Rafael Santi est l'un des les plus grands peintresère " Haute Renaissance" Au cours des 37 années de sa vie, il a écrit plus de 200 tableaux. Sa belle série de Madones est particulièrement célèbre. Il fut le premier à donner aux Madones une expression non pas distante, mais tendre et égocentrique.
Rafael avait un sens aigu des femmes ; à l'âge de 8 ans, il perdit prématurément sa mère. Il a ensuite vu son image dans une fresque de son père, l'artiste de la cour, Giovanni Santi. Toute sa vie, il a été à la recherche de la chaleur maternelle perdue. Les œuvres de Raphaël sont empreintes de gentillesse maternelle, de grâce et de proximité humaine des personnages bibliques.
Ses peintures étaient si belles que leurs propriétaires ne pouvaient s'arracher à la contemplation. Par exemple, le duc de Lorraine Ferdinand III, après avoir reçu le tableau « Madone de Granduca », ne s'en est jamais séparé. Partout où il allait, il l'emmenait avec lui, il la plaçait dans sa chambre. En la voyant, le duc ressentit un sentiment de détente, de paix et de grâce. Comment s’est développé le talent de cet artiste ?
Éducation à domicile
Raphaël n'a jamais été confié à des nounous ou à des servantes. Sa mère l'a allaité, ses parents ont eux-mêmes élevé l'enfant, même si cela n'était pas accepté selon les traditions de l'époque. Le père de Raphaël, Giovanni Santi, était non seulement un artiste de cour et un poète, mais aussi l'homme le plus instruit de son temps. Il devint en quelque sorte ministre de l'Éducation à la cour du duc d'Urbino.
Enseignant à son fils les compétences d'un artiste, Giovanni s'est vite rendu compte que le garçon se développait rapidement et comprenait tout. Lorsque Giovanni lui a transmis toutes ses compétences et s'est rendu compte qu'il ne pouvait rien enseigner de plus, il a emmené son fils à Pérouse pour étudier avec l'artiste le plus célèbre d'Italie de l'époque - Pietro Perugino.
Amis et mécènes
Le père du garçon est décédé prématurément, alors que Raphaël n'avait que 11 ans. Ayant perdu ses deux parents, Rafael continue à venir souvent à Urbino. Il aimait l'atmosphère de la cour d'Urbino, où philosophes humanistes, poètes et artistes se réunissaient sous le patronage de la duchesse éclairée Elizabeth Gonzaga. Un centre de la culture de la Renaissance s'y est formé, où Raphaël était le favori de tous. Chercheurs Cette atmosphère a prédéterminé le sort de Raphaël. Peut-être que Raphaël est alors devenu un gnostique, ce qui s'est reflété plus tard dans le symbolisme de ses peintures.
Un artiste a un style de pensée particulier
Il était d'usage que les artistes de cette époque exercent différents métiers créatifs : architecte, sculpteur, peintre et poète. On croyait qu'un artiste n'était pas seulement la capacité de dessiner, mais aussi un style de pensée particulier. Pour devenir un artiste célèbre, il fallait être intelligent. Et Rafael a réussi.
La magie de ses peintures réside dans la construction mathématique complexe de l'espace, modélisant la situation et dirigeant l'attention ; il vous intrigue et vous plonge dans l'intrigue, vous accompagnant avec élégance, grâce, charme et lignes mélodieuses. Il y a un état sacré dans ses œuvres qui donne accès au sublime.
Soif de nouvelles connaissances
A 17 ans, Raphaël était déjà devenu un artiste reconnu, participait à la peinture de divers temples et recevait de nombreuses commandes privées. En 1505, il sentit qu'il avait épuisé les possibilités d'étudier avec le Pérugin. Rafael était constamment déterminé à apprendre. Il avait une soif incroyable de nouvelles significations. Lorsque des rumeurs lui parvinrent selon lesquelles il existait à Florence une puissante cohorte d'artistes, il abandonna tout et partit y étudier.
Amitié avec Léonard de Vinci et Michel-Ange
A Florence, il était un étranger. Les artistes ont parfois des personnalités complexes et querelleuses et sont très réticents à rencontrer de nouvelles personnes, mais Raphaël était une personne si amicale, intelligente et courtoise qu'il rejoignit facilement leur entreprise et devint un habitué des réunions d'artistes de la « Pot Society ».
À Florence, il reçoit des commandes de portraits de la noblesse locale, qu'il peint déjà en utilisant les lois découvertes par Léonard de Vinci dans la construction de la perspective compositionnelle et solutions de couleurs. Raphaël, dans son travail, a embrassé tout ce qui l'a précédé et est parvenu à la perfection. C'est à Florence qu'il crée sa série des 42 Madones, où il chante les états de la maternité et d'une douce créature sans défense.
Il est important que, même si Rafael était déjà un professionnel reconnu, il était prêt à apprendre à tout moment. De Michel-Ange, il apprend la plasticité et les tournures dramatiques, les angles complexes, mais dans son caractère il n'avait pas l'esprit rebelle, l'obstination comme Michel-Ange.
Une sage décision de rester soi-même
Raphaël a été félicité pour sa sagesse en comprenant que ce n'était pas son style. Il aimait la musique, aimait s’habiller magnifiquement, aimait les femmes. L'artiste s'est repéré et a commencé à représenter des reliefs anatomiques à l'aide de draperies ; Raphaël s'est rendu compte qu'il n'avait pas réussi dans les scènes de bataille et les portraits de personnes au caractère dur et dominateur. Il assume les autres, l'harmonie et la sérénité. Ovales, rythme, musique interne sont inhérents aux peintures de Raphaël.
Tableau "Dame à la Licorne"
Remerciements aux professeurs
En 1508, à l'invitation du pape Jules II, Raphaël s'installe à Rome pour peindre les salles du palais du Vatican. En 1511, Raphaël peint la fresque "". Son cœur était toujours plein de gratitude envers ses grands professeurs. Dans les positions centrales, il représente Léonard et Michel-Ange, leur rendant hommage.
Il est à noter que lorsque Raphaël a montré une esquisse de cette œuvre au pape Jules, il l'a tellement aimé que lui, étant un homme vif et décisif, a ordonné que les fresques d'un autre artiste soient démolies du mur déjà peint et que le tableau de Raphaël soit y être placé.
Histoire d'amour romantique, mystérieuse et tragique d'un grand artiste
Raphaël a toujours été un favori des femmes, de nombreuses personnes nobles lui ont montré des signes d'attention, de nombreuses familles rêvaient d'avoir comme gendre un artiste célèbre et riche. Il a longtemps évité le mariage ; la rumeur courait que Raphaël rêvait de devenir cardinal.
Cependant, il y avait une femme dans sa vie qu'il considérait comme sa muse, c'était Margarita Luti, la fille d'un boulanger. Elle a posé pour un portrait du tableau le plus célèbre de Fornarin et Raphaël, "".
Agostino Chigi, banquier et ami romain de Raphaël, l'invita à peindre les murs de son palais Farnesino. Selon une légende, Raphaël, souffrant d'amour et de jalousie, ne pouvait même pas travailler sur les fresques. Chigi a persuadé sa dame d'être constamment avec lui, où qu'il soit, et ainsi Raphaël a terminé le travail.
Selon une légende, Raphaël aurait acheté Margarita Luti à son père pour 3 000 pièces d'or, pendant la période où elle était fiancée. Elle trompe Raphaël avec Agostino Chigi, élève de l'artiste, et devient par la suite la courtisane la plus célèbre de Rome. Selon une autre version, ils avaient un fort sentiment mutuel ; elle fut son amante et son modèle pendant 12 ans, jusqu'à sa mort. Rafael est mort dans son lit. Dans le tableau de Farnarin, une radiographie a révélé une bague en rubis, symbole des fiançailles. Peu de temps après la mort de son amant, Farnarina mourut au monastère, où elle fut enregistrée comme veuve de Raphaël.
Mort de Raphaël
Quand Rafael était malade, papa l'a envoyé six fois s'enquérir de son état de santé. Il décède le 6 avril 1520 à l'âge de 37 ans, le jour même de sa naissance. L’artiste n’a pas vécu assez longtemps pour voir le jour où le pape l’aurait fait cardinal.
Artiste brillant Rafael Sanzio est né dans la petite ville italienne d'Urbino en 1483. Comme la plupart des villes italiennes de l'époque, Urbino était un État indépendant dirigé par le duc Federigo de Montefeltro, célèbre pour son amour des arts et des sciences. Son fils Guidobaldo da Urbino fit de sa cour le centre des esprits les plus marquants d'Italie. Urbino n'était pas une ville exceptionnelle à cet égard. L'amour pour la science et l'art était un trait distinctif de toutes les villes italiennes de la Renaissance.
Rafael Sanzio est issu de la famille d'un petit commerçant, l'artisan Giovanni Sanzio. Giovanni possédait son propre atelier, dans lequel il peignait des images, finissait des meubles, des selles et dorait divers objets. Les concepts d'artisan et d'artiste n'étaient alors pas séparés - tous les objets d'artisanat étaient, dans une plus ou moins grande mesure, œuvres d'art, tout a été créé sur la base d'exigences élevées quant à la beauté des choses. Raphaël est impliqué dans le travail de l'atelier de son père depuis son enfance. Ayant montré très tôt un penchant pour le dessin, il commença à étudier avec son père qui, s'il n'était pas un merveilleux peintre, comprenait et appréciait la peinture. Dans sa jeunesse, lorsque Giovanni effectuait une période d'apprentissage, il voyageait souvent et écrivait beaucoup. Et maintenant, ses œuvres ont survécu (par exemple, « La Vierge entourée de saints » dans l'église de Santa Croce à Fano).
Urbino n'était à cette époque le centre d'aucune école de peinture, comme Pérouse, Florence ou Sienne, mais la ville était souvent visitée par de nombreux artistes qui exécutaient des commandes individuelles et influençaient les peintres d'Urbino avec leurs œuvres. Paolo Ucelo, Piero della Francesca et Melozzo da Forli ont visité Urbino, qui ont réalisé quatre allégories des « Arts libéraux » pour la cour d'Urbino - une œuvre pleine de calme majestueux.
