Il existe une opinion selon laquelle la peinture dans l'impressionnisme n'occupe pas une place aussi importante. Mais l’impressionnisme en peinture est le contraire. La déclaration est très paradoxale et contradictoire. Mais ce n’est qu’un premier coup d’œil superficiel.
Peut-être, pendant tous les millénaires d'existence dans l'arsenal de l'humanité, l'art arts visuels rien de nouveau ou de révolutionnaire n’est jamais apparu. L'impressionnisme est présent dans toute toile artistique moderne. Cela se voit clairement à la fois dans les cadres du film du célèbre maître et parmi les brillants d'un magazine féminin. Il a trouvé sa place dans la musique et les livres. Mais autrefois, tout était différent.
Origines de l'impressionnisme
En 1901 en France, dans la grotte de Combarel, ils découvrirent par hasard dessins rupestres, dont le plus jeune avait 15 000 ans. Et ce fut le premier impressionnisme en peinture. Parce que l’artiste primitif n’avait pas pour objectif de lire une morale au spectateur. Il peint simplement la vie qui l'entoure.
Et puis cette méthode a été oubliée pendant de très nombreuses années. L’humanité en a inventé d’autres, et transmettre des émotions par la méthode visuelle a cessé d’être pour lui une question d’actualité.
D’une certaine manière, les anciens Romains étaient proches de l’impressionnisme. Mais certains de leurs efforts ont été recouverts de cendres. Et là où le Vésuve ne pouvait pas atteindre, les barbares sont venus.
Le tableau a été conservé, mais a commencé à illustrer des textes, des messages, des messages, des connaissances. Cela a cessé d’être un sentiment. C'est devenu une parabole, une explication, une histoire. Regardez la Tapisserie de Bayeux. Il est beau et inestimable. Mais ce n'est pas une image. Il s'agit de soixante-dix mètres de bandes dessinées en lin.
La peinture dans l'impressionnisme : le début
La peinture s’est développée lentement et majestueusement à travers le monde au fil des milliers d’années. De nouvelles peintures et techniques sont apparues. Les artistes ont appris l’importance de la perspective et le pouvoir d’un message coloré dessiné à la main pour influencer l’esprit humain. La peinture devient une science académique et acquiert toutes les caractéristiques art monumental. Elle est devenue maladroite, guindée et moyennement prétentieuse. En même temps, affiné et inébranlable, comme un postulat religieux canonique.
Les sujets des peintures étaient les paraboles religieuses, la littérature et les scènes de genre mises en scène. Les coups étaient petits et imperceptibles. Le vitrage a été introduit au rang de dogme. Et l'art du dessin dans un avenir proche promettait de se solidifier, comme une forêt vierge.
La vie a changé, la technologie s'est développée rapidement et seuls les artistes ont continué à produire des portraits soignés et des croquis lissés de parcs de campagne. Cet état de fait ne convenait pas à tout le monde. Mais l’inertie de la conscience sociale a toujours été difficile à surmonter.
Cependant, le XIXe siècle était déjà dans la cour, ayant dépassé depuis longtemps sa seconde moitié. Des processus sociaux qui duraient auparavant des siècles se déroulent désormais sous les yeux d’une seule génération. L’industrie, la médecine, l’économie, la littérature et la société elle-même se sont développées rapidement. C'est là que la peinture impressionniste s'est manifestée.
Joyeux anniversaire! L'impressionnisme en peinture : les peintures
L'impressionnisme en peinture, comme les peintures, a une date exacte de naissance - 1863. Et sa naissance ne s’est pas déroulée sans bizarreries.
Le centre de l’art mondial était alors, bien entendu, Paris. Il accueillait chaque année de grands salons parisiens - expositions mondiales et ventes de tableaux. Le jury qui sélectionnait les œuvres pour les salons était embourbé dans de mesquines intrigues internes, des querelles inutiles et obstinément orienté vers les goûts séniles des académies de l'époque. En conséquence, aucun nouveau n'est entré dans le showroom de l'exposition, artistes brillants, dont le talent ne correspondait pas aux dogmes académiques figés. Lors de la sélection des participants à l'exposition de 1863, plus de 60 % des candidatures ont été rejetées. Ce sont des milliers de peintres. Un scandale couvait.
Galeriste Empereur
Et le scandale éclate. L’impossibilité d’exposer a privé un grand nombre d’artistes de leurs moyens de subsistance et fermé l’accès au grand public. Parmi eux figurent des noms désormais connus dans le monde entier : Monet et Manet, Renoir et Pizarro.
Force est de constater que cela ne leur convenait pas. Et une grande agitation a commencé dans la presse. Au point que le 22 avril 1863, Napoléon III visita le Salon de Paris et, en plus de l'exposition, inspecta délibérément certaines des œuvres rejetées. Et je n’y ai rien trouvé de répréhensible. Et il a même fait cette déclaration dans la presse. Ainsi, parallèlement au grand Salon de Paris, une exposition alternative de peintures a été ouverte avec des œuvres rejetées par le jury du salon. Elle est entrée dans l’histoire sous le nom d’« Exposition des personnes rejetées ».
Ainsi, le 22 avril 1863 peut être considéré comme l’anniversaire de tout l’art moderne. Un art devenu indépendant de la littérature, de la musique et de la religion. De plus : la peinture elle-même commença à dicter ses conditions aux écrivains et aux compositeurs, se débarrassant pour la première fois des rôles subordonnés.
Représentants de l'impressionnisme
Lorsque nous parlons d’impressionnisme, nous entendons avant tout l’impressionnisme en peinture. Ses représentants sont nombreux et multiformes. Il suffit de citer les plus célèbres : Degas, Renoin, Pizarro, Cézanne, Morisot, Lepic, Legros, Gauguin, Renoir, Thilo, Foren et bien d'autres. Pour la première fois, les impressionnistes se sont donné pour mission de capturer non seulement une image statique de la vie, mais aussi de capturer un sentiment, une émotion, une expérience intérieure. C'était un instantané, une photographie à grande vitesse du monde intérieur, du monde émotionnel.
D'où de nouveaux contrastes et des couleurs qui n'étaient pas utilisées auparavant en peinture. D’où les traits larges et audacieux et la recherche constante de nouvelles formes. Il n’y a ni clarté ni élégance d’antan. L’image est floue et éphémère, comme l’humeur d’une personne. Ce n'est pas une histoire. Ce sont les sentiments visible à l'oeil. Regardez. Ils sont tous un peu coupés au milieu d'une phrase, un peu éphémères. Ce ne sont pas des peintures. Ce sont des croquis portés à une brillante perfection.
