Les arts du spectacle en tant que type particulier d'activité créative. Arts performants. "Jouez comme des adultes, mais en mieux"

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Le compositeur composait une sonate, une symphonie ou une romance et écrivait sa composition sur du papier à musique. Un morceau de musique a été créé, mais sa vie ne fait que commencer. Bien sûr, vous pouvez lire ce qui est écrit dans les notes avec vos yeux, « pour vous-même ». Les musiciens savent comment faire : ils lisent des notes comme on lit un livre, et entendent la musique avec leur oreille interne, dans leur esprit. Cependant vie pleine morceau de musique ne commence que lorsque le pianiste s'assoit au piano, que le chef d'orchestre lève sa baguette, que le flûtiste ou le trompettiste porte ses instruments à ses lèvres et que les auditeurs assis dans le salle de concert, Opéra ou à la maison - à la radio ou à la télévision, en un mot, lorsque l'œuvre tombe entre les mains du musicien interprète et commence à sonner.

Cela n’a cependant pas toujours été le cas. Autrefois, il n'y avait pas de division entre compositeurs et interprètes ; la musique était interprétée par celui qui la composait. Cette situation demeure art folklorique. Un soir d'été, les jeunes se rassemblent aux abords du village. Quelqu'un commence une chansonnette, quelqu'un d'autre propose immédiatement la sienne en réponse. Il n'était qu'un auditeur, et maintenant il agit à la fois en tant qu'écrivain et interprète.

Le temps passait. L'art de la musique s'est développé, ils ont appris à l'enregistrer et sont apparus des gens qui en ont fait leur métier. Les formes musicales sont devenues de plus en plus complexes, les moyens d'expression sont devenus de plus en plus diversifiés et l'enregistrement de la musique en notation musicale est devenu plus complet (voir Notation musicale). Fin du XVIIIe siècle. Dans la culture musicale européenne, une dernière « division du travail » s’est opérée entre les compositeurs et ceux qui n’interprétaient désormais que ce qui était écrit par d’autres. C'est vrai, tout au long du XIXe siècle. Il y avait beaucoup plus de musiciens qui jouaient leur propre musique. De merveilleux compositeurs et des virtuoses remarquables étaient F. Liszt, F. Chopin, N. Paganini, A. G. Rubinstein et, plus tard, au cours de notre siècle, S. V. Rachmaninov.

Et pourtant, l'interprétation musicale est depuis longtemps un domaine particulier de l'art musical, qui a produit de nombreux excellents musiciens - pianistes, chefs d'orchestre, organistes, chanteurs, violonistes et représentants de nombreuses autres spécialités musicales.

Le travail d'un musicien interprète est appelé créatif. Ce qu'il crée s'appelle une interprétation d'un morceau de musique. L'interprète interprète, c'est-à-dire interprète la musique à sa manière, en proposant sa propre compréhension de l'œuvre. Il ne se contente pas de reproduire ce qui est écrit dans les notes. Après tout texte musical ne contient pas d’instructions aussi précises et sans ambiguïté. Par exemple, dans les notes, il y a « forte » - « fort ». Mais la sonorité forte a ses propres nuances, sa propre mesure. Vous pouvez jouer ou chanter très fort ou un peu plus doucement, et vous pouvez aussi jouer ou chanter fort, mais doucement, ou fort et de manière décisive, énergique, et ainsi de suite, de nombreuses manières différentes. Qu’en est-il des instructions de tempo ? La vitesse du flux musical a également sa propre mesure, et les marques « rapide » ou « lentement » ne donnent que l'orientation la plus générale. Encore une fois, l'interprète doit déterminer la mesure, les « nuances » du tempo (même si pour établir le tempo il faut appareil spécial- métronome).

