La naissance de la Renaissance en France
La culture de la Renaissance française est née et s'est développée pendant la période de l'achèvement de l'unification du royaume, du développement du commerce et de la transformation de Paris en un centre politique et culturel, vers lequel gravitent les provinces les plus reculées et les plus reculées.
La renaissance de la culture ancienne a reçu une grande attention et un grand soutien de la part de la maison royale et de la riche noblesse. Le patronage de la nouvelle génération de personnes instruites était assuré par la reine Anne de Bretagne et le roi François Ier, qui leur détourna plus d'une fois l'épée vengeresse de l'Église, était un généreux mécène des arts et un bon ami. Anne de Bretagne a créé un cercle littéraire unique, dont les traditions se sont développées dans les activités du cercle plus célèbre de la sœur unique et bien-aimée du roi, Marguerite de Navarre, qui jouissait invariablement du patronage de François. L'un des ambassadeurs italiens, qui se trouvait à la cour de François Ier, a déclaré que « le roi a passé plus d'un an à fabriquer des bijoux, des meubles, à construire des châteaux et à aménager des jardins ».
Littérature
Poésie
Le fondateur de la nouvelle poésie française fut Clément Marot, le poète le plus talentueux de ces décennies. Maro revient d'Italie après avoir été grièvement blessé à la bataille de Pavie. Boiteux et infirme, il fut jeté en prison suite à une dénonciation et aurait été exécuté sans l'intercession de Margarita. Il étudia la philosophie antique et fut très proche de la cour royale et du cercle littéraire de Marguerite de Navarre. Il est devenu l'auteur de nombreuses épigrammes et chansons. Les œuvres libres-pensées n'ont pas été vaines pour le poète. À deux reprises, il a fui la France. Les derniers jours du poète se terminent à Turin et la Sorbonne ajoute plusieurs de ses poèmes à la liste des poèmes interdits. Dans son œuvre, Maro cherche à dépasser l’influence italienne, à donner à ses poèmes une coloration nationale, un « éclat gaulois ».
Il y avait aussi une école de poésie à Lyon. Ses représentants n'ont pas été soumis à de graves persécutions. La poétesse Louise Labé appartient à l'école de Lyon.
Un phénomène important pour la littérature française fut l'œuvre de Marguerite de Navarre, qui écrivit un grand nombre d'œuvres poétiques reflétant la quête spirituelle de son époque. Le principal héritage de Margarita est un recueil de 72 nouvelles appelé "Heptameron", c'est-à-dire "Sept jours". L'essentiel de cet ouvrage a probablement été écrit entre et 1547, à une époque où Marguerite était très éloignée des préoccupations de la cour de Paris, de la « grande » politique de son frère, plongée dans la « petite » politique de son petit royaume. et dans les affaires familiales. Selon les contemporains, elle composait ses nouvelles en parcourant ses terres sur une civière. "Heptameron" de Marguerite de Navarre montre une conscience des contradictions tragiques entre les idéaux humains et la vie réelle.
Titre de l'édition du deuxième livre de "Gargantua et Pantagruel", Lyon, 1571.
Prose
L'une des œuvres les plus célèbres de la Renaissance française est peut-être le livre de François Rabelais "Gargantua et Pantagruel". Rabelais était un homme doué, et son talent était particulièrement évident dans l'écriture. Rabelais voyageait beaucoup, connaissait les coutumes des paysans, des artisans, des moines et des nobles. C'était un expert du langage courant. Dans son remarquable et unique roman, il fait une brillante satire des hommes de son temps.
Parallèlement, la littérature de la Renaissance française a absorbé les meilleurs exemples d'art populaire oral. Il reflétait les traits inhérents aux Français talentueux et épris de liberté : leur bonne humeur, leur courage, leur travail acharné et leur humour subtil.
Philologie
Au XVIe siècle, les bases de la langue littéraire et du style français sont posées. Le poète français Joachin du Bellay publie en 1549 un manifeste programmatique « Défense et glorification de la langue française ». Ce travail a réfuté l'affirmation selon laquelle seules les langues anciennes pouvaient incarner de hauts idéaux poétiques sous une forme digne, et a soutenu qu'à une certaine époque, les langues anciennes étaient grossières et sous-développées, mais c'est l'amélioration de la poésie et de la littérature qui en a fait ce ils sont devenus . La même chose se produira avec la langue française, il suffit de la développer et de l’améliorer. Du Bellay est devenu une sorte de centre pour unir ses personnes et amis partageant les mêmes idées. Pierre de Ronsard, qui en faisait partie, a inventé le nom de « Pléiades ». Le nom n'a pas été choisi par hasard : le groupe de sept poètes tragiques grecs antiques portait également le même nom. Ronsard a utilisé ce mot pour désigner les sept sommités poétiques du firmament littéraire de la France ; c'est une sorte d'école poétique française. Il comprenait Pierre de Ronsard, Joachin Du Bellay, Jean Antoine de Baif, Rémy Bellot. Ils abandonnèrent l'héritage du Moyen Âge et repensèrent leur attitude envers l'Antiquité. Déjà sous le roi Henri II, les Pléiades étaient reconnues par la cour et Ronsard devint poète de la cour. Il a joué dans divers genres - odes, sonnets, pastorales, impromptus.
Philosophie
La pensée philosophique en France à cette époque était le plus clairement représentée par Pierre de la Ramais, critique de l'aristotélisme scolastique. La thèse de Ramet « Tout ce que dit Aristote est faux » est devenue le point de départ de la nouvelle philosophie européenne. Ramais opposait les idées d'une méthode logique et orientée vers la pratique, qu'il appelait l'art de l'invention, au raisonnement déconnecté des scolastiques. Le moyen de créer une méthode devait être une nouvelle logique, dont Ramais a développé les principes dans son ouvrage « Dialectique ». Il fut l'un des plus grands mathématiciens de son temps et l'auteur d'un vaste ouvrage général, A Course in Mathematics.
Bonaventure Deperrier est l'une des figures les plus originales de la Renaissance. Il était philologue et traducteur et fut secrétaire de Marguerite de Navarre. En 1537, il publia anonymement un livre de dialogues satiriques, La Cymbale de la Paix. Le livre fut considéré comme hérétique et interdit. Deperrier fut déclaré « apostat de la foi juste » et il fut expulsé de la cour de Marguerite de Navarre. En conséquence, la persécution l’a conduit au suicide.
Le contemporain de Deperrier, Etienne Dolet, a défendu les malheureux envoyés au bûcher sous l'accusation de liens avec les mauvais esprits. Estimant que la connaissance des causes est le bien le plus élevé, Dole lui-même conclut que tout ce qui existe n'est pas né d'une volonté supérieure, mais en vertu de « causes actives nécessaires à cela ». Pendant un certain temps, le patronage d'individus nobles et riches a sauvé Dole de l'Inquisition. Cependant, en 1546, il fut accusé que sa traduction de Platon contredisait la doctrine chrétienne de l'immortalité de l'âme. Dole a été reconnu coupable et brûlé vif. Tous ses livres partagent le sort de l’auteur.
Humanisme
Guillaume Budet
L'un des humanistes français exceptionnels était Jacques Lefebvre d'Etaples. C'était un homme très instruit : encyclopédiste, philologue et philosophe, théologien, mathématicien, astronome. Il a fait ses études à Florence et est devenu le fondateur d'une école de mathématiciens et de cosmographes en France. A la fin du XVe - début du XVIe siècle d'Étaples publie des commentaires sur les œuvres d'Aristote, marqués par une volonté de porter un nouveau regard sur l'autorité du roi des philosophes, sanctifiée par la tradition. En 1512, il publie des commentaires sur les Épîtres de Paul, dans lesquels il justifie la nécessité d'une analyse critique des écrits des pères de la doctrine chrétienne. Il traduisit la Bible en français (jusqu'alors elle n'existait qu'en latin), mais cette traduction fut condamnée par la Sorbonne comme hérétique. Humaniste rêveur et tranquille, Lefebvre d'Etaples a eu peur des conséquences de ses propres idées lorsqu'il a compris ce qu'elles pouvaient conduire dans la pratique.
Autour d'Etaples se trouvaient des étudiants, partisans du christianisme, qui étudiaient les textes évangéliques, parmi lesquels se distinguait particulièrement le philologue Guillaume Budet, devenu l'un des dirigeants du mouvement humaniste en France. Homme aux perspectives les plus larges, il. a apporté une contribution significative à l'étude des mathématiques, des sciences naturelles, de l'art, de la philosophie, de la philologie romaine et grecque. Son ouvrage « Notes sur les 24 livres de Pandect » a jeté les bases d'une analyse philologique des sources du droit romain dans son essai. "Sur l'Asse et ses parties", l'idée de deux cultures s'est développée - ancienne et chrétienne, soucieux de la gloire de la France, il en a imputé la responsabilité aux dirigeants et aux personnes influentes. Il a même écrit le livre "Admonitions". au Souverain. » Grâce à Budet, une bibliothèque fut créée à Fontainebleau, puis transférée à Paris, et elle devint la base de la Bibliothèque nationale de France. Budet discuta beaucoup et sérieusement avec le roi François, qui était sous lui. influence fonda le Collège Royal de Paris - les langues grecques, latines et hébraïques commencèrent à y être enseignées.
La période de développement de l'humanisme en France fut courte et son chemin devint très vite épineux. En Europe, la réaction catholique s'est intensifiée. Depuis le milieu des années 30 du XVIe siècle, la Sorbonne, effrayée par les succès de l'humanisme, s'oppose à ses représentants. L'attitude des autorités royales françaises et de la cour envers les humanistes évolue également. De protecteur, le pouvoir royal se mue en persécuteur de la libre pensée. De grands humanistes français - Bonaventure Deperrier, Etienne Dolet, Clément Marot - sont victimes de persécutions.
Théâtre
Le théâtre français de la Renaissance n'atteint pas le niveau de l'Italie, de l'Espagne et de l'Angleterre. Etienne Jodel devient le metteur en scène de la première tragédie française de style « classique », c'est-à-dire antique. Cette tragédie s'appelait « Cléopâtre captive ».