L'émergence du post-impressionnisme
C'était précisément le désir de mettre en avant un sentiment, et non un fragment de temps figé, qui était révolutionnaire et innovant pour l'époque. Et ici, il ne restait qu'un pas vers le post-impressionnisme - un mouvement artistique qui mettait au premier plan non pas l'émotion, mais les motifs. Plus précisément, la transmission par l’artiste de sa réalité intérieure et personnelle. Il s'agit d'une tentative de parler non pas du monde extérieur, mais du monde intérieur à travers la façon dont l'artiste voit le monde. perception.
L'impressionnisme et le post-impressionnisme en peinture sont très proches. Et la division elle-même est très conditionnelle. Les deux mouvements sont proches dans le temps et les auteurs eux-mêmes, souvent les mêmes, en règle générale, sont passés d'une manière à l'autre assez librement.
Et encore. Regardez les œuvres des impressionnistes. Couleurs un peu artificielles. Un monde qui nous est familier, mais en même temps un peu fictif. C'est ainsi que l'artiste l'a vu. Il ne nous donne pas une nature contemporaine. Il dévoile juste un peu son âme pour nous. L'âme de Bonnard et Toulouse-Lautrec, Van Gogh et Denis, Gauguin et Seurat.
impressionnisme russe
L’expérience de l’impressionnisme, qui a conquis le monde entier, n’a pas laissé la Russie de côté. Pendant ce temps, dans notre pays, habitué à une vie plus mesurée, qui ne comprend pas l'agitation et les aspirations de Paris, l'impressionnisme n'a jamais pu se débarrasser de son caractère académique. Il est comme un oiseau qui s'est précipité pour décoller, mais s'est figé à mi-chemin dans le ciel.
L'impressionnisme dans la peinture russe n'a pas reçu le dynamisme du pinceau français. Mais il a acquis une dominante sémantique déguisée, ce qui en a fait un phénomène brillant et quelque peu isolé dans l'art mondial.
L'impressionnisme est un sentiment exprimé sous la forme d'un tableau. Il n'éduque pas, n'exige pas. Il prétend.
L'impressionnisme a servi de point de départ à l'Art nouveau et à l'expressionnisme, au constructivisme et à l'avant-garde. Tous art moderne, en fait, a commencé son rapport à partir du lointain 20 avril 1863. La peinture impressionniste est un art né à Paris.
Pour moi, le style impressionnisme est avant tout quelque chose d'aérien, d'éphémère, d'inexorablement insaisissable. C’est cet instant époustouflant que l’œil a à peine le temps de capturer et qui reste ensuite longtemps dans la mémoire comme un moment de plus haute harmonie. Les maîtres de l'impressionnisme étaient célèbres pour leur capacité à transférer facilement ce moment de beauté sur la toile, en la dotant de sensations tangibles et de vibrations subtiles qui, avec toute réalité, surviennent lors de l'interaction avec un tableau. Quand tu regardes le travail artistes exceptionnels Ce style laisse toujours un certain arrière-goût d’ambiance.
Impressionnisme(de impression - impression) est un mouvement artistique né en France à la fin des années 1860. Ses représentants ont cherché à capturer le plus naturel et le plus impartial monde réel dans sa mobilité et sa variabilité, pour transmettre vos impressions éphémères. Une attention particulière a été portée à la transmission de la couleur et de la lumière. 
Le mot « impressionnisme » vient du titre du tableau Impression de Monet. Lever du soleil, présenté à l'exposition de 1874. Le journaliste méconnu Louis Leroy, dans son article de magazine, a qualifié les artistes d'« impressionnistes » pour exprimer son dédain. Cependant, le nom est resté et a perdu son originalité. Sens négatif.
La première exposition importante des impressionnistes eut lieu du 15 avril au 15 mai 1874 dans l'atelier du photographe Nadar. 30 artistes y étaient présentés, pour un total de 165 œuvres. On reprochait aux jeunes artistes une « peinture inachevée » et « bâclée », un manque de goût et de sens dans leur travail, « une atteinte à l'art véritable », des sentiments de rébellion et même d'immoralité. 
Les principaux représentants de l'impressionnisme sont Alfred Sisley et Frédéric Bazille. Edouard Manet et Eduard Manet exposent avec eux leurs tableaux. Joaquin Sorolla est également considéré comme un impressionniste. 
Les paysages et les scènes de la vie urbaine - peut-être les genres les plus caractéristiques de la peinture impressionniste - étaient peints « en plein air », c'est-à-dire directement d'après nature, et non sur la base de croquis et d'esquisses préparatoires. Les impressionnistes ont observé la nature de près, remarquant des couleurs et des nuances habituellement invisibles, comme le bleu dans les ombres. 
Leur méthode artistique consistait à décomposer les tons complexes en leurs couleurs pures constitutives du spectre. Les résultats étaient des ombres colorées et une peinture pure, légère et vibrante. Les impressionnistes appliquaient la peinture par traits séparés, utilisant parfois des tons contrastés dans une zone du tableau. La principale caractéristique des peintures impressionnistes est l’effet du scintillement vivant des couleurs. 
Pour transmettre les changements de couleur d'un objet, les impressionnistes ont commencé à préférer utiliser des couleurs qui se renforcent mutuellement : rouge et vert, jaune et violet, orange et bleu. Ces mêmes couleurs créent un effet de contraste constant. Par exemple, si nous regardons le rouge pendant un moment puis déplaçons notre regard vers le blanc, il nous apparaîtra verdâtre. 
L'impressionnisme n'a pas soulevé problèmes philosophiques et n'a même pas essayé de pénétrer sous la surface colorée de la vie quotidienne. Les artistes se concentrent plutôt sur la superficialité, la fluidité d’un moment, l’ambiance, l’éclairage ou l’angle de vue. Leurs peintures ne présentaient que les aspects positifs de la vie, sans aborder les aspects aigus. problèmes sociaux.
Les artistes peignaient souvent des personnages en mouvement, tout en s'amusant ou en se relaxant. Des sujets tels que le flirt, la danse, le fait d'être dans un café et un théâtre, la navigation de plaisance, sur les plages et dans les jardins ont été abordés. À en juger par les peintures des impressionnistes, la vie est une série continue de petites vacances, de fêtes, de passe-temps agréables en dehors de la ville ou dans un environnement convivial. 