En étudiant attentivement le texte musical de la composition, en essayant de comprendre ce que l'auteur voulait exprimer en musique, l'interprète résout des problèmes qui l'obligent à avoir une attitude co-créative envers la composition. Même s'il voulait reproduire la musique exactement telle qu'elle avait été imaginée par le compositeur et telle qu'elle sonnait à l'origine, il ne pourrait pas le faire. À mesure que les instruments de musique s'améliorent, les conditions dans lesquelles se déroule l'exécution changent : la musique sonne différemment dans un petit salon ou dans une immense salle de concert. Les goûts et les opinions artistiques des gens ne restent pas inchangés. Si un artiste se lance dans la musique contemporaine, il exprimera aussi certainement sa compréhension de son contenu dans le jeu. Son interprétation reflétera ses goûts, le degré de maîtrise des techniques d'interprétation, son individualité sera reflétée, et plus la personnalité de l'artiste est significative et grande, plus son interprétation est intéressante, riche et profonde. Ainsi, un morceau de musique, se répétant encore et encore, est constamment enrichi, mis à jour et existe, pour ainsi dire, dans de nombreuses versions exécutables. Écoutez à quel point la même composition sonne différemment lorsqu'elle est interprétée par différents artistes. Ceci est facile à remarquer en comparant les enregistrements sur disques phonographiques d’un morceau de musique interprété par différents interprètes. Et le même artiste ne joue pas le même morceau de la même manière. Son attitude envers elle reste rarement inchangée.

Dans le monde des arts du spectacle, l'une des premières places appartient à école soviétique. Des musiciens de notre pays, comme les pianistes E. G. Gilels et S. T. Richter, les violonistes D. F. Oistrakh et L. B. Kogan, les chanteurs E. E. Nesterenko et I. K. Arkhipova et bien d'autres, ont acquis une renommée mondiale. Jeune Musiciens soviétiques ont gagné à plusieurs reprises et continuent de remporter des victoires convaincantes dans Compétitions internationales. Vérité, expressivité et profondeur d'interprétation, haut niveau compétence technique, accessibilité à un large cercle les auditeurs se distinguent par l'art des interprètes soviétiques.

Aspect historique et psychologique

Conférence 1

L'apparition de la figure de l'interprète dans l'art musical est un processus historique associé à la différenciation créativité musicale. DANS Europe de l'Ouest cela s'est produit sous l'influence de raisons sociales et culturelles, et le processus de différenciation s'est poursuivi pendant plusieurs siècles. Ses origines remontent au XIVe siècle, alors qu'en Italie puis dans d'autres pays européens La Renaissance commence. Avant cela, le musicien était aussi le créateur composition musicale, et interprète. Il n’existait alors aucune notion de paternité ou de fixation du texte musical. Parmi le grand nombre de raisons culturelles qui ont jeté les bases de l'émergence de la figure du musicien interprète, la chercheuse en interprétation musicale N.P. Korykhalova souligne : 1) la complication de la notation à partir de la fin du XIIe siècle, 2) la complexité de la notation. développement de la polyphonie, 3) évolution de la musique instrumentale profane, musique amateur. On note également le renforcement progressif de l'individualité de l'auteur et la complication du texte musical.

L'accélération de ce processus à la fin du XVe siècle, grâce à l'invention de l'imprimerie musicale, constitue une étape importante dans la consolidation du texte de l'auteur. Et en 1530, dans le traité de Listenius, l'interprétation était indiquée comme une activité musicale pratique indépendante.

Peu à peu, les exigences relatives à la personnalité de l’interprète et à ses capacités professionnelles et psychologiques ont commencé à se former. Plus important -


La plupart d'entre eux sont liés à la subordination de la volonté de l'interprète à la volonté du compositeur, la possibilité pour l'artiste d'exprimer son individualité créatrice. La question s'est posée : quel est le statut de l'activité de musicien interprète - uniquement reproduction ou peut-être créatif? Et quelle est l’essence de la volonté créatrice de l’interprète, qu’est-ce que l’artiste est autorisé à faire ?

À cette époque, on croyait que la créativité de l’interprète était nécessairement associée à l’ajustement du texte musical, en y introduisant sa propre intonation et ses propres éléments de texture, généralement associés à la démonstration de capacités techniques. Et chaque musicien maîtrisait alors l'art de l'improvisation et pouvait « mettre à jour » la composition en toute liberté. Des fragments apparaissent forme musicale et même des genres dans lesquels la liberté musicale était initialement assumée. Au XVIIe siècle, l'art de la cadence dans les instruments et musique vocale. Et les préliminaires ou le fantasme, de par leur nature, contiennent une liberté d'improvisation.