Architecture
L'architecture du début de la Renaissance en France était fortement influencée par l'Italie. Développant les traditions gothiques, les architectes français créent un nouveau type de structures architecturales : le château de François Ier à Blois, les châteaux d'Azay-le-Rideau, Chenonceau, Chambord. Durant cette période, diverses décorations de bâtiments furent très largement utilisées. Le summum de l’architecture de la Renaissance fut la construction du nouveau palais royal, le Louvre. Elle a été construite par l'architecte Pierre Lescaut et le sculpteur Jean Goujon. Goujon a reçu sa formation artistique initiale en France. Puis il voyage beaucoup en Italie, où il étudie la sculpture ancienne. De retour en France, il sculpte sa première œuvre célèbre : une statue connue sous le nom de « Diane ». C'était un portrait distinctif de Diane de Poitiers, duchesse de Valentois. La statue ornait le château d'Ane. Diane est représentée nue et allongée, un arc à la main, appuyée sur le cou d'un cerf. Ses cheveux sont rassemblés en tresses dans lesquelles sont tissées des pierres précieuses, et à côté d'elle se trouve un chien. Le roi apprécia tellement cette sculpture qu'il confia à Goujon d'autres œuvres sculpturales au château d'Anet. Goujon a également décoré de statues le château d'Ecutanes, l'hôtel Carnavalet à Paris, l'Hôtel de Ville de Paris, dans lequel les panneaux « Douze Mois » sculptés par un maître dans le bois attiraient l'attention, puis le portail Saint-Antoine aux quatre magnifiques bas- reliefs « Seine », « Marne », « Oise » et « Vénus sortant des flots ». Toutes ces œuvres sont aujourd'hui au Louvre. Pour l'Église franciscaine, Goujon a sculpté le bas-relief « Descente de croix » enfin, son œuvre appartient à la « Fontaine des Nymphes » à Paris. Cette fontaine est toujours considérée comme la meilleure œuvre de l'architecture française.
art
L'intérêt humaniste pour l'homme s'est également manifesté dans les beaux-arts, notamment dans le portrait. L'expression solennelle des visages et la majesté des poses dans les portraits de Jean Clouet se conjuguent à la netteté des traits individuels. Les portraits de François Clouet sont également intéressants.
La science
Bernard Palissy
Les problèmes des sciences naturelles ont été développés par Bernard Palissy. Il était un éminent chimiste et a découvert une méthode de fabrication de céramiques émaillées colorées. Les réalisations dans le domaine des mathématiques étaient élevées. Le théorème de François Vieta, un mathématicien talentueux qui a vécu à cette époque, est encore étudié aujourd'hui dans les écoles. Dans le domaine de la médecine, Ambroise Paré a joué un rôle majeur en faisant de la chirurgie une discipline scientifique.
Galerie
Littérature
- Bobkova, M.S. Renaissance française : Début des temps modernes, livre de lecture d’histoire. Moscou, 2006.
Liens
La Renaissance fut une étape importante dans le développement de la culture française. A cette époque, les relations bourgeoises se développaient rapidement dans le pays et le pouvoir monarchique se renforçait. L’idéologie religieuse du Moyen Âge est progressivement reléguée au second plan par la vision humaniste du monde. L'art profane commence à jouer un rôle majeur dans la vie culturelle de la France. Le réalisme de l'art français, son lien avec la connaissance scientifique et son appel aux idées et aux images de l'Antiquité le rapprochent de l'art italien. Dans le même temps, la Renaissance en France a une apparence unique, dans laquelle l'humanisme de la Renaissance se conjugue avec des éléments de tragédie nés des contradictions de la situation actuelle du pays.
À la suite de nombreuses défaites de la France lors de la guerre de Cent Ans avec l'Angleterre, qui dura de 1337 à 1453, l'anarchie féodale régna dans le pays. La paysannerie, écrasée par des impôts insupportables et par les atrocités des occupants, se soulève pour combattre ses oppresseurs. Le mouvement de libération éclate avec une force particulière au moment où les troupes britanniques, qui s'étaient emparées du nord de la France, se dirigent vers Orléans. Les sentiments patriotiques ont abouti à la performance des paysans et des chevaliers français sous la direction de Jeanne d'Arc contre les troupes anglaises. Les rebelles ont remporté plusieurs brillantes victoires. Le mouvement ne s'est pas arrêté même lorsque Jeanne d'Arc a été capturée et, avec le consentement tacite du roi de France Charles VII, brûlée vive par le clergé.
Grâce à la longue lutte du peuple contre les envahisseurs étrangers, la France a été libérée. La monarchie utilisa cette victoire à ses propres fins, mais la situation du peuple victorieux resta difficile.
Dans la seconde moitié du XVe siècle. Grâce aux efforts de Louis XI, la France devient politiquement unifiée. L'économie du pays se développe, la science et l'éducation s'améliorent, des relations commerciales s'établissent avec d'autres États et notamment avec l'Italie, à partir de laquelle la culture pénètre en France. En 1470, une imprimerie fut ouverte à Paris, où, avec d'autres livres, ils commencèrent à imprimer les œuvres d'humanistes italiens.
L'art des miniatures de livres se développe, dans lequel les images mystiques et religieuses sont remplacées par des idées réalistes sur le monde qui nous entoure. Les artistes talentueux déjà évoqués plus haut - les frères Limburg - travaillent à la cour du duc de Bourgogne. Des maîtres hollandais célèbres ont travaillé en Bourgogne (peintres des frères Van Eyck, sculpteur Sluter), donc dans cette province l'influence de la Renaissance hollandaise est perceptible dans l'art des maîtres français, tandis que dans d'autres provinces, par exemple en Provence, l'influence de l'Italie La Renaissance s'accroît.
L'un des plus grands représentants de la Renaissance française était l'artiste Enguerrand Charonton, qui a travaillé en Provence, qui a peint des toiles monumentales et de composition complexe dans lesquelles, malgré le thème religieux, exprimaient clairement un intérêt pour l'homme et la réalité qui l'entourait (« Madone de Miséricorde », « Couronnement de Marie », 1453). Bien que les peintures de Sharonton se distinguent par leur caractère décoratif (lignes raffinées se connectant à un ornement fantaisiste, composition symétrique), les scènes quotidiennes détaillées, les paysages et les figures humaines y occupent une place importante. Sur les visages des saints et de Marie, le spectateur peut lire les sentiments et les pensées qui les possèdent et en apprendre beaucoup sur le caractère des héros.
Le même intérêt pour le paysage, à transmettre soigneusement tous les détails de la composition, distingue les œuvres d'autel d'un autre artiste provençal - Nicolas Froment (« La Résurrection de Lazare », « Le Buisson ardent », 1476).
Les caractéristiques du nouveau dans l'art français se sont particulièrement clairement manifestées dans le travail des artistes de l'école de la Loire, qui ont travaillé dans le centre de la France (dans la vallée de la Loire). De nombreux représentants de cette école vivaient dans la ville de Tours, où au XVe siècle. était la résidence du roi de France. L'un des peintres les plus marquants de cette époque, Jean Fouquet, résidait à Tours.
Jean Fouquet
Jean Fouquet est né vers 1420 à Tours dans une famille de prêtre. Il étudie la peinture à Paris et éventuellement à Nantes. Il travaille à Tours comme artiste de la cour du roi Charles VII, puis de Louis XI. Il possédait un grand atelier dans lequel étaient exécutées les commandes de la cour royale.
Fouquet vécut plusieurs années en Italie, à Rome, où il se familiarisa avec le travail des maîtres italiens. Mais, malgré le fait que l'influence de l'art italien et néerlandais soit perceptible dans ses œuvres, en particulier dans ses premières œuvres, l'artiste a rapidement développé son propre style unique.
L'art de Fouquet s'est manifesté le plus clairement dans le genre du portrait. Les portraits réalisés par l'artiste de Charles VII et de ses ministres sont réalistes et véridiques, il n'y a ni flatterie ni idéalisation en eux. Bien que la manière d'exécuter ces œuvres rappelle à bien des égards les peintures des peintres hollandais, les portraits de Fouquet sont plus monumentaux et significatifs.
Le plus souvent, Fouquet a représenté ses modèles dans des moments de prière, de sorte que les héros de ses œuvres semblent plongés dans leurs propres pensées, ils ne semblent pas remarquer ce qui se passe autour d'eux ni du public. Ses portraits ne se distinguent pas par la pompe cérémonielle et le luxe des accessoires ; les images qu'ils contiennent sont ordinaires, prosaïques et gothiquement statiques.
Le portrait de Charles VII (vers 1445) porte l'inscription : « Roi très victorieux de France ». Mais Fouquet a dépeint le roi de manière si fiable et véridique qu'il n'y a absolument aucune indication de sa victoire : le tableau montre un homme frêle et laid, dans l'apparence duquel il n'y a rien d'héroïque. Le spectateur voit devant lui un égoïste, marre de la vie et fatigué du divertissement, avec de petits yeux, un grand nez et des lèvres charnues.
Le portrait de l'un des courtisans les plus influents du roi, Juvenel des Urzens, est également véridique et même impitoyable.
(vers 1460). Le tableau représente un homme obèse au visage gonflé et à l’air suffisant. Le portrait de Louis XI est également réaliste. L'artiste n'a en aucun cas cherché à embellir ses modèles ; il les a représentés exactement tels qu'ils étaient dans la vie.
Ceci est confirmé par de nombreux dessins au crayon qui ont précédé les portraits peints.
Le chef-d'œuvre de Fouquet est un diptyque écrit vers 1450, dont une partie représente Etienne Chevalier avec Saint. Stephen, et de l'autre - la Madone et l'Enfant Jésus. Maria surprend par sa grâce et sa beauté calme. Les corps pâles de la Vierge à l'Enfant, la robe bleu-gris et la robe hermine de Marie contrastent fortement avec les figures rouge vif des petits anges entourant le trône. Les lignes claires, la coloration laconique et stricte du tableau confèrent à l'image solennité et expressivité.
Les images de la deuxième partie du diptyque se distinguent par la même clarté stricte et la même profondeur intérieure. Ses personnages sont réfléchis et calmes, leurs apparitions reflètent des traits de caractère brillants. Stephen se tient librement et simplement, représenté comme une personne réelle et non comme un saint. Sa main repose de manière protectrice sur l'épaule d'Etienne Chevalier, légèrement gêné, représenté par l'artiste au moment de la prière.
Le Chevalier est un homme âgé au visage criblé de rides, au nez crochu et au regard sévère dans de petits yeux. C'est probablement exactement à quoi il ressemblait dans la vie. Comme le tableau avec la Madone, cette partie du diptyque se distingue par l'intégrité de la composition, la richesse et la sonorité de la couleur, basée sur des nuances rouges, dorées et lilas.
Les miniatures occupent une grande place dans l'œuvre de Fouquet. Ces œuvres de l'artiste ressemblent beaucoup aux œuvres des frères Limburg, mais sont plus réalistes dans leur représentation du monde qui les entoure.
