Comprend des peintres et des graphistes de la Fédération de Russie, de l'Union soviétique et de l'Empire russe, dont le genre prioritaire était le paysage. Table des matières 1 Liste 2 Voir aussi 3 Notes... Wikipédia
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Livres
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- À propos des tenues et des rituels, Kirillov Ivan Borisovich. Les fêtes folkloriques sont l'héritage de nos ancêtres. Autrefois, les gens croyaient qu'avec l'aide de rituels, ils pouvaient résoudre les problèmes économiques et attirer la chance. Renaissance des traditions de vacances...
Parmi tous les artistes les plus célèbres, je voudrais particulièrement souligner le travail de l'artiste Miftiakhov Marat Khaidarovitch.
Les paysages de Marat sont étonnants et uniques.
Les images peuvent être différentes : réalistes et irréalistes, compréhensibles et incompréhensibles.
Si vous voyez qu'un verre est dessiné sur l'image, alors c'est tout à fait évident, alors à quoi faut-il penser ? Vous avez regardé l'image et réalisé que c'était un verre, demain vous avez regardé encore et encore et réalisé que c'était un verre... Très probablement, après avoir regardé une telle image une fois, vous ne voudrez plus la regarder, puisque c'est évident et n'a pas besoin d'être expliqué. Les peintures de Marat sont tout le contraire de ces peintures. Ils attirent et fascinent car ils représentent des objets et des paysages totalement inconnus et incompréhensibles, créant des vues fantastiques en combinaison les uns avec les autres.
Les peintures contiennent de nombreux petits détails différents.
Il est très difficile d’examiner l’ensemble de l’image en détail d’un coup ; de telles images nécessitent plusieurs visualisations. Et à chaque fois, en s'approchant de l'image, le spectateur peut découvrir quelque chose de nouveau, quelque chose qu'il n'avait pas remarqué auparavant. Cette qualité est inhérente à toutes les peintures de Marat et rend leur visualisation encore plus attrayante. Les peintures sont riches en informations et portent une profonde signification philosophique.
«Je considère Renato Guttuso comme l'artiste le plus important de l'Europe occidentale moderne», écrit J. Berger.
Et voici les mots de Carlo Levi : « Guttuso est un grand artiste : et pas seulement de Sicile et d'Italie. Il est aujourd'hui l'un des plus grands artistes du monde. "J'en suis profondément convaincu et je suis heureux de pouvoir le déclarer sans restrictions ni réserves, en toute responsabilité."
Renato Guttuso est né en Sicile à Bagheria près de Palerme le 26 décembre 1911 (selon d'autres sources - 2 janvier 1912), dans la famille d'un géomètre. Il a reçu ses premières compétences professionnelles auprès de l'artiste populaire Emilio Murdolo, qui peignait des voitures. Pendant ses études au Lycée, Guttuso s’adonne simultanément à la peinture : il se familiarise avec les livres d’art et visite les ateliers d’artistes. À la fin des années vingt, ses premières peintures apparaissent.
Lors de la première Quadriennale (une exposition de quatre ans d'artistes italiens), il obtient un succès mineur - les critiques attirent l'attention sur deux de ses tableaux.
Déjà de son vivant, le nom de Dali était entouré d’une auréole de renommée mondiale. Personne, à l'exception de Pablo Picasso, ne pouvait se comparer à lui en termes de renommée.
Le célèbre réalisateur Alfred Hitchcock a écrit : « J'ai apprécié Dali pour les contours tranchants de ses peintures - bien sûr, à bien des égards similaires aux peintures de Chirico - pour ses longues ombres, sa défamiliarisation sans fin, une ligne insaisissable qui va vers l'infini, pour les visages sans forme. Naturellement, il a inventé bien d’autres choses très étranges qui n’ont pas pu être réalisées. »
Dali a dit à propos de sa peinture : « Comment voulez-vous comprendre mes peintures alors que moi-même, qui les ai créées, je ne les comprends pas non plus. Le fait qu’au moment où je peins je ne comprends pas mes tableaux ne veut pas dire que ces tableaux n’ont aucun sens, au contraire, leur sens est si profond, complexe, connecté, involontaire qu’il échappe à la simple analyse logique.
Salvador Domingo Felipe Jacinto Dali y Domenech est né le 11 mai 1904 dans la petite ville de Figueres (province de Gérone), dans la famille d'un avocat. Il a été baptisé du même nom que son frère, décédé à sept ans des suites d'une méningite. Dans son autobiographie, l'artiste écrit : « Étant né, j'ai pris la place du mort adoré, qui continuait à être aimé à travers moi... Toutes mes actions excentriques ultérieures, toutes mes pitreries incohérentes furent la constante tragique de ma vie. : J'ai dû me prouver que je n'étais pas mon frère mort, mais lui-même - vivant. C’est ainsi que j’ai rencontré le mythe de Castor et Pollux : en tuant mon propre frère en moi, j’ai gagné ma propre immortalité.
« Le réalisme n’est pas une formule établie une fois pour toutes, ni un dogme, ni une loi immuable. Le réalisme, en tant que forme de reflet de la réalité, doit être en mouvement constant », explique Siqueiros. Et encore une de ses déclarations : « Le spectateur n'est pas une statue incluse dans la perspective linéaire du tableau... c'est celui qui se déplace sur toute sa surface... une personne, observant le tableau, complète la vision de l'artiste. créativité avec son mouvement.
Le 29 décembre 1896, dans la ville mexicaine de Chihuahua, un fils, José David Alfaro Siqueiros, est né de Don Cipriano Alfaro et Teresa Siqueiros. À l'âge de onze ans, il montra un don pour la peinture et, en 1907, le garçon fut envoyé étudier à l'École préparatoire nationale de Mexico. Peu de temps après, Alfaro commence à étudier dans les classes de l'Académie des Beaux-Arts de San Carlos.
