époque unique et joyeuse.
1.1 Jazz de la Nouvelle-Orléans
Le terme Nouvelle-Orléans fait généralement référence au style des musiciens de jazz qui ont joué du jazz à la Nouvelle-Orléans entre 1900 et 1917, ainsi qu'aux musiciens de la Nouvelle-Orléans qui ont joué et enregistré à Chicago d'environ 1917 jusqu'aux années 1920. Cette période de l’histoire du jazz est également connue sous le nom de Jazz Age. Et ce concept est également utilisé pour décrire la musique interprétée à différentes périodes historiques par les représentants du renouveau de la Nouvelle-Orléans, qui cherchaient à interpréter le jazz dans le même style que les musiciens de l'école de la Nouvelle-Orléans.
1.2 Développement du jazz aux USA dans le premier quart du XXe siècle
Après la fermeture de Storyville, le jazz issu d'un genre folk régional commence à se transformer en une tendance musicale nationale, s'étendant aux provinces du nord et du nord-est des États-Unis. Mais sa large diffusion, bien entendu, n’aurait pas pu être facilitée par la seule fermeture d’un seul quartier de divertissement. Avec la Nouvelle-Orléans, Saint-Louis, Kansas City et Memphis ont joué dès le début un rôle majeur dans le développement du jazz. Le ragtime est né à Memphis au 19e siècle, d'où il s'est ensuite répandu sur tout le continent nord-américain entre 1890 et 1903. En revanche, les spectacles de ménestrels, avec leur mosaïque hétéroclite de toutes sortes de mouvements musicaux du folklore afro-américain, des gigues au ragtime, se sont rapidement répandus partout et ont ouvert la voie à l'arrivée du jazz. De nombreuses futures célébrités du jazz ont commencé leur carrière dans des spectacles de ménestrels. Bien avant la fermeture de Storyville, les musiciens de la Nouvelle-Orléans partaient en tournée avec des troupes dites de « vaudeville ». Jelly Roll Morton tourne régulièrement en Alabama, en Floride et au Texas depuis 1904. Depuis 1914, il avait un contrat pour se produire à Chicago. En 1915, l'orchestre blanc Dixieland de Thom Browne s'installe également à Chicago. Le célèbre « Creole Band », dirigé par le cornettiste de la Nouvelle-Orléans Freddie Keppard, a également fait d'importantes tournées de vaudeville à Chicago. Après s'être séparés de l'Olympia Band, les artistes de Freddie Keppard se sont produits avec succès dès 1914 dans le meilleur théâtre de Chicago et ont reçu une offre pour faire un enregistrement sonore de leurs performances avant même l'Original Dixieland Jazz Band, qui, cependant, Freddie Keppard à courte vue rejeté. Le domaine couvert par l'influence du jazz a été considérablement élargi par les orchestres qui jouaient sur les bateaux à vapeur de plaisance naviguant sur le Mississippi. Depuis la fin du XIXe siècle, les excursions fluviales de la Nouvelle-Orléans à Saint-Paul sont devenues populaires, d'abord pour un week-end, puis pour une semaine entière. Depuis 1900, des orchestres de la Nouvelle-Orléans se produisent sur ces bateaux fluviaux et leur musique est devenue le divertissement le plus attrayant pour les passagers lors des excursions fluviales. La future épouse de Louis Armstrong, le premier pianiste de jazz Lil Hardin, a débuté dans l'un de ces orchestres « Suger Johnny ». L'orchestre fluvial d'un autre pianiste, Faiths Marable, mettait en vedette de nombreuses futures stars du jazz de la Nouvelle-Orléans. Les bateaux à vapeur circulant le long du fleuve s'arrêtaient souvent aux gares de passage, où des orchestres organisaient des concerts pour le public local. Ce sont ces concerts qui sont devenus les débuts créatifs de Bix Beiderbeck, Jess Stacy et bien d'autres. Une autre route célèbre traversait le Missouri jusqu'à Kansas City. Dans cette ville où, grâce aux fortes racines du folklore afro-américain, le blues s'est développé et a finalement pris forme, le jeu virtuose des jazzmen de la Nouvelle-Orléans a trouvé un environnement exceptionnellement fertile. Au début des années 1920, Chicago est devenue le principal centre de développement de la musique jazz, où, grâce aux efforts de nombreux musiciens rassemblés de différentes régions des États-Unis, un style a été créé qui a reçu le surnom de Chicago jazz.
1.3 Grands groupes
La forme classique et établie des big bands est connue dans le jazz depuis le début des années 1920. Cette forme est restée d'actualité jusqu'à la fin des années 40. En règle générale, les musiciens qui rejoignaient la plupart des big bands, presque à l'adolescence, jouaient des parties très spécifiques, soit mémorisées lors des répétitions, soit à partir de notes. Des orchestrations soignées associées à de grandes sections de cuivres et de bois ont fait ressortir de riches harmonies de jazz et créé un son incroyablement fort qui est devenu connu sous le nom de « son de big band ». Le big band est devenu la musique populaire de son époque, atteignant son apogée au milieu des années 1930. Cette musique est devenue la source de l’engouement pour la danse swing. Les chefs des célèbres orchestres de jazz Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnett ont composé ou arrangé et enregistré un véritable hit-parade de morceaux qui ont été entendus non seulement sur à la radio, mais aussi partout dans les dancings. De nombreux big bands ont présenté leurs solistes improvisateurs, qui ont plongé le public dans un état de quasi-hystérie lors de « batailles de groupes » très médiatisées.
Bien que la popularité des big bands ait considérablement diminué après la Seconde Guerre mondiale, les orchestres dirigés par Basie, Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, Harry James et bien d'autres ont tourné et enregistré fréquemment au cours des décennies suivantes. Leur musique se transforme progressivement sous l'influence des nouvelles tendances. Des groupes tels que des ensembles dirigés par Boyd Rayburn, Sun Ra, Oliver Nelson, Charles Mingus et Tad Jones-Mal Lewis ont exploré de nouveaux concepts en matière d'harmonie, d'instrumentation et de liberté d'improvisation. Aujourd’hui, les big bands constituent une référence dans l’enseignement du jazz. Des orchestres de répertoire tels que le Lincoln Center Jazz Orchestra, le Carnegie Hall Jazz Orchestra, le Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra et le Chicago Jazz Ensemble jouent régulièrement des arrangements originaux de compositions de big band. En 2008, le livre canonique de George Simon « Big Bands of the Swing Era » a été publié en russe, qui est essentiellement une encyclopédie presque complète de tous les big bands de l'âge d'or du début des années 20 aux années 60 du 20e siècle.
