L'opéra est un genre d'art vocal, musical et dramatique. Sa base littéraire et dramatique est le livret (texte verbal). Jusqu'au milieu du XVIIIe siècle. un certain schéma dominait dans la composition du livret, en raison de l'uniformité des tâches musicales et dramatiques. C’est pourquoi le même livret était souvent utilisé par de nombreux compositeurs. Plus tard, les livrets ont commencé à être créés par le librettiste en collaboration avec le compositeur, ce qui assure plus pleinement l'unité de l'action, des paroles et de la musique. Depuis le 19ème siècle. certains compositeurs ont eux-mêmes créé des livrets pour leurs opéras (G. Berlioz, R. Wagner, M. P. Moussorgski, au XXe siècle - S. S. Prokofiev, K. Orff et autres).
L'opéra est un genre synthétique qui combine différents types d'arts en une seule action théâtrale : la musique, le théâtre, la chorégraphie (ballet), les arts visuels (décors, costumes).
Le développement de l'opéra est étroitement lié à l'histoire culturelle de la société humaine. Cela reflétait les problèmes aigus de notre époque : les inégalités sociales, la lutte pour l'indépendance nationale, le patriotisme.
L'opéra en tant que forme d'art particulière est apparu à la fin du XVIe siècle. en Italie sous l'influence des idées humanistes de la Renaissance italienne. Le premier est considéré comme l'opéra « Euridice » du compositeur J. Peri, mis en scène le 6 octobre 1600 au Palais Pitti de Florence.
L'origine et le développement de divers types d'opéra sont associés à la culture nationale italienne. Il s'agit d'un opera seria (opéra sérieux), écrit sur une intrigue héroïque-mythologique ou légendaire-historique avec une prédominance de numéros solistes, sans chœur ni ballet. Des exemples classiques de tels opéras ont été créés par A. Scarlatti. Le genre de l'opéra bouffe (opéra-comique) est apparu au XVIIIe siècle. basé sur des comédies réalistes et des chansons folkloriques comme forme d'art démocratique. L'opéra bouffe a considérablement enrichi les formes vocales des opéras ; divers types d'airs et d'ensembles, des récitatifs et des finales prolongées sont apparus. Le créateur de ce genre était G.B. Pergolesi (« La Pucelle-Maîtresse », 1733).
L'opéra comique allemand - Singspiel, dans lequel le chant et la danse alternent avec le dialogue parlé, est associé au développement du théâtre musical national allemand. Le Vienna Singspiel se distinguait par la complexité de ses formes musicales. Un exemple classique de singspiel est l’opéra de W. A. Mozart « L’Enlèvement au Sérail » (1782).
Le théâtre musical français a donné naissance au monde à la fin des années 20. XIXème siècle le soi-disant « grand opéra » - monumental, coloré, combinant une intrigue historique, du pathétique, du drame avec une décoration extérieure et des effets scéniques. Deux branches traditionnelles de l'opéra français - la comédie lyrique et l'opéra-comique - étaient imprégnées des idées de lutte contre la tyrannie, du dévouement au haut devoir et des idées de la Grande Révolution française de 1789-1794. Le théâtre français de cette époque était caractérisé par le genre « opéra-ballet », où les scènes de ballet étaient équivalentes aux scènes vocales. Dans la musique russe, un exemple d'une telle performance est « Mlada » de N. A. Rimsky-Korsakov (1892).
Les œuvres de R. Wagner, G. Verdi, G. Puccini ont eu une grande influence sur le développement de l'art de l'opéra (voir Musique d'Europe occidentale des XVIIe-XXe siècles).
Les premiers opéras en Russie sont apparus dans les années 70. XVIIIe siècle sous l'influence d'idées exprimées dans le désir de décrire fidèlement la vie des gens. Les opéras étaient des pièces de théâtre avec des épisodes musicaux. En 1790, une représentation intitulée « La gestion initiale d'Oleg » a eu lieu, avec la musique de C. Canobbio, G. Sarti et V. A. Pashkevich. Dans une certaine mesure, cette performance peut être considérée comme le premier exemple d'un genre musical et historique qui s'est répandu si largement à l'avenir. L'opéra en Russie s'est formé comme un genre démocratique ; la musique utilisait en grande partie des intonations et des chants folkloriques. Il s'agit des opéras « Le Meunier - un sorcier, un trompeur et un entremetteur » de M. M. Sokolovsky, « Saint-Pétersbourg Gostiny Dvor » de M. A. Matinsky et V. A. Pashkevich, « Cochers sur un stand » de E. I. Fomin, « L'Avare », "Le malheur du carrosse" (l'un des premiers opéras russes abordant les problèmes d'inégalité sociale) de Pashkevich, "Falcon" de D. S. Bortnyansky et d'autres (voir Musique russe du XVIIIe au début du XXe siècle).
Depuis les années 30 XIXème siècle L'opéra russe entre dans sa période classique. Le fondateur des classiques de l'opéra russe, M. I. Glinka, a créé l'opéra folk-patriotique « Ivan Susanin » (1836) et le conte de fées épique « Ruslan et Lyudmila » (1842), jetant ainsi les bases de deux des tendances les plus importantes. dans le théâtre musical russe : opéra historique et opéra magique. A. S. Dargomyzhsky a créé le premier opéra social et quotidien de Russie, « Rusalka » (1855).
époque des années 60 a provoqué une nouvelle ascension de l'opéra russe, associé au travail des compositeurs de la « Mighty Handful », P. I. Tchaïkovski, qui a écrit 11 opéras.
À la suite du mouvement de libération en Europe de l’Est au XIXe siècle. Des écoles nationales d'opéra voient le jour. Ils apparaissent également chez un certain nombre de peuples de la Russie pré-révolutionnaire. Les représentants de ces écoles étaient : en Ukraine - S. S. Gulak-Artemovsky (« Cosaque au-delà du Danube », 1863), N. V. Lysenko (« Natalka Poltavka », 1889), en Géorgie - M. A. Balanchivadze (« Darejan insidieux » 1897), en Azerbaïdjan - U. Hajibekov ("Leyli et Med-zhnun", 1908), en Arménie - A. T. Tigranyan ("Anush", 1912). Le développement des écoles nationales s'est déroulé sous l'influence bénéfique des principes esthétiques des classiques de l'opéra russe.
Les meilleurs compositeurs de tous les pays ont toujours défendu les fondements démocratiques et les principes réalistes de la créativité lyrique dans la lutte contre les tendances réactionnaires. Ils étaient étrangers à l'guindeur et au schématisme dans l'œuvre des compositeurs épigoniques, au naturalisme et au manque d'idées.
Une place particulière dans l'histoire du développement de l'opéra appartient à l'art de l'opéra soviétique, qui a pris forme après la Grande Révolution socialiste d'Octobre. Dans son contenu idéologique, ses thèmes et ses images, l'opéra soviétique représente un phénomène qualitativement nouveau dans l'histoire du théâtre musical mondial. Parallèlement, elle continue de développer les traditions classiques de l’art lyrique du passé. Dans leurs œuvres, les compositeurs soviétiques s'efforcent de montrer la vérité de la vie, de révéler la beauté et la richesse du monde spirituel humain et d'incarner de manière véritable et complète les grands thèmes de notre époque et du passé historique. Le théâtre musical soviétique s'est développé comme un théâtre multinational.
Dans les années 30. la direction dite « chanson » apparaît. Il s'agit de "Quiet Don" de I. I. Dzerzhinsky, "Into the Storm" de T. N. Khrennikov et d'autres parmi les réalisations marquantes de l'opéra soviétique figurent "Semyon Kotko" (1939) et "Guerre et Paix" (1943, nouvelle édition - 1952). S. S. Prokofiev, « Lady Macbeth de Mtsensk » (1932, nouvelle édition - « Katerina Izmailova », 1962) de D. D. Chostakovitch. Des exemples frappants de classiques nationaux ont été créés : « Daisi » de Z. P. Paliashvili (1923), « Almast » de A. A. Spendiarov (1928), « Kor-ogly » de Gadzhibekov (1937).
La lutte héroïque du peuple soviétique pendant la Grande Guerre patriotique de 1941-1945 s'est reflétée dans l'opéra soviétique : « La Famille Taras » de D. B. Kabalevsky (1947, 2e éd. - 1950), « La Jeune Garde » de Yu S. . Meitus (1947, 2e éd. - 1950), « L'histoire d'un vrai homme » de Prokofiev (1948), etc.
Des contributions significatives à l'opéra soviétique ont été apportées par les compositeurs R. M. Glier, V. Ya-Shebalin, V. I. Muradeli, A. N. Kholminov, K-V. Molchanov, S. M. Slonimsky, Yu. A. Shaporin, R. K. Shchedrin, O. V. Taktakishvili, E. A. Kapp, N. G. Zhiganov, T.T. Tulebaev et autres.
L'opéra, en tant qu'œuvre aux multiples facettes, comprend divers éléments d'interprétation - épisodes orchestraux, scènes de foule, chœurs, airs, récitatifs, etc. Aria est un numéro musical complet dans sa structure et sa forme dans un opéra ou dans une grande œuvre vocale-instrumentale - oratorio, cantate, messe, etc. d. Son rôle dans le théâtre musical est similaire à celui d'un monologue dans une pièce dramatique, mais les airs, en particulier dans l'opéra, sont entendus beaucoup plus souvent, la plupart des personnages de l'opéra ont un air individuel, mais pour les personnages principaux le compositeur en compose le plus souvent plusieurs.
Il existe les types d’airs suivants. L'une d'elles, Arietta, apparaît pour la première fois dans l'opéra-comique français, puis se généralise et est entendue dans la plupart des opéras. Arietta se distingue par la simplicité et la nature chantante de la mélodie. Arioso se caractérise par une forme de présentation libre et un caractère de chant déclamatoire. La cavatine se caractérise le plus souvent par un caractère lyrique-narratif. Les cavatines sont de formes variées : à côté des plus simples, comme la cavatine de Berendey dans « La Fille des neiges », il existe aussi des plus complexes, par exemple la cavatine de Lyudmila dans « Ruslan et Lyudmila ».
Cabaletta est un type d’air léger. Trouvé dans les œuvres de V. Bellini, G. Rossini, Verdi. Il se distingue par un motif rythmique et une figure rythmique qui reviennent constamment.
Une pièce instrumentale avec une mélodie mélodieuse est parfois aussi appelée air.
Le récitatif est une manière unique de chanter, proche de la récitation mélodique. Il est construit sur des voix élevées et basses, basées sur les intonations de la parole, les accents et les pauses. Il trouve son origine dans la manière dont les chanteurs folkloriques interprètent des œuvres épiques et poétiques. L'émergence et l'utilisation active du récitatif sont associées au développement de l'opéra (XVI-XVII siècles). La mélodie du récitatif est construite librement et dépend largement du texte. Dans le processus de développement de l'opéra, notamment italien, deux types de récitatifs ont été identifiés : le récitatif sec et accompagné. Le premier récitatif est exécuté « talk », sur un rythme libre et soutenu par des accords individuels soutenus dans l'orchestre. Ce récitatif est habituellement utilisé dans les dialogues. Le récitatif accompagné est plus mélodique et exécuté dans un rythme clair. L'accompagnement orchestral est assez développé. Un tel récitatif précède généralement un air. L'expressivité du récitatif est largement utilisée dans les genres musicaux classiques et modernes - opéra, opérette, cantate, oratorio, romance.