Ici, Siqueiros devient l'un des dirigeants étudiants et incite l'académie à protester et à faire grève. L'artiste se souvient : « Quels étaient les objectifs de notre grève ? Qu’avons-nous exigé ? Nos revendications concernaient à la fois des questions éducatives et politiques. Nous voulions mettre fin à la vieille routine académique qui régnait en maître dans notre école. Dans le même temps, nous avons également formulé certaines revendications d'ordre économique... Nous avons exigé la nationalisation des chemins de fer. Le Mexique tout entier s'est moqué de nous... Franchement, je suis profondément convaincu que c'est ce jour-là qu'est né dans l'âme de chacun de nous un artiste-citoyen, un artiste vivant l'intérêt public... »
Les toiles de Plastov sont pleines d'un pouvoir d'affirmation de la vie. Par la couleur et grâce à la couleur, il remplit ses tableaux d'un sentiment vivant et vibrant. L'artiste dit : « J'aime cette vie. Et quand vous le voyez année après année... vous pensez que vous devez en parler aux gens... Notre vie est pleine et riche, elle contient tellement de choses incroyablement intéressantes que même les affaires quotidiennes ordinaires de notre peuple attirent attention et secouer l'âme. Il faut pouvoir le voir, le remarquer.
Arkady Alexandrovich Plastov est né le 31 janvier 1893 dans le village de Prislonikha, province de Simbirsk, dans la famille d'un peintre d'icônes du village. Ses parents rêvaient que leur fils devienne prêtre. Après avoir terminé trois cours dans une école rurale, Arkady fut envoyé en 1903 à l'école théologique de Simbirsk. Cinq ans plus tard, il entre au séminaire théologique de Simbirsk.
Au printemps de la même année 1908, il entre en contact étroit avec le travail d'une équipe de peintres d'icônes qui rénovent l'église de Prislonikha. «Quand ils ont commencé à monter l'échafaudage», écrit l'artiste dans son autobiographie, «en broyant des peintures, en faisant bouillir de l'huile siccative sur la rive escarpée de la rivière, je n'étais moi-même pas moi-même et je marchais, enchanté, autour des faiseurs de miracles en visite.» En voyant comment un monde d’images nouveau et sans précédent est né sur les murs de la vieille église crasseuse, le garçon a fermement décidé : « N’être qu’un peintre et rien d’autre ».
On peut comprendre Chagall par « sentir » et non par « comprendre ». "Le ciel et le vol sont l'état principal du pinceau de Chagall", a noté Andrei Voznesensky.
«J'ai marché sur la Lune», a déclaré l'artiste, «quand les astronautes n'existaient pas encore. Dans mes peintures, les personnages étaient dans le ciel et dans les airs... »
Mark Zakharovich Chagall est né le 7 juillet 1887 à Vitebsk. Il était l'aîné des dix enfants d'un petit commerçant. Son père était ouvrier chez un marchand de hareng et sa mère, Feiga, tenait un petit magasin. En 1905, Mark est diplômé d'une école professionnelle municipale de quatre ans.
Le premier professeur de Mark fut Yu.M. Peng. Dans son autobiographie intitulée « Ma vie », Chagall a dédié les lignes suivantes à Youri Moiseevich : « Pen m'est cher. Sa silhouette tremblante se dresse donc devant mes yeux. Dans ma mémoire, il habite à côté de son père. Souvent, en me promenant mentalement dans les rues désertes de ma ville, je le croise sans cesse. Combien de fois étais-je prêt à le supplier, debout sur le seuil de l'école : je n'ai pas besoin de gloire, juste de devenir comme toi, un humble maître, ou d'accrocher, à la place de tes tableaux, dans ta rue, dans ton maison, à côté de chez vous. Laissez-moi!"
Le célèbre critique Paul Husson écrivait en 1922 à propos de Modigliani :
« Après Gauguin, c'est sans doute lui qui a le mieux su exprimer le sentiment du tragique dans son œuvre, mais chez lui ce sentiment était plus intime et généralement dépourvu de toute exclusivité.
...Cet artiste porte en lui toutes les aspirations tacites d'une nouvelle expressivité, caractéristiques d'une époque qui a soif d'absolu et ne connaît pas le chemin qui y mène.
Amedeo Clemente Modigliani est né le 12 juillet 1884 dans une famille de juifs italiens. Son père, Flaminio Modigliani, après la faillite de son bureau Bois de chauffage et charbon, a dirigé le bureau de l'intermédiaire. La mère, Evgenia Garsen, était issue d'une famille de marchands.
Picasso disait : « L’art est un mensonge qui nous aide à comprendre la vérité. »
Pablo Ruiz Picasso est né le 25 octobre 1881 à Malaga, en Espagne, dans la famille de l'artiste Don José Ruiz et Maria Picasso y Lopez. Au fil du temps, l’artiste prend le nom de sa mère. Mon père était un modeste professeur d'art qui exécutait parfois des commandes de peinture intérieure. Le garçon a commencé à dessiner très tôt. Les tout premiers croquis étonnent par leur talent artistique et leur professionnalisme. Le premier tableau du jeune artiste s’intitule « Picador ».
Lorsque Pablo atteint l'âge de dix ans, lui et sa famille déménagent à La Corogne. En 1892, il entre à l’école d’art locale, où son père donne un cours de dessin et d’ornementation.
