Eugène Henri Paul Gauguin - Peintre, sculpteur, céramiste et graphiste français. Avec Cézanne et Van Gogh était le plus grand représentant post-impressionnisme. Début des années 1870 années ont commencé à peindre en amateur. Période au début la créativité est associée à impressionnisme. Depuis 1880 participé à des expositions impressionnistes. AVEC 1883 artiste professionnel.
Tant dans la vie que dans l’œuvre de Gauguin, tout est manifestement inhabituel, tout est confus, contradictoire, tout est lumineux, coloré, tout est imprégné d’un esprit de protestation contre les normes habituelles établies, contre une existence douce et sereine.
La vie de Gauguin, pleine de vicissitudes, a prouvé qu'il croyait profondément en tout ce qu'il prêchait. Ainsi, chaque événement de sa vie, chaque parole prononcée par l'artiste à une occasion ou une autre prend une signification particulière.
Pour comprendre l’artiste et ses peintures, revenons à sa biographie.
Gauguin. Paris. Hiver 1891
À PROPOS DE L'ARTISTE
Paul Gauguin est né en 1848. Son père était journaliste et sa mère était issue d'une riche famille péruvienne. Jusqu'à l'âge de sept ans, Paul a vécu avec la famille de sa mère au Pérou.
En 1855, alors que Paul a 7 ans, lui et sa mère reviennent en France et s'installent à Orléans avec son grand-père. Gauguin apprend rapidement le français et commence à exceller dans l'éducation. A l’âge de 20 ans, il part servir dans la marine pendant 2 ans. En 1871, Gauguin revient à Paris, où il obtient le poste d'agent de change.
Mette et Paul Gauguin. Copenhague, 1885
Début 1873, Gauguin rencontre une jeune Danoise, Matt-Sophie Gad, venue en vacances en France, et l'épouse. La femme considère les divertissements de son mari comme le passe-temps le plus inoffensif.Le couple avait cinq enfants
Au cours des dix années suivantes, la position de Gauguin dans la société se renforce. Il a obtenu une maison confortable dans la banlieue parisienne et sa femme bien-aimée lui a donné cinq enfants. Pendant son temps libre, Gauguin consacre beaucoup de temps à son passe-temps : la peinture. Tout a commencé par une collection de tableaux, puis Gauguin a commencé à essayer de se peindre lui-même.
Gauguin s'intéresse au dessin depuis son enfance, mais ce n'est qu'après sa rencontre avec le peintre impressionniste Camille Pissarro, qui à son tour présente Gauguin à d'autres artistes, qu'il commence à peindre régulièrement et finit par exposer aux expositions impressionnistes de 1881 et 1882.
En 1884, Gauguin s'installe avec sa famille à Copenhague, où il continue à travailler comme courtier. Cependant, après avoir commencé à peindre à plein temps, Paul quitte sa femme et ses cinq enfants au Danemark et revient à Paris en 1885.
Gauguin et ses enfants Emil et Alina.
Mette, l'épouse de Gauguin, avec ses enfants.
Le sentiment de perte totale, l'incapacité de surmonter l'environnement hostile qui l'entoure sont encore aggravés par l'attitude de sa femme et de ses proches.
"... Cela fait six mois que je ne parle plus", écrit-il, "l'isolement est le plus complet, c'est naturel que pour la famille je sois un monstre qui ne gagne pas d'argent... et je Je suis sujet à des reproches, bien entendu, à propos de la peinture, c'est pourquoi je ne suis pas un financier célèbre."
Mais Matt n'a pas pu comprendre son mari lorsqu'il a décidé de se consacrer entièrement à l'art. Leur mariage se rompit en 1885, ce qui n'empêcha pas Matt d'aider Paul à exposer pendant longtemps (au moins jusqu'en 1892) et d'être effectivement son agent au Danemark.
A partir de cette époque, ses pérégrinations à travers le monde commencent.
Depuis son enfance passée au Pérou (dans le pays de sa mère), il a soif de lieux exotiques et considère la civilisation comme une « maladie ». Gauguin, avide de « fusionner avec la nature », part en 1891 pour Tahiti, où il réside à Papeete et où, en 1892, il peint jusqu'à 80 toiles.
Ici, il peint non seulement des peintures, mais aussi des livres et crée ses sculptures uniques. Gauguin écrit : « Je place des sculptures partout sur l'herbe. C'est de l'argile recouverte de cire. D'abord nue. figure féminine, puis un magnifique lion fantastique jouant avec son petit. Les indigènes, qui n'ont jamais vu de prédateur, sont complètement abasourdis."
Il a vu que les habitants des îles avaient encore de nombreuses habitudes barbares et pas tout à fait agréables, il a vu combien de nouveaux vices les Européens qui naviguaient ici inculquaient à ces gens naïfs. Mais il a lui-même recréé encore et encore le paradis qui l'avait autrefois captivé, il a lui-même construit sa propre maison de plaisir.
Sa wahina officielle (bien-aimée) était désormais Marie-Rose Waeoho, quatorze ans, mais à côté d'elle, de nombreuses filles du coin venaient chez lui.
Autoportrait au "Christ jaune". 1890
Après un court retour (1893-1895) en France, pour cause de maladie et de manque de moyens, il part définitivement pour l'Océanie - d'abord à Tahiti, et à partir de 1901 sur l'île de Hiva Oa (Îles Marquises), où il emmène un jeune Tahitien. femme comme son épouse et travaillant à pleine capacité.
La maison de Gauguin
Au deuxième étage, il y avait une petite chambre à gauche et un atelier spacieux à droite. La porte était entourée de panneaux en bois sculpté et peint. Depuis la fenêtre de l'atelier, Gauguin utilisa une canne à pêche pour récupérer une cruche d'eau du puits.
La maison de Gauguin à Punaauia et une statue de femme nue. Photo
Le modèle préféré de Gauguin n'était pas Waeoho, avec qui il vivait, mais le roux Tohotaua de l'île voisine de Tahuata. Il est curieux qu'en raison d'un ancien mélange de races, non seulement aux îles Marquises, mais aussi dans d'autres régions de la Polynésie, au moment de leur découverte par les Européens, il y avait de nombreux indigènes aux cheveux roux. Et aussi longtemps que les gens s'en souviennent, il y avait toujours des gens aux cheveux roux dans le clan Tohotahua. Elle a notamment posé pour l’intéressant tableau de Gauguin « Contes barbares ».
