L'acteur est un artiste émérite de Russie, lauréat des prix les plus prestigieux, dont "La Mouette" pour le meilleur rôle comique (pièce "Mademoiselle Nitouche"), lauréat de plusieurs commandes, parodiste, présentateur de télévision et personnalité incroyablement talentueuse.
((togglerTexte))Parallèlement, Ilyasov s'essaye au cinéma. Il fait ses débuts dans le feuilleton « Juna ». Viennent ensuite ses autres œuvres, parmi lesquelles : « Tout est conforme à la loi », Fourth Shift », « Coach », « Fighters, Dernier combat" et d'autres ouvrages. La même année, l'acteur a joué dans peinture célèbre thèmes militaires"La dernière frontière".
En 2018, son travail dans le film « The Yards » est sorti. Dans ce film, Askar a parfaitement joué le personnage de Tekel.
((togglerTexte)) ((togglerTexte))Elena Tashaeva n'est pas seulement une actrice de théâtre. Elle a joué dans des films et des séries télévisées tels que : « L'amour dans la région », « Conspiration », « Ville secrète », « Maison sur le quai », « De la vie du capitaine Chernyaev », « Docteur Tyrsa » et d'autres.
Alexander Viktorovich a terminé ses études à l'école de théâtre Gorki (sous la direction de R.V. Bunatyan), maîtrisant le métier d'acteur de théâtre de marionnettes. Après avoir obtenu son diplôme, depuis 1991, il a travaillé dans Nijni Novgorod dans sa spécialité et dans le théâtre dramatique en jouant des rôles plus sérieux.
CONTE DE JEU-FÉE DU NOUVEL AN !
À LA RECHERCHE DE MAGIE
Fabuleux Spectacle du Nouvel An, écrit d'après la pièce "À la recherche de la magie perdue".
Genre : cirque Histoire de Noël pour les enfants.
Date de rédaction : 2015
Durée – 1-15
La première a eu lieu en décembre 2015 au Théâtre de la jeunesse d'Irkoutsk. Vampilova.
Une histoire magique qui se déroule dans un cirque le soir du Nouvel An : des miracles, de la magie, des aventures drôles et complètement inattendues que les jeunes héros devront vivre pour sauver le spectacle du Nouvel An.
Un bon et drôle conte de fées sur la façon dont si vous voulez vraiment et croyez en vous-même, nous pouvons réaliser n'importe quel désir.
Le genre des contes de fées du cirque permet d'introduire le ready-made numéros de cirque, ce qui rend la performance très dynamique et spectaculaire.
CABARET "ASTORIA"
Buff fantasy sur le thème d'une biographie ou un cours pas à pas sur la destruction de l'univers pour les nuls.
La pièce contient quelques faits tirés de la biographie de Jura Soifer, dramaturge et poète autrichien. Mais le résultat est une fantaisie très libre, qui permet simplement d'aborder à nouveau le thème - « L'artiste et le temps », de regarder la modernité à travers le prisme de l'expérience historique.
Il semble que les événements décrits dans la pièce appartiennent à des temps anciens, mais d'une manière étrange, certains parallèles historiques sont visibles dans le texte, volontairement ou involontairement.
Mais là, comme on dit : toutes les coïncidences sont aléatoires, et l'auteur est pour elles
n'assume aucune responsabilité.
SAUVEZ KAMER-JUNKER POOUCHKINE
Le texte a été écrit dans le genre « mono-play » et porte le sous-titre : « L'histoire d'un exploit raté », ce qui en soi est déjà bien triste...
Cependant, cela n'empêche pas les réalisateurs de définir de manière assez arbitraire le genre de leurs performances - de la comédie à la tragi-comédie.
Personnages:
Bien que la pièce soit écrite en format mono, le nombre de personnages est limité uniquement par l’imagination du metteur en scène et les capacités de production du théâtre.
La première a eu lieu en octobre 2013 au théâtre de Moscou « School jeu moderne».
Première place au Concours International de Théâtre "Acting
visages" 2012.
La plus haute récompense dans le domaine du théâtre - "Grand Prix" du Concours
Concours" comme meilleure pièce de théâtre de l'année au festival Golden Mask.
Diplôme russe bibliothèque d'État arts - "Pour
une brillante expérience de forme dramatique.
Aurora" est devenue lauréate du concours littéraire international "A propos
Saint-Pétersbourg en prose et en vers. »
PUBLICATIONS :
Recueil de pièces de théâtre du concours " Personnages" - "Les meilleures pièces de 2012."
Magazine « Aurore boréale n°17 »
ROCK-N-ROLL AU COUCHER DU SOLEIL
Comédie lyrique pour deux danseurs solitaires.
Personnages – 1 – masculin. 1 - femelle.
Le jeu est idéal pour une entreprise ou un spectacle-bénéfice.
Pour acteurs de deux ans. Homme et femme. Plus c’est vieux, mieux c’est.
C'est l'histoire de la relation entre deux personnes déjà d'âge moyen qui se rencontrent par hasard dans un studio de formation de danse amateur.
Les personnages ont un caractère très différent. Il n’est donc pas surprenant que chaque scène de leur communication se transforme en une situation plutôt drôle, parfois comique.
Mais ils continuent toujours à se rencontrer, n'abandonnant pas l'espoir qu'un jour viendra où ils danseront du vrai rock and roll.
Rock-n-Roll - comme image du fait que la vie n'est pas encore finie. Et qu’à tout âge il y a de la place pour l’espoir et le sentiment.
ROCK-N-ROLL SUR LE BANC.
Un monoplay pour un amateur solitaire de Rock and Roll
Caractères : féminins - 1
Genre - monoplay de comédie lyrique pour une actrice d'âge moyen.
Des connaissances d'actrices m'ont contacté à plusieurs reprises pour me demander d'écrire une pièce pour une performance solo. Ce monoplay est un texte pour une performance personnelle, écrit sur la base de deux de mes autres pièces populaires : « Waiting for HIM » et « Rock-n-Roll at Sunset ». Et l'héroïne, dans une certaine mesure, incarne image collective tout le monde personnages féminins ces pièces.
N'OUBLIEZ PAS DE SIGNER
Jouer - Lauréat Volochinsky compétition internationale dramaturgie 2018. Gros lot.
La première a eu lieu en avril 2019 au Théâtre "On Plotinka" d'Ekaterinbourg.
Comédie dans le genre de l'utopie sociale
Date de rédaction : 2018
Personnages – 4 (2 hommes et 2 femmes) Un couple de personnes âgées et un jeune couple.