1.4 Grand public
Après la fin de la mode dominante des grands orchestres à l'ère des big bands, lorsque la musique des grands orchestres sur scène a commencé à être supplantée par de petits ensembles de jazz, la musique swing a continué à se faire entendre. De nombreux solistes de swing célèbres, après des concerts dans des salles de bal, aimaient jouer pour s'amuser lors de jams spontanés dans de petits clubs de la 52e rue à New York. Et ce n’étaient pas seulement ceux qui travaillaient comme « sidemen » dans de grands orchestres, comme Ben Webster, Coleman Hawkins, Lester Young, Roy Eldridge, Johnny Hodges, Buck Clayton et d’autres. Les dirigeants des big bands eux-mêmes - Duke Ellington, Count Basie, Benny Goodman, Jack Teagarden, Harry James, Gene Krupa, étant initialement solistes, et pas seulement chefs d'orchestre, cherchaient également des opportunités de jouer séparément de leur grand groupe, dans un petit composition. N'acceptant pas les techniques innovantes du bebop à venir, ces musiciens ont adhéré à la manière traditionnelle du swing, tout en faisant preuve d'une imagination inépuisable lors de l'exécution de parties d'improvisation. Les principales stars du swing se produisaient et enregistraient constamment en petits groupes, appelés « combos », au sein desquels il y avait beaucoup plus de place pour l'improvisation. Le style de cette direction du club jazz de la fin des années 1930 a reçu le nom de mainstream, ou mouvement principal, avec le début de la montée du bebop. Certains des meilleurs musiciens de cette époque pouvaient être entendus en pleine forme lors des jams des années 1950, lorsque l'improvisation d'accords avait déjà pris le pas sur la méthode de coloration mélodique de l'ère swing. Réapparaissant comme style libre à la fin des années 1970 et dans les années 1980, le courant dominant a absorbé des éléments du cool jazz, du bebop et du hard bop. Le terme « mainstream contemporain » ou post-bebop est utilisé aujourd'hui pour presque tous les styles qui n'ont pas de lien étroit avec les styles historiques de la musique jazz.
1.4.1 Jazz du Nord-Est. Foulée
Bien que l'histoire du jazz ait commencé à la Nouvelle-Orléans avec l'avènement du 20e siècle, la musique a réellement pris son essor au début des années 1920 lorsque le trompettiste Louis Armstrong a quitté la Nouvelle-Orléans pour créer une nouvelle musique révolutionnaire à Chicago. La migration des maîtres du jazz de la Nouvelle-Orléans vers New York, qui a commencé peu de temps après, a marqué une tendance à un mouvement constant des musiciens de jazz du Sud vers le Nord. Chicago a pris la musique de la Nouvelle-Orléans et l'a rendue chaude, en augmentant son intensité non seulement grâce aux efforts des célèbres ensembles Hot Five et Hot Seven d'Armstrong, mais aussi d'autres, y compris des maîtres tels qu'Eddie Condon et Jimmy McPartland, dont l'équipe à Austin High School a contribué à relancer les écoles de la Nouvelle-Orléans. Parmi les autres Chicagoans notables qui ont repoussé les limites du style de jazz classique de la Nouvelle-Orléans figurent le pianiste Art Hodes, le batteur Barrett Deems et le clarinettiste Benny Goodman. Armstrong et Goodman, qui ont finalement déménagé à New York, y ont créé une sorte de masse critique qui a aidé cette ville à devenir une véritable capitale mondiale du jazz. Et si Chicago est restée avant tout un centre d'enregistrement dans le premier quart du XXe siècle, New York est également devenue une scène majeure du jazz, avec des clubs mythiques comme le Minton Playhouse, le Cotton Club, le Savoy et le Village Vanguard, mais aussi des arènes telles que comme Carnegie Hall.
1.4.2 À la manière de Kansas City
À l'époque de la Grande Dépression et de la Prohibition, la scène jazz de Kansas City est devenue la Mecque des sons les plus récents de la fin des années 1920 et des années 1930. Le style qui a prospéré à Kansas City était caractérisé par des pièces sincères teintées de blues interprétées à la fois par des big bands et de petits ensembles swing qui présentaient des solos énergiques interprétés pour les clients des bars clandestins vendant de l'alcool. C'est dans ces courgettes que s'est cristallisé le style du grand Count Basie, qui a débuté à Kansas City dans l'orchestre de Walter Page puis avec Benny Mouthen. Ces deux orchestres étaient des représentants typiques du style de Kansas City, dont la base était une forme particulière de blues, appelée « blues urbain » et formée dans le jeu des orchestres mentionnés ci-dessus. La scène jazz de Kansas City se distinguait également par toute une galaxie de maîtres exceptionnels du blues vocal, le « roi » reconnu parmi lesquels se trouvait le soliste de longue date de l'orchestre Count Basie, le célèbre chanteur de blues Jimmy Rushing. Le célèbre saxophoniste alto Charlie Parker, né à Kansas City, a largement utilisé à son arrivée à New York les « trucs » caractéristiques du blues qu'il avait appris dans les orchestres de Kansas City et qui constituèrent plus tard l'un des points de départ des expériences bopper dans les années 1940.
1.4.3 Jazz de la côte ouest
Les artistes impliqués dans le mouvement cool jazz des années 1950 ont beaucoup travaillé dans les studios d’enregistrement de Los Angeles. Largement influencés par le nonet de Miles Davis, ces artistes basés à Los Angeles ont développé ce que l'on appelle aujourd'hui le « West Coast Jazz ». Comme le Cool Jazz, le West Coast Jazz était bien plus doux que le furieux bebop qui l’a précédé. La plupart du jazz de la côte ouest a été écrit en détail. Les lignes de contrepoint souvent utilisées dans ces compositions semblaient faire partie de l'influence européenne qui avait imprégné le jazz. Cependant, cette musique laissait beaucoup de place à de longues improvisations solos linéaires. Bien que le West Coast Jazz soit joué principalement dans des studios d'enregistrement, des clubs tels que le Lighthouse à Hermosa Beach et le Haig à Los Angeles présentaient souvent ses grands maîtres, dont le trompettiste Shorty Rogers, les saxophonistes Art Pepper et Bud Schenk, le batteur Shelley Mann et le clarinettiste Jimmy Giuffre. .
1.5 Cool (jazz cool)
La forte intensité et la pression du bebop ont commencé à faiblir avec le développement du cool jazz. À partir de la fin des années 1940 et du début des années 1950, les musiciens ont commencé à développer une approche de l'improvisation moins violente et plus douce, calquée sur le jeu léger et sec du saxophoniste ténor Lester Young à l'époque du swing. Le résultat était un son détaché et uniformément plat, basé sur la « fraîcheur » émotionnelle. Le trompettiste Miles Davis, l'un des pionniers du bebop qui l'a refroidi, est devenu le plus grand innovateur du genre. Son nonet, qui enregistra l'album « The Birth of a Cool » en 1949-1950, était l'incarnation du lyrisme et de la retenue du cool jazz. Parmi les autres musiciens de cool jazz notables figurent le trompettiste Chit Baker, les pianistes George Shearing, John Lewis, Dave Brubeck et Lenny Tristano, le vibraphoniste Milt Jackson et les saxophonistes Stan Getz, Lee Konitz, Zoot Sims et Paul Desmond. Les arrangeurs ont également apporté une contribution significative au mouvement cool jazz, notamment Ted Dameron, Claude Thornhill, Bill Evans et le saxophoniste baryton Gerry Mulligan. Leurs compositions portaient sur la coloration instrumentale et le ralenti, sur des harmonies figées qui créaient l'illusion de l'espace. La dissonance a également joué un certain rôle dans leur musique, mais avec un caractère adouci et discret. Le format cool jazz a laissé la place à des ensembles un peu plus grands tels que des nonets et des tentets, qui sont devenus plus courants au cours de cette période qu'au début de la période bebop. Certains arrangeurs ont expérimenté une instrumentation modifiée, notamment des cuivres en forme de cône tels que le cor et le tuba.