Fouquet a créé de magnifiques illustrations pour les « Grandes Chroniques françaises » (fin des années 1450), le Livre d’heures d’Etienne Chevalier (1452-1460), les « Nouvelles » de Boccace (vers 1460), les « Antiquités des Juifs » de Josèphe (vers 1470). Dans les miniatures représentant des scènes religieuses, antiques ou de la vie italienne, on peut discerner les villes françaises contemporaines de l'artiste avec des rues calmes et de grandes places, des prairies, des collines, des rives des rivières de la belle patrie de l'artiste et de merveilleux monuments architecturaux de France, dont la cathédrale Notre-Dame. et Sainte-Chapelle.
Les miniatures contiennent presque toujours des figures humaines. Fouquet aimait représenter des scènes de la vie paysanne, urbaine, de cour, ainsi que des épisodes de batailles de la guerre récemment terminée. Sur certaines miniatures, on peut voir des portraits des contemporains de l’artiste (« Représentation de Notre-Dame par Etienne Chevalier »).
Fouquet est un chroniqueur talentueux ; ses œuvres décrivent des événements historiques avec une précision, des détails et une vérité étonnants. Il s'agit de la miniature « Le procès du duc d'Alençon en 1458 », représentant plus de deux cents personnages sur une feuille. Malgré le grand nombre de personnages, l’image ne fusionne pas et la composition reste claire et nette. Les personnages au premier plan semblent particulièrement vivants et naturels : les citadins venus assister au procès, les gardes retenant la pression de la foule. La palette de couleurs est très réussie : la partie centrale de la composition est mise en valeur par le fond bleu du tapis qui recouvre le siège du procès. D'autres tapis aux beaux motifs, tapisseries et plantes soulignent l'expressivité de la miniature et lui confèrent une beauté particulière.
Les œuvres de Fouquet témoignent de la capacité de leur auteur à rendre magistralement l'espace. Par exemple, sa miniature « St. Martin" (Livre d'Heures d'Étienne Chevalier) représente le pont, la digue, les maisons et les ponts avec une telle précision et authenticité qu'il est facile de reconstituer l'apparence de Paris sous le règne de Charles VII.
De nombreuses miniatures de Fouquet se distinguent par leur lyrisme subtil, créé grâce au paysage poétique et calme (fiche « David apprend la mort de Saül » des « Antiquités des Juifs »).
Fouquet est mort entre 1477-1481. Très populaire de son vivant, l’artiste fut vite oublié de ses compatriotes. Son art n'a reçu une évaluation digne que plusieurs années plus tard, à la fin du XIXe siècle.
L'un des artistes les plus célèbres de la fin du XVe siècle. était Jean Clouet l'Ancien, également connu sous le nom de Maître de Moulins. Jusqu'en 1475, il travaille à Bruxelles, puis s'installe à Moulins. Vers 1498-1499 Jean Clouet l'Ancien a réalisé son œuvre la plus significative - un triptyque pour la cathédrale de Moulins, sur la porte centrale de laquelle est présentée la scène "Notre-Dame en Gloire", et sur le côté - des portraits de clients avec des saints patrons.
La partie centrale représente la Vierge à l'Enfant, au-dessus de la tête desquels des anges tiennent une couronne. Clouet a probablement utilisé une jeune fille française, fragile et jolie, comme modèle pour l’image de Maria de l’artiste. Dans le même temps, l'abstraction du concept de l'auteur et les effets décoratifs (cercles concentriques autour de Marie, anges formant guirlande le long des bords de la toile) confèrent à l'œuvre une certaine ressemblance avec l'art gothique.
Les beaux paysages que Jean Clouet l'Ancien place dans des compositions à thèmes religieux sont d'un grand intérêt. À côté des figures de saints dans ces œuvres se trouvent des portraits de clients. Par exemple, dans la toile « La Nativité » (1480), à droite de Marie, on peut voir le chancelier Rolin croiser les mains en prière.
Dans la seconde moitié du XVe siècle. Simon Marmion a également travaillé en France, où il a réalisé de nombreuses compositions d'autel et miniatures, parmi lesquelles son œuvre la plus célèbre est l'illustration des « Grandes Chroniques françaises », et Jean Bourdichon, portraitiste et miniaturiste qui a créé de magnifiques miniatures pour le Livre de Heures d'Anne de Bretagne.
Le plus grand artiste de cette époque était Jean Perreal, qui dirigeait l'école de peinture de Lyon. Il n'était pas seulement artiste, mais aussi écrivain, architecte et mathématicien. Sa renommée dépasse la France et s’étend à l’Angleterre, à l’Allemagne et à l’Italie. Perreal a servi sous le roi Charles VIII et François Ier, et à Lyon, il a exercé les fonctions d'expert en construction. Un certain nombre de ses portraits ont été conservés, notamment le portrait de Mary Tudor (1514), de Louis XII et de Charles VIII. L'une des meilleures œuvres de Perreal est la charmante et poétique "Fille à la fleur". Ses peintures de la cathédrale du Puy sont également intéressantes, sur lesquelles, à côté d'images religieuses et antiques, l'artiste a placé des portraits d'humanistes français, parmi lesquels se distingue l'image d'Erasme de Rotterdam.
Au début du XVIe siècle. La France était le plus grand État (en termes de superficie et de population) d’Europe occidentale. A cette époque, la situation des paysans s'était quelque peu améliorée et les premières formes de production capitalistes étaient apparues. Mais la bourgeoisie française n’avait pas encore atteint le niveau lui permettant d’occuper des positions de pouvoir dans le pays, comme ce fut le cas dans les villes italiennes aux XIVe et XVe siècles.
Cette époque a été marquée non seulement par les transformations de l'économie et de la politique de la France, mais aussi par la large diffusion des idées humanistes de la Renaissance, qui étaient le plus pleinement représentées dans la littérature, dans les œuvres de Ronsard, Rabelais, Montaigne et Du Bellay. Montaigne, par exemple, considérait l'art comme le principal moyen d'éducation humaine.
Comme en Allemagne, le développement de l’art est étroitement lié au mouvement réformateur dirigé contre l’Église catholique. Les paysans mécontents de leur situation, ainsi que les classes populaires urbaines et la bourgeoisie participent à ce mouvement. Après une longue lutte, il fut supprimé, le catholicisme conserva sa position. Même si la Réforme n’a eu qu’un impact limité sur l’art, ses idées ont pénétré parmi les artistes humanistes. De nombreux peintres et sculpteurs français étaient protestants.
Les centres de la culture de la Renaissance étaient des villes comme Paris, Fontainebleau, Tours, Poitiers, Bourges et Lyon. Le roi François Ier a joué un rôle majeur dans la diffusion des idées de la Renaissance, invitant des artistes, poètes et scientifiques français à sa cour. Léonard de Vinci et Andrea del Sarto ont travaillé plusieurs années à la cour royale. Poètes et écrivains humanistes se sont unis autour de la sœur de François, Marguerite de Navarre, engagée dans des activités littéraires promouvant de nouvelles visions de l’art et de l’ordre mondial. Dans les années 1530. Les maniéristes italiens fondèrent à Fontainebleau une école de peinture laïque, qui eut une influence significative sur le développement des beaux-arts français.
Une place importante dans la peinture de la France dans la première moitié du XVIe siècle. occupé par l'art des artistes Giovanni Battista Rosso, Niccolo del Abbate et Francesco Primaticcio invités d'Italie pour peindre le palais royal de Fontainebleau. La place centrale dans leurs fresques était occupée par des sujets mythologiques, allégoriques et historiques, qui comprenaient des images de figures féminines nues, introuvables dans les peintures des maîtres français de l'époque. L'art raffiné et gracieux, bien que quelque peu maniéré, des Italiens a eu une grande influence sur de nombreux artistes français, qui ont donné naissance à un mouvement appelé l'école de Fontainebleau.
L'art du portrait de cette période présente un grand intérêt. Les portraitistes français perpétuent les meilleures traditions des maîtres du XVe siècle, et surtout Jean Fouquet et Jean Clouet l'Ancien.
Les portraits n'étaient pas seulement répandus à la cour ; les images au crayon servaient de photographies modernes dans de nombreuses familles françaises. Ces dessins se distinguaient souvent par leur virtuosité d'exécution et leur authenticité dans la transmission des traits de caractère humain.
Les portraits au crayon étaient populaires dans d'autres pays européens, par exemple en Allemagne et aux Pays-Bas, mais là-bas, ils jouaient le rôle d'un croquis précédant un portrait peint, et en France, de telles œuvres sont devenues un genre indépendant.
Le plus grand portraitiste français de cette époque était Jean Clouet le Jeune.
Jean Clouet le Jeune
Jean Clouet le Jeune, fils de Jean Clouet l'Ancien, né c. 1485 Son père devient son premier professeur de peinture. Peu d'informations sur la vie de l'artiste ont été conservées ; on sait seulement qu'à partir de 1516 Jean Clouet le Jeune travailla à Tours, et à partir de 1529 à Paris, où il occupa le poste d'artiste de la cour.
Les portraits de Jean Clouet le Jeune sont étonnamment authentiques et véridiques. Ce sont les images au crayon des courtisans : Diane de Poitiers, Guillaume Gouffier, Anne Montmorency. L'artiste a peint à plusieurs reprises certains associés du roi : trois portraits de Guyot de Genouillac, participant à la bataille de Marignano, exécutés en 1516, 1525 et 1526, et deux portraits du maréchal de Brissac, datant de 1531 et 1537, ont a survécu jusqu'à ce jour. L’un de ses meilleurs portraits au crayon est l’image du comte d’Etang (vers 1519), dans laquelle on remarque le désir du maître de pénétrer dans les profondeurs.
le monde intérieur de l'homme. Le portrait d'Érasme de Rotterdam (1520) est également remarquable, étonnamment vital et spirituel.
Jean Clouet le Jeune maîtrisait parfaitement non seulement le crayon, mais aussi le pinceau. Ceci est prouvé par les quelques peintures qui ont survécu à ce jour. Parmi eux se trouvent un portrait du dauphin François (vers 1519), du duc Claude de Guise (vers 1525), de Louis de Clèves (1530).
Les images des portraits solennels de cérémonie de la petite Charlotte de France (vers 1520) et de François Ier à cheval (1540) sont quelque peu idéalisées. D'un grand intérêt est le portrait intime de Madame
Canapelle (vers 1523), représentant une femme d'une beauté sensuelle avec un sourire narquois sur ses lèvres tendres, et un portrait simple et sévère d'un inconnu avec un volume de Pétrarque à la main.
