Pour l'anniversaire de la Révolution d'Octobre, nous avons rappelé les dix œuvres d'art les plus importantes de cette période - de « Battre les Blancs avec un coin rouge » de Lissitzky à « La Défense de Petrograd » de Deineka.

El Lissitzky,

« Battre les blancs avec un quartier rouge »

Dans la célèbre affiche « Battre les Blancs avec un coin rouge », El Lissitzky utilise le langage suprématiste de Malevitch à des fins politiques. Des formes géométriques pures servent à décrire un conflit armé violent. Ainsi, Lissitzky réduit l’événement immédiat, l’action, à un texte et un slogan. Tous les éléments de l'affiche sont étroitement liés les uns aux autres et interdépendants. Les figures perdent leur liberté absolue et deviennent du texte géométrique : cette affiche se lirait de gauche à droite même sans lettres. Lissitzky, comme Malevitch, a conçu un nouveau monde et créé des formes dans lesquelles la nouvelle vie était censée s'intégrer. Grâce à sa nouvelle forme et à sa géométrie, cette œuvre transfère le sujet du jour dans certaines catégories générales intemporelles.

Kliment Redko

"Insurrection"

L'œuvre « Soulèvement » de Kliment Redko est ce qu'on appelle une néo-icône soviétique. L'idée de ce format est que l'image appliquée à l'avion est avant tout une sorte de modèle universel, une image de ce que l'on désire. Comme dans une icône traditionnelle, l’image n’est pas réelle mais reflète un monde idéal. C’est la néo-icône qui sous-tend l’art du réalisme socialiste des années 30.

Dans cette œuvre, Redko ose faire un pas audacieux : dans l'espace du tableau, il combine des figures géométriques avec des portraits de dirigeants bolcheviques. A droite et à gauche de Lénine se trouvent ses associés - Trotsky, Krupskaya, Staline et d'autres. Comme dans une icône, il n’y a pas ici de perspective habituelle ; l’échelle d’une figure particulière ne dépend pas de sa distance par rapport au spectateur, mais de sa signification. En d’autres termes, Lénine est ici le plus important, et donc le plus grand. Redko attachait également une grande importance à la lumière.

Les personnages semblent émettre une lueur, faisant ressembler le tableau à une enseigne au néon. L’artiste a désigné cette technique par le mot « cinéma ». Il cherche à dépasser la matérialité de la peinture et fait des analogies entre la peinture et la radio, l'électricité, le cinéma et même les aurores boréales. Ainsi, il se fixe en fait les mêmes tâches que les peintres d'icônes se sont fixées il y a plusieurs siècles. Il joue avec les schémas familiers d'une manière nouvelle, en remplaçant le Paradis par le monde socialiste, et le Christ et les saints par Lénine et ses serviteurs. Le but du travail de Redko est la déification et la sacralisation de la révolution.

Pavel Filonov

"Formule du prolétariat de Petrograd"

« La Formule du prolétariat de Petrograd » a été écrite pendant la guerre civile. Au centre de l'image se trouve un ouvrier dont la silhouette majestueuse s'élève au-dessus de la ville à peine visible. La composition du tableau est construite sur des rythmes intenses, créant une sensation de bouillonnement et de mouvement croissant. Tous les symboles emblématiques du prolétariat sont capturés ici, par exemple les mains humaines géantes, instrument de transformation du monde. En même temps, ce n'est pas seulement une image, mais une formule généralisante qui reflète l'Univers. Filonov semble diviser le monde jusqu'aux plus petits atomes et le reconstituer immédiatement, en regardant simultanément à la fois à travers un télescope et un microscope.