L'impressionnisme a laissé un riche héritage en peinture. Il s’agit tout d’abord d’un intérêt pour les problèmes de couleur et les techniques non standards. L'impressionnisme exprime le désir de renouveau langage artistique et une rupture avec la tradition, pour protester contre la technique minutieuse des maîtres école classique. Eh bien, vous et moi pouvons désormais admirer ces magnifiques œuvres d'artistes hors du commun. 
"Le nouveau monde est né lorsque les impressionnistes l'ont peint"
Henri Kahnweiler
XIXème siècle. France. Quelque chose d’inédit s’est produit en peinture. Un groupe de jeunes artistes a décidé de bousculer des traditions vieilles de 500 ans. Au lieu d’un dessin clair, ils ont utilisé un trait large et « bâclé ».
Et ils ont complètement abandonné les images habituelles, représentant tout le monde à la suite. Et des dames de petite vertu et des messieurs à la réputation douteuse.
Le public n'était pas prêt pour la peinture impressionniste. Ils ont été ridiculisés et réprimandés. Et surtout, ils ne leur ont rien acheté.
Mais la résistance fut brisée. Et certains impressionnistes ont vécu pour voir leur triomphe. Certes, ils avaient déjà plus de 40 ans. Comme Claude Monet ou Auguste Renoir. D'autres n'ont attendu la reconnaissance qu'à la fin de leur vie, comme Camille Pissarro. Certains ne vécurent pas assez longtemps pour le voir, comme Alfred Sisley.
Quel révolutionnaire chacun d’eux a-t-il accompli ? Pourquoi le public a-t-il mis autant de temps à les accepter ? Voici les 7 impressionnistes français les plus célèbres connus dans le monde entier.
1. Édouard Manet (1832-1883)
Édouard Manet. Autoportrait à la palette. 1878 Collection privéeManet était plus âgé que la plupart des impressionnistes. Il était leur principale inspiration.
Manet lui-même ne prétendait pas être le leader des révolutionnaires. C'était un homme laïc. rêvé de récompenses officielles.
Mais il a attendu très longtemps la reconnaissance. Le public voulait voir déesses grecques ou des natures mortes au pire, pour qu'elles soient belles dans la salle à manger. Manet voulait écrire Vie moderne. Par exemple, les courtisanes.
Le résultat fut « Petit-déjeuner sur l’herbe ». Deux dandys se détendent en compagnie de dames de petite vertu. L’un d’eux, comme si de rien n’était, s’assoit à côté des hommes habillés.
Édouard Manet. Petit déjeuner sur l'herbe. 1863, Paris Comparez son Déjeuner sur l'herbe avec Les Romains en déclin de Thomas Couture. Le tableau de Couture fait sensation. L'artiste est instantanément devenu célèbre.
"Breakfast on the Grass" a été accusé de vulgarité. Il était absolument déconseillé aux femmes enceintes de la regarder.
Thomas Couture. Les Romains dans leur déclin. 1847 Musée d'Orsay, Paris. artchive.ru Dans la peinture de Couture, nous voyons tous les attributs de l'académisme (peinture traditionnelle des XVIe-XIXe siècles). Colonnes et statues. Peuple d’apparence apollinienne. Couleurs traditionnelles sourdes. Manières de poses et de gestes. Une intrigue de la vie lointaine d'un peuple complètement différent.
« Petit déjeuner sur l'herbe » de Manet est d'un format différent. Avant lui, personne n’avait représenté aussi facilement des courtisanes. Proche des citoyens respectables. Bien que de nombreux hommes de cette époque passaient ainsi leur temps libre. C'était vrai vie Vrais gens.
Une fois, j'ai dépeint une dame respectable. Laid. Il ne pouvait pas la flatter avec un pinceau. La dame était déçue. Elle l'a quitté en larmes.
Édouard Manet. Angelina. 1860 Musée d'Orsay, Paris. Wikimedia.commons.org Il a donc continué à expérimenter. Par exemple, avec la couleur. Il n’a pas essayé de représenter la couleur dite naturelle. S'il voyait l'eau gris-brun comme un bleu vif, alors il la représentait comme un bleu vif.
Bien entendu, cela a irrité le public. « Même la mer Méditerranée ne peut pas se vanter d’être aussi bleue que l’eau de Manet », ironisent-ils.
Édouard Manet. Argenteuil. Musée de 1874 beaux-Arts, Tournai, Belgique. Wikipédia.org Mais le fait demeure un fait. Manet a radicalement changé le but de la peinture. Le tableau est devenu l'incarnation de l'individualité de l'artiste, qui peint à sa guise. Oublier les modèles et les traditions.
Les innovations n'ont pas été pardonnées pendant longtemps. Il n'a été reconnu qu'à la fin de sa vie. Mais il n'en avait plus besoin. Il mourait douloureusement de maladie incurable.
2.Claude Monet (1840-1926)
Claude Monet. Autoportrait au béret. 1886 Collection privée Claude Monet peut être qualifié d’impressionniste classique. Puisqu'il fut fidèle à cette direction tout au long de sa vie longue vie.
Il n'a pas peint des objets et des personnes, mais une construction d'une seule couleur composée de reflets et de points. Traits séparés. Tremblements d'air.
Claude Monet. Pataugeoire. 1869 Musée d'art métropolitain de New York. metmuseum.org Monet n'a pas peint que la nature. Il a également réussi dans les paysages urbains. L'un des plus connus - .
Il y a beaucoup de photographies dans cette image. Par exemple, le mouvement est transmis à travers une image floue.
Attention : les arbres et les personnages lointains semblent flous.
Claude Monet. Boulevard des Capucines à Paris. 1873 (Galerie d'art européen et américain des XIXe-XXe siècles), Moscou Devant nous se trouve un moment figé dans la vie trépidante de Paris. Aucune mise en scène. Personne ne pose. Les gens sont représentés comme une collection de coups de pinceau. Un tel manque d'intrigue et un tel effet "arrêt sur image" - caractéristique principale impressionnisme.
Au milieu des années 80, les artistes ont perdu leurs illusions face à l’impressionnisme. L'esthétique est bien sûr bonne. Mais le manque d’intrigue en a déprimé beaucoup.