Gauguin y passera la dernière année et demie de sa vie. Il s'occupe de peinture et de sculpture, continue de travailler comme journaliste, écrit des histoires, entre en conflit continu avec les autorités et les représentants de la mission catholique - et perd progressivement ses forces.
Malgré la maladie, la pauvreté et la dépression qui le conduisent à des tentatives de suicide, Gauguin y écrit ses meilleures œuvres. Observation sur vrai vie et la vie des peuples d'Océanie sont étroitement liées aux mythes locaux.
Sur de grandes toiles plates, il crée des compositions statiques et contrastées en couleurs, profondément émotionnelles et à la fois décoratives.
Représentant la beauté luxuriante et généreuse de la nature tropicale, des peuples naturels préservés de la civilisation, l'artiste a cherché à incarner le rêve utopique d'un paradis terrestre, d'une vie humaine en harmonie avec la nature.
Dans l'une de ses dernières lettres à un ami, il dit : « Je suis vaincu, mais pas encore vaincu. Un Indien qui sourit sous la torture est-il vraiment vaincu. Vous aviez tort quand vous m'avez dit un jour que je l'étais. Je me suis trompé et je ne suis pas un sauvage. Non, c'est vrai : je suis un sauvage. Les gens civilisés le ressentent, car dans mes œuvres c'est précisément cette « sauvagerie involontaire » qui me surprend et me laisse perplexe.
Le 8 mai 1903, après plusieurs jours de souffrances physiques et morales, Paul Gauguin décède. Les indigènes qui venaient chez l’artiste se lamentaient sur son corps : « Gauguin est mort, nous sommes perdus. »
Paul Gauguin a mieux que quiconque résumé son destin et son œuvre : « Je suis un grand artiste et je le sais parce que j'ai beaucoup enduré. centre de création situé dans le cerveau et non ailleurs. Je suis fort parce que personne nulle part ne m'a éloigné du chemin que j'ai choisi et je reste fidèle à ce qui est en moi.
Autoportrait avec des lunettes. 1903
La renommée de l'artiste est acquise après sa mort, lorsque 227 de ses œuvres sont exposées à Paris en 1906.
Les prouesses techniques de Gauguin, une nouvelle compréhension de la couleur, Attention particulièreà un dessin qui met en valeur les contours, le rapport entre couleur et dessin, couleur et ligne, le désir de maximiser et en même temps de simplifier ces éléments, les effets décoratifs d'une image planaire et, surtout, la subordination complète du pictural du langage au sens de ce qui est représenté - tout cela est devenu solidement ancré dans l'art du XXe siècle.
Bouquet et enfants tahitiens.
N'es-tu pas jaloux ?
Portrait de Marie Derrien
Paysage de Tahiti.
Deux filles.
Deux Tahitiens.
Fête des Saints.
L'esprit des morts ne dort pas.
Gauguin a écrit « L'Esprit des morts ne dort jamais » en 1892, dans un village isolé de l'île de Tahiti. Ce tableau montre le mélange caractéristique de l’artiste entre fiction et réalité, lorsque les légendes anciennes sont étroitement liées à la vie des Tahitiens.
La jeune fille est basée sur Tehura, la jeune épouse tahitienne de Gauguin. L'esprit est représenté comme une petite femme ordinaire. Le fond violet sombre de l’image crée l’atmosphère appropriée.
Femme tenant un fruit.
Tahitien à la mangue.
Femmes de Tahiti sur la plage.
L’intérêt pour Gauguin augmente d’année en année. Des articles et des études lui sont consacrés. Les musées et grandes réunions Ils ont acheté ses tableaux et le « prix du marché » n’a cessé d’augmenter.
Ce prix a grimpé particulièrement fortement en décembre 1942, lorsque le tableau de Gauguin « Deux personnages sur un rocher », peint en 1889, a été vendu pour 1 100 000 francs, et en 1956, « Le paysan avec un chien » a été évalué à 18 500 000 francs.
Nature morte aux pommes Paul Gauguin
Jusqu’alors, pas un seul tableau vendu aux enchères n’avait atteint la barre des cent millions de francs. Mais le 14 juin 1957, la « Nature morte aux pommes » de Gauguin franchit cette limite : l'armateur grec Vasilis Goulandris l'achète pour 104 millions de francs.
Par la suite, le 25 novembre 1959, le tableau tahitien « Attends-tu une lettre ? était évalué à Londres à 130 mille livres sterling, soit environ cent quatre-vingts millions de francs.
Ainsi, Gauguin était, avec Cézanne et Van Gogh, l'un des trois artistes les plus « cotés » au monde. N’importe quelle esquisse en est arrachée des mains des uns et des autres. En juin 1957, une de ses lettres est vendue à l'Hôtel Drouot pour 600 mille francs. Qu'est-ce qui était écrit dans cette lettre ? Et voici quoi : « Maintenant, je suis vaincu, vaincu par la pauvreté... »
Photo. Quand est le mariage ?
Le tableau « Quand est le mariage ? a été peint en 1892, lorsque Gauguin emmenait sa femme tahitienne, Tehaamana,il l'appelait Tehura - elle avait alors 13 ans. Le mariage traditionnel était organisé par les proches de Tehaamana, pour qui se marier avec un homme blanc était un grand honneur. Tehaamana fut le modèle de nombreuses peintures de Gauguin de sa première période tahitienne.Le tableau était assez typique de l'image de Tahiti en Occident ; de tels tableaux permettaient cependant à Gauguin de recevoir de l'argent de ses amis.
Peinture de Paul Gauguin , écrit par l'artiste le Tahiti en 1892. A appartenu à la famille pendant un demi-siècle Rudolf Stechlin, exposé dansMusée d'art de Bâle. En 2015 le tableau a été vendudépartement du musée Qatar pour un montant record de 300 millions de dollars.
Fille de Gauguin et Tehura
Paul Gauguin est né en 1848 à Paris le 7 juin. Son père était journaliste. Après les bouleversements révolutionnaires en France, le père du futur artiste a rassemblé toute sa famille et s'est rendu au Pérou par bateau, avec l'intention de rester chez les parents de sa femme Alina et d'y ouvrir son propre magazine. Mais en chemin, il a eu un accident crise cardiaque, et il est mort.
