Quelle est la différence entre un portrait d'apparat ? Cérémonial signifie solennel. Qu'est-ce qu'un portrait de cérémonie

Diego Velazquez (?), copie de l'original de Rubens, "Portrait équestre de Philippe IV"

Portrait de cérémonie, portrait représentatif- un sous-type de portrait caractéristique de la culture de cour. A reçu un développement particulier pendant la période d'absolutisme développé. Sa tâche principale n'est pas seulement de transmettre une similitude visuelle, mais aussi d'exalter le client, de comparer la personne représentée à une divinité (dans le cas du portrait d'un monarque) ou à un monarque (dans le cas du portrait d'un aristocrate).

Caractéristique

En règle générale, il s'agit de représenter une personne en pleine croissance (à cheval, debout ou assise). Dans un portrait formel, le personnage est généralement représenté sur un fond architectural ou paysager ; une plus grande élaboration le rapproche d'une image narrative, ce qui implique non seulement des dimensions impressionnantes, mais aussi une structure figurative individuelle.

L’artiste représente le modèle en attirant l’attention du spectateur sur le rôle social de la personne représentée. Le rôle principal du portrait de cérémonie étant idéologique, cela a provoqué une certaine caractérisation unidimensionnelle : une théâtralité accentuée de la pose et un environnement plutôt luxuriant (colonnes, draperies, dans le portrait du monarque - insignes, symboles du pouvoir), ce qui reléguait au second plan les propriétés spirituelles du modèle. Pourtant, dans les meilleures œuvres du genre, le modèle apparaît dans une version clairement définie, qui se révèle très expressive.

Le portrait d'apparat se caractérise par une franche démonstrative et le désir d'« historiciser » la personne représentée. Cela affecte la palette de couleurs, qui est invariablement élégante, décorative et répond aux caractéristiques coloristiques de l'intérieur (bien qu'elle change en fonction du style de l'époque, devenant locale et lumineuse dans le baroque, adoucie et pleine de demi-teintes dans le rococo, sobre dans le classicisme. ).

Sous-types

Selon les attributs, un portrait d'apparat peut être :

- Couronnement (trône moins courant)
- Équestre
- A l'image d'un commandant (militaire)
- Le portrait de chasse est adjacent à celui de devant, mais peut aussi être intimiste.
  - Semi-cérémonial - a le même concept qu'un portrait de cérémonie, mais a généralement une coupe jusqu'à la taille ou jusqu'aux genoux et des accessoires assez développés

Portrait du couronnement

Portrait de couronnement - une image solennelle du monarque « le jour de son couronnement », accession au trône, en insignes de couronnement (couronne, manteau, avec un sceptre et un orbe), généralement de pleine hauteur (on trouve parfois un portrait de trône assis). ).

«Le portrait impérial a été conçu comme une empreinte pendant des siècles de l'idée d'État la plus importante du moment. Les formes immuables ont joué un rôle important en démontrant la valeur durable du présent, la stabilité du pouvoir d'État, etc. En ce sens, ce qu'on appelle « Portrait du couronnement », qui présuppose l'image d'un souverain doté des attributs du pouvoir et revendique la même constance sacrée que la cérémonie du couronnement elle-même. En effet, depuis l'époque de Pierre le Grand, lorsque Catherine Ier fut couronnée pour la première fois selon les nouvelles règles, jusqu'à l'époque de Catherine II, ce type de portrait ne connut que de légères variations. Les impératrices - Anna Ioannovna, Elizaveta Petrovna, Catherine II - s'élèvent majestueusement au-dessus du monde, ressemblant en silhouette à une pyramide inébranlable. L’immobilité royale est soulignée par la lourde robe et le manteau du couronnement, dont le poids emblématique équivaut à la couronne, au sceptre et à l’orbe qui accompagnaient invariablement l’image de l’autocrate.

L'expression même « portrait de cérémonie » évoque l'idée de quelque chose d'inhabituellement solennel. Les hommes apparaissent immédiatement avec des yeux d'aigle, dans de riches costumes, ornés d'insignes, couronnés de couronnes de lauriers ou de couronnes royales. Ou de belles dames vêtues de robes luxueuses, de diamants, d'éventails en plumes d'autruche et de petits chiens fabuleusement chers.

En fait, « cérémonial » signifie solennel ; auparavant, il s’agissait d’un passage solennel de troupes, et avec l’avènement du portrait, cela signifiait une mise en place solennelle.

Le portrait cérémonial est né à l'époque de l'absolutisme, lorsque les monarques, cherchant à s'exalter et à se perpétuer, commandaient leurs images majestueuses aux artistes de la cour. Le but principal du portrait cérémonial était de glorifier les personnalités de haut rang, la royauté et leur entourage. L'attention étant portée sur les mérites et les réalisations du client, l'artiste recherche l'exaltation, parfois proche de la déification. Les premiers portraits d'apparat se distinguaient par une certaine raideur et un « figement »,

mais plus tard, lorsque les portraits de cérémonie ont commencé à être commandés non seulement par les monarques et les courtisans, mais aussi simplement par des personnes riches, le portrait de cérémonie est devenu beaucoup plus vivant.
Les peintures étaient pour la plupart de grande taille et la personne était représentée en pleine croissance, debout ou assise. L'arrière-plan d'un portrait de cérémonie était soit un intérieur luxuriant, soit un champ de bataille, s'il s'agissait du portrait d'un militaire. Dans tous les cas, l’atmosphère doit être solennelle, soulignant l’importance du personnage. Dans le même but, les héros des peintures sont vêtus de costumes de cérémonie luxuriants, toujours décorés d'insignes et d'insignes, symbolisant le pouvoir et la puissance.
Initialement, la tâche d'un portrait d'apparat n'était pas fondamentalement de refléter l'individualité du client, mais d'affirmer son statut social. Cependant, des artistes remarquables, même dans ce genre restreint, ont réussi à représenter l’individualité, le caractère et le mode de vie d’une personne.

Un exemple frappant de portrait de cérémonie, où l'artiste a réussi à franchir les limites du genre, est le portrait de P.A. Demidov, entrepreneur et philanthrope, par Levitsky.

Le portrait est incroyablement charmant grâce à la combinaison contrastée de Demidov, vêtu d'une robe et d'une casquette, debout avec un arrosoir à la main, mais dans une pose cérémoniale et sur fond d'un intérieur spectaculaire fait de bronze et de lourdes draperies. Le vieil homme sourit ironiquement, comme s'il réalisait la curiosité d'une telle interprétation du portrait d'apparat. Cependant, cette étrange combinaison contient une allusion subtile qui était claire pour les contemporains de Demidov. Les fleurs en pot, les bulbes de plantes et un livre de jardinage ne sont pas des objets aléatoires. Ce décor contient une allégorie des activités caritatives de l'industriel Prokopiy Demidov. À l'arrière-plan de la photo se trouve le bâtiment de l'orphelinat de Moscou, à l'organisation duquel il a participé. Les enfants qui y ont trouvé refuge sont les « fleurs de la vie », et Demidov, qui s'en occupe, est jardinier. Cette représentation du personnage ne le rabaisse pas, mais au contraire l’élève. Devant nous apparaît un homme volontaire et excentrique, mais en même temps généreux et intelligent.

