Bleus

(mélancolie, tristesse) - initialement - une chanson lyrique solo de noirs américains, plus tard - une direction musicale.

Dans les années 20 du XXe siècle, s'est formé le blues classique, basé sur une période de 12 mesures correspondant à une forme poétique de 3 vers. Le blues était à l’origine une musique interprétée par des noirs pour des noirs. Après l’émergence du blues dans le sud des États-Unis, il a commencé à se répandre dans tout le pays.

La mélodie du blues se caractérise par une structure de questions-réponses et l'utilisation de l'échelle du blues.

Le blues a eu une énorme influence sur la formation du jazz et de la musique pop. Des éléments du blues ont été utilisés par les compositeurs du 20e siècle.

Jazz archaïque

Jazz archaïque (début)– Désignation des types de jazz traditionnels les plus anciens qui existent depuis le milieu du siècle dernier dans plusieurs États du sud des États-Unis.

Le jazz archaïque était notamment représenté par la musique des fanfares noires et créoles du XIXe siècle.

La période du jazz archaïque a précédé l'émergence du style (classique) de la Nouvelle-Orléans.

La Nouvelle Orléans

La patrie américaine, où le jazz lui-même est né, est considérée comme la ville des chansons et de la musique : la Nouvelle-Orléans.
Bien qu’il y ait un débat sur l’origine du jazz dans toute l’Amérique, et pas seulement dans cette ville, c’est ici qu’il s’est développé le plus puissamment. De plus, tous les anciens musiciens de jazz désignaient le centre, qu'ils considéraient comme la Nouvelle-Orléans. La Nouvelle-Orléans offrait l'environnement le plus favorable au développement de ce courant musical : il y avait une importante communauté noire et un pourcentage important de la population était créole ; De nombreux courants et genres musicaux se sont activement développés ici, dont des éléments ont ensuite été inclus dans les œuvres de jazzmen célèbres. Différents groupes ont développé leurs propres styles musicaux et les Afro-Américains ont créé un nouvel art qui n'a pas d'analogue grâce à une combinaison de mélodies de blues, de ragtime et de leurs propres traditions. Les premiers enregistrements de jazz confirment la prérogative de la Nouvelle-Orléans dans la naissance et le développement de l'art du jazz.

Dixieland

(Dixie Country) est un terme familier désignant les États du sud des États-Unis, l'une des variétés du jazz traditionnel.

La plupart des chanteurs de blues, des pianistes de boogie-woogie, des artistes de raigtime et des groupes de jazz sont venus du Sud à Chicago, apportant avec eux la musique qui fut bientôt surnommée Dixieland.

Dixieland- la désignation la plus large pour le style musical des premiers musiciens de jazz de la Nouvelle-Orléans et de Chicago qui ont enregistré des disques de 1917 à 1923.

Certains historiens attribuent le Dixieland uniquement à la musique de groupes blancs jouant dans le style de la Nouvelle-Orléans.

Les musiciens du Dixieland recherchaient une renaissance du jazz classique de la Nouvelle-Orléans.

Ces tentatives ont été couronnées de succès.

Boogie Woogie

Style piano blues, l'une des premières variétés de musique instrumentale noire.

Un style qui s’est avéré très accessible à un large public d’écoute.

Pleine voix style boogie-woogie est apparu en raison du besoin apparu au début du XXe siècle d'embaucher des pianistes pour remplacer les orchestres dans les cafés honky-tonk bon marché. Pour remplacer un orchestre entier, les pianistes ont inventé différentes manières de jouer rythmiquement.

Traits caractéristiques : improvisation, virtuosité technique, type d'accompagnement spécifique - figuration ostinato moteur dans la partie main gauche, écart (jusqu'à 2-3 octaves) entre la basse et la mélodie, continuité du mouvement rythmique, refus d'utiliser une pédale .

Représentants du boogie-woogie classique : Romeo Nelson, Arthur Montana Taylor, Charles Avery, Mead Lux ​​​​Lewis, Jimmy Yankee.

Blues folklorique

Blues acoustique archaïque, basé sur le folklore rural de la population noire des États-Unis, contrairement au blues classique, qui avait une existence majoritairement urbaine.

Blues folklorique- Il s'agit d'un type de blues joué, en règle générale, non sur des instruments de musique électriques. Il couvre un large éventail de styles de jeu et de musique et peut inclure de la musique simple et sans prétention jouée à la mandoline, au banjo, à l'harmonica et à d'autres instruments non électriques conçus comme des jug bands. Le folk blues crée une impression de musique grossière et quelque peu informelle. En un mot, c'est de la vraie musique folklorique, jouée par le peuple et pour le peuple.

Dans le folk blues, il y avait des chanteurs plus influents que Blind Lemon Jefferson, Charley Patton et Alger Alexander.

Âme

(littéralement – ​​âme) ; le style de musique le plus populaire des années 60 du XXe siècle, qui s'est développé à partir de la musique culte des noirs américains et a emprunté de nombreux éléments du rythme et du blues.

Dans la musique soul, il existe plusieurs directions, dont les plus importantes sont la soul dite « de Memphis » et « de Détroit », ainsi que la soul « blanche », caractéristique principalement des musiciens européens.

Trouille

Le terme est né dans le jazz des années 50 du XXe siècle. Le style « funk » est une continuation directe de la musique « soul ». Une des formes du rythme et du blues.

Les premiers interprètes de ce qui sera plus tard classé comme musique « funk » étaient des jazzmen qui jouaient un type de jazz plus énergique et spécifique à la fin des années 50 et au début des années 60.

Le funk, avant tout, est une musique de danse, qui détermine ses caractéristiques musicales : l'extrême syncope des parties de tous les instruments.

Le funk se caractérise par une section rythmique proéminente, une ligne de guitare basse fortement syncopée, des riffs ostinato comme base mélodique et thématique de la composition, un son électronique, des voix optimistes et un tempo de musique rapide.

James Brown et George Clinton créent une école de funk expérimentale avec les groupes PARLAMENT/FUNKDEIC.

Les disques de funk classiques remontent au tournant des années 1960 et 1970.

funk gratuit

Funk gratuit– un mélange de jazz d'avant-garde avec des rythmes funk.

Quand Ornette Coleman a formé Prime Time, celui-ci est devenu un « double quatuor » (composé de deux guitaristes, deux bassistes et deux batteurs, plus son alto), jouant de la musique dans des tons libres mais avec des rythmes funk excentriques. Trois membres du groupe de Coleman (le guitariste James Blood Ulmer, le bassiste Jamaaladin Takuma et le batteur Ronald Shannon Jackson) ont ensuite formé leurs propres projets de free-funk, et le free-funk a été une influence majeure des artistes m-bass, notamment les altistes Steve Coleman et Greg. Osby.
Balançoire

(balançoire, balançoire). Style jazz orchestral, né au tournant des années 1920 et 1930 à la suite de la synthèse des formes stylistiques noires et européennes de la musique jazz.
Type caractéristique de pulsation basé sur des déviations constantes du rythme (avancé et retardé) par rapport aux battements de soutien.
Grâce à cela, l'impression d'une grande énergie interne est créée, qui est dans un état d'équilibre instable. Le rythme swing s'est transmis du jazz aux premiers rock and roll.
Artistes swing exceptionnels : Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie...
Be-bop

Bop- un style de jazz qui s'est développé au milieu des années 40 du XXe siècle et se caractérise par un tempo rapide et des improvisations complexes basées sur le jeu de l'harmonie plutôt que de la mélodie. Le Bebop a révolutionné le jazz ; Les boppers ont créé de nouvelles idées sur ce qu'était la musique.

La phase bebop a marqué un changement significatif dans l'accent mis par le jazz, passant de la musique de danse basée sur la mélodie à la « musique pour musiciens », moins populaire et plus rythmée. Les musiciens de Bop préféraient les improvisations complexes basées sur des accords plutôt que sur des mélodies.

Le Bebop était rapide, dur et « cruel avec l’auditeur ».

Jazz Progressif

Parallèlement à l'émergence du bebop, un nouveau genre se développe parmi le jazz : le jazz progressif. La principale différence de ce genre est la volonté de s'éloigner du cliché figé des big bands et des techniques dépassées de ce qu'on appelle. jazz symphonique.

Les musiciens qui interprétaient le jazz progressif cherchaient à mettre à jour et à améliorer les modèles de phrases swing, en introduisant dans la pratique de la composition les dernières réalisations du symphonisme européen dans le domaine de la tonalité et de l'harmonie. La plus grande contribution au développement du « progressiste » a été apportée par Stan Kenton. Le son de la musique interprétée par son premier orchestre était proche du style de Sergueï Rachmaninov et les compositions portaient les traits du romantisme.

La série d'albums enregistrés « Artistry », « Miles Ahead », « Spanish Drawings » peut être considérée comme une sorte d'apothéose du développement de la musique progressive.