1.6 Jazz progressif
Parallèlement à l'émergence du bebop, un nouveau genre se développe parmi le jazz : le jazz progressif, ou simplement progressif. La principale différence de ce genre est la volonté de s'éloigner du cliché figé des big bands et des techniques dépassées et usées de ce qu'on appelle. le jazz symphonique, introduit dans les années 1920 par Paul Whiteman. Contrairement aux boppers, les créateurs progressistes ne cherchaient pas à rejeter radicalement les traditions du jazz qui s'étaient développées à cette époque. Ils cherchaient plutôt à mettre à jour et à améliorer les modèles de phrases swing, en introduisant dans la pratique de la composition les dernières réalisations du symphonisme européen dans le domaine de la tonalité et de l'harmonie. La plus grande contribution au développement du concept de « progressiste » a été apportée par le pianiste et chef d'orchestre Stan Kenton. Le jazz progressif du début des années 1940 commence effectivement avec ses premières œuvres. Le son de la musique interprétée par son premier orchestre était proche de celui de Rachmaninov et les compositions portaient les traits du romantisme tardif. Cependant, en termes de genre, il était le plus proche du jazz symphonique. Plus tard, au cours des années de création de la célèbre série de ses albums « Artistry », les éléments du jazz ont cessé de jouer le rôle de créateur de couleur, mais étaient déjà organiquement tissés dans le matériau musical. Aux côtés de Kenton, le mérite en revient également à son meilleur arrangeur, Pete Rugolo, élève de Darius Milhaud. Un son symphonique moderne (pour ces années-là), une technique staccato spécifique dans le jeu des saxophones, des harmonies audacieuses, des secondes et des blocs fréquents, ainsi que la polytonalité et la pulsation rythmique du jazz - tels sont les traits distinctifs de cette musique avec laquelle Stan Kenton est entré dans le monde. histoire du jazz depuis de nombreuses années, comme l'un de ses innovateurs qui a trouvé une plate-forme commune pour la culture symphonique européenne et des éléments de bebop, particulièrement visibles dans les pièces où les instrumentistes solistes semblaient s'opposer aux sons du reste de l'orchestre. Il convient également de noter que Kenton a accordé une grande attention aux parties improvisées des solistes dans ses compositions, notamment le batteur de renommée mondiale Shelley Maine, le contrebassiste Ed Safransky, le tromboniste Kay Winding et June Christie, l'une des meilleures chanteuses de jazz de ces années. Stan Kenton est resté fidèle à son genre de prédilection tout au long de sa carrière. Outre Stan Kenton, les arrangeurs et instrumentistes intéressants Boyd Rayburn et Gil Evans ont également contribué au développement du genre. Une sorte d'apothéose du développement du progressif, à côté de la série « Artistry » déjà évoquée, peut également être considérée comme une série d'albums enregistrés par le big band Gil Evans avec l'ensemble Miles Davis dans les années 1950-1960, par exemple, « Miles Ahead », « Porgy and Bess » et « Dessins espagnols ». Peu de temps avant sa mort, Miles Davis s'est à nouveau tourné vers ce genre, enregistrant d'anciens arrangements de Gil Evans avec le Quincy Jones Big Band.
1.7 Hardbop
À peu près au même moment où le cool jazz prenait racine sur la côte ouest, des musiciens de jazz de Détroit, Philadelphie et New York commençaient à développer des variations plus dures et plus lourdes de l'ancienne formule du bebop, appelées Hard Bop ou Hard Bebop. Ressemblant beaucoup au bebop traditionnel par son agressivité et ses exigences techniques, le hard bop des années 1950 et 1960 s'appuyait moins sur les formes de chansons standard et commençait à mettre davantage l'accent sur les éléments de blues et la dynamique rythmique. Des solos enflammés ou des compétences d'improvisation ainsi qu'un fort sens de l'harmonie étaient d'une importance primordiale pour les joueurs de vent, la batterie et le piano sont devenus plus importants dans la section rythmique, et la basse a pris une sensation plus fluide et funky.
1.8 Jazz modal
À partir de la fin des années 1950, le trompettiste Miles Davis et le saxophoniste ténor John Coltrane ont été les premiers à expérimenter la mélodie et l’improvisation avec des modes directement empruntés à la musique classique. Ces musiciens ont commencé à utiliser un petit nombre de modes spécifiques pour former des mélodies plutôt que des accords. Le résultat était une forme de jazz harmoniquement statique, presque exclusivement basée sur la mélodie. Les solistes prenaient parfois des risques, s'écartant de la tonalité donnée, mais cela créait aussi un vif sentiment de tension et de relâchement. Les tempos variaient de lent à rapide, mais dans l'ensemble, la musique avait un caractère erratique et sinueux et un sentiment de lenteur. Pour créer un effet plus exotique, les interprètes utilisaient parfois des gammes non européennes (par exemple indiennes, arabes, africaines) comme base « modale » pour leur musique. Le centre tonal indéfini du jazz modal est devenu le point de départ de l’essor du free jazz des expérimentateurs qui sont arrivés dans la phase suivante de l’histoire du jazz, notamment le saxophoniste ténor Pharoah Sanders. Des exemples classiques du style jazz modal sont "Milestones", "So What" et "Flamenco Sketches") de Miles Davis, ainsi que "My Favorite Things" et "Impressions" de John Coltrane.
1.9 Jazz soul
Proche parent du hard bop, le soul jazz est représenté par de petits mini-formats basés sur l'orgue qui ont émergé au milieu des années 1950 et ont continué à se produire jusque dans les années 1970. Basée sur le blues et le gospel, la musique soul-jazz vibre de spiritualité afro-américaine. La plupart des grands organistes de jazz sont apparus à l'époque du soul jazz : Jimmy McGriff, Charles Erland, Richard « Groove » Holmes, Les McCain, Donald Patterson, Jack McDuff et Jimmy « Hammond » Smith. Ils ont tous dirigé leur propre groupe dans les années 1960, jouant souvent en trio dans de petites salles. Le ténorsaxophone était également une figure marquante de ces ensembles, ajoutant sa voix au mélange, un peu comme la voix d'un prédicateur dans la musique gospel. Des sommités telles que Gene Emmons, Eddie Harris, Stanley Turrentine, Eddie « Tetanus » Davis, Houston Person, Hank Crawford et David « Nump » Newman, ainsi que les membres des ensembles Ray Charles de la fin des années 1950 et des années 1960, sont souvent considérés comme des représentants du style soul jazz. Il en va de même pour Charles Mingus. Comme le hard bop, le soul jazz différait du jazz de la côte ouest : la musique évoquait la passion et un fort sentiment d'unité plutôt que la solitude et la fraîcheur émotionnelle qui caractérisaient le jazz de la côte ouest. Les mélodies rapides du soul jazz, grâce à l'utilisation fréquente de figures de basse ostinato et d'échantillons rythmiques répétés, ont rendu cette musique très accessible au grand public. Les succès nés du soul jazz incluent, par exemple, les compositions du pianiste Ramsey Lewis (« The In Crowd » - 1965) et Harris-McCain « Compared To What » - 1969. Le soul jazz ne doit pas être confondu avec ce que l’on appelle aujourd’hui la « soul music ». Bien que partiellement influencé par le gospel, le soul jazz est né du bebop et ses racines remontent directement au rythme et au blues, populaires au début des années 1960.
