En musique, comme dans aucune autre forme d’art, le concept de « classique » a un contenu ambigu. Tout est relatif, et tous les succès d'hier qui ont résisté à l'épreuve du temps - qu'il s'agisse de chefs-d'œuvre de Bach, Mozart, Chopin, Prokofiev ou, disons, des Beatles - peuvent être attribués à œuvres classiques.
Que les amoureux me pardonnent musique ancienne pour le mot frivole « hit », mais de grands compositeurs écrivaient autrefois pour leurs contemporains musique populaire, sans viser du tout l’éternité.
A quoi ça sert tout ça ? À celui-là, celui-là il est important de partager le concept général musique classique et le classicisme comme direction de l'art musical.
L'ère du classicisme
Le classicisme, qui remplaça la Renaissance par plusieurs étapes, prit forme en France à la fin du XVIIe siècle, traduisant dans son art en partie un sérieux essor. monarchie absolue, en partie un changement de vision du monde du religieux au laïc.
Au XVIIIe siècle, cela commença nouveau tour développement conscience publique- Le siècle des Lumières est arrivé. Le faste du baroque, prédécesseur immédiat du classicisme, a été remplacé par un style basé sur la simplicité et le naturel.
Principes esthétiques du classicisme
L'art du classicisme est basé sur culte de la raison – rationalisme, harmonie et logique . Le nom « classicisme » à l'origine est associé au mot de langue latine– classicus, qui signifie « exemplaire ». Le modèle idéal pour les artistes de cette tendance était l’esthétique ancienne avec sa logique et son harmonie harmonieuses. Dans le classicisme, la raison l'emporte sur les sentiments, l'individualisme n'est pas le bienvenu et dans tout phénomène, les caractéristiques générales et typologiques acquièrent une importance primordiale. Chaque œuvre d’art doit être construite selon des canons stricts. L'exigence de l'ère du classicisme est l'équilibre des proportions, excluant tout ce qui est superflu et secondaire.
Le classicisme se caractérise par une division stricte en genres « haut » et « bas » . Les œuvres « hautes » sont des œuvres qui font référence à des sujets anciens et religieux, écrites dans un langage solennel (tragédie, hymne, ode). Et les genres « bas » sont les œuvres qui sont présentées dans une langue vernaculaire et reflètent la vie populaire (fable, comédie). Le mélange des genres était inacceptable.
Le classicisme en musique - Classiques viennois
Le développement d'une nouvelle culture musicale au milieu du XVIIIe siècle donne lieu à l'émergence de nombreux salons privés, sociétés musicales et orchestres, tenant concerts ouverts et des représentations d'opéra.
Capital monde musicalà cette époque, il y avait Vienne. Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart et Ludwig van Beethoven sont trois grands noms qui sont entrés dans l'histoire.
Les compositeurs de l'école viennoise maîtrisaient magistralement une variété de genres musicaux - des chansons de tous les jours aux symphonies. Un style de musique élevé, dans lequel un riche contenu figuratif s'incarne dans une forme artistique simple mais parfaite - c'est caractéristique principale la créativité Classiques viennois.
La culture musicale du classicisme, comme la littérature, ainsi que art, glorifie les actions d'une personne, ses émotions et ses sentiments, sur lesquels règne la raison. Les artistes créatifs dans leurs œuvres se caractérisent par une pensée logique, une harmonie et une clarté. La simplicité et la facilité des déclarations des compositeurs classiques pourraient paraître banales à l'oreille moderne (dans certains cas, bien sûr), si leur musique n'était pas aussi brillante.
Chacun des classiques viennois avait une personnalité brillante et unique. Haydn et Beethoven se tournaient davantage vers la musique instrumentale – sonates, concertos et symphonies. Mozart était universel en tout - il créait tout avec facilité. Il a eu une influence considérable sur le développement de l'opéra, créant et améliorant ses différents types - de l'opéra bouffe au drame musical.
En termes de préférences des compositeurs pour certaines sphères figuratives, Haydn est plus typique des esquisses objectives de genre folklorique, du pastoralisme, de la galanterie ; Beethoven est proche de l'héroïsme et du drame, ainsi que de la philosophie et, bien sûr, de la nature et d'un petit mesure, un lyrisme raffiné. Mozart couvrait peut-être toutes les sphères figuratives existantes.
Genres de classicisme musical
La culture musicale du classicisme est associée à la création de nombreux genres musique instrumentale- comme une sonate, une symphonie, un concerto. Une forme sonate-symphonique en plusieurs parties (un cycle en 4 parties) a été formée, qui est encore la base de nombreux compositions instrumentales.