Une comédie dans laquelle une histoire en apparence ordinaire, le rendez-vous amoureux d'un jeune couple, est poussée jusqu'à l'absurdité. DANS Dernièrement On entend souvent une blague selon laquelle il sera bientôt impossible d'avoir un rendez-vous sans avocat. Que se passera-t-il si soudainement une telle situation se présentait dans la réalité ? Que se passe-t-il lorsque les vrais sentiments et relations inhérents à la nature elle-même sont remplacés par des règles et des restrictions artificielles ?
La pièce a un sous-titre de genre - « utopie sociale ». La seule question est : jusqu’où en est notre réalité ?
CORDE
La pièce est lauréate du concours international de théâtre "Badenweiler 2010".
Genre : comédie noire avec une fin joyeuse.
Personnages – 10. (9 – homme. 1 – femme)
À première vue, des scènes totalement indépendantes, comme les pièces d’un puzzle, s’assemblent progressivement vers la fin pour former une histoire complète et complète. Le paradoxe est que, malgré le caractère comique de chaque scène, l’ensemble s’est avéré plus que triste.
La première a eu lieu en décembre 2016 au Théâtre académique dramatique et comique de Kiev.
Réalisateur - Alexeï Lisovets.
À LA RECHERCHE DE LA MAGIE PERDUE
Une histoire de conte de fées qui peut arriver à chaque garçon ou fille.
La première a eu lieu en mars 2014 au théâtre de Moscou « School of Modern Play ».
Genre : conte de fées de cirque pour enfants.
Date de rédaction : 2012
Personnages – 9 (7 – adultes et 2 – enfants. Garçon et Fille – 9-11 ans)
Durée – 1-30
Public – pour juniors et intermédiaires âge scolaire – 6+
Une histoire magique qui se déroule dans un cirque : des miracles, de la magie, des aventures drôles et complètement inattendues que devront vivre les jeunes héros.
"...Et tout ce dont tu as besoin, c'est de rien : quand tu seras grand, n'oublie pas que quand tu étais enfant, tu rêvais de devenir sorcier." Ces paroles, prononcées à la fin par l'un des personnages, pourraient être considérées comme une épigraphe de la pièce.
Et peut-être que ce spectacle rappellera aux parents l’époque où eux-mêmes étaient petits.
De quoi rêvaient-ils ?
Cela vous fera porter un nouveau regard sur vous-même aujourd'hui et vous demander : suis-je celui que je voulais devenir quand j'étais enfant ?
Et n'est-il pas temps de changer quelque chose dans votre vie ? Revenons au monde lointain de l'enfance, où nous croyions sincèrement que si nous voulons vraiment et croyons en nous-mêmes, nous pouvons alors réaliser tous nos désirs.
Le genre des contes de fées du cirque permet d'introduire des numéros de cirque prêts à l'emploi dans l'intrigue, ce qui rend le spectacle plus dynamique, vibrant et spectaculaire.
JE L'ATTENDS
Improvisation lyrique sur le thème « Slow Twistin » pour quatre voix féminines.
La première a eu lieu en 2011 au théâtre de Moscou "On Perovskaya".
La pièce est lauréate du concours international de théâtre " Nouvelle pièce pour le vieux théâtre.
Personnages : 4 - féminin
Comédie lyrique pour quatre actrices âges différents- de 16 à 60 ans et plus.
La pièce est jouée dans deux théâtres de Moscou - le "Theater Mansion" et le théâtre "Na Perovskaya".
D'après l'annotation de la représentation au Théâtre Mansion : « La pièce « En attendant » de M. Heifetz est une improvisation poétique, parfaite pour les productions dramatiques, comiques et expérimentales... »
Idéal pour les entreprises féminines.
COMMENT TSIOLKOVSKY VOLE VERS LA LUNE
Art Mystère sur le thème d'une biographie.
La pièce est lauréate du Concours international de théâtre Volochine 2014.
Finaliste du laboratoire d'Omsk dramaturgie moderne 2013
LECTURES ET SPECTACLES :
Deuxième fête art contemporain"Tsiolkovski" à Kalouga.
Projet - « Théâtre d'histoire ouverte » Moscou.
La pièce ne parle pas de Tsiolkovsky ni même d’astronautique.
La pièce n'est rien d'autre qu'une parabole.
Il est contre-indiqué de lire aux personnes sans sens de l'humour et aux patriotes notoires.
NOUS JOUONS HOFFMANN
Comédie sur le thème de certains questions controversées anthropologie.
Caractères : 10 (femmes - 2, hommes - 8)
Une intrigue originale incluse dans l’un des contes de fées les plus « séditieux » d’Hoffmann – « Les Petits Tsakhes ».
La question séculaire : qu’est-ce que la vérité, le mensonge, la vérité ?
La pièce permet une fois de plus de se convaincre que la réalité moderne n'est pas très inférieure à la fiction fantasmogorique du grand écrivain.
Je voulais écrire une pièce dans la tradition de l'esthétique de Schwartz et de Gorin.
QUATRE RABINOVITCHS
Une comédie sur le thème de l'exode, dans laquelle toutes les coïncidences avec des faits historiques réels sont totalement fortuites.
Caractères – 10. (8 - homme. 3 - femme)
L'histoire, ou plutôt deux histoires se développant en parallèle dans deux couches temporelles.
Le texte est à la limite de la farce. Et comme le montrent clairement les noms des personnages, cela a quelque chose à voir avec des thèmes juifs.
BIENVENUE CHEZ MATRESENTANNA !
Une comédie noire avec un meurtre basée sur l'histoire de l'écrivain hongrois Istvan Erken « La famille Tot ».
Caractères : 5 (3 - hommes, 2 - femmes)
Istvan Erken est un prosateur et dramaturge hongrois, fondateur du théâtre hongrois de l'absurde.
La pièce n’est pas une dramatisation et ne répète pas littéralement l’intrigue de l’histoire. Mais j’espère que, dans la mesure du possible, j’ai réussi à transmettre l’esprit unique d’ironie subtile et d’« humour noir » pour lequel cet écrivain est si célèbre.
MARIAGE CASANOVA
Une comédie d'aventure mystique avec tous les attributs typiques de ce genre : fantômes, filles effrayées et développements passionnants.
Personnages – 11. (7 – masculin. 4 – féminin)
Le texte a été écrit comme un scénario de film, mais pour ceux que cela intéresse, il existe une version adaptée pour le théâtre.