Seul Monet persiste, exagérant l'impressionnisme. Cela s'est développé en une série de peintures.
Il a représenté des dizaines de fois le même paysage. À différents moments de la journée. DANS des moments différents de l'année. Montrer comment la température et la lumière peuvent modifier la même espèce au point de la rendre méconnaissable.
C'est ainsi qu'apparaissent d'innombrables meules de foin.
Peintures de Claude Monet au Musée des Beaux-Arts de Boston. Gauche : Meules de foin au coucher du soleil à Giverny, 1891. Droite : Meules de foin (effet neige), 1891.
Veuillez noter que les ombres de ces peintures sont colorées. Et non pas gris ou noir, comme c'était l'usage avant les impressionnistes. C'est une autre de leurs inventions.
Monet a réussi à connaître le succès et bien-être matériel. Après 40 ans, il a déjà oublié la pauvreté. J'ai une maison et Magnifique jardin. Et il a travaillé pendant de nombreuses années pour son propre plaisir.
Découvrez le tableau le plus emblématique du maître dans l’article
3. Auguste Renoir (1841-1919)
Pierre-Auguste Renoir. Autoportrait. 1875 Institut d'art Sterling et Francine Clark, Massachusetts, États-Unis. Pinterest.ru L'impressionnisme est la peinture la plus positive. Et le plus positif parmi les impressionnistes était Renoir.
Vous ne trouverez pas de drame dans ses peintures. Il n'a même pas utilisé de peinture noire. Seulement la joie d'être. Même les choses les plus banales chez Renoir sont belles.
Contrairement à Monet, Renoir peint plus souvent des personnages. Les paysages étaient moins importants pour lui. Dans les peintures, ses amis et connaissances se détendent et profitent de la vie.
Pierre-Auguste Renoir. Petit-déjeuner des rameurs. 1880-1881 Collection Phillips, Washington, États-Unis. Wikimedia.commons.org Vous ne trouverez pas de profondeur chez Renoir. Il était très heureux de rejoindre les impressionnistes, qui abandonnaient complètement les sujets.
Comme il l’a lui-même dit, il a enfin la possibilité de peindre des fleurs et de les appeler simplement « Fleurs ». Et n’inventez aucune histoire à leur sujet.
Pierre-Auguste Renoir. Femme avec un parapluie dans le jardin. 1875 Musée Thyssen-Bormenis, Madrid. arteuam.com Renoir se sentait mieux en compagnie des femmes. Il demandait à ses servantes de chanter et de plaisanter. Plus la chanson était stupide et naïve, mieux c'était pour lui. Et les bavardages des hommes le fatiguaient. Il n'est pas surprenant que Renoir soit célèbre pour ses peintures de nus.
Le modèle du tableau « Nu dans lumière du soleil» semble apparaître sur un fond abstrait coloré. Car pour Renoir, rien n'est secondaire. L'œil du modèle ou une partie de l'arrière-plan sont équivalents.
Pierre-Auguste Renoir. Nu au soleil. 1876 Musée d'Orsay, Paris. wikimedia.commons.org Renoir a vécu une longue vie. Et je n’ai jamais posé mon pinceau ni ma palette. Même lorsque ses mains étaient complètement enchaînées par les rhumatismes, il attachait la brosse à sa main avec une corde. Et il a dessiné.
Comme Monet, il attendait une reconnaissance après 40 ans. Et j'ai vu mes tableaux au Louvre, à côté des œuvres de maîtres célèbres.
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4. Edgar Degas (1834-1917)
Edgar Degas. Autoportrait. 1863 Musée Calouste Gulbenkian, Lisbonne, Portugal. cultivé.com Degas n'était pas un impressionniste classique. Il n'aimait pas travailler en plein air (sur en plein air). Vous ne trouverez pas chez lui une palette volontairement allégée.
Au contraire, il aimait les lignes claires. Il a beaucoup de noir. Et il travaillait exclusivement en studio.
Mais il est toujours mis en lice avec d’autres grands impressionnistes. Parce qu'il était un impressionniste du geste.
Des angles inattendus. Asymétrie dans la disposition des objets. Des personnages pris par surprise. Ce sont les principaux attributs de ses peintures.
Il a arrêté des moments de la vie, ne permettant pas aux personnages de reprendre leurs esprits. Il suffit de regarder son « Opera Orchestra ».
Edgar Degas. Orchestre d'opéra. 1870 Musée d'Orsay, Paris. commons.wikimedia.org Au premier plan se trouve le dossier d'une chaise. Le musicien nous tourne le dos. Et en arrière-plan, les ballerines sur scène ne rentraient pas dans le « cadre ». Leurs têtes sont impitoyablement « coupées » par le bord de l’image.
Ses danseurs préférés ne sont donc pas toujours représentés dans de belles poses. Parfois, ils font juste des étirements.
Mais une telle improvisation est imaginaire. Bien entendu, Degas a soigneusement réfléchi à la composition. Il s’agit simplement d’un effet d’arrêt sur image, pas d’un véritable arrêt sur image.
Edgar Degas. Deux danseurs de ballet. 1879 Musée Shelburne, Vermouth, États-Unis Edgar Degas aimait peindre des femmes. Mais la maladie ou les caractéristiques du corps ne lui permettaient pas d'avoir un contact physique avec eux. Il n'a jamais été marié. Personne ne l'a jamais vu avec une dame.
L'absence de sujets réels dans sa vie personnelle ajoute un érotisme subtil et intense à ses images.
Edgar Degas. Étoile du ballet. 1876-1878 Musée d'Orsay, Paris. wikimedia.comons.org Veuillez noter que dans le tableau « Ballet Star », seule la ballerine elle-même est représentée. Ses collègues en coulisses sont à peine visibles. Juste quelques jambes.
Cela ne veut pas dire que Degas n’a pas terminé le tableau. C'est la réception. Gardez uniquement l’accent sur les choses les plus importantes. Faire disparaître le reste, illisible.
Découvrez d'autres peintures du maître dans l'article
5. Berthe Morisot (1841-1895)
Édouard Manet. Portrait de Berthe Morisot. 1873 Musée Marmottan-Monet, Paris. Berthe Morisot est rarement placée au premier rang des grands impressionnistes. Je suis sûr que ce n'est pas mérité. C'est dans son œuvre que vous retrouverez toutes les principales caractéristiques et techniques de l'impressionnisme. Et si vous aimez ce style, vous adorerez son travail de tout votre cœur.