A l'ère du classicisme, les principaux types ont émergé ensembles de chambre– trio, quatuor à cordes. Système développé école viennoise Les formes sont toujours d'actualité aujourd'hui - des « cloches et sifflets » modernes y sont superposés comme base.
Arrêtons-nous brièvement sur les innovations caractéristiques du classicisme.
Forme sonate
Le genre sonate existait déjà début XVII siècle, mais la forme sonate s'est finalement formée dans les œuvres de Haydn et de Mozart, et Beethoven l'a perfectionnée et a même commencé à briser les canons stricts du genre.
La forme sonate classique repose sur l'opposition de deux thèmes (souvent contrastés, parfois contradictoires) - le principal et le secondaire - et leur développement.
La forme sonate comprend 3 sections principales :
- Première section - exposition(réalisant les thèmes principaux),
- deuxième - développement(développement et comparaison de sujets)
- et le troisième - reprise(une répétition modifiée d'une exposition, dans laquelle il y a généralement une convergence tonale de thèmes précédemment opposés).
En règle générale, les premières parties rapides d'une sonate ou cycle symphonique, c’est pourquoi le nom de sonate allegro leur a été attribué.
Cycle sonate-symphonique
Dans la structure, la logique de l'enchaînement des mouvements, des symphonies et des sonates est très similaire, d'où Nom commun leur totalité forme musicale– cycle sonate-symphonique.
Une symphonie classique se compose presque toujours de 4 mouvements :
- I – partie active rapide dans sa forme traditionnelle de sonate allegro ;
- II – partie lente (sa forme, en règle générale, n'est pas strictement réglementée - des variations sont ici possibles, et un complexe en trois parties ou forme simple, et sonates rondo et forme sonate lente);
- III – menuet (parfois scherzo), ce qu'on appelle le mouvement de genre – presque toujours de forme complexe à trois voix ;
- IV est le mouvement rapide final et final, pour lequel la forme sonate a également souvent été choisie, parfois la forme rondo ou rondo sonate.
Concert
Le nom du concert en tant que genre vient de mot latin concertare – « compétition ». Il s'agit d'une pièce pour orchestre et instrument soliste. Concert instrumental, créée à la Renaissance et qui connut un développement tout simplement grandiose dans l'œuvre des classiques viennois, acquit une forme sonate-symphonique.
Quatuor à cordes
La composition d'un quatuor à cordes comprend généralement deux violons, un alto et un violoncelle. La forme du quatuor, semblable au cycle sonate-symphonique, était déjà déterminée par Haydn. Mozart et Beethoven ont également apporté de grandes contributions et ont ouvert la voie à la poursuite du développement ce genre.
La culture musicale du classicisme est devenue une sorte de « berceau » pour le quatuor à cordes ; dans les temps ultérieurs et à ce jour, les compositeurs ne cessent d'écrire de plus en plus de nouvelles œuvres dans le genre du concert - ce type d'œuvre est devenu si demandé.
Musique du classicisme étonnamment combine la simplicité et la clarté externes avec un contenu interne profond, qui n'est pas étranger à des sentiments forts et le drame. Le classicisme, par ailleurs, est le style d'une certaine époque historique, et ce style n'est pas oublié, mais a des liens sérieux avec la musique de notre temps (néoclassicisme, polystylistique).
Détails Catégorie : Variété de styles et de mouvements dans l'art et leurs caractéristiques Publié le 05/03/2015 10:28 Vues : 10115"Classe!" - nous parlons de ce qui nous suscite de l'admiration ou correspond à notre appréciation positive d'un objet ou d'un phénomène.
Traduit du latin le mot classique et signifie « exemplaire ».
Classicismenommé le style artistique et direction esthétique V culture européenne XVII-XIX siècles
Et comme échantillon ? Le classicisme a développé des canons selon lesquels toute œuvre d'art doit être construite. Canon- c'est une certaine norme, un ensemble techniques artistiques ou des règles obligatoires à une certaine époque.
Le classicisme est un mouvement artistique strict ; il ne s'intéressait qu'aux signes ou manifestations essentiels, éternels, accidentels ;
En ce sens, le classicisme remplissait les fonctions éducatives de l’art.