L’expérience de participer à des événements historiques à la fois grands et monstrueux (la Première Guerre mondiale et la Révolution) a eu une énorme influence sur le travail de l’artiste. Les personnages des tableaux de Filonov sont écrasés dans le hachoir à viande de l’histoire. Ses œuvres sont difficiles à percevoir, parfois douloureuses - le peintre fragmente sans cesse l'ensemble, l'amenant parfois au niveau d'un kaléidoscope. Le spectateur doit constamment garder en tête tous les fragments de l’image pour finalement saisir l’image complète. Le monde de Filonov est le monde du corps collectif, le monde du concept de « nous » mis en avant par l’époque, où le privé et le personnel sont abolis. L’artiste lui-même se considérait comme un représentant des idées du prolétariat et qualifiait le corps collectif, toujours présent dans ses peintures, de « monde florissant ». Cependant, il est possible que même contre la volonté de l'auteur, son « nous » soit rempli d'une profonde horreur. Dans l’œuvre de Filonov, le nouveau monde apparaît comme un lieu sans joie et terrible où les morts pénètrent dans les vivants. Les œuvres du peintre reflètent moins les événements contemporains que la prémonition des événements futurs - les horreurs d'un régime totalitaire, la répression.

Kouzma Petrov-Vodkine

"Madone de Pétrograd"

Un autre nom pour ce tableau est « 1918 à Petrograd ». Au premier plan, une jeune mère avec un bébé dans les bras, à l'arrière-plan, une ville où la révolution vient de se terminer et où ses habitants s'habituent à la nouvelle vie et au nouveau pouvoir. Le tableau ressemble soit à une icône, soit à une fresque d'un maître italien de la Renaissance.

Petrov-Vodkin a interprété la nouvelle ère dans le contexte du nouveau destin de la Russie, mais avec sa créativité, il n'a pas cherché à détruire complètement l'ensemble du vieux monde et à en construire un nouveau sur ses ruines. Il a tiré des sujets de ses peintures de la vie quotidienne, mais a pris pour elles des formes d'époques passées. Si les artistes médiévaux habillaient les héros bibliques avec des vêtements contemporains afin de les rapprocher de leur époque, Petrov-Vodkin fait exactement le contraire. Il représente un habitant de Petrograd à l'image de la Mère de Dieu afin de donner à une intrigue ordinaire et quotidienne une signification inhabituelle et, en même temps, une intemporalité et une universalité.

Kazimir Malevitch

"Tête d'un paysan"

Kazimir Malevitch est arrivé aux événements révolutionnaires de 1917 en tant que maître déjà accompli, ayant parcouru le chemin de l'impressionnisme, du néo-primitivisme jusqu'à sa propre découverte - le suprématisme. Malevitch percevait la révolution d'un point de vue idéologique ; Les nouveaux venus et les propagandistes de la foi suprématiste devaient être membres du groupe artistique UNOVIS (« Adopteurs de l'art nouveau »), qui portaient un bandage en forme de carré noir sur leurs manches. Selon les idées de l’artiste, dans un monde changé, l’art devait créer son propre État et son propre ordre mondial. La révolution a été l’occasion pour les artistes d’avant-garde de réécrire toute l’histoire passée et future de manière à y occuper une place centrale. Il faut dire qu'ils ont réussi à bien des égards, car l'art d'avant-garde est l'une des principales cartes de visite de la Russie. Malgré le déni programmatique de la forme visuelle comme étant dépassée, dans la seconde moitié des années 20, l'artiste se tourne vers la figuration. Il crée des œuvres issues du cycle paysan, mais les fait remonter aux années 1908-1912. (c’est-à-dire la période précédant le « Carré Noir »), le rejet de l’inutilité ne apparaît donc pas ici comme une trahison de ses propres idéaux. Ce cycle étant en partie un canular, l’artiste apparaît comme un prophète qui anticipe les troubles populaires et la révolution à venir. L’une des caractéristiques les plus marquantes de cette période de son œuvre est la dépersonnalisation des personnes. Au lieu de visages et de têtes, leurs corps sont surmontés d'ovales rouges, noirs et blancs. De ces personnages émanent, d’une part, une incroyable tragédie et, de l’autre, une grandeur et un héroïsme abstraits. « Tête de paysan » rappelle des images sacrées, par exemple l'icône « Œil ardent du Sauveur ». Ainsi, Malevitch crée une nouvelle « icône post-suprématiste ».