Une histoire mélodramatique amusante qui, selon le plan impudique de l’auteur, est conçue pour tenter de rivaliser dans ce genre avec les textes comiques de Ludwig, Cooney and Company.
LE CONTE DU SORCIER QUI VIVAIT SUR UN NUAGE
Un conte de fées-parabole pour les théâtres d'enfants et de marionnettes.
La pièce a été écrite spécifiquement pour la participation au laboratoire créatif "Petit Drame", organisé par le Théâtre de marionnettes régional de Moscou.
La première projection a eu lieu dans le cadre du V International festival de théâtre"Théâtre de Marionnettes - Sans Frontières" en mai 2015
Un conte romantique sur la place de la beauté et de la créativité dans notre vie quotidienne, raconté à travers une histoire d'amour et d'amitié. personnages de contes de fées.
COMMENT LE ROI DE L'UNDERGROUND A ÉTÉ DÉFAITE
Jeu pour enfants basé sur des contes de fées coréens.
Personnages : 11 (7 hommes, 4 femmes)
Un conte de fées drôle, plein de couleurs folkloriques, sur la façon dont le héros et ses trois amis - l'homme fort, l'homme rusé et le tireur sont allés sauver leurs épouses qui avaient été kidnappées par le roi des enfers.
La pièce a tout ce que les enfants aiment tant : des personnages drôles, des rebondissements inattendus, la lutte entre les forces du bien et du mal.
La pièce a été commandée pour le forum international asiatique « Concours international pour l'histoire créative asiatique »
432 HERZ
Un monologue qui n'a rien à voir avec les propriétés physiques des sons.
Un monoplay sur le thème du mystère de la personnalité de Shakespeare.
La pièce est finaliste au concours international monoplay organisé par la Bibliothèque des Arts et de la Radio Culture.
La représentation de la pièce a eu lieu en juin 2016 à la Bibliothèque municipale de Jérusalem.
LE MYSTÈRE DES SEPT PONTS
Fantaisie de carnaval non historique avec des éléments de mysticisme.
La pièce a été écrite pour le concours" Drame historique", organisé par le Théâtre dramatique de Kaliningrad.
En août 1811, ce dernier fut reconnu coupable et exécuté à Königsberg.
sorcière d'Europe - Barbara Zdunk.
C’est peut-être le seul fait historique fiable utilisé dans cette pièce. Tout le reste n’est que fiction et coïncidence.
NOUVELLES
PREMIÈRE! Le 7 avril, la première de la pièce « Rock-n-roll at Sunset » a eu lieu au théâtre dramatique « Galatée » de Solnechnogorsk.
PREMIÈRE! Le 22 mars, la première de la pièce « N'oubliez pas de signer » a eu lieu au Théâtre « On Plotinka » d'Ekaterinbourg.
PREMIÈRE! Le 3 mars, la première de la pièce « Rock n Roll at Sunset » a eu lieu au Théâtre académique régional de musique et d'art dramatique de Lviv, nommé d'après Yuri Drohobych « Soirées rock and roll ».
PREMIÈRE! Le 1er mars, la première de la pièce « Il faut sauver la chambre-Junker Pouchkine » a eu lieu au Théâtre de la Jeunesse de Vladivostok.
PUBLICATION! Dans le prochain numéro revue littéraire"LITTERATURE" dans la section "Dramaturgie" a publié la pièce du dramaturge israélien Mikhaïl Kheifetz "Comment Tsiolkovsky a volé vers la Lune".
PREMIÈRE ! La première de la pièce basée sur la pièce de Mikhaïl Kheifetz a eu lieu au Théâtre dramatique académique russe de Crimée du nom de Gorki.
PRESENTATION ET LECTURE DE LA PIÈCE "Comment Tsiolkovsky s'est envolé vers la Lune"
Le 17 juillet à Omsk, dans le cadre des célébrations de la Fête de la Ville, une lecture de la pièce de Michal Heifetz sera présentée
PREMIÈRE! Le 23 mars, la première de la pièce « En attendant » a eu lieu au Théâtre dramatique académique régional de Donetsk (Mariupol).
Présentation de la pièce "Cabaret "Astoria" au festival !
Le 25 mars à Feodosia, dans le cadre du festival de théâtre FeTeF, aura lieu une lecture par un acteur de la pièce "Cabaret Astoria" de Mikhaïl Kheifetz. Laboratoire créatif « Attention ! Théâtre!"
RADIO "GRAD PETROV" "PARLONS DU THÉÂTRE" Critiques du critique de théâtre Alexey Pasuev trois représentations, mis en scène dans les théâtres de Saint-Pétersbourg d'après la pièce de Mikhaïl Kheifetz « Il faut sauver la chambre-Junker Pouchkine ».
PREMIÈRE! Après une interruption de près de deux ans, le Théâtre de Moscou de Perovskaya a repris la projection, comme l'écrit le site Internet du théâtre, de la pièce culte "En attendant".
le 19 décembre à salle de concert Bibliothèque de Jérusalem, puis à Eilat, dans le cadre du projet Limmud, a eu lieu une présentation de la version complète de l'auteur de la pièce « Il faut sauver la chambre-Junker Pouchkine ».
plus de détails
PREMIÈRE! 22 septembre Théâtre dramatique d'État de Tcheliabinsk théâtre de chambre a ouvert la saison avec la première de la pièce « Il faut sauver la chambre-Junker Pouchkine ».
La pièce "Corde", mise en scène par le Théâtre dramatique et comique académique de Kiev, est devenue lauréate du Festival international "Melpomène de Tavria" dans trois catégories : Meilleures performances Grande Scène, Meilleur Réalisateur et Meilleure Actrice
PREMIÈRE! Le 26 avril 2017, la première de la pièce « Rock-n-roll au coucher du soleil » a eu lieu à la Maison des Acteurs de Voronej.
PREMIÈRE! Le 22 avril 2017, la première de la pièce « Rock-n-roll au coucher du soleil » a eu lieu au Théâtre régional de Mourmansk.
PREMIÈRE! Le 30 mars 2017, la première de la pièce « Bienvenue à Matrasentana ! » a eu lieu au Petit Théâtre (תיאטרון מלנקי). ("משפחת טוט")
PREMIÈRE! Le 18 mars 2017, la première de la pièce « Rock-n-Roll at Sunset » a eu lieu au Théâtre « School of Modern Play » de Moscou.