Comme vous pouvez le constater, un portrait de cérémonie peut être très diversifié, et si vous décidez de commander un portrait de cérémonie, mais que vous n'avez aucune idée du style de siècle que vous devriez choisir et, en général, à quoi il devrait ressembler, alors l'artiste sélectionnera une grande variété d'options pour vous. N'importe quel portrait historique peut être utilisé comme base pour un portrait de cérémonie, et les détails intérieurs, les costumes, les bijoux et les insignes peuvent être sélectionnés selon vos préférences. Vous avez le pouvoir de vous retrouver dans n'importe quelle époque, de vous entourer d'une palette de couleurs élégantes et décoratives. Que vous recherchiez le luxe de l'époque baroque, l'atmosphère douce et intime du rococo plein de demi-teintes ou le style sobre du classicisme - tout choix sera votre environnement. Vous pouvez choisir un portrait à cheval, sur un fond architectural ou paysager, dans un costume luxueux, ou comme Dmitry Levitsky a pu représenter son client - avec une allusion subtile et sophistiquée à votre activité. Contactez-nous et votre portrait peut devenir une décoration non seulement pour votre maison, mais aussi pour notre galerie.

Établissement d'enseignement municipal

Enseignement complémentaire pour les enfants

"École d'art pour enfants"

IMAGES FÉMININES DANS LES PORTRAITS DU XVIIIÈME SIÈCLE

(F.S. Rokotov, D.G. Levitsky, V.L. Borovikovsky)

Complété par : élève de classe 4-A.

Établissement d'enseignement municipal de l'École d'art pour enfants de Zelenogorsk

Grigorieva Anastasia Vladlenovna

Encadrant scientifique : enseignant

Histoire de l'art MOU DOD DHS

Solomatina Tatiana Leonidovna

Zelenogorsk

La place des femmes dans la société russe du XVIIIe siècle et l'art du portrait ……………………………………………………………………………… 3

L'image d'une femme russe dans l'art du portrait du XVIIIe siècle…………4

2.1. Portrait d'apparat de femme de la première moitié du XVIIIe siècle :

2.1. Caractéristiques du portrait d'apparat ;

2.2. ET MOI. Vishniakov

2.3. D.G. Lévitski

Portrait de chambre d'une femme de la seconde moitié du XVIIIe siècle :

Caractéristiques d'un portrait de chambre

2.2.2. V. L. Borovikovski

2.2.3. F.S. Rokotova

Le portrait féminin du XVIIIe siècle est l'une des plus hautes réalisations du portrait russe………………………………………………………16

Liste des références………………………………………………………17

Liste des illustrations………………………………………………………18

Candidatures………………………………………………………………………………….19

La place des femmes dans la société russe du XVIIIe siècle

Et l'art du portrait

Depuis le début du XVIIIe siècle, à partir d’une représentation plutôt primitive du visage humain, les artistes ont porté leur savoir-faire à une extraordinaire perfection. Étudiant auprès de peintres étrangers, les maîtres nationaux ont non seulement adopté leurs connaissances, mais les ont également dépassés et ont ajouté une saveur profondément russe à leur art (http://www.referat77.ru/docs/1415/1866/2.html).

Les portraits du début du siècle représentent principalement l’appartenance sociale d’un individu, ses meilleurs côtés, son faste et parfois sa beauté imaginaire. Mais tout au long du siècle, l’État, l’humeur du public ainsi que l’attitude de l’artiste envers la personne représentée ont considérablement changé. Les maîtres ne se donnent plus pour mission de faire ressembler le portrait au modèle. Ils ne s'intéressaient pas tant à la solennité de la présentation qu'au monde intérieur d'une personne, à son essence, à sa prédisposition à la spiritualité. Dès la fin du XVIIIe siècle, les peintres transmettent l'âme de leurs modèles, les ambiances les plus subtiles et la variabilité des personnages.

Le but de mon travail est de prouver cette tendance, c'est-à-dire une transition progressive des caractéristiques externes d'une personne vers le transfert de son état interne.

Pour résoudre ce problème, j'ai concentré mon attention sur les portraits des artistes russes exceptionnels suivants :

ET MOI. Vishnyakova ;

F.S. Rokotova ;

D.G. Lévitski ;

V. L. Borovikovski.

Pour caractériser les portraits de ces artistes, j'ai utilisé un éventail de sources assez large, dont une liste est donnée à la fin de l'ouvrage. Parmi les livres que j'ai utilisés, il y a des ouvrages sur l'art de la période sélectionnée (1,4,5,6,7, 8, 11, 12,14,16,17), ainsi que des monographies consacrées à l'œuvre de artistes individuels (2,3, 9,13,15).

L'image d'une femme russe dans l'art du portrait du XVIIIe siècle

Portrait féminin d'apparat de la première moitié du XVIIIe siècle

Le rôle principal dans la peinture de la première moitié du XVIIIe siècle appartenait au portrait. L'art du portrait s'est développé en deux genres : formel et de chambre.

Caractéristiques d'un portrait de cérémonie

Le portrait d'apparat est à bien des égards un produit du style baroque avec sa lourde pompe et sa sombre grandeur. Sa tâche est de montrer non seulement une personne, mais une personne importante dans toute la splendeur de sa position hautement sociale. D'où l'abondance d'accessoires destinés à souligner cette position, le faste théâtral de la pose. Le modèle est représenté sur fond de paysage ou d'intérieur, mais toujours au premier plan, souvent en pleine hauteur, comme pour supprimer l'espace environnant par sa grandeur. (12)

C'est grâce aux portraits de cérémonie que l'un des principaux portraitistes de cette époque, I.Ya., est devenu célèbre. Vishniakov.