Cool

(Jazz cool), l'un des styles du jazz moderne, formé au tournant des années 40 et 50 du XXe siècle sur la base du développement des acquis du swing et du bop.

Le trompettiste Miles Davis, l’un des premiers pionniers du bebop, est devenu un innovateur du genre.

Le cool jazz se caractérise par des caractéristiques telles qu'une couleur sonore légère et « sèche », un ralenti, une harmonie figée, qui crée l'illusion de l'espace. La dissonance a également joué un certain rôle, mais avec un caractère adouci et discret.

Le saxophoniste Lester Young a été le premier à inventer le terme « cool ».

Les musiciens kula les plus célèbres sont : Dave Brubeck, Stan Getz, George Shearing, Milt Jackson, "Shorty" Rogers .
Grand public

(littéralement - courant principal); un terme en relation avec une certaine période du swing, au cours de laquelle les interprètes ont réussi à éviter les clichés établis de ce style et ont perpétué les traditions du jazz noir, en introduisant des éléments d'improvisation.

Le mainstream se caractérise par une ligne mélodique simple mais expressive, une harmonie traditionnelle et un rythme clair avec un dynamisme prononcé.

Interprètes principaux : Ben Webster, Gene Krupa, Coleman Hawkins et les leaders du big band Duke Ellington et Benny Goodman.

Hard-bop

(dur, dur bop), style jazz moderne.

C'est une continuation des traditions du rythme et du blues classiques et du bebop.

Il est né dans les années 50 du XXe siècle en réaction à l'académisme et à l'orientation européenne du jazz cool et de la côte ouest, qui avait alors atteint son apogée.

Les traits caractéristiques du hard bop précoce sont la prédominance d'un accompagnement rythmique strictement accentué, le renforcement des éléments blues dans l'intonation et l'harmonie, la tendance à révéler le principe vocal dans l'improvisation et une certaine simplification du langage musical.

Les principaux représentants du hard bop sont pour la plupart des musiciens noirs.

Le premier des ensembles de ce style à enregistrer sur disques fut le quintette JAZZ MESSENGERS d'Art Blakey (1954).

Autres musiciens de premier plan : John Coltrane, Sony Rollins, Henk Mobley, Max Roach...

La fusion

(littéralement – ​​fusion, fusion), un mouvement de style moderne né sur la base du jazz rock, synthèse d'éléments de la musique académique européenne et du folklore non européen. Née non seulement de la fusion du jazz avec la musique pop et le rock, la fusion en tant que genre musical est apparue à la fin des années 1960 sous le nom de jazz-rock.

Larry Coryell, Tony Williams et Miles Davis ont introduit des éléments tels que l'électronique, les rythmes rock et les morceaux étendus, éliminant une grande partie de ce sur quoi le jazz était basé : le rythme swing.

Un autre changement concernait le domaine du rythme, où le swing était soit révisé, soit complètement ignoré. La pulsation et la mesure ne sont plus un élément essentiel dans l'interprétation du jazz.

Le free jazz continue d’exister aujourd’hui en tant que forme d’expression viable et n’est en fait plus un style aussi controversé qu’il était perçu à ses débuts.

Jazz Latino

La fusion d'éléments rythmiques latins était présente presque dès le début dans le creuset de cultures originaires de la Nouvelle-Orléans. L'influence musicale latine s'est répandue dans le jazz non seulement aux orchestres et aux groupes composés d'improvisateurs latinos de premier ordre, mais également à une combinaison d'artistes locaux et latins, créant ainsi une musique de scène parmi les plus excitantes.

Et pourtant, nous assistons aujourd’hui au brassage d’un nombre croissant de cultures du monde, nous rapprochant sans cesse de ce qui, par essence, est déjà en train de devenir une « musique du monde » (world music).

Le jazz d'aujourd'hui ne peut plus s'empêcher d'être influencé par des sons qui y pénètrent depuis presque tous les coins du globe.

Les opportunités potentielles pour le développement ultérieur du jazz sont actuellement assez grandes, car les voies de développement des talents et les moyens de leur expression sont imprévisibles, multipliées par les efforts combinés de divers genres de jazz encouragés aujourd'hui.

Le jazz est un mouvement musical né à la fin du XIXe siècle aux États-Unis. Passé d'une musique populaire de masse à un art hautement intellectuel, le jazz a eu et continue d'avoir une énorme influence sur les traditions musicales et culturelles du monde entier.

Dans les années 1920, le jazz représentait la musique populaire aux États-Unis, mais il se situait à l’extrême opposé de l’échelle des valeurs musicales, opposé à la musique commerciale. Après avoir traversé les étapes de développement dominant tout au long de son chemin de développement, fusionnant avec d'autres genres musicaux de différentes cultures, le jazz au milieu du XXe siècle a pris des formes modernes, se transformant en musique pour intellectuels.

Actuellement, le jazz appartient à la sphère du grand art, est considéré comme un genre musical prestigieux, continuant d'influencer la musique moderne, tout en lui empruntant certains éléments pour son propre développement (par exemple, des éléments du hip-hop, etc. ).

L'histoire du jazz

L'histoire du jazz remonte à la fin du XIXe siècle. À la base, le jazz est une combinaison d’un certain nombre de cultures musicales et de traditions nationales de tribus africaines amenées aux États-Unis comme esclaves. Le jazz se caractérise par le rythme complexe de la musique africaine et l'harmonie européenne.

Le jazz est originaire de la Nouvelle-Orléans, une ville du sud des États-Unis. Le premier style de jazz généralement connu était « La Nouvelle-Orléans », qui est considéré comme traditionnel par rapport aux autres styles. Au cours des deux premières décennies du XXe siècle, le jazz était une musique régionale. Peu à peu, elle s’est étendue à d’autres régions des États-Unis. Cela a été facilité par les navires de croisière remontant le Mississippi. Pour divertir le public, des orchestres de jazz jouaient à bord des navires, dont la musique séduisait une large partie de la population. Ainsi, le jazz a progressivement trouvé sa place dans d'autres , en particulier Saint-Louis, Kansas City et Memphis.

De plus, des musiciens de la Nouvelle-Orléans qui jouaient du jazz partaient en tournée à travers les États-Unis, atteignant même Chicago. L'un des célèbres musiciens de jazz de l'époque, Jerry Roll Morton, se produit régulièrement à Chicago depuis 1914. Un peu plus tard, tout un orchestre de jazzmen blancs (Dixieland) dirigé par Thom Browne s'installe à Chicago. Au début des années 20, le centre du développement du jazz aux États-Unis s'installe à Chicago et un nouveau style apparaît : le « Chicago ».

La fin de l’ère du jazz pur est considérée comme 1928, début de la Grande Dépression aux États-Unis. Durant cette période, de nombreuses personnes se sont retrouvées sans travail, notamment des musiciens d'ensembles de jazz. Le jazz lui-même en tant que mouvement musical a cessé d'exister sous sa forme pure et n'est resté que dans certaines villes du sud du pays.

Pendant la période de développement du jazz à Chicago, l'un des principaux musiciens de jazz, Louis Armstrong, a gagné en popularité.

Le jazz pur a été remplacé par le swing - un type de musique jazz interprété par de grands ensembles de 10 personnes ou plus, des big bands. Le swing est un style de musique orchestral. Il a acquis une grande popularité dans tout le pays. Durant cette période, le jazz commença à être écouté et joué dans presque toutes les villes des États-Unis. Le swing est davantage axé sur la danse que le jazz pur. C'est pourquoi sa popularité était plus large. L'ère du swing a duré du début des années 30 au milieu des années 40 du 20e siècle. L'artiste swing le plus populaire aux États-Unis était l'orchestre dirigé par Benny Goodman. En outre, les orchestres avec la participation de Louis Armstrong, Duke Ellington, Glenn Miller et d'autres jazzmen étaient également populaires.

Le swing a perdu sa popularité pendant les périodes de guerre difficiles. Cela était dû au manque de personnel pour doter les énormes big bands et à l'inopportunité économique. de tels groupes.

Le swing a eu une grande influence sur le développement ultérieur du jazz, en particulier sur la musique bebop, blues et pop.

15 ans plus tard, le swing a été relancé grâce aux efforts de Duke Ellington et Count Basie, qui ont recréé leurs big bands de l’apogée du style. Frank Sinatra et Nat King Cole ont également influencé le renouveau du swing.

Bop

Au début des années 40 aux États-Unis, une nouvelle direction est apparue dans le milieu du jazz : le bebop. Il s'agit d'une musique rapide et complexe, caractérisée par des improvisations basées sur la haute compétence des interprètes. Parmi les fondateurs du style figurent Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk et d'autres. Le Bebop est une réaction particulière des musiciens de jazz à la popularité du swing et une tentative de protéger leurs compositions d'une surinterprétation par des amateurs en compliquant la musique.