PREMIÈRE! Le 21 février 2017, la première de la pièce « Il faut sauver la chambre-Junker Pouchkine » a eu lieu au Théâtre de la Flamme Rouge de Novossibirsk.
PREMIÈRE ! Le 21 janvier 2017, la première de la pièce « Le spectacle Hoffmann » basée sur la pièce « Jouer à Hoffmann » de Mikhaïl Kheifetz a eu lieu au Théâtre dramatique d'Oulianovsk du nom de Gontcharov.
PREMIÈRE! Le 24 décembre 2016, la première de la pièce « En attendant » a eu lieu à la branche de Novomoskovsk du Théâtre dramatique académique de Toula.
Jouer
Alexandre Volodine, 1958
À propos de quoi: Se retrouvant à Leningrad à l'occasion d'un voyage d'affaires, Ilyin décide soudain de se rendre dans l'appartement où il y a dix-sept ans, lorsqu'il se rendit au front, il quitta sa petite amie bien-aimée, et - et voilà ! — sa Tamara habite toujours dans la chambre au-dessus de la pharmacie. La femme ne s'est jamais mariée : son neveu étudiant, pour qui elle remplace sa mère, et sa petite amie excentrique, c'est toute sa famille. Malgré la peur des malentendus, du manque de sincérité, des querelles et de la réconciliation, deux adultes finissent par comprendre que le bonheur est encore possible - « si seulement il n'y avait pas de guerre ! »
Pourquoi cela vaut la peine de lire : La rencontre entre Ilyin et Tamara, étalée sur cinq soirées, n'est pas seulement une histoire d'amour tardif et agité du contremaître de l'usine du Triangle Rouge et du chef de chantier. Zavgar- gérant de garage. village nord d'Ust-Omul, mais l'opportunité de faire monter sur scène des personnages soviétiques réels et non mythiques : intelligents et consciencieux, aux destins brisés.
Peut-être le plus poignant des drames de Volodine, cette pièce est remplie d’humour triste et de lyrisme élevé. Ses personnages cachent toujours quelque chose : sous clichés de discours- « Mon travail est intéressant, responsable, on se sent Les gens ont besoin« - on sent toute une couche de questions difficiles enfoncées au plus profond de l'intérieur, liées à la peur éternelle dans laquelle une personne est obligée de vivre, comme si elle était prisonnière dans un immense camp appelé « patrie ».
À côté des héros adultes, de jeunes amants vivent et respirent : au début, Katya et Slava semblent « sans peur », mais elles ressentent aussi instinctivement la peur qui ronge les âmes de Tamara et Ilyin. Ainsi, l’incertitude quant à la possibilité même du bonheur dans le pays du « socialisme victorieux » se transmet progressivement à la génération suivante.
Mise en scène
Grand Théâtre dramatique
Réalisé par Gueorgui Tovstonogov, 1959
Zinaida Sharko dans le rôle de Tamara et Efim Kopelyan dans le rôle d'Ilyin dans la pièce « Cinq soirées ». 1959 Théâtre dramatique du Bolchoï nommé d'après G. A. Tovstonogov Vous pouvez imaginer un peu le choc que ce spectacle a été pour le public, grâce à un enregistrement radio de 1959. Le public réagit ici très violemment : il rit, s'excite et se calme. Les critiques ont écrit à propos de la production de Tovsto-Nogov : « L’époque actuelle – la fin des années 50 – s’est révélée avec une précision étonnante. Presque tous les personnages semblaient venir sur scène des rues de Léningrad. Ils étaient habillés exactement comme les spectateurs qui les regardaient. Les personnages, chevauchant du fond de la scène sur des estrades aux cloisons de pièces mal meublées, jouaient sous le nez des premiers rangs. Cela nécessitait une intonation précise et une hauteur absolue. Une atmosphère de chambre particulière a été créée par la voix de Tovstonogov lui-même, qui a donné les indications scéniques (c'est dommage que dans la pièce radiophonique ce ne soit pas lui qui lit le texte de l'auteur).
Conflit interne Le spectacle était une contradiction entre les stéréotypes soviétiques imposés et la nature humaine naturelle. Tamara, interprétée par Zinaida Sharko, semblait regarder derrière le masque d'une militante sociale soviétique avant de s'en débarrasser et de devenir elle-même. D'après l'enregistrement radio, il ressort clairement de quel force intérieure et avec une richesse étonnante de nuances, Charcot a joué sa Tamara - touchante, tendre, sans protection, sacrificielle. Ilyin (joué par Efim Kopelyan), qui a passé 17 ans quelque part dans le Nord, était intérieurement beaucoup plus libre dès le début - mais il n'a pas immédiatement réussi à dire la vérité à la femme qu'il aimait et a fait semblant d'être l'ingénieur en chef. Dans une pièce radiophonique d'aujourd'hui, la performance de Kopelyan peut être entendue avec beaucoup de théâtralité, presque pathétique, mais il y a aussi beaucoup de pauses et de silence - alors vous comprenez que la chose la plus importante arrive à son personnage dans ces moments-là.
"À la recherche de la joie"
Jouer
Victor Rozov, 1957
À propos de quoi: L'appartement moscovite de Klavdia Vasilievna Savina est exigu et bondé : quatre de ses enfants adultes vivent ici et il y a des meubles que Lenochka, l'épouse de son fils aîné Fedya, achète constamment - autrefois une jeune scientifique talentueuse, aujourd'hui une carriériste à succès « dans le domaine scientifique » " Couverts de chiffons et de journaux en prévision du déménagement imminent des jeunes mariés dans le nouvel appartement, les armoires, les buffets ventrus, les canapés et les chaises deviennent une pomme de discorde au sein de la famille : la mère qualifie son fils aîné de « petit commerçant » et il jeune frère, le lycéen Oleg, abat les meubles de « Lenochkine » avec le sabre de son père décédé, héros de guerre. Les tentatives d'explication ne font qu'aggraver la situation et, par conséquent, Fedor et sa femme partent. maison natale, les enfants restants assurent à Klavdia Vasilievna qu'ils ont choisi un autre Le chemin de la vie: "N'aie pas peur pour nous, maman !"
Pourquoi cela vaut la peine de lire : Cette comédie en deux actes a d'abord été perçue comme une « bagatelle » par Viktor Rozov : à cette époque, le dramaturge était déjà connu comme l'auteur du scénario. film légendaire Mikhaïl Kalatozov « Les grues volent ».