L’œil et le goût impeccables de l’artiste ont placé Vishnyakov parmi les meilleurs portraitistes de l’époque. Pas étonnant qu'il ait été autorisé non seulement à copier, mais aussi à peindre des portraits des personnes régnantes, puis à les « reproduire » pour de nombreux palais, institutions gouvernementales et dignitaires privés (http://www.nearyou.ru/vishnyakov/0vishn. html)

L'artiste aimait le luxe décoratif des tenues de cérémonie de son époque, leur théâtralité et leur festivité. Avec admiration, il transmet la matérialité et l'objectivité du monde, concevant avec soin et amour les étonnants costumes du XVIIIe siècle, avec leurs tissus aux motifs complexes, aux couleurs et textures variées, avec les plus belles broderies, dentelles et décorations. En tant que maître décorateur, Vishnyakov crée une gamme de couleurs exceptionnelle. Et bien que le motif semble se superposer aux plis rigides des vêtements, il est tangible et ressemble, selon les mots du critique d'art T.V. Ilyina (6), à la source « le domaine des luxueuses miniatures russes anciennes du XVIIe siècle ». » ou l’ornement floral d’une fresque de cette époque. Et surtout cette richesse du monde matériel, les visages des gens regardent et respirent.

En 1743, Vishnyakov peint un portrait de l'impératrice Elizabeth - représentatif et magnifique. Elizabeth - dans une couronne, avec un sceptre et un hurlement, dans une luxueuse robe moirée brillante. Il est curieux qu'il ait tellement aimé ce portrait que Vishnyakov fut désormais chargé de vérifier le style des autres portraits d'Elizabeth, quel que soit celui qui les peignait - il devint, pour ainsi dire, l'arbitre suprême en matière d'iconographie impériale. Pendant ce temps, lui-même, malgré la splendeur de la situation contrastant avec elle, dépeint Elizabeth comme une femme ordinaire - une beauté russe de sang et de lait, aux sourcils noirs et aux joues roses, plutôt amicale et accessible que majestueuse ou royale. S'étant approprié les attributs du pouvoir, Elizabeth ne s'y est jamais habituée. Quelque chose de simple, chaleureux, souriant et rustique, bien sûr, non sans ruse et non sans intelligence, est toujours resté dans son apparence, et Vishnyakov l'a définitivement ressenti.

Les portraits d’enfants de Vishnyakov étaient les meilleurs.

L'un des plus intéressants est le portrait de Sarah Fermor. (ill.3) Il s'agit d'une image cérémonielle typique de cette époque. La jeune fille est présentée en pied, à la jonction de l'espace ouvert et du fond de paysage avec la colonne et le lourd rideau obligatoires. Elle porte une robe élégante et tient un éventail. Sa pose est contrainte, mais dans cette solennité figée il y a beaucoup de poésie, un sentiment de vie respectueuse, entouré d'un grand talent artistique et d'une grande chaleur spirituelle. Le portrait combine, comme c'est typique pour Vishnyakov, des caractéristiques apparemment très contrastées : on y sent la tradition médiévale russe encore vivante - et l'éclat de la forme de l'art cérémoniel européen du XVIIIe siècle. La silhouette et la pose sont conventionnelles, le fond est traité de manière plate - c'est un paysage ouvertement décoratif - mais le visage est sculpté en trois dimensions. L'écriture exquise de la robe gris-vert-bleu surprend par la richesse de la peinture multicouche et a une tradition d'aplatissement. Il est véhiculé de manière illusoire et matérielle, on devine même le type de tissu, mais les fleurs sont dispersées en moiré sans tenir compte des plis, et ce « motif » repose sur le plan, comme dans une ancienne miniature russe. Et au-dessus de tout le schéma du portrait d'apparat - et c'est là le plus étonnant - le visage sérieux et triste d'une petite fille au regard pensif mène une vie tendue.

La palette de couleurs - peinture aux tons argentés, refus des taches locales lumineuses (qui étaient généralement caractéristiques du pinceau de ce maître) - est due à la nature du modèle, fragile et aérien, semblable à une sorte de fleur exotique (http://. www.bestreferat.ru /referat-101159.html) Comme si elle sortait d'une tige, sa tête pousse sur un cou fin, ses bras pendent impuissants, dont plus d'un chercheur a écrit sur la longueur excessive. C'est tout à fait juste si l'on considère le portrait du point de vue de l'exactitude académique du dessin : on constate que les mains en général étaient les plus difficiles pour les maîtres qui n'avaient pas reçu une éducation « scolaire » systématique, qui étaient les artistes du milieu du siècle. XVIIIe siècle, et Vishniakov en particulier, mais leur longueur souligne ici aussi harmonieusement la fragilité du modèle, tout comme les arbres minces en arrière-plan. Sarah Farmer semble incarner non pas le vrai XVIIIe siècle, mais l'éphémère, mieux exprimé dans les sons fantaisistes du menuet, le XVIIIe siècle, dont on ne faisait que rêver, et elle-même, sous le pinceau de Vishnyakov, est comme l'incarnation d'un rêve .

Vishnyakov a réussi dans ses œuvres à combiner l'admiration pour la richesse du monde matériel et un sens élevé de la monumentalité, non perdu en raison de l'attention portée aux détails. Chez Vishnyakov, ce monumentalisme remonte à l'ancienne tradition russe, tandis que la grâce et la sophistication de la structure décorative témoignent d'une excellente maîtrise des formes de l'art européen. La combinaison harmonieuse de ces qualités fait d'Ivan Yakovlevich Vishnyakov l'un des artistes les plus brillants d'une période de transition artistique aussi complexe que le milieu du XVIIIe siècle en Russie.

D.G. Lévitski

Le portrait cérémonial occupe une grande place dans l’œuvre de Levitsky. Ici, le caractère décoratif inhérent à sa peinture se révèle dans toute sa splendeur.

Dans les portraits cérémoniaux de sa période de maturité, Levitsky s'affranchit de la rhétorique théâtrale ; ils sont imprégnés d'un esprit de gaieté, d'un sentiment de vie festif et d'un optimisme brillant et sain.

Une attention particulière doit être accordée aux grands portraits de cérémonie en pied des étudiants de l'Institut Smolny pour les Noble Maidens, formant un ensemble décoratif unique.

«Portrait de Khovanskaya et Khrouchtcheva», 1773, Musée d'État russe (ill. 8)

Sur ordre de Catherine II, Levitsky a peint un certain nombre de portraits d'étudiants de l'Institut Smolny des Noble Maidens. (http://www.1143help.ru/russkayagivopis-18) Les deux jeunes filles représentées dans ce portrait jouent sur la scène de l'institut des rôles de l'opéra-comique « Les caprices de l'amour ou Ninetta à la cour ».