1.9.1 Rainure
Issu du soul jazz, le style groove dessine des mélodies aux notes bluesy et se caractérise par une concentration rythmique exceptionnelle. Parfois également appelé « funk », le groove se concentre sur le maintien d'un motif rythmique continu et caractéristique, assaisonné de légers embellissements instrumentaux et parfois lyriques. Les œuvres interprétées dans le style groove sont pleines d'émotions joyeuses, invitant les auditeurs à danser, aussi bien dans une version lente et bluesy qu'à un tempo rapide. Les improvisations solos restent strictement subordonnées au rythme et au son collectif. Les représentants les plus célèbres de ce style sont les organistes Richard « Groove » Holmes et Shirley Scott, le ténorsaxophoniste Gene Emmons et le flûtiste/saxophoniste alto Leo Wright.
1.10 Jazz libre
Le mouvement le plus controversé de l’histoire du jazz est peut-être né avec l’avènement du free jazz, ou « New Thing », comme on l’appellera plus tard. Bien que des éléments du free jazz existaient dans la structure musicale du jazz bien avant que le terme lui-même ne soit inventé, son originalité réside dans les « expériences » d'innovateurs tels que Coleman Hawkins, Pee Wee Russell et Lenny Tristano, mais pas avant la fin des années 1950 et jusqu'à la fin des années 1950. Grâce aux efforts de pionniers tels que le saxophoniste Ornette Coleman et le pianiste Cecil Taylor, cette direction a pris forme comme un style indépendant. Ce que ces deux musiciens, ainsi que d’autres dont John Coltrane, Albert Ayler et des groupes comme Sun Ra Arkestra et un groupe appelé The Revolutionary Ensemble, ont accompli une variété de changements dans la structure et le sentiment de la musique. Parmi les innovations introduites avec imagination et grande musicalité, il y a l'abandon de la progression d'accords, qui permettait à la musique d'aller dans n'importe quelle direction. Un autre changement fondamental a été constaté dans le domaine du rythme, où le « swing » a été soit révisé, soit complètement ignoré. Autrement dit, pulse, métrique et groove ne sont plus des éléments essentiels dans cette lecture du jazz. Un autre élément clé était lié à l’atonalité. Désormais, l'expression musicale ne repose plus sur le système tonal habituel. Des notes perçantes, aboyantes, convulsives remplissent complètement ce nouveau monde sonore. Le free jazz continue d’exister aujourd’hui en tant que forme d’expression viable et n’est en fait plus un style aussi controversé qu’il l’était à ses débuts.
1.11 Créatif
L'émergence de la direction « Créative » a été marquée par la pénétration d'éléments d'expérimentation et d'avant-garde dans le jazz. Le début de ce processus a coïncidé en partie avec l’émergence du free jazz. Les éléments de l’avant-garde du jazz, compris comme des changements et des innovations introduits dans la musique, ont toujours été « expérimentaux ». Ainsi, les nouvelles formes d'expérimentation proposées par le jazz dans les années 50, 60 et 70 représentaient la rupture la plus radicale avec la tradition, introduisant de nouveaux éléments de rythmes, de tonalité et de structure. En fait, la musique d'avant-garde est devenue synonyme de formes ouvertes, plus nombreuses. difficile à caractériser que même le free jazz. La structure pré-planifiée des paroles était mélangée à des phrases solos plus libres, rappelant en partie le free jazz. Les éléments de composition se confondaient tellement avec l'improvisation qu'il était déjà difficile de déterminer où se terminait la première et où la seconde se terminait réellement. La structure des œuvres a été conçue de telle sorte que le solo soit un produit de l'arrangement, conduisant logiquement le processus musical à ce qui serait normalement considéré comme une forme d'abstraction, voire de chaos. Des rythmes swing et même des mélodies pourraient être inclus dans la comédie musicale. thème, mais cela n'était pas du tout nécessaire dans les premières années. Parmi les pionniers de cette tendance figurent le pianiste Lenny Tristano, le saxophoniste Jimmy Joffrey et le compositeur/arrangeur/chef d'orchestre Gunther Schuller. Parmi les maîtres les plus récents figurent les pianistes Paul Bley et Andrew Hill, les saxophonistes Anthony Braxton et Sam Rivers, les batteurs Sunny Murray et Andrew Cyrille, ainsi que des membres de la communauté AACM (Association for the Advancement of Creative Musicians) comme l'Art Ensemble of Chicago.
1.12 Fusion
Commençant non seulement par la fusion du jazz avec la pop et le rock des années 1960, mais aussi par la musique issue de domaines tels que la soul, le funk et le rythme et le blues, la fusion (ou littéralement fusion) en tant que genre musical a émergé à la fin des années 1960, initialement sous le nom de jazz-rock. Des musiciens individuels et des groupes tels que Eleventh House du guitariste Larry Coryell, Lifetime du batteur Tony Williams et Miles Davis ont ouvert la voie, introduisant des éléments tels que l'électro, les rythmes rock et les morceaux prolongés, éliminant une grande partie de ce sur quoi le jazz « se tenait » de son début, à savoir le swing beat, et basé principalement sur la musique blues, dont le répertoire comprenait à la fois du blues et des standards populaires. Le terme fusion est entré en usage peu de temps après l'émergence de divers orchestres, tels que le Mahavishnu Orchestra, Weather Report et l'ensemble Return To Forever de Chick Corea. Tout au long de la musique de ces ensembles, l’accent est constamment mis sur l’improvisation et la mélodique, ce qui lie fermement leur pratique à l’histoire du jazz, malgré les détracteurs qui prétendent qu’ils ont été « vendus » aux marchands de musique. En fait, entendues aujourd’hui, ces premières expériences ne semblent guère commerciales, invitant l’auditeur à participer à ce qui était une musique de nature hautement conversationnelle. Au milieu des années 1970, la fusion a évolué vers une variante de la musique easy listening et/ou rythmique et blues. Du point de vue de la composition ou du point de vue de l'interprétation, il a perdu une partie importante de sa netteté, voire l'a complètement perdue. Dans les années 1980, les musiciens de jazz ont transformé la forme musicale fusion en un véritable médium d'expression. Des artistes tels que le batteur Ronald Shannon Jackson, les guitaristes Pat Metheny, John Scofield, John Abercrombie et James « Blood » Ulmer, ainsi que le saxophoniste/trompettiste chevronné Ornette Coleman ont maîtrisé de manière créative cette musique dans différentes dimensions.