En 1494, alors que Raphaël n'avait que onze ans, son père mourut. La famille Sanzio était alors composée de Bernardina, la seconde épouse de Giovanni (la mère de Raphaël est décédée quand il avait huit ans), des deux sœurs de Giovanni, le petit Raphaël, et de son oncle, le moine Bartolomeo, nommé tuteur du futur artiste. Les membres de la famille ne s’entendaient pas très bien. Raphaël vécut dans sa famille jusqu'en 1500. Cette période de la vie de Raphaël est la moins connue. En tout cas, on sait que Raphaël était engagé dans la peinture pendant tout ce temps et était l'élève de l'artiste Timoteo Viti, qui travaillait à la cour de Federigo de Montefeltro.
En 1500, Raphaël se rend dans la ville de Pérouse, la plus proche d'Urbino, célèbre pour ses maîtres peintres. Le peintre le plus célèbre de la région, Pietro Vannucci, plus connu sous ce nom, vivait à Pérouse. Le Pérugin avait son propre atelier, un grand nombre d'étudiants, et seul Signorelli, qui vivait à cette époque dans la ville de Cortona, située un peu plus loin d'Urbino que Pérouse, rivalisait avec lui de renommée en Ombrie.
Pérouse était le centre de toute l'Ombrie. Située sur un plateau rocheux, la ville a été un monument vivant à plusieurs époques. Tout dans cette ville respirait l'art : depuis les anciennes murailles, les portes de l'époque étrusque, les tours et bastions de l'époque féodale, jusqu'à la fontaine de Giovanni Pisano, qui est entrée dans l'histoire de l'art, et la bourse de Cambio, dans laquelle la corporation locale des banquiers s'est réunie. Pérouse a vécu une vie dynamique ; Fondamentalement, la vie se déroulait sur la place : les différends y étaient résolus, des festivités y étaient organisées, les mérites des dirigeants et des guerriers, les bâtiments et les peintures étaient discutés. La vie de la cité était pleine de contrastes : crimes et vertus, complots, meurtres, cruautés, humilité, bonhomie et gaieté sincère coexistaient facilement. Pérouse était gouvernée par un légat papal qui ne jouissait pas d'autorité et était constamment menacé d'assassinat. Et non seulement les meurtres secrets, mais aussi les meurtres ouverts n'ont pas été particulièrement condamnés. A cette époque, la ville donna au maître Pérugin l'ordre de peindre à fresque l'échange local de Cambio. C'est ainsi que sont nées « La Transfiguration », « L'Adoration des Mages » et d'autres œuvres du Pérugin, sur lesquelles il a travaillé pendant plus de sept ans.
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Adoration des Mages
Transfiguration
Michel-Ange trouvait l'art du Pérugin ennuyeux et dépassé. Cette évaluation était due au fait que les traditions les plus conservatrices du Quattrocento étaient encore vivantes à Pérouse (dans l'histoire de la culture italienne, il y a une périodisation par siècle ; par conséquent, la Renaissance est classiquement divisée en les périodes suivantes : Trocento - XIVe siècle , Quattrocento - XV siècle et Cinquecento - XVI siècle .). Les artistes ont créé ici des compositions qui étaient en quelque sorte proches de l'art ancien. Leur caractère primitif était leur trait distinctif. Généralement, ces peintures adhéraient étroitement aux textes des Écritures. Les artistes ne savaient pas encore mettre en valeur les idées qui les passionnaient, séparer avec compréhension le nécessaire de l'accidentel. Les peintures de nombreux Quattrocentistes - et les artistes de Pérouse l'étaient plus que d'autres - sont surchargées de détails, de figures, la représentation picturale du thème biblique y était assez naïve.
L'école ombrienne s'est développée sous l'influence des Siennois. Les artistes siennois errant à travers les villes et les villages ont laissé leurs créations naïves, caractérisées par un certain archaïsme épique et une monotonie iconographique, sur les autels et sur les murs des églises. Le caractère sublime de ces peintures iconiques distinguait les Siennois des autres. Ecoles italiennes. L'école de Sienne a amélioré les idéaux patriarcaux médiévaux et, bien qu'elle ait atteint une grande compétence dans ses icônes et soit célèbre pour la pureté et la subtilité des contours, la tendresse et la minutie de l'exécution, elle n'a toujours pas dépassé les objets d'images traditionnels. Ainsi, les Siennois se tournaient peu vers la nature, toutes leurs compositions étaient construites sur fond d'architecture fantastique, mais l'azur délicat de leurs peintures ainsi que la convention même et la monotonie traditionnelle étaient très appréciées en Ombrie. De nombreux artistes ombriens se sont développés sous l'influence des Siennois.
L'art de Florence, qui était à cette époque le centre de la vie artistique et absorbait tous les plus brillants et les plus talentueux, n'était pas étranger à Pérouse. Florence influencée par la complexité et la nouveauté de ses tâches artistiques, sa compréhension humaniste audacieuse de la beauté. Les plus grands artistes de l'Ombrie - Luca Signorelli, Perugino et Pinturicchio ont créé leurs merveilleuses œuvres grâce au fait qu'ils se sont appuyés non seulement sur Sienne, mais aussi sur la tradition florentine. Si Signorelli a été davantage influencé par Florence, qui a attiré son attention sur le corps humain nu, façonnant son caractère déjà sévère et direct vers une logique et une franchise extrêmes, alors le Pérugin est plus proche des Siennois avec leur patriarcat et leur conservatisme artistique.
Le Pérugin a beaucoup voyagé ; Il a également étudié à Florence, sous la direction de Piero della Francesca, ainsi qu'avec Léonard de Vinci à l'école de Verrocchio. Malgré toutes sortes d'influences, le Pérugin restait toujours, dans l'esprit, un artiste purement ombrien qui aimait les contours doux et doux et les images touchantes de la Mère de Dieu. Les visages rêveurs et spirituels de ses Madones font encore aujourd'hui la gloire de l'école ombrienne. Lorsque le jeune Raphaël entra au Pérugin, celui-ci était au zénith de sa renommée. A cette époque, il recouvrit les salles du Cambio de fresques. Il existe une opinion selon laquelle Raphaël a participé au travail du Pérugin en tant qu'étudiant, mais il est impossible de l'établir avec certitude.
Au début, Raphaël travailla sous l'influence du Pérugin. Le maître de cette époque ne s'est pas donné pour tâche de développer l'individualité de l'élève, mais lui a seulement transmis la technique de maîtrise. Les étudiants peignaient souvent les croquis du maître, réalisaient des parties moins importantes de l’œuvre, et parfois l’œuvre entière, à l’exception de sa composition générale et de sa finition finale. Le Pérugin, étant un artiste populaire, était tellement surchargé de commandes qu'il les confiait très souvent entièrement à ses élèves.
Les Madones de Raphaël, qui occuperont plus tard une grande place dans l'œuvre de l'artiste, portent des traces d'influence lors de la première période de ses études à Pérouse. Pérugin. Certaines de ces Madones ont été dessinées par le Pérugin ou son assistant Pinturicchio. Il s'agit de la Madone de la Collection Soli (Vierge à l'Enfant avec un livre) : c'est une création entièrement pérugine, réalisée par la main timide d'un étudiant (elle remonte à 1501). La Madone Conestabile della Stoffa, peinte par Raphaël à la même époque, est célèbre. Cette Madone est inhabituellement naïve et d'une grâce touchante ; Dans celui-ci, Raphaël se sent déjà comme un artiste indépendant, malgré le fait que d'après les dessins survivants, il ressort clairement qu'ils ont été réalisés par le Pérugin ou par Pinturicchio.
Madone de la collection Solly (Vierge à l'Enfant avec un livre)
Madone Conestabile della Stoffa
En 1503, après le départ du Pérugin pour Florence, Raphaël reçut sa première grande commande indépendante : peindre le tableau « Le Couronnement de la Vierge » pour l'église du monastère franciscain de Pérouse. Raphaël reçoit déjà de nombreuses commandes en tant que maître de la ville de Città di Castello.
Couronnement de la Vierge Marie
En 1504, Raphaël retourne dans sa patrie, Urbino, en tant que maître indépendant. Il est reçu au palais du duc Guidobaldo et lui accorde son patronage. Ici, il rencontre les personnes les plus intéressantes et les plus érudites de son temps. A la cour du duc Guidobaldo, Raphaël dresse un petit tableau de « Saint Georges », ainsi que de « l'Archange Michel » sous la forme d'un vaillant chevalier, incarnant la victoire du bien sur le mal. Le jeune artiste était très apprécié à la cour ; Le duc croyait que Raphaël était tout à fait capable de devenir l'un des meilleurs artistes et de créer des œuvres qui n'étaient pas inférieures à tout ce qui avait été créé avant lui en peinture.
Saint George
L'archange Michel chasse le démon
Saint Georges battant le dragon
Raphaël ne resta à Urbino que six mois et, muni de lettres de recommandation, se rendit à Florence. La République florentine était à cette époque un centre florissant de vie artistique. Dans une même ville à la fois, se sont réunis des génies qui ont créé des œuvres de peinture et de sculpture qui restent encore inégalées. Les maîtres, architectes et peintres florentins étaient célèbres en Turquie et à Moscou.