Paul Gauguin a vécu au Pérou jusqu'à l'âge de sept ans. De retour en France, la famille Gauguin s'installe à Orléans. Mais Paul n’était absolument pas intéressé à vivre en province et s’ennuyait. A la première occasion, il quitta la maison. En 1865, il s'engage comme ouvrier sur un navire marchand. Le temps a passé et le nombre de pays visitant le terrain a augmenté. Au fil de plusieurs années, Paul Gauguin est devenu un véritable marin confronté à diverses difficultés en mer. Entrer dans le service en français marine Paul Gauguin continue de surfer sur les étendues des mers et des océans.
Après la mort de sa mère, Paul abandonne le commerce maritime et travaille à la bourse, que son tuteur l'aide à trouver. Le travail était bon et il semblait qu'il y travaillerait longtemps.
Mariage de Paul Gauguin
Gauguin a épousé le Danois Matt-Sophie Gad en 1873. Dans 10 ans la vie ensemble sa femme a donné naissance à cinq enfants et la position de Gauguin dans la société s’est renforcée. Pendant son temps libre, Gauguin s'adonnait à son passe-temps favori : la peinture.
Gauguin n'avait pas du tout confiance en son forces artistiques. Un jour, un tableau de Paul Gauguin a été sélectionné pour être exposé lors d'une exposition, mais il n'en a parlé à aucun membre de la famille.
En 1882, une crise boursière éclate dans le pays, et plus loin travail réussi Gauguin commença à émettre des doutes. C’est ce fait qui a contribué à déterminer le destin de Gauguin en tant qu’artiste.
En 1884, Gauguin vivait déjà au Danemark, puisqu'il n'y avait pas assez d'argent pour vivre en France. La femme de Gauguin a enseigné Français au Danemark, et il a essayé de se lancer dans le commerce, mais rien n'a fonctionné pour lui. Des désaccords commencèrent dans la famille et le mariage se rompit en 1885. La mère reste avec 4 enfants au Danemark, et Gauguin rentre à Paris avec son fils Clovis.
Vivre à Paris est difficile et Gauguin doit s'installer en Bretagne. Il aimait cet endroit. Les Bretons sont un peuple tout à fait unique, avec leurs propres traditions et vision du monde, et même leur propre langue. Gauguin se sent bien en Bretagne ; ses sentiments de voyageur se réveillent.
En 1887, emmenant avec eux l'artiste Charles Laval, ils se rendirent au Panama. Le voyage n'a pas été très réussi. Gauguin a dû travailler dur pour subvenir à ses besoins. Tombé malade du paludisme et de la dysenterie, Paul a dû retourner dans son pays natal. Des amis l'acceptèrent et l'aidèrent à se rétablir, et déjà en 1888 Paul Gauguin s'installa de nouveau en Bretagne.
Le cas de Van Gogh
Gauguin connaissait Van Gogh, qui souhaitait organiser une colonie d'artistes à Arles. C'est là qu'il a invité son ami. Toutes les dépenses financières ont été supportées par le frère de Van Gogh, Théo (nous avons évoqué ce cas dans). Pour Gauguin, c'était une bonne occasion de s'évader et de vivre sans soucis. Les points de vue des artistes différaient. Gauguin commença à guider Van Gogh et commença à se présenter comme un professeur. Van Gogh, qui souffrait déjà à cette époque de troubles psychologiques, ne pouvait pas supporter cela. À un moment donné, il a attaqué Paul Gauguin avec un couteau. Sans rattraper sa victime, Van Gogh lui coupe l'oreille et Gauguin repart à Paris.
Après cet incident, Paul Gauguin a voyagé entre Paris et la Bretagne. Et en 1889, après avoir visité une exposition d'art à Paris, il décide de s'installer à Tahiti. Naturellement, Gauguin n'avait pas d'argent et il commença à vendre ses tableaux. Ayant économisé environ 10 000 francs, il se rendit sur l'île.
À l'été 1891, Paul Gauguin se met au travail et achète une petite cabane au toit de chaume sur l'île. De nombreuses peintures de cette époque représentent l'épouse de Gauguin, Tehura, qui n'avait que 13 ans. Ses parents l'ont volontiers donnée à Gauguin pour épouse. Le travail fut fructueux, Gauguin écrivit beaucoup peintures intéressantesà Tahiti. Mais le temps a passé, l'argent s'est épuisé et Gauguin est tombé malade de la syphilis. Il n'en peut plus et part pour la France, où l'attend un petit héritage. Mais il n’a pas passé beaucoup de temps dans son pays natal. En 1895, il retourne à Tahiti, où il vit également dans la pauvreté et le dénuement.
Les chefs-d'œuvre des beaux-arts, en particulier, sont le reflet du parcours d'une personne, l'incarnation d'un sentiment qui ne peut être décrit avec des mots. Peut-être y a-t-il une signification plus profonde et plus fondamentale cachée en eux. Paul Gauguin, chasseur de secrets et, comme on l'appelait, le célèbre « créateur de mythes », tenta de le retrouver.
Paul Gauguin était celui personnalité créative qui apprend de nouvelles choses à la volée, en s'instruisant constamment. Mais il percevait ce qu'il voyait à sa manière, le présentant inconsciemment à son monde artistique et l'a combiné avec d'autres pièces. Il a créé un monde de ses propres fantasmes et pensées, a créé sa propre mythologie. Ayant débuté comme artiste autodidacte, Gauguin a été influencé par l'école de Barbizon, les impressionnistes, les symbolistes et les artistes individuels avec lesquels le destin l'a rencontré. Mais, ayant maîtrisé les compétences techniques nécessaires, il ressent un besoin impérieux de trouver sa propre voie artistique, qui lui permettra d'exprimer ses pensées et ses idées.
Eugène Henri Paul Gauguin né le 7 juin 1848 à Paris. Ce temps tomba pendant les années de la Révolution française. En 1851, après un coup d'État, la famille s'installe au Pérou, où le garçon est captivé par la beauté lumineuse et unique d'un pays inconnu. Son père, journaliste libéral, est décédé au Panama et la famille s'est installée à Lima.