Le tournant dans la résolution de ce problème se situe à fin XVIII siècle : les compositeurs de cette époque cherchaient le plus activement à renforcer leur droit au texte et à l'image d'une œuvre musicale. Beethoven fut le premier à écrire la cadence de son Troisième concert de piano. Rossini a poursuivi les chanteurs qui introduisaient les cadences trop librement airs d'opéra. Enregistrer test de musique devient de plus en plus détaillé, l'arsenal des remarques performantes s'élargit de manière inhabituelle. Cependant, tout au long du XIXe siècle, les artistes ont réagi. Son expression était en grande partie l'apparence et développement actif transcriptions, paraphrases et medleys. Chaque interprète, notamment un grand concertiste, considérait qu'il était de son devoir de jouer avec ses propres transcriptions et paraphrases. Ce genre a permis quelqu'un d'autre


présentez la musique à votre manière, et prouver ainsi votre potentiel créatif, montrez votre volonté. Cependant, déjà au milieu du XIXe siècle, une nouvelle compréhension de la volonté créatrice et de la liberté psychologique de l'interprète a commencé à émerger, qui s'exprimait autrefois dans un concept très vaste - interprétation, que signifie comprendre l'esprit d'une œuvre, son interprétation, son interprétation. Qui a introduit ce terme pour la première fois reste dans les annales de l'histoire, mais on sait avec certitude que les Français y ont attiré l'attention dans une revue auteurs de musique et les frères journalistes Marie et Léon Escudier.

Parallèlement, un développement rapide culture musicale V XIXème siècle exigeait de plus en plus instamment la consolidation du statut d'interprète - de musicien qui consacrerait son activité à la représentation les œuvres des autres.À cette époque, une énorme couche de musique s’était accumulée que je voulais jouer et largement promouvoir. Les compositions elles-mêmes sont devenues plus longues et plus complexes en termes de langage musical et de texture. Par conséquent, pour écrire de la musique, il fallait se consacrer entièrement à la créativité de la composition, et pour la jouer à un niveau élevé, il fallait beaucoup étudier. instrument de musique, développant le niveau technique nécessaire. S’il s’agissait d’une œuvre orchestrale, elle ne pouvait plus être jouée en public après une seule répétition. Ce n’est donc pas un hasard si l’incomparable pianiste, reconnu par l’Europe éclairée comme le « roi du piano », Liszt à son apogée carrière artistique, à 37 ans, a pris sa retraite du spectacle pour se concentrer uniquement sur la composition musicale.

Concernant la compréhension de l’interprétation comme base activité créative artiste, ce problème s'est aggravé au tournant des XIXe et XXe siècles. Le style de composition dictait ses exigences quant à l'apparence psychologique de l'interprète. De nombreux compositeurs pensaient que la tâche


Le travail de l’artiste consiste uniquement à transmettre avec précision tous les détails écrits par le créateur de la musique. I. F. Stravinsky a notamment adhéré à ce point de vue. On le retrouve très souvent aujourd'hui. Parfois, l'interprétation est remplacée par les compositeurs avec le concept d'« apprentissage » ou de « technique ». Par exemple, B. I. Tishchenko est fondamentalement en désaccord avec le terme « interprétation » : « Je n'aime pas vraiment le mot « interprétation » : il inclut lui-même une sorte de déviation par rapport à la volonté de l'auteur et je ne le reconnais absolument pas. joue mes sonates différemment de moi, mais j'aime plus sa performance que la mienne. Quel est le secret ici ? Il s'agit probablement d'un niveau de compétence technique plus élevé : il joue plus facilement que moi sans réfléchir. , mais un autre type de performance. Et s'il me convainc, alors je l'accepte avec gratitude et plaisir. [Ovsyankina G., 1999. P. 146].

Cependant, il y a plus de cent ans, on pouvait rencontrer une autre compréhension de la question, exprimée par A. G. Rubinstein : « La reproduction est la deuxième création. Celui qui a cette capacité sera capable de présenter une composition médiocre comme belle, en lui donnant une touche de sa propre invention ; même dans l'œuvre d'un grand compositeur, il trouvera des effets qu'il a oublié de signaler ou auxquels il n'a pas pensé. » [Korykhalova N., 1978. P. 74]. En même temps, le compositeur approuve le fait que l'artiste apporte sa propre ambiance, différente de la sienne, la présentation de l'auteur (comme le disait C. Debussy à propos de l'interprétation de son Quatuor à cordes). Mais c'est précisément l'ambiance, et non l'interférence dans le texte musical. C’est précisément cette compréhension de l’interprétation qui caractérise B. A. Tchaïkovski : « J’apprécie les interprètes qui sont fidèles à la « lettre » du compositeur et qui apportent leur compréhension et leur empathie. je te donnerai

Mer : Neuhaus et Sofronitsky, interprétant Schumann, étaient tous deux fidèles au texte de l’auteur, mais comme Schumann sonnait différemment chez Neuhaus et Sofronitsky. [Ovsyan-kinaG., 1996. P. 19].