1.13 Post-bop
La période post-bop englobe la musique interprétée par des musiciens de jazz qui ont continué à créer dans le domaine du bebop, se détournant des expériences de free jazz qui se sont développées au cours de la même période dans les années 1960. Comme le hard bop susmentionné, cette forme était basée sur les rythmes, la structure d'ensemble et l'énergie du bebop, les mêmes combinaisons de cuivres et le même répertoire musical, y compris l'utilisation d'éléments latins. Ce qui distinguait la musique post-bop était l'utilisation d'éléments de funk, de groove ou de soul, remodelés dans l'esprit de la nouvelle ère marquée par la domination de la musique pop. Des maîtres tels que le saxophoniste Hank Mobley, le pianiste Horace Silver, le batteur Art Blakey et le trompettiste Lee Morgan ont en fait commencé cette musique au milieu des années 1950 et préfiguraient ce qui est aujourd'hui devenu la forme dominante du jazz. Outre des mélodies plus simples et un rythme plus émouvant, l'auditeur pouvait entendre ici des traces de gospel et de rythme et de blues mélangés. Ce style, qui a connu quelques modifications au cours des années 1960, a été utilisé dans une certaine mesure pour créer de nouvelles structures comme élément de composition. Le saxophoniste Joe Henderson, le pianiste McCoy Tyner et même un bopper aussi éminent que Dizzy Gillespie ont créé une musique dans ce genre à la fois humaine et harmoniquement intéressante. L'un des compositeurs les plus importants de cette période fut le saxophoniste Wayne Shorter. Shorter, après avoir fait ses études avec l'ensemble d'Art Blakey, a enregistré un certain nombre d'albums marquants sous son propre nom dans les années 1960. Avec le claviériste Herbie Hancock, Shorter a aidé Miles Davis à créer un quintette dans les années 1960 (le groupe post-bop le plus expérimental et le plus influent des années 1950 était le Davis Quintet avec John Coltrane) qui est devenu l'un des groupes les plus importants de l'histoire du jazz.
1.14 Jazz acide
Le terme « acid jazz » ou « acid jazz » est utilisé de manière vague pour désigner un très large éventail de musiques. Bien que l'acid jazz ne soit pas tout à fait légitimement classé parmi les styles de jazz développés à partir de l'arbre général des traditions du jazz, il ne peut être complètement ignoré lors de l'analyse de la diversité des genres de la musique jazz. Émergeant en 1987 de la scène dance britannique, l'acid jazz en tant que style musical à prédominance instrumentale s'est formé sur la base du funk, avec l'ajout de morceaux sélectionnés de jazz classique, de hip-hop, de soul et de groove latin. En fait, ce style est l'une des variétés du renouveau du jazz, inspiré dans ce cas non pas tant par les performances de vétérans vivants, mais par d'anciens enregistrements de jazz de la fin des années 1960 et des premiers jazz funk du début des années 1970. Au fil du temps, après l'achèvement de la phase de formation, l'improvisation a complètement disparu de cette mosaïque musicale, qui était le principal sujet de débat pour savoir si l'acid jazz était réellement du jazz.
Les représentants célèbres de l'acid jazz comprennent des musiciens tels que Jamiroquai, Incognito, Brand New Heavies, Groove Collective, Guru, James Taylor. Certains experts estiment que le trio Medeski, Martin & Wood, qui se positionne aujourd'hui comme des représentants de l'avant-garde moderne, a commencé sa carrière avec l'acid jazz.
Ce genre est représenté sur la scène russe par de nombreux musiciens.
1.15 Jazz doux
Évoluant du style fusion, le smooth jazz a abandonné les solos énergiques et les crescendos dynamiques des styles précédents. Le smooth jazz se distingue avant tout par un son poli délibérément mis en valeur. L'improvisation est également largement exclue de l'arsenal musical du genre. Enrichi des sons de plusieurs synthés combinés à des échantillons rythmiques, le son brillant crée un ensemble élégant et raffiné de produits musicaux dans lequel l'harmonie de l'ensemble compte plus que ses composants. Cette qualité distingue également ce style des autres performances plus « live ». L'instrumentation smooth jazz comprend des claviers électriques, un saxophone alto ou soprano, une guitare, une guitare basse et une batterie. Le smooth jazz est sans doute la forme de musique jazz la plus viable commercialement depuis l’ère du swing. Cette direction du jazz moderne est peut-être représentée par la plus grande armée de musiciens, parmi lesquels des «stars» telles que Chris Botti, Dee Dee Bridgewater, Larry Carlton, Stanley Clarke, Al Di Meola, Bob James, Al Jarreau, Diana Krall, Bradley Lighton, Lee Ritenour, Dave Grusin, Jeff Lorber, Chuck Loeb, etc.
1.16 Jazz Manouche
Le jazz-manush est une direction du jazz « guitare », fondée par les frères Ferré et Django Reinhardt. Combine la technique de jeu de guitare traditionnelle des gitans du groupe Manush et le swing.
2. Diffusion du jazz
Le jazz a toujours suscité l’intérêt des musiciens et des auditeurs du monde entier, quelle que soit leur nationalité. Il suffit de retracer les premiers travaux du trompettiste Dizzy Gillespie et sa synthèse des traditions du jazz avec la musique des Cubains noirs dans les années 1940 ou la combinaison ultérieure du jazz avec la musique japonaise, euro-asiatique et moyen-orientale, célèbre dans l'œuvre du pianiste. Dave Brubeck, ainsi que le brillant compositeur et leader du jazz, le Duke Ellington Orchestra, qui combine l'héritage musical de l'Afrique, de l'Amérique latine et de l'Extrême-Orient. Le jazz a constamment absorbé non seulement les traditions musicales occidentales. Par exemple, lorsque différents artistes ont commencé à essayer de travailler avec des éléments musicaux indiens. Un exemple de ces efforts peut être entendu dans les enregistrements du flûtiste Paul Horne au Taj Mahal, ou dans le courant de la « musique du monde » représenté, par exemple, dans le travail du groupe Oregon ou dans le projet Shakti de John McLaughlin. La musique de McLaughlin, auparavant largement basée sur le jazz, a commencé à utiliser de nouveaux instruments d'origine indienne tels que le khatam ou le tabla, des rythmes complexes et l'utilisation généralisée de la forme indienne raga pendant son séjour avec Shakti.
L'Art Ensemble de Chicago a été l'un des premiers pionniers de la fusion des formes africaines et du jazz. Plus tard, le monde a connu le saxophoniste/compositeur John Zorn et ses explorations de la culture musicale juive, tant au sein qu’à l’extérieur de l’Orchestre de Massada. Ces œuvres ont inspiré des groupes entiers d'autres musiciens de jazz, comme le claviériste John Medeski, qui a enregistré avec le musicien africain Salif Keita, le guitariste Marc Ribot et le bassiste Anthony Coleman. Le trompettiste Dave Douglas intègre avec enthousiasme les influences balkaniques dans sa musique, tandis que l'Asian-American Jazz Orchestra est devenu l'un des principaux défenseurs de la convergence du jazz et des formes musicales asiatiques. Alors que la mondialisation se poursuit, le jazz continue d’être influencé par d’autres traditions musicales, fournissant ainsi un terrain fertile pour les recherches futures et prouvant que le jazz est véritablement une musique du monde.
2.1 Le jazz en URSS et en Russie
La scène jazz a émergé en URSS dans les années 1920, simultanément à son apogée aux États-Unis. Le premier orchestre de jazz de la Russie soviétique a été créé à Moscou en 1922 par le poète, traducteur, danseur et personnage de théâtre Valentin Parnakh et s'appelait « Le premier orchestre excentrique des groupes de jazz de Valentin Parnakh en RSFSR ». L'anniversaire du jazz russe est traditionnellement considéré comme le 1er octobre 1922, date du premier concert de ce groupe. Le premier ensemble de jazz professionnel à se produire à la radio et à enregistrer un disque est considéré comme l'orchestre du pianiste et compositeur Alexander Tsfasman (Moscou). Les premiers groupes de jazz soviétiques se spécialisaient dans l'exécution de danses à la mode (foxtrot, Charleston). Dans la conscience de masse, le jazz a commencé à gagner en popularité dans les années 30, en grande partie grâce à l'ensemble de Leningrad dirigé par l'acteur et chanteur Leonid Utesov et le trompettiste Ya. La comédie populaire avec sa participation «Jolly Guys» (1934) était consacrée à l'histoire du musicien de jazz et avait une bande originale correspondante (écrite par Isaac Dunaevsky). Utyosov et Skomorovsky ont formé le style original du « théa-jazz » (théâtre jazz), basé sur un mélange de musique avec le théâtre, l'opérette, les numéros vocaux et l'élément de performance y a joué un rôle important. Une contribution notable au développement du jazz soviétique a été apportée par Eddie Rosner, compositeur, musicien et chef d'orchestre. Après avoir débuté sa carrière en Allemagne, en Pologne et dans d'autres pays européens, Rosner s'installe en URSS et devient l'un des pionniers du swing en URSS et le fondateur du jazz biélorusse.