Jusqu'à l'âge de sept ans, Paul a vécu au Pérou avec sa mère. Les « contacts » de l'enfance avec la nature exotique et les costumes nationaux éclatants sont profondément imprimés dans sa mémoire et se traduisent par un désir constant de changer de lieu. Après son retour dans son pays natal en 1855, il insista constamment sur son retour au « paradis perdu ».
Ses années d’enfance passées à Lima et à Orléans détermineront le destin de l’artiste. Après avoir obtenu son diplôme d'études secondaires en 1865, Gauguin, jeune homme, entre dans la flotte marchande française et voyage à travers le monde pendant six ans. En 1870 - 1871, le futur artiste participe à la guerre franco-prussienne, aux batailles en Méditerranée et dans les mers du Nord.
De retour à Paris en 1871, Gauguin s'établit comme agent de change sous la direction de son riche tuteur Gustave Arosa. À cette époque, Arosa était un collectionneur exceptionnel de peinture française, notamment de peintures impressionnistes contemporaines. C'est Arosa qui a éveillé l'intérêt de Gauguin pour l'art et l'a soutenu.
Les revenus de Gauguin étaient très décents et, en 1873, Paul épousa la Danoise Mette Sophie Gad, qui était gouvernante à Paris. Gauguin commença à décorer la maison dans laquelle les jeunes mariés emménageaient avec des tableaux qu'il avait achetés et qu'il commençait sérieusement à collectionner. Paul a connu beaucoup de peintres, mais Camille Pissarro, qui pensait qu'« on peut tout abandonner ! pour l’amour de l’art » est l’artiste qui a laissé la plus grande marque émotionnelle dans son esprit.
Paul commence à peindre et, bien sûr, essaie de vendre ses créations. A l'instar d'Arosa, Gauguin achète des toiles impressionnistes. En 1876, il expose son propre tableau au Salon. La femme considérait cela comme un enfant et acheter des tableaux était un gaspillage d'argent.
En janvier 1882, les Français bourse, et la banque Gauguinéclatement. Gauguin abandonne finalement l'idée de trouver un travail et, après de douloureuses délibérations, il fait un choix en 1883 en disant à sa femme que la peinture était la seule chose qu'il pouvait faire dans la vie. Abasourdie et effrayée par cette nouvelle inattendue, Mette a rappelé à Paul qu'ils ont cinq enfants et que personne n'achète ses tableaux - c'est en vain ! La rupture définitive avec sa femme le prive de son foyer. Vivant au jour le jour d’argent emprunté contre de futures redevances, Gauguin ne recule pas. Paul cherche constamment sa voie dans l'art.
Dans les premières peintures Gauguin dans la première moitié des années 1880, exécuté au niveau de la peinture impressionniste, il n'y a rien d'inhabituel pour lequel il vaudrait la peine d'abandonner même un travail moyennement rémunéré ; famille ayant un gagne-pain.
Gauguin se considérait-il alors comme un peintre ? Copenhague, écrit durant l'hiver 1884-1885, marque un tournant important dans la vie de Gauguin et est le point de départ de la formation de l'image de l'artiste qu'il se créera tout au long de sa carrière.
Gauguin a marqué un tournant important dans sa vie : il a quitté il y a un an son emploi, mettant définitivement fin à sa carrière d'agent de change et à l'existence d'un bourgeois respectable, se donnant pour mission de devenir un grand artiste.
En juin 1886 Gauguin départ pour Pont-Aven, ville de la côte sud de la Bretagne, où les mœurs, coutumes et costumes anciens d'origine sont encore préservés. Gauguin écrivait que Paris « est un désert pour le pauvre. [...] j'irai au Panama et j'y vivrai comme un sauvage. [...] J'emporterai des pinceaux et de la peinture avec moi et je trouverai une nouvelle force loin de la compagnie des gens.
Ce n’est pas seulement la pauvreté qui a éloigné Gauguin de la civilisation. Aventurier à l’âme agitée, il cherchait toujours à découvrir ce qu’il y avait au-delà de l’horizon. C'est pourquoi il aimait tant les expériences artistiques. Au cours de ses voyages, il est attiré par les cultures exotiques et souhaite s'y immerger à la recherche de nouvelles façons d'expression visuelle.
Il se rapproche ici de M. Denis, E. Bernard, C. Laval, P. Sérusier et C. Filiger. Les artistes étudiaient avec enthousiasme la nature, qui leur semblait une mystérieuse action mystique. Deux ans groupe plus tard Les peintres-adeptes de Gauguin, réunis autour de Sérusier, recevront le nom de « Nabi », qui traduit de l'hébreu signifiait « Prophètes ». À Pont-Aven, Gauguin peint des tableaux de la vie des paysans, dans lesquels il utilise des contours simplifiés et une composition stricte. Le nouveau langage pictural de Gauguin suscite de vifs débats parmi les artistes.
En 1887, il voyage en Martinique, qui l'enchante par l'exotisme à moitié oublié des tropiques. Mais la fièvre des marais contraint l'artiste à retourner dans son pays natal, où il travaille et suit un traitement ultérieur à Arles. Son ami Van Gogh y vivait à la même époque.
Ici, il commence à essayer avec un dessin « enfantin » simplifié - sans ombres, mais avec des couleurs très accrocheuses. Gauguin commence à recourir à des couleurs plus colorées, à appliquer des masses plus épaisses et à les disposer avec plus de rigueur. C'est une expérience déterminante qui annonce de nouvelles conquêtes. Les œuvres de cette période comprennent les œuvres "" (1887), "" (1887).
Des peintures de la Martinique sont exposées à Paris en janvier 1888. Le critique Félix Fénéon trouve dans l'œuvre de Gauguin « un caractère gai et barbare », tout en admettant que « ces peintures fières » donnent déjà une idée du caractère créateur de l'artiste. Cependant, si féconde que soit la période martiniquaise, elle ne constitue pas un tournant dans l’œuvre de Gauguin.
Un trait caractéristique de tous les types de créativité Paul Gauguin est le désir d'aller au-delà de la mentalité sur la base de laquelle son art « européen » a été déterminé, son désir d'enrichir la tradition artistique européenne avec de nouveaux moyens visuels, permettant un regard différent sur le monde qui l'entoure, avec lequel tous quête créative artiste.