En effet, touchants, romantiques, inconciliables avec la malhonnêteté et l'escroquerie, les plus jeunes enfants de Klavdia Vasilievna Kolya, Tatiana et Oleg, ainsi que leurs amis et proches, formaient un groupe solide de « jeunesse soviétique correcte », numériquement supérieur aux cercle des « escrocs, carriéristes » présenté dans la pièce et bourgeois. Le caractère schématique de la confrontation entre le monde de la consommation et le monde des idéaux n’a pas été particulièrement masqué par l’auteur.
S'est avéré exceptionnel personnage principal— Le rêveur et poète de 15 ans Oleg Savin : son énergie, sa liberté intérieure et son estime de soi étaient associées aux espoirs du Dégel, aux rêves d'une nouvelle génération balayant toutes les formes d'esclavage social (cette génération d'intransigeants les romantiques ont commencé à être appelés « les garçons de Rozov »).
Mise en scène
Théâtre central pour enfants
Réalisateur Anatoly Efros, 1957
Margarita Kupriyanova dans le rôle de Lenochka et Gennady Pechnikov dans le rôle de Fiodor dans la pièce « À la recherche de la joie ». 1957 RAMT La scène la plus célèbre de cette pièce est celle où Oleg Savin abat des meubles avec le sabre de son père. Ce fut le cas dans la représentation du Sovremennik Theatre Studio, sortie en 1957, et du film d'Anatoly Efros et Georgy Natanson "Noisy Day" (1961), c'est ce qui est resté principalement dans la mémoire - peut-être parce qu'Oleg a joué dans les deux productions. le jeune et impétueux Oleg Tabakov. Cependant, la première représentation de cette pièce n'a pas été jouée au Sovremennik, mais au Central théâtre pour enfants, et le célèbre épisode avec le dames et le poisson mort, le pot avec lequel Lenochka jeta par la fenêtre, était, bien qu'important, toujours l'un des nombreux.
L’élément principal de la performance d’Anatoly Efros au Théâtre central pour enfants était le sentiment de polyphonie, de continuité et de fluidité de la vie. Le réalisateur a insisté sur l'importance de chaque voix dans cette histoire populeuse - et a immédiatement présenté au spectateur une maison remplie de meubles, construite par l'artiste Mikhaïl Kourilko, où des détails précis indiquaient la vie d'un grand famille sympathique. Non pas une dénonciation du philistinisme, mais un contraste entre les vivants et les morts, la poésie et la prose (comme l'ont noté les critiques Vladimir Sappak et Vera Shitova) - telle était l'essence du point de vue d'Efros. Non seulement Oleg, joué par Konstantin Ustyugov, était vivant – un garçon doux avec une voix haute et excitée – mais aussi la mère de Valentina Sperantova, qui a décidé d’avoir une conversation sérieuse avec son fils et a adouci la dureté forcée avec son intonation. Ce Fedor lui-même est bien réel, Gennady Pechnikov, qui, malgré tout, aime beaucoup sa femme pragmatique Lenochka, et un autre amant - Gennady Alexei Shmakov, et les camarades de classe des filles venues rendre visite à Oleg. Tout cela peut être clairement entendu dans l’enregistrement radiophonique de la performance réalisée en 1957. Écoutez comment Oleg prononce la phrase clé de la pièce : "L'essentiel est d'avoir beaucoup de choses dans la tête et dans l'âme." Pas de didactique, tranquillement et délibérément, plutôt pour soi.
"Mon pauvre Marat"
Jouer
Alexeï Arbouzov, 1967
À propos de quoi: Il était une fois Lika, elle aimait Marat, elle était aimée de lui, et Léonidik l'aimait aussi ; les deux gars sont allés à la guerre, les deux sont revenus : Marat - Hero Union soviétique, et Leonidik était sans main, et Lika a donné sa main et son cœur au « pauvre Leonidik ». Le deuxième titre de l’œuvre est « N’ayez pas peur d’être heureux » ; en 1967, les critiques londoniens l’ont nommée pièce de l’année. Ce mélodrame est une histoire de rencontres et de séparations s'étendant sur près de deux décennies de trois personnages grandissant d'épisode en épisode, autrefois unis par la guerre et le blocus dans la froide et affamée Leningrad.
Pourquoi cela vaut la peine de lire : Trois vies, trois destins d'idéalistes soviétiques piqués par la guerre, tentant de se construire une vie selon la légende de la propagande. De tous les « contes de fées soviétiques » d'Alexei Arbuzov, où les héros étaient nécessairement récompensés par l'amour pour leurs actes de travail, « Mon pauvre Marat » est le conte de fées le plus triste.
Le mythe soviétique « vivre pour les autres » est justifié pour les personnages – encore adolescents – par les pertes et les exploits de la guerre, et par la remarque de Léonidik : « Ne changez jamais notre hiver 1942… n’est-ce pas ? - devient leur credo de vie. Cependant, « les jours passent », et la vie est « pour les autres » et carrière professionnelle(Marat « construit des ponts ») n’apporte pas le bonheur. Lika dirige la médecine en tant que « chef de département non exempté », et Leonidik ennoblit la morale avec des recueils de poèmes publiés à cinq mille exemplaires. Le sacrifice se transforme en mélancolie métaphysique. A la fin de la pièce, Marat, 35 ans, annonce un changement de cap : « Des centaines de milliers de personnes sont mortes pour que nous puissions être extraordinaires, obsédés, heureux. Et nous, moi, toi, Leonidik ?.. »
L'amour étouffé équivaut ici à une individualité étouffée, et les valeurs personnelles sont affirmées tout au long de la pièce, ce qui en fait un phénomène unique du drame soviétique.
Mise en scène
Réalisateur Anatoly Efros, 1965
Olga Yakovleva dans le rôle de Lika et Lev Krugly dans le rôle de Leonidik dans la pièce « Mon pauvre Marat ». 1965 Alexandre Gladstein / RIA Novosti Les critiques ont qualifié cette représentation de « recherche scénique », de « laboratoire théâtral » où étaient étudiés les sentiments des personnages de la pièce. "La scène ressemble à un laboratoire, propre, précise et ciblée", a écrit la critique Irina Uvarova. Les artistes Nikolai Sosunov et Valentina Lalevich ont créé le décor du spectacle : trois personnages regardaient le public avec sérieux et un peu de tristesse, comme s'ils savaient déjà comment tout cela finirait. En 1971, Efros a filmé une version télévisée de cette production, avec les mêmes acteurs : Olga Yakov-leva - Lika, Alexander Zbruev - Marat et Lev Krugly - Leonidik. Le thème d'une étude scrupuleuse des personnages et des sentiments s'est encore intensifié ici : la télévision permettait de voir les yeux des acteurs, donnant l'effet d'une présence de spectateur lors d'une communication étroite entre ces trois-là.