L'opéra est l'un des genres musicaux et théâtraux les plus importants. C'est un mélange de musique, de chant, de peinture et de théâtre, très apprécié des amateurs d'arts classiques. Il n'est pas surprenant que dans les cours de musique, la première chose qu'un enfant reçoive soit un rapport sur ce sujet.
En contact avec
Où commence-t-il ?
Cela commence par une ouverture. C'est l'introduction interprétée par un orchestre symphonique. Conçu pour définir l'ambiance et l'atmosphère de la pièce.
Que se passe-t-il
L'ouverture est suivie de la partie principale de la représentation. Il s'agit d'un spectacle grandiose, divisé en actes - des parties complètes du spectacle, entre lesquelles se trouvent des entractes. Les entractes peuvent être longues, afin que le public et les participants à la production puissent se reposer, ou courtes, lorsque le rideau est baissé uniquement pour changer de décor.
Le corps principal, la force motrice de l’ensemble, sont les airs solos. Ils sont interprétés par des acteurs - personnages de l'histoire. Les airs révèlent l'intrigue, le caractère et les sentiments des personnages. Parfois, des récitatifs – des indices rythmiques mélodieux – ou des discours familiers ordinaires sont insérés entre les airs.
La partie littéraire est basée sur le livret. C'est une sorte de scénario, un résumé du travail . Dans de rares cas, les poèmes sont écrits par les compositeurs eux-mêmes., comme Wagner. Mais le plus souvent, les paroles de l'opéra sont écrites par le librettiste.
Où est-ce que ça se termine ?
La finale de la représentation d'opéra est l'épilogue. Cette partie remplit la même fonction que l'épilogue littéraire. Cela pourrait être une histoire sur le sort futur des héros, ou un résumé et une définition de la moralité.
Histoire de l'opéra
Wikipédia regorge d’informations sur ce sujet, mais cet article propose un historique condensé du genre musical mentionné.
La tragédie antique et la Camerata florentine
Le berceau de l'opéra est l'Italie. Cependant, les racines de ce genre remontent à la Grèce antique, où ils ont commencé à combiner l'art scénique et vocal. Contrairement à l'opéra moderne, où l'accent est mis sur la musique, dans la tragédie grecque antique, ils alternaient uniquement entre le discours ordinaire et le chant. Cette forme d'art a continué à se développer chez les Romains. Dans les tragédies romaines antiques, les parties solos ont pris du poids et les inserts musicaux ont commencé à être utilisés plus souvent.
La tragédie antique connut une seconde vie à la fin du XVIe siècle. La communauté de poètes et de musiciens - la Camerata florentine - a décidé de faire revivre l'ancienne tradition. Ils ont créé un nouveau genre appelé « le drame à travers la musique ». Contrairement à la polyphonie populaire à cette époque, les œuvres de la camerata étaient des récitations mélodiques monophoniques. La production théâtrale et l'accompagnement musical visaient uniquement à souligner l'expressivité et la sensualité de la poésie.
On pense que la première production d’opéra a été créée en 1598. Malheureusement, de l'œuvre « Daphné », écrite par le compositeur Jacopo Peri et le poète Ottavio Rinuccini, il ne reste aujourd'hui que le titre. . Mais « Eurydice » leur appartient., qui est le plus ancien opéra survivant. Mais cette œuvre glorieuse pour la société moderne n’est qu’un écho du passé. Mais l'opéra « Orphée », écrit par le célèbre Claudio Monteverdi en 1607 pour la cour de Mantoue, est encore visible aujourd'hui dans les salles de cinéma. La famille Gonzaga, qui dirigeait Mantoue à cette époque, a apporté une contribution significative à l'émergence du genre de l'opéra.
Théâtre dramatique
Les membres de la Camerata florentine pourraient être qualifiés de « rebelles » de leur époque. En effet, à une époque où la mode musicale est dictée par l'Église, ils se sont tournés vers les mythes et légendes païens de la Grèce, renonçant aux normes esthétiques acceptées dans la société, et ont créé quelque chose de nouveau. Cependant, même plus tôt, le théâtre dramatique avait introduit ses solutions inhabituelles. Cette tendance a prospéré à la Renaissance.
En expérimentant et en se concentrant sur la réaction du public, ce genre a développé son propre style. Les représentants du théâtre dramatique ont utilisé la musique et la danse dans leurs productions. Cette nouvelle forme d’art était extrêmement populaire. C’est l’influence du théâtre dramatique qui a permis au « drame par la musique » d’atteindre un nouveau niveau d’expressivité.
L'art de l'opéra suite se développer et gagner en popularité. Cependant, ce genre musical s'épanouit véritablement à Venise, lorsqu'en 1637 Benedetto Ferrari et Francesco Manelli ouvrent le premier opéra public, San Cassiano. Grâce à cet événement, les œuvres musicales de ce type ont cessé d'être un divertissement pour les courtisans et ont atteint un niveau commercial. C’est à cette époque que commence le règne des castrats et des prima donnas dans le monde de la musique.
Distribution à l'étranger
Au milieu du XVIIe siècle, l'art de l'opéra, avec le soutien de l'aristocratie, s'était développé pour devenir un genre indépendant et un divertissement accessible aux masses. Grâce aux troupes itinérantes, ce type de spectacle se répand dans toute l'Italie et commence à conquérir le public à l'étranger.
La première représentation italienne du genre présentée à l'étranger s'appelle Galatée. Elle a été jouée en 1628 dans la ville de Varsovie. Peu de temps après, une autre œuvre fut jouée à la cour : « La liberazione di Ruggiero dall'isola d'Alcina » de Francesca Caccini. Cette œuvre est également le premier opéra existant écrit par des femmes.
Jason de Francesco Cavalli était l'opéra le plus populaire du XVIIe siècle. A cet égard, en 1660 il fut invité en France pour le mariage de Louis XIV. Cependant, ses « Xerxès » et « Hercule amoureux » n'ont pas eu de succès auprès du public français.
Antonio Cesti, chargé d'écrire un opéra pour la famille autrichienne des Habsbourg, connut un plus grand succès. Sa représentation grandiose « La Pomme d'Or » a duré deux jours. Ce succès sans précédent marque la montée de la tradition lyrique italienne dans la musique européenne.
Séria et buffle
Au XVIIIe siècle, les genres d’opéra tels que la seria et la buffa ont acquis une popularité particulière. Bien que tous deux soient originaires de Naples, les deux genres représentent des oppositions fondamentales. Opera seria signifie littéralement « opéra sérieux ». C’est un produit de l’ère du classicisme, qui encourageait la pureté du genre et la typification dans l’art. La série se distingue par les qualités suivantes :
- sujets historiques ou mythologiques;
- la prédominance des récitatifs sur les airs ;
- séparation des rôles de la musique et du texte ;
- personnalisation minimale des personnages ;
- action statique.
Le librettiste le plus célèbre et le plus célèbre de ce genre était Pietro Metastasio. Différents compositeurs ont écrit des dizaines d'opéras basés sur ses meilleurs livrets.
Dans le même temps, le genre de la comédie bouffe se développait en parallèle et indépendamment. Si la série raconte des histoires du passé, alors buffa consacre ses intrigues à des situations modernes et quotidiennes. Ce genre a évolué à partir de courts sketches comiques, mis en scène pendant les entractes de la représentation principale et constituant des œuvres distinctes. Petit à petit, ce type d'art a gagné en popularité et a été réalisé comme des performances indépendantes à part entière.
Réforme Gluck
Le compositeur allemand Christoph Willibald Gluck a inscrit son nom dans l’histoire de la musique. Lorsque l’opera seria dominait les scènes européennes, il promouvait avec persistance sa propre vision de l’art lyrique. Il pensait que le drame devait régir le spectacle et que la tâche de la musique, du chant et de la chorégraphie devait être de le promouvoir et de le mettre en valeur. Gluck a soutenu que les compositeurs devraient abandonner les performances spectaculaires en faveur de la « simple beauté ». Que tous les éléments de l'opéra doivent être la continuation les uns des autres et former une seule intrigue harmonieuse.
Il commença sa réforme en 1762 à Vienne. Avec le librettiste Ranieri de Calzabigi, il a mis en scène trois pièces, mais elles n'ont pas reçu de réponse. Puis en 1773 il se rend à Paris. Ses activités de réforme durent jusqu'en 1779 et provoquent de nombreuses controverses et troubles parmi les mélomanes. . Les idées de Gluck ont eu une grande influence sur le développement du genre opéra. Elles se sont également reflétées dans les réformes du XIXe siècle.
Types d'opéra
Au cours de plus de quatre siècles d'histoire, le genre de l'opéra a subi de nombreux changements et a beaucoup apporté au monde musical. Durant cette période, plusieurs types d'opéra émergent :
Chacun des arts possède des genres spécifiques dans lesquels les créateurs expriment leurs idées artistiques. Certains d'entre eux sont les mieux adaptés à la mise en œuvre de projets grandioses, comme on dit aujourd'hui, à grande échelle et aux formes monumentales, d'autres - pour exprimer des sentiments intimes. Le mauvais choix du genre ou de la forme dans laquelle il a souhaité incarner son idée peut entraîner une déception pour le créateur. Bien sûr, c’est merveilleux lorsqu’un petit formulaire contient un contenu de qualité. Dans de tels cas, il est d'usage de dire : la brièveté est la sœur du talent, ou - comme le dit Shakespeare dans Hamlet - « la brièveté est l'âme de l'esprit », mais c'est mauvais si, au contraire, il n'y a pas assez de contenu pour la grande forme choisie...
Alexandre Maikapar
Genres musicaux : Opéra
Chacun des arts possède des genres spécifiques dans lesquels les créateurs expriment leurs idées artistiques. Certains d'entre eux sont les mieux adaptés à la mise en œuvre de projets grandioses, comme on dit aujourd'hui, à grande échelle et aux formes monumentales, d'autres - pour exprimer des sentiments intimes. Le mauvais choix du genre ou de la forme dans laquelle il a souhaité incarner son idée peut entraîner une déception pour le créateur. Bien sûr, c’est merveilleux lorsqu’un petit formulaire contient un contenu de qualité. Dans de tels cas, il est d'usage de dire : la brièveté est la sœur du talent, ou - comme le dit Shakespeare dans Hamlet - « la brièveté est l'âme de l'esprit », mais c'est mauvais si, au contraire, il n'y a pas assez de contenu pour la grande forme choisie.