Certains chercheurs pensent que le portrait de François Ier, actuellement conservé au Louvre, a été peint par Jean Clouet le Jeune. Cette version est confirmée par un dessin réalisé par l'artiste, même s'il est possible qu'il ait servi de modèle à l'un des élèves de Jean Clouet le Jeune (par exemple, son fils François Clouet) pour réaliser un portrait pittoresque du roi.
Le portrait de François Ier au Louvre combinait solennité, caractère décoratif et désir de refléter les caractéristiques individuelles du modèle - le roi chevalier, comme l'appelaient François par ses contemporains. La splendeur du décor et la riche tenue du roi, l'éclat des accessoires - tout cela donne de la splendeur au tableau, mais n'éclipse pas la diversité des sentiments humains et des traits de caractère qui se lisent dans le regard de François : la trahison , vanité, ambition, courage. Le portrait montrait les capacités d'observation de l'artiste, sa capacité à remarquer avec précision et vérité ce qui distingue une personne d'une autre.
Jean Clouet le Jeune mourut en 1541. Son œuvre (en particulier ses dessins) eut une grande influence sur de nombreux étudiants et disciples, parmi lesquels le plus talentueux était peut-être son fils François Clouet, que Ronsard dans son «Élégie à Jean» (les contemporains de Jean appelaient tous représentants de la famille Clouet) appelé « l'honneur de notre France ».
François Clouet
François Clouet est né vers 1516 à Tours. Il étudie avec son père, Jean Clouet le Jeune, et l'aide à exécuter les commandes. Après la mort de son père, il hérite de son poste de peintre de la cour du roi.
Bien que l'influence de Jean Clouet le Jeune, ainsi que des maîtres italiens, soit perceptible dans l'œuvre de François Clouet, son style artistique se distingue par son originalité et sa forte individualité.
L'une des meilleures œuvres de François Clouet est le tableau « Femme au bain » (vers 1571), qui par sa manière d'exécution rappelle un peu la peinture de l'école de Fontainebleau. En même temps, contrairement aux compositions mythologiques de cette école, elle gravite vers le genre du portrait. Certains historiens de l'art pensent que le tableau représente Diane de Poitiers, tandis que d'autres pensent qu'il s'agit de la bien-aimée de Charles IX, Marie Touchet. La composition contient des éléments de genre : le tableau représente une femme dans une baignoire, à côté de laquelle se tiennent un enfant et une nourrice avec un bébé dans les bras ; à l'arrière-plan, une femme de ménage chauffe l'eau pour se baigner. En même temps, grâce à la structure de composition particulière et au portrait évident dans l'interprétation de l'image d'une jeune femme regardant le spectateur avec le sourire froid d'une brillante dame du monde, la toile ne donne pas l'impression d'une scène quotidienne ordinaire. .
Le talent remarquable de François Clouet est évident dans ses portraits. Ses premiers portraits rappellent à bien des égards les œuvres de son père, Jean Clouet le Jeune. Dans des œuvres plus matures, on ressent le style original du maître français. Bien que la plupart de ces portraits se distinguent par leur faste et leur solennité, l'éclat des accessoires et le luxe des costumes et des draperies n'empêchent pas l'artiste de présenter au spectateur les caractéristiques très individuelles de ses modèles.
Plusieurs portraits de Charles IX peints par François Clouet ont survécu. Dans un premier portrait au crayon de 1559, l’artiste représentait un adolescent suffisant, regardant le spectateur d’un air important. Le dessin de 1561 montre un jeune homme renfermé, légèrement enchaîné, vêtu d'un costume formel. Le portrait pittoresque, exécuté en 1566, montre au spectateur Charles IX en pleine croissance. Dans sa silhouette fragile et son visage pâle, l'artiste a remarqué les principaux traits de son caractère : indécision, manque de volonté, irritabilité, entêtement égoïste.
Une des œuvres les plus remarquables de l'art français du XVIe siècle. Le portrait d'Élisabeth d'Autriche, peint par François Clouet vers 1571, est devenu un portrait pittoresque. Le tableau représente une jeune femme vêtue d'une magnifique robe, ornée de bijoux étincelants. Son beau visage est tourné vers le spectateur et ses yeux sombres expressifs semblent méfiants et méfiants. La richesse et l'harmonie des couleurs font de la toile un véritable chef-d'œuvre de la peinture française.
Un portrait intime a été peint d'une manière différente, dans lequel François Clouet met en scène son ami le pharmacien Pierre Mignon.
(1562). L'artiste a placé le héros dans son environnement de bureau habituel, près de la table sur laquelle repose l'herbier. Par rapport à l'œuvre précédente, le tableau se distingue par une palette de couleurs plus sobre, construite sur une combinaison de nuances dorées, vertes et noires.
Les portraits au crayon de François Clouet sont d'un grand intérêt, parmi lesquels se distingue le portrait de Jeanne d'Albret, représentant une jeune fille élégante, dans le regard de laquelle le spectateur peut prendre un caractère fort et décisif.
Entre 1550 et 1560, François Clouet réalise de nombreux portraits graphiques, dont de beaux dessins représentant le petit François II, la vive et charmante Marguerite de Valois, Marie Stuart,
Gaspard Coligny, Henri II. Même si certaines images sont quelque peu idéalisées, la principale caractéristique des portraits reste leur réalisme et leur véracité. L'artiste utilise diverses techniques : sanguine, aquarelle, petits et légers traits.
François Clouet meurt en 1572 à Paris. Son art a eu une grande influence sur les artistes et graphistes contemporains, ainsi que sur les maîtres français des générations suivantes.
Un excellent portraitiste était Corneille de Lyon, qui travaillait à Lyon, qui peignait des images féminines subtiles et spirituelles (« Portrait de Béatrice Pacheco », 1545 ; « Portrait de la reine Claude »), se distinguant par un dessin presque miniature et des glacis subtils et sonores. couleurs.
Les portraits simples et sincères d'enfants et d'hommes de Corneille de Lyon se caractérisent par la capacité de révéler la profondeur du monde intérieur du modèle, la véracité et le naturel des poses et des gestes (« Portrait d'un garçon », « Portrait d'un homme inconnu avec un Barbe Noire »).
Du milieu du 16ème siècle. De talentueux portraitistes au crayon ont travaillé en France : B. Foulon, F. Quesnel, J. Decourt, qui ont perpétué les traditions du célèbre François Clouet. D'excellents portraitistes qui travaillaient dans les techniques graphiques étaient les frères Etienne et Pierre Dumoustier.
Le début de la Renaissance française remonte au milieu du XVe siècle. Elle a été précédée par le processus de formation de la nation française et la formation d'un État national. Sur le trône royal se trouve le représentant de la nouvelle dynastie - les Valois. Les campagnes des rois de France en Italie ont fait découvrir aux artistes les réalisations de l'art italien. Les traditions gothiques et les tendances artistiques hollandaises sont supplantées par la Renaissance italienne. La Renaissance française avait le caractère d’une culture de cour dont les bases furent posées par des rois protecteurs à commencer par Charles Quint.
Le peintre de la cour de Charles VII et de Louis XI, Jean Fouquet (1420-1481), est considéré comme le plus grand créateur de la première Renaissance. Il est aussi appelé le grand maître de la Renaissance française. Il fut le premier en France à incarner de manière cohérente les principes esthétiques du Quattrocento italien, qui supposaient avant tout une vision claire et rationnelle du monde réel et une compréhension de la nature des choses par la connaissance de ses lois internes. La majeure partie du patrimoine créatif de Fouquet est constituée de miniatures de livres d'heures. En outre, il peint des paysages, des portraits et des peintures de sujets historiques. Fouquet était le seul artiste de son temps à posséder une vision épique de l'histoire, dont la grandeur était à la mesure de la Bible et de l'Antiquité.
Au début du XVIe siècle, la France devient le plus grand État absolutiste d’Europe occidentale. La cour royale devint le centre de la vie culturelle, et les premiers connaisseurs et connaisseurs de la beauté furent ses proches et la suite royale. Sous François Ier, admirateur du grand Léonard de Vinci, l’art italien devient la mode officielle. Les maniéristes italiens Rosso et Primaticcio, invités par Marguerite de Navarre, sœur de François Ier, fondèrent l'école de Fontainebleau en 1530. Ce terme est habituellement utilisé pour décrire un mouvement de la peinture française né au XVIe siècle au château de Fontainebleau. De plus, il est utilisé en relation avec des œuvres sur des sujets mythologiques, parfois voluptueux, et pour des allégories complexes créées par des artistes inconnus et remontant également au maniérisme. L'École de Fontainebleau est devenue célèbre pour la création de majestueuses peintures décoratives des ensembles du château.
Au XVIe siècle, les bases de la langue littéraire et du style français sont posées. Le poète français Joachin Du Bellay (vers 1522-1560) publia en 1549 un manifeste programmatique intitulé « La défense et la glorification de la langue française ». Lui et le poète Pierre de Ronsard (1524-1585) furent les représentants les plus éminents de l'école poétique française de la Renaissance - les « Pléiades », qui se proposaient d'élever la langue française au même niveau que les langues classiques. - Grec et latin. Les poètes des Pléiades étaient guidés par la littérature ancienne.
Parmi les représentants marquants de la Renaissance française figurait également l'écrivain humaniste français François Rabelais (1494-1553). Son roman satirique « Gargantua et Pantagruel » est un monument culturel encyclopédique de la Renaissance française. L'ouvrage est basé sur des livres populaires sur les géants qui étaient répandus au XVIe siècle (les géants Gargantua, Pantagruel, le chercheur de vérité Panurge). Rejetant l'ascèse médiévale, les restrictions à la liberté spirituelle, l'hypocrisie et les préjugés, Rabelais révèle les idéaux humanistes de son temps dans les images grotesques de ses héros.
Le grand philosophe humaniste Michel de Montaigne (1533-1592) mit fin au développement culturel de la France au XVIe siècle. Le livre d'essais, marqué par la libre pensée et une sorte d'humanisme sceptique, présente un ensemble de jugements sur les mœurs quotidiennes et les principes du comportement humain dans diverses circonstances. Partageant l'idée du plaisir comme but de l'existence humaine, Montaigne l'interprète dans l'esprit épicurien - acceptant tout ce que la nature a donné à l'homme.
Art français des XVIe-XVIIe siècles. basé sur les traditions de la Renaissance française et italienne. Les peintures et graphismes de Fouquet, les sculptures de Goujon, les châteaux du temps de François Ier, le palais de Fontainebleau et le Louvre, la poésie de Ronsard et la prose de Rabelais, les expériences philosophiques de Montaigne, tout porte la marque de une compréhension classique de la forme, une logique stricte, un rationalisme et un sens développé de la grâce.