Le problème de la liberté psychologique, de la manifestation de la volonté personnelle et de son interdépendance avec le projet du compositeur préoccupait constamment les interprètes. Dans la psychologie de la créativité performative, deux tendances opposées ont émergé et restent d’actualité aujourd’hui : soit la primauté de la volonté de l’auteur dans la performance, soit la priorité du fantasme performatif. Progressivement, la pratique musicale représentée par des musiciens hors du commun fin XIX- la première moitié du XXe siècle (A.G. et N.G. Rubinshteinov, P. Casals, M. Long, A. Corto, etc.) a développé une attitude psychologiquement justifiée envers le texte de l'auteur, combinant plus ou moins les deux tendances. De précieuses contributions ont été apportées par l'école du théâtre russe des périodes pré-révolutionnaire et soviétique : A. N. Esipova, L. V. Nikolaev, K. N. Igumnov, G. G. Neugauz, L. N. Oborin, D. I. Oistrakh, D. B Shafran et d'autres. école performante. attitude prudente au texte de l'auteur, à la volonté créatrice du compositeur. La pratique confirme que le problème de la liberté psychologique de l’interprète reste d’actualité à ce jour.

Arts performants- un des types d'activités artistiques et créatives dans lesquelles les œuvres de créativité dite « primaire » se matérialisent sous la forme d'un certain système de signes et sont souvent destinées à être traduites dans l'un ou l'autre matériau spécifique. Les arts du spectacle comprennent activité créative : acteurs Et réalisateurs, incarnant sur scènes e, scène , arène de cirque , radio , film , télévisionœuvres d'écrivains et dramaturge ov; lecteurs, traduisant en discours vivant travaux littéraires ; musicien oh, chanteurs, instrumentistes, chefs d'orchestre, reproduisant les œuvres de compositeurs ; danseurs exécutant des idées chorégraphe oh, compositeur oh, librettiste ov.

Il n'y a pas d'arts du spectacle dans beaux-Arts, V architecture , arts appliqués(à moins qu'un type particulier d'artiste ne soit impliqué, mais que des ouvriers ou des machines soient utilisés pour traduire l'idée en matériau), créativité littéraire, qui, malgré la création d'œuvres finies pouvant être interprétées par les lecteurs, est toujours destinée à la perception directe par le lecteur.

Les arts du spectacle sont considérés par nature comme une activité artistique et créative, car ils ne reposent pas sur une simple traduction mécanique. travail effectué sous une autre forme, mais sur sa transformation, qui inclut des éléments créatifs tels que l'adaptation au contenu spirituel de l'œuvre ; son interprétation par l'interprète selon sa propre vision du monde et sa position esthétique.

Souvent à cause de ce travail poètes , dramaturge oh, scénariste oh, compositeur oh, chorégraphe ov acquérir diverses interprétations performantes, chacune représentant une combinaison d'expressions personnelles de l'auteur et de l'interprète. Parfois même l'interprétation par un acteur du même rôle ou par un pianiste de la même étude devient unique, puisque le contenu stable formé pendant les répétitions est transmis par la variation et l'improvisation née dans l'action même de l'interprétation.

Les types [ | ]

Les arts du spectacle comprennent, sans toutefois s'y limiter, danse , musique, opéra, théâtre , la magie, illusion, mime, art, artistique, récitation, marionnette, théâtre, performance, lecture, à haute voix, art oratoire.

Musique [ | ]

Théâtre [ | ]

Danse [ | ]

Histoire [ | ]

Les arts du spectacle ont commencé à émerger au cours du processus de développement culture artistique, à la suite de l'effondrement de la créativité folklorique, qui se caractérise par l'inséparabilité de la création d'une œuvre et de son exécution. Leur émergence a également été facilitée par l'émergence de méthodes d'enregistrement écrit des échanges verbaux et compositions musicales. Bien que dans la culture développée, il existe des formes de créativité holistique, dans lesquelles l'écrivain et l'interprète sont une seule et même personne (par exemple, la créativité

L'activité humaine se réalise sous deux formes les plus générales : pratique et spirituelle.

