Il se trouve que souvent le spectateur, voyant sur la toile quelque chose d'incompréhensible, d'inexplicable et au-delà de la logique, déclare hardiment : « Abstraction. Certainement". D’une certaine manière, bien sûr, il a raison. Le fait est que cette direction de l'art s'est éloignée de la réalité existante de la représentation des formes et donne la priorité à l'harmonisation de la couleur, de la forme et de la composition dans son ensemble. Les fondements de l’univers dépassent la perception habituelle, quelque chose de plus profond et de plus philosophique. Ce qui est remarquable, c'est que le nombre d'amateurs de peinture abstraite augmente chaque année et que les peintures peintes dans ce style occupent les premières places dans les principales maisons de ventes aux enchères du monde.
La première œuvre d'art abstraite est en musée national Géorgie et appartient au pinceau de Vassily Kandinsky. C'est cet artiste qui est considéré comme le fondateur de l'art abstrait en peinture.
Vassily Kandinsky « Peinture avec un cercle », huile sur toile, 100,0 × 150,0 cm,
Tbilissi. Musée national géorgien
Les artistes abstraits les plus célèbres et les plus réussis sont Vassily Kandinsky, Kazimir Malevitch et Piet Mondrian. Chacun est une figure légendaire de l’art du XXe siècle.
Vassily Kandinsky - peintre, graphiste et théoricien russe arts visuels, l'un des fondateurs de l'art abstrait
Kazimir Malevitch est un artiste d'avant-garde, théoricien de l'art et philosophe russe et soviétique. Le fondateur du suprématisme - l'un des plus premières manifestations art abstrait.
Piet Mondrian - artiste néerlandais, l'un des fondateurs de la peinture abstraite
C'est l'abstraction qui a donné lieu au développement de tendances artistiques telles que le cubisme, l'expressionnisme, l'op art et autres.
D'ailleurs, le plus peinture chère dans le monde écrit dans le style de l'expressionnisme abstrait. Toile à grande échelle artiste américain Le « Numéro 5 » de Jackson Pollock a été vendu aux enchères privées chez Sotheby's pour 140 millions de dollars.
Jackson Pollcock, n° 5, 1948, huile sur panneau de fibres, 243,8 × 121,9 cm, collection privée, New York
Le son d’une peinture abstraite dans un intérieur est intéressant. Il apporte rigueur et concision au bureau, et à la maison il ajoutera de l'énergie et des couleurs vives. Ce type de peinture s’intégrera parfaitement dans n’importe quelle pièce ; il vous suffit de la choisir judicieusement. Schéma de couleur, soulignant style général. Il y a peut-être encore une nuance : il est préférable de placer le tableau sur un mur uni aux couleurs pastel.
Parmi les jeunes auteurs contemporains travaillant dans ce sens, il convient de noter, et. Dans les peintures des artistes, nous voyons des notes d’abstraction lyrique, où le lien entre les expériences émotionnelles, les flux fluides et les fantaisies colorées du créateur est si organique.
Vladimir Ekhin « Summer Memories », panneau isorel, acrylique, huile, 60 cm x 80 cm
Polina Orlova, « Matin », huile sur toile, acrylique, 60 cm x 50 cm, 2014
Danila Berezovsky « 2 », huile sur toile, 55 cm x 45 cm, 2015
Ilya Petrusenko, « Coucher de soleil », huile sur toile, 40 cm x 50 cm, 2015
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Composition dynamique et modérément primitive de Kazimir Malevitch - juste un cercle. Cercle noir sur carré blanc. Mais pas au centre. Et cela donne un effet hypnotique, une illusion spatiale.
Beaucoup de célèbres tableaux connu sous plusieurs variantes. Ceci, de notre point de vue, est bien mieux que de « développer un thème » dans des centaines de tableaux similaires - cependant, les véritables géants de la peinture ont pu peindre des milliers de tableaux, de mers et de montagnes - ou de portraits. Mais Munch a tout dans "Le Cri" : l'homme qui se bouche les oreilles, les montagnes et les eaux. Et cela suffit - enfin, sauf que cela est répété quatre fois à l'huile et au pastel. Pour sécuriser le matériel. Des silhouettes insensées marchent le long du rivage. Mais le seul qui a entendu la lourde note tonitruante prise par la nature se met à crier.
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Une intéressante composition multicolore de rectangles et d'un trapèze de Kazimir Malevitch n'est pas aussi simple que des carrés et des cercles, mais non moins abstraite et constitue un excellent exemple de peinture suprématiste.
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Russie centrale ordinaire pins, faisant office de fond, de mur noir, de toile de fond sur des toiles traditionnelles, démontre dans le tableau d'Anatoly Zverev le manque du Christ et la force de l'âme - et non de l'esprit - de l'auteur.
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"Place Rouge", alias Réalisme visuel bidimensionnel de Peysanka, est une autre œuvre de Kazimierz Malevitch, qu’il est difficile pour l’auteur des notes d’attribuer à un genre autre que la plaisanterie. Oui, c'est un mot moderne.
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Carré noir Kazimir Malevitch contient, dans des proportions astucieuses, un aperçu choquant et philosophique de l'essence de l'acte créateur. Il serait intéressant de rassembler les quatre versions de l'auteur et de les comparer - sinon cela ne sert à rien, de l'imprimer dans un carré et de l'épingler au mur - et vous obtenez un chef-d'œuvre.
Abstractionnisme(Abstraction latine - retrait, distraction) ou art non figuratif - une direction artistique qui a abandonné la représentation de formes proches de la réalité dans la peinture et la sculpture. L'un des objectifs de l'art abstrait est de parvenir à une « harmonisation » en représentant certaines combinaisons de couleurs et formes géométriques, donnant au spectateur un sentiment d'exhaustivité et d'exhaustivité de la composition. Personnalités marquantes : Vassily Kandinsky, Kazimir Malevitch, Natalia Goncharova et Mikhaïl Larionov, Piet Mondrian.
Le premier tableau abstrait a été peint par Vassily Kandinsky en 1909. Actuellement, il se trouve au Musée national de Géorgie - il ouvre ainsi une nouvelle page dans la peinture mondiale - l'art abstrait, élevant la peinture à la musique.
Dans la peinture russe du XXe siècle, les principaux représentants de l'abstractionnisme étaient Vassily Kandinsky (qui a achevé la transition vers ses compositions abstraites en Allemagne), Natalya Goncharova et Mikhaïl Larionov, fondateur du « Rauchisme » en 1910-1912, créateur de Le suprématisme comme nouveau type de créativité, Kazimir Malevitch, l'auteur du « Carré noir » et Evgeny Mikhnov-Voitenko, dont le travail se distingue, entre autres, par une gamme sans précédent de directions de la méthode abstraite appliquée dans ses œuvres (un nombre d'entre eux, y compris le "style graffiti", que l'artiste a été le premier à utiliser non seulement parmi les maîtres nationaux, mais aussi étrangers).
Un mouvement apparenté à l'abstractionnisme est le cubisme, qui s'efforce de représenter des objets réels avec une multitude de plans qui se croisent, créant l'image de certaines figures rectilignes reproduisant la nature vivante. Certains des exemples les plus frappants du cubisme sont premières œuvres Pablo Picasso.