Boris Koustodiev

"Bolchevique"

Le nom de Boris Kustodiev est principalement associé à des peintures lumineuses et colorées illustrant la vie des marchands et des festivités idylliques avec des scènes russes caractéristiques. Cependant, après le coup d’État, l’artiste s’est tourné vers des thèmes révolutionnaires. Le tableau « Bolchevique » représente un homme gigantesque portant des bottes de feutre, un manteau en peau de mouton et un chapeau ; derrière lui, remplissant tout le ciel, flotte l'étendard rouge de la révolution. D'un pas gigantesque, il traverse la ville et, tout en bas, une foule nombreuse se presse. Le tableau a une expressivité d'affiche nette et s'adresse au spectateur dans un langage symbolique très pathétique, direct et même quelque peu grossier. Cet homme est, bien entendu, la révolution elle-même qui a fait irruption dans les rues. Rien ne peut l’arrêter, on ne peut pas se cacher d’elle et elle finira par écraser et détruire tout sur son passage.

Koustodiev, malgré les changements considérables survenus dans le monde artistique, est resté fidèle à son imagerie déjà archaïque à l'époque. Mais, curieusement, l’esthétique de la Russie marchande s’est organiquement adaptée aux besoins de la nouvelle classe. Il a remplacé la femme russe reconnaissable par un samovar, symbolisant le mode de vie russe, par un homme tout aussi reconnaissable vêtu d'une doudoune - une sorte de Pougatchev. Le fait est que dans le premier comme dans le deuxième cas, l’artiste utilise des images-symboles compréhensibles par tous.

Vladimir Tatline

Monument à la Troisième Internationale

L'idée de la tour est venue à Tatline en 1918. Il était censé devenir le symbole de la nouvelle relation entre l’art et l’État. Un an plus tard, l'artiste parvient à recevoir une commande pour la construction de cet édifice utopique. Cependant, cet objectif était destiné à rester inachevé. Tatline prévoyait de construire une tour de 400 mètres, composée de trois volumes de verre tournant à des vitesses différentes. À l’extérieur, ils étaient censés être entourés de deux spirales géantes de métal. L'idée principale du monument était la dynamique, qui correspondait à l'air du temps. Dans chacun des volumes, l'artiste entendait placer les locaux des « trois pouvoirs » - législatif, public et informationnel. Sa forme ressemble à la célèbre tour de Babel d'après un tableau de Pieter Bruegel - seule la tour Tatline, contrairement à la tour de Babel, était censée servir de symbole de la réunification de l'humanité après la révolution mondiale, dont tout le monde attendait si passionnément l'offensive. dans les premières années du pouvoir soviétique.

Gustav Klutsis

"Électrification de tout le pays"

Le constructivisme, avec plus d’enthousiasme que les autres mouvements d’avant-garde, a assumé la responsabilité de la rhétorique et de l’esthétique du pouvoir. Un exemple frappant en est le photomontage du constructiviste Gustav Klutsis, qui combinait les deux langages les plus reconnaissables de l'époque : les structures géométriques et le visage du leader. Ici, comme dans de nombreuses œuvres des années 20, ce qui se reflète n'est pas l'image réelle du monde, mais l'organisation de la réalité à travers le regard de l'artiste. Le but n’est pas de montrer tel ou tel événement, mais de montrer comment le spectateur doit percevoir cet événement.

La photographie jouait un rôle énorme dans la propagande d'État de l'époque et le photomontage était un moyen idéal d'influencer les masses, un produit censé remplacer la peinture dans le nouveau monde. Contrairement au même tableau, il peut être reproduit d’innombrables fois, placé dans un magazine ou sur une affiche, et ainsi transmis à un large public. Le montage soviétique est créé dans un souci de reproduction de masse ; l'artisanat est ici aboli en grande diffusion. L’art socialiste exclut le concept d’unicité ; il n’est rien d’autre qu’une usine de production de choses et d’idées très spécifiques qui doivent être intériorisées par les masses.