G.S. Oganov écrit : « …L'artiste a cherché à révéler la vie de l'image à travers l'expressivité de la forme, d'où la recherche de tension dynamique, de rythme et de couleur. Bien entendu, le spectateur n’est pas émerveillé par ces recherches elles-mêmes, mais surtout par le résultat. Et ce résultat chez Petrov-Vodkin va toujours au-delà des quêtes purement compositionnelles, décoratives et picturales - la vie de l'esprit est toujours présente ici dans une expression concrète psychologique et en même temps philosophiquement généralisée. Cela donne de l’ampleur à ses œuvres et en fait, malgré tous les parallèles extérieurs et formels avec l’art russe ancien ou l’art moderne d’Europe occidentale, des œuvres originales, uniques et profondément indépendantes.
Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin est né sur la Volga dans la petite ville de Khvalynsk le 5 novembre 1878. Il était le premier-né de la famille du cordonnier Sergei Fedorovich Vodkin et de son épouse Anna Panteleevna, née Petrova. Lorsque le garçon était en troisième année, son père fut recruté comme soldat et envoyé servir à Saint-Pétersbourg, à Okhta. Bientôt, Anna Panteleevna et son petit-fils s'y installèrent. Après deux ans et demi, elle est retournée à Khvalynsk, où sa mère est entrée au service de la maison des riches locaux. Kuzma vivait avec elle dans la dépendance.
C'EST À DIRE. Repin a qualifié Koustodiev de « héros de la peinture russe ». "Un grand artiste russe - et avec une âme russe", a dit à son sujet un autre peintre célèbre, M.V.. Nesterov. Et voici ce que N.A. écrit : Sautin : « Koustodiev est un artiste au talent polyvalent. Excellent peintre, il entre dans l'art russe en tant qu'auteur d'œuvres significatives du genre quotidien, de paysages originaux et de portraits au contenu profond. Excellent dessinateur et graphiste, Koustodiev a travaillé dans la linogravure et l'impression sur bois, et a réalisé des illustrations de livres et des croquis de théâtre. Il a développé son propre système artistique original, a réussi à ressentir et à incarner les caractéristiques originales de la vie russe.
Boris Mikhaïlovitch Koustodiev est né le 7 mars 1878 à Astrakhan. Son père, Mikhaïl Loukitch Koustodiev, qui enseignait la langue, la littérature et la logique russes au gymnase et au séminaire des filles d'Astrakhan, est décédé alors que le garçon n'avait même pas deux ans. Tous les soucis d'élever quatre enfants reposaient sur les épaules de la mère, Ekaterina Prokhorovna. Mère louait une petite dépendance dans la maison d'un riche marchand. Comme le rappelle Boris Mikhaïlovitch : « Toute la vie marchande, riche et abondante, était visible... C'étaient les types vivants d'Ostrovsky... » Des décennies plus tard, ces impressions se matérialisent dans les peintures de Koustodiev.
Le fondateur de son propre style abstrait - le suprématisme - Kazimir Severinovich Malevich est né le 23 février 1878 (selon d'autres sources - 1879) à Kiev. Les parents Severin Antonovich et Ludviga Alexandrovna étaient polonais d'origine. L'artiste a rappelé plus tard : « Les circonstances dans lesquelles s'est déroulée ma vie d'enfance étaient les suivantes : mon père travaillait dans des usines de betteraves et de sucre, qui sont généralement construites dans les profondeurs de la nature, loin des grandes et petites villes. »
Vers 1890, mon père fut transféré à l'usine située dans le village de Parkhomovka, près de Belopolye. Ici, Kazimir est diplômé d'une école d'agriculture de cinq ans : « Le village... était engagé dans l'art (je ne connaissais pas un tel mot à l'époque)... J'ai regardé avec une grande excitation comment les paysans faisaient des peintures et je les ai aidés à enduire les sols des cabanes avec de l'argile et faire des motifs sur le poêle... Toute la vie des paysans m'a fortement fasciné... C'est dans ce contexte que des sentiments pour l'art, pour l'art, se sont développés en moi. Quatre ans plus tard, la famille a déménagé à l'usine de Volchok, puis à Konotop.
Parmi les artistes russes, il existe de nombreuses personnalités talentueuses. Leur travail est très apprécié dans le monde entier et constitue un digne concurrent de maîtres mondiaux tels que Rubens, Michel-Ange, Van Gogh et Picasso. Dans cet article, nous avons rassemblé 10 des artistes russes les plus célèbres.
1. Ivan Aïvazovski
Ivan Aivazovsky est l'un des artistes russes les plus célèbres. Il est né à Feodosia. Dès son enfance, Aivazovsky a montré ses incroyables capacités créatives : il aimait dessiner et a appris à jouer du violon tout seul.
À l'âge de 12 ans, le jeune talent commence à étudier à Simferopol à l'Académie de peinture. Ici, il a appris à copier des gravures et à peindre des tableaux d'après nature. Un an plus tard, il parvient à entrer à l'Académie impériale de Saint-Pétersbourg, même s'il n'a pas encore atteint l'âge de 14 ans.
Pendant longtemps, l'artiste a voyagé à travers l'Europe et a vécu en Italie, où ses peintures étaient également reconnues. Ainsi, le jeune artiste de Feodosia est devenu un homme assez célèbre et riche.
Plus tard, Aivazovsky retourna dans son pays natal, où il reçut l'uniforme du ministère de la Marine et le titre d'académicien. L'artiste s'est également rendu en Égypte et a été présent à l'ouverture du nouveau canal de Suez. L'artiste a décrit toutes ses impressions dans des peintures. À cette époque, il avait déjà développé son propre style et sa capacité à écrire de mémoire. Aivazovsky a rapidement esquissé des éléments complexes dans un cahier afin de les transférer ensuite sur toile. Ses peintures « Odessa », « La Neuvième Vague » et « La Mer Noire » lui ont valu une renommée mondiale.