Histoire de l'art abstrait
Dans les années 1910-1915, les peintres de Russie, d’Europe occidentale et des États-Unis ont commencé à créer des œuvres d’art abstraites ; Parmi les premiers abstractionnistes, les chercheurs citent Vassily Kandinsky, Kazimir Malevitch et Piet Mondrian. L’année de naissance de l’art non objectif est considérée comme 1910, lorsque Kandinsky écrivit sa première composition abstraite à Murnau, en Allemagne. Les concepts esthétiques des premiers abstractionnistes supposaient que créativité artistique reflète les lois de l'univers cachées derrière les phénomènes externes et superficiels de la réalité. Ces motifs, compris intuitivement par l'artiste, s'expriment à travers la relation de formes abstraites (taches de couleur, lignes, volumes, figures géométriques) dans une œuvre abstraite. En 1911 à Munich, Kandinsky publie son désormais célèbre livre « Du spirituel dans l’art », dans lequel il réfléchit à la possibilité d’incarner le nécessaire interne, le spirituel, par opposition à l’extérieur, l’accidentel. La « base logique » des abstractions de Kandinsky reposait sur l’étude des œuvres théosophiques et anthroposophiques d’Helena Blavatsky et de Rudolf Steiner. Dans le concept esthétique de Piet Mondrian, les principaux éléments de la forme étaient les oppositions primaires : horizontal - vertical, ligne - plan, couleur - non-couleur. Dans la théorie de Robert Delaunay, contrairement aux concepts de Kandinsky et de Mondrian, la métaphysique idéaliste était rejetée ; La tâche principale de l'abstractionnisme semblait à l'artiste d'étudier les qualités dynamiques de la couleur et d'autres propriétés langage artistique(la direction fondée par Delaunay s'appelait l'Orphisme). Le créateur du « rayonnisme », Mikhaïl Larionov, a décrit « l'émission de lumière réfléchie ; poussière de couleur."
Né au début des années 1910, l’art abstrait s’est développé rapidement et est apparu dans de nombreux domaines de l’art d’avant-garde dans la première moitié du XXe siècle. Les idées de l'abstraction se reflètent dans les œuvres des expressionnistes (Wassily Kandinsky, Paul Klee, Franz Marc), des cubistes (Fernand Léger), des dadaïstes (Jean Arp), des surréalistes (Joan Miró), Futuristes italiens(Gino Severini, Giacomo Balla, Enrico Prampolini), des orphistes (Robert Delaunay, Frantisek Kupka), des suprématistes russes (Kazimir Malevitch), des « radieux » (Mikhail Larionov et Natalia Goncharova) et des constructivistes (Lyubov Popova, Lazar Lisitsky, Alexander Rodchenko, Varvara). Stepanov), des néoplasticiens néerlandais (Piet Mondrian, Theo van Doesburg, Bart van der Leck), de nombreux sculpteurs européens (Alexander Archipenko, Constantin Brancusi, Umberto Boccioni, Antoine Pevsner, Naum Gabo, Laszlo Moholy-Nagy, Vladimir Tatlin). Peu de temps après l'émergence de l'art abstrait, deux directions principales ont émergé dans le développement de cet art : l'abstraction géométrique, qui gravite vers des formes géométriques régulières et des états stables et « substantiels » (Mondrian, Malevitch), et l'abstraction lyrique, qui préfère les formes plus libres et processus dynamiques (Kandinsky, Kupka). Les premières associations internationales d'artistes abstraits (« Cercle et Carré », « Abstraction-Créativité ») se constituent au début des années 1920 – début des années 1930 à Paris.
Les programmes esthétiques des abstractionnistes étaient caractérisés par l'universalisme ; l'art abstrait y était présenté comme un modèle universel de l'ordre mondial, incluant à la fois la structure de l'environnement et la structure de la société. Travaillant avec les éléments primaires du langage pictural, les abstractionnistes se sont tournés vers les principes généraux de composition et les lois de la formation des formes. Il n'est pas surprenant que les abstractionnistes aient trouvé des applications pour les formes non figuratives dans l'art industriel, le design artistique et l'architecture (les activités du groupe « Style » aux Pays-Bas et de l'école du Bauhaus en Allemagne ; le travail de Kandinsky au VKHUTEMAS ; les architectes et les projets de design de Malevitch ; les « mobiles » d'Alexandre Calder ; les dessins de Vladimir Tatline, les œuvres de Naum Gabo et d'Antoine Pevsner). Les activités des abstractionnistes ont contribué à la formation de l'architecture moderne, décorative arts appliqués, conception.
À la fin des années 40, l'expressionnisme abstrait, formé sur la base de l'abstractionnisme lyrique, se développe aux États-Unis. Les représentants de l'expressionnisme abstrait (Pollock, Mark Tobey, Willem de Kooning, Mark Rothko, Arshile Gorky, Franz Kline) ont proclamé comme méthode « l'inconscience » et l'automaticité de la créativité, les effets imprévus (« action painting »). Leurs concepts esthétiques ne contenaient plus de métaphysique idéaliste, et une composition non objective devenait parfois un objet autosuffisant excluant les associations avec la réalité. Le tachisme est devenu l'analogue européen de l'expressionnisme abstrait. représentants éminents parmi lesquels Hans Hartung, Pierre Soulages, Volsa, Georges Mathieu. Les artistes ont cherché à utiliser des combinaisons inattendues et non standard de couleurs et de textures, les sculpteurs (Eduardo Chillida, Seymour Lipton et d'autres) ont créé des compositions bizarres et utilisé manières inhabituelles traitement des matériaux.
Dans les années 1960, avec le déclin de l'expressionnisme abstrait, l'op art, qui développe les principes de l'abstraction géométrique et utilise illusions d'optique perception d'objets plats et spatiaux. Une autre direction dans le développement de l'abstraction géométrique était l'art cinétique, qui joue sur les effets de mouvement réel de l'ensemble de l'œuvre ou de ses composants individuels (Alexander Calder, Jean Tinguely, Nicholas Schöffer, Jesus Soto, Taxis). Parallèlement, apparaît aux États-Unis l'abstraction post-picturale, dont les principes sont la réduction et la simplification extrême des formes picturales ; Ayant hérité des formes géométriques régulières de l’abstraction géométrique, l’abstraction post-picturale les arrondit et les « adoucit ». Les représentants notables de cette tendance sont Frank Stella, Elsworth Kelly et Kenneth Noland. L’expression ultime de l’abstraction géométrique dans la sculpture était le minimalisme, apparu dans les années 1960 et 1970.
L'abstractionnisme moderne en peinture
Un élément important du langage moderne de l'abstraction est devenu couleur blanche. Pour Marina Kastalskaya, Andrei Krasulin, Valery Orlov, Leonid Pelikh, l'espace du blanc - la plus haute tension de couleur - est généralement rempli de possibilités variables infinies, permettant l'utilisation à la fois d'idées métaphysiques sur les lois spirituelles et optiques de la réflexion de la lumière.