Dans son peinture célèbre" " (1888) l'image, sensiblement agrandie sur un plan, est divisée verticalement en zones conventionnelles, situées, comme dans les "primitifs" médiévaux ou les kakemono japonais, les unes en face des autres. Dans une nature morte allongée verticalement, l’image se déroule de haut en bas. La ressemblance avec un rouleau médiéval a été construite contrairement aux méthodes de composition généralement acceptées. Sur un plan blanc brillant - l'arrière-plan - comme une palissade, une chaîne de lunettes divise l'étage supérieur avec les chiots. Il s'agit d'une sorte de structure unifiée des éléments d'une ancienne estampe japonaise. artiste japonais Utagawa Kuniyoshi "" et " Nature morte à l'oignon» Paul Cézanne.
Le tableau « », une sorte de manifestation de la même idée decomparer « lointain et différent », pour prouver leur relation, comme dans « Nature morte à la tête de cheval" Mais cette idée s'exprime dans un langage plastique différent - avec un rejet complet de toute illusion et vraisemblance naturelles, souligné par des incohérences à grande échelle et la même interprétation ornementale et décorative du matériau. Ici vous pouvez voir la comparaison " différentes époques» culture picturale - la partie supérieure de l'image est sensiblement grossie et simplifiée, comme premières formes l'art « primitif », et la partie inférieure, indiquant l'étape finale de son évolution moderne.
Subissant l'influence des gravures japonaises, Gauguin abandonne le modelage des formes, rendant le dessin et la couleur plus expressifs. Dans ses peintures, l'artiste a commencé à souligner la nature plane de la surface picturale, faisant seulement allusion aux relations spatiales et abandonnant définitivement la perspective aérienne, construisant ses compositions comme une séquence de plans plats.
Cela a abouti à la création d’un symbolisme synthétique. Épuisé un nouveau style son contemporain et artiste Emile Bernard fit forte impression sur Gauguin. Perçu Gauguin Le cloisonnement, dont la base était un système de taches de couleurs vives sur la toile, divisées en plusieurs plans de couleurs différentes avec des traits nets et bizarres. Lignes de contour, il a utilisé dans sa peinture compositionnelle "" (1888). L'espace et la perspective ont complètement disparu de l'image, laissant place à la construction colorée de la surface. La couleur de Gauguin devient plus audacieuse, plus décorative et plus riche.
Dans une lettre à Van Gogh en 1888, Gauguin écrivait que dans sa peinture, le paysage et la lutte de Jacob avec l'ange ne vivent que dans les conjectures des fidèles après le sermon. C'est ici que surgit le contraste entre des personnages réels et des personnages combattants sur fond de paysage, disproportionnés et irréels. Sans aucun doute, par Jacob en difficulté, Gauguin voulait dire lui-même, constamment aux prises avec des circonstances de vie défavorables. Les femmes bretonnes en prière sont des témoins indifférents de son sort : des figurantes. L'épisode de la lutte est présenté comme une scène imaginaire et onirique, qui correspond aux inclinations de Jacob lui-même, qui imaginait dans un rêve une échelle avec des anges.
Il a créé sa toile d’après l’œuvre de Bernard, mais cela ne signifie pas que la peinture l’a influencé, puisque la tendance générale de l’évolution créative de Gauguin et certaines de ses œuvres antérieures indiquent une nouvelle vision et l’incarnation de cette vision dans la peinture.
Femmes bretonnes Gauguin Ils ne ressemblent pas du tout à des saints, mais les personnages et les types sont véhiculés de manière assez spécifique. Mais un état d’égocentrisme s’éveille en eux. Les casquettes blanches à traîne ailée les comparent à des anges. L'artiste abandonne le transfert de volume, la perspective linéaire et construit la composition d'une manière complètement différente. Tout est subordonné à un seul objectif : la transmission d'une certaine pensée.
Les deux titres du tableau indiquent deux mondes différents représentés sur la toile. Gauguin a délimité ces mondes, les divisant compositionnellement avec un tronc d'arbre puissant et épais, traversant en diagonale toute la toile. Différents points de vue sont introduits : l'artiste regarde les personnages proches légèrement d'en bas, le paysage - nettement d'en haut. Grâce à cela, la surface de la terre est presque verticale, l'horizon apparaît quelque part en dehors de la toile. Il ne reste aucun souvenir de perspective linéaire. Une sorte de « perspective » « plongeante », descendante, apparaît.
À l'hiver 1888, Gauguin se rend à Arles et travaille avec Van Gogh, qui rêve de créer une confrérie d'artistes. La collaboration de Gauguin avec Van Gogh atteint son apogée, se terminant par une brouille entre les deux artistes. Après l’attaque de Van Gogh contre l’artiste, le sens existentiel de la peinture fut révélé à Gauguin, ce qui détruisit complètement le système fermé de cloisonnisme qu’il avait construit.
Après avoir été contraint de fuir Van Gogh vers un hôtel, Gauguin aimait travailler avec le feu réel dans l'atelier de poterie parisien de Chaplain et créa le dialogue le plus poignant de la vie de Vincent Van Gogh - un pot avec le visage de Van Gogh et une oreille coupée au lieu d'un poignée, le long de laquelle coulent des ruisseaux de glaçure rouge. Gauguin se présente comme un artiste voué à la damnation, victime d'un tourment créateur.
Après Arles, où Gauguin, contrairement à la volonté de Van Gogh, refusa de séjourner, il se rend de Pont-Aven au Pouldu, où se succèdent ses célèbres toiles au crucifix breton, puis se cherche à Paris, les ballades qui se termine par son départ vers l'Océanie depuis – pour un conflit direct avec l'Europe.
Dans le village du Pouldu, Paul Gauguin peint son tableau "" (1889). Gauguin Je voulais ressentir, selon lui, le « caractère sauvage et primitif » de la vie paysanne, le maximum possible dans la solitude. Gauguin n'a pas copié la nature, mais l'a utilisée pour peindre des images imaginaires.
" est un exemple clair de sa méthode : la perspective et la modulation naturaliste de la couleur sont rejetées, ce qui fait ressembler l'image à des vitraux ou à des gravures japonaises qui ont inspiré Gauguin tout au long de sa vie.