Morisot a travaillé rapidement et impétueusement, transférant ses impressions sur la toile. Les personnages semblent sur le point de se dissoudre dans l’espace.
Berthe Morisot. Été. 1880 Musée Fabray, Montpellier, France. Comme Degas, elle laisse souvent certains détails inachevés. Et même des parties du corps du modèle. On ne distingue pas les mains de la jeune fille dans le tableau « Summer ».
Le chemin de Morisot vers l'expression de soi a été difficile. Non seulement elle s’est engagée dans une peinture « négligente ». Elle était toujours une femme. À cette époque, une femme était censée rêver de mariage. Après quoi, tout passe-temps était oublié.
Par conséquent, Bertha a longtemps refusé de se marier. Jusqu'à ce qu'elle trouve un homme qui respectait son métier. Eugène Manet était le frère de l'artiste Edouard Manet. Il portait consciencieusement un chevalet et peint derrière sa femme.
Berthe Morisot. Eugène Manet avec sa fille à Bougival. 1881 Musée Marmottan-Monet, Paris. Mais c’était quand même au 19ème siècle. Non, je ne portais pas de pantalon Morisot. Mais elle ne pouvait pas se permettre une totale liberté de mouvement.
Elle ne pouvait pas se rendre au parc pour travailler seule, sans être accompagnée d'un proche. Je ne pouvais pas m'asseoir seul dans un café. Ses peintures représentent donc des personnes issues du cercle familial. Mari, fille, parents, nounous.
Berthe Morisot. Une femme avec un enfant dans un jardin à Bougival. 1881 musée national Pays de Galles, Cardiff. Morisot n'a pas attendu la reconnaissance. Elle est décédée à l'âge de 54 ans d'une pneumonie, sans avoir vendu presque aucune de ses œuvres de son vivant. Sur son acte de décès, il y avait un tiret dans la colonne « profession ». Il était impensable qu’une femme soit qualifiée d’artiste. Même si elle l’était réellement.
Découvrez les peintures du maître dans l’article
6. Camille Pissarro (1830 – 1903)
Camille Pissarro. Autoportrait. 1873 Musée d'Orsay, Paris. Wikipédia.org Camille Pissarro. Non-conflit, raisonnable. Beaucoup le considéraient comme un enseignant. Même les collègues les plus capricieux ne parlaient pas en mal de Pissarro.
Il était un fidèle adepte de l'impressionnisme. Dans le besoin, avec une femme et cinq enfants, il travaillait toujours dur dans son style favori. Et il ne s’est jamais tourné vers la peinture en salon pour devenir plus populaire. On ne sait pas d’où il a trouvé la force de croire pleinement en lui-même.
Pour ne pas mourir de faim, Pissarro peint des éventails qu'il achète avec empressement. Mais une véritable reconnaissance lui est venue après 60 ans ! Puis finalement, il a pu oublier son besoin.
Camille Pissarro. Diligence à Louveciennes. 1869 Musée d'Orsay, Paris L'air dans les peintures de Pissarro est épais et dense. Une fusion extraordinaire de couleur et de volume.
L'artiste n'a pas eu peur de peindre les phénomènes naturels les plus changeants, qui apparaissent un instant et disparaissent. Première neige, soleil glacial, longues ombres.
Camille Pissarro. Gel. 1873 Musée d'Orsay, Paris Ses œuvres les plus célèbres sont des vues de Paris. Avec de larges boulevards et une foule hétéroclite et animée. La nuit, le jour, par temps différent. D'une certaine manière, ils font écho à une série de tableaux de Claude Monet.
Tout a ses origines quelque part dans le passé, y compris les peintures qui ont changé avec le temps, et les tendances actuelles ne sont pas claires pour tout le monde. Mais tout ce qui est nouveau est ancien bien oublié, et pour comprendre la peinture moderne, vous n'avez pas besoin de connaître l'histoire de l'art des temps anciens, il vous suffit de vous en souvenir tableau XIXème et XX siècles.
Le milieu du XIXe siècle a été une période de changement non seulement dans l’histoire, mais aussi dans l’art. Tout ce qui l'a précédé : le classicisme, le romantisme et surtout l'académisme - mouvements limités à certaines frontières. En France, dans les années 50 et 60, les tendances de la peinture étaient fixées par le Salon officiel, mais l'art typique du « Salon » ne convenait pas à tout le monde, ce qui expliquait les nouvelles tendances qui émergeaient. Il y a eu une explosion révolutionnaire dans la peinture de cette époque, qui a rompu avec des traditions séculaires et des fondations. Et l'un des épicentres était Paris, où au printemps 1874 de jeunes peintres, parmi lesquels Monet, Pissarro, Sisley, Degas, Renoir et Cézanne, organisèrent leur propre exposition. Les œuvres qui y étaient présentées étaient complètement différentes de celles du salon. Les artistes ont utilisé une méthode différente : les reflets, les ombres et la lumière étaient transmis avec des peintures pures, des traits individuels, la forme de chaque objet semblait se dissoudre dans un environnement aérien et lumineux. Aucune autre direction de la peinture ne connaissait de telles méthodes. Ces effets m'ont aidé à exprimer autant que possible mes impressions sur les choses, la nature et les gens en constante évolution. Un journaliste a qualifié le groupe d'« impressionnistes », voulant ainsi montrer son mépris pour les jeunes artistes. Mais ils ont accepté ce terme, qui a finalement pris racine et est devenu activement utilisé, perdant son sens négatif. C'est ainsi qu'est apparu l'impressionnisme, contrairement à tous les autres courants de la peinture du XIXe siècle.
Au début, la réaction à l’innovation a été plus qu’hostile. Trop audacieux et nouvelle peinture personne ne voulait acheter et ils avaient peur, car tous les critiques ne prenaient pas les impressionnistes au sérieux, ils se moquaient d'eux. Beaucoup ont dit que les artistes impressionnistes voulaient acquérir une renommée rapide, qu'ils étaient mécontents de la rupture brutale avec le conservatisme et l'académisme, ainsi que de l'aspect inachevé et « bâclé » de l'œuvre. Mais même la faim et la pauvreté n’ont pas pu forcer les artistes à abandonner leurs croyances, et ils ont persisté jusqu’à ce que leurs peintures soient enfin reconnues. Mais il fallut trop attendre pour être reconnus ; certains artistes impressionnistes n'étaient plus en vie.