Des parallèles peuvent être établis entre des genres individuels de différents types d’art. Ainsi, un opéra dans un certain sens s'apparente à un roman ou à une œuvre dramatique (le plus souvent une tragédie ; et on peut donner des exemples d'opéras basés sur les textes de tragédies célèbres - « Othello » de Shakespeare et Verdi). Un autre parallèle est le genre musical du prélude et du poème lyrique, et dans les arts visuels - le dessin. Les comparaisons peuvent facilement être poursuivies.
Il est important pour nous de prêter attention ici au fait que de tels parallèles contiennent des similitudes dans les formes et même dans les techniques techniques, l'identité du travail avec les volumes et les masses : pour un compositeur - les sons, pour un artiste - les couleurs. Dans la série d'essais proposée sur les genres musicaux, nous essaierons d'éviter les concepts et termes musicaux complexes, mais nous ne pouvons néanmoins pas nous passer de révéler certaines caractéristiques musicales spécifiques.
Depuis Lully, de nombreux opéras classiques et romantiques comportent des scènes de ballet insérées. L'un de ces épisodes a été représenté dans son tableau par E. Degas. Les danseurs éphémères sur scène contrastent fortement avec les musiciens de l’orchestre et les spectateurs dans les parterres, parmi lesquels se trouvent les amis de l’artiste, le collectionneur Albert Hesht et l’artiste amateur Vicomte Lepic, que l’artiste a représenté avec une précision presque photographique. L'impressionnisme et le réalisme étaient étroitement liés. Malgré toutes leurs différences, ils pourraient être combinés en une seule image.
Le thème égyptien de l'opéra Aida de Verdi est illustré graphiquement sur la page de titre de la première édition de l'opéra, réalisée par G. Ricordi et C." à Milan. Les publications de l'entreprise ont été distribuées dans toute l'Europe. Extrait des mémoires du professeur S. Maykapar sur sa jeunesse musicale à Taganrog (début des années 80 du XIXe siècle) : G. Molla, professeur d'italien, « en plus des cours, il aimait beaucoup venir chez moi ou m'inviter chez lui pour étudier avec moi seulement que de nouveaux opéras de Verdi sortaient. Il a commandé les clavierauszugi (arrangements pour piano) de ces opéras directement à Milan auprès de la maison d'édition Ricordi elle-même. Nous avons donc parcouru à fond les opéras « Aïda », « Othello », « Falstaff ».
La première production de Carmen n'a pas eu de succès. L'auteur a été accusé d'immoralité. Tchaïkovski fut l'un des premiers à apprécier la musique de « Carmen ». « L’opéra de Bizet, écrit-il, est un chef-d’œuvre, une de ces rares choses destinées à refléter au mieux les aspirations musicales de toute une époque. Dans dix ans, Carmen sera l’opéra le plus populaire au monde. » Les paroles de Tchaïkovski se sont révélées prophétiques.
Les œuvres du célèbre compositeur italien Giacomo Puccini ont été publiées par G. Ricordi déjà mentionné. « Tosca » (1900) est l'un des opéras les plus populaires dans les théâtres du monde. Créer des medleys, des paraphrases ou des fantaisies sur les thèmes de vos opéras préférés est une tradition qui remonte au XVIIIe siècle.
"Ravin des loups". Kaspar, en attendant Max, conclut un accord avec le chasseur démoniaque Samiel, à qui il vend sa vie. Mais ensuite il propose Max à la place. Le fantôme répond mystérieusement : « Lui ou toi. » A ce moment, Max descend du sommet dans le ravin, il est retenu par l'ombre de sa mère, mais Samiel invoque le fantôme d'Agatha, et Max, après quelques hésitations, descend. Max se met à préparer sept solutions magiques à partir du matériel fourni par Kaspar. Ils sont entourés de visions infernales. A la dernière balle mortelle, le fantôme de Samiel apparaît, et les deux chasseurs tombent à moitié morts d'horreur.
A. Borodine n'a pas eu le temps de terminer le travail sur l'opéra.
Ce chef-d’œuvre de l’art lyrique a été préparé pour être interprété et publié par les amis du compositeur, N. Rimsky-Korsakov et A. Glazunov. Ce dernier a enregistré de mémoire l'ouverture de l'opéra.
L'opéra a été publié par le philanthrope russe M.P. Belyaev, fondateur de la maison d'édition musicale Edition M.P. BELAÄFF, Leipzig.
Extrait des mémoires de N. Rimsky-Korsakov : M. P. Belyaev « était un philanthrope, mais pas un seigneur philanthrope, jetant de l'argent dans l'art à sa guise et ne faisant essentiellement rien pour cela. Bien sûr, s’il n’avait pas été riche, il n’aurait pas pu faire ce qu’il a fait pour l’art, mais dans cette affaire, il s’est immédiatement placé sur une base noble et solide. Il est devenu entrepreneur de concerts et éditeur de musique russe sans espérer aucun bénéfice pour lui-même, mais au contraire, en faisant don d'énormes sommes d'argent pour cela, en cachant son nom jusqu'à la dernière occasion possible.
Brève définition
Le monde de l'opéra...
Combien de compositeurs, combien de générations d’auditeurs, dans combien de pays ce monde a-t-il séduit par ses charmes ! Combien de plus grands chefs-d’œuvre ce monde contient-il ! Quelle variété d’intrigues, de formes, de méthodes d’incarnation scénique de ses images ce monde offre à l’humanité !
L'opéra est de loin le genre musical le plus difficile. En règle générale, cela prend une soirée théâtrale complète (bien qu'il existe des opéras dits en un acte, qui sont généralement mis en scène deux en une seule représentation théâtrale). Dans certains cas, le concept lyrique complet du compositeur est réalisé en plusieurs soirées, dont chacune dépasse le cadre traditionnel d'une représentation d'opéra. Nous entendons la tétralogie (c'est-à-dire une représentation de quatre opéras) de Richard Wagner « L'Anneau du Nibelung » avec ses quatre représentations d'opéra indépendantes : le prologue - « Das Rheingold », le premier jour - « Die Walküre », le deuxième jour - "Siegfried", le troisième jour - "Mort des dieux". Il n'est pas surprenant qu'une telle création dans son ampleur soit classée parmi des créations de l'esprit humain comme la peinture du plafond de la chapelle Sixtine de Michel-Ange ou la « Comédie humaine » de Balzac (98 romans et nouvelles - « Études sur la morale »).
Puisque nous sommes allés si loin, parlons de Wagner. Dans le livre du musicologue américain Henry Simon « Cent grands opéras », que nous avons eu la chance de traduire et de publier pour les amateurs d'opéra de notre pays, cette tétralogie est dite de manière acerbe et aphoristique : « L'Anneau du Nibelung » est le plus grand œuvre d'art jamais créée par une seule personne, ou - sinon - l'ennui le plus colossal, ou - encore ainsi - le fruit d'une extrême gigantomanie. C’est exactement ainsi que cette tétralogie est constamment caractérisée, et ces épithètes ne s’excluent en aucun cas. Il a fallu vingt-huit ans pour créer cette création – texte, musique et préparation de la première. Certes, durant cette période, Wagner a pris une pause dans son travail sur The Ring, en partie pour coïncider avec la création de Siegfried. Pour se distraire un peu et reprendre son souffle, il compose également durant cette période deux de ses chefs-d'œuvre - "Tristan" et "Die Meistersinger".
Avant même de décrire brièvement le parcours historique de l'opéra - une histoire détaillée sur l'opéra occuperait un gros volume, voire plusieurs - essayons de donner une brève définition de ce qu'est, ou plutôt de ce qu'est devenu l'opéra en tant que comédie musicale. genre.
mot italien opéra vient du latin et signifie au sens large « œuvre », c'est-à-dire « création », au sens littéraire et musical il signifie « composition ». Bien avant l'opéra, genre musical, ce mot était utilisé pour désigner une œuvre littéraire, essentiellement philosophique et théologique, lorsqu'elle était publiée dans son intégralité - Opéra omnia. Ces œuvres constituaient le genre littéraire le plus complexe (par exemple, la Somme théologique de Thomas d'Aquin). En musique, l'œuvre la plus complexe est précisément l'opéra - une œuvre scénique qui combine musique (vocale et instrumentale), poésie, théâtre, scénographie (arts visuels). Ainsi, l'opéra porte à juste titre son nom.
Commencer
Si nous voulions décrire, au moins en pointillés, les étapes du développement de l'opéra en tant que genre musical, notre essai se transformerait en une simple liste de noms de compositeurs, de noms de leurs créations lyriques et de théâtres où ces chefs-d'œuvre a vu pour la première fois la lumière de la scène. D'ailleurs, d'après les noms, comme on peut facilement le deviner, on nommerait les plus grands : Monteverdi, Pergolesi, Lully, Gluck, Mozart, Rossini, Beethoven, Meyerbeer, Wagner, Verdi, Puccini, Richard Strauss... Ce ne sont que des compositeurs occidentaux. . Et les Russes ! Cependant, nous en reparlerons plus tard.
Mais il faut encore parler du premier opéra et du premier compositeur d'opéra qui s'est avéré être tel... par hasard. Pour ce faire, nous devons nous transporter mentalement dans la patrie de ce genre musical – en Italie, plus précisément, à Florence à la fin du XVIe siècle. L'opéra est né ici et à cette époque.
A cette époque, l'Italie était dominée par une passion extraordinaire pour les académies, c'est-à-dire les sociétés libres (des autorités municipales et ecclésiales) qui réunissaient philosophes, scientifiques, poètes, musiciens, amateurs nobles et éclairés. Le but de ces sociétés était d'encourager et de développer les sciences et les arts. Les académies bénéficiaient du soutien financier de leurs membres (dont la plupart appartenaient aux milieux aristocratiques) et étaient sous le patronage des cours princières et ducales. Aux XVIe et XVIIe siècles. Il y avait plus d'un millier d'académies en Italie. L’une d’elles était la soi-disant Camerata florentine. Elle est née en 1580 à l'initiative de Giovanni Bardi, comte de Vernio. Parmi ses membres figurent Vincenzo Galilei (père du célèbre astronome), Giulio Caccini, Jacopo Peri, Pietro Strozzi, Girolamo Mei, Ottavio Rinuccini, Jacopo Corea, Cristofano Malvezzi. Ils s'intéressaient particulièrement à la culture de l'Antiquité et aux problèmes du style de la musique ancienne. C'est sur cette base qu'est né l'opéra, qui ne s'appelait pas encore opéra (le terme « opéra » dans notre compréhension est apparu pour la première fois en 1639), mais était défini comme drame par musique(lit. : « drame à travers la musique », ou, plus précisément, « drame (mis en musique) en musique »). En d’autres termes, les compositeurs de la Camerata florentine ont été emportés par l’idée de reconstituer la musique et le théâtre grecs anciens et n’ont pas du tout pensé à ce que nous appelons aujourd’hui l’opéra. Mais des tentatives de création d’un tel (pseudo) drame ancien, l’opéra est né en 1597 ou 1600.