Khrouchtchova, les bras sur les hanches, touche de manière ludique le menton de sa petite amie. Un sourire moqueur apparaît sur le visage laid mais très expressif de la jeune fille. Elle joue avec confiance le rôle masculin. Sa compagne, Khovanskaya, regarde timidement le « gentleman » ; sa confusion se voit dans le tour de tête maladroit, dans la façon dont sa main repose, impuissante, sur le satin brillant de sa jupe. On y voit des scènes de paysage représentant un parc à l'anglaise, des ruines classiques et la silhouette d'un château. Sur la gauche se trouve un arbre étalé - un arrière-plan pour la figure de Khrouchtcheva, au premier plan - un faux monticule, cachant une lumière supplémentaire du public. Les filles sont éclairées par la lumière de la rampe, c'est pourquoi les ombres au sol et les contours des personnages sont si distincts. Khrouchtchova porte un caraco en soie gris foncé, décoré de galons dorés. Dans le théâtre de l'institut, où les garçons ne se produisaient jamais, Khrouchtchova était considérée comme une interprète inégalée de rôles masculins. Mais après l'université, son sort n'a pas été couronné de succès et elle n'a pas pu prendre une place importante dans le monde. Et Katya Khovanskaya commencera à attirer l'attention de tous, deviendra l'épouse du poète Neledinsky-Meletsky et la première interprète des chansons écrites par son mari.

«Portrait de Nélidova» 1773 (Ill. 7)

C'est le plus ancien des Smolyans. Alors qu'elle étudiait encore à Smolny, elle s'est fait connaître pour son excellent jeu sur scène, particulièrement brillant dans la danse et le chant des chansons. Dans le portrait, elle joue un rôle dans la pièce "La servante est la maîtresse". Elle est déjà consciente de son propre charme, elle a un besoin de plaire et maîtrise parfaitement les compétences du comportement théâtral. La figurine se tient avec assurance dans une pose de ballet, la poignée soulève gracieusement le tablier en dentelle, des rubans roses décorent le chapeau de paille « bergère » - tout crée une sensation de poupée de porcelaine. Et un visage vif, des yeux rieurs, un sourire expliquent que tout cela n'est qu'un jeu. En arrière-plan, il y a des touffes d'arbres vert tendre et des nuages légers et élégants

Portraits de E. I. Nelidova (1773), (Ill. 7) E. N. Khrushchova et E. N. Khovanskaya (1773), (Ill. 8), G. I. Alymova (1776) (Ill. 2) et autres. La structure figurative de ces œuvres est associée à celle caractéristique des portraits d'apparat du XVIIIe siècle. dépeignant une femme comme une « créature joyeuse et joyeuse qui n’aime que le rire et l’amusement ». Mais sous le pinceau de Levitsky, cette formule générale était remplie d’un contenu de vie réaliste et convaincant.

Grand classicisme en peinture - « Catherine II - Législatrice dans le temple de la déesse de la justice » 1783, Musée d'État russe. (ill. 3)

Il s’agit d’une véritable ode picturale avec toutes les caractéristiques inhérentes à ce genre. Le personnage est une impératrice, en tenue de cérémonie, une dirigeante juste, raisonnable et idéale. L'impératrice est présentée dans une robe blanche aux reflets argentés, de coupe stricte, avec une couronne de laurier sur la tête et un ruban d'ordre sur la poitrine. Elle porte une lourde robe qui coule de ses épaules et souligne la grandeur de l'impératrice.

Catherine est représentée sur fond d'un rideau solennel, de larges plis enveloppant de larges colonnes et d'un piédestal sur lequel est posée la statue de Thémis, déesse de la justice. Derrière la colonnade, derrière une balustrade stricte, sont représentés un ciel et une mer orageux sur lesquels naviguent des navires. Catherine tendit la main sur l'autel allumé d'un large geste. A côté de l'autel, un aigle, l'oiseau de Zeus, trône sur d'épais feuillets. La mer rappelle les succès de la flotte russe au XVIIIe siècle, les volumes de lois que Catherine a créés par la Commission législative, la statue de Thémis - le législateur de l'impératrice, glorifié par les poètes. Mais ce n'est bien sûr pas l'apparence réelle de Catherine, mais l'image d'un monarque idéal, tel que le voulait le siècle des Lumières. Le tableau connut un grand succès et de nombreuses copies en furent réalisées.

V. L. Borovikovski

« Catherine II en promenade dans le parc Tsarskoïe Selo » est un portrait de Catherine II de Vladimir Borovikovsky, peint dans la lignée du sentimentalisme, l'une des images les plus célèbres de l'impératrice.

Borovikovsky a peint un portrait inhabituel pour l'époque et imprégné de l'esprit d'un nouveau mouvement sentimentaliste - contrairement au classicisme qui dominait les portraits impériaux à cette époque. Les traits caractéristiques de cette tendance sont l’idéalisation de la vie au sein de la nature, le culte de la sensibilité et l’intérêt pour la vie intérieure de l’homme. Le sentimentalisme se manifeste dans le rejet de l’auteur des intérieurs de palais cérémoniels et dans sa préférence pour la nature, qui est « plus belle que les palais ». « Pour la première fois dans l'art russe, l'arrière-plan d'un portrait devient un élément important dans la caractérisation du héros. L'artiste glorifie l'existence humaine parmi l'environnement naturel, interprète la nature comme source de plaisir esthétique.

Catherine, 65 ans, se promène dans le parc Tsarskoïe Selo, s'appuyant sur un bâton en raison de ses rhumatismes. Ses vêtements sont résolument informels : elle porte une robe de chambre ornée d'un volant en dentelle avec un nœud en satin et un bonnet en dentelle, avec un chien gambadant à ses pieds. La souveraine n'est pas présentée comme une déesse, mais comme un simple « propriétaire terrien de Kazan », qu'elle aimait apparaître dans les dernières années de sa vie comme une contemplative, sans aucun attribut officiel, solennel ou cérémonial. Le portrait est devenu une version domestique du type anglais « portrait-walk ». Au crépuscule du parc, vous pouvez voir une jetée avec des sphinx, des cygnes nagent dans le lac. Le visage du modèle est écrit de manière généralisée et conditionnelle, son âge est adouci.

Ainsi, la « simplicité naturelle » pénètre dans le portrait cérémonial qui, outre le sentimentalisme, rapproche en partie le tableau du classicisme des Lumières. Cependant, la pose de l'impératrice est pleine de dignité, le geste avec lequel elle désigne le monument à ses victoires est sobre et majestueux.

Contrairement à la Thémis de Catherine Levitsky, Ekaterina de Borovikovsky est représentée comme une « vieille femme » propriétaire terrienne de Kazan » marchant dans le jardin avec son lévrier italien bien-aimé. Borovikovsky a créé un portrait inhabituel pour l'époque. Catherine est représentée en train de se promener dans le parc Tsarskoïe Selo en robe de chambre et en casquette, avec son lévrier italien préféré à ses pieds. Elle apparaît devant le spectateur non pas comme Felitsa, non pas comme une reine divine descendue du ciel, mais comme une simple « propriétaire terrienne de Kazan », qu'elle aimait apparaître dans les dernières années de sa vie.