La différence entre Gauguin avant son arrivée à Arles et Gauguin après cela ressort clairement de l'exemple de l'interprétation de l'intrigue sans prétention et assez claire de "". "" (1888) est encore complètement imprégné de l'esprit de l'épitaphe, et l'ancienne danse bretonne, avec son archaïsme accentué, ses mouvements incompétents et contraints de filles, s'intègre parfaitement avec une immobilité absolue dans la base d'une composition stylisée de formes géométriques. Les petits Bretons sont deux petits miracles, figés comme deux statues au bord de la mer. Gauguin les écrivit l'année suivante, en 1889. Au contraire, ils étonnent par le principe de composition d'ouverture et de déséquilibre, qui confère à ces figures sculptées dans un matériau inanimé une vitalité particulière. Deux idoles, sous la forme de petites filles bretonnes, brouillent la frontière entre le monde réel et l’au-delà, qui peuplent les tableaux ultérieurs de Gauguin.
Début 1889 à Paris au Café Voltaire lors de la XXe Exposition universelle de Bruxelles, Paul Gauguin expose dix-sept de ses toiles. L'exposition des œuvres de Gauguin et des artistes de son école, appelée par la critique « Exposition des impressionnistes et des synthétistes », n'a pas connu de succès, mais elle a donné naissance au terme « synthétisme », qui combinait les techniques du clausonisme et du symbolisme, développant dans le sens opposé au pointillisme.
Paul Gauguin a été profondément ému par l'image du Christ, solitaire, incompris et souffrant pour ses idéaux. Dans la compréhension du maître, son destin est étroitement lié au destin d'une personne créative. Par Gauguin, l'artiste est un ascète, un saint martyr, et la créativité est le chemin de croix. En même temps, l'image du maître rejeté est autobiographique pour Gauguin, car l'artiste lui-même était souvent incompris : le public - ses œuvres, la famille - sa voie choisie.
L'artiste a abordé le thème du sacrifice et du chemin de croix dans des tableaux représentant la crucifixion du Christ et sa descente de la croix - « » (1889) et « » (1889). La toile « » représente une « Crucifixion » en bois polychrome d'un maître médiéval. A ses pieds, trois Bretonnes s'inclinaient et se figeaient dans des poses de prière.
En même temps, le calme et la majesté des poses leur donnent une ressemblance avec des sculptures monumentales en pierre, et la figure blessée du Christ crucifié au visage rempli de tristesse, au contraire, semble « vivante ». Le contenu émotionnel dominant de l’œuvre peut être défini comme tragiquement désespéré.
Le tableau « » développe le thème du sacrifice. Il est basé sur l'iconographie de la Pietà. Sur un piédestal étroit et haut se trouve un bois groupe sculptural avec la scène "Lamentation du Christ" - un fragment d'un ancien, vert avec le temps, monument médiévalà Nizon. Au pied se trouve une Bretonne triste, plongée dans de sombres pensées et tenant dans sa main un mouton noir : symbole de la mort.
La technique consistant à « faire revivre » le monument et à transformer une personne vivante en monument est à nouveau utilisée. Des statues en bois strictes et frontales représentant des femmes porteuses de myrrhe pleurant le Sauveur, l'image tragique d'une femme bretonne confèrent à la toile un esprit véritablement médiéval.
Gauguin a peint de nombreux autoportraits, tableaux dans lesquels il s'identifie au Messie. L'une de ces œuvres est "" (1889). Dans ce document, le maître se représente sous trois formes. Au centre se trouve un autoportrait où l'artiste a l'air sombre et déprimé. La deuxième fois que ses traits sont discernés, c'est dans le masque grotesque en céramique d'un sauvage en arrière-plan.
Dans le troisième cas, Gauguin est représenté à l'image du Christ crucifié. L'œuvre se distingue par sa polyvalence symbolique : l'artiste crée une image complexe et aux valeurs multiples de sa propre personnalité. Il apparaît à la fois comme un pécheur – un sauvage, un animal et un saint – un sauveur.
Dans l'autoportrait "" (1889) - l'un de ses plus œuvres tragiques- Gauguin se compare encore au Christ, envahi par des pensées douloureuses. La silhouette courbée, la tête penchée et les mains baissées, impuissantes, expriment la douleur et le désespoir. Gauguin s'élève au niveau du Sauveur et présente le Christ comme une personne non sans tourments moraux et sans doutes.
Plus audacieux encore est « » (1889), où le maître se présente à l'image d'un « saint synthétiste ». C'est un autoportrait - une caricature, un masque grotesque. Cependant, tout n’est pas aussi clair dans ce travail. En effet, pour le groupe d'artistes qui s'est rallié à Gauguin au Pouldu, il était une sorte de nouveau Messie marchant chemin épineux aux idéaux du véritable art et créativité libre. Derrière le masque sans vie et l'amusement feint se cachent l'amertume et la douleur, de sorte que « » est perçu comme l'image d'un artiste ou d'un saint ridiculisé.
En 1891, Gauguin peint une grande toile symbolique "" et, avec l'aide d'amis, prépare son premier voyage à Tahiti. La vente réussie de ses tableaux en février 1891 lui permet de reprendre la route début avril.
Le 9 juin 1891, Gauguin arrive à Papeete et se plonge à corps perdu dans la culture indigène. A Tahiti, il se sentait heureux pour la première fois depuis de nombreuses années. Au fil du temps, il devient un défenseur des droits de la population locale et, par conséquent, un fauteur de troubles aux yeux des autorités coloniales. Plus important encore, il a développé un nouveau style appelé primitivisme – plat, pastoral, souvent trop coloré, simple et spontané, absolument original.
Il utilise désormais une sorte de rotation des corps, caractéristique des peintures égyptiennes : une combinaison d'un tour d'épaules droit devant avec un tour des jambes dans un sens et de la tête dans le sens opposé, une combinaison à l'aide de laquelle un certain rythme musical: « Marché"(1892); les poses gracieuses des femmes tahitiennes plongées dans les rêves passent d'une zone de couleur à l'autre, la richesse des nuances colorées crée une sensation de rêve répandu dans la nature : « » (1892), « » (1894).
Avec sa vie et son œuvre, il a réalisé le projet du paradis terrestre. Dans le tableau "" (1892), il représente l'Ève tahitienne dans la pose des reliefs des temples de Borobudur. A côté d'elle, sur une branche d'arbre, à la place d'un serpent, se trouve un fantastique lézard noir aux ailes rouges. Le personnage biblique est apparu sous une apparence païenne extravagante.