Le Bebop est considéré comme un style de jazz avant-gardiste, difficile à percevoir pour le public, habitué à la simplicité du swing. Une autre différence est l'accent mis sur le soliste, sa maîtrise virtuose de son instrument. Le Bebop, de par sa nature, est totalement anti-commercial. À cette époque, l’accent mis sur le développement du jazz s’est déplacé de la musique populaire vers la musique pour l’élite.

Le Bebop a donné naissance à des petits orchestres de jazz moderne, appelés combos, composés de trois personnes. Il a également découvert des noms tels que Chick Corea, Michael Legrand, Miles Davis, Dexter Gordon, John Coltrane et d'autres.

Développement ultérieur du jazz

Le Bebop n'a pas remplacé le swing ; il a existé parallèlement à la musique des big bands, qui sont devenus mainstream. Des orchestres célèbres existaient également dans l’après-guerre. Leur musique a reçu un nouveau développement, ayant absorbé les meilleures traditions d'autres styles et mouvements de jazz, ainsi que la musique populaire de différents . Actuellement, les performances des orchestres du Lincoln Center, du Carnegie Hall, ainsi que du Chicago Jazz Ensemble et du Smithsonian Orchestra sont connues dans le monde entier.

Autres styles de jazz

Le jazz se transforme constamment sous l'influence d'autres mouvements musicaux, formant de nouveaux mouvements :

• cool jazz - tout le contraire du bebop était incarné dans le cool jazz, dont le son détaché et « froid » a été incarné pour la première fois dans la musique de Miles Davis ;
• le jazz progressif - développé en parallèle du bebop, c'était aussi une tentative de s'éloigner de la musique big band en améliorant les compositions ;
• le hard bop est un type de bebop s'appuyant davantage sur le blues, développé dans le nord-est des États-Unis (Detroit, New York, Philadelphie), les compositions sont plus dures et plus lourdes, mais non moins agressives et exigeantes sur l'habileté des interprètes ;
• le jazz modal : les expériences de Miles Davis et John Coltrane avec une approche jazz de la mélodie ;
• jazz soul;
• Jazz-funk ;
• le free jazz est un mouvement innovant, l'un des mouvements les plus controversés du jazz, dont les fondateurs sont Ornette Coleman et Cecil Taylor, caractérisé par des changements dans la structure et le sentiment de la composante musicale, le rejet des progressions d'accords, ainsi que l'atonalité ;
• fusion - la fusion du jazz avec différentes directions musicales - pop, rock, soul, funk, rythme et blues et d'autres ont influencé l'émergence du style fusion ou jazz-rock ;
• post-bop - développement ultérieur du bebop, en contournant le free jazz et d'autres expériences de jazz ;
• L'acid jazz est un nouveau concept de la musique jazz, un jazz mélangé au funk, au hip-hop et au groove.

Festivals de jazz aux États-Unis

Aux États-Unis, berceau du jazz, sont organisés divers festivals dédiés à ce style de musique. Le plus célèbre est le New Orleans Jazz Festival, qui a lieu à la fin du printemps à la Nouvelle-Orléans sur Congo Square.

Le jazz est à juste titre considéré comme la forme musicale la plus difficile à percevoir. L'écoute du jazz nécessite que le cerveau soit actif afin d'identifier toutes les progressions musicales et structures harmoniques. Ainsi, le jazz est considéré comme l’un des instruments qui influencent les capacités intellectuelles.

Par la suite, les rythmes ragtime combinés à des éléments de blues ont donné naissance à une nouvelle direction musicale : le jazz.

Les origines du jazz sont liées au blues. Il est né à la fin du XIXe siècle comme une fusion de rythmes africains et d'harmonie européenne, mais ses origines doivent être recherchées à partir du moment de l'importation d'esclaves d'Afrique sur le territoire du Nouveau Monde. Les esclaves amenés ne venaient pas de la même famille et ne se comprenaient généralement pas. Le besoin de consolidation a conduit à l'unification de nombreuses cultures et, par conséquent, à la création d'une culture unique (y compris musicale) des Afro-Américains. Les processus de mélange des cultures musicales africaine et européenne (qui ont également subi de sérieux changements dans le Nouveau Monde) se sont produits à partir du XVIIIe siècle, et ont conduit au XIXe siècle à l'émergence du « proto-jazz », puis du jazz au sens généralement accepté. sens.

Jazz de la Nouvelle-Orléans

Le terme jazz de la Nouvelle-Orléans, ou jazz traditionnel, fait généralement référence au style des musiciens qui ont joué du jazz à la Nouvelle-Orléans entre 1900 et 1917, ainsi qu'aux musiciens de la Nouvelle-Orléans qui ont joué et enregistré à Chicago d'environ 1917 jusqu'aux années 1920. Cette période de l’histoire du jazz est également connue sous le nom de Jazz Age. Et ce concept est également utilisé pour décrire la musique interprétée à différentes périodes historiques par les représentants du renouveau de la Nouvelle-Orléans, qui cherchaient à interpréter le jazz dans le même style que les musiciens de l'école de la Nouvelle-Orléans.

Le développement du jazz aux USA dans le premier quart du XXe siècle

Après la fermeture de Storyville, le jazz issu d'un genre folk régional commence à se transformer en un mouvement musical national, s'étendant aux provinces du nord et du nord-est des États-Unis. Mais sa propagation à grande échelle n’aurait bien sûr pas pu être facilitée par la seule fermeture d’un seul quartier de divertissement. Avec la Nouvelle-Orléans, Saint-Louis, Kansas City et Memphis ont joué dès le début un rôle important dans le développement du jazz. Le ragtime est né à Memphis au 19ème siècle, d'où il s'est ensuite répandu sur tout le continent nord-américain au cours de la période -1903. En revanche, les spectacles de ménestrels, avec leur mosaïque hétéroclite de toutes sortes de mouvements musicaux du folklore afro-américain, des gigues au ragtime, se sont rapidement répandus partout et ont préparé le terrain à l'arrivée du jazz. De nombreuses futures célébrités du jazz ont commencé leur carrière dans des spectacles de ménestrels. Bien avant la fermeture de Storyville, les musiciens de la Nouvelle-Orléans partaient en tournée avec des troupes dites de « vaudeville ». Jelly Roll Morton tourne régulièrement en Alabama, en Floride et au Texas depuis 1904. Depuis 1914, il avait un contrat pour se produire à Chicago. En 1915, l'orchestre blanc Dixieland de Thom Browne s'installe également à Chicago. Le célèbre « Creole Band », dirigé par le cornettiste de la Nouvelle-Orléans Freddie Keppard, a également fait d'importantes tournées de vaudeville à Chicago. Après s'être séparés de l'Olympia Band, les artistes de Freddie Keppard se sont produits avec succès dès 1914 dans le meilleur théâtre de Chicago et ont reçu une offre pour faire un enregistrement sonore de leurs performances avant même l'Original Dixieland Jazz Band, qui, cependant, Freddie Keppard à courte vue rejeté.

Le domaine couvert par l'influence du jazz a été considérablement élargi par les orchestres qui jouaient sur les bateaux à vapeur de plaisance naviguant sur le Mississippi. Depuis la fin du XIXe siècle, les excursions fluviales de la Nouvelle-Orléans à Saint-Paul sont devenues populaires, d'abord pour un week-end, puis pour une semaine entière. Depuis 1900, des orchestres de la Nouvelle-Orléans se produisent sur ces bateaux fluviaux et leur musique est devenue le divertissement le plus attrayant pour les passagers lors des excursions fluviales. La future épouse de Louis Armstrong, le premier pianiste de jazz Lil Hardin, a débuté dans l'un de ces orchestres « Suger Johnny ».

De nombreuses futures stars du jazz de la Nouvelle-Orléans se sont produites dans l'orchestre fluvial d'un autre pianiste, Faiths Marable. Les bateaux à vapeur circulant le long du fleuve s'arrêtaient souvent aux gares de passage, où des orchestres organisaient des concerts pour le public local. Ce sont ces concerts qui sont devenus les débuts créatifs de Bix Beiderbeck, Jess Stacy et bien d'autres. Une autre route célèbre longeait le Missouri jusqu'à Kansas City. Dans cette ville où, grâce aux fortes racines du folklore afro-américain, le blues s'est développé et a finalement pris forme, le jeu virtuose des jazzmen de la Nouvelle-Orléans a trouvé un environnement exceptionnellement fertile. Au début des années 2010, le principal centre de développement de la musique jazz était Chicago, où, grâce aux efforts de nombreux musiciens venus de différentes régions des États-Unis, un style a été créé qui a reçu le surnom de Chicago jazz.