Et malgré le fait que le peuple tout entier vivait à travers l'art et parmi l'art, les artistes étaient très appréciés, non pas en tant qu'artistes, mais en tant qu'artisans qui accomplissaient bien leur travail. Ils payaient les artistes et les architectes mensuellement ou par pied de fresque murale ! Il est vrai qu’à Florence des frontières plus précises entre l’art et l’artisanat étaient déjà tracées. La plupart des artistes étaient issus du milieu populaire. Leur éducation se limitait généralement à la connaissance des histoires bibliques. Durant leur formation, ils étaient davantage impliqués dans des travaux auxiliaires que directement travail artistique. Bien que nous ne disposions pas d’informations exactes sur la vie de Raphaël pendant ses années d’études, il n’y a aucune raison de supposer qu’il les a vécues différemment. Les capacités exceptionnelles de Raphaël l'ont aidé à terminer rapidement le cours d'apprentissage généralement très long (souvent jusqu'à quinze ans), mais son professeur Pérugin lui-même ne pouvait pas donner plus que ce qu'il savait. Ainsi, lorsque Raphaël s'est plongé dans vie artistique Florence, où se trouvaient les arts haute altitude, - ici la perspective était ouverte, ici ils étudiaient l'anatomie, ils connaissaient et aimaient le corps humain nu - il se sentait à nouveau comme un étudiant qui avait besoin de regarder attentivement son environnement et d'en tirer des connaissances. À Pérouse, Raphaël lui-même avait déjà des étudiants et était connu comme un maître, mais ici, ils le considéraient comme un artiste novice et ne lui confiaient pas de commandes publiques.
Raphaël visitait souvent Pérouse, supervisait le travail de ses étudiants, peignait des tableaux et exécutait des commandes, mais vivait et étudiait à Florence. À Florence, Raphaël s'est plongé dans l'étude de la nature, de la nature, de la théorie des angles, de la perspective et des problèmes anatomiques. Ici se forme la composition de ses peintures : des Madones simples, mais étonnamment harmonieuses et simples. Ces œuvres de Raphaël - « Madone au chardonneret », « Madone au pré », « Madone à l'agneau », etc. - ont déjà perdu le caractère schématique de l'école ombrienne ; elles expriment de manière tout à fait réaliste le haut et le doux, complètement ; idéal terrestre de maternité.
Marie et l'Enfant, Jean-Baptiste et l'Enfant Jésus-Christ (Madonna Terranova)
Madone Del Granduca
Vierge à l'Enfant trônant avec St. Jean-Baptiste et Nicolas de Myre
Petite Madone de Cowper
Madone des Verts (Vierge Marie dans le pré)
Madone aux œillets
Vierge à l'Enfant avec saints et anges (Vierge sous le dais)
Madone au chardonneret
Madone d'Orléans
Vierge à l'Enfant avec Jean-Baptiste dans un paysage (Le beau jardinier)
Lire la Madone
En 1508, Raphaël n'avait que vingt-cinq ans, mais il avait déjà réalisé plus de cinquante tableaux de chevalet, une fresque au monastère de San Severo et une infinité de dessins et d'esquisses. Depuis que Raphaël a atteint une grande perfection dans son art, sa renommée dans les cercles florentins n'a cessé de croître. L'artiste maîtrisait une grande clarté du dessin, s'améliorant sur des exemples élevés ; il ne s'est pas arrêté avant même de retravailler ses tableaux inachevés conformément à de nouveaux, plus idées élevées sur la beauté. Suivant les conseils de Léonard, Raphaël, lorsqu'il représente ses Madones, évite les détails et les décorations inutiles, très en vogue en Ombrie, et travaille sur le paysage. Probablement, à cette époque, Raphaël connaissait déjà le « Traité sur la peinture » de Léonard de Vinci, écrit en 1498. Il surmontait déjà les traditions des Quattrocentistes : la rigidité des manières et l'incapacité d'écarter les détails disparaissaient, une attitude plus un ennoblissement réaliste généralisé de l'image et une composition stricte sont apparus. La créativité de Raphaël ne vient pas d'idées vagues, d'émotions insaisissables et d'observations naïves - l'acte de créativité devient profondément réfléchi, construit sur une connaissance et une compréhension claires de la réalité. Ses peintures acquièrent une noble simplicité; elles montrent le désir de l’artiste d’incarner de manière logique et extrêmement expressive son idéal de personne dans la peinture. Raphaël s'affranchit du système artistique fermé adopté en Ombrie avec sa nuance de provincialisme et introduit un idéal dans l'art. personne merveilleuse, harmonie de connaissances élevées et d'idées plus complexes sur la peinture.
Fresque de Raphaël et Pérugin dans la chapelle San Severo à Pérouse
Allégorie (le rêve du chevalier)
Crucifix avec la Vierge Marie, les saints et les anges
Fiançailles de la Vierge Marie avec St. Joseph
Trois Grâces
Bénédiction du Christ
Sainte Famille sous un palmier
Mise au tombeau
Sainte Catherine
Sainte famille
Peu importe à quel point ils étaient uniques Villes italiennes, dont chacune était un centre indépendant et vivait sa propre vie, Rome se distinguait parmi elles comme une ville extraordinaire et spéciale. Au début du XVIe siècle. Rome est le centre de l'État papal, le centre de la vie catholique dans toute l'Europe ; dans un sens, c'était aussi le centre politique de l'Europe.
Le pape Jules II, l'un des pères de l'Église les plus militants, menait la politique principalement avec du sang et du fer. Les actions des papes reflétaient particulièrement clairement la double nature de la Renaissance. D'une part, les papes étaient les personnes les plus instruites de leur temps, ils regroupaient autour d'eux les personnes les plus intéressantes de leur temps et étaient imprégnés des tendances humanistes du siècle. D’un autre côté, ils étaient les organisateurs de l’Inquisition et incitaient au fanatisme religieux. Cette époque, qui croyait avant tout au génie et à la force de l'homme, a donné naissance à des dirigeants - de subtils connaisseurs des arts et en même temps des meurtriers monstrueux, brillants et talentueux et souvent en même temps laids sur le plan moral. L'une de ces personnes était Jules II. Il est entré dans l'histoire comme l'un des plus grands mécènes, aimant sincèrement l'art et contribuant à son développement. Sous Julia, des travaux grandioses furent commencés à Rome, par exemple la construction de la célèbre cathédrale Saint-Pierre. Les artistes les plus célèbres d'Italie travaillèrent à Rome : Pérugin, Peruzzio, Signorelli, Botticelli, Bramantino, Bazzi, Pinturicchio, Michel-Ange. Les monuments les plus riches de l'architecture et de la peinture, de Giotto et Alberti à Michel-Ange et Bramante, étaient concentrés ici. De manière tout à fait inattendue, Raphaël fut invité par Jules II dans cette ville mondiale pour participer à la peinture des salles du Vatican. Raphaël avait déjà commencé ses travaux à Rome en septembre 1508. Julius a tellement aimé les créations de Raphaël qu'il a renvoyé les artistes précédemment invités et lui a confié tout le travail. En peu de temps, Raphaël, au caractère doux et sociable et déjà célèbre pour ses succès au Vatican, reçut tellement de commandes qu'il dut embaucher des assistants et des étudiants, en d'autres termes, il fut contraint d'ouvrir un atelier. . Raphaël devait tout d'abord peindre à fresque la « Signature » - la salle où le Pape signait ses papiers.
La première fresque vaticane de Raphaël, connue sous le nom de Dispute, est consacrée à la glorification de la religion ; le second, situé en face de la « Dispute », met en scène l’éloge de la philosophie comme science « divine » libre. Au-dessus de la fenêtre, Raphaël représentait le Parnasse, et en bas, sur les côtés de la fenêtre, Alexandre le Grand, ordonnant que le manuscrit d'Homère soit déposé dans le tombeau d'Achille, leur empereur Auguste, interdisant aux amis de Virgile de brûler l'Enéide. Au-dessus d'une autre fenêtre, Raphaël représentait des images allégoriques figures féminines, personnifiant la prudence, la tempérance, etc., sur les côtés de la fenêtre sont représentés la consécration du droit civil par Justinien et la consécration des lois ecclésiastiques par le pape Grégoire IX. Les empereurs, philosophes, papes, marchands et dieux que Raphaël a peints dans son œuvre. les fresques étaient Vrais gens Italie 16ème siècle Certes, Raphaël a déjà une certaine tendance à adoucir, à adoucir leur netteté et leur originalité. Il choisit ses images et idéalise des personnes moins orageuses et moins impétueuses ; L'essence du réalisme de Raphaël est qu'il révèle un certain désir de représenter des ambiances calmes et tranquilles, des personnages équilibrés, non situations aiguës. Ses compositions souffrent donc parfois d’abstraction. Les visages et les personnages individuels de ces compositions produisent une impression réaliste plus vive que l’ambiance de l’ensemble du tableau. Le reste de la foi naïve de l'artiste, déjà entré dans l'âge brillant du Cinquecento, mais encore directement lié aux traditions du Quattrocento, pourrait donner naissance à des images similaires à celles représentées dans la Dispute. Dans la façon dont est exécuté le « Discours des Saints Pères de l’Église sur les sacrements du sacrement » (« Dispute »), on peut voir autre chose de la peinture quattrocentiste. La disposition montre un contraste saisissant entre le ciel et la terre. Les saints et Dieu étaient situés au ciel, mécaniquement séparés de la terre. L'ensemble de l'interprétation des personnes et des positions, la disposition hiérarchique des personnages, tout rappelle le XVe siècle. La partie supérieure de la fresque, représentant le ciel et les saints, est de caractère particulièrement ombrien. Pourtant, cette première grande composition de Raphaël le montre comme un maître exceptionnel et mature. Raphaël a réuni ici tous les philosophes scolastiques, dont les noms sont devenus sacrés pour l'Église : voici Thomas d'Aquin, Jean Scott, Augustin, mais aussi Dante et Savonarole.