Sur des toiles pétillantes de couleurs, glorifiant la beauté d'une étonnante harmonie avec la teinte dorée de la peau humaine et l'exotisme. nature vierge, le partenaire de vie Tekhur, âgé de treize ans, est invariablement présent, selon les concepts locaux - une épouse. Gauguin l'a immortalisée sur de nombreuses toiles, dont « Ta mate" (Marché), "", "".
Il peint la jeune et fragile figure de Tehura, sur laquelle planent les fantômes de ses ancêtres, instillant la peur chez les Tahitiens, dans le tableau « » (1892). Le travail était basé sur événements réels. L'artiste se rend à Papeete et y reste jusqu'au soir. Tehura, la jeune épouse tahitienne de Gauguin, s'alarme, soupçonnant que son mari séjourne à nouveau chez des femmes corrompues. L'huile de la lampe s'est épuisée et Tehura est resté allongé dans le noir.
Dans le tableau, la jeune fille allongée sur le ventre est copiée de Tehura allongée, et l'esprit maléfique qui garde les morts - tupapau - est représenté comme une femme assise à l'arrière-plan. Le fond violet foncé du tableau donne une atmosphère mystérieuse.
Tehura fut le modèle de plusieurs autres tableaux. Ainsi, dans le tableau « » (1891), elle apparaît sous les traits de la Madone avec un bébé dans les bras, et dans le tableau « » (1893), elle est représentée à l'image de l'Ève tahitienne, entre les mains de laquelle un la mangue a remplacé une pomme. La ligne élastique de l’artiste dessine le torse et les épaules fortes de la jeune fille, ses yeux levés vers ses tempes, les ailes larges de son nez et ses lèvres charnues. L'Ève tahitienne personnifie le besoin de « primitif ». Sa beauté est associée à la liberté et à la proximité avec la nature, avec tous les secrets du monde primitif.
À l’été 1893, Gauguin lui-même détruit son bonheur. Tehura, attristé, envoya Paul à Paris pour montrer ses nouvelles œuvres et recevoir le petit héritage qu'il avait reçu. Gauguin a commencé à travailler dans un atelier loué. L'exposition où l'artiste a exposé ses nouvelles peintures a lamentablement échoué - le public et les critiques ne l'ont pas encore compris.
En 1894, Gauguin retourne à Pont-Aven, mais lors d'une dispute avec des marins, il se casse la jambe, ce qui l'empêche de travailler pendant un certain temps. Sa jeune compagne, danseuse au cabaret de Montmartre, quitte l'artiste en Bretagne pour lit d'hôpital et s'enfuit à Paris, prenant les biens de l'atelier. Afin de gagner au moins un peu d’argent pour son départ, les quelques amis de Gauguin organisent une vente aux enchères pour vendre ses tableaux. La vente n'a pas abouti. Mais pour ça un bref délais il parvient à créer une merveilleuse série de gravures sur bois de manière contrastée, qui dépeignent des rituels tahitiens mystérieux et effrayants. En 1895 Gauguin quitte la France, désormais pour toujours, et part pour Tahiti à Punaauia.
Mais de retour à Tahiti, personne ne l'attendait. L'ancien amant a épousé quelqu'un d'autre, Paul a essayé de la remplacer par Pakhura, treize ans, qui lui a donné deux enfants. Manquant d’amour, il cherchait du réconfort auprès de merveilleux modèles.
Déprimé par la mort de sa fille Aline, décédée en France d'une pneumonie, Gauguin sombre dans une grave dépression. Pensée sur le sens de la vie destin humain imprègne religieusement - œuvres mystiques cette fois trait distinctif qui devient la plasticité des rythmes classiques. Il devient de plus en plus difficile pour un artiste de travailler chaque mois. Des douleurs dans les jambes, des accès de fièvre, des vertiges et une perte progressive de la vision privent Gauguin de confiance en lui-même et dans le succès de sa créativité personnelle. Dans un désespoir et un désespoir complets, Gauguin écrivit à la fin des années 1890 un de ses meilleures œuvres « épouse du roi», « Maternité», « reine de beauté», « Plus jamais", "". En plaçant des figures presque statiques sur un fond de couleur aplat, l'artiste crée des panneaux décoratifs colorés dans lesquels se reflètent les légendes et les croyances maories. En eux, un artiste pauvre et affamé réalise son rêve d’un monde idéal et parfait.
Reine de beauté. 1896. Papier, aquarelle
Fin 1897, à Punaauia, à environ deux kilomètres du port tahitien de Papeete, Gauguin commence à réaliser son plus grand et plus important tableau. Son portefeuille était presque vide et il était affaibli par la syphilis et des crises cardiaques débilitantes.
La grande toile épique "" peut être qualifiée de traité philosophique condensé et en même temps de testament de Gauguin. " D'où sommes-nous venus? Qui sommes nous? Où allons-nous?" - ces questions extrêmement simples écrites Paul Gauguin dans le coin de sa brillante toile tahitienne, se trouvent en effet les questions centrales de religion et de philosophie.
Il s’agit d’une image extrêmement puissante par son impact sur le spectateur. DANS images allégoriques Gauguin y a représenté les troubles qui attendent une personne, le désir de découvrir les secrets de l'ordre mondial, la soif de plaisir sensuel, le calme sage, la paix et, bien sûr, l'inévitabilité de l'heure de la mort. Le célèbre post-impressionniste cherchait à incarner le chemin de chaque individu et le chemin de la civilisation dans son ensemble.
Gauguin savait que son temps était compté. Il croyait que cette photo serait la sienne dernier travail. Après avoir fini de l'écrire, il se rendit dans les montagnes au-delà de Papeete pour se suicider. Il a emporté avec lui une bouteille d'arsenic qu'il avait préalablement stockée, ne sachant probablement pas à quel point la mort causée par ce poison était douloureuse. Il espérait se perdre dans les montagnes avant de prendre le poison, afin que son cadavre ne soit pas retrouvé, mais devienne de la nourriture pour les fourmis.