David Shterenberg

"Lait aigre"

David Shterenberg, bien qu'il fût commissaire, n'était pas un radical en art. Il a réalisé son style décoratif minimaliste principalement dans des natures mortes. La technique principale de l’artiste est un plateau vertical légèrement retourné sur lequel sont posés des objets plats. Les natures mortes lumineuses, décoratives, très applicatives et fondamentalement « superficielles » étaient perçues en Russie soviétique comme véritablement révolutionnaires, bouleversant l’ancien mode de vie. Cependant, l'extrême planéité est ici combinée à une incroyable tactilité - la peinture imite presque toujours l'une ou l'autre texture ou matériau. Les peintures représentant une nourriture modeste et parfois maigre montrent le régime alimentaire modeste et parfois maigre des prolétaires. Shterenberg met l'accent sur la forme de la table, qui, en un sens, devient le reflet de la culture du café avec son ouverture et sa présentation. Les slogans bruyants et pathétiques d'un nouveau mode de vie ont beaucoup moins captivé l'artiste.

Alexandre Deineka

"Défense de Petrograd"

Le tableau est divisé en deux niveaux. Le bas représente des soldats marchant joyeusement vers le front, le haut représente les blessés revenant du champ de bataille. Deineka utilise la technique du mouvement inversé - l'action se développe d'abord de gauche à droite, puis de droite à gauche, ce qui crée une sensation de composition cyclique. Des figures masculines et féminines déterminées sont représentées avec force et beaucoup de volume. Ils personnifient la volonté du prolétariat d'aller jusqu'au bout, peu importe le temps que cela prendra - puisque la composition du tableau est fermée, il semble que le flux de personnes allant au front et revenant
de là, ne sèche pas. Le rythme dur et inexorable de l'œuvre exprime l'esprit héroïque de l'époque et romantise le pathétique de la guerre civile.

Alors, mes amis, il y aura aujourd'hui un article intéressant sur ce à quoi cela ressemblait vraiment. Peu de photographies de ces années ont survécu, mais de nombreux dessins d'artistes documentaristes subsistent.

Les photos que je vais vous montrer dans l’article d’aujourd’hui m’ont énormément impressionné à l’époque. Ce qui est encore plus surprenant, c'est que l'artiste qui les a peints a survécu avec succès à la terreur stalinienne des années 1930 et que, pour une raison quelconque, ses peintures n'ont pas été détruites. Il a beaucoup peint presque jusqu'aux derniers jours de sa vie, et même dans les années 1930, il a continué à troller de temps en temps avec des images comme « Se battre sur la plage - une réussite culturelle dans le sport !

Tout d’abord, un peu d’histoire. L'auteur des tableaux ci-dessous est l'artiste Ivan Vladimirov(1869-1947). Comme le montrent les années de la vie de l'artiste - pendant les années de la Révolution d'Octobre et de la guerre civile qui a suivi, Ivan était déjà une personne assez mûre et un artiste accompli, qui avait déjà acquis une certaine renommée.

Au début du XXe siècle, Vladimirov se positionne comme artiste documentaire - il travaille ainsi. "correspondant artistique" dans les guerres russo-japonaises (1904-905), balkaniques (1912-13) et lors de la Première Guerre mondiale. Les sujets de ses peintures de ces années peuvent être jugés par les titres - "Une arme en danger", "Bataille d'artillerie", "Retour de la guerre", "Reconnaissance sous la pluie", "Interrogatoire d'un prisonnier", "Amélioration Reconnaissance".

En 1917-1918, Vladimirov a travaillé dans la police de Petrograd, où il a peint des portraits photographiques de criminels recherchés à partir des paroles des victimes (analogue à une « photo d'identité » artistique). Lors du coup d'État de 1917, Vladimirov a réalisé de nombreux croquis, qui sont ensuite devenus les sujets de ses peintures, qui montrent clairement les réalités de cette époque et le vrai visage des bolcheviks.