Le résultat de la première est des changements dans l’existence sociale matérielle, dans les conditions objectives d’existence ; le résultat de la seconde est des changements dans la sphère de la conscience publique et individuelle. En tant que type particulier (type ou type) d'activité spirituelle, les esthéticiens et les philosophes identifient ce qu'on appelle activité artistique, compris par eux comme l'activité pratique et spirituelle d'une personne en train de créer, de reproduire et de percevoir des œuvres d'art. Ils définissent l’art comme l’une des voies d’exploration spirituelle du monde, « une forme spécifique conscience publique Et activité humaine, qui est le reflet de la réalité dans des images artistiques », et une œuvre d'art ou œuvre d'art- en tant que « produit » créativité artistique, dans lequel le projet spirituel et significatif de son créateur-artiste s'incarne sous une forme sensorielle-matérielle et qui répond à certains critères valeur esthétique". Si nous considérons une œuvre d'art comme une certaine organisation physique d'objet, il convient alors de noter qu'il s'agit d'une structure matérielle particulière qui est créée et existe comme une combinaison de sons, de mots ou de mouvements, comme un rapport de lignes, de volumes, taches de couleur, etc. Bien entendu, il est impossible de réduire une œuvre d’art à la seule structure matérielle. Néanmoins, une œuvre d’art est indissociable de sa chair matérielle, ainsi que des moyens d’expression de l’art auquel elle appartient.

On sait que tous les types d'art, malgré les différences dans les méthodes de création valeurs artistiques, personnages et types d'images, sont interconnectés et ont beaucoup en commun tant dans le processus d'expression lui-même que dans l'organisation des moyens d'expression. Cependant, afin d'attirer l'attention sur l'essence des arts du spectacle, il est nécessaire de recourir à la comparaison et à la classification des arts, en mettant en évidence l'une ou l'autre caractéristique essentielle pour un groupe donné.

Il existe de nombreuses options pour classer les arts. Ils sont regroupés selon leurs modes d'existence, de perception et de moyens d'incarnation. Ainsi, par exemple, ils sont divisés en « visuels » (c'est-à-dire perçus par l'œil) et « auditifs » (perçus par l'oreille) ; aux arts utilisant matériau naturel- marbre, bois, métal (sculpture, architecture, arts appliqués), en utilisant le mot ( fiction); l'art, où le matériau est la personne elle-même

(arts performants); arts « spatiaux », « temporels » et « spatio-temporels » ; « monocomposant » et « synthétique » ; « statique » et « dynamique » 1.

Par rapport à la théorie de la performance, cette dernière classification peut être considérée comme la base d'une connaissance plus approfondie des spécificités de ce type d'art.

En fait, chaque type d’art a un caractère procédural-dynamique (temporaire) ou statique. Après avoir divisé (bien sûr, conditionnellement) les arts en « statiques » et « dynamiques », nous pouvons facilement découvrir leurs différences. Les premiers ont une forme d’existence spatiale sous forme d’« œuvres-objets » (un tableau, une structure architecturale, composition sculpturale, produit des arts décoratifs et appliqués, etc.), ces dernières sont de nature temporaire ou spatio-temporelle et sont perçues comme des « œuvres-processus » (danse, représentation théâtrale, pièce musicale etc.).

Dans les arts « statiques », le résultat de l'activité artistique est un objet spécifique, unique et, en règle générale, unique, qui a une valeur artistique. L'original règne ici. Certes, il y a de la place pour une copie. Mais il se situe à une « distance impressionnante », ce qui souligne les différences, voire l’incommensurabilité, qui existent entre eux. De plus, dans les arts « statiques », l’acte créatif de création de valeurs artistiques peut être totalement étranger à leur reproduction. Dans les arts « dynamiques », le processus de création de valeurs artistiques et le processus de reproduction sont indissociables et semblent se confondre : le premier, au stade final, absorbe une particule du second ; à son tour, le processus de reproduction inclut nécessairement des éléments de création. En d’autres termes, contrairement aux arts « statiques », dans les arts « dynamiques » du système « auteur », l’acte créateur n’est pas achevé. La conception artistique est ici réalisée dans ses principales caractéristiques, constituant la base nécessaire du processus de travail. En conséquence, il existe un besoin pour une étape finale, où le produit de l'activité créatrice de l'auteur de l'œuvre se concrétise mentalement. Cette étape de la conception artistique dans les arts « dynamiques » est transférée à l'interprète. De plus, la base spirituelle de l'œuvre conçue par l'auteur peut être « incarnée » dans une variété infinie d'options de performance légitimes, dans chacune desquelles est réalisée en même temps la deuxième étape de la conception artistique, concrétisant le produit de la créativité de l'auteur. .