On pourrait dire que Marat, Lika et Leonidik d’Efros étaient obsédés par l’idée d’aller au fond de la vérité. Pas dans un sens global : ils voulaient s’entendre et se comprendre le plus précisément possible. Cela était particulièrement visible à Lika-Yakovleva. L'actrice semblait avoir deux plans de jeu : le premier - où son héroïne avait l'air douce, légère, enfantine, et le second - qui apparaissait dès que l'interlocuteur de Lika se détournait : à ce moment-là le regard sérieux, attentif et étudiant d'une femme mûre. le regarda. « Toute vie réelle est une rencontre », a écrit le philosophe Martin Buber dans son livre « Moi et toi ». Selon lui, le mot principal de la vie - « Vous » - ne peut être dit à une personne qu'avec tout son être ; toute autre relation la transforme en objet, de « Vous » - en « Cela ». Tout au long de la performance d’Efros, ces trois-là se sont dit « Vous » de tout leur être, appréciant surtout la personnalité unique de chacun. C'était la haute tension de leur relation, avec laquelle encore aujourd'hui il est impossible de ne pas se laisser emporter et avec laquelle on ne peut s'empêcher de sympathiser.
"Chasse au canard"
Jouer
Alexandre Vampilov, 1967
À propos de quoi: En se réveillant dans un appartement soviétique typique par une lourde matinée de gueule de bois, le héros reçoit une couronne funéraire en cadeau de la part d'amis et de collègues. En essayant de comprendre le sens de la farce, Viktor Zilov se souvient des images dans sa mémoire le mois dernier: une pendaison de crémaillère, le départ de sa femme, un scandale au travail et enfin la beuverie d'hier au café Myosotis, où il a insulté sa jeune maîtresse, son patron, ses collègues et s'est disputé avec meilleur ami- le serveur Dima. Ayant décidé de vraiment régler ses comptes avec sa vie haineuse, le héros appelle ses amis, les invitant à son propre sillage, mais change bientôt d'avis et part avec Dima au village - pour une chasse au canard dont il rêve passionnément. cette fois.
Pourquoi cela vaut la peine de lire : Viktor Zilov, combinant les traits d'un canaille notoire et d'un homme infiniment séduisant, peut apparaître à certains comme la réincarnation soviétique du Péchorine de Lermontov : « un portrait fait des vices de toute notre génération, dans leur plein épanouissement ». Un membre de l'ITAE intelligent, racé et perpétuellement ivre, apparu au début de l'ère de la stagnation ingénieurs- ingénieur et ouvrier technique. avec une énergie digne d'un meilleur usage, il s'est constamment libéré des liens familiaux, professionnels, amoureux et amicaux. Le refus définitif de Zilov de s'autodétruire a eu des implications sur le drame soviétique signification symbolique: ce héros a donné naissance à toute une galaxie d'imitateurs - personnes supplémentaires: des ivrognes à la fois honteux et dégoûtés de rejoindre la société soviétique - l'ivresse dans le drame était perçue comme une forme de protestation sociale.
Le créateur de Zilov, Alexandre Vampilov, s'est noyé dans le lac Baïkal en août 1972 - à son apogée forces créatrices, laissant au monde un volume pas trop lourd de drame et de prose ; La « Chasse au canard », devenue aujourd'hui un classique mondial, surmontant de justesse l'interdiction de la censure, a fait irruption sur la scène soviétique peu après la mort de l'auteur. Cependant, un demi-siècle plus tard, alors qu'il ne restait plus rien de soviétique, la pièce s'est transformée de manière inattendue en un drame existentiel d'un homme devant lequel s'ouvrait le vide d'une vie organisée et mature, et dans le rêve d'un voyage de chasse, à où - « Savez-vous à quel point c'est calme ? Tu n'es pas là, tu comprends ? Non! Tu n’es pas encore né », un cri retentit au sujet du paradis perdu à jamais.
Mise en scène
Théâtre d'art de Moscou nommé d'après Gorki
Réalisé par Oleg Efremov, 1978
Une scène de la pièce « La chasse au canard » au Théâtre d'art Gorki de Moscou. 1979 Vassili Egorov / TASS Meilleur jeu Alexandra Vampilova est toujours considérée comme non résolue. Ce qui s'en rapproche le plus est probablement le film "Vacances en septembre" de Vitaly Melnikov avec Oleg Dal dans le rôle de Zilov. La représentation présentée au Théâtre d'art de Moscou par Oleg Efremov n'a pas survécu, même en fragments. Dans le même temps, il a exprimé avec précision le temps - la phase de stagnation la plus désespérée.
L'artiste David Borovsky a imaginé l'image suivante pour le spectacle : un énorme sac en plastique contenant des pins abattus planait au-dessus de la scène comme un nuage. "Le motif de la taïga conservée", a déclaré Borovsky à la critique Rimma Krechetova. Et plus loin : « Le sol était recouvert de bâche : à ces endroits-là, ils portent de la bâche et du caoutchouc. J'ai éparpillé des aiguilles de pin sur la bâche. Vous savez, comme un sapin de Noël sur un parquet. Ou après couronnes de deuil…»
Zilov était joué par Efremov. Il avait déjà cinquante ans – et la mélancolie de son héros n’était pas une crise de la quarantaine, mais un résumé. Anatoly Efros a admiré sa performance. "Efremov joue Zilov sans peur jusqu'à l'extrême", écrit-il dans le livre "Continuation de l'histoire théâtrale". - Il le démolit devant nous avec tous ses abats. Impitoyable. Jouer dans les traditions des grands école de théâtre, il ne se contente pas de dénoncer son héros. Il joue un personnage généralement bon, encore capable de comprendre qu'il est perdu, mais qui ne parvient plus à s'en sortir.
Celui qui a été privé de réflexion était le serveur Dima, interprété par Aleksey Petrenko, un autre le héros le plus important performance. Un homme immense, absolument calme - avec le calme d'un tueur, il planait sur les autres personnages comme un nuage. Bien sûr, il n'avait encore tué personne - à l'exception des animaux en chasse, qu'il tirait sans hésiter, mais il pouvait facilement assommer une personne (après avoir regardé autour de lui pour voir si quelqu'un le regardait). Dima, plus que Zilov, a été la découverte de ce spectacle : un peu de temps passera et ces personnes deviendront les nouveaux maîtres de la vie.