école d'Athènes
Faire sortir l’apôtre Pierre de prison
Faire sortir l’apôtre Pierre de prison
Bataille d'Ostie
Couronnement de Charlemagne par le pape Léon III en 800
Incendie à Borgo
Strophe de la Segnatura
Triomphe du droit
Or, à la suite de la « Dispute », Raphaël peint « L’École d’Athènes », une fresque brillante par sa maîtrise de la composition. Raphaël a représenté dans cette fresque tous les merveilleux philosophes grecs, plaçant au centre les deux personnages qui ont dirigé la philosophie grecque - Platon et Aristote, chacun avec ses propres œuvres entre les mains. Platon pointe le doigt de sa main levée vers le haut, comme pour affirmer que la vérité est là, au ciel. Aristote, personnifiant la vision empirique des choses, désigne la terre comme la base de toute connaissance et pensée. « L'École d'Athènes » est l'une des créations les plus intéressantes de Raphaël. Dans cette œuvre, Raphaël a déjà atteint le sommet de son talent, on y ressent tout ce que Raphaël a acquis à Rome - dans la Rome de Léon X (successeur de Jules II à partir de 1513) avec sa cour laïque et humaniste, dans laquelle Rome dans laquelle l'homme était compris sans coque mystico-religieuse, dans la plénitude de son authentique vitalité et des opportunités. Dans cette fresque, tous les hommes sont des individus indépendants, exaltés, dotés d’une constitution spirituelle et physique parfaite. Avec une composition classique globalement stricte, l'importance de chaque figure individuelle n'est pas diminuée, et chaque figure est artistiquement indépendante et individuelle.
Dans la fresque « L’École d’Athènes », malgré la volonté de Raphaël de donner aux visages un pathos de pensée trop solennel, malgré la composition symétrique contraignante, les types de philosophes, leurs visages et leurs poses conservent encore le pouvoir de véracité. Ce sont les visages de gens ordinaires, inspirés par une pensée dévorante, le désir de résoudre des problèmes troublants. Certaines figures atteignent une vivacité presque semblable à celle du genre ; Il s'agit d'un groupe de penseurs utilisant une boussole pour vérifier l'exactitude d'une figure dessinée à la craie sur un tableau en ardoise, et la figure d'un jeune homme appuyé contre une colonne et dans une position inconfortable, écrivant attentivement quelque chose dans son cahier. Les visages du groupe situé du côté gauche sur les marches inférieures du temple sont passionnément tendus ; Le visage du vieux penseur est particulièrement intéressant, essayant de regarder par-dessus l’épaule de son voisin dans le livre qu’il tient dans ses mains.
Cette idéalisation de la puissance et de la force humaines constitue l’apogée de la philosophie humaniste. Ici, cependant, une autre facette de l'œuvre de Raphaël apparaît clairement : il est facile de remarquer que le thème de l'œuvre et son exécution sont proches de la culture humaniste de la cour romaine avec ses intérêts académiques axés sur les questions de style, de forme et de rhétorique. . A Rome, l'artiste cesse d'être un maître ombrien ou florentin. Raphaël a acquis toute la couleur et le réalisme de son œuvre dans la Florence républicaine, mais avec sa nature douce et souple, Raphaël s'est avéré être le plus romain des artistes de la Renaissance.
Malgré toute leur noblesse, les visages sont souvent complètement folkloriques - ils n'ont aucune sophistication délibérée, ils ne sont pas séparés de la vie. Certes, Raphaël idéalise, mais il idéalise, créant ces gens saisis par une seule impulsion élevée, la vraie vie. Voici des visages jeunes et tendres, encore couverts de duvet, et des têtes laides d'aînés. Beaucoup de variété dans les mouvements, les expressions faciales et les poses. Tout est plein de vie et de vérité. L'artiste ne recourt pas à des exagérations invraisemblables ou à des poses exagérées pour montrer une image belle et majestueuse du triomphe, une célébration de la pensée humaine.
Raphaël est souvent accusé d'être froid et académique, notamment dans ses œuvres de l'époque romaine. Dans les fresques de la salle Héliodore au Vatican ou de la salle « Feu de Borgo », l’idéalisation prend une teinte officielle. Il y a déjà quelque chose d’opératique dans L’Expulsion d’Héliodore. La disposition des figures elle-même est théâtrale : à droite, un groupe de voleurs du temple et un cavalier envoyé du ciel, qui se sont jetés sur Héliodore, qui avait déjà été jeté à terre ; à gauche, des croyants frappés par le châtiment céleste ; effrayé et touché. La disposition délibérément correcte des figures détourne l’attention du sens intérieur. Il n’y a aucune chaleur ni sentiment concret de réalité vivante dans la composition ; Il y a quelque chose d’artificiel dans ces figures si joliment disposées, comme si le souci principal de l’artiste était de donner une impression visuelle agréable. On peut en dire autant des fresques « Messe de Bolsen », « Atilla arrêté aux portes de Rome ». Toutes ces fresques, ainsi que les fresques « L'incendie de Borgo » et « La libération de saint Pierre de prison », étaient censées glorifier la hiérarchie, la grandeur de l'Église et le pouvoir des papes. Historique ou thèmes bibliques acquis une interprétation d’actualité. Malgré le concept dramatique de la fresque «L'Expulsion d'Héliodore», l'image fait généralement une impression froide.
La fresque de la messe de Bolsena renaît vieux mythe, pour glorifier la fermeté de la foi du pape Jules II et pour effrayer et faire des reproches non seulement aux laïcs en cette époque difficile pour la religion, mais aussi pour rappeler à l'ordre les prêtres audacieux qui osent douter des « merveilleux sacrements » du église. Et pourtant, les visages individuels de cette fresque sont magnifiquement réalisés. Du côté droit se trouvaient les soldats qui gardaient le pape ou ses porteurs. Ils remarquèrent le miracle qui s'était produit plus tard que les autres et y furent plutôt indifférents. De toute évidence, l’artiste n’était pas très désireux de les inclure dans l’ambiance générale du tableau. Ce sont des profils calmes et clairs de personnes complètement mondaines et loin de ce qui se passe. La principale caractéristique de leurs visages est une noblesse calme, qui rappelle les visages des meilleures figures des maîtres florentins.
Attila s'est arrêté aux portes de Rome
Exil d'Héliodor
Les fresques du Vatican de Raphaël sont réparties dans quatre salles : Signature, Héliodor, Feu du Borgo, Constantin. Dans les salles Signatura et Heliodor, Raphaël a peint lui-même toutes les fresques, en recourant seulement à une aide mineure de ses élèves ; dans la salle Incendie de Borgo, Raphaël a peint uniquement la fresque, après quoi la salle entière est appelée - dans les fresques restantes ses élèves ont participé en grande partie : Giovanni da Oudinot, Giulio Romano et Francesco Penni. Dans la salle de Constantin, aucune des fresques n'a été peinte par Raphaël lui-même. Raphaël préparait des cartons que ses élèves transféraient sur les murs. La plus importante des fresques de cette salle, « La Victoire de Constantin », n’avait pas encore été commencée l’année de la mort de Raphaël. Il s’agit de la représentation de bataille la plus grandiose de toute l’histoire de la peinture.
Tout en travaillant sur les fresques du Vatican, Raphaël, avec l'énergie d'un véritable homme de la Renaissance, a travaillé sur un certain nombre d'œuvres. Durant ces mêmes années, ses meilleures Madones sont créées. De 1509 à 1520 il en a écrit plus d'une vingtaine. Les « Madones de l’époque romaine » se distinguent par leur grande maturité de talent et la clarté de l’idéal qu’elles expriment. Raphaël a créé une sorte de femme-mère, remplie d'un charme extraordinaire. Les visages de ses Madones, qui conservent toujours leur étonnante spiritualité terrestre, sont d'une expression infiniment variée dans chaque tableau individuel.
Madone de Foligno
Madone de Lorette
Madone Alba
Vierge à l'Enfant et St. Jean-Baptiste, St. Elisabeth et St. Catherine
Extase de St. Cécilia
Porter la croix
Durant ces mêmes années, un riche banquier romain amateur d'art chargea Raphaël Sanzio de peindre les fresques « Le Triomphe de Galatée » et le mythe de Psyché et Cupidon dans sa Villa Farnésine. L'artiste a représenté Galatée d'après le poème d'Angelo Poliziano - le poète de la cour de Laurent le Magnifique a exprimé au maximum dans ces vers son sens aigu du pittoresque extérieur. La Galatée de Raphaël se dresse sur une grande coquille tirée par des dauphins qui y sont attelés. La figure et la pose de Galatée sont tirées de monuments antiques. Elle est presque nue, ses vêtements flottent au vent et permettent d'admirer les jolies formes de la jeune fille. Il y a beaucoup de mouvement dans l'image, tous les personnages sont donnés dans des virages agités. La sensation de mouvement devrait être intensifiée par les amours planant encore dans les nuages, visant de toutes parts Galatée flottant sur les vagues. Mais malgré l'abondance du mouvement, les visages de tous les personnages, y compris Galatée, sont immobiles et peu expressifs. La qualité décorative du tableau est renforcée par la mer étrangement peinte. Le tableau a été restauré à plusieurs reprises et la mer a été soumise au « traitement » le plus impitoyable. Cela a considérablement modifié le caractère de la peinture, même si l'essentiel - son caractère décoratif à motifs - est bien sûr resté.
Villa Farnésine
Villa Farnésine
Villa Farnésine
Villa Farnésine
Triomphe de Galatée
Cupidon et les Trois Grâces
Cupidon et Jupiter parlent de Psyché
Vénus sur un char tiré par des pigeons
Vénus, Cérès et Junon
Psyché transporte un vaisseau vers Vénus
Psyché donne un vaisseau à Vénus
Célébration du mariage de Cupidon et Psyché
Conseil des Dieux
Raphaël recouvrit ensuite de fresques le plafond voûté d'une des pièces de la Villa Farnesina et toute une galerie de loggias. Comme sujet de ces fresques, Raphaël a pris des scènes du mythe d’Amour et de Psyché sous la forme sous laquelle ce mythe a été développé dans les Métamorphoses d’Ovide, et en partie d’Apulée et de Théocrite. Ces scènes, au nombre de dix, racontent l'histoire d'Amour et de Psyché, avec la participation de Vénus et de nombreux autres dieux de l'Olympe. Les cartons de ces fresques ont été peints en 1518, c'est-à-dire à une époque où Raphaël était déjà engagé dans l'architecture, supervisant la construction de la cathédrale Saint-Pierre, les recherches archéologiques, la protection des monuments antiques et la restauration de la Rome antique. Raphaël était extrêmement intéressé par les œuvres d'art classique ancien monde et a montré sa connaissance de la sculpture ancienne en décrivant un cycle de scènes sur Cupidon et Psyché. Durant ces années, Raphaël ne crée que des cartons, dessinant et corrigeant occasionnellement les figures principales. Les fresques de Farnesina sont célèbres pour leurs représentations particulièrement intéressantes des dieux gréco-romains.