La naissance de la Renaissance en France[modifier | modifier le code]
François Ier et sa sœur Marguerite de Navarre.
La culture de la Renaissance française est née et s'est développée pendant la période de l'achèvement de l'unification du royaume, du développement du commerce et de la transformation de Paris en un centre politique et culturel, vers lequel gravitent les provinces les plus reculées et les plus reculées.
Depuis le XVIe siècle, la cour royale française est devenue l'une des cours les plus brillantes d'Europe occidentale. En raison de son talent poétique et de sa capacité à apprécier la capacité des autres à utiliser la plume, le roi François Ier était surnommé le « père des belles lettres ». Sous l'influence des campagnes d'Italie, le roi de France, sa sœur Marguerite de Navarre et leur entourage ont commencé à accorder une grande attention au patrimoine antique - les œuvres d'auteurs anciens, la sculpture ancienne et la langue latine classique.
Depuis la fin du XVe siècle, de nombreux poètes, écrivains, artistes et philologues italiens célèbres sont venus en France. Parmi eux se trouvaient le poète Fausto Andrellini, le scientifique grec John Lascaris, le philologue Jules César Scaliger, les historiographes de Seyssel et Paul Aemilius. Sous l'influence italienne, François Ier décide de construire et de décorer plusieurs de ses châteaux. Il s'entoure d'artistes invités de la péninsule des Apennins. Le brillant artiste et scientifique italien des XVe-XVIe siècles Léonard de Vinci, arrivé en France après la bataille de Marignano et mort au château d'Amboise, a été remplacé par l'artiste italien Andrea del Sarto, le sculpteur Francesco Primaticci, Rosso Fiorentino et bien d’autres serviteurs de la beauté.
Anne de Breton.
Les jeunes hommes issus de familles nobles et riches affluaient en Italie pour se familiariser avec les richesses de la culture italienne.
La renaissance de la culture ancienne a reçu une grande attention et un grand soutien de la part de la maison royale et de la riche noblesse. Le patronage de la nouvelle génération de personnes instruites était assuré par la reine Anne de Bretagne et le roi François Ier, qui leur détourna plus d'une fois l'épée vengeresse de l'Église, était un généreux mécène des arts et un bon ami. Anne de Bretagne a créé un cercle littéraire unique, dont les traditions se sont développées dans les activités du cercle plus célèbre de la sœur unique et bien-aimée du roi, Marguerite de Navarre, qui jouissait invariablement du patronage de François. L’un des ambassadeurs italiens, qui se trouvait à la cour de François Ier, a déclaré que « le roi a dépensé au cours d’une année plus d’une somme en bijoux, en meubles, en construction de châteaux et en aménagement de jardins ».
Littérature modifier le code]
Poésie[modifier | modifier le code]
Clément Marot.
Le fondateur de la nouvelle poésie française fut Clément Marot, le poète le plus talentueux de ces décennies. Maro revient d'Italie après avoir été grièvement blessé à la bataille de Pavie. Boiteux et infirme, il fut jeté en prison suite à une dénonciation et aurait été exécuté sans l'intercession de Margarita. Il étudia la philosophie antique et fut très proche de la cour royale et du cercle littéraire de Marguerite de Navarre. Il est devenu l'auteur de nombreuses épigrammes et chansons. Les œuvres libres-pensées n'ont pas été vaines pour le poète. À deux reprises, il a fui la France. Les derniers jours du poète se terminent à Turin et la Sorbonne ajoute plusieurs de ses poèmes à la liste des poèmes interdits. Dans son œuvre, Maro cherche à dépasser l’influence italienne et à donner à ses poèmes une coloration nationale, un « éclat gaulois ».
Il y avait aussi une école de poésie à Lyon. Ses représentants n'ont pas été soumis à de graves persécutions. La poétesse Louise Labé appartient à l'école de Lyon.
Louise Labé.
Marguerite de Navarre devint très tôt la patronne et le centre d'attraction d'un cercle de penseurs et de poètes progressistes. Clément Marot était proche d'elle. Son entourage comprenait l'écrivain spirituel François Rabelais, qui lui dédia le troisième livre de Gargantua et Pantagruel. L'un des esprits les plus audacieux de la première moitié du siècle, Bonaventure Deperrier, fut le secrétaire de Marguerite en 1536-1541. C'est à cette époque qu'il crée sa « Cymbale de la paix » et un recueil de nouvelles espiègles « New Fun and Merry Conversations ». Le secrétaire de Marguerite était également Antoine Le Mason, qui fit une nouvelle traduction du Décaméron en 1545.
Un phénomène important pour la littérature française fut l'œuvre de Marguerite de Navarre, qui écrivit un grand nombre d'œuvres poétiques reflétant la quête spirituelle de son époque. Le principal héritage de Margarita est un recueil de 72 nouvelles appelé « Heptameron », c'est-à-dire « Sept jours ». L'essentiel de cet ouvrage fut probablement écrit entre 1542 et 1547, à une époque où Marguerite était très éloignée des préoccupations de la cour de Paris, de la « grande » politique de son frère, plongée dans la « petite » politique de son petit royaume et dans les affaires familiales. Selon les contemporains, elle composait ses nouvelles en parcourant ses terres sur une civière. "Heptameron" de Marguerite de Navarre montre une conscience des contradictions tragiques entre les idéaux humains et la vie réelle.
Titre de l'édition du deuxième livre de Gargantua et Pantagruel, Lyon, 1571.
Prose[modifier | modifier le code]
L'une des œuvres les plus célèbres de la Renaissance française est peut-être le livre de François Rabelais, Gargantua et Pantagruel. Rabelais était un homme doué, et son talent était particulièrement évident dans l'écriture. Rabelais voyageait beaucoup, connaissait les coutumes des paysans, des artisans, des moines et des nobles. C'était un expert du langage courant. Dans son remarquable et unique roman, il fait une brillante satire des hommes de son temps.
Parallèlement, la littérature de la Renaissance française a absorbé les meilleurs exemples d'art populaire oral. Il reflétait les traits inhérents aux Français talentueux et épris de liberté : leur bonne humeur, leur courage, leur travail acharné et leur humour subtil.
Philologie modifier le code]
Joachin du Bellay et Pierre de Ronsard.
Au XVIe siècle, les bases de la langue littéraire et du style français sont posées. Le poète français Joachin du Bellay a publié un manifeste programmatique en 1549, « La défense et la glorification de la langue française ». Ce travail a réfuté l'affirmation selon laquelle seules les langues anciennes pouvaient incarner de hauts idéaux poétiques sous une forme digne, et a soutenu qu'à une certaine époque, les langues anciennes étaient grossières et sous-développées, mais c'est l'amélioration de la poésie et de la littérature qui en a fait ce ils sont devenus . La même chose se produira avec la langue française, il suffit de la développer et de l’améliorer. Du Bellay est devenu une sorte de centre pour unir ses personnes et amis partageant les mêmes idées. Pierre de Ronsard, qui en faisait partie, a inventé le nom de « Pléiades ». Le nom n'a pas été choisi par hasard : le groupe de sept poètes tragiques grecs antiques portait également le même nom. Ronsard utilisait ce mot pour désigner les sept sommités poétiques du firmament littéraire de la France ; c'était une sorte d'école poétique française. Il comprenait Pierre de Ronsard, Joachin Du Bellay, Jean Antoine de Baif, Rémy Bellot. Ils abandonnèrent l'héritage du Moyen Âge et repensèrent leur attitude envers l'Antiquité. Déjà sous le roi Henri II, les Pléiades étaient reconnues par la cour et Ronsard devint poète de la cour. Il a joué dans divers genres - odes, sonnets, pastorales, impromptus.
Philosophie modifier le code]
Pierre de la Ramais (Peter Ramus).
La pensée philosophique en France à cette époque était le plus clairement représentée par Pierre de la Ramais, critique de l'aristotélisme scolastique. La thèse de Ramet « Tout ce que dit Aristote est faux » est devenue le point de départ de la nouvelle philosophie européenne. Ramais opposait les idées d'une méthode logique et orientée vers la pratique, qu'il appelait l'art de l'invention, au raisonnement déconnecté des scolastiques. Le moyen de créer une méthode devait être une nouvelle logique, dont Ramais a développé les principes dans son ouvrage « Dialectique ». Il fut l'un des plus grands mathématiciens de son temps et l'auteur d'un vaste ouvrage général, A Course in Mathematics.
Bonaventure Deperrier est l'une des figures les plus originales de la Renaissance. Il était philologue et traducteur et fut secrétaire de Marguerite de Navarre. En 1537, il publia anonymement un livre de dialogues satiriques, La Cymbale de la Paix. Le livre fut considéré comme hérétique et interdit. Deperrier fut déclaré « apostat de la foi juste » et il fut expulsé de la cour de Marguerite de Navarre. En conséquence, la persécution l’a conduit au suicide.
Le contemporain de Deperrier, Etienne Dolet, a défendu les malheureux envoyés au bûcher sous l'accusation de liens avec les mauvais esprits. Estimant que la connaissance des causes est le bien le plus élevé, Dole lui-même conclut que tout ce qui existe n'est pas né d'une volonté supérieure, mais en vertu de « causes actives nécessaires à cela ». Pendant un certain temps, le patronage d'individus nobles et riches a sauvé Dole de l'Inquisition. Cependant, en 1546, il fut accusé que sa traduction de Platon contredisait la doctrine chrétienne de l'immortalité de l'âme. Dole a été reconnu coupable et brûlé vif. Tous ses livres partagent le sort de l’auteur.
Humanisme modifier le code]
Guillaume Budet.
L'un des humanistes français les plus remarquables était Jacques Lefebvre d'Etaples. C'était un homme très instruit : encyclopédiste, philologue et philosophe, théologien, mathématicien et astronome. Il a fait ses études à Florence et est devenu le fondateur d'une école de mathématiciens et de cosmographes dans son pays natal. Fin XVe - début XVIe siècles, d'Etaples publie des commentaires sur les œuvres d'Aristote, marqués par une volonté de porter un regard neuf sur l'autorité du roi des philosophes, sanctifiée par la tradition. En 1512, il publie des commentaires sur les Épîtres de Paul, dans lesquels il justifie la nécessité d'une analyse critique des écrits des pères de la doctrine chrétienne. Il traduisit la Bible en français (jusqu'alors elle n'existait qu'en latin), mais cette traduction fut condamnée par la Sorbonne comme hérétique. Humaniste rêveur et tranquille, Lefebvre d'Etaples a eu peur des conséquences de ses propres idées lorsqu'il a compris ce qu'elles pouvaient conduire dans la pratique.