L'espace en tant que catégorie conceptuelle a différentes charges sémantiques dans l'art contemporain. Par exemple, il existe un espace de signe, un symbole surgi des profondeurs de la conscience archaïque, parfois transformé en une structure rappelant un hiéroglyphe. Il existe un espace de manuscrits anciens dont l'image est devenue une sorte de palimpseste dans les compositions de Valentin Gerasimenko.
Dans l'abstractionnisme moderne, une direction d'intrigue se développe (Gennady Rybalko). Tout en maintenant la non-objectivité, l'image abstraite est construite de telle manière qu'elle évoque des associations spécifiques - à différents niveaux d'abstraction : de la situation objective au niveau philosophique des catégories abstraites. En revanche, l'image peut ressembler à un tableau monde fantastique- le surréalisme abstrait. Sa ramification est la représentation d’abstraits volumétriques.
Peintures dans le style de l'art abstrait
Style Abstractionnisme- l'école la plus extrême du modernisme.
L’art abstrait, également appelé art non figuratif, est apparu comme un mouvement dans les années 10 du 20e siècle. Parce que les artistes Abstractionnistes ils nient toute représentation dans l'art, refusent de représenter le monde objectif, l'abstractionnisme est aussi appelé non-objectivité.
Les théoriciens du style de l'art abstrait le font remonter de Cézanne au cubisme.
En 1911 Présenté ses œuvres au public un nouveau groupe Artistes allemands " Cavalier Bleu", en quête d'originalité et d'expérimentation libre. Leur créativité est devenue le summum expressionnisme allemand et a ouvert la voie à l'abstraction. Le membre le plus important du groupe, Vassily Kandinsky, est le plus souvent crédité de sa création en 1910. Le premier tableau « abstrait ».
Représentants : August Macke, Vassily Kandinsky, Paul Klee, Kazimir Malevitch.
Abstractionnisme- un phénomène unique de la culture artistique mondiale. Son caractère unique est dû aux particularités de l’époque charnière. Le XXe siècle est une sorte de signe et ce n’est pas un hasard s’il a donné naissance à une forme d’art abstrait.
L'art ne tolère pas le discours direct ; sa force réside dans la métaphore. Le réalisme dans l'art peut être très différent, et cela est prouvé de manière très convaincante par l'art de l'abstractionnisme.
Grâce à l'art abstrait, beaucoup diverses directions dans l'art contemporain, même si la division de l'art en mouvements est toute relative.
Perception de l'art dans plus haut degré subjectivement. L'attitude envers les œuvres des artistes abstraits peut être exprimée dans les mots du philosophe néerlandais du XVIIe siècle B. Spinoza : « Ne pleurez pas, ne vous indignez pas, mais comprenez. L’habitude profondément enracinée de percevoir une forme d’art purement réaliste ne signifie pas qu’une direction « différente de la vie » soit inintéressante, et encore moins absurde. La joie de l’art, c’est qu’il est différent.
Vous pouvez aimer ou ne pas aimer l’art abstrait ; vous pouvez trouver de nombreux partisans et opposants à cet art, ainsi qu’à tout autre type d’art. Mais tout art a le droit d’exister et il ne peut être interdit, dénigré ou caché.
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L'ABSTRACTIONNISME DANS L'ART
Depuis longtemps, les gens tentent de représenter la beauté du monde qui les entoure, des scènes de la vie dans des dessins et des peintures. Depuis l’Antiquité, la créativité non-objective existait sous forme d’ornement ou de non-finito, mais seulement sous forme histoire moderne a pris forme dans un programme esthétique spécial - l'abstractionnisme. L'émergence et le développement de l'art abstrait sont étroitement liés aux idées spirituelles qui ont excité l'esprit des Européens au tournant des XIXe et XXe siècles. Une passion pour les théories métaphysiques et utopiques saisit également les peintres. Le désir d'exprimer l'inexprimable, de transmettre le sentiment d'unité de l'âme et de la matière, de l'univers, du cosmos, a obligé les artistes à rechercher un nouveau langage visuel non conventionnel, plein de sens profond.
Le XXe siècle a donné au monde de nouveaux exemples de culture artistique, parfois inhabituels et difficiles à percevoir. L’empreinte du non-conformisme s’est répandue sur pratiquement tous les types d’art.
L'art est un type d'activité spirituelle. Dans la société et dans le monde, tout est interconnecté. Les facteurs suivants n'étaient pas négligeables pour le développement de la culture artistique du XXe siècle :
Le 20e siècle est un siècle puissant la mobilité sociale(deux guerres mondiales, nombreuses guerres locales, révolutions). Son tournant était évident dès le début. La catastrophe interne visible a été ressentie en premier lieu par les artistes et les créateurs. Comment ce siècle ne pourrait-il pas donner naissance à un art rebelle, parfois précipité ?
Le XXe siècle s’annonce avec les plus grandes découvertes scientifiques (la structure de l’atome, la théorie de la relativité d’A. Einstein, l’émergence d’instruments permettant de regarder dans les profondeurs de l’Univers, et bien d’autres). L’image du monde dans son ensemble a fondamentalement changé. La perception des artistes a également réagi à cela.
L'art de la photographie s'est développé et amélioré. DANS siècles précédents joué un rôle de documentaliste. Dès l'apparition de la photographie de haute qualité, certains artistes sont arrivés à la conclusion : le but des artistes n'est pas de copier, mais de créer une nouvelle réalité.
L'attitude des artistes abstraits envers l'art, à mon avis, se reflète le plus pleinement dans les mots de Stuart Davis : « L'art n'est pas et n'a jamais été le reflet de la nature. Tout effort pour illustrer la nature est voué à l’échec. Les artistes abstraits n’essaieront jamais de copier l’incopiable ; ils tentent d’établir une tangibilité matérielle qui forme une archive permanente d’idées et d’émotions inspirées par la nature.
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ABSTRACTIONNISME
De 1907 à 1915, les peintres de Russie, d’Europe occidentale et des États-Unis ont commencé à créer des peintures abstraites. Les chercheurs pensent que les premiers ont été Vassily Kandinsky, Kazimir Malevitch et Piet Mondrian. Et pourtant, l'année de naissance de l'art non objectif est considérée comme 1910, lorsqu'en Allemagne, à Murnau, Kandinsky écrit sa première composition abstraite. L'année suivante, à Munich, il publie le désormais célèbre livre « Sur le spirituel dans l'art », dans lequel il réfléchit à la possibilité d'incarner le nécessaire intérieur, le spirituel, par opposition à l'extérieur, accidentel. La « base logique » des abstractions de Kandinsky reposait sur l’étude des œuvres théosophiques et anthroposophiques d’Helena Blavatsky et de Rudolf Steiner.
« Abstractio » signifie « distraction ». Appliqué à la peinture, ce terme permet de véhiculer les caractéristiques de la conscience artistique, visant la recherche de l'harmonie du particulier à l'universel. Ce n'est pas un hasard si, au cours des premières décennies, l'art abstrait avait besoin de la théorie du symbolisme et d'un appel aux idées mystiques. artistes ultérieurs J'étais de plus en plus fasciné par les problèmes associés aux découvertes biophysiques, avec les tentatives d'incarner les concepts de temps et d'espace, l'infinité des formes naturelles cachées derrière des couvertures extérieures. L'un des premiers abstractionnistes, créateur du « rayisme », Mikhaïl Larionov, a représenté « l'émission de lumière réfléchie (poussière de couleur) ».