Différentes dates - car tout dépend de ce qui est considéré comme le premier opéra : l'année de création du premier, mais perdu, ou la première année atteint à de l'opéra. On sait que la disparue était « Daphné », et celle qui nous est parvenue est « Eurydice ». Elle fut magnifiquement mise en scène au Palais Pitti le 6 octobre 1600, à l'occasion du mariage de Marie de Médicis et du roi de France Henri IV. La communauté musicale mondiale a célébré le quatre centième anniversaire de l'opéra en 2000. De beaux chiffres ! Cette décision est probablement justifiée. De plus, ces deux opéras - « Daphné » et « Euridice » - appartiennent au même compositeur Jacopo Peri (il a écrit le second en collaboration avec Giulio Caccini).
Tout comme dans le cas de l'énumération des noms de compositeurs d'opéra, un matériau illimité nous attend si l'on veut décrire les différents types et orientations de la créativité lyrique, caractériser toutes les innovations que chacun des grands créateurs d'opéra a apportées avec lui. Il faudra mentionner au moins les principaux types d'opéra - l'opéra dit « sérieux » ( série d'opéra) et l'opéra-comique ( opéra bouffe). Ce sont les premiers genres d’opéra apparus aux XVIIe et XVIIIe siècles ; d'entre eux par la suite (au 19e siècle) l'« opéra-drame » ( grand opéra) et l'opéra-comique de l'époque romantique (qui se transforma ensuite en douceur en opérette).
Cette évolution des genres lyriques est évidente et claire pour les musiciens, comme en témoigne la remarque pleine d'esprit d'un musicien plein d'esprit : « Si « Le Barbier de Séville » [Rossini] est montré au théâtre en trois actions, sachez que cela a été fait dans le but du buffet du théâtre. Pour apprécier cette plaisanterie, il faut savoir que Le Barbier de Séville est un opéra-comique, héritier des traditions. opéra bouffe. UN opéra bouffe au début (en Italie au XVIIIe siècle), il a été créé comme un spectacle amusant permettant aux auditeurs de se détendre pendant les entractes série d'opéras, lequel à cette époque, il s'agissait toujours de trois actes. Il est donc facile de comprendre qu'il y a eu deux entractes dans un spectacle en trois actes.
L'histoire de la musique nous a conservé les circonstances de la naissance du premier opéra bouffe. Son auteur était le très jeune Giovanni Battista Pergolesi. En 1733, le compositeur crée son prochain «opéra sérieux» - «Le fier captif». Comme les cinq autres opéras série, qu'il a composé au cours des quatre années de sa carrière de compositeur d'opéra, ce n'est pas un succès, c'est même un échec.
Comme deux intermezzo Pergolesi, comme on dit, a écrit avec négligence une histoire drôle, qui ne nécessitait qu'une soprano et une basse, et un mime (une telle distribution est devenue traditionnelle pour de tels intermèdes). Ainsi est née la forme musicale connue sous le nom de opéra bouffe, qui s'est avéré avoir une histoire longue et honorable, et son exemple classique - "La Bonne-Maîtresse" - a eu une vie scénique honorable et tout aussi longue.
Pergolesi mourut en 1736 à l'âge de vingt-six ans. Il n’a jamais appris que dix ans plus tard, lorsqu’une compagnie italienne a monté sa petite œuvre à Paris, elle est devenue la cause d’une guerre d’opéra connue sous le nom de « Guerre des Buffons ». Largement vénérés, Rameau et Lully composent alors des œuvres majestueuses et pathétiques qui suscitent les critiques d'intellectuels comme Rousseau et Diderot. La « Servante-Maîtresse » leur donne une arme pour s'attaquer aux divertissements musicaux formels privilégiés par le roi. D'ailleurs, la reine préférait alors les rebelles musicaux. Le résultat de cette guerre fut au moins soixante pamphlets sur ce sujet, qui devinrent un succès. opéra bouffe Rousseau lui-même, surnommé « Le Sorcier du Village » (il est devenu le modèle de « Bastien et Bastienne » de Mozart), et près de deux cents représentations du chef-d’œuvre de Pergolèse.
Les principes de base de Gluck
Si vous regardez l'opéra du point de vue du répertoire qui peut être considéré comme traditionnel pour les opéras classiques du monde, alors ses premières lignes ne contiendront pas les œuvres des classiques du XVIIIe siècle, comme Haendel, Alessandro Scarlatti. et leurs nombreux contemporains et disciples actifs, mais un compositeur qui a résolument dirigé son regard vers la véracité dramatique de l'action scénique. Ce compositeur était Gluck.
Il convient de noter que, bien sûr, lorsqu'on caractérise les écoles nationales d'opéra, il faut également parler de l'Allemagne du milieu du XVIIIe siècle, mais ici, quelle que soit l'œuvre que vous prenez et qui mérite d'être mentionnée, il s'avérera certainement qu'elle est soit un compositeur italien qui a travaillé en Allemagne, soit un Allemand qui a étudié en Italie et a écrit dans la tradition italienne et dans la langue italienne. D’ailleurs, les premières œuvres de Gluck lui-même n’étaient que cela : il étudia en Italie et ses premiers opéras furent écrits pour des maisons d’opéra italiennes. Cependant, à un moment donné, Gluck changea brusquement d’avis et entra dans l’opéra avec une banderole haute sur laquelle était inscrit : « Retour en 1600 ! » En d’autres termes, une fois de plus, après de nombreuses années passées à cultiver toutes sortes de conventions, l’opéra était censé se transformer en « drame par musique».
Les principes de base de Gluck peuvent être résumés (sur la base de la préface de l'auteur à Alceste) comme suit :
a) la musique doit être subordonnée à la poésie et au théâtre, elle ne doit pas les affaiblir par des embellissements inutiles ; il doit jouer par rapport à une œuvre poétique le même rôle que l'éclat des couleurs et la bonne répartition de la lumière et des ombres jouent par rapport à un dessin bon et précis, servant à animer les figures sans en modifier les contours ;
b) tous ces excès contre lesquels le bon sens et la justice devraient être éliminés ; l'acteur ne doit pas interrompre son monologue passionné en attendant que retentisse la ritournelle absurde, ni casser un mot pour démontrer sa belle voix sur une voyelle commode ;
c) l'ouverture doit éclairer l'action pour le public et servir d'aperçu introductif du contenu ;
d) l'orchestration doit changer en fonction de l'intérêt et de la passion des paroles prononcées par l'acteur ;
e) il faut éviter les césures inappropriées entre les récitatifs et les airs, qui paralysent la période et privent l'action de force et d'éclat.
Ainsi, Gluck apparaît comme un grand réformateur de l’opéra. Il était allemand et c'est de lui que vient la ligne de développement de l'opéra qui, à travers Mozart, mène à Weber, puis à Wagner.
Double talent
La meilleure caractérisation de Wagner reste peut-être les paroles de Franz Liszt à son sujet (que nous présentons dans la traduction du remarquable compositeur et critique musical russe Alexander Serov) : « Comme une exception extrêmement rare dans le domaine des figures musicales, Wagner combine en lui-même un double talent : poète en sons et poète en mots, auteur musique dans l'opéra et l'auteur livret, ce qui donne de l'extraordinaire unité ses inventions dramatiques et musicales.<...>Tous les arts, selon la théorie de Wagner, devraient être combinés dans le théâtre et, avec un tel accord artistiquement équilibré, tendre vers un seul objectif : une impression enchanteresse commune. Il est impossible de discuter de la musique de Wagner si l'on veut y rechercher la texture lyrique ordinaire, la distribution ordinaire des airs, des duos, des romances et des ensembles. Ici tout est inextricablement lié, uni par l'organisme du drame. Le style de chant dans la plupart des scènes est aussi loin du récitatif routinier que des phrases mesurées des airs italiens. Chanter chez Wagner devient une parole naturelle dans le domaine poétique, une parole qui n'interfère pas avec l'action dramatique (comme dans d'autres opéras), mais qui, au contraire, la rehausse d'une manière incomparable. Mais tandis que les personnages expriment leurs sentiments dans une déclamation majestueuse et simple, le riche orchestre de Wagner fait écho à l’âme de ces mêmes personnages, complète, complète ce que nous nous entendons Et nous voyons sur la scène".
école russe
Au XIXe siècle, l’école d’opéra russe atteint sa maturité et son indépendance. A cette époque, un terrain merveilleux était préparé pour son épanouissement. Les premiers opéras russes, apparus à la fin du XVIIIe siècle, étaient avant tout des pièces dramatiques avec des épisodes musicaux pendant l'action. Les compositeurs russes de l'époque ont beaucoup emprunté aux Italiens et aux Français. Mais eux, à leur tour, après avoir visité la Russie, ont perçu et assimilé une grande partie de la vie musicale russe dans leur œuvre.
Le fondateur des classiques de l'opéra russe était M.I. Glinka. Ses deux opéras - l'historique-tragique "La vie du tsar" (Ivan Susanin, 1836) et le conte de fées épique "Ruslan et Lyudmila" (1842) - ont jeté les bases de deux tendances les plus importantes du théâtre musical russe : historique opéra et opéra magique-épique.
Après Glinka, Alexandre Dargomyzhsky entre dans le domaine de l'opéra. Son parcours de compositeur d'opéra a commencé avec l'opéra « Esmeralda » d'après V. Hugo (mis en scène en 1847). Mais ses principales réalisations artistiques furent les opéras « Rusalka » (1855) et « The Stone Guest » (1866-1869). « Rusalka » est le premier opéra lyrique et psychologique russe quotidien. Dargomyzhsky, comme Wagner, ressentait le besoin de réformer l'opéra afin de se débarrasser des conventions et de parvenir à une fusion complète de la musique et de l'action dramatique. Mais, contrairement au grand Allemand, il a concentré ses efforts sur la recherche de l'incarnation la plus véridique des intonations de la parole humaine vivante dans la mélodie vocale.
Une nouvelle étape dans l'histoire de l'opéra russe - les années 60 du XIXe siècle. C’est l’époque où apparaissent sur la scène russe les œuvres des compositeurs du cercle de Balakirev, connu sous le nom de « La Grande Poignée », et de Tchaïkovski. Les membres du cercle Balakirev étaient A.P. Borodine, député. Moussorgski, N.A. Rimski-Korsakov. Les créations lyriques de ces compositeurs constituent le fonds d'or de l'art lyrique russe et mondial.
Le XXe siècle – tant en Russie qu’en Occident – a introduit une diversité significative dans les genres de l’opéra, mais nous devons admettre que le quatrième siècle d’existence de l’opéra ne peut pas se vanter d’avoir produit des œuvres aussi grandes et aussi abondantes que les siècles précédents. Voyons ce qui se passe au Ve siècle...
Comment commence l'opéra...
Quel que soit le mouvement artistique auquel appartient un opéra particulier, il s’ouvre toujours par une ouverture. En règle générale, ce dernier contient les idées musicales clés de l'opéra, ses principaux motifs et caractérise ses personnages par des moyens purement orchestraux. L'ouverture est la « carte de visite » de l'opéra. Nous concluons notre conversation sur l'opéra par une discussion sur la façon dont l'opéra commence. Et nous donnons la parole au plus spirituel des compositeurs - Gioachino Rossini.