Bâtiments du Sénat et du Synode à Saint-Pétersbourg. Architecte K. Rossi
Est-ce bien ou mal quand il y a des canons en art ? Quand est-il possible de faire cela et rien d’autre ? Ne vous précipitez pas vers une conclusion négative ! Les canons permettaient de rationaliser le travail d'un certain type d'art, de donner une direction, de montrer des exemples et de balayer tout ce qui est insignifiant et peu profond.
Mais les canons ne peuvent pas être un guide éternel et immuable de la créativité : à un moment donné, ils deviennent obsolètes. C'est ce qui s'est passé au début du XXe siècle. dans les arts visuels et dans la musique : des normes enracinées depuis plusieurs siècles sont devenues obsolètes et déchirées.
Cependant, nous avons déjà pris de l’avance. Revenons au classicisme et examinons de plus près la hiérarchie des genres du classicisme. Disons simplement que le classicisme en tant que mouvement spécifique s'est formé en France au XVIIe siècle. Fonctionnalité classicisme français c'est qu'il affirmait la personnalité de l'homme comme la valeur la plus élevée de l'existence. À bien des égards, le classicisme s’appuyait sur l’art ancien, y voyant un modèle esthétique idéal.
Hiérarchie des genres du classicisme
Le classicisme a établi une hiérarchie stricte de genres, divisés en hauts et bas. Chaque genre possède certaines caractéristiques qu’il ne faut pas mélanger.
Considérons la hiérarchie des genres à l'aide d'exemples de différents types d'art.
Littérature
Nicolas Boileau est considéré comme le plus grand théoricien du classicisme, mais le fondateur est François Malherbe, qui a procédé à une réforme de la langue et du vers français et développé des canons poétiques. N. Boileau a exprimé son point de vue sur la théorie du classicisme dans le traité poétique « Art poétique ».
Buste de Nicolas Boileau par F. Girardon. Paris, Persienne
En dramaturgie, il fallait observer trois unités: unité de temps (l'action doit se dérouler dans la journée), unité de lieu (en un seul lieu) et unité d'action (il doit y en avoir un scénario). Les principaux représentants du classicisme dramatique étaient les tragédiens français Corneille et Racine. L'idée principale de leur travail était le conflit entre le devoir public et les passions personnelles.
Le but du classicisme est de changer le monde pour le mieux.
En Russie
En Russie, l'émergence et le développement du classicisme sont principalement associés au nom de M.V. Lomonossov.
M. V. Lomonossov au monument « 1000e anniversaire de la Russie » à Veliky Novgorod. Sculpteurs M.O. Mikeshin, I.N. Schroeder, architecte V.A. Hartmann
Il procède à une réforme du vers russe et développe la théorie des « trois calmes ».
« Théorie des trois calmes » M.V. Lomonossov
La doctrine des trois styles, c'est-à-dire la classification des styles en rhétorique et en poétique, distinguant les styles haut, moyen et bas (simple), est connue depuis longtemps. Il était utilisé dans la littérature romaine antique, médiévale et européenne moderne.
Mais Lomonossov a utilisé la doctrine des trois styles pour construire un système stylistique Langue russe et littérature russe. Trois « styles » selon Lomonossov :
1. Grand – solennel, majestueux. Genres : ode, poèmes héroïques, la tragédie.
2. Intermédiaire – élégies, drames, satires, églogues, essais amicaux.
3. Low - comédies, lettres, chansons, fables.
Le classicisme en Russie s'est développé sous l'influence des Lumières : les idées d'égalité et de justice. Par conséquent, dans le classicisme russe, on supposait généralement une évaluation obligatoire de la réalité historique par l'auteur. On retrouve cela dans les comédies de D.I. Fonvizin, satires d'A.D. Kantemir, fables d'A.P. Sumarokova, I.I. Khemnitser, ode M.V. Lomonosov, G.R. Derjavina.
Fin du XVIIIe siècle. la tendance à voir dans l'art force principaleéducation humaine. À cet égard, le mouvement littéraire sentimentalisme a émergé, dans lequel le sentiment (et non la raison) était déclaré comme l'élément principal de la nature humaine. écrivain français Jean-Jacques Rousseau appelait à être plus proche de la nature et du naturel. Cet appel a été suivi par l'écrivain russe N.M. Karamzine – souvenons-nous de son fameux « Pauvre Liza » !
Mais des œuvres allant dans le sens du classicisme ont également été créées au XIXe siècle. Par exemple, « Woe from Wit » d'A.S. Griboïedova. Bien que cette comédie contienne déjà des éléments de romantisme et de réalisme.