L'artiste a représenté la figure de Catherine avec une sympathie inégalée. Ce n'est pas une vieille impératrice, mais avant tout une personne, une femme, un peu fatiguée des affaires d'État, de l'étiquette de cour, qui, dans son moment libre, n'hésiterait pas à être seule, à se livrer à des souvenirs et à admirer la nature. « Dans l'art russe, c'est le premier exemple de portrait royal intime par essence, se rapprochant d'une peinture de genre.

Cependant, même dans ce portrait intime, il y a un « motif emblématique d'une colonne-« pilier » - la colonne de Chesme (obélisque de Kahul - selon la version du portrait du Musée d'État russe), qui, malgré toute la sentimentalité de l'image de Catherine tout au long de l'intrigue du portrait, symbolise « la fermeté ou la constance », « la fermeté d'esprit », « l'espérance solide ». Les toiles de l’artiste sont très élégantes grâce à la pose gracieuse des modèles, aux gestes gracieux et à l’utilisation habile du costume.

Les portraits de cérémonie de Vishnyakov se caractérisent par un sens élevé de la monumentalité, sans perdre de vue le souci du détail. Chez Vishnyakov, ce monumentalisme remonte à l'ancienne tradition russe, tandis que la grâce et la sophistication de la structure décorative témoignent d'une excellente maîtrise des formes de l'art européen.

L'originalité du portrait cérémonial russe dans l'œuvre de Borovikovsky, destiné à glorifier avant tout la position de l'homme dans la société de classe, était le désir de révéler le monde intérieur de l'homme. Ses portraits sont imprégnés de l'esprit d'un nouveau mouvement sentimentaliste, contrairement au classicisme qui dominait les portraits impériaux à cette époque.

Levitsky était aussi doué pour les portraits intimes que pour les images de cérémonie en pied.

Les portraits de cérémonie de Levitsky révèlent le caractère décoratif inhérent à sa peinture dans toute sa splendeur.

Dans les portraits d'apparat de sa période de maturité, Levitsky s'affranchit de la rhétorique théâtrale ; ils sont empreints d'un esprit de gaieté.

2. Caractéristiques d'un portrait de chambre de la seconde moitié du XVIIIe siècle :

Portrait de chambre - un portrait utilisant une image à mi-longueur, sur la poitrine ou aux épaules de la personne représentée. Habituellement, dans un portrait de chambre, le personnage est représenté sur un fond neutre.

Un portrait de chambre n'est pas seulement un ensemble de caractéristiques extérieures, c'est une nouvelle façon de voir une personne. Si dans une image cérémonielle le critère de la valeur d'une personnalité humaine était ses actions (que le spectateur connaissait grâce à ses attributs), alors dans une image de chambre, les qualités morales passent au premier plan.

Le désir de transmettre les qualités individuelles d'une personne et en même temps d'en faire une évaluation éthique.

Borovikovsky s'est tourné vers diverses formes de portraits - intimes, formels et miniatures. Vladimir Lukich Borovikovsky était l'artiste sentimental russe le plus éminent. Livre d'A.I. Arkhangelskaya « Borovikovsky » (3) raconte les principales étapes de l'œuvre de ce remarquable artiste russe, représentant du sentimentalisme dans les beaux-arts russes. Selon l'auteur, V.L. Borovikovsky est « un chanteur de la personnalité humaine, s'efforçant de donner l'idéal de l'homme tel que lui et ses contemporains l'ont imaginé ». Il fut le premier parmi les portraitistes russes à révéler la beauté de la vie émotionnelle. Les portraits de chambre occupent une place prédominante dans l’œuvre de Borovikovsky.

Borovikovsky devient populaire parmi un large éventail de nobles de Saint-Pétersbourg. L'artiste représente des « clans » familiaux entiers - les Lopukhins, les Tolstoï, les Arseniev, les Gagarine, les Bezborodko, qui ont répandu leur renommée par des canaux connexes. Les portraits de Catherine II, de ses nombreux petits-enfants, du ministre des Finances A.I. Vasilyev et de son épouse remontent à cette période de sa vie. Les toiles de l’artiste sont très élégantes grâce à la pose gracieuse des modèles, aux gestes gracieux et à l’utilisation habile du costume. Les héros de Borovikovsky sont généralement inactifs, la plupart des modèles sont ravis de leur propre sensibilité. Ceci est exprimé par le portrait de M.I. Lopukhina (1797), le portrait de Skobeeva (milieu des années 1790) et l'image de la fille de Catherine II et d'A.G. Potemkine - E.G. Temkina (1798) .

« Le portrait de M.I. Lopukhina (Il. 7) (5) appartient à l'époque où, parallèlement à la domination du classicisme, s'établissait le sentimentalisme. L'attention portée aux nuances du tempérament individuel, le culte de l'existence solitaire et privée agissent comme une réaction particulière à la normativité du classicisme de nature sociale. L’aisance naturelle transparaît dans le geste artistiquement insouciant de Lopukhina, l’inclinaison capricieuse et capricieuse de sa tête, la courbure volontaire de ses lèvres douces, la distraction rêveuse de son regard.

Image de M.I. Lopukhina captive le spectateur par sa douce mélancolie, l'extraordinaire douceur de ses traits du visage et son harmonie intérieure. Cette harmonie est véhiculée par toute la structure artistique du tableau : tant par la tournure de la tête que par l’expression du visage de la femme, elle est soulignée par des détails poétiques individuels, comme les roses cueillies et déjà tombantes sur la tige. Cette harmonie est facile à saisir dans la douceur mélodieuse des lignes, dans la prévenance et la subordination de toutes les parties du portrait.
Face à M.I. Lopukhina est peut-être loin de l'idéal classique de beauté, mais elle est remplie d'un charme si indescriptible, d'un tel charme spirituel qu'à côté d'elle, de nombreuses beautés classiques apparaîtront comme un schéma froid et sans vie. L'image captivante d'une femme douce, mélancolique et rêveuse est véhiculée avec beaucoup de sincérité et d'amour, et l'artiste révèle son monde spirituel avec une conviction étonnante.
Un regard pensif, langoureux, triste et rêveur, un doux sourire, l'aisance libre d'une pose un peu fatiguée ; des lignes douces et rythmées; formes douces et rondes; une robe blanche, un foulard lilas et des roses, une ceinture bleue, des cheveux cendrés, un fond de feuillage vert et, enfin, une douce brume aérienne remplissant l'espace - tout cela forme une telle unité de tous les moyens d'expression picturale, dans laquelle le la création de l'image se révèle plus pleinement et plus profondément.