C'est surprenant, mais pour une raison quelconque, Ivan Vladimirov n'a pas été réprimé dans les années 1930 - il a survécu aux répressions et au siège de Leningrad, au cours desquels il a peint des affiches et tenu un journal du siège. Ce qui est encore plus surprenant, c'est que nombre de ses œuvres ont été exposées à la galerie Tretiakov, même à l'époque soviétique.

Regardons maintenant les peintures.

02. Prise du Palais d'Hiver à l'automne 1917. Les visages et les types de soldats de l’Armée rouge sont loin de ces « camarades volontaires et déterminés » qui furent plus tard représentés dans tous les manuels soviétiques. Leurs actions sont également loin d'être idéales : une bande de soldats de l'Armée rouge se comporte comme de simples émeutiers ivres, tirant sur des tableaux et détruisant des statues anciennes. 22 ans plus tard, les enfants de ces soldats de l'Armée rouge se comporteraient de la même manière lors de « l'annexion de la Biélorussie occidentale » : avec une colère sourde, coupant avec des sabres les parquets du château de Radziwill à Nesvizh.

03. Et cette photo représente les bolcheviks dans les rues de « Petrograd révolutionnaire ». Comme vous pouvez le voir, les soldats de l'Armée rouge ont non seulement marché en formation sur des chants de bravoure sur Budyonny, mais n'ont pas non plus dédaigné les vols banals - la photo montre comment les vaillants « Gardes rouges d'Ilyich » ont détruit un magasin d'alcool et se sont saoulés juste à l'entrée. .

04. Représailles extrajudiciaires contre les « opposants idéologiques blancs-blancs ». Faites attention aux visages des soldats de l'Armée rouge : ce sont les vrais Sharikov. Il ne fait aucun doute que l’artiste est du côté de ceux qui sont exécutés, et la façon dont il a réussi à survivre à la terreur des années 1930 reste pour moi un grand mystère. Le problème est peut-être que les autorités soviétiques n'ont vu aucune contradiction dans les peintures - "Eh bien, tout est pareil ! C'est moi avec un fusil, et voici mon acolyte Kolya !"

05. Et ce sont des exécutions dans des sous-sols, qui ont en fait commencé immédiatement après le coup d’État. Les visages sont également très distinctifs ; comme le dira plus tard Joseph Brodsky, « après le coup d’État de 1917 et les répressions en Russie, un changement anthropologique s’est produit, dont il faudra plusieurs siècles pour se remettre ».

06. Réalités de 1918. Il ne semble y avoir rien de spécial dans l’image, à moins que vous connaissiez son titre : « Dévaliser un carrosse avec l’aide de la Croix-Rouge ». Très probablement, le wagon est cambriolé par les mêmes «soldats de l'Armée rouge» qui gardent la voie ferrée - s'étant appropriés la nourriture destinée aux affamés.

07. Vols également – ​​cette fois-ci dans les coffres-forts des banques, sous le nom abstrus de « saisie de biens volés ». Le fait que des citadins ordinaires gardaient leurs dépôts et leurs objets de valeur dans ces cellules n'intéressait personne. Avez-vous autre chose que des chaussures en lambeaux ? Cela signifie l'ennemi.

08. Tableau intitulé « Divertissement des adolescents dans le jardin impérial ». Ici, comme on dit, sans commentaire, l'art après la révolution est devenu « accessible à tous ». Y compris en lui jetant des pierres.

09. Mais voici une image tout simplement époustouflante intitulée « Personne à protéger » - pour ainsi dire, le triomphe des gagnants. Deux "hommes de l'Armée rouge" tyranniques s'assoient avec une dame intelligente dans un café, l'un des bandits rouges lui tient fermement la main, et vous pouvez comprendre que cette réunion ne se terminera pas bien.

10. Et une autre superbe photo de la même série, avec les visages des « gagnants » dans la loge de l'opéra ou du théâtre. Les types sont parfaitement notés.

11. Un peu plus de « réalités post-révolutionnaires ». Famine à Petrograd - les gens coupent des morceaux de viande sur le cadavre d'un cheval tombé, tandis que des rassemblements de bravoure sous drapeaux rouges ont lieu en arrière-plan.