Lorsqu'un jeune compositeur lui a demandé s'il valait mieux écrire une ouverture avant d'écrire un opéra ou après l'avoir terminé, Rossini a énuméré six manières dont il écrivait des ouvertures :
1. J'ai écrit l'ouverture d'Othello dans une petite pièce dans laquelle l'un des directeurs de théâtre les plus cruels, Barbaria, m'a enfermé avec une assiette de pâtes ; il a dit qu'il ne me laisserait sortir qu'après avoir écrit la dernière note de l'ouverture.
2. J’ai écrit l’ouverture de « La Pie voleuse » le jour même de la première de l’opéra, dans les coulisses du théâtre La Scala de Milan. Le metteur en scène me plaça sous la garde de quatre machinistes, à qui on ordonna de jeter une à une les feuilles du manuscrit aux copistes qui se trouvaient en bas dans la fosse d'orchestre. Au fur et à mesure que le manuscrit était réécrit, page par page, il était envoyé au chef d'orchestre, qui répétait la musique. Si je n'avais pas composé la musique à l'heure dite, mes gardes m'auraient jeté, au lieu des draps, aux scribes.
3. Je m'en suis sorti plus facilement dans le cas de l'ouverture du Barbier de Séville, que je n'ai pas du tout écrite ; A la place, j'ai utilisé l'ouverture de mon opéra Elizabeth, qui est un opéra très sérieux, alors que Le Barbier de Séville est un opéra comique.
4. J'ai composé l'ouverture du « Comte Ory » alors que je pêchais avec un musicien, un Espagnol, qui parlait constamment de la situation politique de son pays.
5. J'ai composé l'Ouverture de Guillaume Tell dans un appartement du boulevard Montmartre, où nuit et jour des foules de gens fumaient, buvaient, parlaient, chantaient et sonnaient à mes oreilles pendant que je travaillais sur la musique.
6. Je n'ai jamais composé d'ouverture pour mon opéra « Moïse » ; et c'est la plus simple de toutes les méthodes.
Cette déclaration pleine d'esprit du célèbre compositeur d'opéra nous a naturellement conduit à une histoire plus détaillée de l'ouverture, un genre musical qui a fourni de merveilleux exemples. L'histoire à ce sujet se trouve dans le prochain essai de la série.
D'après des documents du magazine « Art » n° 02/2009
Sur l'affiche : Boris Godounov - Ferruccio Furlanetto. Photo de Damir Yusupov
Avant d'examiner le genre de l'opéra et les manières de travailler avec lui dans un cours de musique, je voudrais donner une définition de ce qu'est l'opéra.
"L'opéra, et seulement l'opéra, vous rapproche des gens, rend votre musique plus proche du public réel, fait de vous un atout non seulement pour des cercles individuels, mais, dans des conditions favorables, pour le peuple tout entier." Ces paroles appartiennent à Piotr Ilitch Tchaïkovski, le grand compositeur russe.
Il s'agit d'une œuvre musico-dramatique (comprenant souvent des scènes de ballet), destinée à la représentation scénique, dont le texte est chanté en tout ou en partie, généralement accompagné d'un orchestre. Un opéra est écrit à partir d'un texte littéraire spécifique. L'impact d'une œuvre dramatique et du jeu des acteurs d'un opéra est infiniment renforcé par le pouvoir expressif de la musique. Et vice versa : la musique de l'opéra acquiert une spécificité et une imagerie extraordinaires.
Le désir de renforcer l'impact d'une œuvre théâtrale à l'aide de la musique est né déjà à des époques très lointaines, à l'aube de l'art dramatique. En plein air, au pied de la montagne dont les pentes, traitées en forme de marches, servaient de lieux aux spectateurs, se déroulaient des spectacles festifs dans la Grèce antique. Des acteurs masqués, portant des chaussures spéciales qui augmentaient leur taille, récitant d'une voix chantante, interprétaient des tragédies qui glorifient la force de l'esprit humain. Les tragédies d'Eschyle, de Sophocle et d'Euripide, créées à cette époque lointaine, n'ont pas perdu aujourd'hui encore leur signification artistique. Les œuvres théâtrales accompagnées de musique étaient également connues au Moyen Âge. Mais tous ces « ancêtres » de l'opéra moderne en différaient en ce qu'ils alternaient le chant avec le langage parlé ordinaire, tandis que la particularité de l'opéra est que le texte qu'il contient est chanté du début à la fin.
L'opéra, au sens moderne du terme, est né en Italie au tournant des XVIe et XVIIIe siècles. Les créateurs de ce nouveau genre étaient des poètes et des musiciens qui admiraient l’art ancien et cherchaient à faire revivre la tragédie grecque antique. Mais bien que dans leurs expériences musicales et scéniques, ils aient utilisé des intrigues de la mythologie grecque antique, ils n'ont pas relancé la tragédie, mais ont créé une forme d'art complètement nouvelle : l'opéra.
L’opéra gagne rapidement en popularité et se répand dans tous les pays. Dans chaque pays, il acquiert un caractère national particulier - cela se reflète dans le choix des sujets (souvent issus de l'histoire d'un pays particulier, de ses contes et légendes) et dans la nature de la musique. L'opéra conquiert rapidement les grandes villes d'Italie (Rome, Paris, Venise, Florence).
Opera et ses composants
De quels moyens la musique d’opéra dispose-t-elle pour renforcer l’impact artistique du drame ? Afin de répondre à cette question, faisons connaissance avec les principaux éléments qui composent un opéra.
L'air est l'une des parties principales de l'opéra. Le sens du mot est proche de « chanson », « chant ». En effet, les airs des premiers opéras étaient proches des chansons par la forme (principalement des vers) et par la nature de la mélodie, et dans l'opéra classique, nous trouverons de nombreux airs (la chanson de Vanya dans Ivan Susanin, la chanson de Marfa dans Khovanshchina).
Mais généralement, un air a une forme plus complexe qu'une chanson, et cela détermine son objectif même dans l'opéra. Un air, comme un monologue dans un drame, sert de caractéristique à un héros particulier. Cette caractéristique peut être générale - une sorte de « portrait musical » du héros - ou associée à certaines circonstances particulières de l'action de l'œuvre.
Mais l'action d'un opéra ne peut être véhiculée uniquement par une alternance d'airs terminés, tout comme l'action d'un drame ne peut consister uniquement en monologues. Dans ces moments de l'opéra où les personnages agissent réellement - en communication directe les uns avec les autres, en conversation, en dispute, en affrontement - il n'est pas nécessaire d'avoir une forme aussi complète qu'elle est tout à fait appropriée dans un air. Cela ralentirait le développement des actions. De tels moments n'ont généralement pas de composition musicale complète ; les phrases individuelles des personnages alternent avec les exclamations du chœur et les épisodes orchestraux.
Le récitatif, c'est-à-dire le chant déclamatoire, est largement utilisé.
De nombreux compositeurs russes ont accordé une grande attention au récitatif, notamment A.S. Dargomyzhsky et M.P. Moussorgski. En quête de réalisme dans la musique, d'une plus grande véracité des caractéristiques musicales, ils ont vu le principal moyen d'atteindre cet objectif dans la traduction musicale des intonations de la parole les plus caractéristiques d'un personnage donné.
Les ensembles d'opéra en font également partie intégrante. Les ensembles peuvent être de taille très différente : de deux voix à dix. Dans ce cas, l'ensemble combine généralement des voix de tessiture et de timbre. À travers l'ensemble, un sentiment est véhiculé, couvrant plusieurs personnages ; dans ce cas, les parties individuelles de l'ensemble ne s'opposent pas, mais semblent se compléter et ont souvent un schéma mélodique similaire. Mais souvent, l'ensemble réunit les caractéristiques musicales de héros dont les sentiments sont différents et opposés.
L'orchestre symphonique fait partie intégrante de la représentation d'opéra. Il n'accompagne pas seulement des parties vocales et chorales, et ne se contente pas de « peindre » des portraits musicaux ou des paysages. Utilisant ses propres moyens d'expression, il participe à la construction des éléments de la production « au début » de l'action, aux vagues de son développement, à son apogée et à son dénouement. Il désigne également les parties à un conflit dramatique. Les capacités de l'orchestre sont réalisées dans une représentation d'opéra exclusivement à travers la figure du chef d'orchestre. En plus de coordonner l'ensemble musical et de participer, avec les chanteurs-acteurs, à la création des personnages, le chef d'orchestre contrôle toute l'action scénique, puisque le tempo-rythme du spectacle est entre ses mains.
Ainsi, toutes les composantes de l’opéra sont combinées en une seule. Le chef d'orchestre y travaille, les solistes du chœur apprennent leur rôle, le metteur en scène la met en scène et les artistes peignent le décor. Ce n'est que grâce au travail commun de toutes ces personnes qu'un spectacle d'opéra naît.
OPÉRA RUSSE. L'école d'opéra russe - aux côtés des écoles d'opéra italienne, allemande et française - est d'une importance mondiale ; Il s'agit principalement d'un certain nombre d'opéras créés dans la seconde moitié du XIXe siècle, ainsi que de plusieurs œuvres du XXe siècle. L'un des opéras les plus populaires de la scène mondiale à la fin du XXe siècle. – Boris Godounov M.P. Moussorgski, souvent aussi mis en scène Dame de pique P.I. Tchaïkovski (moins souvent ses autres opéras, principalement Eugène Onéguine); jouit d'une grande renommée Prince Igor A.P. Borodine ; de 15 opéras de N.A. Rimski-Korsakov paraît régulièrement Le coq doré. Parmi les opéras du XXe siècle. la plupart du répertoire Ange de Feu S.S. Prokofiev et Lady Macbeth de Msensk D.D. Chostakovitch. Bien entendu, cela n’épuise en rien la richesse de l’école nationale d’opéra. voir également OPÉRA.
L'apparition de l'opéra en Russie (XVIIIe siècle). L’opéra fut l’un des premiers genres d’Europe occidentale à s’implanter sur le sol russe. Déjà dans les années 1730, un opéra de cour italien avait été créé, pour lequel des musiciens étrangers travaillant en Russie écrivaient ( cm. MUSIQUE RUSSE); dans la seconde moitié du siècle, des représentations d'opéra publiques apparaissent ; des opéras sont également représentés dans les théâtres des serfs. Le premier opéra russe est considéré Miller - sorcier, trompeur et entremetteur Mikhail Matveevich Sokolovsky sur le texte d'A.O Ablesimov (1779) - une comédie quotidienne avec des numéros musicaux de nature chantée, qui a jeté les bases d'un certain nombre d'œuvres populaires de ce genre - les premiers opéras-comiques. Parmi eux, se distinguent les opéras de Vasily Alekseevich Pashkevich (vers 1742-1797) ( Avare, 1782; Gostiny Dvor de Saint-Pétersbourg, 1792; Malheur de la voiture, 1779) et Evstigney Ipatovich Fomin (1761-1800) ( Cochers sur un stand, 1787; les Américains, 1788). Dans le genre de l'opéra seria, deux œuvres ont été écrites par le plus grand compositeur de cette période, Dmitry Stepanovich Bortnyansky (1751-1825), sur la base de livrets français - Faucon(1786) et Le fils rival, ou la stratonique moderne(1787) ; Il existe des expériences intéressantes dans les genres du mélodrame et de la musique pour représentations dramatiques.