Le portrait de Lopukhina a été peint sur fond de paysage. Elle est debout dans le jardin, appuyée sur une vieille console en pierre. La nature dans laquelle l'héroïne s'est retirée ressemble à un coin du parc paysager d'un domaine noble. Elle incarne un monde magnifique, plein de beauté naturelle et de pureté. Les roses et les lys fanés évoquent une légère tristesse, des pensées sur la beauté passagère. Ils font écho à l’ambiance de tristesse, d’inquiétude et de mélancolie dans laquelle est plongée Lopukhina. À l'ère du sentimentalisme, l'artiste est particulièrement attiré par les états complexes et transitoires du monde intérieur de l'homme. La rêverie élégiaque et la tendresse langoureuse imprègnent tout le tissu artistique de l’œuvre. La prévenance et le léger sourire de Lopukhina révèlent son immersion dans le monde de ses propres sentiments.

La composition entière est imprégnée de rythmes lents et fluides. La courbe douce du personnage et la main doucement baissée trouvent écho dans les branches inclinées des arbres, les troncs blancs des bouleaux et les épis de seigle. Des contours vagues et flous créent une sensation d’environnement léger et aéré, une brume transparente dans laquelle la silhouette du modèle et la nature environnante sont « immergées ». Le contour qui entoure sa silhouette - tantôt perdu, tantôt apparaissant sous la forme d'une ligne fine et flexible - évoque dans la mémoire du spectateur les contours des statues antiques. Les plis tombant, convergeant ou formant des cassures douces, les traits les plus subtils et les plus spirituels du visage, tout cela constitue pour ainsi dire non pas de la peinture, mais de la musique. Le bleu doux du ciel, le vert sourd du feuillage, l'or des oreilles avec des touches lumineuses de bleuets font écho à la couleur de la robe blanc perle, de la ceinture bleue et de la décoration scintillante sur le bras. Le foulard lilas fait écho à des nuances de roses fanées.

Dans les portraits de Borovikovsky, « Lisanka et Dashenka » (Ill. 6)(3) incarnent le type de filles sensibles de cette époque. Leurs visages doux sont pressés joue contre joue, leurs mouvements sont pleins de grâce juvénile. La brune est sérieuse et rêveuse, la blonde est vive et drôle. Se complétant les uns les autres, ils fusionnent dans une unité harmonieuse. Le caractère des images correspond aux tons délicats des fleurs froides bleu-lilas et chaudes rose doré.

Borovikovsky était particulièrement doué pour représenter les « jeunes filles » issues de familles nobles. Il s'agit du «Portrait d'Ekaterina Nikolaevna Arsenyeva» (4), qui fut une élève de l'Institut Smolny des jeunes filles nobles, demoiselle d'honneur de l'impératrice Maria Feodorovna. La jeune femme de Smolensk est représentée dans un costume de « peasanka » : elle porte une robe ample, un chapeau de paille avec des épis de maïs et tient dans ses mains une pomme juteuse. Chubby Katenka ne se distingue pas par la régularité classique de ses traits. Cependant, un nez retroussé, des yeux pétillants de sournoiserie et un léger sourire aux lèvres fines ajoutent de la gaieté et de la coquetterie à l'image. Borovikovsky a parfaitement capturé la spontanéité du modèle, son charme vif et sa gaieté.

F.S. Rokotov

Créativité F.S. Rokotova (1735-1808) constitue l'une des pages les plus charmantes et les plus difficiles à expliquer de notre culture.

L’image cérémonielle n’était ni la préférée de Rokotov ni le domaine de créativité le plus typique. Son genre de prédilection est le portrait en pied, dans lequel toute l’attention de l’artiste est concentrée sur la vie du visage humain. Son schéma de composition se distinguait par sa simplicité, quelque peu confinant à la monotonie. En même temps, ses portraits se caractérisent par une subtile habileté picturale.

Il était attiré par d’autres tâches de peinture : créer des peintures de chambre et intimes qui refléteraient les idées du maître sur une structure spirituelle sublime.

En ce qui concerne les travaux de F.S. Rokotov, en tant qu'adepte du portrait de chambre, les auteurs notent que l'origine idéale de cet artiste est combinée aux caractéristiques de l'apparence d'un individu, ainsi qu'à une représentation magistrale des traits du visage, des vêtements et des bijoux de la personne représentée ; l'artiste est capable d'identifier les qualités spirituelles du modèle.

Dans la caractérisation de l'image par Rokotov, l'expressivité des yeux et des expressions faciales est très importante, et l'artiste ne cherche pas à transmettre une humeur spécifique ; il veut plutôt créer un sentiment d'insaisissabilité, de fugacité des sentiments d'une personne. fonctionne surprendre par la beauté délicate et sophistiquée de la palette de couleurs. La coloration, généralement basée sur trois couleurs, exprime grâce à ses transitions la richesse et la complexité de la vie intérieure de la personne représentée. L'artiste utilise le clair-obscur d'une manière unique, mettant en valeur le visage et, pour ainsi dire, dissolvant des détails mineurs.

Les portraits de Rokotov appartiennent à l'histoire à travers leurs visages. Grâce à eux, nous avons l'opportunité d'imaginer des images d'une époque révolue.

À la fin des années 1770-1780.

Ces caractéristiques de la créativité de Rokotov se sont manifestées le plus pleinement dans les portraits féminins, qui occupaient une place particulière dans l’art du XVIIIe siècle. A l'époque de son apogée créative, le peintre crée une galerie de belles images féminines : A. P. Struyskaya (1772) (Ill. 13), V. E. Novosiltseva. (ill. 14)

Le prochain portrait féminin est « Inconnue en robe rose », peint dans les années 1770. Il est considéré comme l'un des chefs-d'œuvre de Rokotov. Les plus belles nuances de rose - de saturé dans les ombres, puis de lumière chaude, créent l'effet de scintillement, de flottement du meilleur environnement lumière-air, comme s'ils étaient en accord avec les mouvements spirituels internes cachés invariablement dans les portraits du XVIIIe siècle. un sourire bienveillant qui brille au fond de son regard. Cette image est remplie d'un charme lyrique particulier.

Le «Portrait d'une inconnue en robe rose» est particulièrement remarquable. L'ouverture d'une personne aux autres et au monde présuppose une intimité, une attention et un intérêt cachés, peut-être quelque part de la condescendance, un sourire à soi-même, ou encore de l'enthousiasme et de la gaieté, un élan rempli de noblesse - et cette ouverture, cette confiance en l'autre et dans le monde dans son ensemble - propriétés de la jeunesse, de la jeunesse, en particulier à une époque où de nouveaux idéaux de bonté, de beauté et d'humanité sont dans l'air comme le souffle du printemps. (http://www.renclassic.ru/Ru/35/50/75/)

Le portrait d'une jeune femme inconnue aux yeux pensivement plissés, vêtue d'une robe rose clair (Unknown in Pink), peint par Fiodor Stepanovich Rokotov, séduit par sa subtilité et sa richesse spirituelle. Rokotov écrit doucement et avec légèreté. D'un demi-indice, sans rien tirer jusqu'au bout, il rend la transparence de la dentelle, la douce masse des cheveux poudrés, un visage clair aux yeux ombrés.