L'artiste a passé les dernières années de sa vie à Feodosia, où il s'est construit une maison de style italien. Un peu plus tard, Aivazovsky y ajouta une petite galerie afin que chacun puisse profiter librement de ses étonnantes peintures et se noyer dans l'océan de couleurs. Aujourd'hui, ce manoir sert toujours de musée et de nombreux visiteurs viennent ici chaque jour pour voir de leurs propres yeux le talent du peintre de marine, qui a vécu une vie longue et heureuse.
2. Viktor Vasnetsov
La liste des artistes russes les plus célèbres se poursuit avec Viktor Vasnetsov. Il est né au printemps 1848 dans la famille d'un prêtre du petit village de Lopyal. Sa passion pour la peinture est née très jeune, mais ses parents ne pouvaient pas lui donner une éducation adéquate faute d'argent. Ainsi, à l'âge de 10 ans, Victor a commencé à étudier dans un séminaire théologique gratuit.
En 1866, pratiquement sans argent, il part pour Saint-Pétersbourg. Vasnetsov a facilement réussi l'examen d'entrée et est entré à l'Académie des Arts. Ici, son amitié a commencé avec le célèbre artiste Repin, avec qui il se rendit plus tard à Paris. De retour à Saint-Pétersbourg, Vasnetsov a commencé à peindre ses tableaux les plus célèbres : « Trois héros », « Fille des neiges » et « Dieu des armées ».
L'artiste n'a pu révéler pleinement son talent qu'après avoir déménagé à Moscou. Ici, il se sent bien et à l'aise, et chaque photo suivante s'avère meilleure que la précédente. C'est à Moscou que Vasnetsov a peint des tableaux tels que « Alyonushka », « Ivan Tsarévitch et le loup gris » et « Nestor le Chroniqueur ».
3. Karl Brioullov
Ce célèbre artiste russe est né en 1799. Le père de Karl était un peintre célèbre et professeur à l'Académie des Arts de Saint-Pétersbourg. Le sort du garçon était donc prédéterminé à l’avance. Heureusement, Karl Bryullov a réussi à hériter du talent d'artiste de son père.
Étudier était très facile pour le jeune artiste. Il était plusieurs fois supérieur au reste des étudiants de sa classe et est diplômé de l'Académie des Arts avec mention. Après cela, Karl partit voyager à travers l'Europe, s'arrêtant longtemps uniquement en Italie. C'est ici qu'il a créé son chef-d'œuvre, « Le dernier jour de Pompéi », après avoir passé environ six ans à l'écrire.
À son retour à Saint-Pétersbourg, la renommée et la gloire attendaient Karl Bryullov. Ils étaient heureux de le voir partout et admiraient certainement ses nouvelles peintures. Durant cette période, l'artiste réalise plusieurs de ses toiles immortelles : « Cavalière », « Siège de Pskov », « Narcisse » et d'autres.
4. Ivan Chichkine
Ivan Shishkin est l'un des paysagistes russes les plus célèbres qui, dans ses peintures, pouvait présenter n'importe quel paysage discret sous le jour le plus favorable. Il semble que la nature elle-même joue sur les toiles de cet artiste aux couleurs vivantes.
Ivan Shishkin est né en 1832 à Elabuga, qui appartient aujourd'hui au Tatarstan. Le père voulait que son fils occupe éventuellement le poste de fonctionnaire de la ville, mais Ivan s'est tourné vers le dessin. À l’âge de 20 ans, il part à Moscou pour étudier la peinture. Après avoir obtenu son diplôme de l'École des Arts de Moscou, Shishkin entre à l'Académie impériale de Saint-Pétersbourg.
Plus tard, il voyagea longtemps à travers l’Europe, dessinant des paysages étonnants. A cette époque, il réalise le tableau «Vue dans les environs de Düsseldorf», qui lui vaut une grande renommée. De retour en Russie, Shishkin continue de créer avec une énergie renouvelée. Selon lui, la nature russe est plusieurs centaines de fois supérieure aux paysages européens.
Ivan Shishkin a peint de nombreux tableaux époustouflants au cours de sa vie : « Matin dans une forêt de pins », « Première neige », « Forêt de pins » et d'autres. Même la mort a rattrapé ce peintre juste derrière son chevalet.
5. Isaac Lévitan
Ce grand maître russe du paysage est né en Lituanie, mais a vécu toute sa vie en Russie. Son origine juive lui a valu à maintes reprises de nombreuses humiliations, mais ne l'a jamais contraint à quitter ce pays qu'il idolâtrait et louait dans ses peintures.
Les premiers paysages de Levitan ont déjà reçu des notes élevées de la part de Perov et Savrasov, et Tretiakov lui-même a même acheté son tableau « Jour d'automne à Sokolniki ». Mais en 1879, Isaac Levitan et tous les Juifs furent expulsés de Moscou. Ce n'est que grâce aux énormes efforts de ses amis et de ses professeurs qu'il parvient à retourner en ville.
Dans les années 1880, l’artiste peint de nombreux tableaux époustouflants qui le rendent très célèbre. C'étaient « Pins », « Automne » et « Première neige ». Mais de nouvelles humiliations ont contraint l’auteur à quitter à nouveau Moscou et à se rendre en Crimée. Sur la péninsule, l'artiste peint de nombreuses œuvres étonnantes et améliore considérablement sa situation financière. Cela lui permet de voyager à travers l'Europe et de se familiariser avec le travail des maîtres du monde. Le summum de la créativité de Levitan était sa peinture « Au-dessus de la paix éternelle ».