Balançoire

Le terme a deux significations. Premièrement, c'est un moyen d'expression dans le jazz. Un type caractéristique de pulsation basé sur des écarts constants du rythme par rapport aux battements de soutien. Grâce à cela, l'impression d'une grande énergie interne est créée, qui est dans un état d'équilibre instable. Deuxièmement, le style du jazz orchestral, né au tournant des années 1920 et 1930 à la suite de la synthèse des formes stylistiques noires et européennes de la musique jazz.

Interprètes : Joe Pass, Frank Sinatra, Benny Goodman, Norah Jones, Michel Legrand, Oscar Peterson, Ike Quebec, Paulinho Da Costa, Wynton Marsalis Septet, Mills Brothers, Stephane Grappelli.

Bop

Style de jazz qui s'est développé entre le début et le milieu des années 40 du 20e siècle et a marqué le début de l'ère du jazz moderne. Caractérisé par un tempo rapide et des improvisations complexes basées sur des changements d'harmonie plutôt que de mélodie. Le tempo ultra-rapide de la performance a été introduit par Parker et Gillespie afin d'éloigner les non-professionnels de leurs nouvelles improvisations. Entre autres choses, une caractéristique distinctive de tous les bebopers était leur comportement et leur apparence choquants : la trompette courbée de « Dizzy » Gillespie, le comportement de Parker et Gillespie, les chapeaux ridicules de Monk, etc. , le bebop a continué à développer ses principes dans l'utilisation de moyens d'expression, mais a en même temps découvert un certain nombre de tendances opposées.

Contrairement au swing, qui est principalement la musique des grands orchestres de danse commerciaux, le bebop est un mouvement créatif expérimental du jazz, associé principalement à la pratique de petits ensembles (combos) et anti-commercial dans son orientation. La phase bebop a marqué un changement significatif dans l’accent mis par le jazz, passant d’une musique de danse populaire à une « musique pour musiciens » plus artistique, intellectuelle, mais moins produite en masse. Les musiciens de Bop préféraient les improvisations complexes basées sur des accords plutôt que sur des mélodies.

Les principaux instigateurs de la naissance étaient : le saxophoniste Charlie Parker, le trompettiste Dizzy Gillespie, les pianistes Bud Powell et Thelonious Monk, le batteur Max Roach. Écoutez également Chick Corea, Michel Legrand, Joshua Redman Elastic Band, Jan Garbarek, Charles Mingus, Modern Jazz Quartet.

Grands groupes

La forme classique et établie des big bands est connue dans le jazz depuis les premières années. Cette forme a conservé sa pertinence jusqu'à la fin des années 1920. En règle générale, les musiciens qui rejoignaient la plupart des big bands, presque à l'adolescence, jouaient des parties très spécifiques, soit mémorisées lors des répétitions, soit à partir de notes. Des orchestrations soignées associées à de grandes sections de cuivres et de bois ont fait ressortir de riches harmonies de jazz et créé un son incroyablement fort qui est devenu connu sous le nom de « son de big band ».

Le big band est devenu la musique populaire de son époque, atteignant son apogée au milieu des années 1980. Cette musique est devenue la source de l’engouement pour la danse swing. Les chefs des célèbres orchestres de jazz Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnett ont composé ou arrangé et enregistré un véritable hit-parade de morceaux qui ont été entendus non seulement sur à la radio, mais aussi partout dans les dancings. De nombreux big bands ont présenté leurs solistes improvisateurs, qui ont plongé le public dans un état de quasi-hystérie lors de « batailles de groupes » très médiatisées.

Bien que la popularité des big bands ait considérablement diminué après la Seconde Guerre mondiale, les orchestres dirigés par Basie, Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, Harry James et bien d'autres ont tourné et enregistré fréquemment au cours des décennies suivantes. Leur musique se transforme progressivement sous l'influence des nouvelles tendances. Des groupes tels que des ensembles dirigés par Boyd Rayburn, Sun Ra, Oliver Nelson, Charles Mingus et Tad Jones-Mal Lewis ont exploré de nouveaux concepts en matière d'harmonie, d'instrumentation et de liberté d'improvisation. Aujourd’hui, les big bands constituent une référence dans l’enseignement du jazz. Des orchestres de répertoire tels que le Lincoln Center Jazz Orchestra, le Carnegie Hall Jazz Orchestra, le Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra et le Chicago Jazz Ensemble jouent régulièrement des arrangements originaux de compositions de big band.

En 2008, le livre canonique de George Simon « Big Bands of the Swing Era » a été publié en russe, qui est essentiellement une encyclopédie presque complète de tous les big bands de l'âge d'or du début des années 20 aux années 60 du 20e siècle.

Grand public

Le pianiste Duke Ellington

Après la fin de la mode dominante des grands orchestres à l'ère des big bands, lorsque la musique des grands orchestres a commencé à être supplantée sur scène par de petits ensembles de jazz, la musique swing a continué à se faire entendre. De nombreux solistes de swing célèbres, après des concerts dans des salles de bal, aimaient jouer pour s'amuser lors de jams spontanés dans de petits clubs de la 52e rue à New York. Et ce n’étaient pas seulement ceux qui travaillaient comme « sidemen » dans de grands orchestres, comme Ben Webster, Coleman Hawkins, Lester Young, Roy Eldridge, Johnny Hodges, Buck Clayton et d’autres. Les dirigeants des big bands eux-mêmes - Duke Ellington, Count Basie, Benny Goodman, Jack Teagarden, Harry James, Gene Krupa, étant initialement solistes, et pas seulement chefs d'orchestre, cherchaient également des opportunités de jouer séparément de leur grand groupe, dans un petit composition. N'acceptant pas les techniques innovantes du bebop à venir, ces musiciens ont adhéré à la manière traditionnelle du swing, tout en faisant preuve d'une imagination inépuisable lors de l'exécution de parties d'improvisation. Les principales stars du swing se produisaient et enregistraient constamment en petits groupes, appelés « combos », au sein desquels il y avait beaucoup plus de place pour l'improvisation. Avec le début de la montée du bebop, le style de cette direction du club jazz de la fin des années 1920 a reçu le nom de mainstream, ou mouvement principal. Certains des meilleurs interprètes de l'époque pouvaient être entendus en pleine forme lors des jams, alors que l'improvisation d'accords avait déjà pris le pas sur la méthode de coloration mélodique de l'ère du swing. Réapparaissant comme un style libre à la fin des années , le courant dominant a absorbé des éléments du cool jazz, du bebop et du hard bop. Le terme « mainstream contemporain » ou post-bebop est utilisé aujourd'hui pour presque tous les styles qui n'ont pas de lien étroit avec les styles historiques de la musique jazz.

Jazz du nord-est. Foulée

Louis Armstrong, trompettiste et chanteur

Bien que l'histoire du jazz ait commencé à la Nouvelle-Orléans avec l'avènement du 20ème siècle, la musique a réellement pris son essor dans les premières années lorsque le trompettiste Louis Armstrong a quitté la Nouvelle-Orléans pour créer une nouvelle musique révolutionnaire à Chicago. La migration des maîtres du jazz de la Nouvelle-Orléans vers New York, qui a commencé peu de temps après, a marqué une tendance à un mouvement constant des musiciens de jazz du Sud vers le Nord. Chicago a pris la musique de la Nouvelle-Orléans et l'a rendue chaude, en augmentant son intensité non seulement grâce aux efforts des célèbres ensembles Hot Five et Hot Seven d'Armstrong, mais aussi d'autres, y compris des maîtres tels qu'Eddie Condon et Jimmy McPartland, dont l'équipe à Austin High School a contribué à relancer les écoles de la Nouvelle-Orléans. Parmi les autres Chicagoans notables qui ont repoussé les limites du style de jazz classique de la Nouvelle-Orléans figurent le pianiste Art Hodes, le batteur Barrett Deems et le clarinettiste Benny Goodman. Armstrong et Goodman, qui ont finalement déménagé à New York, y ont créé une sorte de masse critique qui a aidé cette ville à devenir une véritable capitale mondiale du jazz. Et si Chicago est restée avant tout un centre d'enregistrement dans le premier quart du XXe siècle, New York est également devenue une scène majeure du jazz, avec des clubs mythiques comme le Minton Playhouse, le Cotton Club, le Savoy et le Village Vanguard, mais aussi des arènes telles que comme Carnegie Hall.