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L'art abstrait est « la manière la plus accessible et la plus noble de capturer l'existence personnelle, sous une forme peut-être la plus adéquate – comme un fac-similé. En même temps, c’est une réalisation directe de la liberté.
Dans les années 1920, lors du développement rapide de tous les mouvements d'avant-garde, l'art abstrait incluait dans son orbite les cubo-futuristes, les non-objectivistes, les constructivistes et les suprématistes (A. Ekster et L. Popova, A. Rodchenko et V. Stepanova, G. Stenberg et M. Matyushin, N. Suetina et I. Chashnik). Le langage de l'art non figuratif était à la base de la culture d'une nouvelle forme plastique moderne, de chevalet, décorative et appliquée ou monumentale, et avait toutes les chances de se développer davantage, fructueuse et prometteuse.
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Il n’est pas nécessaire de répéter ce qui est déjà bien connu. Les contradictions internes du mouvement d’avant-garde, renforcées par la dure pression des autorités idéologiques, ont contraint ses dirigeants à rechercher d’autres voies créatives au début des années 1930. L’art abstrait « idéaliste antinational » n’avait désormais plus le droit d’exister. Et il semblait qu'il avait disparu non seulement des salles de musée, des livres et des monographies, mais aussi de la mémoire.
Avec l’arrivée au pouvoir des fascistes, les centres de l’art abstrait se sont déplacés vers l’Amérique. En 1937, un musée est créé à New York peinture non objective, fondée par la famille du millionnaire Guggenheim, en 1939 - Musée art contemporain, créé avec les fonds Rockefeller. Pendant et après la Seconde Guerre mondiale, toutes les forces d’extrême gauche du monde artistique se sont rassemblées en Amérique.
Dans l'Amérique d'après-guerre, la « New York School » gagnait en force, dont les membres étaient les créateurs de l'expressionnisme abstrait D. Pollack, M. Rothko, B. Newman, A. Gottlieb. À l'été 1959, leurs œuvres furent vues par de jeunes artistes à Moscou lors de l'exposition d'art national américain au parc Sokolniki. Deux ans avant cet événement, l'art contemporain mondial était présenté lors d'une exposition d'art dans le cadre du Festival mondial de la jeunesse et des étudiants. La percée de l'information est devenue une sorte de symbole de liberté spirituelle et sociale. L’art abstrait était désormais associé à une libération intérieure de l’oppression totalitaire, à une vision du monde différente. Les problèmes du langage artistique contemporain et des nouvelles formes plastiques se sont révélés inextricablement liés aux processus sociopolitiques. L’ère du « dégel » impliquait un système particulier de relations entre l’art abstrait et le pouvoir. A commencé nouvelle étape dans le développement de l'art abstrait national - années 1950-1970.
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Pour les jeunes Artistes soviétiques, élevé dans les traditions d'un système académique figé avec des règles et des priorités inébranlables en matière de contenu narratif et la seule véritable vision matérialiste du monde, la découverte de l'abstraction signifiait la possibilité de reproduire une expérience subjective personnelle. Des chercheurs américains ont qualifié l’expressionnisme abstrait de « geste de libération des valeurs politiques, esthétiques et morales ». Des sentiments similaires ont été ressentis par les jeunes peintres de l'URSS, qui appréhendaient un art contemporain qui leur était inconnu et construisaient en même temps leurs propres formes de coexistence avec les autorités ou d'opposition à celles-ci. L'underground était né et parmi les artistes informels, le tournant vers l'art abstrait était généralement accepté et répandu.
Au cours de ces années, de nombreux peintres ont ressenti le besoin du langage de l’art non objectif. La nécessité de maîtriser un vocabulaire formel était souvent associée non seulement à une immersion dans la créativité spontanée, mais aussi à la composition de traités théoriques réfléchis. Comme au début du siècle, pour ces peintres, cela ne signifiait pas déni différents niveaux sens. L’art abstrait contemporain européen et américain reposait sur des couches fondamentales telles que l’étude de la conscience mythologique primitive, le freudisme, les débuts de l’existentialisme et les philosophies orientales du Zen. Mais dans les conditions de la réalité soviétique, les artistes abstraits n'étaient pas toujours capables de se familiariser de manière suffisamment complète et approfondie avec les sources primaires ; ils ressentaient, devinaient, trouvaient intuitivement des réponses aux problèmes qui les préoccupaient et, rejetant les reproches de simple copie. Les mannequins occidentaux prenaient leur propre réputation professionnelle au sérieux.
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Le retour de l’art abstrait dans l’espace culturel russe n’était pas seulement la conséquence d’un changement du climat politique ou d’une imitation des phénomènes artistiques occidentaux. Les lois du « développement personnel de l’art » ont construit des formes « vitales pour l’art lui-même ». Il y a eu un « processus de repersonnalisation de l’art. Il est désormais possible de créer peintures individuelles paix" (A. Borovsky). Ce dernier a provoqué une puissante réaction négative au niveau de l'État, qui nous a appris pendant de nombreuses années à considérer l'abstraction comme « une direction extrêmement formaliste, étrangère à la véracité, à l'idéologie et à la nationalité », et les œuvres créées par les abstractionnistes comme « une combinaison dénuée de sens de formes géométriques abstraites ». formes, points et lignes chaotiques.
Kandinsky a déclaré que «consciemment ou inconsciemment, les artistes se tournent de plus en plus vers leur matériau, le testent, pesant sur des échelles spirituelles la valeur intérieure des éléments à partir desquels l'art doit être créé». Ce qui se disait au début du siècle redevint pertinent pour les générations de peintres suivantes.
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Dans la seconde moitié des années 50, apparaît une sculpture abstraite équipée d'un « cerveau électronique » : « Cysp I » de Nicolas Schöffer. Alexander Kalder, après les « mobiles » qui ont connu du succès, crée ses propres « écuries ». L’un des domaines isolés de l’abstraction apparaît : l’op art. Au même moment, presque simultanément en Angleterre et aux États-Unis, apparaissent les premiers collages, utilisant des étiquettes de produits fabriqués en série, des photographies, des reproductions et des objets similaires du nouveau style pop art.
Moscou au tournant des années 1960, plongeant profondément dans la recherche d'une nouvelle forme, correspondant à l'état interne d'« illumination créatrice », une sorte de méditation, a donné des exemples convaincants de sa propre compréhension de la culture du non-objectif ( par exemple, dans les œuvres de Vladimir Nemukhin, Lydia Masterkova, Mikhaïl Koulakov, bien sûr passionnés d'expressionnisme abstrait, qu'ils ont su remplir d'une haute tension spirituelle). Un autre type de pensée abstraite s'est révélé le plus cohérent dans son caractère analytique et Travaux pratiques Yuri Zlotnikov, auteur de la vaste série « Signaux », créée à la fin des années 1950. Selon l'artiste, « le dynamisme, le rythme, clairement exprimés dans l'abstraction géométrique », l'ont conduit à l'analyse des « concepts dynamiques inhérents à l'art » et plus loin « à l'étude des réactions motrices humaines dans « Signaux », l'artiste a exploré. le « feedback » de réactions psychologiques spontanées aux symboles de couleur.