6. Vasily Tropinine
Le grand portraitiste russe Vasily Tropinin a connu un destin incroyable. Il est né dans la famille des serfs du comte Markov en 1780 et n'a reçu le droit d'être un homme libre qu'à l'âge de 47 ans. Même enfant, le petit Vasily montrait un penchant pour le dessin, mais le comte l'envoya étudier pour devenir pâtissier. Plus tard, il est néanmoins envoyé à l'Académie Impériale, où il montre son talent dans toute sa beauté. Pour ses portraits « La Dentellière » et « Le Vieux Mendiant », Vasily Tropinin a reçu le titre d'académicien.
7. Petrov-Vodkine Kuzma
Le célèbre artiste russe Petrov-Vodkin a réussi à laisser derrière lui un riche héritage dans la peinture mondiale. Il est né en 1878 à Khvalynsk et, dans sa jeunesse, il allait devenir cheminot. Cependant, le destin a fait de lui un peintre de renommée mondiale.
8. Alexeï Savrasov
Les tableaux de cet artiste russe se vendaient déjà bien alors qu’il avait à peine 12 ans. Un peu plus tard, il entre à l'École de peinture de Moscou et devient instantanément l'un des meilleurs élèves. Un voyage en Ukraine a aidé Savrasov à obtenir son diplôme universitaire plus tôt que prévu et à recevoir le titre d'artiste.
Les tableaux « Pierre dans la forêt » et « Kremlin de Moscou » ont fait de ce peintre un académicien à 24 ans ! La famille royale s'intéresse aux jeunes talents et Tretiakov lui-même achète plusieurs de ses œuvres pour des expositions internationales. Parmi eux figuraient "Winter", "The Rooks Have Arrived", "Rasputitsa" et d'autres.
La mort de deux filles et le divorce qui a suivi affectent grandement Savrasov. Il boit beaucoup et meurt bientôt dans un hôpital pour pauvres.
9. Andreï Roublev
Andrei Rublev est le peintre d'icônes russe le plus célèbre. Il est né au XVe siècle et a laissé derrière lui un grand héritage sous la forme des icônes « Trinité », « Annonciation », « Baptême du Seigneur ». Andrei Rublev, avec Daniil Cherny, a décoré de nombreuses églises de fresques et a également peint des icônes pour les iconostases.
10. Mikhaïl Vroubel
Notre liste des artistes russes les plus célèbres se termine par Mikhaïl Vroubel, qui au cours de sa vie a créé de nombreux chefs-d'œuvre dans divers sujets. Il a peint le temple de Kiev et, plus tard, à Moscou, il a commencé à créer sa célèbre série de peintures « démoniaques ». Les pérégrinations créatrices de cet artiste n'ont pas trouvé une bonne compréhension parmi ses contemporains. Ce n’est que plusieurs décennies après la mort de Mikhaïl Vroubel que les historiens de l’art lui ont rendu hommage et que l’Église a souscrit à ses interprétations des événements bibliques.
Malheureusement, la vie personnelle de l’artiste l’a amené à développer une forme grave de troubles mentaux. Le titre d'académicien l'a rattrapé dans un hôpital psychiatrique, dont il n'était jamais destiné à sortir. Néanmoins, Mikhaïl Vroubel a réussi à créer de nombreuses œuvres d'art étonnantes qui méritent une véritable admiration. Parmi eux, les tableaux « Démon assis », « La princesse cygne » et « Faust » méritent d'être soulignés.
Après la victoire de la Révolution d’Octobre, la peinture, comme tous les autres domaines de l’art, subit des changements importants. Si les premiers artistes étaient guidés par leur vision intérieure du monde, après l’arrivée au pouvoir du gouvernement « populaire », la composante idéologique est passée au premier plan.
Artistes 1917 - 1921
Immédiatement après la victoire de la révolution, le gouvernement soviétique s'est attaqué aux questions d'art, essayant d'y établir un monopole. Le gouvernement soviétique a commencé ses activités par la nationalisation des collections de peintures et d'œuvres d'art.
Dès les premiers jours de la révolution, l’affiche politique s’est affirmée haut et fort. L'affiche est facile et rapide à dessiner. Il fallait mobiliser des soldats au front ; pour cela, les artistes révolutionnaires utilisèrent ce genre de peinture. Parmi les affichistes, les plus célèbres étaient : Malyutin, Alsit, Moor, Denis. Leurs créations étaient petites et plusieurs couleurs étaient utilisées. Les allégories étaient souvent utilisées. Le travail de Moor est particulièrement visible - « Êtes-vous inscrit comme bénévole ? », « Un avec un bipied, sept avec une cuillère », ces affiches sont connues à ce jour. Le style de Denis V.N. est plus laconique. L’une de ses œuvres les plus célèbres est « La Bande de Denikine », écrite en 1919.
A cette époque, un nouveau genre artistique apparaît : le design urbain. Les artistes participent à la décoration festive des villes et des places. Il y a un besoin d'affiches et de panneaux. Des artistes aussi célèbres que Petrov-Vodkin, Lanceray et d'autres ont participé à la décoration festive des villes.
Au cours des premières années du pouvoir soviétique, le développement de l'école de peinture de chevalet, née avant la révolution, s'est poursuivi. Les stéréotypes existants sont brisés. Parmi les maîtres du genre visuel, deux écoles se forment. L'un d'eux continue à adhérer au canon traditionnel, selon lequel l'artiste doit représenter le plus fidèlement possible ce qu'il voit, le second, au contraire, privilégie les images. Ce groupe comprend des sommités de l'époque telles que Yuon, Petrov-Vodkin, Rylov. L’œuvre de Petrov-Vodkine « La Madone de Petrograd » est devenue historique. L'œuvre de Rylov "In the Blue Expanse" se démarque également - bien que l'image n'ait pas de signification révolutionnaire, elle se distingue par son calme et évoque un sentiment de tranquillité.