En conséquence, le mouvement né à Paris dans les années 60 a été d'une grande importance pour le développement du monde. art du 19ème siècle et XX siècles. Après tout, les orientations futures de la peinture reposaient précisément sur l'impressionnisme. Chaque style suivant est apparu à la recherche d'un nouveau. Le post-impressionnisme est né des mêmes impressionnistes qui ont décidé que leur méthode était limitée : un symbolisme profond et polysémantique était une réponse à une peinture qui avait « perdu son sens », et le modernisme, même par son nom, appelle à quelque chose de nouveau. Bien sûr, de nombreux changements se sont produits dans l'art depuis 1874, mais tous tendances modernes en peinture, d'une manière ou d'une autre, ils partent d'une impression parisienne passagère.
Détails Catégorie : Variété de styles et de mouvements dans l'art et leurs caractéristiques Publié 04/01/2015 14:11 Vues : 10877L'impressionnisme est un mouvement artistique apparu dans la seconde moitié du XIXe siècle. Son objectif principal il y avait une transmission d'impressions fugaces et changeantes.
L'émergence de l'impressionnisme est associée à la science : aux dernières découvertes en optique et en théorie des couleurs.
Cette tendance a touché presque tous les types d'art, mais elle s'est manifestée le plus clairement dans la peinture, où la transmission de la couleur et de la lumière était à la base du travail des artistes impressionnistes.
Signification du terme
Impressionnisme(Impressionnisme français) de impression - impression). Ce style de peinture est apparu en France à la fin des années 1860. Il était représenté par Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Berthe Morisot, Alfred Sisley, Jean Frédéric Bazille. Mais le terme lui-même apparaît en 1874, lorsque le tableau de Monet « Impression. Soleil levant" (1872). Dans le titre du tableau, Monet voulait dire qu'il ne transmettait que son impression fugace du paysage.
K. Monet « Impression. Lever du soleil" (1872). Musée Marmottan Monet, Paris
Plus tard, le terme « impressionnisme » en peinture a commencé à être compris plus largement : une étude minutieuse de la nature en termes de couleur et d’éclairage. Le but des impressionnistes était de représenter des situations et des mouvements instantanés, apparemment « aléatoires ». Pour ce faire, ils ont utilisé diverses techniques : angles complexes, asymétrie, compositions fragmentaires. Pour les artistes impressionnistes, un tableau devient un instant figé dans un monde en constante évolution.
Méthode artistique impressionniste
Le plus genres populaires impressionnistes - paysages et scènes de la vie urbaine. Ils étaient toujours peints « en plein air », c'est-à-dire directement d'après nature, dans la nature, sans croquis ni esquisses préalables. Les impressionnistes ont remarqué et ont pu transmettre sur toile des couleurs et des nuances qui étaient généralement invisibles. à l'oeil nu et un spectateur inattentif. Par exemple, transférer de couleur bleue dans l'ombre ou rose - au coucher du soleil. Ils ont décomposé les tons complexes en couleurs pures constitutives du spectre. Cela rendait leurs peintures lumineuses et vibrantes. Les artistes impressionnistes ont appliqué la peinture par coups séparés, de manière libre et même négligente, de sorte que leurs peintures soient mieux vues de loin - c'est avec cette vue que l'effet de scintillement vivant des couleurs est créé.
Les impressionnistes abandonnent le contour pour le remplacer par de petits traits distincts et contrastés.
C. Pissarro, A. Sisley et C. Monet privilégient les paysages et les scènes urbaines. O. Renoir aimait représenter des personnages dans la nature ou à l'intérieur. L'impressionnisme français n'a pas posé de problèmes philosophiques et sociaux. Ils ne se sont pas tournés vers des sujets bibliques, littéraires, mythologiques et historiques inhérents à l'académisme officiel. Au lieu de cela, une image de la vie quotidienne et de la modernité est apparue sur les peintures ; une image de personnes en mouvement, tout en se relaxant ou en s'amusant. Leurs sujets principaux sont le flirt, la danse, les gens dans les cafés et les théâtres, les promenades en bateau, les plages et les jardins.
Les impressionnistes essayaient de capturer une impression fugace, les moindres changements de chaque objet en fonction de l'éclairage et de l'heure de la journée. À cet égard, les cycles de peintures de Monet «Meules de foin», «Cathédrale de Rouen» et «Parlement de Londres» peuvent être considérés comme la plus haute réalisation.
C. Monet « La Cathédrale de Rouen au soleil » (1894). Musée d'Orsay, Paris, France
« Cathédrale de Rouen » est un cycle de 30 tableaux de Claude Monet, qui représentent des vues de la cathédrale selon l'heure de la journée, l'année et l'éclairage. Ce cycle a été peint par l'artiste dans les années 1890. La cathédrale lui a permis de montrer la relation entre la structure constante et solide du bâtiment et la lumière changeante et facile à jouer qui change notre perception. Monet se concentre sur des fragments individuels de la cathédrale gothique et sélectionne le portail, la tour Saint-Martin et la tour d'Alban. Il s'intéresse uniquement aux jeux de lumière sur la pierre.
K. Monet « Cathédrale de Rouen, portail ouest, temps brumeux » (1892). Musée d'Orsay, Paris
K. Monet « Cathédrale de Rouen, portail et tour, effet matin ; harmonie blanche" (1892-1893). Musée d'Orsay, Paris
K. Monet « Cathédrale de Rouen, portail et tour au soleil, harmonie du bleu et de l'or » (1892-1893). Musée d'Orsay, Paris
Après la France, des artistes impressionnistes apparaissent en Angleterre et aux États-Unis (James Whistler), en Allemagne (Max Liebermann, Lovis Corinth), en Espagne (Joaquin Sorolla), en Russie (Konstantin Korovin, Valentin Serov, Igor Grabar).
À propos du travail de certains artistes impressionnistes
Claude Monet (1840-1926)
Claude Monet, photographie 1899
Peintre français, l'un des fondateurs de l'impressionnisme. Né à Paris. Il aimait le dessin depuis son enfance et, à l'âge de 15 ans, il se révéla être un caricaturiste talentueux. À peinture de paysage il a été présenté par Eugène Boudin - artiste français, prédécesseur de l'impressionnisme. Plus tard, Monet entre à l'université à la Faculté des Arts, mais désillusionné et la quitte pour s'inscrire dans l'atelier de peinture de Charles Gleyre. En atelier, il rencontre les artistes Auguste Renoir, Alfred Sisley et Frédéric Bazille. Ils étaient pratiquement pairs, avaient des opinions similaires sur l’art et formèrent bientôt l’épine dorsale du groupe impressionniste.