F. Rokotov « Portrait d'A.P. Struyskoy" (Ill. 13)

1772, huile sur toile, 59,8x47,5cm

Le portrait d'Alexandra Struyskaya est sans aucun doute l'image la plus brillante d'une femme idéalement belle de tous les portraits russes. Une charmante jeune femme est représentée, pleine d’une grâce captivante. Un visage ovale gracieux, de fins sourcils volants, un léger rougissement et un regard pensif et absent. Dans ses yeux il y a de la fierté et de la pureté spirituelle. Le portrait est peint avec des teintes de couleurs et de lumière. Les ombres se transforment subtilement en clair, les tons gris cendré se transforment en bleu et les tons rosés en or pâle. Les jeux de lumière et les dégradés de couleurs ne sont pas perceptibles et créent une légère brume, peut-être une sorte de mystère.

Une légende a été préservée sur l'amour de Rokotov pour Struiska, apparemment inspirée par le ton particulier de charme et de chance du talent de l'artiste qui a créé son portrait (http://www.nearyou.ru/rokotov/1Struiska.html).

Lévitski

Dans ses portraits intimes, une attitude objective envers le modèle prévaut sensiblement. Les caractéristiques de l'individualité se généralisent et les traits typiques sont soulignés. Levitsky reste un grand psychologue et un brillant peintre, mais ne montre pas son attitude envers le modèle.

Des sourires du même type, un blush trop vif sur les joues, une technique pour placer les plis. Ainsi, la joyeuse dame E.A. Bakunina (1782) et la sèche et primitive Dorothea Schmidt (début des années 1780) se ressemblent subtilement.

Portrait d'Ursula Mniszech (Ill. 12)

1782., huile sur toile,

Galerie nationale Tretiakov, Moscou

Le portrait d’Ursula Mniszech a été peint au zénith du talent et de la renommée de l’artiste. L'ovale était rare dans la pratique du portrait de D. G. Levitsky, mais c'est cette forme qu'il a choisie pour la représentation exquise d'une beauté laïque. Avec un illusionnisme naturel, le maître a transmis la transparence de la dentelle, la fragilité du satin et la poudre grise d'une perruque haute à la mode. Les joues et les pommettes « brûlent » sous la chaleur du blush cosmétique appliqué.

Le visage est peint de traits fondus, indiscernables grâce aux glacis transparents allégés et donnant au portrait une surface légèrement vernie. Sur un fond sombre, les tons gris bleuâtre, cendré argenté et doré pâle se combinent avantageusement.

Un tour de tête lointain et un sourire bienveillant et érudit confèrent au visage une expression polie et laïque. Un regard froid et direct semble évasif, cachant l’intérieur du modèle. Ses yeux clairs et ouverts sont délibérément secrets, mais pas mystérieux. Cette femme, malgré sa volonté, suscite l’admiration, tout comme la peinture virtuose du maître.

(http://www.nearyou.ru/levitsk/1mnishek.html)

Conclusion:

Dans ses portraits intimes, Borovikovsky capture parfaitement la spontanéité du modèle, son charme vif et sa gaieté. Borovikovsky fut le premier portraitiste russe à révéler la beauté de la vie émotionnelle. Les toiles de l’artiste sont très élégantes grâce à la pose gracieuse des modèles, aux gestes gracieux et à l’utilisation habile des costumes. Les héros de Borovikovsky sont généralement inactifs, la plupart des modèles sont ravis de leur propre sensibilité.

Les portraits « intimes » créés par Levitsky sont marqués par la profondeur et la polyvalence des caractéristiques psychologiques ; ils se caractérisent par une grande retenue des moyens artistiques.

Dans ses portraits intimes, une attitude objective envers le modèle prévaut sensiblement. Les caractéristiques de l'individualité se généralisent et les traits typiques sont soulignés.

F.S. Rokotov, adepte du portrait de chambre

Une caractéristique distinctive de Rokotov est un intérêt accru pour le monde intérieur d'une personne ; dans le portrait, l’artiste souligne la présence d’une vie spirituelle complexe, la poétise, concentre l’attention du spectateur sur elle, affirmant ainsi sa valeur.

Caractéristique

Sous-types

Selon les attributs, un portrait d'apparat peut être :

- Couronnement (trône moins courant)
- Équestre
- A l'image d'un commandant (militaire)
- Le portrait de chasse est adjacent à celui de devant, mais peut aussi être intimiste.
  - Semi-cérémonial - a le même concept qu'un portrait de cérémonie, mais a généralement une coupe jusqu'à la taille ou jusqu'aux genoux et des accessoires assez développés

Portrait du couronnement

«Le portrait impérial a été conçu comme une empreinte pendant des siècles de l'idée d'État la plus importante du moment. Les formes immuables ont joué un rôle important en démontrant la valeur durable du présent, la stabilité du pouvoir d'État, etc. En ce sens, ce qu'on appelle « Portrait du couronnement », qui présuppose l'image d'un souverain doté des attributs du pouvoir et revendique la même constance sacrée que la cérémonie du couronnement elle-même. En effet, depuis l'époque de Pierre le Grand, lorsque Catherine Ier fut couronnée pour la première fois selon les nouvelles règles, jusqu'à l'époque de Catherine II, ce type de portrait ne connut que de légères variations. Les impératrices - Anna Ioannovna, Elizaveta Petrovna, Catherine II - s'élèvent majestueusement au-dessus du monde, ressemblant en silhouette à une pyramide inébranlable. L’immobilité royale est également soulignée par la lourde robe de couronnement avec un manteau, dont le poids emblématique équivaut à la couronne, au sceptre et à l’orbe qui accompagnaient invariablement l’image de l’autocrate.