A cette époque, l’art graphique se développe également. L'un des représentants les plus éminents du graphisme de cette époque était Kupreyanov.
Après la victoire de la guerre civile, le travail des sculpteurs apparaît. Tout d’abord, il s’agissait de monuments dédiés aux héros tombés au combat pendant la guerre civile. L'une des œuvres les plus marquantes de cette époque est la tour Tatlin, qui symbolisait le courage et la détermination.
Une tendance intéressante dans l’art de cette époque est la porcelaine de propagande, qui est l’une des cartes de visite de cette époque. Sa production a été supervisée par l'artiste S. V. Chekhonin. Les travaux ont été réalisés à la Manufacture nationale de porcelaine. Depuis les temps anciens, de nombreux produits sont restés dans les réserves. Les artistes les ont peints avec des symboles soviétiques, ont remplacé les timbres par des inscriptions communistes et leur ont appliqué des slogans révolutionnaires.
Artistes des années 20
Après la fin de la guerre civile, une nouvelle période commence dans le développement de la peinture. Bien que l’ennemi intérieur ait déjà été vaincu, l’État était entouré d’ennemis et tout le monde en URSS n’était pas satisfait de la situation actuelle. Durant cette période, l’État soviétique avait besoin de consolider sa domination dans l’esprit du peuple. L'une des méthodes utilisées était l'art.
Durant ces années, la peinture se développe activement. Divers clubs et écoles d'art ont vu le jour. C’est une période de recherche, de nouveaux départs, d’enthousiasme juvénile généré par la révolution.
L'une des écoles d'art les plus célèbres de l'époque était l'AHRR. L'abréviation signifiait Association des artistes de la Russie révolutionnaire. Il est apparu en 1922. Son noyau était constitué des Wanderers. Cette école perpétue les traditions du réalisme. Le thème principal des œuvres des artistes de ce groupe est une description de la vie et de la vie quotidienne des ouvriers et soldats de l'Armée rouge. Les artistes les plus célèbres de l'AHRR : Brodsky, Malyutin, Cheptsov, Grekov, Ryazhsky, Arkhipov, Yakovlev. L'œuvre la plus célèbre est « Lénine à Smolny » de Brodsky. Cette image a peut-être été vue par tous ceux qui ont vécu à cette époque. C'est devenu la base de la Leniniyada. Un autre tableau sur lequel je voudrais attirer l’attention est l’œuvre « Tachanka » de Grekov. L'auteur traduit parfaitement la dynamique, les prouesses et l'étendue de la steppe.
OST - la société des stankistes - ce groupe s'est concentré sur la recherche créative, a imité les impressionnistes, cette direction était caractérisée par des thèmes du sport et de l'industrie. Les sommités de cette école : Williams, Labas, Pimenov, Shterenberg, Deineka. Cette école est caractérisée par l’œuvre de Deineka « La Défense de Petrograd »
Les Quatre Arts sont un groupe dont les œuvres se caractérisent par un fond philosophique. Il comprend : Kuznetsov, Petrov-Vodkin, Favorsky et autres.
Il y avait d'autres groupes artistiques. A cette époque, les formes d'art nationales se développaient. Les écoles d'art sont nées dans les régions de la Russie tsariste, où la peinture était auparavant totalement absente - la région de l'Asie centrale.
Représentants des écoles nationales de peinture ayant travaillé durant cette période : Azimzade, Tansykbaev, Abilkhan, Grigoryan, Kojoyan et autres.
En Ukraine, les maîtres les plus célèbres de cette période sont Stolyar, Petritsky, Boychuk, Pavlenko.
Depuis les années 20, des changements se sont également produits dans le domaine des arts graphiques. Si auparavant il s'agissait de l'art de l'illustration de livres, il devient désormais une direction à part entière de la peinture. Les graphismes de cette époque étaient principalement de petites peintures sur le thème de la littérature classique. L’école d’imprimerie sur bois connaît elle aussi une seconde vie. Parmi les artistes de ce style, se distinguent les œuvres de Dobuzhinsky, Konashevich, Favorsky, Kravchenko, Kasiyan, Tychina et Andreev.
Andreev était non seulement un excellent dessinateur, mais aussi un excellent sculpteur, célèbre pour un certain nombre de sculptures reproduisant Lénine. Pour la sculpture de cette période, le thème principal est le thème de la révolution, des héros et des dirigeants. A cette époque, outre Andreev, il y avait un certain nombre de sculpteurs remarquables, à savoir : Shadr, devenu célèbre pour la sculpture « Les pavés - une arme du prolétariat », il est également connu pour les sculptures du leader. Parmi d'autres sculpteurs on note : Lebedeva, Mukhina, Matveev.
Parmi les maîtres des arts appliqués de cette période, l'école Palekh occupe la première place. Aux images de contes de fées traditionnelles de ce mouvement s'ajoutent des intrigues révolutionnaires, étroitement liées en un tout. A cette époque, l'artisanat populaire était généralement florissant et divers artels d'artisans apparaissaient en masse.
Artistes des années 30
C’est l’ère du réalisme socialiste. Tout a commencé avec le décret du Comité central du Parti communiste des bolcheviks de toute l'Union du 23 avril 1932 « Sur la restructuration des organisations littéraires et artistiques ». Cela a mis fin à la diversité culturelle. Tous les syndicats d'artistes ont été dissous et à leur place, une organisation a été créée, l'Union des artistes soviétiques.