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La prochaine étape du développement de l’abstraction russe commence dans les années 1970. C'est l'époque où les artistes se familiarisent avec l'œuvre de Malevitch, avec le suprématisme et le constructivisme, avec les traditions de l'avant-garde russe, sa théorie et sa pratique. Les « Éléments primaires » de Malevitch ont suscité un intérêt constant pour les formes géométriques, les signes linéaires et les structures plastiques. « Géométrique » a permis de se rapprocher des problèmes qui préoccupaient les maîtres des années 1920, de ressentir la continuité et le lien spirituel avec l'avant-garde classique. Les auteurs modernes ont découvert les œuvres de philosophes et de théologiens, théologiens et mystiques russes et se sont familiarisés avec des sources intellectuelles inépuisables, qui à leur tour ont donné un nouveau sens aux œuvres de Mikhaïl Shvartsman, Valery Yurlov et Eduard Steinberg.
La géométrie constitue la base des méthodes de travail des artistes qui se sont réunis au début des années 1960 au sein du groupe « Mouvement ». Parmi ses membres figuraient Lev Nusberg, Vyacheslav Koleichuk et Francisco Infante. Ce dernier était particulièrement féru de suprématisme. Dans « Dynamic Spirals », Infante a étudié le modèle d’une spirale infinie dans l’espace et a soigneusement analysé la « situation plastique inexistante ».
Américain des années 70 revient à la figuration. Les années 70 sont considérées comme « le moment de vérité pour peinture américaine, qui se libère de celui qui l'a nourri tradition européenne et devient purement américain. »
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Le milieu des années 1980 peut être considéré comme l'achèvement de la prochaine étape du développement de l'abstraction en Russie, qui à cette époque avait accumulé non seulement une énorme expérience dans les efforts créatifs, mais aussi des questions philosophiques, mais aussi convaincu de la demande de pensée abstraite.
La dernière décennie du XXe siècle a confirmé la « voie russe » particulière de l’art non objectif. Du point de vue du développement de la culture mondiale, l'abstractionnisme en tant que orientation stylistique terminé en 1958. Cependant, dans la période « post-reconstruction » société russe c'est seulement maintenant qu'est apparu le besoin d'une communication égale avec l'art abstrait, le désir de voir non pas des endroits dénués de sens, mais la beauté du jeu plastique, ses rythmes, et de pénétrer dans leur sens. Les artistes ont eu l'occasion de s'exprimer non seulement sous des formes classiques - suprématisme ou expressionnisme abstrait, mais aussi sous l'abstraction lyrique et géométrique, le minimalisme, la sculpture, l'objet, le livre d'auteur fait à la main, en pâte à papier coulée par le maître lui-même. peintures d'abstraction, artistes abstractionnistes, abstractionnisme dans l'art, abstractionnisme de Kandinsky, abstractionnisme moderne, peintures d'abstractionnisme, abstractionnisme russe, abstractionnisme dans l'art européen, style abstractionnisme, peintures d'abstractionnisme
L'espace en tant que catégorie conceptuelle a différentes charges sémantiques dans l'art contemporain. Par exemple, il existe un espace de signe, un symbole surgi des profondeurs de la conscience archaïque, parfois transformé en une structure rappelant un hiéroglyphe (Evgeny Dobrovinsky). Il existe un espace de manuscrits anciens dont l'image est devenue une sorte de palimpseste dans les compositions de Valentin Gerasimenko.
En plus de ceux mentionnés ci-dessus, les abstractionnistes comprennent : M. Rothko, R. Rauschenberg, W. de Kooning, L. Moholy-Nagy, F. Klein, U. Boccioni, F. Picabia, A. Gorky, A. Held, P . Soulages , F. Klin, H. Hartung, J. Bazin, R. Bissier, N. De Stael, B. Newman et bien d'autres.
KANDINSKI VASILY VASILIEVITCH (1866-1944)
Kandinvkiy V.V. - Artiste russe qui est à l'origine de l'art abstrait des temps modernes. Il fut l'un des fondateurs et inspirateurs idéologiques du groupe d'artistes munichois Der Blaue Reiter.
Kandinsky est né le 4 décembre 1866 à Moscou. Sa grand-mère était une princesse mongole et son père était originaire de la ville sibérienne de Kyakhta. De telles différences dans les origines de ses proches ont affecté l'éducation de Vasily - il a organiquement perçu à la fois les Européens et les Asiatiques. les traditions culturelles. Les parents de Kandinsky aimaient voyager (leur situation financière le leur permettait), c'est pourquoi Vasily, même enfant, visitait Venise, Rome, Florence, le Caucase et la Crimée. En 1871, les parents déménagent à Odessa, où Vasily obtient son diplôme. Le premier métier de Kandinsky était celui des performances musicales, où il jouait du piano et du violoncelle. Après un certain temps, Kandinsky a commencé à peindre et ses peintures étaient très peu conventionnelles. combinaisons de couleurs, qu'il a expliqué par le fait que chaque couleur vit sa propre vie mystérieuse. Kandinsky pensait que « la couleur est la clé ; œil - marteau; l'âme est un piano multi-cordes. L'artiste est une main qui, au moyen de l'une ou l'autre touche, vibre opportunément l'âme humaine. L’harmonie des couleurs ne peut reposer que sur le principe de toucher délibérément l’âme humaine.
En 1886, Kandinsky entre à l’Université d’État de Moscou, où il étudie le droit et l’économie. Ses réflexions sur la vie Couleurs variées a continué à lui rendre visite, surtout lorsqu'il a vu la couleur de l'architecture de Moscou. En 1889, Kandinsky se rendit à Vologda avec une expédition universitaire, où il fut étonné par l'irréalisme russe. art folklorique, préservé dans les villages reculés. La même année, il visite Paris. En 1893, lorsqu’il obtient son doctorat, Kandinsky ne s’intéresse plus aux sciences sociales. Il est parvenu à la conclusion que « l’art est un luxe inabordable pour la Russie ». Après avoir obtenu son diplôme universitaire, Kandinsky a travaillé dans l'atelier photographique de la Société d'édition de Moscou. En 1896, lorsque Kandinsky eut 30 ans, il fut confronté à la nécessité de choisir son chemin dans la vie. Ensuite, on lui a proposé un poste de professeur de droit à l'Université de Tartu en Estonie, alors que le processus de russification était en cours.
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Il se rendit compte qu'il fallait changer la vie « maintenant ou jamais », alors il refusa sa chaire et partit en Allemagne, où il allait étudier le dessin pour devenir un véritable artiste. Kandinsky était un homme grand et respectable, toujours tiré à quatre épingles, il portait un pince-nez et méprisait légèrement ce monde. C'était un croisement entre un diplomate, un scientifique et un prince mongol. Mais quand il est arrivé en Allemagne, il n'est plus qu'un étudiant. école privéeà Munich sous la direction d'Anton Azbe. Il étudie avec lui pendant deux ans, puis travaille indépendamment pendant un an, puis entre à l'Académie des Beaux-Arts de Munich, dans la classe de Franz von Stuck. En 1900, Kandinsky reçut un diplôme de cette académie. Là, on lui enseigne le réalisme et Kandinsky est influencé par l'impressionnisme et le pointillisme. Il n'a pas oublié les icônes de Moscou et le folklore de Vologda. Les premières expositions de peintures de Kandinsky ont eu lieu dans le cadre d'expositions académiques dans toute l'Europe. En 1903, la première exposition personnelle de Kandinsky a lieu à Moscou et, deux ans plus tard, elle est répétée en Pologne. Kandinsky a passé 1903 à 1908 à voyager. Il voyageait constamment : Tunisie, Paris, Dresde, Berlin...