À la manière de Kansas City

À l'époque de la Grande Dépression et de la Prohibition, la scène jazz de Kansas City est devenue la Mecque des sons les plus récents de la fin des années 1900 et des années 1900. Le style qui a prospéré à Kansas City était caractérisé par des pièces émouvantes et teintées de blues interprétées à la fois par des big bands et de petits ensembles swing qui démontraient des solos très énergiques, interprétés pour les clients des bars clandestins vendant de l'alcool illégal. C'est dans ces courgettes que s'est cristallisé le style du grand Count Basie, qui a débuté à Kansas City dans l'orchestre de Walter Page puis avec Benny Mouthen. Ces deux orchestres étaient des représentants typiques du style de Kansas City, dont la base était une forme particulière de blues, appelée « blues urbain » et formée dans le jeu des orchestres mentionnés ci-dessus. La scène jazz de Kansas City se distinguait également par toute une galaxie de maîtres exceptionnels du blues vocal, le « roi » reconnu parmi lesquels se trouvait le soliste de longue date de l'orchestre Count Basie, le célèbre chanteur de blues Jimmy Rushing. Le célèbre saxophoniste alto Charlie Parker, né à Kansas City, a largement utilisé à son arrivée à New York les techniques caractéristiques du blues qu'il avait apprises dans les orchestres de Kansas City et qui constituèrent plus tard l'un des points de départ des expériences bopper en 2010.

Jazz de la côte ouest

Les artistes impliqués dans le mouvement cool jazz des années 1950 ont beaucoup travaillé dans les studios d’enregistrement de Los Angeles. Largement influencés par le nonet de Miles Davis, ces artistes basés à Los Angeles ont développé ce que l'on appelle aujourd'hui le « West Coast Jazz », ou Jazz de la côte ouest. En tant que studios d'enregistrement, des clubs tels que le Lighthouse à Hermosa Beach et le Haig à Los Angeles présentaient souvent ses maîtres, dont le trompettiste Shorty Rogers, les saxophonistes Art Pepper et Bud Schenk, le batteur Shelley Mann et le clarinettiste Jimmy Giuffre.

Cool (jazz cool)

La forte intensité et la pression du bebop ont commencé à faiblir avec le développement du cool jazz. À partir des dernières années et des premières années, les musiciens ont commencé à développer une approche de l'improvisation moins violente et plus douce, calquée sur le jeu léger et sec du saxophoniste ténor Lester Young, qu'il avait employé à l'époque du swing. Le résultat était un son détaché et uniformément plat, basé sur la « fraîcheur » émotionnelle. Le trompettiste Miles Davis, l'un des premiers pionniers du bebop qui l'a refroidi, est devenu le plus grand innovateur du genre. Son nonet, qui a enregistré l'album « The Birth of a Cool » dans les années 1950, était l'incarnation du lyrisme et de la retenue du cool jazz. Parmi les autres musiciens notables de l'école de jazz cool figurent le trompettiste Chet Baker, les pianistes George Shearing, John Lewis, Dave Brubeck et Lenny Tristano, le vibraphoniste Milt Jackson et les saxophonistes Stan Getz, Lee Konitz, Zoot Sims et Paul Desmond. Les arrangeurs ont également apporté une contribution significative au mouvement cool jazz, notamment Ted Dameron, Claude Thornhill, Bill Evans et le saxophoniste baryton Gerry Mulligan. Leurs compositions portaient sur la coloration instrumentale et le ralenti, sur des harmonies figées qui créaient l'illusion de l'espace. La dissonance a également joué un certain rôle dans leur musique, mais avec un caractère adouci et discret. Le format cool jazz a laissé la place à des ensembles un peu plus grands tels que des nonets et des tentets, qui sont devenus plus courants au cours de cette période qu'au début de la période bebop. Certains arrangeurs ont expérimenté une instrumentation modifiée, notamment des cuivres en forme de cône tels que le cor et le tuba.

Jazz progressif

Parallèlement à l'émergence du bebop, un nouveau genre se développe parmi le jazz : le jazz progressif, ou simplement progressif. La principale différence de ce genre est la volonté de s'éloigner du cliché figé des big bands et des techniques dépassées et usées de ce qu'on appelle. symphojazz introduit en 2000 par Paul Whiteman. Contrairement aux boppers, les créateurs progressistes ne cherchaient pas à rejeter radicalement les traditions du jazz qui s'étaient développées à cette époque. Ils cherchaient plutôt à mettre à jour et à améliorer les modèles de phrases swing, en introduisant dans la pratique de la composition les dernières réalisations du symphonisme européen dans le domaine de la tonalité et de l'harmonie.

La plus grande contribution au développement du concept de « progressiste » a été apportée par le pianiste et chef d'orchestre Stan Kenton. Le jazz progressif du début des années 1920 commence effectivement avec ses premières œuvres. Le son de la musique interprétée par son premier orchestre était proche de celui de Rachmaninov et les compositions portaient les traits du romantisme tardif. Cependant, en termes de genre, il était le plus proche du jazz symphonique. Plus tard, au cours des années de création de la célèbre série de ses albums « Artistry », les éléments du jazz ont cessé de jouer le rôle de créateur de couleur, mais étaient déjà organiquement tissés dans le matériau musical. Aux côtés de Kenton, le mérite en revient également à son meilleur arrangeur, Pete Rugolo, élève de Darius Milhaud. Un son symphonique moderne (pour ces années-là), une technique staccato spécifique dans le jeu des saxophones, des harmonies audacieuses, des secondes et des blocs fréquents, ainsi que la polytonalité et la pulsation rythmique du jazz - tels sont les traits distinctifs de cette musique avec laquelle Stan Kenton est entré dans le monde. histoire du jazz depuis de nombreuses années, comme l'un de ses innovateurs qui a trouvé une plate-forme commune pour la culture symphonique européenne et des éléments de bebop, particulièrement visibles dans les pièces où les instrumentistes solistes semblaient s'opposer aux sons du reste de l'orchestre. Il convient également de noter que Kenton a accordé une grande attention aux parties improvisées des solistes dans ses compositions, notamment le batteur de renommée mondiale Shelley Maine, le contrebassiste Ed Safransky, le tromboniste Kay Winding et June Christie, l'une des meilleures chanteuses de jazz de ces années. Stan Kenton est resté fidèle à son genre de prédilection tout au long de sa carrière.

Outre Stan Kenton, d'intéressants arrangeurs et instrumentistes Boyd Rayburn et Gil Evans ont également contribué au développement du genre. Une sorte d'apothéose du développement du progressif, à côté de la série « Artistry » déjà mentionnée, peut également être considérée comme une série d'albums enregistrés par le big band Gil Evans avec l'ensemble Miles Davis au cours des années, par exemple « Miles Ahead », « Porgy and Bess » et « Dessins espagnols ». Peu de temps avant sa mort, Miles Davis s'est à nouveau tourné vers ce genre, enregistrant d'anciens arrangements de Gil Evans avec le Quincy Jones Big Band.

Hard bop

Le hard bop (anglais - hard, hard bop) est un type de jazz apparu dans les années 50. XXe siècle de bop. Il se distingue par des rythmes expressifs et brutaux, basés sur le blues. Fait référence aux styles du jazz moderne. À peu près au même moment où le cool jazz prenait racine sur la côte ouest, des musiciens de jazz de Détroit, Philadelphie et New York commençaient à développer des variations plus dures et plus lourdes de l'ancienne formule du bebop, appelées Hard Bop ou Hard Bebop. Ressemblant beaucoup au bebop traditionnel par son agressivité et ses exigences techniques, le hard bop des années 1950 et 1960 s'appuyait moins sur les formes de chansons standard et commençait à mettre davantage l'accent sur les éléments de blues et la dynamique rythmique. Les solos incendiaires ou la maîtrise de l'improvisation, ainsi qu'un fort sens de l'harmonie, étaient des propriétés d'une importance primordiale pour les interprètes sur instruments à vent ; dans la section rythmique, la participation de la batterie et du piano devenait plus perceptible, et la basse acquérait un son plus fluide et plus funky. sentiment (tiré de la source « Littérature musicale » de Kolomiets Maria )

Jazz modal

Jazz soul

Rainure

Issu du soul jazz, le style groove dessine des mélodies aux notes bluesy et se caractérise par une concentration rythmique exceptionnelle. Parfois aussi appelé « funk », le groove se concentre sur le maintien d'un motif rythmique caractéristique continu, en l'aromatisant de légers embellissements instrumentaux et parfois lyriques.

Les œuvres interprétées dans le style groove sont pleines d'émotions joyeuses, invitant les auditeurs à danser, aussi bien dans une version lente et bluesy qu'à un tempo rapide. Les improvisations solos restent strictement subordonnées au rythme et au son collectif. Les représentants les plus célèbres de ce style sont les organistes Richard « Groove » Holmes et Shirley Scott, le ténorsaxophoniste Gene Emmons et le flûtiste/saxophoniste alto Leo Wright.

Jazz libre

La saxophoniste Ornette Coleman

Le mouvement le plus controversé de l’histoire du jazz est peut-être né avec l’avènement du free jazz, ou « New Thing », comme on l’appellera plus tard. Bien que des éléments du free jazz existaient dans la structure musicale du jazz bien avant que le terme lui-même ne soit inventé, son originalité réside dans les « expériences » d'innovateurs tels que Coleman Hawkins, Pee Wee Russell et Lenny Tristano, mais seulement vers la fin, au moment où Grâce aux efforts de pionniers tels que le saxophoniste Ornette Coleman et le pianiste Cecil Taylor, cette direction a pris forme comme un style indépendant.