Peinture
Puisque la définition du « classicisme » est traduite par « exemplaire », alors une sorte d'exemple lui est naturel. Et les partisans du classicisme l'ont vu Art ancien. C'était l'exemple le plus élevé. On s'appuie également sur les traditions de la Haute Renaissance, qui trouve également son modèle dans l'Antiquité. L'art du classicisme reflétait les idées d'une structure harmonieuse de la société, mais reflétait les conflits entre l'individu et la société, l'idéal et la réalité, les sentiments et la raison, qui indiquent la complexité de l'art du classicisme.
Les formes artistiques du classicisme se caractérisent par une organisation stricte, l'équilibre, la clarté et l'harmonie des images. L'intrigue doit se développer logiquement, la composition de l'intrigue doit être claire et équilibrée, le volume doit être clair, le rôle de la couleur doit être subordonné à l'aide du clair-obscur et à l'utilisation de couleurs locales. C'est par exemple ce qu'écrit N. Poussin.
Nicolas Poussin (1594-1665)
N. Poussin «Autoportrait» (1649)
Artiste français qui est à l'origine de la peinture classiciste. Presque toutes ses peintures ont été créées sur des sujets historiques et mythologiques. Ses compositions sont toujours claires et rythmées.
N. Poussin « Danse sur la musique du temps » (vers 1638)
Le tableau représente une ronde allégorique de la vie. Encerclant (de gauche à droite) : Plaisir, Diligence, Richesse, Pauvreté. À côté de la statue en pierre à deux têtes du dieu romain Janus est assis un bébé, laissant bulle– symbole d’écoulement rapide vie humaine. Le jeune visage de Janus aux deux visages regarde vers l'avenir, et le vieux visage regarde vers le passé. Le vieil homme ailé à la barbe grise, sur la musique duquel tourne la danse en rond, est Father Time. A ses pieds est assis un bébé qui tient Sablier, rappelant le mouvement rapide du temps.
Le char du dieu solaire Apollon s'élance dans le ciel, accompagné des déesses des saisons. Aurore, déesse de l'aube, vole devant le char, dispersant des fleurs sur son passage.
V. Borovikovsky « Portrait de G.R. Derjavine" (1795)
V. Borovikovsky « Portrait de G.R. Derjavin", Galerie nationale Tretiakov
L'artiste a capturé dans le portrait un homme qu'il connaissait bien et dont il appréciait l'opinion. C'est traditionnel pour le classicisme portrait de cérémonie. Derjavin – sénateur, membre Académie russe, homme d'État, son uniforme et ses récompenses en parlent.
Mais en même temps, il est aussi un poète renommé, passionné par la créativité, les idéaux éducatifs et la vie sociale. Ceci est indiqué par un bureau jonché de manuscrits ; ensemble d'encres de luxe; étagères avec des livres en arrière-plan.
L'image de G. R. Derzhavin est reconnaissable. Mais son monde intérieur n'est pas montré. Les idées de Rousseau, déjà activement débattues dans la société, ne sont pas encore apparues dans les travaux de V. Borovikovsky, cela arrivera plus tard.
Dans le 19ème siècle La peinture classique entre dans une période de crise et devient un frein au développement de l’art. Les artistes, préservant le langage du classicisme, commencent à se tourner vers histoires romantiques. Parmi les artistes russes, c'est avant tout Karl Bryullov. Son travail s'est produit à une époque où les œuvres de forme classique étaient remplies de l'esprit du romantisme ; cette combinaison s'appelait l'académisme. Au milieu du 19ème siècle. La jeune génération, attirée par le réalisme, commence à se rebeller, représentée en France par le cercle Courbet et en Russie par les Vagabonds.
Sculpture
La sculpture de l’ère du classicisme considérait également l’Antiquité comme modèle. Cela a également été facilité par les fouilles archéologiques des villes anciennes, à la suite desquelles de nombreuses sculptures hellénistiques sont devenues connues.
Le classicisme atteint sa plus haute incarnation dans les œuvres d'Antonio Canova.
Antonio Canova (1757-1822)
A. Canova «Autoportrait» (1792)
Sculpteur italien, représentant du classicisme en sculpture européenne. Le plus grandes réunions ses œuvres se trouvent au Louvre de Paris et à l'Ermitage de Saint-Pétersbourg.