Autour d'Etaples se trouvaient des disciples, partisans du christianisme, qui étudiaient les textes évangéliques, parmi lesquels se distinguait particulièrement le philologue Guillaume Budet, devenu l'un des dirigeants du mouvement humaniste en France. Homme aux perspectives les plus larges, il a apporté des contributions significatives à l'étude des mathématiques, des sciences naturelles, de l'art, de la philosophie, de la philologie romaine et grecque. Son ouvrage « Notes sur les 24 livres de Pandect » marque le début d'une analyse philologique des sources du droit romain. Dans l'essai « Sur l'âne et ses parties », l'idée de deux cultures a été développée - ancienne et chrétienne. Soucieux de la gloire de la France, il imputait son déclin aux dirigeants et aux personnes influentes. Il a même écrit un livre intitulé « Instructions à l'empereur ». Grâce à Budet, une bibliothèque est créée à Fontainebleau, puis transférée à Paris et devient la base de la Bibliothèque nationale de France. Budet discuta beaucoup et sérieusement avec le roi François qui, sous son influence, créa le Collège Royal de Paris - le Collège de France. Les langues grecque, latine et hébraïque ont commencé à y être enseignées.
La période de développement de l'humanisme en France fut courte et son chemin devint très vite épineux. En Europe, la réaction catholique s'est intensifiée. Depuis le milieu des années 30 du XVIe siècle, la Sorbonne, effrayée par les succès de l'humanisme, s'oppose à ses représentants. L'attitude des autorités royales françaises et de la cour envers les humanistes évolue également. De protecteur, le pouvoir royal se mue en persécuteur de la libre pensée. De grands humanistes français - Bonaventure Deperrier, Etienne Dolet, Clément Marot - sont victimes de persécutions.
Théâtre[modifier | modifier le code]
Le théâtre français de la Renaissance atteint le niveau de l'Italie. Etienne Jodel devient le metteur en scène de la première tragédie française de style « classique », c'est-à-dire antique. Cette tragédie s'appelait « Cléopâtre captive ».
Architecture[modifier | modifier le code]
La Renaissance en France avait fondamentalement les mêmes conditions préalables à son développement qu'en Italie. Cependant, il existe des différences significatives dans le contexte socioculturel du processus littéraire des deux pays. Contrairement à l'Italie, où elle était présente dans les régions du nord dès le XIIIe siècle. Une révolution politique a lieu et un certain nombre de républiques urbaines complètement indépendantes apparaissent ; en France, où le développement bourgeois à cette époque était lent par rapport à l'Italie, la noblesse a continué à rester la classe dirigeante.
De tout cela découle un certain retard de la bourgeoisie française par rapport à la bourgeoisie italienne ou même anglaise et, notamment, sa faible participation au mouvement humaniste. D'autre part, les idées humanistes ont trouvé un soutien important dans les cercles de la noblesse, qui sont entrés en contact direct avec la culture italienne.
D’une manière générale, la forte influence de l’Italie constitue l’un des traits les plus importants de la Renaissance française. L'épanouissement rapide de la pensée humaniste coïncide avec la première moitié du règne de François Ier (1515-1547). Les campagnes d'Italie, commencées sous ses prédécesseurs et poursuivies par lui, élargirent considérablement les relations culturelles entre les deux peuples. Les jeunes nobles français, arrivés en Italie, furent éblouis par la richesse de ses villes, la splendeur de ses vêtements, la beauté de ses œuvres d'art et l'élégance de ses manières. Immédiatement, l’importation croissante de la culture italienne de la Renaissance en France commença. François 1er a attiré à son service les meilleurs artistes et sculpteurs italiens - Léonard de Vinci, Andrea del Sarto, Benvenuto Cellini. Les architectes italiens lui construisent des châteaux dans le nouveau style Renaissance à Blois, Chambord, Fontainebleau. Les traductions de Dante, Pétrarque, Boccace et d'autres apparaissent en grand nombre. Un grand nombre de mots italiens issus des domaines de l'art, de la technologie, des affaires militaires, du divertissement profane, etc. pénètrent dans la langue française. Parmi les humanistes italiens qui s'installèrent en France à cette époque, le plus marquant fut Jules César Scaliger (mort en 1558), médecin, philologue et critique, auteur de la célèbre « Poétique » en latin, dans laquelle il expose les principes de l'humanisme scientifique. drame .
Riz. 29.1
Parallèlement, une étude approfondie de l'Antiquité a été réalisée, également en partie par le biais des médias italiens. Dans les premières années de son règne, François Ier ordonna la publication de traductions des œuvres de Thucydide, Xénophon et autres « pour l'instruction de la noblesse française ». Il commanda une traduction des poèmes d'Homère et convainquit Jacques Amiot (1513-1593). , professeur de langues grecques et latines, traducteur, pour commencer sa célèbre traduction des Vies de Plutarque.
François Ier a voulu diriger personnellement la Renaissance française afin de la guider et de la garder sous son contrôle, mais en fait il n'a fait que suivre le mouvement mental de l'époque. Parmi ses conseillers, véritables dirigeants du mouvement, la première place devrait être donnée à Guillaume Bude (Guillaume Bude, 1468-1540), qui occupa d'abord le poste de secrétaire de François Ier, puis son bibliothécaire. Budet possède un très grand nombre d'ouvrages en latin sur la philosophie, l'histoire, la philologie, les mathématiques et les sciences juridiques. L'idée principale de Budet était que la philologie est la base principale de l'éducation, puisque l'étude des langues et de la littérature anciennes élargit les horizons mentaux d'une personne et améliore ses qualités morales. Une grande partie des opinions de Budet sur la religion, la moralité et l'éducation le rapproche d'Erasmus de Rotterdam. La plus grande entreprise de Budet fut le projet de création d'une université laïque, réalisé par François Ier. Selon le plan de Budet, l'enseignement y serait basé non pas sur la scolastique et la théologie, comme à la Sorbonne, mais sur la philologie. C'est ainsi que naît en 1530 le Collège de France, qui devient aussitôt une citadelle du savoir humaniste libre.
Le deuxième point le plus important qui a déterminé le sort de la Renaissance française est sa relation particulière avec la Réforme, d'abord en phase avec l'humanisme, mais qui s'en est ensuite fortement éloignée.
Dans l'histoire du protestantisme français, deux périodes doivent être distinguées : avant le milieu des années 1530 et après. Les premiers protestants de France étaient des intellectuels dispersés à la pensée humaniste, qui abordaient toutes les questions de manière critique, y compris les fondements de la religion, mais étaient peu enclins à la prédication et au combat. L'éminent mathématicien et helléniste Lefebvre d'Etaples (1455-1537), qui visita l'Italie et s'imprégna des idées du platonisme grâce à des conversations avec Marsile Ficin et Pic de la Mirandole, revint en France pour interpréter Aristote d'une manière nouvelle, c'est-à-dire se tournant exclusivement vers les sources primaires et essayant de pénétrer leur véritable sens, non déformé par les commentaires scolastiques. Suite à cela, Lefebvre a l'idée d'appliquer la même méthode aux livres de l'Écriture Sainte - et il découvre ici que rien n'est dit dans l'Évangile sur le jeûne, ni sur le célibat du clergé, ni sur la plupart des « sacrements ». De là est née l’idée pour lui et ses amis de revenir à la pureté originelle de l’enseignement évangélique, de créer une confession « évangélique ». Approfondissant la considération des principes du christianisme, Lefebvre en 1512, c'est-à-dire cinq ans avant que Luther ne parle, il a avancé deux dispositions qui sont devenues plus tard fondamentales pour le protestantisme de toutes obédiences : 1) la justification par la foi, 2) les Saintes Écritures comme seule base de l'enseignement religieux. Pour renforcer la nouvelle doctrine, Lefebvre publie sa traduction de la Bible, la première en français.
La Sorbonne a condamné cette traduction, ainsi que toute la nouvelle hérésie en général. Plusieurs partisans de Lefebvre furent exécutés et lui-même dut fuir à l'étranger pendant un certain temps. Bientôt, cependant, François Ier le réhabilité et le nomma même précepteur de son fils. En général, durant cette période, le roi favorisa les protestants et songea même à introduire le protestantisme en France. Cependant, au milieu des années 1530, sa politique connut un tournant radical, provoqué par l'offensive générale de la réaction en Europe et la contre-réforme qui y était associée - une révolution provoquée par la peur des classes dirigeantes des soulèvements paysans et de la aspirations trop audacieuses de la pensée humaniste, qui menaçaient de renverser « tous les fondements » La tolérance de François à l’égard de toutes sortes de libres-pensées – religieuses ou scientifiques et philosophiques – a pris fin. Les exécutions de protestants et d’humanistes libres-penseurs sont devenues monnaie courante. L'un des cas d'arbitraire flagrant fut l'incendie sur le bûcher en 1546 de l'éminent scientifique et typographe Etienne Dolet.
A cette époque, le protestantisme français entre dans sa deuxième phase. Sa tête devient Jacques Calvin(1509-1564), qui quitta la France pour s'installer à Genève en 1536, qui devint désormais le principal centre du calvinisme, dirigeant tout le mouvement protestant en France. Toujours en 1536, Calvin formule enfin son enseignement dans les « Instructions pour la foi chrétienne », parues à l'origine en latin et rééditées cinq ans plus tard en français. À partir de ce moment, l’évangélisme contemplatif et utopique cède la place au calvinisme sévère et militant.
L’essence bourgeoise de la Réforme apparaît clairement dans les enseignements de Calvin, qui recommande la frugalité et l’accumulation des richesses, justifie l’usure et autorise même l’esclavage. La base de la doctrine de Calvin repose sur deux dispositions - sur la « prédestination » et sur la non-ingérence de Dieu dans la vie du monde, sous réserve de lois immuables. Selon le premier d'entre eux, chaque personne dès sa naissance est destinée soit au bonheur éternel, soit au tourment éternel, quel que soit son comportement dans la vie. Il ne sait pas à quoi il est destiné, mais il doit penser que le salut l'attend et il doit le montrer toute sa vie. Ainsi, cette doctrine de la « prédestination » ne conduit pas au fatalisme et à la passivité, mais est au contraire une incitation à l’action.
Les adeptes de Calvin et de ses principes fondamentaux sur la prédestination et la non-intervention de Dieu développent la doctrine d'une « vocation laïque », selon laquelle chacun doit s'efforcer de tirer le plus de profit et de bénéfice possible de sa profession, et d'une « vocation laïque ». ascétisme », qui prescrit la frugalité et la modération dans la satisfaction de ses besoins dans le but d'augmenter leurs biens. D’où la conception du travail comme un « devoir » et la transformation de la soif d’accumulation en « vertu d’accumulation ».