Les groupes moscovites des années 30 et 40 ont également joué un rôle important dans la popularisation et le développement du style swing. , dirigé par Alexander Tsfasman et Alexander Varlamov. Le All-Union Radio Jazz Orchestra dirigé par A. Varlamov a participé au premier programme télévisé soviétique. La seule composition qui ait survécu de cette époque était l'orchestre d'Oleg Lundstrem. Ce big band désormais largement connu était l'un des rares et meilleurs ensembles de jazz de la diaspora russe, se produisant entre 1935 et 1947. en Chine.
L'attitude des autorités soviétiques à l'égard du jazz était ambiguë : les artistes de jazz nationaux n'étaient généralement pas interdits, mais les critiques sévères du jazz en tant que tel étaient répandues, dans le contexte de la critique de la culture occidentale dans son ensemble. À la fin des années 40, lors de la lutte contre le cosmopolitisme, le jazz en URSS traverse une période particulièrement difficile, lorsque les groupes interprétant de la musique « occidentale » sont persécutés. Avec le début du dégel, les répressions contre les musiciens ont cessé, mais les critiques ont continué. Selon les recherches de Penny Van Eschen, professeur d'histoire et de culture américaine, le Département d'État américain a tenté d'utiliser le jazz comme une arme idéologique contre l'URSS et contre l'expansion de l'influence soviétique dans le tiers monde. Dans les années 50 et 60. A Moscou, les orchestres d'Eddie Rosner et d'Oleg Lundstrem ont repris leurs activités, de nouvelles compositions sont apparues, parmi lesquelles se distinguent les orchestres de Joseph Weinstein (Leningrad) et Vadim Ludvikovsky (Moscou), ainsi que le Riga Variety Orchestra (REO).
Les big bands ont donné naissance à une galaxie d'arrangeurs et de solistes-improvisateurs talentueux, dont le travail a amené le jazz soviétique à un niveau qualitativement nouveau et l'a rapproché des standards mondiaux. Parmi eux figurent Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexey Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolay Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin. Le développement du jazz de chambre et de club commence dans toute la diversité de ses stylistiques (Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolay Gromin, Vladimir Danilin, Alexey Kozlov, Roman Kunsman, Nikolay Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexey Kuznetsov, Victor Fridman, Andrey Tovmasyan, Igor Bril, Leonid Chizhik, etc.)
Beaucoup des maîtres du jazz soviétique mentionnés ci-dessus ont commencé leur carrière créative sur la scène du légendaire club de jazz moscovite « Blue Bird », qui a existé de 1964 à 2009, découvrant de nouveaux noms de représentants de la génération moderne de stars du jazz russe (frères Alexander et Dmitry Bril, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko et autres). Dans les années 70, le trio de jazz « Ganelin-Tarasov-Chekasin » (GTC), composé du pianiste Vyacheslav Ganelin, du batteur Vladimir Tarasov et du saxophoniste Vladimir Chekasin, s'est fait connaître jusqu'en 1986. Dans les années 70 et 80, le quatuor de jazz azerbaïdjanais « Gaya » et les ensembles vocaux et instrumentaux géorgiens « Orera » et « Jazz Chorale » étaient également célèbres. Le premier livre sur le jazz en URSS a été publié par la maison d'édition de Leningrad Academia en 1926. Il a été compilé par le musicologue Semyon Ginzburg à partir de traductions d'articles de compositeurs et de critiques musicaux occidentaux, ainsi que de ses propres documents, et s'intitule « Jazz Band and Modern Music ».
Le prochain livre sur le jazz n'a été publié en URSS qu'au début des années 1960. Il a été écrit par Valery Mysovsky et Vladimir Feyertag, intitulé « Jazz » et était essentiellement une compilation d'informations pouvant être obtenues à partir de diverses sources à l'époque. À partir de ce moment-là, les travaux ont commencé sur la première encyclopédie du jazz en russe, publiée seulement en 2001 par la maison d'édition « Skifia » de Saint-Pétersbourg. Encyclopédie « Jazz. XXe siècle L'ouvrage de référence encyclopédique" a été préparé par l'un des critiques de jazz les plus réputés, Vladimir Feyertag, comprenait plus d'un millier de noms de personnalités du jazz et a été unanimement reconnu comme le principal ouvrage de langue russe sur le jazz. En 2008, la deuxième édition de l'encyclopédie « Jazz. Ouvrage de référence encyclopédique », où l'histoire du jazz s'est déroulée jusqu'au 21e siècle, des centaines de photographies rares ont été ajoutées et la liste des noms du jazz a été augmentée de près d'un quart.
En 2009, une équipe d'auteurs dirigée par le même V. Feiertag a préparé et publié le premier ouvrage de référence encyclopédique russe « Jazz in Russia » http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%94%D0%B6% D0% B0%D0%B7 - cite_note-9#cite_note-9 - la seule collection complète de l'histoire du jazz russe et soviétique sous forme imprimée aujourd'hui - personnalités, orchestres, musiciens, journalistes, festivals et établissements d'enseignement. Après un déclin de l'intérêt pour le jazz dans les années 90, il a recommencé à gagner en popularité dans la culture des jeunes. Des festivals de musique jazz tels que « Usadba Jazz » et « Jazz dans le jardin de l'Ermitage » ont lieu chaque année à Moscou. Le club de jazz le plus populaire de Moscou est le club de jazz « Union des compositeurs », qui invite des artistes de jazz et de blues de renommée mondiale.
2.2 Jazz latino
La fusion d'éléments rythmiques latins est présente dans le jazz presque depuis le tout début du creuset culturel qui a débuté à la Nouvelle-Orléans. Jelly Roll Morton parlait de « saveurs espagnoles » dans ses enregistrements du milieu à la fin des années 1920. Duke Ellington et d’autres chefs d’orchestre de jazz utilisaient également des formes latines. Ancêtre majeur (bien que peu reconnu) du jazz latin, le trompettiste/arrangeur Mario Bausa a apporté une orientation cubaine de sa Havane natale à l'orchestre de Chick Webb dans les années 1930, une décennie plus tard, il l'a transposée dans le son des orchestres de Don Redman, Fletcher Henderson et Cab Calloway. Travaillant avec le trompettiste Dizzy Gillespie au sein du Calloway Orchestra à partir de la fin des années 1930, Bausa introduisit une direction qui avait déjà un lien direct avec les big bands de Gillespie du milieu des années 1940. L'« histoire d'amour » de Gillespie avec les formes musicales latines s'est poursuivie pendant le reste de sa longue carrière. Dans les années 1940, Bausa poursuit sa carrière en devenant directeur musical de l'Orchestre afro-cubain Machito, dirigé par son beau-frère, le percussionniste Frank "Machito" Grillo. Les années 1950-1960 sont marquées par un long flirt entre le jazz et les rythmes latins, principalement dans le sens de la bossa nova, enrichissant cette synthèse d'éléments brésiliens de samba. Combinant le style cool jazz développé par les musiciens de la côte ouest, les proportions classiques européennes et les séduisants rythmes brésiliens, la bossa nova, ou plus exactement le « jazz brésilien », a gagné en popularité aux États-Unis vers 1962.