Gracieux scènes de tous les jours, les allusions symboliques et les détails ludiques de ces fresques ne ressemblent guère aux dieux majestueux de la Grèce classique. Psyché, la plus belle des mortelles, qui a suscité la jalousie de la déesse de la beauté elle-même, est en Raphaël une merveilleuse jeune fille en bonne santé qui vit les vicissitudes complexes d'une histoire d'amour : elle est ravie dans les bras du garçon rusé Cupidon, puis elle accompagne Mercure à l'Olympe, le visage illuminé par le sourire de la victoire et du triomphe.
Les fresques semblent presque idylliques, représentant Vénus montrant des gens à Cupidon, ou Cupidon recherchant la sympathie des trois grâces et leur confiant Psyché pour se protéger de Vénus. Toute cette série se termine par un grand panneau, « La Fête des Dieux », qui représente trente dieux réconciliés avec l'invasion de la beauté mortelle Psyché parmi eux. Malgré l'abondance des personnages, l'image produit une impression étonnamment solide, car ils sont bien positionnés. L'intention décorative de l'artiste, qui a représenté les divertissements olympiques bruyants, est extrêmement claire dans ce panneau. Il y a quelque chose de pastoral dans le sérieux feint de Jupiter et dans tous les dieux gracieusement joyeux, sur lesquels pleuvent des fleurs et des créatures angéliques aux ailes de papillon. Ce ne sont pas les puissants titans de Michel-Ange, ni les majestueux Olympiens d’Homère, mais les personnages maniérés et ennoblis des Métamorphoses d’Ovide : tout ce qui est trop sensuel, dur, orageux est adouci et apaisé. Dans cette étonnante peinture décorative, Raphaël, plus que dans d'autres tableaux, a exprimé l'essence de son époque.
Le pape Léon X était inépuisable dans ses exigences et ne reconnaissait pas les limites de l'imagination créatrice et simplement de la fatigue physique chez l'artiste. Maintenant, après avoir terminé les fresques de Farnesina, Raphaël, au nom du Pape, devait peindre de fresques le deuxième niveau de loges adjacent à la cour du Vatican. Pour décorer ces boîtes, Raphaël a peint cinquante-deux cartons à caractère décoratif et recouvert une immense étendue de murs de motifs décoratifs et architecturaux. Raphaël a créé une extraordinaire variété de peintures, de motifs et d’ornements qui forment ensemble un tout charmant. Tout est mis en harmonie, sonne comme un accord artistique puissant. Raphaël a peint ses fresques sur des motifs bibliques (la création du monde, l'expulsion du paradis, l'apparition de Dieu à Isaac, etc.) et mythologiques (dieux, génies, animaux extraordinaires), sans abandonner les thèmes de la vie moderne. Ainsi, sur l'une des fresques, il représentait des artistes au travail.
Les fresques des loges du Vatican sont loin d'être égales en valeur artistique. On pense que certains d’entre eux ont même été créés en carton par ses élèves. Dix ans après leur exécution, beaucoup ont été gâtés par le mauvais temps, car ils ont été peints dans une galerie ouverte, vitrée seulement au XIXe siècle. Ces fresques nous intéressent car elles témoignent du génie créatif inépuisable de Raphaël, de l’étonnante efficacité et de la polyvalence de son talent. L’artiste, sans approfondir le contenu des légendes bibliques, a réalisé ces fresques appelées « La Bible de Raphaël ». Dieu flotte librement dans l'espace sans air et crée sans effort tout ce qui lui est dû : l'abîme et le firmament, le ciel et la lune. Il est représenté comme un vieil homme barbu, joyeux, en bonne santé ; sa tête est recouverte d'un épais bonnet cheveux gris. Il y a quelque chose qui change les genres dans The Making of Eve ; Dieu est un vieil homme profond mais fort, et jeune, aux formes à moitié enfantines, Eva est très touchante par son innocence.
Parallèlement, Raphaël travaille à de nombreux tableaux, décorant les loges du Vatican, créant ses Madones, peignant des portraits, restaurant Rome antique et écrire des sonnets, très poétiques et lyriques. Raphaël a montré sa connaissance subtile de l'art romain antique dans de nombreuses œuvres. À cet égard, la peinture de la salle de bain du cardinal Bibiena est particulièrement intéressante. Il est exécuté dans le style de l'Antiquité tardive, sur fond rouge foncé, avec des scènes tirées de la mythologie antique.
Léon X décida de décorer les parties de la Chapelle Sixtine dépourvues de fresques avec de riches tapis tissés en or et chargea Raphaël de peindre des cartons pour ces tapis. Il était censé tisser dix tapis, représentant divers actes des apôtres. Les bordures des tapis, tissées en bronze, représentaient des épisodes de la vie du pape. Les tapis ont été tissés dans des usines pendant trois ans et, lorsqu'ils ont été accrochés dans la Chapelle Sixtine, ils ont fait une impression stupéfiante. En effet, les cartons de Raphaël représentant les actes des apôtres sont absolument extraordinaires par leur force et leur simplicité. Comme mentionné ci-dessus, toute l'œuvre de Raphaël de la période romaine est marquée par une certaine pompe, une beauté officielle et une perfection exquise. Seuls ses portraits et ses Madones échappaient largement à ce sceau ; on peut en dire autant des cartons. Plus précisément sur les cartons, et non sur les tapis, car ces derniers ont tellement souffert du temps et des accidents, sans parler de l'impossibilité de transmettre en tissu toutes les subtilités du projet de l'artiste, qu'il est très difficile d'en juger Raphaël. Le sort des cartons n’a pas non plus été très heureux. Ils ont été laissés dans une usine à Bruxelles où étaient tissés des tapis, et personne ne se souciait de leur préservation. Certains cartons ont disparu ; conservé - seulement au 17ème siècle. ont été découverts accidentellement par Rubens, qui a persuadé le roi anglais Charles Ier de les acheter.
Les plus intéressants en termes de thème et de résolution sont les tapis « Wonderful Catch » et « Feed My Sheep ». Comme pour les autres tapis, ce qui frappe ici, c'est l'étonnante simplicité et l'interprétation réaliste de l'intrigue. Nous voyons un paysage ordinaire : au loin, un paysage qui constitue le fond de l'ensemble du tableau et représente une colline sur laquelle se trouvent des villages, des bosquets et des églises. Le premier plan est occupé par les figures des apôtres. Le Christ et ses disciples n'ont rien de religieux en eux, ce qui est particulièrement clair dans le tapis « Merveilleuse pêche », qui représente essentiellement la pêche ordinaire des paysans italiens. Les corps sains et forts des apôtres sont vêtus d'une robe courte qui révèle presque tout le corps et expose les muscles et les muscles ; Les visages des deux étudiants tirant les filets expriment de la tension, tout comme leurs mains occupées. L'apprenti qui conduit le bateau est passionné par son travail ; sa silhouette se courbait dans une position inconfortable afin de maintenir le bateau en équilibre. Les apôtres Paul et André, exprimant leur foi et leur gratitude, leur plaisir et leur tendresse envers le Christ, sont simples dans leur apparence populaire. L'interprétation réaliste du thème religieux est libre et n'est contrainte par aucune tradition. Tout cela montre que Raphaël ne recherche pas les effets de la beauté extérieure. Le Christ est assis à la poupe dans une pose calme ; il diffère des apôtres par ses vêtements et par son expression spirituelle plus subtile. Au premier plan du tableau se trouvent trois grues. Les oiseaux font une impression un peu étrange à une telle proximité avec les gens. Il y a eu de nombreux débats pour savoir si Raphaël lui-même avait dessiné ces oiseaux ou si un étudiant les avait peints plus tard. Quoi qu'il en soit, il faut dire que les oiseaux ne font que renforcer l'impression du caractère extraordinaire du moment, s'approchant avec confiance des gens, leur tendant la tête.
Le carton « Feed My Sheep » présente un grand intérêt de par sa profondeur et sa clarté extraordinaires. caractéristiques psychologiques. Le Christ, un bel homme blond, élancé, au visage majestueux et lumineux, se tient un peu plus loin, séparé du groupe des apôtres, et se tourne vers Pierre en lui montrant sa préférence. Les visages des apôtres sont intéressants : certains d’entre eux expriment des sentiments de joie et de révérence ; d'autres, plus éloignés, sont soit frappés par une soudaine pensée sceptique qui donne à réfléchir, soit simplement irrités et en colère. Le dernier apôtre du groupe serre contre sa poitrine un livre, symbole de connaissance et non de foi, et s'apprête à partir.
Dans le tableau « La guérison des boiteux par saint Pierre et saint Jean », outre l'intéressante composition décorative, la figure d'un mendiant infirme, située sur la colonne droite du temple, présente un intérêt absolument exceptionnel. Sur fond de colonnes richement et somptueusement ornées, entrelacées de guirlandes de feuilles de vigne sur lesquelles sont habilement tissés des amours, apparaissent de laids mendiants et des infirmes, émaciés par la vieillesse et la maladie. Le visage d’un infirme, observant derrière les colonnes le « miracle » de la guérison d’un boiteux, a une expression indescriptible. Méfiance et espoir, envie et indifférence sceptique - toute une gamme de sentiments se reflétaient sur ce visage. Il pose ses mains encore fortes sur le bâton – une pose laide, mais très vivante. Une végétation clairsemée couvre son visage et sa tête. Le visage espiègle du mendiant exprime le plus haut degré de surprise, sa lèvre supérieure est mordue. Au 16ème siècle l'art pourrait encore créer un tel portrait, dépourvu de fausse idéalisation, restant dans le cadre d'un réalisme calme et véridique, mais exempt de détails naturalistes inutiles.