Ce que ces deux musiciens, ainsi que d’autres dont John Coltrane, Albert Ayler et des groupes comme Sun Ra Arkestra et un groupe appelé The Revolutionary Ensemble, ont accompli une variété de changements dans la structure et le sentiment de la musique. Parmi les innovations introduites avec imagination et grande musicalité, on peut citer l'abandon de la progression d'accords, qui permettait à la musique d'aller dans n'importe quelle direction. Un autre changement fondamental a été constaté dans le domaine du rythme, où le « swing » a été soit révisé, soit complètement ignoré. Autrement dit, pulse, métrique et groove ne sont plus des éléments essentiels dans cette lecture du jazz. Un autre élément clé était lié à l’atonalité. Désormais, l'énonciation musicale n'était plus basée sur le système tonal conventionnel. Des notes perçantes, aboyantes, convulsives remplissent complètement ce nouveau monde sonore.

Le free jazz continue d’exister aujourd’hui en tant que forme d’expression viable et n’est en fait plus un style aussi controversé qu’il l’était à ses débuts.

Créatif

L'émergence de la direction « Créative » a été marquée par la pénétration d'éléments d'expérimentation et d'avant-garde dans le jazz. Le début de ce processus a coïncidé en partie avec l’émergence du free jazz. Les éléments de l’avant-garde du jazz, compris comme des changements et des innovations introduits dans la musique, ont toujours été « expérimentaux ». Ainsi, les nouvelles formes d'expérimentation proposées par le jazz dans les années 50, 60 et 70 représentaient la rupture la plus radicale avec la tradition, introduisant de nouveaux éléments de rythmes, de tonalité et de structure. En fait, la musique d'avant-garde est devenue synonyme de formes ouvertes, plus nombreuses. difficile à caractériser que même le free jazz. La structure pré-planifiée des paroles était mélangée à des phrases solos plus libres, rappelant en partie le free jazz. Les éléments de composition se confondaient tellement avec l'improvisation qu'il était déjà difficile de déterminer où se terminait la première et où la seconde se terminait réellement. La structure des œuvres a été conçue de telle sorte que le solo soit un produit de l'arrangement, conduisant logiquement le processus musical à ce qui serait normalement considéré comme une forme d'abstraction, voire de chaos. Des rythmes swing et même des mélodies pourraient être inclus dans la comédie musicale. thème, mais cela n'était pas du tout nécessaire dans les premières années. Parmi les pionniers de cette tendance figurent le pianiste Lenny Tristano, le saxophoniste Jimmy Joffrey et le compositeur/arrangeur/chef d'orchestre Gunther Schuller. Parmi les maîtres les plus récents figurent les pianistes Paul Bley et Andrew Hill, les saxophonistes Anthony Braxton et Sam Rivers, les batteurs Sunny Murray et Andrew Cyrille, ainsi que des membres de la communauté AACM (Association for the Advancement of Creative Musicians) comme l'Art Ensemble of Chicago.

La fusion

Partant non seulement de la fusion du jazz avec la pop et le rock, mais aussi de la musique issue de domaines tels que la soul, le funk et le rythme et le blues, la fusion (ou littéralement la fusion) en tant que genre musical a émergé à la fin - x, initialement appelé jazz. -rocher. Des musiciens individuels et des groupes tels que Eleventh House du guitariste Larry Coryell, Lifetime du batteur Tony Williams et Miles Davis ont ouvert la voie, introduisant des éléments tels que l'électro, les rythmes rock et les morceaux prolongés, éliminant une grande partie de ce sur quoi le jazz « se tenait » de son début, à savoir le swing beat, et basé principalement sur la musique blues, dont le répertoire comprenait à la fois du blues et des standards populaires. Le terme fusion est entré en usage peu de temps après l'émergence de divers orchestres, tels que le Mahavishnu Orchestra, Weather Report et l'ensemble Return To Forever de Chick Corea. Tout au long de la musique de ces ensembles, l’accent est constamment mis sur l’improvisation et la mélodique, ce qui lie fermement leur pratique à l’histoire du jazz, malgré les détracteurs qui prétendent qu’ils ont été « vendus » aux marchands de musique. En fait, entendues aujourd’hui, ces premières expériences ne semblent guère commerciales, invitant l’auditeur à participer à ce qui était une musique de nature hautement conversationnelle. Au milieu des années 1990, la fusion a évolué vers une variante de la musique easy listening et/ou rythmique et blues. Du point de vue de la composition ou du point de vue de l'interprétation, il a perdu une partie importante de sa netteté, voire l'a complètement perdue. À cette époque, les musiciens de jazz ont transformé la forme musicale de fusion en un véritable médium d’expression. Des artistes tels que le batteur Ronald Shannon Jackson, les guitaristes Pat Metheny, John Scofield, John Abercrombie et James « Blood » Ulmer, ainsi que le saxophoniste/trompettiste chevronné Ornette Coleman ont maîtrisé de manière créative cette musique dans différentes dimensions.

Post-bop

Le batteur Art Blakey

La période post-bop englobe la musique interprétée par des musiciens de jazz qui ont continué à créer dans le domaine du bebop, se détournant des expériences de free jazz qui se sont développées au cours de la même période dans les années 1960. Tout comme le hard bop susmentionné, cette forme reposait sur les rythmes, la structure d'ensemble et l'énergie du bebop, les mêmes combinaisons de cuivres et le même répertoire musical, y compris l'utilisation d'éléments latins. Ce qui distinguait la musique post-bop était l'utilisation d'éléments de funk, de groove ou de soul, remodelés dans l'esprit des temps nouveaux, marqués par la domination de la musique pop. Souvent, ce sous-type expérimente le blues rock. Des maîtres tels que le saxophoniste Hank Mobley, le pianiste Horace Silver, le batteur Art Blakey et le trompettiste Lee Morgan ont en fait commencé cette musique au milieu des années 1970 et ont anticipé ce qui est aujourd'hui devenu la forme dominante du jazz. Outre des mélodies plus simples et un rythme plus émouvant, l'auditeur pouvait entendre ici des traces de gospel et de rythme et de blues mélangés. Ce style, qui a connu quelques modifications au cours des années , a été dans une certaine mesure utilisé pour créer de nouvelles structures en tant qu'élément de composition. Le saxophoniste Joe Henderson, le pianiste McCoy Tyner et même un bopper de premier plan comme Dizzy Gillespie ont créé une musique dans ce genre à la fois humaine et harmoniquement intéressante. L'un des compositeurs les plus importants de cette période fut le saxophoniste Wayne Shorter. Shorter, ayant fait ses études dans l'ensemble d'Art Blakey, a enregistré plusieurs albums marquants sous son propre nom au cours de sa carrière. Avec le claviériste Herbie Hancock, Shorter a aidé Miles Davis à créer le quintette (le groupe post-bop le plus expérimental et le plus influent des années 2000 était le Davis Quintet avec John Coltrane) qui est devenu l'un des groupes les plus importants de l'histoire du jazz.

Jazz acide

Jazz Manouche

La diffusion du jazz

Le jazz a toujours suscité l’intérêt des musiciens et des auditeurs du monde entier, quelle que soit leur nationalité. Il suffit de retracer les premiers travaux du trompettiste Dizzy Gillespie et sa synthèse des traditions du jazz avec la musique des Cubains noirs dans les années 1960 ou la combinaison ultérieure du jazz avec la musique japonaise, eurasienne et moyen-orientale, célèbre dans l'œuvre du pianiste Dave Brubeck. , ainsi que celui du brillant compositeur et leader du jazz Duke Ellington Orchestra, qui combinait l'héritage musical de l'Afrique, de l'Amérique latine et de l'Extrême-Orient. Le jazz a constamment absorbé non seulement les traditions musicales occidentales. Par exemple, lorsque différents artistes ont commencé à essayer de travailler avec des éléments musicaux indiens. Un exemple de ces efforts peut être entendu dans les enregistrements du flûtiste Paul Horne au Taj Mahal, ou dans le courant de la « musique du monde » représenté, par exemple, dans le travail du groupe Oregon ou dans le projet Shakti de John McLaughlin. La musique de McLaughlin, auparavant largement basée sur le jazz, a commencé à utiliser de nouveaux instruments d'origine indienne, tels que le khatam ou le tabla, tout en travaillant avec Shakti, a introduit des rythmes complexes et a largement utilisé la forme indienne raga. L'Art Ensemble de Chicago a été l'un des premiers pionniers de la fusion des formes africaines et du jazz. Plus tard, le monde a connu le saxophoniste/compositeur John Zorn et ses explorations de la culture musicale juive, tant au sein qu’à l’extérieur de l’Orchestre de Massada. Ces œuvres ont inspiré des groupes entiers d'autres musiciens de jazz, comme le claviériste John Medeski, qui a enregistré avec le musicien africain Salif Keita, le guitariste Marc Ribot et le bassiste Anthony Coleman. Le trompettiste Dave Douglas intègre avec enthousiasme les influences balkaniques dans sa musique, tandis que l'Asian-American Jazz Orchestra est devenu l'un des principaux défenseurs de la convergence du jazz et des formes musicales asiatiques. Alors que la mondialisation se poursuit, le jazz continue d’être influencé par d’autres traditions musicales, fournissant ainsi un terrain fertile pour les recherches futures et prouvant que le jazz est véritablement une musique du monde.