Les principes du nouveau mouvement du réalisme socialiste ont été mieux exprimés par Maxime Gorki. Ce:
Le principe de nationalité. Les personnages principaux des œuvres sont des ouvriers ordinaires.
Le principe de l'idéologie. Toutes les œuvres doivent porter une certaine charge idéologique.
Le principe de spécificité. Le processus de développement correspondant à la compréhension matérialiste de la réalité environnante est montré.
C'est l'apogée de la peinture ; les créateurs travaillant dans la bonne direction idéologique recevaient de nombreuses commandes. L'époque est caractérisée par une soif de monumentalisme.
En plus du monumentalisme, la peinture de cette époque est remplie d'héroïsme. L'un des maîtres les plus mémorables de cette période est B. Ioganson. Ses peintures imitent les techniques utilisées par des artistes russes comme Surikov. Mais l'intrigue est remplie d'un contenu héroïque, conforme aux exigences de l'époque. Les manières de Ioganson se reflètent bien dans le tableau « Interrogatoire d’un communiste ».
Un autre maître célèbre était S. Gerasimov - il accordait une attention particulière au thème de la paysannerie. Son tableau « Vacances à la ferme collectives » est considéré comme une peinture historique de cette époque.
A. Plastov - dans ses œuvres, il a glorifié la paysannerie ; ses peintures représentent la vie des gens ordinaires, souvent sur fond de nature. Ses œuvres ont un certain ton lyrique. D'autres peintres célèbres des années 30 sont Pimenov, Deineka, Krymov.
Conformément aux exigences du réalisme socialiste, le paysage des années 30 évolue. À cette époque, les paysages étaient souvent associés à des représentations de personnages historiques. L'image la plus frappante de ce thème est l'œuvre de A. Rylov - « Lénine à Razliv ».
Le genre du portrait à cette époque était le plus activement développé par les maîtres de l'ancienne génération - Konchalovsky, Nesterov, Serova. Les portraits de Nesterov étaient appréciés; il savait remarquer et transmettre avec précision les traits caractéristiques d'une personne. Korin a également travaillé dans le style de Nesterov ; ses toiles sont monumentales et se distinguent par des formes claires. Outre les chefs de parti, les portraitistes se sont également intéressés aux individus créatifs.
La peinture monumentale de cette époque est devenue un élément presque obligatoire de l’architecture. Ici, vous pouvez mettre en valeur les peintures du restaurant de la gare de Kazansky et de la station de métro Mayakovsky.
Les sculpteurs remarquables des années 30 étaient Mukhina, Shadr, Manizer. Ici aussi, la monumentalité régnait. La création la plus significative de cette époque est peut-être la statue « Ouvrière et paysanne collective ».
Les maîtres devenus célèbres au cours de la décennie précédente ont continué à travailler dans le genre graphique. La gravure sur bois était populaire. Il s'agissait principalement d'illustrations d'œuvres classiques. Le genre de la gravure sur feuille est mis en avant, le maître le plus brillant ici était Nivinsky, son thème de prédilection était « Léniniade », le développement industriel.
Dans les années 30, la gravure quitte l'illustration du livre. Elle est remplacée par la lithographie. Dessin à l'aquarelle noire, parfois au fusain. Cette technologie était préférable pour la production de masse. Kukryniksy, Gerasimov, Kibrik et d'autres ont travaillé dans ce genre.
Artistes soviétiques pendant la Seconde Guerre mondiale
Il n’est pas surprenant qu’au cours de cette période les thèmes militaires soient devenus le thème principal des œuvres des artistes. De nombreux artistes de cette époque ont participé directement aux hostilités, certains sont morts.
La tâche des artistes de cette période était d'inspirer les gens aux exploits militaires et ouvriers. À cette époque, le genre de l’affiche a prospéré. Ainsi, la célèbre affiche de Kukryniksy « Nous détruirons l'ennemi » est apparue le 23 juin 1941. Autres affiches « La patrie appelle » de l'artiste Toidze, « Guerrier de l'Armée rouge, sauvez », etc.
La peinture sur chevalet de l’époque de la guerre se caractérise par la sérialité. L'artiste L. Soifertis, par exemple, a écrit 2 séries « Sébastopol » et « Crimée ». Son travail est doublement précieux du fait qu'il a participé directement aux combats, réalisant des croquis entre les batailles.
Un autre artiste Shmarinov a peint un certain nombre de séries au fusain et à l'aquarelle noire, mettant l'accent sur la tragédie. Son célèbre tableau "La mère sur le corps de l'homme assassiné". Pakhomov a vécu et travaillé dans Leningrad assiégée et a écrit la série graphique « Leningrad aux jours du siège ».
Les artistes de la période de guerre : Plastov, Deineka, Gerasimov, Yuon, Korin, Bubnov et bien d'autres ont laissé des peintures épiques qui traduisent la tragédie de l'époque.
Même s’il était plus difficile pour les sculpteurs de travailler pendant la guerre, on y voit des œuvres consacrées au thème de la guerre. Il s'agit pour la plupart de portraits sculpturaux de héros de première ligne et de chefs militaires. Pendant la guerre, ils créèrent : Mukhina, Tomsky, Nikoladze, Pershudchev.
A la fin des hostilités commence l'ère des monuments monumentaux, destinés à perpétuer l'exploit du peuple soviétique.
La peinture appliquée était également consacrée à des thèmes militaires. Dans les œuvres des maîtres Palekh, nous voyons des scènes de batailles fabuleuses.