Des rythmes de guitare acoustique subtils mais hypnotiques ponctuaient des mélodies simples chantées en portugais et en anglais. Découvert par les Brésiliens João Gilberto et Antonio Carlos Jobim, le style est devenu une alternative de danse au hard bop et au free jazz dans les années 1960, augmentant considérablement sa popularité grâce aux enregistrements et aux performances de musiciens de la côte ouest tels que le guitariste Charlie Byrd et le saxophoniste Stan Getz.
La fusion musicale des influences latines s'est répandue dans le jazz dans les années 1980 et 1990, incluant non seulement des orchestres et des groupes composés d'improvisateurs latino-américains de premier ordre, mais combinant également des artistes locaux et latins pour créer une musique de scène parmi les plus excitantes. Cette nouvelle renaissance du latin jazz a été alimentée par un afflux constant d'artistes étrangers parmi les transfuges cubains, tels que le trompettiste Arturo Sandoval, le saxophoniste et clarinettiste Paquito D'Rivera, et d'autres qui ont fui le régime de Fidel Castro à la recherche de meilleures opportunités, qu'ils espéraient pouvoir trouver en Nouvelle-Zélande et en Floride. On pense également que les qualités plus intenses et plus dansantes de la musique polyrythmique du jazz latin ont considérablement élargi le public du jazz. C'est vrai, tout en ne conservant qu'un minimum d'intuitivité pour la perception intellectuelle.
2.3 Le jazz dans le monde moderne
Le monde moderne de la musique est aussi diversifié que le climat et la géographie que nous découvrons lors des voyages. Et pourtant, nous assistons aujourd’hui au mélange d’un nombre croissant de cultures du monde, nous rapprochant sans cesse de ce qui, par essence, est déjà en train de devenir une « musique du monde » (world music). Le jazz d'aujourd'hui ne peut plus s'empêcher d'être influencé par des sons qui y pénètrent depuis presque tous les coins du globe. L'expérimentation européenne aux accents classiques continue d'influencer la musique de jeunes pionniers tels que Ken Vandermark, un saxophoniste d'avant-garde du free jazz connu pour son travail avec des contemporains aussi remarquables que les saxophonistes Mats Gustafsson, Evan Parker et Peter Brotzmann. Parmi les autres jeunes musiciens plus traditionnels qui continuent à rechercher leur propre identité figurent les pianistes Jackie Terrasson, Benny Green et Braid Meldoa, les saxophonistes Joshua Redman et David Sanchez et les batteurs Jeff Watts et Billy Stewart.
La vieille tradition sonore est rapidement reprise par des artistes tels que le trompettiste Wynton Marsalis, qui travaille avec une équipe d'assistants, à la fois dans ses propres petits groupes et au sein du Lincoln Center Jazz Orchestra, qu'il dirige. Sous son patronage, les pianistes Marcus Roberts et Eric Reed, le saxophoniste Wes « Warmdaddy » Anderson, le trompettiste Marcus Printup et le vibraphoniste Stefan Harris sont devenus de grands musiciens. Le bassiste Dave Holland est également un grand découvreur de jeunes talents. Ses nombreuses découvertes incluent des artistes tels que le saxophoniste/contrebassiste Steve Coleman, le saxophoniste Steve Wilson, le vibraphoniste Steve Nelson et le batteur Billy Kilson. Parmi les autres grands mentors des jeunes talents figurent le pianiste Chick Corea, le regretté batteur Elvin Jones et la chanteuse Betty Carter. Le potentiel de développement futur du jazz est actuellement assez important, car les manières de développer le talent et les moyens de l'exprimer sont imprévisibles et se multiplient. par les efforts conjoints encouragés aujourd'hui par divers genres de jazz.
Par exemple, le saxophoniste Chris Potter sort un album grand public sous son propre nom tout en enregistrant avec un autre grand musicien d'avant-garde, le batteur Paul Motian. De même, d’autres légendes du jazz de différents univers du jazz peuvent se retrouver sous la même bannière, comme ce fut le cas lorsqu’Elvin Jones, le saxophoniste Dewey Redman et le pianiste Cecil Taylor enregistrèrent ensemble.
Le jazz est un mouvement musical né à la fin du XIXe et au début du XXe siècle aux États-Unis. Son émergence est le résultat de l’imbrication de deux cultures : africaine et européenne. Ce mouvement combinera des spirituals (chants d'église) des noirs américains, des rythmes folkloriques africains et une mélodie harmonieuse européenne. Ses traits caractéristiques sont : un rythme flexible, basé sur le principe de syncope, l'utilisation d'instruments à percussion, l'improvisation et un mode d'exécution expressif, caractérisé par une tension sonore et dynamique, atteignant parfois l'extase. Le jazz était à l’origine une combinaison d’éléments de ragtime et de blues. En fait, il est né de ces deux directions. La particularité du style jazz est avant tout le jeu individuel et unique du virtuose du jazz, et l'improvisation donne à ce mouvement une pertinence constante.
Après la formation du jazz lui-même, un processus continu de développement et de modification a commencé, ce qui a conduit à l'émergence de diverses directions. Ils sont actuellement une trentaine.
Jazz (traditionnel) de la Nouvelle-Orléans.
Ce style désigne généralement exactement le jazz joué entre 1900 et 1917. On peut dire que son émergence a coïncidé avec l'ouverture de Storyville (le quartier rouge de la Nouvelle-Orléans), qui a gagné sa popularité grâce aux bars et établissements similaires où les musiciens jouant de la musique syncopée pouvaient toujours trouver du travail. Les orchestres de rue, autrefois répandus, ont commencé à être remplacés par les « ensembles Storyville », dont le jeu acquérait de plus en plus d'individualité par rapport à leurs prédécesseurs. Ces ensembles devinrent plus tard les fondateurs du jazz classique de la Nouvelle-Orléans. Des exemples frappants d'interprètes de ce style sont : Jelly Roll Morton (« His Red Hot Peppers »), Buddy Bolden (« Funky Butt »), Kid Ory. Ce sont eux qui ont opéré la transition de la musique folklorique africaine vers les premières formes de jazz.
Jazz de Chicago.
En 1917, commence la prochaine étape importante dans le développement de la musique jazz, marquée par l'apparition d'immigrants de la Nouvelle-Orléans à Chicago. De nouveaux orchestres de jazz se forment, dont le jeu introduit de nouveaux éléments dans les premiers jazz traditionnels. C'est ainsi qu'apparaît un style indépendant de l'école de performance de Chicago, qui se divise en deux directions : le jazz chaud des musiciens noirs et le Dixieland des blancs. Les principales caractéristiques de ce style : parties solo individuelles, changements d'inspiration chaude (la performance extatique libre originale est devenue plus nerveuse, pleine de tension), synthétiques (la musique comprenait non seulement des éléments traditionnels, mais aussi du ragtime, ainsi que des tubes américains célèbres ) et les changements dans le jeu instrumental (le rôle des instruments et des techniques d'interprétation a changé). Figures fondamentales de ce mouvement (« What Wonderful World », « Moon Rivers ») et (« Someday Sweetheart », « Ded Man Blues »).