Le carton « La mort d'Ananias » raconte le moment de la légende biblique où Pierre dit à Ananias, qui avait retenu de l'argent sur la terre vendue : « Tu n'as pas menti à l'homme, mais à Dieu ! « Et après avoir entendu ces paroles, Ananias tomba sans vie à terre, et une grande peur s'empara de tous... » Les visages individuels des apôtres et des gens de la foule sont magnifiques. Les visages des apôtres sont simples, rudes. Ce sont des personnes réalistes et vivantes, ces personnes puissantes d’esprit, pleines de dignité et de force morale. L'extraordinaire richesse des caractéristiques des portraits et le sentiment de grandeur des personnages placent les cartons de Raphaël parmi les meilleures créations du XVIe siècle qui complètent les idéaux de l'art de la Renaissance.
Mort d'Ananias
Merveilleuse prise
Sacrifice à Lystre
Guérison du boiteux par saint Pierre et saint Jean
Punition d'Elim
Nourrir mes moutons
Sermon de Saint Paul
Tapisseries
Les cartons de Raphaël sont appelés le marbre du Parthénon des temps modernes, la plus haute manifestation du génie de l'époque. Elles sont mises à égalité avec la Cène de Léonard et la Chapelle Sixtine de Michel-Ange. Néanmoins, il convient de noter que cette critique élevée des tapis de Raphaël est juste si l’on parle uniquement d’images individuelles, qui représentent sans aucun doute des chefs-d’œuvre de l’art mondial. Dans les compositions, même les tapis sont soumis à cette harmonie « classique », qui leur enlève souvent chaleur et vitalité. Ainsi, les personnages sont disposés selon une ligne elliptique magnifiquement incurvée autour du centre de composition d’Ananias, se tordant de convulsions. Les plis des manteaux des apôtres sont disposés de manière décorative, qui représentent ensemble une sorte de spectacle théâtral. La justesse exemplaire de la composition confère à l’ensemble un caractère rhétorique. Peu de tapis ont échappé au cachet d’une froide composition classique : « Wonderful Catch » devrait être considéré comme l’un d’entre eux.
Mais dans ces œuvres, Raphaël est déjà tout à fait un artiste des temps nouveaux, il s'est éloigné de la naïveté des débuts. Artistes italiens. Raphaël, comme les meilleurs Quattrocentistes et surtout les grands artistes du XVIe siècle, traite le sujet religieux comme quelque chose de secondaire. Dans ses peintures, vivent et agissent des personnages aux humeurs tout à fait terrestres - pensifs, comme la Madone Sixtine, ou joyeux, comme Psyché, inspirés par la pensée, comme les philosophes de l'École d'Athènes, ou en colère, comme les apôtres de « La Mort de Ananias. Le progrès de son art est que, en tant que représentant typique de la haute école italienne Renaissance XVIe V. en particulier (avec sa clarté particulière de goût classique) - il cultive un principe strict. Certes, sous l'influence de l'humanisme romain, la clarté et la discipline privent la peinture de sa chaleur vitale.
À Rome, Raphaël a atteint d'énormes sommets dans le domaine de l'art du portrait. Lors de son séjour à Florence, l'artiste peint plusieurs portraits. Mais il s’agissait encore de travaux d’étudiants et portaient des traces de nombreuses influences. A Rome, Raphaël réalise plus d'une quinzaine de portraits. Apparemment, le portrait du pape Jules II a été peint en premier. On ne sait pas si l'original est conservé dans les galeries Pitti et Uffizi, car dans les deux galeries se trouvent des copies identiques de portraits attribués à Raphaël. En tout cas, ces portraits représentent de manière très réaliste un vieillard pâle et maladif coiffé d'un bonnet rouge et d'une courte cape rouge ; l'aîné est assis sur une chaise et pose ses mains baguées sur les accoudoirs de la chaise. Les mains de papa sont expressives - pas séniles et faibles, mais pleines de vie et d'énergie.
Portrait de Léon X avec les cardinaux Giuliano de' Medici et Luigi Rossi
Portrait de Francesco Maria Della Rovere (Portrait d'un jeune homme à la pomme)
Portrait d'Elizabeth Gonzaga
Femme enceinte
Dame à la licorne
Portrait de Maddalena Doni
Portrait d'une jeune femme
Portrait d'un cardinal
Raffaello Sanzio da Urbino est un peintre et architecte italien de la Haute Renaissance. Ses œuvres se distinguent par la grâce des formes, la simplicité de la composition et une compréhension subtile de l'humanisme de la Renaissance.
Raphaël est né en 1483 (la date de naissance exacte n'est pas établie) dans la ville d'Urbino. Son père, Giovanni Santi, artiste de la cour du duc local, était très personne instruite; écrivait de la poésie, connaissait bien l'histoire des sciences humaines ; Il a réussi à inculquer et à transmettre à son fils son amour de l'art et son goût subtil.
Rafael a perdu ses parents très tôt : sa mère est décédée quand le garçon avait huit ans et son père est décédé trois ans plus tard. À l'âge de onze ans, il fut confié à sa belle-mère (son père s'était remarié) et à son oncle prêtre. Dans sa jeunesse, Raphaël a travaillé - différentes versions– dans les ateliers d'artistes urbinois remarquables - Pietro Perugino ou Timoteo Viti. La première version semble plus probable ; principalement parce que l'influence du Pérugin est très clairement visible dans les premières œuvres de Raphaël. Cependant, les œuvres du jeune artiste de cette période ne sont pas faciles à distinguer des peintures de son professeur en raison de la similitude de style et du désir de Raphaël d’imiter le maître en tout.
La première œuvre précisément documentée de Raphaël est "L'Ange" (1500 - 1501), une peinture à l'huile pour l'église Saint-Nicolas de Tolentino. Au cours des années suivantes, Raphaël a travaillé activement en créant des toiles et des fresques pour les églises et les collections privées. Parmi les peintures de cette période figurent « La Crucifixion avec la Vierge Marie, les saints et les anges », « Les Fiançailles de la Vierge Marie », des fresques pour la cathédrale de Sienne.
En 1504, la « période florentine » commence dans l’œuvre de Raphaël, même si rien n’indique clairement que l’artiste vivait réellement à Florence à cette époque. Cependant, l'art du nord de l'Italie a influencé manière créative Raphaël a une grande influence. Des œuvres telles que « La Madone aux Verts », « Sainte Catherine d'Alexandrie », « La Mise au Tombeau » appartiennent à cette période.
En 1508, Raphaël s'installe à Rome à l'invitation du pape Jules II, où il reste jusqu'à la fin de sa vie. Le projet le plus célèbre et le plus ambitieux du peintre de cette époque était celui des « Stances de Raphaël », des pièces du palais papal du Vatican, que l’artiste a décorées de ses fresques. La peinture du palais a pris la plupartépoque du peintre, mais à cette époque il créa plusieurs chefs-d'œuvre destinés à acquérir une renommée mondiale - «Le Triomphe de Galatée», «Chemin de Croix», «Sainte Famille».
Raphaël meurt le 6 avril 1520. Les raisons de sa mort restent inconnues. L'inscription sur sa tombe dit : « Ici repose Raphaël ; vivant, il est devenu un digne rival de la nature elle-même ; En mourant, elle le pleura, craignant de mourir elle-même.
Faits intéressants et dates de la vie
L'Italie a donné au monde un grand nombre de grands artistes, architectes et graphistes. Parmi eux, Rafael Santi brille de mille feux. Architecte et artiste bien connu du monde moderne, il a laissé un riche héritage qui surprend et ravit les vrais connaisseurs d'art.
Biographie
Diverses sources affirment que Raphaël serait né le 26 ou le 28 mars 1483. Selon d’autres, le 6 avril serait l’anniversaire et le décès de l’artiste. Qui croire ? Décider vous-même. Seule la ville où est né Rafael Santi est connue : Urbino.
L'enfance a été assombrie par la mort de Margie Charla, la mère du futur artiste. Le père, Giovanni Santi, dut partir pour rejoindre sa femme en 1894.
Les premières années de la vie de Rafael Santi ont laissé des traces vives dans l'esprit du garçon et dans ses préférences. La raison de cet impact du monde environnant était la naissance dans la famille d'un artiste de cour qui travaillait sous le duc d'Urbino. Ici, le jeune artiste a réussi à faire ses premiers pas créatifs. La première œuvre du maître de la peinture est considérée comme la fresque «La Vierge à l'Enfant», conservée pendant de nombreuses années dans la maison-musée.
Il reste peu de résultats de la recherche créative et de la recherche indépendante d’une voie. Parmi les premières figuraient des œuvres de Raphael Santi pour l'église de Sant'Agostino, située à Città di Castello :
- "Glantern à l'image de la Sainte Trinité" (vers 1499-1500)
- image pour l'autel "Couronnement de St. Nicolas de Tolentino" (1500-1501)
1501 Jeune artiste décide de poursuivre ses études avec Pietro Perugino, qui a vécu et travaillé à Pérouse. L'influence du maître a apporté des ajustements au travail de Raphael Santi.
Cette période de Santi est remplie de visites à Urbino, Città di Castello et d'accompagnement du professeur à Sienne.
1504 Rencontre avec Baldassar Castiglione, suivie d'un déménagement à Florence, où Raphaël Santi vécut plusieurs années. Après avoir rencontré Michel-Ange, Léonard de Vinci et d'autres grands artistes italiens de cette période, Santi se familiarise avec les techniques de génies reconnus, apprend, absorbe connaissances et compétences comme une éponge. Les pensées du jeune artiste étaient absorbées par ses études et son travail sur de nouvelles peintures.