Ainsi, dans les arts « dynamiques » activité artistique peut être primaire ou secondaire. Le premier couvre les activités de l'auteur de l'œuvre (compositeur, chorégraphe, dramaturge), le second couvre principalement les activités de l'interprète (chanteur, danseur, comédien). Les concepts de « primaire » et de « secondaire » dans l'activité artistique ne doivent être compris et utilisés que dans leur corrélation. La primauté de l'activité artistique n'existe qu'en relation avec l'activité secondaire, et vice versa. Cela signifie qu'ils se manifestent exclusivement dans des relations de couple, comme par exemple « dramaturge - metteur en scène », « dramaturge - acteur » ou « dramaturge - interprètes » (metteur en scène et acteurs dans leur unité). Le caractère secondaire de la performance est déterminé par le fait que la performance consiste en la recréation créative d'œuvres - les résultats du processus créatif primaire. Sur scène moderne développement, la performance est une créativité basée sur du matériel textuel prêt à l'emploi, des images artistiques créées à l'origine, tandis que les objets d'incarnation de la créativité artistique primaire sont, en règle générale, des phénomènes non artistiques de la réalité. Ainsi, la performance est en quelque sorte un reflet secondaire de la réalité, réflexion à travers la reproduction créative du produit de la réflexion primaire.

Dans les arts « statiques » et « dynamiques », les activités primaires et secondaires diffèrent considérablement. Si dans les arts « statiques », l’activité artistique primaire est uniquement indépendante et l’activité secondaire est uniquement dépendante, alors dans les arts « dynamiques », les deux sont relativement indépendantes. Par exemple, un musicien interprète ne peut se passer d'un compositeur. Mais le compositeur, à son tour, a besoin d’instrumentistes et de chanteurs. Il en va de même pour le dramaturge et acteur, chorégraphe et danseur. Seule une collaboration privilégiée entre l’auteur et l’interprète peut donner naissance à un art à part entière.

Dans la créativité primaire, la réalité apparaît médiatisée à travers la personnalité de l'artiste. Dans le travail de l’artiste, la réalité se révèle doublement médiatisée. Les images créées par un écrivain, poète, compositeur dans l'incarnation de la performance acquièrent des caractéristiques et des couleurs déterminées par la vision du monde de l'interprète, son individualité, de manière créative, talent, compétence.

Selon sa constitution individuelle, l'interprète accentue ou obscurcit certains traits de l'image primaire. Il a cette opportunité car l'une des principales caractéristiques de l'image primaire est son polysémie, vous permettant de trouver de nombreuses options pour la mise en œuvre des performances. Chaque artiste, volontairement ou involontairement, apporte quelque chose qui lui est propre à l'image primaire. Il s'ensuit que la performance n'est pas seulement la reproduction de l'image artistique primaire, mais aussi son transfert vers un état qualitativement nouveau - performant image artistique, dont l’indépendance par rapport à l’image primaire est encore relative. Dans le même temps, l'image primaire ne peut pas non plus être considérée comme absolument indépendante de l'exécution, puisque nous parlons de sur les arts du spectacle. Elle porte en elle les prérequis nécessaires à l’image performative, sa possibilité réelle, et la performance est la traduction de cette possibilité en réalité.

Ainsi, l’art du spectacle est « une activité artistique et créatrice secondaire, relativement indépendante, consistant dans le processus de matérialisation et de concrétisation du produit de l’activité artistique primaire ». Cette définition révèle les limites du spectacle vivant, mais n’en épuise pas toutes les caractéristiques. Alors, avec secondaire Et indépendance relative occupe une place importante parmi les traits caractéristiques de la performance présence d'un intermédiaire créatif entre le créateur de valeurs artistiques et le sujet récepteur (le public). Une autre caractéristique importante de la performance est que, dans la plupart des cas, la performance est direct acte de créativité, qui se joue devant les auditeurs, désormais spectateurs, dans ce moment. De plus, la performance publique de l’artiste combine processus créatif, et le produit de ce processus. Coïncidence de l'activité et son résultat s'applique également à traits caractéristiques performance. On sait qu'une erreur commise lors art oratoire l'interprète ne peut plus être corrigé, ce qui indique l'irréversibilité du processus d'exécution. À ce trait est associée une autre caractéristique de la créativité performante - irréproductibilité le processus de prise de parole en public, puisque sa répétition absolument exacte est impossible. Enfin, une caractéristique intéressante et importante des arts du spectacle est la présence de connexions directes et inversées entre l'interprète et le public perçu. Cela permet au public d'influencer directement le déroulement du processus créatif.