Le swing est un style orchestral de jazz des années 1920 et 30, directement issu de l'école de Chicago et interprété par des big bands (The Original Dixieland Jazz Band). Elle se caractérise par la prédominance de la musique occidentale. Des sections distinctes de saxophones, de trompettes et de trombones sont apparues dans les orchestres ; Le banjo est remplacé par une guitare, un tuba et un sassophone - contrebasse. La musique s'éloigne de l'improvisation collective ; les musiciens jouent en respectant strictement des partitions pré-écrites. Une technique caractéristique était l'interaction de la section rythmique avec des instruments mélodiques. Représentants de cette direction : , (« Creole Love Call », « The Mooche »), Fletcher Henderson (« When Buddha Smiles »), Benny Goodman And His Orchestra, .
Le Bebop est un mouvement de jazz moderne né dans les années 40 et était un mouvement expérimental et anti-commercial. Contrairement au swing, il s’agit d’un style plus intellectuel qui met beaucoup l’accent sur l’improvisation complexe et met davantage l’accent sur l’harmonie que sur la mélodie. La musique de ce style se caractérise également par un tempo très rapide. Les représentants les plus brillants sont : Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Max Roach, Charlie Parker (« Night In Tunisie », « Manteca ») et Bud Powell.
Grand public.
Comprend trois mouvements : Stride (jazz du nord-est), style Kansas City et jazz de la côte ouest. La foulée chaude régnait en maître à Chicago, dirigée par des maîtres tels que Louis Armstrong, Andy Condon et Jimmy Mac Partland. Kansas City se caractérise par des pièces lyriques dans le style blues. Le jazz de la côte ouest s'est développé à Los Angeles sous la direction de , et a ensuite donné naissance au cool jazz.
L'Avante-Garde a commencé à se développer dans les années 60. Ce style avant-gardiste repose sur une rupture avec les éléments traditionnels d'origine et se caractérise par l'utilisation de nouvelles techniques et moyens d'expression. Pour les musiciens de ce mouvement, l'expression de soi, qu'ils exerçaient à travers la musique, passait avant tout. Les interprètes de ce mouvement incluent : Sun Ra (« Kosmos in Blue », « Moon Dance »), Alice Coltrane (« Ptah The El Daoud »), Archie Shepp.
Le jazz progressif est né parallèlement au bebop dans les années 40, mais il se distinguait par sa technique de saxophone staccato, un entrelacement complexe de polytonalité avec des pulsations rythmiques et des éléments de jazz symphonique. Le fondateur de cette tendance s’appelle Stan Kenton. Représentants éminents : Gil Evans et Boyd Rayburn.
Le hard bop est un type de jazz qui trouve ses racines dans le bebop. Détroit, New York, Philadelphie : ce style est né dans ces villes. Dans son agressivité, il rappelle beaucoup le bebop, mais les éléments blues y prédominent toujours. Les artistes présentés incluent Zachary Breaux (« Uptown Groove »), Art Blakey et The Jass Messengers.
Jazz soul. Ce terme est couramment utilisé pour décrire toute la musique noire. Il s'inspire du blues traditionnel et du folklore afro-américain. Cette musique se caractérise par des figures de basse ostinato et des échantillons rythmiques répétitifs, grâce auxquels elle a acquis une grande popularité parmi diverses masses de la population. Les succès dans cette direction incluent les compositions de Ramsey Lewis "The In Crowd" et Harris-McCain "Compared To What".
Le groove (alias funk) est une émanation de la soul, mais se distingue par son orientation rythmique. Fondamentalement, la musique de cette direction a une coloration majeure et, dans sa structure, elle se compose de parties clairement définies pour chaque instrument. Les performances en solo s'intègrent harmonieusement dans le son global et ne sont pas trop individualisées. Les interprètes de ce style sont Shirley Scott, Richard "Groove" Holmes, Gene Emmons, Leo Wright.
Le free jazz a fait ses débuts à la fin des années 50 grâce aux efforts de maîtres novateurs comme Ornette Coleman et Cecil Taylor. Ses traits caractéristiques sont l'atonalité et la violation de la séquence d'accords. Ce style est souvent appelé « free jazz », et ses dérivés incluent le loft jazz, le modern creative et le free funk. Les musiciens de ce style incluent : Joe Harriott, Bongwater, Henri Texier (« Varech »), AMM (« Sedimantari »).
La créativité est apparue en raison de l'avant-garde et de l'expérimentation généralisées des formes de jazz. Une telle musique est difficile à caractériser en certains termes, car elle est trop multiforme et combine de nombreux éléments des mouvements précédents. Les premiers adeptes de ce style sont Lenny Tristano (« Line Up »), Gunter Schuller, Anthony Braxton, Andrew Cirilla (« The Big Time Stuff »).
La fusion combinait des éléments de presque tous les mouvements musicaux existant à cette époque. Son développement le plus actif a commencé dans les années 70. La fusion est un style instrumental systématique caractérisé par des signatures rythmiques complexes, un rythme, des compositions allongées et l'absence de voix. Ce style est conçu pour un public moins large que l’âme et en est tout le contraire. A la tête de cette tendance se trouvent Larry Corall et le groupe Eleventh, Tony Williams et Lifetime (« Bobby Truck Tricks »).
L'acid jazz (groove jazz" ou "club jazz") est né en Grande-Bretagne à la fin des années 80 (apogée 1990 - 1995) et combine le funk des années 70, le hip-hop et la dance music des années 90. L'émergence de ce style a été dictée par l'utilisation généralisée d'échantillons jazz-funk. Le fondateur est considéré comme DJ Giles Peterson. Les interprètes dans cette direction incluent Melvin Sparks (« Dig Dis »), RAD, Smoke City (« Flying Away »), Incognito et Brand New Heavies.
Le post-bop a commencé à se développer dans les années 50 et 60 et sa structure est similaire au hard bop. Il se distingue par la présence d'éléments de soul, de funk et de groove. Souvent, en caractérisant cette direction, ils font un parallèle avec le blues rock. Hank Moblin, Horace Silver, Art Blakey (« Like Someone In Love ») et Lee Morgan (« Yesterday »), Wayne Shorter ont travaillé dans ce style.
Le smooth jazz est un style de jazz moderne issu du mouvement fusion, mais qui s'en distingue par son son délibérément raffiné. Une particularité de ce domaine est l’utilisation généralisée d’outils électriques. Interprètes célèbres : Michael Franks, Chris Botti, Dee Dee Bridgewater (« All Of Me », « God Bless The Child »), Larry Carlton (« Don't Give It Up »).
Le jazz-manush (jazz manouche) est un mouvement de jazz spécialisé dans l'interprétation à la guitare. Combine la technique de guitare des tribus gitanes du groupe Manush et le swing. Les fondateurs de cette direction sont les frères Ferré et. Les interprètes les plus célèbres : Andreas Oberg, Barthalo, Angelo Debarre, Bireli Largen (« Stella By Starlight », « Fiso Place », « Autumn Leaves »).