Artistes de l'après-guerre
Dans les premières années d’après-guerre, tous les efforts visaient à restaurer l’économie et à glorifier l’exploit du peuple soviétique pendant la guerre. Parmi les peintures à caractère de bataille, nous soulignerons des peintures aussi grandes que « Le repos après la bataille » de l'artiste Neprintsev. "Lettre du Front" - Laktionova. Ce sont des peintures avec une touche de lyrisme, explorant la guerre comme phénomène historique.
A cette époque, de nombreux ouvrages sont également consacrés à l’histoire de la révolution. Parmi les peintures significatives de cette époque, nous soulignons l’œuvre d’un groupe d’auteurs, « Le discours de Lénine au 3e Congrès du Komsomol ». Le tableau de Serov « Les marcheurs chez Lénine », qui est devenu le deuxième tableau classique de la série léniniste. Le tableau de Melikhov « Le jeune Taras Chevtchenko chez Bryullov » attire l'attention ; les détails historiques sont soigneusement élaborés dans ce tableau.
Des images d’œuvres purement pacifiques apparaissent. Fatigués des temps difficiles de la guerre, les artistes écrivent des œuvres dédiées au travail pacifique, par exemple le tableau « Pain », peint par Yablonskaya. Il représente un simple travail rural. Le tableau de Plastov « Sur le courant de la ferme collective » a un contenu similaire. Un autre artiste soviétique, Chuikov, décrit la nature du Kirghizistan dans les tableaux « Matin », « Fille du berger », etc. Les peintures des artistes lettons Kalynysh et Osis, consacrées au travail de la pêche, attirent l'attention.
Le passage des thèmes militaires aux thèmes pacifiques a provoqué la croissance des peintures du genre paysager, principalement des peintures à direction lyrique. L'artiste Gerasimov a peint une série de peintures consacrées au paysage de la région de Moscou. Meshkov a écrit une série de peintures sur les beautés de l'Oural. Ils montrent la beauté majestueuse de la nature sibérienne. Si les auteurs précédents montraient la beauté de la nature sauvage, alors G. Nyssky, au contraire, reflétait dans ses œuvres une direction relativement nouvelle du genre, la nature transformée par l'homme. Ses peintures se caractérisent par la dynamique, le monumentalisme et le contraste. Korin, qui travaillait à cette époque, a continué son genre préféré - le portrait ; il a peint un certain nombre de portraits de créateurs.
Dans les années d’après-guerre, les graphismes satiriques se sont développés. L'artiste le plus célèbre de cette époque était B. Prorokov. Durant cette période, il écrit de nombreux ouvrages critiquant le capitalisme américain. Kukryniksy, Soifertis et d'autres travaillent sur le même sujet.
La sculpture des années d'après-guerre est dédiée au thème de la guerre. Ces sculptures monumentales, apparaissant dans chaque ville et village, sont dédiées aux héros tombés au combat. A cette époque, ils travaillaient : Tomsky, Chernyakhovsky, Vuchetich, Mikenas.
Artistes soviétiques 1960 - 1980
Dans les années 1960, lors du « dégel », les artistes tentent de s’affranchir des clichés et de représenter la réalité au plus près de la réalité. Les nouvelles pousses artistiques ont tenté de s'appuyer sur les écoles d'art dans les années 20. L’école d’art de cette période était appelée le « style sévère » pour son caractère direct, son intransigeance et l’accent mis sur le drame. Ce style n'est pas le seul ; le réalisme socialiste demeure ; certains artistes tentent d'imiter l'impressionnisme.
Les frères Smolin étaient des représentants éminents du « style sévère ». Leurs tableaux les plus célèbres sont « Strike » et « Polar Explorers ». L'exploit du travail y est représenté sans faste, comme une routine quotidienne. Un autre artiste célèbre qui a adhéré au « style sévère » était P. Nikonov. Ses tableaux les plus célèbres - "Notre vie quotidienne", "Géologues" décrivent la vie quotidienne des travailleurs soviétiques. Autres artistes célèbres du « style sévère » : Korzhev, Andronov, Popkov, V. Ivanov, Gavrilov, Tkachevs, Moiseenko, Zhilinsky.
Parmi les artistes nationaux de l'époque, les plus remarquables étaient : Salakhov, Narimanbekov, Klychev, Tordiya, Greku, Zarin, Iltner, Berzin, Subbi, Savickas et d'autres.
En RSS d'Ukraine, on remarque la créativité de T. Yablonskaya, qui s'éloigne de l'impressionnisme et se tourne vers des motifs folkloriques.
1960-1980 ère de construction grandiose. Les villes étaient restaurées après la guerre, de nouveaux quartiers étaient construits, le genre de la peinture monumentale était donc extrêmement répandu à cette époque.
Le thème principal de la sculpture est la mémoire des héros et des victimes de la Seconde Guerre mondiale. Le monument-ensemble et le mémorial « régnaient » ici. Les créations les plus marquantes de ce genre sont « Mamaev Kurgan », « Nevsky Piglet », « Khatyn ».
Sculpteurs célèbres de cette époque : Sokolova, Pologova, Shakhovskoy, Zhilinskaya, Mitlyansky, Komov, Chernov.
Dans les années 1960 et les années suivantes, la gravure, le graphisme et la linogravure étaient largement utilisés. Les artistes suivants ont travaillé dans ces genres : Zakharov, Golitsyn, Borodine, Ilyina, Makunaite, Rzakuliev.
Comme vous pouvez le constater, ce fut une grande époque qui nous a donné de nombreux maîtres inégalés. Les peintures de la période soviétique ont pris la place qui leur revient dans de nombreuses collections.