"Trois filles en bleu"
Jouer
Lyudmila Petrushevskaya, 1981
À propos de quoi: Sous un toit qui fuit, trois mères - Ira, Svetlana et Tatiana - passent l'été pluvieux avec leurs garçons qui se disputent constamment. La nature instable de la vie à la datcha oblige les femmes à se disputer jour et nuit sur la vie quotidienne. Un riche prétendant qui apparaît emmène Ira dans un autre monde, à la mer et au soleil, elle laisse son fils malade dans les bras de sa mère faible. Cependant, le paradis se transforme en enfer, et maintenant la femme est prête à ramper à genoux devant l'agent de service de l'aéroport pour retourner auprès de son enfant laissé seul.
Pourquoi cela vaut la peine de lire : La pièce continue d'étonner encore aujourd'hui les contemporains de « Trois filles » par la précision avec laquelle elle capture l'ère de la « stagnation tardive » : l'éventail des préoccupations quotidiennes d'un Soviétique, son caractère et le type de relations entre les gens. Cependant, en plus de la précision photographique externe, l'essence intérieure du soi-disant scoop est également subtilement abordée ici.
Menant un dialogue avec les « Trois sœurs » de Tchekhov, la pièce de Petrushevskaya présente d’abord ses « filles » comme trois variations sur le thème de Natacha de Tchekhov. Comme Natasha, la bourgeoise de Tchekhov, Ira, Svetlana et Tatiana de Petrushevskaya se soucient constamment de leurs enfants et mènent une guerre pour les pièces sèches d'une datcha délabrée près de Moscou. Cependant, les enfants pour lesquels les mères se disputent n'ont en fait pas besoin d'eux. La pièce est imprégnée de la voix faible du fils malade d’Ira Pavlik ; le monde des garçons est plein images de contes de fées, sous une forme bizarre reflétant les réalités de sa vie effrayante : « Et quand je dormais, la lune volait vers moi sur ses ailes », personne n'entend ni ne comprend l'enfant dans cette pièce. Le "moment de vérité" est également lié à son fils - quand, réalisant qu'il pourrait le perdre, d'une "personne soviétique typique", Ira se transforme en une personne capable de "penser et souffrir", de Natasha de Tchekhov à Irina de Tchekhov, prête sacrifier quelque chose pour les autres.
Mise en scène
Théâtre nommé d'après Lénine Komsomol
Réalisateur Mark Zakharov, 1985
Tatiana Peltzer et Inna Churikova dans la pièce « Trois filles en bleu ». 1986 Mikhaïl Strokov / TASS Cette pièce a été écrite par Lyudmila Petrushevskaya à la demande du directeur en chef du Théâtre Lénine Komsomol, Mark Zakharov : il avait besoin de rôles pour Tatyana Peltzer et Inna Churikova. La censure n'a pas permis au spectacle de se dérouler pendant quatre ans - la première n'a eu lieu qu'en 1985 ; Les 5 et 6 juin 1988, la pièce est tournée pour la télévision. Cet enregistrement fait encore aujourd’hui une très forte impression. Le scénographe Oleg Sheintsis a bloqué la scène avec un mur translucide, derrière lequel sont visibles des silhouettes de branches ; au premier plan il y a une table, dessus il y a un bouquet de fleurs séchées, et dans une bassine en fer blanc posée sur un tabouret, on fait une lessive sans fin ; Il y avait des querelles, des flirts, des aveux. Chacun était prêt à entrer dans la vie de l’autre, et non seulement à y entrer, mais à y piétiner à fond. Mais il ne s’agit là que d’une participation superficielle : en fait, personne ne se soucie vraiment les uns des autres. Marmonna la vieille femme Fedorovna (Peltzer), indifférente au fait qu'il y avait un enfant malade allongé derrière le mur. Svetlana (actrice Lyudmila Porgina) s'est immédiatement agitée dans un accès de haine envers l'intellectuelle Irina et son fils : « Il lit ! Vous finirez de lire ! Et Irina elle-même, Inna Churikova, regardait tout avec des yeux immenses et restait silencieuse tant qu'elle en avait la force.
Maître reconnu des effets de scène, Zakharov a construit plusieurs points de référence, calibré comme un ballet. L'un d'eux est lorsque le petit ami de la datcha, Nikolai, embrasse Irina et qu'elle, par surprise, fait un saut périlleux presque clownesque. À ce moment-là, Churikova tombe presque de sa chaise, tombe sur l'épaule de Nikolaï, saute immédiatement de lui et, les genoux hauts, se dirige vers la porte pour voir si son fils a vu le baiser.
Une autre scène est le point culminant tragique de la pièce : Irina rampe à genoux derrière les employés de l'aéroport, suppliant de la mettre dans l'avion (à la maison, l'enfant a été laissée seule dans un appartement fermé à clé), et d'une voix rauque et agaçante, elle ne le fait pas. même crier, mais grogne: "Je n'arriverai peut-être pas à temps!" Dans le livre «Histoires de ma propre vie», Lyudmila Petrushevskaya rappelle comment, à ce moment-là, lors d'une représentation, une jeune spectatrice a sauté de sa chaise et a commencé à s'arracher les cheveux. C'est vraiment très effrayant à regarder.
La pièce est formulaire Travail littéraire, écrit par un dramaturge, qui consiste généralement en un dialogue entre des personnages et est destiné à être lu ou joué de manière théâtrale ; un petit morceau de musique.
Utilisation du terme
Le terme « pièce de théâtre » désigne à la fois les textes écrits des dramaturges et leurs représentations théâtrales. Peu d'auteurs dramatiques, comme George Bernard Shaw, n'ont donné aucune préférence quant à savoir si leurs pièces seraient lues ou jouées sur scène. Une pièce de théâtre est une forme de drame basée sur un conflit de nature grave et complexe.. Le terme « pièce de théâtre » est utilisé dans un sens large – en ce qui concerne le genre dramatique (drame, tragédie, comédie, etc.).
Jouer en musique
Une pièce de théâtre en musique (dans ce cas, le mot est similaire à langue italienne pezzo, littéralement « morceau ») est une œuvre instrumentale, souvent de petit volume, écrite sous forme périodique, simple ou complexe en 2-3 parties partielles ou sous forme de rondo. Dans le nom pièce musicale Sa base de genre est souvent déterminée - danse (valses, polonaises, mazurkas de F. Chopin), marche ("Marche soldats de plomb" Avec " Album pour enfants"P. I. Tchaïkovski), chanson ("Chanson sans paroles" de F. Mendelssohn").