Toutes ces caractéristiques sont très importantes pour les caractéristiques des arts du spectacle. Mais la plupart caractéristique principale, qui détermine sa spécificité, est la présence interprétation artistique, par quoi nous entendons l'interprétation performative du produit de l'activité artistique primaire 1.

L’interprétation est un concept central dans l’esthétique des arts du spectacle. Son utilisation a commencé au milieu du XIXème siècle. et a été utilisé dans la critique d'art et l'histoire de l'art avec le terme « performance ».

Le sens sémantique du mot « interprétation » contenait une connotation de lecture individualisée, d’originalité d’interprétation artistique, tandis que le sens du concept de « performance » se limitait à une restitution strictement objective et précise du texte de l’auteur. Pendant longtemps, la compétition entre ces concepts dans la théorie de l'interprétation s'est déroulée avec plus ou moins de succès, principalement en raison de l'évolution des idées sur le rôle de l'interprète en musique. Où pratique artistique a commencé à rejeter la reproduction formellement exacte de la pensée du compositeur et, contrairement à cela, à stimuler par tous les moyens l'individualité et l'indépendance créatrice du chef d'orchestre, de l'instrumentiste, du chanteur, le terme « interprétation » a progressivement remplacé le concept de « performance » de l'utilisation. Et vice versa, l'absolutisation de la liberté d'exécution, l'arbitraire subjectiviste, conduisant à une distorsion du contenu et de la forme de l'œuvre et de l'intention de l'auteur, ont immédiatement provoqué une opposition active, la question de la nécessité de suivre strictement l'intention de l'auteur est devenue particulièrement aiguë, et l'utilisation du terme « performance » au lieu du concept « interprétation » a été acceptée comme plus justifiée et naturelle.

En même temps, malgré toute l'originalité du contenu sémantique de ces concepts, ils ont longtemps pointé vers le même objet, fait référence au même phénomène. « interprétation » et « exécution » signifiaient produit activité de performance, en d'autres termes, ce qui a été entendu dans le processus d'intonation en direct. Plus tard, des différences sont apparues dans la compréhension de ces termes. Leur essence se résumait au fait que le mot « performance » signifiait encore le produit d'une activité exécutante, tandis que « interprétation » ne faisait que une partie de ce produit, représentant le côté créatif et subjectif de la performance. Ainsi, la performance était mentalement divisée en « couches » objectives et subjectives, la première étant associée au travail de l'auteur et la seconde (en fait interprétative) au travail de l'interprète.

En général, les points de vue sur l'interprétation et la performance révèlent une caractéristique commune. En règle générale, l'interprétation ne sort pas du cadre de la performance et s'identifie complètement à celle-ci ou est caractérisée comme l'un de ses aspects. Dans le même temps, la performance et l’interprétation sont inextricablement liées au produit de l’activité exécutive. Cependant, l'activité exercée dans son ensemble et son produit, le résultat, peuvent ne pas coïncider. Cela s’applique encore plus à l’interprétation qui, dans le système de l’activité scénique, se manifeste à ses différentes étapes, couvrant le processus de construction de son propre concept scénique qui se déroule dans l’esprit de l’artiste ; les actions visant à sa mise en œuvre ; interprétation de performance « matérialisée », réalisée en son live. Comme on le voit, l'interprétation artistique peut à juste titre être considérée à la fois comme une activité exécutive, comme son résultat, et comme un acte qui précède activités directes associé à la formation du concept exécutif. Mais quelle que soit la manière dont on l’envisage, c’est l’interprétation artistique qui constitue le critère permettant de distinguer les arts du spectacle des autres types d’activités artistiques.

L’établissement de cette spécificité essentielle permet de formuler plus précisément le contenu du terme « art du spectacle » : « L'art du spectacle est une activité artistique secondaire, relativement indépendante, dont le côté créatif se manifeste sous la forme d'une interprétation artistique » 1 . Cette formulation, qui appartient à E. Gurenko, révèle le plus précisément la spécificité et l'originalité de l'interprétation et peut servir de base pour comprendre les spécificités de l'interprétation musicale.