12. Et un peu plus sur la vie de ces années-là :

13. Ivan Vladimirov a aussi des photos de la vie du village à cette époque. Voyons ce qui est représenté dessus - peut-être qu'au moins la vie au village était meilleure ? Non, c'était toujours le même vol. Cette image montre comment les paysans, incités par les commissaires, pillent un riche domaine :

14. Mais les mêmes paysans rapportent chez eux les objets volés. Je veux juste demander : « Eh bien, êtes-vous devenu riche ? Avez-vous beaucoup amélioré votre vie ?

15. Cependant, les paysans ne se sont pas réjouis longtemps du « bien » pillé - bientôt des détachements d'appropriation des excédents sont arrivés dans leurs maisons et ont ratissé toutes les réserves de céréales des granges, condamnant les gens à la famine.

16. Et c'est le travail dans le village du soi-disant « comité de lit », qui recrutait toutes sortes d'alcooliques ruraux - plus une personne était déclassée et plus elle menait un mode de vie asocial, plus elle avait de chances d'obtenir une place dans le « comité de lit » - on croyait qu'il était « un combattant révolutionnaire » et généralement un bon gars, « il ne travaillait pas pour le tsar ».

Les alcooliques et les lumpen d'hier ont reçu un pouvoir total sur le destin de personnes que le gouvernement soviétique considérait comme ses ennemis. Les paysans, les riches travailleurs, les prêtres et les fonctionnaires étaient jugés par le « Comité du lit » et souvent condamnés à mort.

17. Vol d'objets de valeur dans une église rurale. La plupart des biens volés aux églises et aux anciens riches ont été vendus à l’Occident, et les bénéfices en ont été destinés à « l’industrialisation soviétique ». C'est la vraie personne que les staliniens aiment louer ; dans les années 1920 et 30, il a fait exactement la même chose qu'avant la révolution : voler les gens et dépenser de l'argent pour ses projets.

Ce sont les photos. À mon avis, une série très forte. Il me semble que s’ils avaient été publiés par les Soviétiques, au lieu de photos prétentieuses représentant des « marins révolutionnaires », l’attitude des gens à l’égard des événements de 1917 aurait été complètement différente.

Que penses-tu de cela?

En Russie : les réalités de la révolution et de la guerre civile à travers le regard de l'artiste Ivan Vladimirov (partie 2)

Russie : les réalités de la révolution et de la guerre civile à travers le regard de l'artiste Ivan Vladimirov (partie 2)

La Première Guerre mondiale a laissé sa marque sur la culture russe, même si, bien sûr, les événements de la révolution, de la guerre civile et de l’histoire soviétique qui a suivi ont fait pratiquement oublier la « Grande Guerre ». Nous n'avons pratiquement pas d'œuvres littéraires exceptionnelles comme « L'Adieu aux armes ! ou « Tout se calme sur le front occidental », le thème de la Première Guerre mondiale n'a commencé à être activement abordé au cinéma qu'à l'époque post-soviétique.

Il est d’autant plus intéressant de voir comment la guerre a été perçue dans quelques œuvres d’auteurs peu nombreuses mais intéressantes. Lorsqu'on parle des peintures de la Première Guerre mondiale, on utilise souvent des estampes populaires, mais il y avait aussi des peintures originales d'auteurs originaux, dont beaucoup sont aujourd'hui perçues comme des chefs-d'œuvre et sont exposées dans les grandes galeries d'art. Nous vous présentons une petite sélection thématique accompagnée de quelques commentaires.

Marc Chagall. Le soldat blessé (1914)

L'un des représentants les plus célèbres de l'avant-garde russe et mondiale, Marc Chagall, commençait tout juste son parcours créatif au cours des années de la Seconde Guerre mondiale. En 1914, il peint une série d'œuvres liées au déclenchement de la guerre, et le personnage central, comme dans ce tableau, était un soldat. Les personnages brisés traduisent une souffrance physique et mentale et ne ressemblent en rien aux guerriers en forme, minces et beaux qui partent au front.