Origine
Le terme « jouer » est d’origine française. Dans cette langue, le mot pièce regroupe plusieurs significations lexicales : partie, pièce, œuvre, extrait. La forme littéraire de la pièce est passée long-courrier développement depuis l’Antiquité jusqu’à nos jours. Déjà au théâtre La Grèce ancienne deux formés genre classique représentations dramatiques - tragédie et comédie. Développement ultérieur arts théâtraux enrichi les genres et les variétés du théâtre et, par conséquent, la typologie des pièces de théâtre.
Genres de la pièce. Exemples
Une pièce de théâtre est une forme d'œuvre littéraire de genres dramatiques, comprenant :
Développement de la pièce dans la littérature
Dans la littérature, la pièce de théâtre était initialement considérée comme un concept formel et généralisé indiquant une appartenance oeuvre d'art au genre dramatique. Aristote (« Poétique », Sections V et XVIII), N. Boileau (« Message VII à Racine »), G. E. Lessing (« Laocoon » et « Drame de Hambourg »), J. W. Goethe (« Théâtre de la Cour de Weimar ») ont utilisé le terme « play » comme concept universel qui s’applique à tout genre de théâtre.
Au XVIIIe siècle Des œuvres dramatiques sont apparues, dont les titres incluaient le mot « pièce » (« La pièce sur l'avènement de Cyrus »). Dans le 19ème siècle le nom « jouer » était utilisé pour désigner poème lyrique. Les dramaturges du XXe siècle ont cherché à élargir les limites du genre dramatique en utilisant non seulement différents genres dramatiques, mais également d'autres types d'art (musique, chant, chorégraphie, y compris le ballet, cinéma).
Structure compositionnelle de la pièce
La structure compositionnelle du texte de la pièce comprend un certain nombre d'éléments formels traditionnels :
- titre;
- liste de personnages ;
- texte des personnages – dialogues dramatiques, monologues ;
- indications scéniques (notes de l'auteur sous forme d'indication du lieu de l'action, des traits de caractère ou d'une situation précise) ;
Le contenu textuel de la pièce est divisé en parties sémantiques complètes distinctes - des actions ou des actes qui peuvent consister en des épisodes, des phénomènes ou des images. Certains dramaturges ont donné à leurs œuvres un sous-titre d'auteur, qui indiquait la spécificité de genre et l'orientation stylistique de la pièce. Par exemple : « jeu de discussion » de B. Shaw « Se marier », « jeu de parabole » de B. Brecht « une personne gentille du Sichuan."
Fonctions d'une pièce de théâtre dans l'art
La pièce a eu une forte influence sur le développement des arts. Des œuvres artistiques (théâtrales, musicales, cinématographiques, télévisées) de renommée mondiale sont basées sur les intrigues des pièces de théâtre :
- opéras, opérettes, comédies musicales, par exemple : l'opéra de W. A. Mozart « Don Giovanni ou le libertin puni » est basé sur la pièce de A. de Zamora ; la source de l'intrigue de l'opérette « Truffaldino de Bergame » est la pièce de C. Goldoni « Le Serviteur de deux maîtres » ; la comédie musicale "West Side Story" - une adaptation de la pièce "Roméo et Juliette" de W. Shakespeare ;
- des représentations de ballet, par exemple : le ballet « Peer Gynt », mis en scène d'après la pièce du même nom de G. Ibsen ;
- des œuvres cinématographiques, par exemple : le film anglais « Pygmalion » (1938) - une adaptation cinématographique de la pièce du même nom de B. Shaw ; Long métrage« Le chien dans la mangeoire » (1977) est basé sur la pièce du même nom de Lope de Vega.
Signification moderne
L'interprétation du concept de pièce de théâtre comme définition universelle de l'appartenance à genres dramatiques, qui est largement utilisé dans critique littéraire moderne et la pratique littéraire. La notion de « jeu » s'applique également aux œuvres dramatiques, combinant les caractéristiques de différents genres (par exemple : comédie-ballet, introduit par Molière).
Le jeu de mots vient de Pièce française, qui signifie pièce, partie.
Les personnages de la pièce vivent dans une maison de fous. Ils sont unis par les salles d'hôpital, les murs de l'établissement, le médecin traitant, le personnel hospitalier, un ensemble de médicaments, mais chacun des habitants a sa propre histoire, son propre mystère, ses propres questions, son propre destin. L'entreprise était variée. Dans la vie ordinaire, il est difficile d'imaginer à côté d'un présentateur de télévision célèbre et à succès, un alcoolique chronique, sage soit par sa mentalité, soit par le nombre de verres consommés, et un joyeux habitant d'un village isolé.
Lorsque l’on est un peu fou, la réalité environnante est perçue à travers un prisme particulier. Les couleurs sont plus vives, les sons plus forts. Des miracles ? Pourquoi pas. C'est un monde spécial dans lequel il y a une place pour la magie. Le médecin de la clinique, imprégné de l'atmosphère de l'institution et de l'humeur de ses patients, les soigne non pas avec des médicaments traditionnels, mais avec des conversations. Croyant fidèlement aux propriétés curatives de la parole, il fait généreusement des promesses apaisantes.
Billets officiels pour la pièce "Where We Are"
Un casting brillant. Quartier unique d'Oleshko, Nifontov, Dobronravov. Pour la première fois après une longue pause, Alexander Shirvindt apparaîtra sur scène en tant qu'acteur. Le spectateur pourra voir le maître dans une nouvelle image. Une image en accord avec le clown Poluninsky familier, infiniment gentil et triste. En contactant notre agence, vous pouvez facilement acheter des billets pour la pièce « Où sommes-nous » au Théâtre de la Satire, il y a toujours un grand choix meilleurs endroits, haut niveau services et livraison gratuite à Moscou pour chaque client !
L'action qui se déroule sur scène est soit une répétition, soit la vraie vie. Le spectateur, regardant de côté, décide lui-même qui il est - un témoin tiers ou, après tout, un participant direct. Les destins vécus sur scène sont familiers, les émotions sont authentiques, les paroles sont sincères, les personnages sont reconnaissables. Parce que chacun de nous a sa propre « maison de fous ».
Extrait de la pièce