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En 1902, Kandinsky rencontre Gabrielle Munter, avec qui il s'installe en 1909 dans une maison près de la Bavière. Cette période de l'œuvre de Kandinsky a été caractérisée par la formation de son propre style artistique - l'abstraction pure. Il recherchait des peintures composées de couleurs vives, lignes, figures, libres d'objets reconnaissables. Il avait besoin de son propre langage pictural capable d’exprimer ses émotions les plus profondes. Bien sûr, cette idée n'était pas nouvelle, mais néanmoins, à cette époque, Kandinsky était le seul à travailler sur le langage des figures et le premier abstractionniste, à la tête de l'avant-garde artistique.
En 1910, il crée la première œuvre abstraite et écrit un traité intitulé « Du spirituel dans l'art » (publié en 1912 sur Allemand, des fragments de la version russe ont été lus par N. I. Kulbin en décembre 1911 à Congrès panrusse artistes à Saint-Pétersbourg). Ayant mis en avant son contenu spirituel comme fondement fondamental de l'art, Kandinsky croyait que le sens le plus profond pouvait s'exprimer le plus pleinement dans des compositions organisées sur la base du rythme, de l'effet psychophysique de la couleur, des contrastes de dynamique et de statique.
L'artiste a regroupé les peintures abstraites en trois cycles : « Impressions », « Improvisation » et « Compositions ». Le rythme, le son émotionnel de la couleur, l'énergie des lignes et des taches de ses compositions picturales étaient destinés à exprimer de puissantes sensations lyriques, semblables aux sentiments éveillés par la musique, la poésie et les vues de beaux paysages. Le porteur des expériences internes dans les compositions non objectives de Kandinsky est devenu l’orchestration coloristique et compositionnelle, réalisée par des moyens picturaux - couleur, point, ligne, tache, plan, collision contrastée de taches colorées.
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Avec le déclenchement de la Première Guerre mondiale en 1914, Kandinsky rompit ses relations avec Munter et retourna dans son pays natal en passant par la Suisse, l'Italie et les Balkans. En 1917, Kandinsky épouse Nina Alekseevskaya, qu'il rencontre en 1916. Ils s'installent à Moscou, où Vassily Kandinsky s'apprête à s'immerger dans la vie russe. Kandinsky a accepté la révolution avec beaucoup d'enthousiasme, puisque les premières déclarations des dirigeants soviétiques montraient leur loyauté envers les abstractionnistes. En 1918, il devient professeur à l'Académie des Beaux-Arts de Moscou. Son autobiographie a même été publiée. En 1919, Kandinsky crée l'Institut Culture artistique et a travaillé dur pour ouvrir 22 musées à travers le pays. En 1920, Kandinsky était déjà professeur à l'Université d'État de Moscou et la même année, son exposition personnelle eut lieu à Moscou. En 1921, les autorités décidèrent de promouvoir une nouvelle direction dans l'art : le réalisme socialiste, de sorte qu'il n'y avait plus de place pour l'art abstrait en URSS. Cette année-là, Kandinsky part pour Berlin.
A cette époque, Kandinsky jouissait déjà d’une autorité importante dans le milieu artistique. En même temps, Kandinsky a toujours rêvé d’enseigner. Lorsqu'on lui propose une place à l'école du Bauhaus de Weimar en 1922, il accepte volontiers. Ses cours étaient légèrement différents de son travail de création, puisque l'école ne formait pas d'artistes au sens traditionnel du terme. Il a parlé à ses élèves de la forme, de la couleur et de la perception que l’artiste a de ce monde. En 1925, l'école déménage à Dassau, où elle enseigne les arts libres et non appliqués. Il est devenu citoyen allemand en 1928, mais lorsque les nazis sont arrivés au pouvoir en 1933, il a déménagé à Paris parce que l'école avait été fermée. Kandinsky a passé les 11 dernières années de sa vie en banlieue parisienne. En 1939, Kandinsky devient citoyen français.
Le 13 décembre 1944, Vassily Kandinsky décède à Nully-sur-Seine en France.
MALEVITCH KAZIMIR SEVERINOVITCH (1878 - 1935)
Malevitch K.S. - Peintre russe, graphiste, enseignant, théoricien de l'art, philosophe. Le fondateur de l'un des types d'art abstrait, le soi-disant suprématisme. Né dans la famille d'un directeur d'usine. Dès l'âge de 11 ans, j'ai beaucoup dessiné et peint. En 1894, il est diplômé d'une école agronomique de cinq ans. En 1895 - 1896, il étudie dans une école de dessin, puis s'installe avec sa famille à Koursk. Là, il a participé à un cercle établi d'amateurs d'art et a exercé les fonctions de dessinateur, gagnant de l'argent pour vivre et étudier à Moscou. En 1904, il vient à Moscou, où il suit brièvement des cours à l'École de peinture, de sculpture et d'architecture et à l'École Stroganov. En 1905, il retourne à Koursk et commence à peindre seul. En 1907, sa première participation, connue grâce aux catalogues, eut lieu à l'exposition de l'Association des artistes de Moscou, où, outre les œuvres de Malevitch, des peintures de V. V. Kandinsky et d'autres furent présentées.
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Malevitch a beaucoup travaillé sur les toiles d'un nouveau système de peinture, qu'il a appelé « Suprématisme » (« Carré Noir », 1913), dont il a exposé les principes dans la brochure manifeste « Du cubisme au suprématisme ». Nouveau réalisme pictural" Après la révolution de février 1917, Malevitch est élu président de la section artistique de l'Union des députés soldats de Moscou. Il a développé un projet pour la création de l'Académie populaire des arts, a été commissaire pour la protection des monuments antiques et membre de la Commission pour la protection des valeurs artistiques Kremlin. Après Révolution d'Octobre a créé les décors et les costumes pour la production de « Mystère-bouffe » de V.V. Maïakovski, a écrit travail théorique« Sur les nouveaux systèmes dans l'art », avec Chagall à Vitebsk, il a animé un atelier à Narodnaya école d'art, a participé à des expositions. En 1922, il termine le manuscrit « Suprématisme. La paix comme non-objectivité ou paix éternelle », publié en 1962 en allemand. Depuis 1922, Malevitch enseigne le dessin au département d'architecture de l'Institut des ingénieurs civils de Petrograd. En 1923, il est nommé directeur de l'Institut de recherche sur la culture de l'art contemporain. En 1926, après un article sur un pogrom dans Leningradskaya Pravda, l'institut fut liquidé et Malevitch fut licencié. En 1927, Malevitch expose ses peintures à Berlin. En 1928-1930, il enseigne à l'Institut d'art de Kiev. En 1929, cela eut lieu exposition personnelle dans l'état Galerie Tretiakov. En 1930, ses œuvres furent exposées en Autriche et en Allemagne ; il donne un cours sur la théorie de la peinture à la Maison des Arts de Leningrad. À l'automne 1930, Malevitch fut arrêté par l'OGPU, mais fut libéré début décembre. En 1931, il peint des peintures murales au Théâtre Rouge de Leningrad. En 1932, il devient chef du laboratoire expérimental du Musée national russe et participe à des expositions. Décédé des suites d'une grave maladie.