Opéra devant Glinka (XIXe siècle). Au siècle suivant, la popularité du genre lyrique en Russie a encore augmenté. L'opéra était le summum des aspirations des compositeurs russes du XIXe siècle, et même ceux d'entre eux qui n'ont laissé aucune œuvre dans ce genre (par exemple, M.A. Balakirev, A.K. Lyadov) ont réfléchi pendant de nombreuses années à certaines œuvres d'opéra. Les raisons en sont claires : premièrement, l'opéra, comme le notait Tchaïkovski, était un genre qui permettait de « parler le langage des masses » ; deuxièmement, l'opéra a permis d'éclairer artistiquement les principaux problèmes idéologiques, historiques, psychologiques et autres qui préoccupaient l'esprit du peuple russe au XIXe siècle ; enfin, dans la jeune culture professionnelle, il y avait une forte attirance pour les genres qui comprenaient, outre la musique, la parole, le mouvement scénique et la peinture. De plus, une certaine tradition s'est déjà développée - un héritage laissé dans le genre musical et théâtral du XVIIIe siècle.
Dans les premières décennies du XIXe siècle. la cour et le théâtre privé ont disparu
Le monopole était concentré entre les mains de l’État. La vie musicale et théâtrale des deux capitales était très animée : le premier quart du siècle fut l'apogée du ballet russe ; dans les années 1800, il y avait quatre troupes de théâtre à Saint-Pétersbourg - russe, française, allemande et italienne, dont les trois premières mettaient en scène à la fois du théâtre et de l'opéra, la dernière - uniquement de l'opéra ; Plusieurs troupes travaillaient également à Moscou. L'entreprise italienne s'est avérée la plus stable - même au début des années 1870, le jeune Tchaïkovski, se produisant dans le domaine critique, a été contraint de se battre pour une position décente pour l'opéra russe de Moscou par rapport à l'opéra italien ; Raek Moussorgski, dans l'un des épisodes qui ridiculisent la passion du public et des critiques de Saint-Pétersbourg pour les célèbres chanteurs italiens, a également été écrit au tournant des années 1870.
L’opéra russe constitue une contribution très précieuse au trésor du théâtre musical mondial. Originaire de l'époque de l'apogée classique de l'opéra italien, français et allemand, l'opéra russe du XIXe siècle. non seulement rattrapé les autres écoles nationales d'opéra, mais aussi devant elles. Le caractère multilatéral du développement du théâtre lyrique russe au XIXe siècle. contribué à l'enrichissement de l'art réaliste mondial. Les œuvres des compositeurs russes ont ouvert un nouveau domaine de la créativité lyrique, y ont introduit de nouveaux contenus, de nouveaux principes de construction d'une dramaturgie musicale, rapprochant l'art de l'opéra des autres types de créativité musicale, principalement de la symphonie.
L'histoire de l'opéra classique russe est inextricablement liée au développement de la vie sociale en Russie, au développement de la pensée russe avancée. L'opéra se distinguait déjà par ces liens au XVIIIe siècle, étant devenu un phénomène national dans les années 70, époque du développement des Lumières russes. La formation de l'école d'opéra russe a été influencée par des idées pédagogiques, exprimées dans le désir de décrire fidèlement la vie des gens.
Ainsi, dès ses premiers pas, l’opéra russe s’est imposé comme un art démocratique. Les intrigues des premiers opéras russes mettaient souvent en avant les idées anti-servage caractéristiques du théâtre dramatique et de la littérature russes de la fin du XVIIIe siècle. Cependant, ces tendances ne formaient pas encore un système cohérent ; elles s'exprimaient empiriquement dans des scènes de la vie des paysans, en montrant leur oppression par les propriétaires fonciers, dans une représentation satirique de la noblesse. Ce sont les intrigues des premiers opéras russes : « Le malheur du carrosse » de V. A. Pashkevich (vers 1742-1797), livret de Ya B. Knyazhnin (post, 1779) ; « Cochers sur un stand » de E. I. Fomin (1761-1800). Dans l'opéra «Le Meunier - un sorcier, un trompeur et un entremetteur» avec un texte de A. O. Ablesimov et une musique de M. M. Sokolovsky (dans la deuxième édition - E. I. Fomin), l'idée de la noblesse de l'œuvre du le timon est exprimé et la noble fanfaronnade est ridiculisée. Dans l'opéra « Saint-Pétersbourg Gostiny Dvor » de M. A. Matinsky - V. A. Pashkevich, un usurier et un fonctionnaire corrompu sont représentés sous une forme satirique.
Les premiers opéras russes étaient des pièces de théâtre avec des épisodes musicaux pendant l'action. Les scènes de conversation y étaient très importantes. La musique des premiers opéras était étroitement liée aux chansons folkloriques russes : les compositeurs utilisaient largement les mélodies des chansons folkloriques existantes, les traitaient, en faisant la base de l'opéra. Dans « The Miller », par exemple, toutes les caractéristiques des personnages sont données à l'aide de chansons folkloriques de différents types. Dans l'opéra "Saint-Pétersbourg Gostiny Dvor", la cérémonie de mariage folklorique est reproduite avec une grande précision. Dans « Cochers sur un stand », Fomine a créé le premier exemple d’opéra choral populaire, jetant ainsi les bases de l’une des traditions typiques de l’opéra russe ultérieur.
L'opéra russe s'est développé dans la lutte pour son identité nationale. La politique de la cour royale et des sommets de la société noble, qui patronnaient les troupes étrangères, était dirigée contre la démocratie de l'art russe. Les figures de l'opéra russe ont dû acquérir des compétences lyriques en s'appuyant sur les exemples de l'opéra d'Europe occidentale et en même temps défendre l'indépendance de leur direction nationale. Cette lutte est devenue pendant de nombreuses années la condition de l'existence de l'opéra russe, prenant de nouvelles formes sur de nouvelles scènes.
Avec l'opéra-comédie au XVIIIe siècle. D'autres genres d'opéra sont également apparus. En 1790, une représentation a eu lieu à la cour sous le titre « La direction initiale d'Oleg », dont le texte a été écrit par l'impératrice Catherine II, et la musique a été composée conjointement par les compositeurs C. Canobbio, G. Sarti et V. A. Pashkevich. n'était pas tant un opéra qu'un oratorio et, dans une certaine mesure, il peut être considéré comme le premier exemple du genre musical et historique, si répandu au XIXe siècle. Dans l'œuvre de l'éminent compositeur russe D. S. Bortnyansky (1751-1825), le genre de l'opéra est représenté par les opéras lyriques « Le Faucon » et « Le Fils rival », dont la musique, en termes de développement des formes lyriques et compétence, peut être mis sur un pied d’égalité avec les exemples modernes d’opéra d’Europe occidentale.
L'opéra a été utilisé au XVIIIe siècle. très populaire. Peu à peu, l'opéra de la capitale pénètre dans les théâtres du domaine. Théâtre-forteresse au tournant des XVIIIe et XIXe siècles. donne des exemples individuels hautement artistiques d'interprétations d'opéras et de rôles individuels. Des chanteurs et acteurs russes talentueux sont nominés, comme la chanteuse E. Sandunova, qui s'est produite sur la scène de la capitale, ou l'actrice serf du Théâtre Cheremetev P. Zhemchugova.
Réalisations artistiques de l'opéra russe du XVIIIe siècle. a donné une impulsion au développement rapide du théâtre musical en Russie dans le premier quart du XIXe siècle.
Les liens entre le théâtre musical russe et les idées qui déterminaient la vie spirituelle de l'époque se sont particulièrement renforcés pendant la guerre patriotique de 1812 et pendant les années du mouvement décembriste. Le thème du patriotisme, reflété dans les intrigues historiques et modernes, devient la base de nombreuses représentations dramatiques et musicales. Les idées d’humanisme et de protestation contre les inégalités sociales inspirent et fécondent l’art théâtral.
Au début du 19ème siècle. Il est encore impossible de parler d’opéra au sens plein du terme. Les genres mixtes jouent un rôle majeur dans le théâtre musical russe : tragédie avec musique, vaudeville, opéra-comique, opéra-ballet. Avant Glinka, l'opéra russe ne connaissait pas d'œuvres dont la dramaturgie reposait uniquement sur la musique, sans aucun épisode parlé.
Un compositeur remarquable de « tragédies sur musique » fut O. A. Kozlovsky (1757-1831), qui créa la musique des tragédies d'Ozerov, Katenin et Shakhovsky. Les compositeurs A. A. Alyabyev (1787-1851) et A. N. Verstovsky (1799-1862) ont travaillé avec succès dans le genre du vaudeville, composant de la musique pour un certain nombre de vaudevilles au contenu humoristique et satirique.
Opéra du début du XIXème siècle. développé les traditions de la période précédente. Un phénomène typique était les représentations quotidiennes accompagnées de chansons folkloriques. Des exemples de ce genre sont les spectacles : « Yam », « Gatherings », « Bachelorette Party », etc., dont la musique a été écrite par le compositeur amateur A. N. Titov (1769-1827). Mais cela est loin d’épuiser la riche vie théâtrale de l’époque. L’attrait pour les tendances romantiques typiques de cette époque s’exprimait dans la fascination de la société pour les spectacles de contes de fées et de fantaisie. La Sirène du Dniepr (Lesta), composée de plusieurs parties, a connu un succès particulier. La musique de ces opéras, qui formaient comme des chapitres d'un roman, a été écrite par les compositeurs S. I. Davydov et K. A. Kavos ; La musique du compositeur autrichien Kauer a été en partie utilisée. "La Sirène du Dniepr" n'a pas quitté la scène pendant longtemps, non seulement à cause de l'intrigue divertissante qui, dans ses principales caractéristiques, anticipait l'intrigue de la "Sirène" de Pouchkine, non seulement à cause de la production luxueuse, mais aussi à cause de la musique mélodique, simple et accessible.
Le compositeur italien K. A. Cavos (1775-1840), qui a travaillé en Russie dès son plus jeune âge et a consacré beaucoup d'efforts au développement de l'opéra russe, a fait la première tentative de créer un opéra historique-héroïque. En 1815, il met en scène l'opéra « Ivan Susanin » à Saint-Pétersbourg, dans lequel, à partir d'un des épisodes de la lutte du peuple russe contre l'invasion polonaise au début du XVIIe siècle, il tente de créer un État national. -performance patriotique. Cet opéra répondait à l'ambiance d'une société qui avait survécu à la guerre de libération contre Napoléon. L'opéra de Kavos se distingue parmi les œuvres modernes par le talent d'un musicien professionnel, son recours au folklore russe et la vivacité de l'action. Il ne dépasse pourtant pas le niveau des nombreux « opéras du salut » des compositeurs français qui se sont produits sur la même scène ; Kavos n'a pas pu y créer l'épopée populaire tragique que Glinka a créée vingt ans plus tard, en utilisant la même intrigue.