Cependant, la tentative d'empoisonnement, qui a causé de terribles souffrances à l'artiste, s'est heureusement soldée par un échec. Gauguin retourne à Punaauia. Et même si sa vitalité s’épuisait, il décida de ne pas abandonner. Pour survivre, il accepte un emploi de commis à l'Office des travaux publics et de la recherche à Papeete, où il est payé six francs par jour.
En 1901, à la recherche d'une solitude encore plus grande, il s'installe sur la petite île pittoresque de Hiva Oa, dans les lointaines îles Marquises. Là, il a construit une cabane. Sur la porte poutre en bois de la cabane Gauguin gravé l'inscription « Maison de Jouir » et vécu avec Marie-Rose, quatorze ans, tout en s'amusant avec d'autres beautés exotiques.
Gauguin est content de sa « Maison des Plaisirs » et de son indépendance. "Je voudrais seulement deux ans de santé et pas trop de soucis financiers qui me tourmentent toujours...", a écrit l'artiste.
Mais le modeste rêve de Gauguin ne voulait pas se réaliser. Un mode de vie indécent a encore fragilisé sa santé affaiblie. Les crises cardiaques se poursuivent, la vision se détériore et j'ai une douleur constante dans la jambe qui m'empêche de dormir. Pour oublier et engourdir la douleur, Gauguin consomme de l'alcool et de la morphine et envisage de rentrer en France pour se faire soigner.
Le rideau est prêt à tomber. DANS derniers mois hante Gauguin le gendarme en chef de la police, accusant un nègre habitant la vallée d'avoir assassiné une femme. L'artiste défend l'homme noir et réfute les accusations, accusant le gendarme d'abus de pouvoir. Un juge tahitien condamne Gauguin à trois mois d'emprisonnement pour outrage à gendarme et à mille francs d'amende. On ne peut faire appel du verdict qu'à Papeete, mais Gauguin n'a pas d'argent pour le voyage.
Épuisé par la souffrance physique et poussé au désespoir par le manque d'argent, Gauguin ne parvient pas à se concentrer pour poursuivre son œuvre. Seules deux personnes lui sont proches et fidèles : le prêtre protestant Vernier et son voisin Tioka.
La conscience de Gauguin se perd de plus en plus. Il a déjà du mal à trouver les mots justes et confond le jour avec la nuit. Tôt le matin du 8 mai 1903, Vernier rend visite à l'artiste. Maladie grave la vie de l'artiste n'a pas duré longtemps ce matin-là. Après avoir attendu que son ami se sente mieux, Vernier partit, et à onze heures Gauguin mourut, allongé sur son lit. Eugène Henri Paul Gauguin a été enterré au cimetière catholique de Khiva - Oa. Mort d’une insuffisance cardiaque, les œuvres de Gauguin ont presque immédiatement déclenché une mode folle en Europe. Les prix des peintures ont grimpé en flèche...
Gauguin a conquis sa place sur l'Olympe de l'art au prix de son bien-être et de sa vie. L’artiste reste étranger à sa propre famille, à la société parisienne et étranger à son époque.
Gauguin avait un tempérament lourd, lent, mais puissant et une énergie colossale. Ce n'est que grâce à eux qu'il a pu mener une lutte acharnée jusqu'à sa mort, vie pour vie, dans des conditions inhumainement difficiles. Il a passé toute sa vie dans des efforts constants et acharnés pour survivre et se préserver en tant qu'individu. Il est arrivé trop tard et trop tôt, c'était la tragédie de l'universel celui de Gauguin génie.
L'un des tableaux les plus reconnaissables de Paul Gauguin, Femme tenant un fruit, est également connu sous son titre maori, Où vas-tu ? Certains chercheurs estiment que la signature interrogative, si caractéristique de nombreuses œuvres de la période polynésienne, est apparue bien des années plus tard.
L'intrigue du film est basée sur la description quotidienne d'un village ordinaire de l'île de Tahiti, qui semble étrange et exotique à un Européen.
Au premier plan, une jeune fille avec un paréo rouge autour des hanches. Dans les mains d'une Tahitienne se trouve un certain fruit exotique, qui rappelle vaguement un récipient qu'elle tient soigneusement. Certains historiens de l'art affirment que la jeune fille tient en réalité un récipient sculpté dans une citrouille, ce qui signifie que l'héroïne va chercher de l'eau.
L'héroïne elle-même est représentée de manière assez plate, à la manière de Gauguin. Elle a une belle couleur de peau et un corps fort. Il est prouvé que la personne représentée dans le tableau n’est autre que Tehura, la jeune épouse de Gauguin.
L'arrière-plan de la majestueuse Tahitienne est constitué de deux cabanes avec ses habitants, dont les visages et les figures sont tournés vers le spectateur. Toute la nature est représentée de manière statique, puisque le peintre n'a jamais cherché à transmettre dans ses peintures les subtils reflets du soleil et les mouvements de l'air - il considérait que son objectif était de capturer un fragment momentané - un cadre.
Après que Gauguin ait été accepté par la communauté artistique (malheureusement, après la mort du maître lui-même), les chercheurs se sont précipités pour interpréter l'héritage artistique du maître : « Où vas-tu ? ne faisait pas exception. Certains ont commencé à voir l’insulaire avec un fœtus dans les mains comme une sorte d’incarnation d’Ève, et le fœtus, à son tour, comme un symbole de maternité et de fertilité. D’autres ont vu dans le tableau une allusion à la situation personnelle de l’artiste – à droite femme debout avec un enfant, fait allusion à situation intéressante L'épouse de Tehura, où elle se trouvait lors de la création de l'œuvre.
Le tableau a été acheté par le célèbre marchand et philanthrope russe Ivan Morozov et est allé en Russie pour compléter son remarquable collection privée. Comme d'habitude, la peinture de Gauguin ainsi que d'autres chefs-d'œuvre ont été nationalisés après la révolution.
Un des curieux faits peu connus c'est qu'il existe deux versions de ce tableau : la première version du tableau de l'année plus jeune que ça, qui est exposée à l'Ermitage et se trouve en Allemagne au Musée d'État de Stuttgart, ce qui est très différent de la célèbre « Femme tenant un fruit ».
Peinture de l'artiste Paul Gauguin "Femme tenant un fruit" 1893
Toile, huile. 92,5 x 73,5 cm. Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg, Russie