PIÈT MONDRIAN (1872-1944)
Piet Mondrian (de son vrai nom Peter Cornelis) - artiste néerlandais. Ses peintures, qui sont des combinaisons de rectangles et de lignes, sont un exemple de l'abstraction géométrique la plus rigoureuse et sans compromis du monde. peinture moderne.
Né le 7 mars 1872 à Amersfoort. Ses premières œuvres ont été écrites dans un style réaliste. En 1911, il rencontre les cubistes et leur travail commence à avoir une influence significative sur la formation du jeune artiste. Mondrian a rapidement abandonné dans ses peintures les moindres allusions à l'intrigue, à l'atmosphère, à la modélisation et à la profondeur spatiale et a progressivement limité consciemment des moyens d'expression. Mondrian a soutenu que « l’art non objectif prouve que l’art n’est ni l’expression de faits extérieurs (tels que nous les percevons) ni l’expression du processus de notre vie (que nous menons). L'art est une expression de la vraie réalité et la vraie vie. Ils ne peuvent pas être définis, mais ils peuvent être réalisés en ". En 1912-1916, il construit des compositions basées sur une grille spatiale librement construite qui remplit la toile. A cette époque, Mondrian, comme Georges Braque et Pablo Picasso à l'époque du cubisme analytique, préférait une palette de bruns et de gris.
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En 1914, l'artiste retourne en Hollande auprès de son père mourant et reste dans son pays natal pendant toute la Première Guerre mondiale, et en 1919 il repart pour Paris. A cette époque, il faisait déjà partie d'un cercle qui comprenait Theo van Doesburg, Oud, Rietveld et van Esteren. Ils étaient tous adeptes du modernisme, travaillant dans des styles proches de la peinture de Mondrian, et ont peut-être eu une certaine influence sur lui dans la transition des compositions cubistes aux formes géométriques pures des rectangles rouges, jaunes et bleus.
En 1917, Mondrian et Theo van Doesburg fondent le magazine d'avant-garde De Stijl et le groupe du même nom. La théorie esthétique qui sous-tend ce mouvement s’appelle le néoplasticisme. Conformément aux exigences du néoplasticisme, Mondrian a encore réduit son médias artistiques, en utilisant uniquement le blanc, le gris, le noir et les tons les plus intenses des couleurs primaires du spectre.
En 1920, le style de Mondrian était pleinement formé. En utilisant des lignes droites aux contours durs, il réalise des compositions asymétriques, atteignant un équilibre dynamique. En rejetant les particularités et les détails, il espérait parvenir à une expression plus claire des principes fondamentaux universels de la créativité, s’efforçant d’atteindre ce qu’il appelait « la pure réalité plastique ».
En 1940, Mondrian s'installe à New York ; deux ans plus tard, sa première exposition personnelle a lieu. Dans l'un des derniers travaux Avec l'artiste « Boogie-Woogie on Broadway » (New York, Museum of Modern Art), on a eu tendance à s'éloigner des principes classiques stricts de l'avant-garde. Dans cette œuvre, de petits carrés sont disséminés sur une grille de lignes, conférant à l’ensemble de la composition une nouvelle complexité syncope et un rythme ludique.
Mondrian est décédé à New York le 1er février 1944. Ses œuvres ont influencé de nombreuses personnes, comme Alexander Calder, Ben Nicholson, Victor Vasarely et Fritz Glarner. Un certain nombre de mouvements de l'art moderne, tels que le minimalisme et l'op art, trouvent leur origine dans l'œuvre de Mondrian et du cercle De Stijl, tout comme les formes de l'architecture moderne, de la publicité et de l'imprimerie.
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Au siècle dernier, le mouvement abstrait est devenu une véritable percée dans l'histoire de l'art, mais c'était tout à fait naturel : les gens étaient toujours à la recherche de nouvelles formes, propriétés et idées. Mais même à notre siècle, ce style d’art soulève de nombreuses questions. Qu’est-ce que l’art abstrait ? Parlons-en plus loin.
L'art abstrait dans la peinture et l'art
Dans le style abstractionnisme l'artiste utilise un langage visuel de formes, de contours, de lignes et de couleurs pour interpréter le sujet. Cela contraste avec les formes d'art traditionnelles, qui adoptent une interprétation plus littéraire du sujet, véhiculant la « réalité ». L'abstractionnisme s'éloigne le plus possible des beaux-arts classiques ; représente le monde objectif complètement différemment de la vie réelle.
L'art abstrait met au défi l'esprit de l'observateur ainsi que ses émotions - pour apprécier pleinement une œuvre d'art, l'observateur doit se libérer du besoin de comprendre ce que l'artiste essaie de dire, mais doit ressentir par lui-même l'émotion en réponse. Tous les aspects de la vie se prêtent à une interprétation à travers l'art abstrait : la foi, les peurs, les passions, les réactions à la musique ou à la nature, les calculs scientifiques et mathématiques, etc.
Ce mouvement artistique est apparu au XXe siècle, aux côtés du cubisme, du surréalisme, du dadaïsme et d’autres, bien que l’époque exacte soit inconnue. Les principaux représentants du style d'art abstrait en peinture sont considérés comme des artistes tels que Vassily Kandinsky, Robert Delaunay, Kazimir Malevich, Frantisek Kupka et Piet Mondrian. Nous parlerons plus en détail de leur créativité et de leurs peintures importantes.
Peintures d'artistes célèbres : art abstrait
Vassily Kandinsky
Kandinsky fut l'un des pionniers de l'art abstrait. Il a commencé ses recherches dans l'impressionnisme et n'est ensuite arrivé qu'au style de l'abstractionnisme. Dans son travail, il exploite la relation entre la couleur et la forme pour créer une expérience esthétique qui englobe à la fois la vision et les émotions du spectateur. Il croyait que l’abstraction complète offrait la possibilité d’une expression profonde et transcendante, et que copier la réalité ne faisait qu’interférer avec ce processus.
La peinture était profondément spirituelle pour Kandinsky. Il a essayé de transmettre la profondeur émotions humainesà travers un langage visuel universel de formes et de couleurs abstraites qui transcenderaient les frontières physiques et culturelles. Il a vu abstractionnisme comme un mode visuel idéal qui peut exprimer la « nécessité intérieure » de l'artiste et transmettre des idées et des émotions humaines. Il se considérait comme un prophète dont la mission était de partager ces idéaux avec le monde pour le bénéfice de la société.
"Composition IV" (1911)
Cachés dans des couleurs vives et des lignes noires claires, ils représentent plusieurs cosaques avec des lances, ainsi que des bateaux, des personnages et un château au sommet d'une colline. Comme beaucoup de tableaux de cette période, il imagine une bataille apocalyptique qui mènera à la paix éternelle.