Pavel Filonov. Guerre allemande (1915)

La toile de Filonov transmet le sentiment du chaos de la guerre, dans laquelle se mélangent des fragments de corps humains - bras, jambes, visages. Leur masse unique n'est pas systématique et semble se trouver dans une sorte d'abîme. L'ambiance du tableau est extrêmement tendue et pas du tout solennelle - cela doit être exactement à quel point l'artiste a imaginé cette guerre destructrice et folle. Il est intéressant de noter qu'après avoir brossé le tableau, en 1916, Filonov sera mobilisé et se rendra au front.

Kuzma Petrov-Vodkine. Dans la ligne de mire (1916)

Nous avons déjà écrit sur cette image dans la nôtre. Il s’agit peut-être de l’une des peintures russes les plus reconnaissables sur la Première Guerre mondiale, bien que le paysage représenté ne soit lié à aucun endroit spécifique du front. Les collines rappellent beaucoup les étendues de la Khvalyn Volga natales de l'artiste, et donc l'intrigue de la mort de l'enseigne est un peu abstraite ; il ne faut pas y chercher une bataille spécifique de la Première Guerre mondiale.

Vassili Choukhaev. Régiment en position (1917)

Ce tableau est très probablement une commande officielle que l'artiste a commencé à réaliser sur le front de Riga en 1916, lors d'une accalmie des hostilités. Il représente des officiers du 4e régiment de hussards Marioupol. Le tableau n'était pas terminé, et en général le style néoclassique un peu étrange laisse une double impression, comme si la toile n'avait pas été peinte au début du 20e siècle, mais nous venait de la Renaissance.

Piotr Karyaguine. L'horreur de la guerre. Nous sommes arrivés ! (1918)

La photo porte également le sous-titre : « Attaque de l’infanterie russe contre les tranchées allemandes ». Contrairement à Petrov-Vodkin et Chagall, le nom de Piotr Karyagin est rarement retenu par les critiques d'art. Pendant ce temps, sa peinture est peut-être l’une des œuvres les plus réalistes peintes pendant la guerre. Cette année-là, la Russie signe le traité de Brest-Litovsk, axé sur les conflits internes.

Piotr Likhine. Victimes de la guerre impérialiste (1922)

Un tableau pratiquement inconnu de l'artiste de Koursk Piotr Likhine est aujourd'hui conservé dans l'un des musées d'histoire locale de la région de Koursk. L'artiste a travaillé sur la toile pendant plusieurs années et, bien qu'elle nous soit inconnue, la peinture est intéressante comme exemple de réflexion d'après-guerre, lorsque la guerre a commencé à être perçue exclusivement comme un massacre « impérialiste » insensé.

Israël Lizak. L'Homme sur le piédestal (Invalide de la guerre impérialiste) (1925)

L'artiste Israel Lizak a vécu la guerre lorsqu'il était enfant et ce n'est qu'au début des années 1920 qu'il a commencé sa carrière artistique. Son image ne reflète pas les horreurs de la guerre, mais la situation d'après-guerre des anciens combattants et des personnes handicapées qui ne pourront jamais retrouver leur vie d'avant.

Youri Pimenov. Invalides de guerre (1926)

Le jeune peintre Yuri Pimenov appartenait à la même génération que Lizak. Son tableau « Les invalides de la guerre » peut être appelé « le cri russe », mais en général, personne ne nie l'influence de l'expressionnisme étranger sur Pimenov. Ce tableau n’était même pas une déclaration sociopolitique contre la vieille guerre, mais un cri d’horreur, un véritable verdict sur le cataclysme mondial dans lequel la vieille Russie était impliquée.

Dans La Révolution et la guerre civile en Russie à travers les yeux de l'artiste Ivan Vladimirov (partie 1)

Original tiré de tipologie en Russie : les réalités de la révolution et de la guerre civile à travers le regard de l'artiste Ivan Vladimirov (partie 1)

Russie : les réalités de la révolution et de la guerre civile à travers le regard de l'artiste Ivan Vladimirov (partie 1)

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