Le jazz en URSS et en Russie

Premier en RSFSR
orchestre excentrique
groupe de jazz de Valentin Parnakh

Dans la conscience de masse, le jazz a commencé à gagner en popularité dans les années 30, en grande partie grâce à l'ensemble de Leningrad dirigé par l'acteur et chanteur Leonid Utesov et le trompettiste Ya. La comédie cinématographique populaire avec sa participation « Jolly Fellows » (1934, titre original « Jazz Comedy ») était consacrée à l'histoire du musicien de jazz et avait une bande originale correspondante (écrite par Isaac Dunaevsky). Utyosov et Skomorovsky ont formé le style original du « théa-jazz » (théâtre jazz), basé sur un mélange de musique avec le théâtre, l'opérette, les numéros vocaux et l'élément de performance y a joué un rôle important.

Une contribution notable au développement du jazz soviétique a été apportée par Eddie Rosner, compositeur, musicien et chef d'orchestre. Après avoir débuté sa carrière en Allemagne, en Pologne et dans d'autres pays européens, Rosner s'installe en URSS et devient l'un des pionniers du swing en URSS et le fondateur du jazz biélorusse. Les groupes moscovites des années 30 et 40, dirigés par Alexander Tsfasman et Alexander Varlamov, ont également joué un rôle important dans la vulgarisation et le développement du style swing. Le All-Union Radio Jazz Orchestra dirigé par A. Varlamov a participé au premier programme télévisé soviétique. La seule composition qui ait survécu de cette époque était l'orchestre d'Oleg Lundstrem. Ce big band désormais largement connu était l'un des rares et meilleurs ensembles de jazz de la diaspora russe, se produisant entre 1935 et 1947. en Chine.

L'attitude des autorités soviétiques envers le jazz était ambiguë : les artistes de jazz nationaux, en règle générale, n'étaient pas interdits, mais les critiques sévères du jazz en tant que tel étaient répandues dans le contexte de l'opposition à la culture occidentale en général. À la fin des années 40, lors de la lutte contre le cosmopolitisme, le jazz en URSS traversait une période particulièrement difficile, lorsque les groupes interprétant de la musique « occidentale » étaient persécutés. Avec le début du « dégel », les persécutions contre les musiciens ont cessé, mais les critiques ont continué.

Selon les recherches de Penny Van Eschen, professeur d'histoire et de culture américaine, le Département d'État américain a tenté d'utiliser le jazz comme une arme idéologique contre l'URSS et contre l'expansion de l'influence soviétique dans le tiers monde.

Le premier livre sur le jazz en URSS a été publié par la maison d'édition de Leningrad Academia en 1926. Il a été compilé par le musicologue Semyon Ginzburg à partir de traductions d'articles de compositeurs et de critiques musicaux occidentaux, ainsi que de ses propres documents, et s'intitulait « Groupe de jazz et musique moderne» .
Le prochain livre sur le jazz n'a été publié en URSS qu'au début des années 1960. Il a été écrit par Valery Mysovsky et Vladimir Feiertag, intitulé « le jazz» et était essentiellement une compilation d’informations qui pouvaient être obtenues à partir de diverses sources à l’époque. À partir de ce moment-là, les travaux ont commencé sur la première encyclopédie du jazz en russe, publiée seulement en 2001 par la maison d'édition « Skifia » de Saint-Pétersbourg. Encyclopédie " Le jazz. XXe siècle Ouvrage de référence encyclopédique"a été préparé par l'un des critiques de jazz les plus réputés, Vladimir Feyertag, contenait plus d'un millier de noms de personnalités du jazz et a été unanimement reconnu comme le principal livre de langue russe sur le jazz. En 2008, la deuxième édition de l'encyclopédie « Le jazz. Ouvrage de référence encyclopédique", où l'histoire du jazz s'est déroulée jusqu'au 21e siècle, des centaines de photographies rares ont été ajoutées et la liste des noms du jazz a été augmentée de près d'un quart.

Jazz latino-américain

La fusion d'éléments rythmiques latins est présente dans le jazz presque depuis le début du creuset culturel amorcé à la Nouvelle-Orléans. Jelly Roll Morton a parlé de "saveurs espagnoles" dans ses enregistrements du milieu à la fin. Duke Ellington et d’autres chefs d’orchestre de jazz utilisaient également des formes latines. Ancêtre majeur (bien que peu reconnu) du jazz latin, le trompettiste/arrangeur Mario Bausa a apporté une orientation cubaine de sa Havane natale à l'orchestre de Chick Webb dans les années , et une décennie plus tard, il l'a transposée dans le son des orchestres de Don Redman, Fletcher Henderson et Cab Calloway. En travaillant avec le trompettiste Dizzy Gillespie dans le Calloway Orchestra de la fin des années , Bausa a introduit une direction qui avait déjà un lien direct avec les big bands de Gillespie du milieu des années . « L'histoire d'amour » de Gillespie avec les formes musicales latines s'est poursuivie pendant le reste de sa longue carrière. En 2010, Bausa poursuit sa carrière en devenant directeur musical de l'Orchestre afro-cubain Machito, dirigé par son beau-frère, le percussionniste Frank « Machito » Grillo. Les années 1950-1960 sont marquées par un long flirt entre le jazz et les rythmes latins, principalement dans le sens de la bossa nova, enrichissant cette synthèse d'éléments brésiliens de samba. Combinant le style cool jazz développé par les musiciens de la côte ouest, les proportions classiques européennes et les séduisants rythmes brésiliens, la bossa nova, ou plus exactement le « jazz brésilien », est devenue largement connue aux États-Unis vers 1995. Des rythmes de guitare acoustique subtils mais hypnotiques ponctuaient des mélodies simples chantées en portugais et en anglais. Découvert par les Brésiliens João Gilberto et Antonio Carlos Jobin, le style est devenu une alternative de danse au hard bop et au free jazz dans les années 1980, augmentant considérablement sa popularité grâce aux enregistrements et aux performances de musiciens de la côte ouest tels que le guitariste Charlie Byrd et le saxophoniste Stan Getz. L'amalgame musical des influences latines s'est propagé à travers le jazz et au-delà dans les années , comprenant non seulement des orchestres et des groupes avec des improvisateurs latinos de premier ordre, mais également une combinaison d'artistes autochtones et latins, créant certaines des musiques de scène les plus excitantes. . Cette nouvelle renaissance du latin jazz a été alimentée par un afflux constant d'artistes étrangers parmi les transfuges cubains, tels que le trompettiste Arturo Sandoval, le saxophoniste et clarinettiste Paquito D'Rivera, et d'autres. qui ont fui le régime de Fidel Castro à la recherche de plus grandes opportunités, qu'ils espéraient trouver à New York et en Floride. On pense également que les qualités plus intenses et plus dansantes de la musique polyrythmique du jazz latin ont considérablement élargi le public du jazz. C'est vrai, tout en ne conservant qu'un minimum d'intuitivité pour la perception intellectuelle.

Le jazz dans le monde moderne

Cette section peut contenir des recherches originales.

le jazz

art de style musical jazz

Le jazz est une forme d'art musical née à la fin du XIXe et au début du XXe siècle aux États-Unis à la suite de la synthèse des cultures africaines et européennes et qui s'est ensuite répandue. Les traits caractéristiques du langage musical du jazz étaient initialement l'improvisation, la polyrythmie basée sur des rythmes syncopés et un ensemble unique de techniques pour exécuter une texture rythmique - le swing. Le développement ultérieur du jazz s'est produit grâce au développement de nouveaux modèles rythmiques et harmoniques par les musiciens et compositeurs de jazz. Contenu

Histoire du développement du jazz. Principaux courants

Origines du jazz

Le jazz est né d'une combinaison de plusieurs cultures musicales et traditions nationales. Il est originaire des terres africaines. Toute musique africaine se caractérise par un rythme très complexe, la musique est toujours accompagnée de danses, qui consistent en des piétinements et des applaudissements rapides (les musiciens noirs touchent facilement les cordes d'un banjo, des claquettes sur un tambourin et des castagnettes, et en même temps effectuer des pas incroyables avec leurs pieds). Sur cette base, à la fin du XIXe siècle, un autre genre musical, le ragtime, émerge. Par la suite, les rythmes ragtime combinés à des éléments de blues ont donné naissance à une nouvelle direction musicale : le jazz.