Attributs permanents :

colonnes conçues pour souligner la stabilité du gouvernement
des draperies, assimilées à un rideau de théâtre qui vient de s'ouvrir, révélant au public un phénomène miraculeux

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Remarques

Un extrait caractérisant le Portrait Cérémonial

Koutouzov se retira à Vienne, détruisant derrière lui les ponts sur les rivières Inn (à Braunau) et Traun (à Linz). Le 23 octobre, les troupes russes traversent la rivière Enns. Des convois russes, de l'artillerie et des colonnes de troupes s'étendaient en milieu de journée à travers la ville d'Enns, de ce côté et de l'autre du pont.
La journée était chaude, automnale et pluvieuse. La vaste perspective qui s'ouvrait depuis l'élévation où se tenaient les batteries russes protégeant le pont, se couvrit soudain d'un rideau de mousseline de pluie oblique, puis s'agrandit brusquement, et dans la lumière du soleil des objets comme recouverts de vernis devinrent visibles au loin et clairement. On voyait sous les pieds une ville avec ses maisons blanches et ses toits rouges, sa cathédrale et son pont, des deux côtés desquels affluaient en masse les troupes russes. Au détour du Danube, on pouvait voir des navires, une île et un château avec un parc, entourés par les eaux du confluent de l'Ensa avec le Danube, on pouvait voir la rive gauche rocheuse du Danube couverte de forêts de pins au mystérieux ; distance de sommets verts et de gorges bleues. Les tours du monastère étaient visibles, dépassant d'une forêt de pins qui semblait intacte ; loin devant, sur la montagne, de l'autre côté d'Ens, on apercevait des patrouilles ennemies.
Entre les canons, en hauteur, le chef de l'arrière-garde, un général et un officier de suite se tenaient devant, examinant le terrain à la lunette. Un peu en arrière, Nesvitsky, envoyé du commandant en chef à l'arrière-garde, était assis sur le canon d'un fusil.
Le cosaque accompagnant Nesvitsky a remis un sac à main et une flasque, et Nesvitsky a offert aux officiers des tartes et du vrai doppelkümel. Les officiers l'entouraient joyeusement, certains à genoux, d'autres assis les jambes croisées sur l'herbe mouillée.
- Oui, ce prince autrichien n'a pas été idiot de construire un château ici. Bel endroit. Pourquoi ne mangez-vous pas, messieurs ? - a dit Nesvitsky.
"Je vous remercie humblement, prince", répondit l'un des officiers, heureux de discuter avec un responsable d'état-major aussi important. - Endroit magnifique. Nous sommes passés devant le parc lui-même, avons vu deux cerfs et quelle magnifique maison !
"Ecoute, prince", dit l'autre, qui voulait vraiment prendre une autre tarte, mais avait honte, et qui faisait donc semblant de regarder autour de lui, "regarde, notre infanterie est déjà montée là-bas." Là-bas, dans le pré à l'extérieur du village, trois personnes traînent quelque chose. « Ils vont percer ce palais », dit-il avec une visible approbation.
"Les deux", a déclaré Nesvitsky. "Non, mais ce que je voudrais," ajouta-t-il en mâchant la tarte dans sa belle bouche moite, "c'est monter là-haut."
Il montra un monastère avec des tours visibles sur la montagne. Il sourit, ses yeux se plissèrent et s'illuminèrent.
- Mais ce serait bien, messieurs !
Les officiers ont ri.
- Au moins, faites peur à ces religieuses. Les Italiens, disent-ils, sont jeunes. Vraiment, je donnerais cinq ans de ma vie !
«Ils s'ennuient», dit en riant l'officier le plus audacieux.
Pendant ce temps, l'officier de suite qui se tenait devant faisait remarquer quelque chose au général ; le général regarda à travers le télescope.
"Eh bien, c'est ainsi, c'est ainsi", dit le général avec colère, baissant le récepteur de ses yeux et haussant les épaules, "et c'est ainsi qu'ils vont atteindre le passage à niveau." Et pourquoi traînent-ils là ?
De l'autre côté, l'ennemi et sa batterie étaient visibles à l'œil nu, d'où émergeait une fumée blanche et laiteuse. Suite à la fumée, un coup de feu lointain a été entendu et il était clair comment nos troupes se précipitaient vers le passage.
Nesvitsky, soufflant, se leva et, souriant, s'approcha du général.
- Votre Excellence souhaite-t-elle prendre une collation ? - il a dit.
"Ce n'est pas bien", dit le général sans lui répondre, "nos gens ont hésité".
– Ne devrions-nous pas y aller, Votre Excellence ? - a déclaré Nesvitsky.
« Oui, partez, s'il vous plaît », dit le général en répétant ce qui avait déjà été ordonné en détail, « et dites aux hussards d'être les derniers à traverser et à éclairer le pont, comme je l'ai ordonné, et à inspecter les matériaux inflammables sur le pont. » Les portraits d'apparat se généralisent à la cour. Ils glorifiaient la royauté et son entourage. En règle générale, une personne était représentée en pleine croissance, debout ou assise sur un cheval. L'arrière-plan servait généralement de paysage ou de structures architecturales. L’artiste s’est tout d’abord concentré sur le rôle social de son modèle. Dans le même temps, ses qualités spirituelles sont souvent passées au second plan. Parmi les traits distinctifs du portrait de cérémonie figurent la pose accentuée du personnage, l'image de nombreux insignes et l'environnement magnifique.

Portrait de cérémonie dans l'œuvre de Levitsky

En Russie, l'art des portraits d'apparat s'épanouit dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. Le plus grand représentant du genre était Dmitry Grigorievich Levitsky. L’une des meilleures œuvres de l’artiste, ainsi que l’un des portraits cérémoniaux les plus insolites de tout l’art mondial, est le « Portrait de Prokofy Akinfievich Demidov ».

Le célèbre philanthrope est représenté sur fond de colonnes de l'orphelinat, dont il était l'un des administrateurs. Dans le même temps, Demidov lui-même est vêtu d'une robe de chambre, s'appuie sur un arrosoir et est entouré de plantes d'intérieur. Levitsky dit ici que son héros est aussi attentionné envers les orphelins de l'orphelinat que envers les plantes d'intérieur délicates.

Une série de portraits d'étudiants du Smolny Institute of Noble Maidens devrait également être incluse dans ce genre. De charmantes jeunes femmes sont représentées se produisant sur la scène du théâtre et étudiant les sciences et les arts. Cette série est devenue un nouveau type de portrait cérémonial pour la Russie - le soi-disant « portrait dans un rôle », où le sujet de l'image n'est pas réel, mais une vie résolument théâtrale.

L'originalité artistique du portrait de Catherine II par Borovikovsky

L’un des exemples les plus uniques de portrait de cérémonie est le tableau du jeune contemporain de Levitsky, Vladimir Lukich Borovikovsky, « Catherine II en promenade dans le parc Tsarskoïe Selo ». L'artiste a représenté l'impératrice dans des vêtements ordinaires, rien qui ne rappelle sa grandeur royale. Son chien bien-aimé gambade aux pieds de Catherine.

Il est intéressant de noter que, bien que l'impératrice elle-même ait réagi très froidement à son portrait de Borovikovsky, celui-ci a ensuite été reconnu comme l'un des meilleurs. C’est dans cette image que Catherine apparaît devant Masha Mironova dans les pages du conte de Pouchkine « La fille du capitaine ».

Ainsi, des artistes talentueux ont souvent réussi à surmonter les frontières plutôt rigides du genre du portrait cérémonial.

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