Les dessins de Rafael Santi n'étaient pas complètement captivants. L'architecture est devenue ma deuxième passion. L'artiste a beaucoup appris de ses mentors, qui ont partagé avec plaisir leur expérience et leurs connaissances. Les réalisations de Rafael Santi les ont surpris.
Plus tard, il fut présenté à Bramante. Faisant progressivement la connaissance de personnalités marquantes, l'artiste-architecte améliore sa technique et sa popularité grandit progressivement.
Onze mois plus tard, Santi décide de changer de situation et s'installe à Rome. Avec l'aide de Bramante, le jeune créateur parvient à prendre la place de l'artiste officiel du palais des Papes.
Les artistes italiens ne se sont pas limités à un seul type d’art. C'est peut-être eux qui ont traduit le postulat dans la réalité : les personnes vraiment talentueuses montreront leurs talents dans divers domaines. Raphaël a consacré beaucoup de temps à la recherche poétique, créant des sonnets dédiés à ses amants.
La biographie de Rafael Santi inclut le mariage. À 31 ans artiste célèbre tomba amoureux de la fille du boulanger, alors il lui proposa le mariage. La jeune fille accepta et devint une épouse fidèle jusqu’à la mort de l’artiste.
Selon les chercheurs, Raphaël s'intéressait à l'architecture du passé. Lors de fouilles à Rome, un architecte-chercheur a été infecté type particulier Fièvre romaine, qui causa la mort le 6 avril 1520. La maladie a emporté le génie de 37 ans qui, au cours de sa courte existence, a réussi à laisser une marque profonde dans divers domaines de l'art. Le tombeau de Raphaël était décoré de l'épitaphe :
"Ici repose le grand Raphaël, durant sa vie, la nature avait peur d'être vaincue, et après sa mort elle avait peur de mourir.
Création
Le maître créa ses premières œuvres sur commande pour les églises en 1499-1501. Pérouge a en fait inspiré le jeune artiste à écrire sur des thèmes religieux, créant des peintures d'autel et de petites toiles. Mais surtout, Rafael Santi s'est inspiré de l'image de Madonna.
Les peintures avec Madonna constituent la ligne principale du travail de l’artiste. Ils sont présentés à toutes les étapes de l'existence, révélant au spectateur l'âme du créateur. Toutes les œuvres, malgré l'unité de l'intrigue, sont individuelles.
À son vingt-deuxième anniversaire, l'artiste Rafael Santi devient populaire. À à un jeune artiste demander la création d'images de saints, telles que «St. Catherine d'Alexandrie" et autres.
Rafael Santi : les tableaux les plus célèbres
« Madone Sixtine », combinant l'unité du corps mortel, le Saint-Esprit, la naissance, l'expiation des péchés.
Raphael Santi - Madone Sixtine
"Trois Grâces". Représente l'amour, la beauté et l'innocence tenant les pommes des Hespérides, incarnant la beauté avec la capacité de sauver le monde.
Rafael Santi - Les Trois Grâces « Madonna Conestabile » est une image remplie de tendresse, de pure spiritualité, de lyrisme, d'harmonie et d'amour.
Rafael Santi - Madonna Conestabile « L'École d'Athènes » - une toile qui unit les images philosophes célèbres, enseignants Culture grecque. L'artiste a étonné ses contemporains et ses descendants avec sa peinture.
Raphael Santi – Ecole d'Athènes "Autoportrait". C'est ainsi que Raphaël se voyait (1506).
Rafael Santi - Autoportrait « La Dame à la Licorne » glorifie la beauté et le miracle de la pureté de l'esprit et du corps.
Rafael Santi - Dame à la Licorne "Transfiguration". Le dernier chef-d'œuvre, une toile inachevée, commencée par le maître peu avant sa mort. Ce tableau se tenait à la tête du génie lors des funérailles.
Rafael Santi - Métamorphose "Beau jardinier." Une charmante image de la Madone prenant soin du monde, comme un bon jardinier prend soin d'un verger.
Rafael Santi - Le beau jardinier "Donna Velata" Une image tendre d'une épouse qui a vécu avec Raphaël jusqu'à sa mort et est allée dans un monastère pour y rester fidèle à son mari.
Rafael Santi - Donna Velata 
Rafael Santi - Les Fiançailles de la Vierge Marie « Madone dans un fauteuil », personnifiant la beauté, la pureté de l'âme et la joie de la maternité.
Rafael Santi - Madone sur une chaise 
Rafael Santi - Madone dans la verdure "Madone au voile." Une image douce et paisible qui rappelle les valeurs familiales, qui sont les principaux trésors donnés aux hommes par le Créateur.
Rafael Santi - Madone au voile « Le Rêve du Chevalier » est une image qui incarne le choix éternel entre le plaisir et la vertu.
Rafael Santi - Le rêve d'un chevalier « Madonna Alba », qui appartient depuis longtemps à la famille espagnole du même nom et incarne l'unité de l'âme, du corps et de l'esprit, la connaissance du chemin futur et la volonté de le suivre.
Rafael Santi - Madonna Alba Catégorie Raphaël (en fait Raphael Santi), l'un des plus grands peintres des temps modernes, est né le 6 avril 1483 à Urbino. Il reçoit sa première formation artistique de son père, le peintre Giovanni Santi, et après sa mort en 1494, il continue avec le peintre ombrien P. Perugino. Les premières peintures de Raphaël remontent à l'époque de son séjour au Pérugin. Ils portent tous caractère général la rêverie religieuse tendre et profonde de l'école ombrienne. Mais déjà dans « Les Fiançailles de la Vierge Marie » (Sposalizio), écrit à la fin de cette période, les traits du début de formation de Raphaël transparaissent à travers ce personnage.
Raphaël. Fiançailles de la Vierge Marie. 1504
Période florentine de l'œuvre de Raphaël
Avec l'arrivée de Raphaël de la tranquille Ombrie à Florence, en 1504, commence sa deuxième période. activité artistique. Les œuvres de Michel-Ange, Léonard de Vinci et Fra Bartolomeo, Florence elle-même - le centre de tout ce qui est élégant et beau - tout cela a eu une forte influence sur le développement artistique de Raphaël. Surprenant par la force de Michel-Ange, il s'est cependant rangé du côté de Léonard. de Vinci et Fra Bartolomeo et se consacre avec zèle à l'étude des vieux Florentins. Le sentiment subtil et la transmission fidèle des mouvements émotionnels, le charme des figures et le jeu de tons qui distinguent les peintures de Léonard de Vinci, l'expression respectueuse et la disposition habile des groupes, la connaissance et la profondeur d'impression inhérentes à Fra Bartolomeo, ont été reflété dans les œuvres de Raphaël de cette période, mais ne les a pas privés d'une individualité claire déjà émergente. Se soumettant souvent aux influences des autres, Raphaël ne prenait toujours que ce qui lui était lié et utile, étant capable de maintenir le sens des proportions.
Raphaël. Trois Grâces. 1504-1505
La période florentine de l’œuvre de Raphaël commence avec les peintures allégoriques « Les Trois Grâces » et « Le Rêve du chevalier ».
Raphaël. Allégorie (le rêve d'un chevalier). D'ACCORD. 1504
De cette époque datent également les célèbres panneaux sur le thème des batailles de Saint-Michel et Saint-Georges avec le dragon, les tableaux « Le Christ bénissant » et « Sainte Catherine d'Alexandrie ».
Raphaël. Sainte Catherine d'Alexandrie. 1508
Madones de Raphaël
Mais en général, le temps passé par Raphaël à Florence est l'époque des Madones par excellence : « Madone au Chardonneret », « Madone de la Maison de Tempi », « Madone de la Maison de Colonna », « Madone du Baldaquin », « La Madone de Granduca", la "Madonna de Canigiani", la "Madonna Terranuova", la "Madonna in the Green", la soi-disant "Belle Jardinière" et la composition "La Mise au Tombeau du Christ", excellente en théâtre, sont les principales œuvres de Raphaël pour cette période.
Raphaël. Madone des Verts, 1506
Ici à Florence, Raphaël réalise des portraits et peint des portraits d'Agnolo et de Maddalena Doni.
Raphaël. Portrait d'Agnolo Doni. 1506
La période romaine de l'œuvre de Raphaël
Fusionnant harmonieusement toutes les influences et les traduisant, Raphaël avance progressivement et atteint sa plus haute perfection dans la troisième période de son activité à Rome. Sous la direction de Bramante, en 1508 Raphael Santi fut convoqué à Rome par le pape Jules II pour décorer certaines salles du Vatican avec des fresques. Les tâches grandioses qui s'offraient à Raphaël lui inspiraient la conscience de sa propre force ; la proximité de Michel-Ange, qui commença simultanément à peindre la Chapelle Sixtine, suscita en lui une noble concurrence, et le monde de l'Antiquité classique, révélé à Rome plus que partout ailleurs, donna à son activité une direction sublime et donna une complétude et une clarté plastique à l'expression de idées artistiques.
Peinture de Raphaël dans la Strophe della Segnatura
Trois chambres (strophe) et une grande salle du Vatican sont couvertes sur les voûtes et les murs de fresques de Raphaël et sont donc appelées « les Stances de Raphaël ». Dans le premier repos (Stanza della Segnatura), Raphaël a dépeint la vie spirituelle des gens dans ses directions les plus élevées. Théologie, philosophie, jurisprudence et poésie flottent sous forme de figures allégoriques au plafond et servent de titres à quatre grandes compositions accrochées aux murs. Sous la figure de la Théologie sur le mur se trouve ce qu'on appelle « La Disputa » - La dispute au sujet de Saint. Eucharistie - et en face se trouve ce qu'on appelle « l'École d'Athènes ». La première composition rassemble des représentants de la sagesse chrétienne en groupes, la seconde - païenne, et reflète ainsi de manière caractéristique la Renaissance italienne. Dans "The Dispute", l'action se déroule simultanément sur terre et au ciel. Au ciel est assis le Christ parmi la Mère de Dieu et Jean-Baptiste, un peu plus bas que lui se trouvent les apôtres, les prophètes et les martyrs ; au-dessus du Christ se trouve Dieu le Père avec puissance, entouré d'anges, au-dessous du Christ se trouve le Saint-Esprit sous la forme d'une colombe. Au centre de l'image se trouve un autel préparé pour l'offrande d'un sacrifice sans effusion de sang, et autour de lui se trouvent des pères de l'Église, des enseignants religieux et des croyants ordinaires répartis en plusieurs groupes animés. Tout est calme dans le ciel ; ici sur terre, tout est plein d'excitation et de lutte. Les quatre Évangiles, portés par les anges, servent de médiateurs entre la terre et le ciel.