Monet est devenu célèbre grâce à son portrait de Camille Doncieux, peint en 1866 (« Camille ou Portrait de dame à la robe verte »). Camilla devint l'épouse de l'artiste en 1870.
C. Monet « Camille » (« Dame en vert ») (1866). Kunsthalle, Brême
C. Monet « Promenade : Camille Monet avec son fils Jean (Femme au parapluie) » (1875). galerie nationale art, Washington
En 1912, les médecins diagnostiquent à C. Monet une double cataracte et il doit subir deux opérations. Ayant perdu le cristallin de son œil gauche, Monet a retrouvé la vue, mais a commencé à voir les ultraviolets comme du bleu ou du bleu. couleur lilas, faisant prendre à ses peintures de nouvelles couleurs. Par exemple, en peignant les célèbres « Nymphéas », Monet considérait les nénuphars comme bleuâtres dans la gamme ultraviolette ; pour d’autres, ils étaient simplement blancs.
C. Monet « Nymphéas »
L'artiste décède le 5 décembre 1926 à Giverny et est inhumé au cimetière de l'église locale.
Camille Pissarro (1830-1903)
C. Pissarro «Autoportrait» (1873)
Peintre français, l'un des premiers et des plus constants représentants de l'impressionnisme.
Né sur l'île de Saint-Thomas (Antilles), dans une famille bourgeoise d'un juif sépharade et originaire de République Dominicaine. Il a vécu aux Antilles jusqu'à l'âge de 12 ans et à 25 ans, il s'est installé avec toute sa famille à Paris. Ici, il étudie à l'École des Beaux-Arts et à l'Académie de Suisse. Ses professeurs étaient Camille Corot, Gustave Courbet et Charles-François Daubigny. Commencé avec paysages ruraux et des vues de Paris. Pissarro a eu une forte influence sur les impressionnistes, développant indépendamment bon nombre des principes qui constituaient la base de leur style de peinture. Il était ami avec les artistes Degas, Cézanne et Gauguin. Pizarro était le seul participant aux 8 expositions impressionnistes.
Il meurt en 1903 à Paris. Il a été inhumé au cimetière du Père Lachaise.
Déjà là premières œuvres artiste Attention particulière a prêté attention à l'image d'objets illuminés dans l'air. La lumière et l'air sont depuis devenus le thème principal de l'œuvre de Pissarro.
C. Pissarro « Boulevard Montmartre. Après-midi ensoleillé" (1897)
en 1890, Pizarro s'intéresse à la technique du pointillisme (application séparée des traits). Mais au bout d’un moment, il reprit ses habitudes.
DANS dernières années Au cours de sa vie, la vision de Camille Pissarro s'est sensiblement détériorée. Mais il poursuit son travail et crée une série de vues de Paris, remplies d'émotions artistiques.
C. Pissarro « Rue de Rouen »
L'angle inhabituel de certaines de ses peintures s'explique par le fait que l'artiste les a peintes depuis des chambres d'hôtel. Cette série est devenue l'une des plus hautes réalisations impressionnisme dans la transmission de la lumière et des effets atmosphériques.
Pissarro peint également à l'aquarelle et crée une série de gravures et de lithographies.
En voici quelques-uns déclarations intéressantesà propos de l’art de l’impressionnisme : « Les impressionnistes sont sur la bonne voie, leur art est sain, il est basé sur les sensations et il est honnête. »
« Heureux celui qui voit la beauté dans les choses ordinaires, là où les autres ne voient rien ! »
C. Pissarro « Les premières gelées » (1873)
impressionnisme russe
L'impressionnisme russe s'est développé de la fin du XIXe au début du XXe siècle. Il a été influencé par le travail des impressionnistes français. Mais l'impressionnisme russe a un caractère prononcé spécificités nationales et, à bien des égards, ne coïncide pas avec les idées des manuels sur le classique impressionnisme français. Dans la peinture des impressionnistes russes, l'objectivité et la matérialité prédominent. C’est plus chargé de sens et moins dynamique. L'impressionnisme russe est plus proche que le français du réalisme. Les impressionnistes français se sont concentrés sur l'impression de ce qu'ils ont vu, et les Russes ont également ajouté une exposition état interne artiste. Le travail devait être réalisé en une seule séance.
Une certaine incomplétude de l’impressionnisme russe crée le « frisson de la vie » qui les caractérisait.
L'impressionnisme comprend le travail d'artistes russes : A. Arkhipov, I. Grabar, K. Korovin, F. Malyavin, N. Meshcherin, A. Murashko, V. Serov, A. Rylov et d'autres.
V. Serov « Fille aux pêches » (1887)
Cette peinture est considérée comme la norme de l’impressionnisme russe en matière de portrait.
Valentin Serov « La Fille aux pêches » (1887). Toile, huile. 91×85 cm. Galerie nationale Tretiakov
Le tableau a été peint dans la propriété de Savva Ivanovitch Mamontov à Abramtsevo, qu'il a acquise auprès de la fille de l'écrivain Sergueï Aksakov en 1870. Le portrait représente Vera Mamontova, 12 ans. La jeune fille est dessinée assise à une table ; elle porte un chemisier rose avec un nœud bleu foncé ; il y a un couteau, des pêches et des feuilles sur la table.
« Tout ce que je recherchais, c’était la fraîcheur, cette fraîcheur particulière que l’on ressent toujours dans la nature et qu’on ne voit pas dans les peintures. J'ai peint pendant plus d'un mois et je l'ai épuisée, la pauvre, à en mourir ; je voulais vraiment conserver la fraîcheur du tableau tout en étant complètement complet, tout comme les maîtres anciens » (V. Serov).
L'impressionnisme dans d'autres formes d'art
Dans la littérature
En littérature, l'impressionnisme est comme direction séparée n'a pas fonctionné, mais ses traits se reflétaient dans naturalisme Et symbolisme .