Le plus grand compositeur du premier tiers du XIXe siècle. Il faut reconnaître A. N. Verstovsky, mentionné comme auteur de musique pour vaudevilles. Ses opéras « Pan Tvardovsky » (après, 1828), « La tombe d'Askold » (après, 1835), « Vadim » (après, 1832) et d'autres ont constitué une nouvelle étape dans le développement de l'opéra russe avant Glinka. L'œuvre de Verstovsky reflète les traits caractéristiques du romantisme russe. L'antiquité russe, les traditions poétiques de la Russie kiévienne, les contes de fées et les légendes constituent la base de ses opéras. L'élément magique y joue un rôle important. La musique de Verstovsky, profondément ancrée, basée sur l'art des chansons folkloriques, absorbe les origines folkloriques au sens le plus large. Ses héros sont typiques de l'art populaire. En tant que maître de la dramaturgie lyrique, Verstovsky a créé des scènes romantiques et colorées au contenu fantastique. Un exemple de son style est l’opéra « Askold’s Grave », qui est resté au répertoire jusqu’à ce jour. Il a montré les meilleures caractéristiques de Verstovsky - un don pour la mélodie, un excellent flair dramatique, la capacité de créer des images vivantes et caractéristiques de personnages.
Les œuvres de Verstovsky appartiennent à la période préclassique de l'opéra russe, bien que leur importance historique soit très grande : elles généralisent et développent toutes les meilleures qualités de la période précédente et contemporaine de développement de la musique d'opéra russe.
Depuis les années 30. XIXème siècle L'opéra russe entre dans sa période classique. Le fondateur des classiques de l'opéra russe M.I. Glinka (1804-1857) a créé l'opéra historique et tragique « Ivan Susanin » (1830) et l'opéra épique et conte de fées « Ruslan et Lyudmila » (1842). Ces piliers ont jeté les bases de deux tendances les plus importantes du théâtre musical russe : l’opéra historique et l’opéra magique-épopée ; Les principes créatifs de Glinka ont été mis en œuvre et développés par la génération suivante de compositeurs russes.
Glinka s'est développé en tant qu'artiste à une époque éclipsée par les idées du décembrisme, ce qui lui a permis d'élever le contenu idéologique et artistique de ses opéras à une nouvelle hauteur significative. Il fut le premier compositeur russe dans l'œuvre duquel l'image du peuple, généralisée et profonde, devint le centre de toute l'œuvre. Le thème du patriotisme dans son œuvre est inextricablement lié au thème de la lutte populaire pour l’indépendance.
La période précédente de l'opéra russe a préparé l'apparition des opéras de Glinka, mais leur différence qualitative par rapport aux opéras russes antérieurs est très significative. Dans les opéras de Glinka, le réalisme de la pensée artistique ne se manifeste pas dans ses aspects individuels, mais agit comme une méthode créative holistique qui permet de donner une généralisation musicale et dramatique de l'idée, du thème et de l'intrigue de l'opéra. Glinka a compris le problème de la nationalité d'une manière nouvelle : pour lui, cela signifiait non seulement le développement musical des chansons folkloriques, mais aussi une réflexion musicale profonde et multiforme sur la vie, les sentiments et les pensées du peuple, la révélation des traits caractéristiques de leur apparence spirituelle. Le compositeur ne s'est pas limité à refléter la vie populaire, mais a incarné dans la musique les caractéristiques typiques de la vision populaire du monde. Les opéras de Glinka sont des œuvres musicales et dramatiques à part entière ; ils ne contiennent aucun dialogue parlé, le contenu est exprimé à travers la musique. Au lieu de numéros solo et choraux individuels et non développés d'un opéra-comique, Glinka crée de grandes formes d'opéra détaillées, les développant avec une véritable maîtrise symphonique.
Dans « Ivan Susanin », Glinka a glorifié le passé héroïque de la RUSSIE. Les images typiques du peuple russe sont incarnées dans l'opéra avec une grande vérité artistique. Le développement de la dramaturgie musicale repose sur l'opposition de différentes sphères musicales nationales.
"Ruslan et Lyudmila" est un opéra qui a marqué le début des opéras folkloriques russes. L'importance de "Ruslan" pour la musique russe est très grande. L’opéra a influencé non seulement les genres théâtraux, mais aussi les genres symphoniques. Les images majestueuses, héroïques et mystérieusement magiques, ainsi que les images orientales colorées de « Ruslan » ont longtemps alimenté la musique russe.
Après Glinka, A. S. Dargomyzhsky (1813-1869), artiste typique de l'époque des années 40-50, a pris la parole. XIXème siècle Glinka a eu une grande influence sur Dargomyzhsky, mais en même temps, de nouvelles qualités sont apparues dans son œuvre, nées de nouvelles conditions sociales, de nouveaux thèmes venus dans l'art russe. Une sympathie chaleureuse pour une personne humiliée, une conscience de la nocivité de l'inégalité sociale, une attitude critique envers l'ordre social se reflètent dans l'œuvre de Dargomyzhsky, associée aux idées du réalisme critique en littérature.
Le parcours de Dargomyzhsky en tant que compositeur d'opéra a commencé avec la création de l'opéra « Esmeralda », basé sur V. Hugo (publié en 1847), et l'œuvre d'opéra centrale du compositeur devrait être considérée comme « La Sirène » (basée sur le drame de A. S. Pouchkine) , mis en scène en 1856. Dans cet opéra, le talent de Dargomyzhsky s'est pleinement révélé et l'orientation de son travail a été déterminée. Le drame de l'inégalité sociale entre Natasha, la fille du meunier, et le prince, qui s'aiment, a attiré le compositeur en raison de la pertinence du thème. Dargomyzhsky a renforcé le côté dramatique de l'intrigue en diminuant l'élément fantastique. "Rusalka" est le premier opéra lyrique-psychologique russe de tous les jours. Sa musique est profondément folk ; Sur la base de chansons, le compositeur a créé des images vivantes de héros, a développé un style déclamatoire dans les rôles des personnages principaux et a développé des scènes d'ensemble, les dramatisant de manière significative.
Le dernier opéra de Dargomyzhsky, « L’invité de pierre », selon Pouchkine (publié en 1872, après la mort du compositeur), en fait déjà partie. une autre période dans le développement de l'économie russe. Dargomyzhsky s'est donné pour tâche de créer un langage musical réaliste qui reflète les intonations de la parole. Le compositeur abandonne ici les formes lyriques traditionnelles - air, ensemble, chœur ; les parties vocales de l'opéra prévalent sur la partie orchestrale, « L'invité de pierre » a marqué le début de l'une des directions de la période ultérieure de l'opéra russe, ce qu'on appelle l'opéra récitatif de chambre, représenté plus tard par « Mozart et Salieri » par Rimski-Korsakov, « Le chevalier avare » de Rachmaninov et autres. La particularité de ces opéras est qu’ils sont tous écrits sur le texte intégral inchangé des « petites tragédies » de Pouchkine.
Dans les années 60 L'opéra russe est entré dans une nouvelle étape de son développement. Des œuvres de compositeurs du cercle de Balakirev (« La Grande Poignée ») et de Tchaïkovski apparaissent sur la scène russe. Au cours de ces mêmes années, la créativité de A. N. Serov et A. G. Rubinstein s'est développée.
L'œuvre lyrique de A. N. Serov (1820-1871), devenu célèbre en tant que critique musical, ne peut être comptée parmi les phénomènes très importants du théâtre russe. Cependant, à une époque, ses opéras jouaient un rôle positif. Dans l'opéra « Judith » (post, 1863), Serov a créé une œuvre de nature héroïque-patriotique basée sur une intrigue biblique ; dans l'opéra « Rogneda » (op. et post. en 1865), il se tourne vers l'époque de la Russie kiévienne, voulant poursuivre la lignée de « Ruslan ». Cependant, l'opéra n'était pas assez profond. Le troisième opéra de Serov, "Le pouvoir de l'ennemi", basé sur le drame de A. N. Ostrovsky "Ne vis pas comme tu veux" (publié en 1871), est d'un grand intérêt. Le compositeur a décidé de créer un opéra-chant dont la musique devrait être basée sur des sources primaires. Cependant, l'opéra n'a pas un seul concept dramatique et sa musique n'atteint pas les sommets d'une généralisation réaliste.
A. G. Rubinstein (1829-1894) a débuté comme compositeur d'opéra en composant dans les années 60 l'opéra historique « La Bataille de Koulikovo ». il crée l'opéra lyrique "Feramors" et l'opéra rom "Enfants des steppes". Le meilleur opéra de Rubinstein, "Le Démon" d'après Lermontov (1871), reste au répertoire. Cet opéra est un exemple d'opéra lyrique russe, dans lequel les pages les plus talentueuses sont consacrées à l'expression des sentiments des personnages. Le Démon", dans lequel le compositeur a utilisé la musique folklorique de Transcaucasie, apporte une saveur locale. L'opéra "Le Démon" a été un succès parmi les contemporains, qui ont vu dans le personnage principal l'image d'un homme des années 40 et 50.
L’œuvre lyrique des compositeurs « The Mighty Handful » et Tchaïkovski était étroitement liée à la nouvelle esthétique des années 60. Les nouvelles conditions sociales imposent de nouvelles tâches aux artistes russes. Le principal problème de l'époque était celui de refléter la vie populaire dans les œuvres d'art dans toute sa complexité et son incohérence. L'influence des idées des démocrates révolutionnaires (surtout Tchernychevski) s'est reflétée dans le domaine de la créativité musicale par une attirance vers des thèmes et des intrigues universelles, l'orientation humaniste des œuvres et la glorification des hauts pouvoirs spirituels du peuple. Le thème historique prend à cette époque une importance particulière.
L'intérêt pour l'histoire de son peuple à cette époque n'était pas seulement typique des compositeurs. La science historique elle-même se développe largement ; les écrivains, poètes et dramaturges se tournent vers des thèmes historiques ; La peinture historique se développe. Les époques de révolutions, de soulèvements paysans et de mouvements de masse suscitent le plus grand intérêt. Une place importante est occupée par le problème des relations entre le peuple et le pouvoir royal. Les opéras historiques de M. P. Mussorgsky et N. A. Rimsky-Korsakov sont consacrés à ce sujet.
Les opéras de M. P. Moussorgski (1839-1881), « Boris Godounov » (1872) et « Khovanchchina » (achevé par Rlmsky-Korsakov en 1882) appartiennent à la branche historique et tragique de l'opéra classique russe. Le compositeur les a appelés « drames musicaux populaires », car la parodie est au centre des deux œuvres. L’idée principale de « Boris Godounov » (basée sur la tragédie du même nom de Pouchkine) est le conflit : le roi - le peuple. Cette idée était l’une des plus importantes et des plus aiguës de l’ère post-réforme. Moussorgski voulait trouver une analogie avec la modernité dans les événements du passé de la Russie. La contradiction entre les intérêts populaires et le pouvoir autocratique se manifeste dans les scènes où un mouvement populaire se transforme en un soulèvement ouvert. Parallèlement, le compositeur accorde une grande attention à la « tragédie de conscience » vécue par le tsar Boris. L'image aux multiples facettes de Boris Godounov est l'une des plus hautes réalisations de la créativité lyrique mondiale.