Raphaël. Différend sur l'Eucharistie (Différend). 1510-1511
La scène de « l’École d’Athènes » est un portique antique orné de statues. Au milieu se trouvent deux grands penseurs : l’idéaliste Platon, qui lève la main et pense vers le ciel, et le réaliste Aristote, qui regarde la terre. Ils sont entourés d’auditeurs attentifs. Sous la figure de la Jurisprudence sur le mur découpé à travers la fenêtre, trois personnages sont placés en haut, au-dessus de la fenêtre, personnifiant la prudence, la force et la modération, et sur les côtés de la fenêtre - à gauche l'empereur Justinien, recevant les pandectes du Tribonien agenouillé, à droite - le pape Grégoire VII, présentant des décrétales à un avocat .
Raphaël. Ecole d'Athènes, 1509
En face de cette fresque, sous la figure de la poésie, se trouve le « Parnasse », sur lequel sont réunis de grands poètes anciens et modernes.
Peinture de Raphaël dans la Stanza di Eliodoro
Dans la deuxième chambre (di Eliodoro), sur les murs, d'une forte inspiration dramatique, sont représentés « L'expulsion d'Héliodore du Temple », « Le miracle de Bolsena », « La libération de l'apôtre Pierre de prison » et « Attila, stoppé dans son attaque contre Rome par les remontrances du pape Léon Ier et la terrible apparition des apôtres Pierre et Paul. »
Raphaël. Expulsion d'Héliodore du Temple, 1511-1512
Ces œuvres représentent l'intercession divine, protégeant l'Église des ennemis externes et internes. En peignant cette pièce, Raphaël a eu recours pour la première fois à l'aide de son élève préféré Giulio Romano.
Raphaël. Rencontre du pape Léon Ier et d'Attila, 1514
Peinture de Raphaël dans la Strophe del Incendio
La troisième chambre (dell "Incendio) est ornée de quatre fresques murales représentant l'incendie de Borgo, arrêté par la parole du pape, la victoire sur les Sarrasins à Ostie, le serment de Léon III et le couronnement de Charlemagne. Seule la première certains d'entre eux appartiennent sans aucun doute entièrement à Raphaël, le reste a été peint par ses élèves selon lui sur des cartons, que parfois Raphaël n'a pas eu le temps de donner la finition finale.
Peinture de Raphaël dans la salle de Constantin
Enfin, dans la salle adjacente de Constantin, à côté d'autres scènes de la vie de Constantin le Grand, champion de l'Église et fondateur de son pouvoir séculier, Raphaël a créé une image puissante de la bataille de Constantin - l'une des batailles majestueuses des peintures de l'art nouveau, même si elles ont été principalement réalisées par Giulio Romano.
Raphaël. Bataille de Constantin le Grand sur le pont Milvius, 1520-1524
Peinture de Raphaël dans les loggias du Vatican
N'ayant pas encore fini la danse, Raphaël dut commencer à décorer Loggias du Vatican- les galeries ouvertes entourant la cour de Saint-Damas sur trois côtés. Pour les loggias, Raphaël a réalisé 52 croquis de scènes de l'Ancien et du Nouveau Testament, connues sous le nom de « Bible de Raphaël ». Si nous comparons cette Bible avec les peintures bibliques de Michel-Ange dans la Chapelle Sixtine, alors tout le contraste entre le sombre tragédien et parolier Michel-Ange et l'épopée calme Raphaël, qui privilégie le gratifiant, l'idylle et la grâce, apparaît clairement.
Tapisseries pour la Chapelle Sixtine
Le troisième travail important de Raphaël à Rome consistait en cartons de scènes des Actes des Apôtres pour 10 tapisseries en Chapelle Sixtine, commandés par le pape Léon X. Dans ceux-ci, Raphaël est l'un des les plus grands maîtres peinture historique. Parallèlement, Raphaël écrit « Le Triomphe de Galatée » dans la Villa Farnésine et réalise des croquis de l'histoire de Psyché pour la galerie de la même villa, réussissant à réaliser des dessins pour des plats et des boîtes d'encens à la demande du pape. .
Vie de Raphaël à Rome
En 1514, Léon X nomma Raphaël observateur en chef de la construction de la cathédrale Saint-Pierre et, en 1515, gardien des monuments antiques extraits des fouilles de Rome. Et Raphaël trouva encore le temps d'exécuter un certain nombre d'excellents portraits et grands tableaux, Durant cette période romaine il créa entre autres choses ; portraits de Jules II et Léon X ; Madones : « Au voile », « della Sedia », « di Foligno », « de la maison d'Albe » et la plus parfaite des madones – « Sixtine » ; « Sainte Cécile », « Portant la Croix » (Lo Spasimo di Sicilia) et « Transfiguration », inachevés après la mort de l'artiste. Mais même maintenant, parmi les nombreuses œuvres, au sommet de sa renommée, Raphaël préparait avec autant de diligence chaque tableau, en examinant soigneusement de nombreux croquis. Et pour tout ça Raphaël dernières années Il s'est beaucoup impliqué dans l'architecture : selon ses plans, plusieurs églises, palais et villas ont été construits, mais pour la cathédrale Saint-Pierre. Il a réussi à faire peu de choses sur Peter. De plus, il a réalisé des dessins pour des sculpteurs, et lui-même n'était pas étranger à la sculpture : Raphaël possède une sculpture en marbre représentant un enfant sur un dauphin à l'Ermitage de Saint-Pétersbourg. Finalement, Raphaël fut emporté par l'idée de restaurer la Rome antique.
Raphaël. Madone Sixtine, 1513-1514
Accablé de travail depuis 1515, Raphaël n'a pas eu un moment de paix. Il n'a pas eu besoin d'argent, n'ayant pas le temps de dépenser ses gains. Léon X en fit son chambellan et chevalier de l'éperon d'or. Raphaël était lié à plusieurs des meilleurs représentants de la société romaine par des liens d'amitié. Lorsqu'il a quitté la maison, il était entouré d'une foule d'environ 50 de ses élèves, qui s'accrochaient à chaque mot de leur professeur bien-aimé. Grâce à l’influence du caractère paisible de Raphaël, libre de toute envie et de toute mauvaise volonté, cette foule formait une famille amicale, sans envie ni querelle.
Mort de Raphaël
Le 6 avril 1520, Raphaël meurt à l'âge de 37 ans des suites d'une fièvre contractée lors de fouilles ; c'était fatal à son corps, épuisé par un stress extraordinaire. Raphaël n'était pas marié, mais fiancé à la nièce du cardinal Bibbiena. Selon Vasari, jusqu'à sa mort, Raphaël était passionnément attaché à sa bien-aimée Fornarina, fille d'un boulanger, et ses traits semblent avoir formé la base du visage de la Madone Sixtine. La rumeur selon laquelle la cause de la mort prématurée de Raphaël était une raison. la vie immorale est apparue plus tard et ne repose sur rien. Les contemporains parlent avec un profond respect du caractère moral de Raphaël. Le corps de Raphaël a été enterré au Panthéon. En 1838, en raison de doutes, le tombeau fut ouvert et les restes de Raphaël furent retrouvés complètement intacts.
Caractéristiques de la créativité de Raphaël
Ce qui frappe dans l’œuvre de Raphael Santi, c’est d’abord son inépuisable fantaisie créative un artiste dont nous ne voyons une telle perfection chez personne d’autre. L'index des peintures et dessins individuels de Raphaël couvre 1225 numéros ; dans toute cette masse de ses œuvres on ne trouve rien de superflu, tout respire la simplicité et la clarté, et ici, comme dans un miroir, le monde entier se reflète dans sa diversité. Même ses madones plus haut degré différent : d'un idée artistique- images d'une jeune mère avec un enfant - Raphaël a réussi à extraire autant d'images parfaites dans lesquelles elle peut se manifester. Une autre caractéristique distinctive du travail de Raphaël est la combinaison de tous les dons spirituels dans une merveilleuse harmonie. Raphaël n'a rien de dominant, tout se combine dans un équilibre extraordinaire, dans une beauté parfaite. La profondeur et la force du dessin, la symétrie naturelle et l'exhaustivité des compositions, la répartition remarquable de la lumière et de l'ombre, la véracité de la vie et du caractère, la beauté de la couleur, la compréhension du corps nu et des drapés - tout est harmonieusement combiné. dans son travail. Cet idéalisme multiforme et harmonieux de l'artiste de la Renaissance, ayant absorbé à sa manière presque tous les mouvements pouvoir créatif ne s'y est pas soumis, mais a créé son propre original, l'a revêtu de formes parfaites, fusionnant la piété chrétienne du Moyen Âge et l'étendue de la vision de l'homme nouveau avec le réalisme et la plasticité du monde gréco-romain. Parmi la grande foule de ses disciples, peu d’entre eux dépassaient la simple imitation. Giulio Romano, qui prit une part significative dans les œuvres de Raphaël et acheva la Transfiguration, fut Meilleur étudiant Raphaël.
Raphaël. Transfiguration, 1518-1520
La vie et l'œuvre de Raphael Santi sont décrites dans le livre de Giorgio Vasari « Vies des peintres, sculpteurs et architectes les plus célèbres » (« Vite de" più eccellenti architetti, pittori e scultori »), 1568.