Pour faciliter le développement d'un style de peinture non objectif, comme le décrit son ouvrage Sur le spirituel dans l'art (1912), Kandinsky réduit les objets à des symboles pictographiques. En supprimant la plupart des références au monde extérieur, Kandinsky exprime sa vision d'une manière plus universelle, traduisant l'essence spirituelle du sujet à travers toutes ces formes dans un langage visuel. Beaucoup de ces figures symboliques ont été répétées et affinées dans son travaux ultérieurs, devenant encore plus abstrait.
Kazimir Malevitch
Les idées de Malevitch sur la forme et le sens de l'art conduisent d'une manière ou d'une autre à se concentrer sur la théorie du style de l'art abstrait. Malevitch a travaillé avec différents styles de peinture, mais il s'est surtout concentré sur l'étude des formes géométriques pures (carrés, triangles, cercles) et de leurs relations les unes avec les autres dans l'espace pictural.
Grâce à ses contacts en Occident, Malévitch a pu transmettre ses idées sur la peinture à des amis artistes en Europe et aux États-Unis, et ainsi influencer profondément l'évolution de l'art moderne.
"Carré Noir" (1915)
Le tableau emblématique « Le Carré Noir » a été montré pour la première fois par Malevitch lors d'une exposition à Petrograd en 1915. Cette œuvre incarne les principes théoriques du suprématisme développés par Malevitch dans son essai « Du cubisme et du futurisme au suprématisme : le nouveau réalisme dans la peinture ».
Sur la toile devant le spectateur se trouve une forme abstraite sous la forme d'un carré noir dessiné sur fond blanc - c'est le seul élément de la composition. Bien que la peinture semble simple, certains éléments tels que des empreintes digitales et des coups de pinceau sont visibles à travers les couches noires de peinture.
Pour Malevitch, le carré signifie les sentiments et le blanc le vide, le néant. Il voyait le carré noir comme une présence divine, une icône, comme s'il pouvait devenir une nouvelle image sacrée pour l'art non figuratif. Même lors de l'exposition, ce tableau a été placé à l'endroit où une icône est habituellement placée dans une maison russe.
Piet Mondrian
Piet Mondrian, l'un des fondateurs du mouvement néerlandais De Stijl, est reconnu pour la pureté de ses abstractions et sa pratique méthodique. Il a simplifié assez radicalement les éléments de ses peintures afin de représenter ce qu'il a vu non pas directement, mais de manière figurative, et de créer un langage esthétique clair et universel dans ses toiles.
Dans ses tableaux les plus célèbres des années 1920, Mondrian réduit ses formes à des lignes et des rectangles et sa palette à sa plus simple expression. L'utilisation de l'équilibre asymétrique est devenue fondamentale dans le développement de l'art moderne, et ses œuvres abstraites emblématiques restent influentes dans le design et sont familières à la culture populaire d'aujourd'hui.
"L'arbre gris" (1912)
"The Grey Tree" est un exemple de la transition précoce de Mondrian vers le style abstractionnisme. Le bois tridimensionnel est réduit aux lignes et aux plans les plus simples, en utilisant uniquement des gris et des noirs.
Ce tableau fait partie d'une série d'œuvres de Mondrian créées avec une approche plus réaliste, où, par exemple, les arbres sont représentés de manière naturaliste. Alors que les œuvres ultérieures sont devenues de plus en plus abstraites, par exemple les lignes d'un arbre sont réduites jusqu'à ce que la forme de l'arbre soit à peine perceptible et secondaire à composition générale lignes verticales et horizontales.
On voit encore ici l'intérêt de Mondrian à abandonner l'organisation structurée des lignes. Cette étape fut importante pour le développement de l'abstraction pure par Mondrian.
Robert Delaunay
Delaunay fut l'un des premiers artistes du style de l'art abstrait. Son travail a influencé le développement de cette direction, basée sur la tension compositionnelle provoquée par l'opposition des couleurs. Il tombe rapidement sous l'influence coloristique néo-impressionniste et suit de très près la palette de couleurs des œuvres de style abstractionnisme. Il considérait la couleur et la lumière comme les principaux outils avec lesquels on peut influencer la réalité du monde.
En 1910, Delaunay apporte sa propre contribution au cubisme sous la forme de deux séries de peintures représentant des cathédrales et la Tour Eiffel, combinant formes cubiques, mouvements dynamiques et couleurs vives. Cette nouvelle façon d'utiliser l'harmonie des couleurs a permis de séparer ce style du cubisme orthodoxe, recevant le nom d'Orphisme, et immédiatement influencé Artistes européens. L'épouse de Delaunay, l'artiste Sonia Turk-Delone, a continué à peindre dans le même style.
"Tour Eiffel" (1911)
L'œuvre principale de Delaunay est consacrée à tour Eiffel- le célèbre symbole de la France. C'est l'un des plus impressionnants d'une série de onze tableaux consacrés à la Tour Eiffel entre 1909 et 1911. Elle est peinte en rouge vif, ce qui la distingue immédiatement de la grisaille de la ville environnante. La taille impressionnante de la toile rehausse encore la grandeur de ce bâtiment. Tel un fantôme, la tour s'élève au-dessus des maisons environnantes, en métaphoriquementébranlant les fondements mêmes de l’ordre ancien.
La peinture de Delaunay transmet ce sentiment d'optimisme sans limite, d'innocence et de fraîcheur d'une époque qui n'a pas encore connu deux guerres mondiales.
Frantisek Kupka
František Kupka est un artiste tchécoslovaque qui peint dans le style abstractionnisme, diplômé de l'Académie des Arts de Prague. En tant qu'étudiant, il peint principalement sur des thèmes patriotiques et écrit des compositions historiques. Son premières œuvresétaient plus académiques, cependant, son style a évolué au fil des années et s'est finalement orienté vers l'art abstrait. Écrites de manière très réaliste, même ses premières œuvres contenaient des thèmes et des symboles mystiques surréalistes, qui se sont poursuivis lors de l'écriture d'abstractions.
Kupka croyait que l'artiste et son œuvre participent à une activité créatrice continue, dont la nature n'est pas limitée, comme un absolu.
« Amorpha. Fugue en deux couleurs" (1907-1908)
À partir de 1907-1908, Kupka commence à peindre une série de portraits d'une jeune fille tenant un ballon à la main, comme si elle s'apprêtait à jouer ou à danser avec. Il en développe alors des images de plus en plus schématiques, et finit par recevoir une série de dessins complètement abstraits. Ils ont été réalisés dans une palette limitée de rouge, bleu, noir et blanc.
En 1912, au Salon d'Automne, une de ces œuvres abstraites est exposée publiquement pour la première fois à Paris.
Le style de l'abstraction ne perd pas sa popularité dans la peinture du 21e siècle - les amateurs d'art moderne n'hésitent pas à décorer leur maison avec un tel chef-d'œuvre, et les œuvres de ce style sont vendues aux enchères lors de diverses ventes aux enchères pour des sommes fabuleuses.
La vidéo suivante vous aidera à en apprendre encore plus sur l'abstractionnisme dans l'art :