Les origines du jazz sont liées au blues. Il est né à la fin du XIXe siècle comme une fusion de rythmes africains et d'harmonie européenne, mais ses origines doivent être recherchées à partir du moment de l'importation d'esclaves d'Afrique sur le territoire du Nouveau Monde. Les esclaves amenés ne venaient pas de la même famille et ne se comprenaient généralement pas. Le besoin de consolidation a conduit à l'unification de nombreuses cultures et, par conséquent, à la création d'une culture unique (y compris musicale) des Afro-Américains. Les processus de mélange des cultures musicales africaine et européenne (qui ont également connu de sérieux changements dans le Nouveau Monde) se sont produits à partir du XVIIIe siècle et ont conduit au XIXe siècle à l'émergence du « proto-jazz », puis du jazz au sens généralement accepté. .

Le berceau du jazz était le sud des États-Unis et surtout la Nouvelle-Orléans. Le 26 février 1917, dans le studio new-yorkais de la société Victor, cinq musiciens blancs de la Nouvelle-Orléans enregistrent le premier disque de jazz. L'importance de ce fait est difficile à surestimer : avant la sortie de ce disque, le jazz restait un phénomène marginal, le folklore musical, et ensuite il a stupéfié toute l'Amérique en quelques semaines. L'enregistrement appartenait au légendaire "Original Dixieland Jazz Band".

La particularité du style jazz est la performance individuelle unique d'un jazzman virtuose. La clé de la jeunesse éternelle du jazz est l’improvisation. Après l'apparition du brillant interprète qui a vécu toute sa vie au rythme du jazz et qui reste encore une légende - Louis Armstrong, l'art de l'interprétation jazz a vu des horizons nouveaux et insolites : l'interprétation solo vocale ou instrumentale devient le centre de l'ensemble de la performance, changer complètement l'idée du jazz.

Le jazz n’est pas seulement un certain type de performance musicale, mais aussi une époque unique et joyeuse.

Âme, swing ?

Tout le monde sait probablement à quoi ressemble une composition de ce style. Ce genre est apparu au début du XXe siècle aux États-Unis d'Amérique et représente une certaine combinaison de culture africaine et européenne. Une musique étonnante a presque immédiatement attiré l'attention, trouvé ses fans et s'est rapidement répandue dans le monde entier.

Il est assez difficile de véhiculer un cocktail musical jazz, puisqu'il combine :

• musique vive et entraînante;
• le rythme unique des tambours africains ;
• hymnes religieux des baptistes ou des protestants.

Qu'est-ce que le jazz en musique ? Il est très difficile de définir ce concept, car il contient des motifs apparemment incompatibles qui, interagissant les uns avec les autres, donnent au monde une musique unique.

Particularités

Quels sont les traits caractéristiques du jazz ? Qu'est-ce que le rythme du jazz ? Et quelles sont les caractéristiques de cette musique ? Les traits distinctifs du style sont :

• une certaine polyrythmie ;
• pulsation constante des bits;
• un ensemble de rythmes ;
• improvisation.

La palette musicale de ce style est colorée, lumineuse et harmonieuse. Il montre clairement plusieurs timbres distincts qui fusionnent. Le style est basé sur une combinaison unique d'improvisation avec une mélodie pré-pensée. L'improvisation peut être pratiquée soit par un soliste, soit par plusieurs musiciens dans un ensemble. L'essentiel est que le son global soit clair et rythmé.

Histoire du jazz

Cette direction musicale s'est développée et façonnée au cours d'un siècle. Le jazz est né des profondeurs de la culture africaine, lorsque les esclaves noirs, amenés d'Afrique en Amérique pour se comprendre, ont appris à ne faire qu'un. En conséquence, ils ont créé un art musical unifié.

L'interprétation des mélodies africaines se caractérise par des mouvements de danse et l'utilisation de rythmes complexes. Tous, ainsi que les mélodies de blues habituelles, ont constitué la base de la création d'un art musical complètement nouveau.

L'ensemble du processus de combinaison des cultures africaine et européenne dans l'art du jazz a commencé à la fin du XVIIIe siècle, s'est poursuivi tout au long du XIXe siècle et n'a conduit qu'à la fin du XXe siècle à l'émergence d'une direction musicale complètement nouvelle.

Quand est apparu le jazz ? Qu’est-ce que le Jazz de la Côte Ouest ? La question est assez ambiguë. Cette tendance est apparue dans le sud des États-Unis d'Amérique, à la Nouvelle-Orléans, vers la fin du XIXe siècle.

La phase initiale de l'émergence de la musique jazz se caractérise par une sorte d'improvisation et de travail sur une même composition musicale. Il a été joué par le principal soliste de trompette, des trombonistes et des clarinettistes en combinaison avec des instruments de musique à percussion sur fond de musique de marche.

Styles de base

L'histoire du jazz a commencé il y a assez longtemps et, à la suite du développement de cette direction musicale, de nombreux styles différents sont apparus. Par exemple:

• le jazz archaïque ;
• bleus;
• âme;
• jazz soul;
• scat;
• Style de jazz de la Nouvelle-Orléans ;
• son;
• balançoire.

Le berceau du jazz a laissé une grande empreinte sur le style de ce mouvement musical. Le tout premier type traditionnel créé par un petit ensemble était le jazz archaïque. La musique est créée sous forme d'improvisation sur des thèmes de blues, ainsi que de chants et de danses européens.

Le blues peut être considéré comme une direction assez caractéristique, dont la mélodie repose sur un rythme clair. Ce type de genre se caractérise par une attitude pitoyable et une glorification de l'amour perdu. Dans le même temps, un humour léger se retrouve dans les textes. La musique jazz implique une sorte de pièce de danse instrumentale.

La musique noire traditionnelle est considérée comme un mouvement soul, directement lié aux traditions du blues. Le jazz de la Nouvelle-Orléans semble assez intéressant, qui se distingue par un rythme à deux temps très précis, ainsi que par la présence de plusieurs mélodies distinctes. Cette direction se caractérise par le fait que le thème principal est répété plusieurs fois dans différentes variations.

En Russie

Dans les années trente, le jazz était très populaire dans notre pays. Les musiciens soviétiques ont appris ce que sont le blues et la soul dans les années trente. L'attitude des autorités à l'égard de cette direction était très négative. Au départ, les artistes de jazz n'étaient pas interdits. Cependant, cette direction musicale en tant que composante de l'ensemble de la culture occidentale a fait l'objet de critiques assez sévères.

À la fin des années 40, les groupes de jazz étaient persécutés. Au fil du temps, les répressions contre les musiciens ont cessé, mais les critiques ont continué.

Faits intéressants et fascinants sur le jazz

Le berceau du jazz est l'Amérique, où différents styles musicaux se sont combinés. Cette musique est apparue pour la première fois parmi les représentants opprimés et privés de leurs droits du peuple africain, expulsés de force de leur patrie. Lors des rares heures de repos, les esclaves chantaient des chants traditionnels en frappant dans leurs mains pour s'accompagner, car ils ne disposaient pas d'instruments de musique.

Au tout début, c'était de la vraie musique africaine. Cependant, au fil du temps, cela a changé et des motifs d'hymnes religieux chrétiens y sont apparus. À la fin du 19ème siècle, d’autres chansons sont apparues dans lesquelles on protestait et on se plaignait de sa vie. De telles chansons ont commencé à être appelées blues.

La principale caractéristique du jazz est considérée comme le rythme libre, ainsi que la liberté totale du style mélodique. Les musiciens de jazz devaient être capables d'improviser individuellement ou collectivement.

Depuis sa création à la Nouvelle-Orléans, le jazz a parcouru un chemin assez difficile. Elle s’est répandue d’abord en Amérique, puis dans le monde entier.

Les meilleurs interprètes de jazz

Le jazz est une musique particulière, empreinte d'une inventivité et d'une passion hors du commun. Elle ne connaît ni frontières ni limites. Des artistes de jazz célèbres sont capables de donner littéralement vie à la musique et de la remplir d'énergie.

L'artiste de jazz le plus célèbre est Louis Armstrong, vénéré pour son style vif, sa virtuosité et son inventivité. L'influence d'Armstrong sur la musique jazz est inestimable, car il est le plus grand musicien de tous les temps.

Duke Ellington a grandement contribué à cette direction en utilisant son groupe musical comme laboratoire musical pour mener des expériences. Au cours de toutes les années de son activité créatrice, il a écrit de nombreuses compositions originales et uniques.

Au début des années 80, Wynton Marsalis devient une véritable découverte en choisissant de jouer du jazz acoustique, ce qui crée une véritable sensation et provoque un nouvel intérêt pour cette musique.