Malgré la nature bourgeoise clairement exprimée du calvinisme, il trouva de nombreux partisans parmi les couches de la noblesse qui ne voulaient pas accepter l'absolutisme, principalement dans le sud, qui fut annexé relativement tard (au XIIIe siècle), en conséquence dont la noblesse locale n'avait pas encore oublié ses libertés et essayait de se comporter de manière indépendante. Ainsi, si c'est dans le deuxième quart du XVIe siècle. Le protestantisme s'est répandu presque exclusivement dans la bourgeoisie, et à peu près également dans toute la France ; puis, à partir du milieu du siècle, il s'est répandu intensément dans la noblesse du sud de la France, fief de la réaction féodale. Quand dans la seconde moitié du XVIe siècle. des guerres de religion éclatent, ce sont les nobles calvinistes qui luttèrent contre l'absolutisme qui furent les organisateurs et les dirigeants du soulèvement ; De plus, à la fin de la guerre, nombre d’entre eux rejoignirent volontairement le catholicisme.
Dans le même temps, le caractère du protestantisme change, abandonnant le principe de liberté d'enquête et s'imprégnant de l'esprit d'intolérance et de fanatisme. Un exemple frappant est l'incendie par Calvin en 1553 de Miguel Servet (1511 - 1553), théologien, médecin et naturaliste espagnol, accusé par lui d'appartenir à la secte révolutionnaire des anabaptistes.
Riz. 29.2.
En France, divisée en deux camps - catholiques et protestants, il n'y avait pas de parti complètement national, puisque les deux camps, au détriment de leur patrie, agissaient souvent en alliance avec des dirigeants étrangers. Les huguenots (comme on appelait les protestants en France), qui n'avaient aucun soutien dans le peuple, faisaient constamment appel à l'aide de leurs coreligionnaires d'Allemagne, de Hollande et d'Angleterre. Quant aux catholiques, ils représentaient au début un parti d'unité nationale et religieuse, mais au fil du temps, notamment après la création de la Ligue catholique en 1576, les dirigeants du parti ont commencé à chercher le soutien de l'Espagne et ont même pensé à transférer la couronne de France. au roi espagnol Philippe II. Le véritable patriotisme ne pouvait être trouvé à cette époque que parmi les masses : parmi les paysans ou parmi les masses plébéiennes urbaines qui, complètement ruinées par les guerres civiles et poussées au désespoir, se soulevèrent soudain, comme leurs arrière-grands-pères dans la guerre de Cent Ans. , pour battre à la fois les soldats espagnols et les reiters allemands, et surtout - leurs propres nobles - propriétaires fonciers de tout groupe politique et de toute religion. Mais ces soulèvements paysans, dont les plus importants eurent lieu vers 1580 et vers 1590, ne purent aboutir et furent impitoyablement réprimés, souvent à l'aide de la trahison et de la trahison.
L’humanisme avait certains points d’accord avec les deux partis, mais encore plus de divergences. De nombreux humanistes étaient attirés par le Parti catholique par l'idée d'unité nationale (Ronsard et autres membres des Pléiades), mais la plupart d'entre eux ne pouvaient tolérer l'étroitesse de pensée et les superstitions du catholicisme. Et les humanistes ont été repoussés du calvinisme par son étroitesse d’esprit bourgeoise et son fanatisme toujours croissant. Mais néanmoins, le ferment rationaliste du calvinisme, son esprit héroïque, ses hautes exigences morales et le rêve d'une certaine structure idéale de la société humaine y ont attiré de nombreux humanistes (Agrippa d'Aubigné et, plus tôt, Marot). Cependant, les humanistes les plus profonds, comme les plus grands écrivains de la Renaissance française comme Rabelais, Denerier, Montaigne, évitaient les conflits religieux, également étrangers au fanatisme des deux confessions et très probablement enclins à la libre pensée religieuse.
Les écrivains de la Renaissance française, comparés aux auteurs du début du Moyen Âge, se caractérisent par une extraordinaire expansion de leurs horizons et un large éventail d'intérêts intellectuels. Les plus grands d’entre eux acquièrent les traits de « l’homme universel » typique de la Renaissance, réceptif et impliqué dans tout. L'exemple le plus frappant en est la créativité et l'activité de Rabelais, médecin, naturaliste, archéologue, avocat, poète, philologue et brillant satirique. Une plus grande polyvalence s’observe également dans les œuvres de Marot, Marguerite de Navarre, Ronsard, d’Aubigné et d’autres.
Les traits typiques communs à presque tous les écrivains du siècle sont, d'une part, le matérialisme spontané, la réceptivité à tout ce qui est matériel et sensuel, d'autre part, le culte de la beauté, le souci de la grâce de la forme. Conformément à cela, de nouveaux genres naissent ou d’anciens se transforment radicalement. Apparaissent une nouvelle colorée et réaliste (Margarita de Navarre, Denerier), une forme unique de roman satirique (Rabelais), un nouveau style de poésie lyrique (Marot, puis surtout Ronsard et Pléiades), les débuts du drame profane de la Renaissance (Jodelle ), des mémoires descriptives anecdotiques-morales (Brantôme), de la poésie civile accusatrice (d'Aubigné), des « expériences » philosophiques (Montaigne), etc.
La poésie et la prose de la Renaissance française se caractérisent par une approche plus large et plus réaliste de la réalité. Les images sont plus spécifiques et individuelles. L'abstraction et l'édification naïve disparaissent peu à peu. La véracité artistique devient une mesure et un moyen d'exprimer un contenu idéologique.
Dans la Renaissance française, plusieurs étapes peuvent être distinguées. Dans la première moitié du siècle, les idées humanistes ont fleuri, l'optimisme et la foi dans la possibilité de construire un mode de vie meilleur et plus parfait ont prévalu. Bien que cette ambiance ait été assombrie par une réaction imminente depuis le milieu des années 1530, le schisme religieux et politique n'avait pas encore eu le temps de manifester pleinement ses effets destructeurs.
Dans la seconde moitié du siècle, dans le contexte du début ou de la préparation des guerres de religion, les premiers signes de doute et de déception sont observés chez les humanistes. Néanmoins, dans le troisième quart du siècle, de puissants efforts sont déployés pour créer une nouvelle poésie entièrement nationale et une langue nationale riche. À partir des années 1560, la crise de l'humanisme atteint son apogée et la littérature reflète, d'une part, les combats et les fermentations des esprits provoqués par les guerres civiles, et d'autre part, les quêtes en profondeur qui préparent les formes ultérieures de conscience sociale et artistique.
Questions et tâches
- 1. A quelle époque commence la Renaissance en France ?
- 2. Quelles sont les spécificités de l'origine et du développement de la Renaissance en France par rapport à l'Italie ?
- 3. Quel fut le rôle de François Ier dans le développement de la Renaissance française ?
- 4. À l'aide d'ouvrages de référence et d'encyclopédies, faites-vous une idée de ce que sont la Réforme et le calvinisme.
- 5. Quels sont les traits caractéristiques de la vision du monde et de la créativité des représentants de la Renaissance française ?
- 6. Faire un tableau des étapes de la Renaissance en France, en y reflétant : 1) les événements historiques ; 2) les idées principales ; 3) une brève description des auteurs les plus importants ; 4) noms et dates des principaux travaux.
Thèmes des résumés et des rapports
- 1. Le rôle de l'Italie dans le développement de la Renaissance française.
- 2. Maîtres italiens en France : Léonard de Vinci et Benvenuto Cellini.
- 3. La Réforme en France.
Renaissance (Renaissance). Italie. XVe-XVIe siècles. Le capitalisme primitif. Le pays est dirigé par de riches banquiers. Ils s'intéressent à l'art et à la science.
Les riches et les puissants rassemblent autour d’eux les talentueux et les sages. Poètes, philosophes, artistes et sculpteurs discutent quotidiennement avec leurs mécènes. À un moment donné, il semblait que les gens étaient gouvernés par des sages, comme le voulait Platon.
Nous nous souvenons des anciens Romains et Grecs. Ils ont également construit une société de citoyens libres, où la valeur principale est l'humain (sans compter les esclaves, bien sûr).
La Renaissance ne consiste pas seulement à copier l’art des civilisations anciennes. C'est un mélange. Mythologie et christianisme. Réalisme de la nature et sincérité des images. Beauté physique et spirituelle.
Ce n'était qu'un éclair. La période de la Haute Renaissance dure environ 30 ans ! Des années 1490 à 1527 Depuis le début de l'apogée de la créativité de Léonard. Avant le sac de Rome.
Le mirage d’un monde idéal s’est rapidement estompé. L'Italie s'est avérée trop fragile. Elle fut bientôt asservie par un autre dictateur.
Pourtant, ces 30 années ont déterminé les principales caractéristiques de la peinture européenne pour les 500 années à venir ! Jusqu'à .
Réalisme de l'image. Anthropocentrisme (quand le centre du monde est l'Homme). Perspective linéaire. Peinture à l'huile. Portrait. Paysage…
Incroyablement, au cours de ces 30 années, plusieurs maîtres brillants ont travaillé en même temps. À d’autres moments, ils naissent une fois tous les 1000 ans.
Léonard, Michel-Ange, Raphaël et Titien sont les titans de la Renaissance. Mais on ne peut manquer de mentionner leurs deux prédécesseurs : Giotto et Masaccio. Sans quoi il n’y aurait pas de Renaissance.
1. Giotto (1267-1337)
Paolo Uccello. Giotto de Bondogni. Fragment du tableau «Cinq maîtres de la Renaissance florentine». Début du XVIe siècle. . XIVe siècle. Proto-Renaissance. Son personnage principal est Giotto. C’est un maître qui à lui seul a révolutionné l’art. 200 ans avant la Haute Renaissance. Sans lui, l’ère dont l’humanité est si fière n’aurait guère eu lieu.
Avant Giotto, il y avait des icônes et des fresques. Ils ont été créés selon les canons byzantins. Des visages au lieu de visages. Chiffres plats. Non-respect des proportions. Au lieu d’un paysage, il y a un fond doré. Comme par exemple sur cette icône.
Guido de Sienne. Adoration des Mages. 1275-1280 Altenburg, Musée Lindenau, Allemagne. Et soudain, des fresques de Giotto apparaissent. Ils ont des chiffres volumineux. Visages de personnes nobles. Vieux et jeunes. Triste. Triste. Surpris. Différent.
Fresques de Giotto dans l'église des Scrovegni à Padoue (1302-1305). À gauche : Lamentation du Christ. Milieu : Baiser de Judas (fragment). À droite : Annonciation de Sainte-Anne (Mère Marie), fragment.