Edmond et Jules Goncourt. Photo
Des principes naturalisme peut être retrouvée dans les romans des frères Goncourt et de George Eliot. Mais Emile Zola fut le premier à utiliser le terme de « naturalisme » pour désigner son propre travail. Les écrivains Guy de Maupassant, Alphonse Daudet, Huysmans et Paul Alexis se regroupent autour de Zola. Après la sortie du recueil « Medan Evenings » (1880) histoires franchesà propos des désastres de la guerre franco-prussienne (dont le conte « Dumpling » de Maupassant), on leur donna le nom de « groupe Medan ».
Émile Zola
Le principe naturaliste en littérature a souvent été critiqué pour son manque de talent artistique. Par exemple, I. S. Tourgueniev a écrit à propos d’un roman de Zola qu’« on creuse beaucoup dans les pots de chambre ». Gustave Flaubert critiquait également le naturalisme.
Zola entretient des relations amicales avec de nombreux artistes impressionnistes.
Symbolistes symboles utilisés, euphémisme, indices, mystère, énigme. L'humeur principale capturée par les symbolistes était le pessimisme, atteignant le désespoir. Tout ce qui était « naturel » était représenté uniquement comme une « apparence » sans signification artistique indépendante.
Ainsi, l’impressionnisme en littérature s’exprimait par l’impression privée de l’auteur, le rejet d’une image objective de la réalité et la représentation de chaque instant. En fait, cela a conduit à l’absence d’intrigue et d’histoire, au remplacement de la pensée par la perception et de la raison par l’instinct.
G. Courbet « Portrait de P. Verlaine » (vers 1866)
Un exemple frappant d’impressionnisme poétique est le recueil « Romances sans paroles » de Paul Verlaine (1874). En Russie, Konstantin Balmont et Innokenty Annensky ont subi l'influence de l'impressionnisme.
V. Serov «Portrait de K. Balmont» (1905)
Innokenty Annensky. Photo
Ces sentiments ont également affecté la dramaturgie. Présent dans les pièces de théâtre perception passive monde, analyse des sentiments, États d'esprit. Les dialogues concentrent des impressions fugaces et éparses. Ces traits sont caractéristiques de l’œuvre d’Arthur Schnitzler.
En musique
L'impressionnisme musical s'est développé en France au cours des dernières trimestre XIX V. - début du 20ème siècle Il s'exprime le plus clairement dans les œuvres d'Erik Satie, Claude Debussy et Maurice Ravel.
Erik Satie
L'impressionnisme musical est proche de l'impressionnisme dans la peinture française. Ils ont non seulement des racines communes, mais aussi des relations de cause à effet. Les compositeurs impressionnistes ont cherché et trouvé non seulement des analogies, mais aussi des moyens d'expression dans les œuvres de Claude Monet, Paul Cézanne, Puvis de Chavannes et Henri de Toulouse-Lautrec. Bien sûr, les moyens de peindre et les moyens art musical ne peuvent être connectés les uns aux autres qu'à l'aide de parallèles associatifs spéciaux et subtils qui n'existent que dans la conscience. En regardant l'image floue de Paris "dans pluie d'automne» et les mêmes sons, « étouffés par le bruit des gouttes qui tombent », alors ici on ne peut parler que de la propriété image artistique, mais pas la vraie image.
Claude Debussy
Debussy écrit « Nuages », « Estampes » (dont le plus figuratif, une esquisse sonore à l'aquarelle - « Jardins sous la pluie »), « Images », « Reflets sur l'eau », qui évoquent des associations directes avec peinture célèbre Claude Monet "Impression : Lever du soleil". Selon Mallarmé, les compositeurs impressionnistes ont appris à « entendre la lumière », à transmettre par les sons le mouvement de l'eau, la vibration des feuilles, le souffle du vent et la réfraction. rayons de soleil dans l'air du soir.
Maurice Ravel
Des liens directs entre la peinture et la musique existent chez M. Ravel dans son « Jeu d'eau » sonore et visuel, le cycle de pièces « Reflets » et le recueil pour piano « Bruissements de la nuit ».
Les impressionnistes ont créé des œuvres d'art à la fois raffinées et claires. moyens expressifs, émotionnellement retenu, sans conflit et de style strict.
En sculpture
O. Rodin « Le Baiser »
L'impressionnisme en sculpture s'exprimait dans la plasticité libre des formes douces, qui crée jeu stimulant lumière à la surface du matériau et sensation d’incomplétude. Les poses des personnages sculpturaux capturent le moment du mouvement et du développement.
O. Rodin. Photo de 1891
Cette direction comprend des œuvres sculpturales d'O. Rodin (France), Medardo Rosso (Italie), P.P. Troubetskoï (Russie).
V. Serov « Portrait de Paolo Troubetskoy »
Pavel (Paolo) Troubetskoï(1866-1938) – sculpteur et artiste, a travaillé en Italie, aux États-Unis, en Angleterre, en Russie et en France. Né en Italie. Fils illégitimeÉmigrant russe, le prince Piotr Petrovich Troubetskoy.
Depuis mon enfance, je me consacre de manière indépendante à la sculpture et à la peinture. Il n'avait aucune éducation. DANS période initiale Dans son travail créatif, il a créé des bustes de portraits, des œuvres de petites sculptures et a participé à des concours pour la création de grandes sculptures.
P. Troubetskoy « Monument Alexandre III", Saint-Pétersbourg
La première exposition des œuvres de Paolo Trubetskoy a eu lieu aux États-Unis en 1886. En 1899, le sculpteur vient en Russie. Participe à un concours pour créer un monument à Alexandre III et, contre toute attente, reçoit le premier prix. Ce monument a suscité et continue de susciter des appréciations contradictoires. Il est difficile d’imaginer un monument plus statique et plus lourd. Et seulement des retours positifs famille impériale ont permis au monument de prendre la place qui lui revient - dans l'image sculpturale, ils ont trouvé des similitudes avec l'original.
Les critiques pensaient que Troubetskoï travaillait dans l’esprit d’un « impressionnisme dépassé ».
L'image de Troubetskoy du brillant écrivain russe s'est avérée plus « impressionniste » : il y a ici clairement du mouvement - dans les plis de la chemise, la barbe flottante, le tour de tête, il y a même un sentiment que le sculpteur a réussi à capturer la tension de la pensée de L. Tolstoï.
P. Troubetskoy « Buste de Léon Tolstoï » (bronze). Galerie nationale Tretiakov