Le deuxième drame musical de Moussorgski, Khovanshchina, est consacré aux soulèvements des Streltsy à la fin du XVIIe siècle. L’élément du mouvement populaire dans toute sa force violente est merveilleusement exprimé par la musique de l’opéra, basée sur une refonte créative de l’art de la chanson populaire. La musique de « Khovanshchina », comme celle de « Boris Godounov », est caractérisée par une haute tragédie. La base du thème mélodique des deux opéras est la synthèse des principes du chant et de la déclamation. L'innovation de Moussorgski, née d'un concept nouveau et d'une solution profondément originale aux problèmes du drame musical, nous oblige à classer ses deux opéras parmi les plus hautes réalisations du théâtre musical.
L'opéra « Le Prince Igor » d'A. P. Borodine (1833-1887) appartient également au groupe des œuvres musicales historiques (son intrigue s'inspire du « Conte de la campagne d'Igor »). L'idée de l'amour pour la patrie, l'idée d'unification face à l'ennemi est révélée par le compositeur avec un grand drame (scènes à Putivl). Le compositeur a combiné dans son opéra la monumentalité du genre épique avec un début lyrique. Les ordres de Glinka ont été mis en œuvre dans l’incarnation poétique du camp polovtsien ; à leur tour, les peintures musicales orientales de Borodine ont inspiré de nombreux compositeurs russes et soviétiques à créer des images orientales. Le don mélodique remarquable de Borodine s'est manifesté dans le style largement chanté de l'opéra. Borodine n'a pas eu le temps de terminer l'opéra ; "Le Prince Igor" a été achevé par Rimski-Korsakov et Glazounov et, dans leur édition, mis en scène en 1890.
Le genre du drame musical historique a également été développé par N. L. Rimsky-Korsakov (1844-1908). Les hommes libres de Pskov se révoltant contre Ivan le Terrible (opéra « La Femme de Pskov », 1872) sont représentés par le compositeur avec une grandeur épique. L'image du roi est le dais d'un véritable drame. L'élément lyrique de l'opéra, associé à l'héroïne Olga, enrichit la musique, introduisant des traits de tendresse et de douceur sublimes dans le concept tragique majestueux.
P. I. Tchaïkovski (1840-1893), célèbre pour ses œuvres psycho-psychologiques, est l'auteur de trois opéras historiques. Les opéras « L'Opritchnik » (1872) et « Mazeppa » (1883) sont consacrés aux événements dramatiques de l'histoire russe. Dans l'opéra «La Pucelle d'Orléans» (1879), le compositeur s'est tourné vers l'histoire de France et a créé l'image de l'héroïne nationale française Jeanne d'Arc.
La particularité des opéras historiques de Tchaïkovski est leur parenté avec ses opéras lyriques. Le compositeur y révèle les traits caractéristiques de l'époque représentée à travers le destin des individus. Les images de ses héros se distinguent par leur profondeur et leur véracité dans la transmission du monde intérieur complexe d'une personne.
En plus des drames musicaux historiques folkloriques de l'opéra russe du 19ème siècle. Une place importante est occupée par les opéras de contes de fées populaires, largement représentés dans les œuvres de N. A. Rimsky-Korsakov. Les meilleurs opéras de contes de fées de Rimsky-Korsakov sont « La Fille des neiges » (1881), « Sadko » (1896), "Kashey l'Immortel" (1902) et "Coq doré" (1907). Une place particulière est occupée par l'opéra «La légende de la ville invisible de Kitezh et de la jeune fille Fevronia» (1904), écrit sur la base de légendes populaires sur l'invasion tatare-mongole.
Les opéras de Rimski-Korsakov étonnent par la variété des interprétations du genre des contes de fées populaires. Soit il s'agit d'une interprétation poétique d'anciennes idées populaires sur la nature, exprimées dans le merveilleux conte de fées sur la Fille des neiges, soit d'une image puissante de l'ancienne Novgorod, soit d'une image de la Russie au début du 20e siècle. dans l'image allégorique du royaume froid de Kashcheev, puis véritable satire du système autocratique pourri dans les images populaires de contes de fées (« Le Coq d'Or »). Dans différents cas, les méthodes de représentation musicale des personnages et les techniques de la dramaturgie musicale de Rimski-Korsakov sont différentes. Cependant, dans tous ses opéras, on peut sentir la profonde perspicacité créative du compositeur dans le monde des idées populaires, des croyances populaires et de la vision du monde des gens. La base de la musique de ses opéras est le langage de la chanson folklorique. Le recours à l'art populaire, la caractérisation des personnages à travers l'utilisation de divers genres folkloriques sont une caractéristique typique de Rimski-Korsakov.
Le summum de la créativité de Rimski-Korsakov est l'épopée majestueuse sur le patriotisme du peuple de Rus dans l'opéra « La légende de la ville invisible de Kitezh et de la jeune fille Fevronia », où le compositeur a atteint un sommet énorme de généralisation musicale et symphonique. du thème.
Parmi les autres variétés de l’opéra classique russe, l’une des principales places appartient à l’opéra lyrico-psychologique, qui a commencé avec « Rusalka » de Dargomyzhsky. Le plus grand représentant de ce genre dans la musique russe est Tchaïkovski, auteur d'œuvres brillantes incluses dans le répertoire lyrique mondial : « Eugène Onéguine » (1877-1878), « L'Enchanteresse » (1887), « La Dame de pique » (1890). ), « Iolante » (1891) ). L'innovation de Tchaïkovski est associée à l'orientation de son œuvre, dédiée aux idées d'humanisme, de protestation contre l'humiliation de l'homme et de foi en un avenir meilleur pour l'humanité. Le monde intérieur des gens, leurs relations, leurs sentiments sont révélés dans les opéras de Tchaïkovski en combinant l'efficacité théâtrale avec le développement symphonique cohérent de la musique. L'œuvre lyrique de Tchaïkovski est l'un des plus grands phénomènes de l'art musical et théâtral mondial du XIXe siècle.
L'opéra comique est représenté par un plus petit nombre d'œuvres dans les œuvres d'opéra des compositeurs russes. Cependant, même ces quelques échantillons se distinguent par leur originalité nationale. Il n’y a pas de légèreté divertissante ni de comédie en eux. La plupart d’entre eux étaient basés sur les histoires de Gogol tirées des « Soirées dans une ferme près de Dikanka ». Chacune des opéras-comédies reflétait les caractéristiques individuelles des auteurs. Dans l'opéra « Cherevichki » de Tchaïkovski (1885 ; dans la première édition - « Le forgeron Vakula », 1874), l'élément lyrique prédomine ; dans « May Night » de Rimski-Korsakov (1878) - fantastique et rituel ; dans "Sorochinskaya Fair" de Moussorgski (années 70, inachevé) - purement comique. Ces opéras sont des exemples d'habileté à refléter de manière réaliste la vie des gens dans le genre de la comédie de personnages.
Les classiques de l'opéra russe sont accompagnés d'un certain nombre de phénomènes dits parallèles dans le théâtre musical russe. Nous entendons le travail de compositeurs qui n'ont pas créé d'œuvres d'une importance durable, bien qu'ils aient apporté leur contribution possible au développement de l'opéra russe. Il faut citer ici les opéras de C. A. Cui (1835-1918), membre du cercle Balakirev, éminent critique musical des années 60-70. Les opéras de Cui "William Ratcliffe" et "Angelo", qui ne quittent pas le style romantique conventionnel, sont dépourvus de drame et, parfois, de musique brillante. Les soutiens ultérieurs de Cui sont de moindre importance (« La Fille du Capitaine », « Mademoiselle Fifi », etc.). L'opéra classique était l'œuvre du chef d'orchestre et directeur musical de l'opéra de Saint-Pétersbourg, E. F. Napravnik (1839-1916). Le plus célèbre est son opéra Dubrovsky, composé dans la tradition des opéras lyriques de Tchaïkovski.
Des compositeurs qui se sont produits à la fin du XIXe siècle. sur la scène de l'opéra, il faut citer A. S. Arensky (1861-1906), auteur des opéras « Dream on. Volga", "Raphaël" et "Nal et Damayanti", ainsi que M. M. Ishyulitova-Ivanova (1859-1935), dont l'opéra "Asya", selon I. S. Tourgueniev, a été écrit à la manière lyrique de Tchaïkovski. L’Orestie de S. I. Taneyev (1856-1915), selon Eschyle, se distingue dans l’histoire de l’opéra russe et peut être décrite comme un oratorio théâtral.
Parallèlement, S. V. Rachmaninov (1873-1943) était un compositeur d'opéra qui, vers la fin du conservatoire (1892), composa un oneru en un acte « Aleko », dans la tradition de Tchaïkovski. Les opéras ultérieurs de Rachmaninov - Francesca da Rimini (1904) et Le Chevalier avare (1904) - ont été écrits dans le style des opéras cantates ; en eux, l'action scénique est compressée au maximum et l'élément musical-symphonique est très développé. La musique de ces opéras, talentueuse et lumineuse, porte l'empreinte du style créatif unique de l'auteur.
Parmi les phénomènes les moins significatifs de l'art lyrique du début du XXe siècle. nommons l'opéra de A. T. Grechaninov (1864-1956) « Dobrynya Nikitich », dans lequel les traits caractéristiques d'un opéra classique épique et féerique ont cédé la place aux paroles de romance, ainsi que l'opéra de A. D. Kastalsky (1856-1926) « Klara Milich », qui combine des éléments de naturalisme avec un lyrisme sincère et impressionnant.
Le XIXe siècle est l’ère des classiques de l’opéra russe. Les compositeurs russes ont créé des chefs-d'œuvre dans divers genres d'opéra : drame, épopée, tragédie héroïque, comédie. Ils ont créé une dramaturgie musicale innovante, née en lien étroit avec le contenu innovant des opéras. Le rôle important et déterminant des scènes folkloriques de masse, la caractérisation multiforme des personnages, une nouvelle interprétation des formes d'opéra traditionnelles et la création de nouveaux principes d'unité musicale de l'ensemble de l'œuvre sont des traits caractéristiques des classiques de l'opéra russe.
L'opéra classique russe, qui s'est développé sous l'influence de la pensée progressiste philosophique et esthétique, sous l'influence des événements de la vie publique, est devenu l'un des aspects remarquables de la culture nationale russe du XIXe siècle. Tout le chemin du développement de la créativité lyrique russe au siècle dernier s'est déroulé parallèlement au grand mouvement de libération du peuple russe ; les compositeurs se sont inspirés des nobles idées de l'humanisme et des Lumières démocratiques, et leurs œuvres sont pour nous de grands exemples d'art véritablement réaliste.