L'œuvre principale de Giotto est le cycle de ses fresques de la chapelle des Scrovegni à Padoue. Lorsque cette église fut ouverte aux paroissiens, des foules de personnes y affluèrent. Ils n’avaient jamais rien vu de pareil.
Après tout, Giotto a fait quelque chose de sans précédent. Il a traduit des histoires bibliques dans un langage simple et compréhensible. Et ils sont devenus beaucoup plus accessibles aux gens ordinaires.
Giotto. Adoration des Mages. 1303-1305 Fresque de la chapelle des Scrovegni à Padoue, Italie. C’est précisément ce qui caractérisera de nombreux maîtres de la Renaissance. Images laconiques. Émotions vives des personnages. Le réalisme.
En savoir plus sur les fresques du maître dans l'article.
Giotto était admiré. Mais son innovation n’a pas été développée davantage. La mode du gothique international est arrivée en Italie.
Ce n'est qu'après 100 ans qu'apparaîtra un digne successeur de Giotto.
2. Masaccio (1401-1428)
Masaccio. Autoportrait (fragment de la fresque « Saint Pierre en chaire »). 1425-1427 Chapelle Brancacci dans l'église de Santa Maria del Carmine, Florence, Italie. Début du XVe siècle. La soi-disant première Renaissance. Un autre innovateur entre en scène.
Masaccio fut le premier artiste à utiliser la perspective linéaire. Il a été conçu par son ami l'architecte Brunelleschi. Désormais, le monde représenté est devenu semblable au monde réel. L’architecture des jouets appartient au passé.
Masaccio. Saint Pierre guérit avec son ombre. 1425-1427 Chapelle Brancacci dans l'église de Santa Maria del Carmine, Florence, Italie. Il adopte le réalisme de Giotto. Cependant, contrairement à son prédécesseur, il connaissait déjà bien l’anatomie.
Au lieu de personnages en blocs, Giotto a des gens magnifiquement bâtis. Tout comme les anciens Grecs.
Masaccio. Baptême des néophytes. 1426-1427 Chapelle Brancacci, église Santa Maria del Carmine à Florence, Italie. 
Masaccio. Expulsion du Paradis. 1426-1427 Fresque de la chapelle Brancacci, église Santa Maria del Carmine, Florence, Italie. Masaccio a vécu une vie courte. Il est mort, comme son père, de façon inattendue. A 27 ans.
Cependant, il avait de nombreux adeptes. Les maîtres des générations suivantes se rendirent à la chapelle Brancacci pour étudier ses fresques.
Ainsi, l’innovation de Masaccio fut reprise par tous les grands artistes de la Haute Renaissance.
3. Léonard de Vinci (1452-1519)
Léonard de Vinci. Autoportrait. 1512 Bibliothèque royale de Turin, Italie. Léonard de Vinci est l'un des titans de la Renaissance. Il a eu une influence considérable sur le développement de la peinture.
C'est Da Vinci qui a lui-même élevé le statut de l'artiste. Grâce à lui, les représentants de cette profession ne sont plus de simples artisans. Ce sont des créateurs et des aristocrates de l'esprit.
Léonard a fait une percée principalement dans le domaine du portrait.
Il pensait que rien ne devait détourner l'attention de l'image principale. Le regard ne doit pas vagabonder d’un détail à l’autre. C'est ainsi qu'apparaissent ses célèbres portraits. Laconique. Harmonieux.
Léonard de Vinci. Dame à l'hermine. 1489-1490 Musée Czertoryski, Cracovie. La principale innovation de Léonard est d'avoir trouvé un moyen de rendre les images... vivantes.
Avant lui, les personnages des portraits ressemblaient à des mannequins. Les lignes étaient claires. Tous les détails sont soigneusement dessinés. Le dessin peint ne pouvait pas être vivant.
Léonard a inventé la méthode sfumato. Il a ombré les lignes. J'ai rendu la transition de la lumière à l'ombre très douce. Ses personnages semblent recouverts d'une brume à peine perceptible. Les personnages ont pris vie.
. 1503-1519 Persienne, Paris. Sfumato fera partie du vocabulaire actif de tous les grands artistes du futur.
On pense souvent que Léonard, bien sûr, est un génie, mais qu'il ne savait rien accomplir. Et souvent, je ne finissais pas mes tableaux. Et beaucoup de ses projets sont restés sur papier (en 24 volumes d'ailleurs). Et en général, il se lançait soit dans la médecine, soit dans la musique. À une époque, je m’intéressais même à l’art de servir.
Cependant, pensez par vous-même. 19 tableaux - et il est le plus grand artiste de tous les temps. Et quelqu’un ne s’en rapproche même pas en termes de grandeur, et pourtant il a peint 6 000 toiles au cours de sa vie. Il est évident qui a la plus grande efficacité.
Découvrez le tableau le plus célèbre du maître dans l'article.
4. Michel-Ange (1475-1564)
Danièle de Volterra. Michel-Ange (fragment). 1544 Musée d'art métropolitain de New York. Michel-Ange se considérait comme un sculpteur. Mais c'était un maître universel. Comme ses autres confrères de la Renaissance. Son héritage pictural n’en est donc pas moins grandiose.
Il est reconnaissable principalement à ses personnages physiquement développés. Il a dépeint un homme parfait chez qui la beauté physique signifie la beauté spirituelle.
C’est pourquoi tous ses héros sont si musclés et résilients. Même les femmes et les personnes âgées.
Michel-Ange. Fragments de la fresque « Le Jugement dernier » dans la Chapelle Sixtine, Vatican.
Michel-Ange peignait souvent le personnage nu. Et puis il a ajouté des vêtements par-dessus. Pour que le corps soit le plus sculpté possible.
Il peint seul le plafond de la Chapelle Sixtine. Même s'il s'agit de plusieurs centaines de chiffres ! Il n’autorisait même personne à frotter la peinture. Oui, il était insociable. Il avait un caractère dur et querelleur. Mais surtout, il n'était pas satisfait de... lui-même.
Michel-Ange. Fragment de la fresque « La Création d'Adam ». 1511 Chapelle Sixtine, Vatican. Michel-Ange a vécu une longue vie. A survécu au déclin de la Renaissance. Pour lui, c'était une tragédie personnelle. Ses œuvres ultérieures sont pleines de tristesse et de chagrin.
En général, le parcours créatif de Michel-Ange est unique. Ses premières œuvres sont une célébration du héros humain. Libre et courageux. Dans les meilleures traditions de la Grèce antique. Comment s'appelle David ?
Dans les dernières années de la vie, ce sont des images tragiques. Pierre volontairement grossièrement taillée. C’est comme si nous regardions des monuments dédiés aux victimes du fascisme du XXe siècle. Regardez sa Pietà.
Sculptures de Michel-Ange à l'Académie des Beaux-Arts de Florence. À gauche : David. 1504 À droite : La Pietà de Palestrina. 1555
Comment est-ce possible? Un artiste dans une vie a traversé toutes les étapes de l'art, de la Renaissance au XXe siècle. Que devraient faire les générations suivantes ? Suis ton propre chemin. Se rendre compte que la barre est placée très haute.
5. Raphaël (1483-1520)
. 1506 Galerie des Offices, Florence, Italie. Raphaël n'a jamais été oublié. Son génie a toujours été reconnu : tant de son vivant qu’après sa mort.
Ses personnages sont dotés d'une beauté sensuelle et lyrique. C'est la sienne qui est à juste titre considérée comme la plus belle image féminine jamais créée. La beauté extérieure reflète aussi la beauté spirituelle des héroïnes. Leur douceur. Leur sacrifice.
Raphaël. . 1513 Galerie des Maîtres Anciens, Dresde, Allemagne. Fiodor Dostoïevski a prononcé les célèbres mots « La beauté sauvera le monde ». C'était son tableau préféré.
Cependant, les images sensuelles ne sont pas le seul point fort de Raphaël. Il a réfléchi très soigneusement aux compositions de ses peintures. C'était un architecte hors pair en peinture. De plus, il a toujours trouvé la solution la plus simple et la plus harmonieuse pour organiser l’espace. Il semble qu’il ne puisse en être autrement.
Raphaël. Ecole d'Athènes. 1509-1511 Fresque des Stances du Palais Apostolique, Vatican. Raphaël n'a vécu que 37 ans. Il est mort subitement. D'un rhume et d'une erreur médicale. Mais son héritage est difficile à surestimer. De nombreux artistes idolâtraient ce maître. Et ils multiplièrent ses images sensuelles dans des milliers de leurs toiles.
Titien était un coloriste hors pair. Il a également beaucoup expérimenté en matière de composition. En général, c'était un innovateur audacieux.
Tout le monde l’aimait pour l’éclat de son talent. Appelé « le roi des peintres et le peintre des rois ».
En parlant de Titien, je veux mettre un point d'exclamation après chaque phrase. Après tout, c'est lui qui a apporté du dynamisme à la peinture. Pathétique. Enthousiasme. Couleur vive. Éclat de couleurs.
Titien. Ascension de Marie. 1515-1518 Église de Santa Maria Gloriosi dei Frari, Venise. Vers la fin de sa vie, il développa une technique d'écriture inhabituelle. Les traits sont rapides et épais. J'ai appliqué la peinture soit avec un pinceau, soit avec mes doigts. Cela rend les images encore plus vivantes et respirantes. Et les intrigues sont encore plus dynamiques et dramatiques.
Titien. Tarquin et Lucrèce. 1571 Musée Fitzwilliam, Cambridge, Angleterre. Cela vous rappelle-t-il quelque chose? Bien sûr, c'est de la technologie. Et la technique des artistes du XIXème siècle : les Barbizoniens et. Titien, comme Michel-Ange, passera par 500 ans de peinture au cours de sa vie. C'est pourquoi c'est un génie.
Découvrez le célèbre chef-d'œuvre du maître dans l'article.
Les artistes de la Renaissance sont détenteurs d'un grand savoir. Pour laisser un tel héritage, il y avait beaucoup à apprendre. Dans le domaine de l'histoire, de l'astrologie, de la physique, etc.
Par conséquent, chaque image d’eux nous fait réfléchir. Pourquoi est-ce représenté ? Quel est le message crypté ici ?
Ils n’avaient presque jamais tort. Parce qu’ils ont soigneusement réfléchi à leur futur travail. Nous avons utilisé toutes nos connaissances.
Ils étaient plus que des artistes. C'étaient des philosophes. Ils nous ont expliqué le monde à travers la peinture.
C’est pourquoi ils nous intéresseront toujours profondément.