A. Canova « Les Trois Grâces ». Saint-Pétersbourg, Ermitage
Le groupe de sculptures "Trois Grâces" appartient à période tardive créativité d'Antonio Canova. Le sculpteur a incarné ses idées sur la beauté dans les images des Grâces - d'anciennes déesses personnifiant la beauté et le charme féminins. La composition de cette sculpture est inhabituelle : les grâces se tiennent côte à côte, les deux les plus extérieures se font face (et non au spectateur) et l'ami se tient au centre. Tous les trois sont minces figures féminines fusionnés dans une étreinte, ils sont unis par un enchevêtrement de mains et un foulard tombant de la main d'une des grâces. La composition de Canova est compacte et équilibrée.
En Russie, l'esthétique du classicisme inclut Fedot Shubin, Mikhail Kozlovsky, Boris Orlovsky, Ivan Martos.
Fedot Ivanovitch Choubine(1740-1805) travaillait principalement le marbre, se tournant parfois vers le bronze. La plupart de ses portraits sculpturaux sont exécutés sous forme de bustes : bustes du vice-chancelier A. M. Golitsyn, du comte P. A. Rumyantsev-Zadunaisky, Potemkin-Tavrichesky, M. V. Lomonossov, Paul Ier, P. V. Zavadovsky, une statue de Catherine II -législateurs et autres.
F. Shubin. Buste de Paul Ier
Shubin est également connu comme décorateur ; il a créé 58 portraits historiques en marbre pour le palais de Chesme, 42 sculptures pour le palais de marbre, etc. Il était également un maître sculpteur d'os sculptés de Kholmogory.
À l'ère du classicisme, les monuments publics dans lesquels la valeur militaire et la sagesse étaient idéalisées se sont généralisés. hommes d'État. Mais dans la tradition ancienne, il était d'usage de représenter les modèles nus, mais les normes morales modernes du classicisme ne le permettaient pas. C'est pourquoi les personnages ont commencé à être représentés sous la forme d'anciens dieux nus : par exemple, Suvorov - sous la forme de Mars. Plus tard, ils ont commencé à être représentés dans des toges antiques.
Monument à Koutouzov à Saint-Pétersbourg devant la cathédrale de Kazan. Sculpteur B.I. Orlovsky, architecte K.A. Ton
Le classicisme de l'Empire tardif est représenté par le sculpteur danois Bertel Thorvaldsen.
B. Thorvaldsen. Monument à Nicolas Copernic à Varsovie
Architecture
L'architecture du classicisme s'est également concentrée sur les formes de l'architecture ancienne comme normes d'harmonie, de simplicité, de rigueur, de clarté logique et de monumentalité. Base langage architectural le classicisme devient un ordre, dans des proportions et des formes proches de l'Antiquité. Commande– un type de composition architecturale qui utilise certains éléments. Comprend un système de proportions, prescrit la composition et la forme des éléments, ainsi que leur position relative. Le classicisme se caractérise par des compositions axiales symétriques, une décoration sobre et un système régulier d'urbanisme.
Manoir londonien d'Osterley Park. Architecte Robert Adam
En Russie, les représentants du classicisme en architecture étaient V.I. Bajenov, Karl Rossi, Andrey Voronikhin et Andreyan Zakharov.
Carl Bartalomeo-Rossi (1775-1849) – architecte russe d'origine italienne, auteur de nombreux bâtiments et ensembles architecturaux à Saint-Pétersbourg et ses environs.
Les compétences architecturales et urbanistiques exceptionnelles de la Russie s'incarnent dans les ensembles du palais Mikhaïlovski avec le jardin et la place adjacents (1819-1825), Place du Palais avec le grandiose bâtiment voûté de l'état-major général et arc de Triomphe (1819-1829), Place du Sénat avec les bâtiments du Sénat et du Synode (1829-1834), place Alexandrinskaya avec les bâtiments Théâtre Alexandrinsky(1827-1832), le nouveau bâtiment de la Bibliothèque publique impériale et deux bâtiments agrandis homogènes de la rue Teatralnaya (aujourd'hui rue de l'architecte Rossi).
Le bâtiment de l'état-major sur la place du Palais
Musique
Le concept de classicisme en musique est associé aux œuvres de Haydn, Mozart et Beethoven, appelées les classiques viennois. Ce sont eux qui ont déterminé l'orientation du développement ultérieur de la musique européenne.
Thomas Hardy "Portrait de Joseph Haydn" (1792)
Barbara Kraft "Portrait posthume de Wolfgang Amadeus Mozart" (1819)
Karl Stieler "Portrait de Ludwig van Beethoven" (1820)
L'esthétique du classicisme, fondée sur la confiance dans la rationalité et l'harmonie de l'ordre mondial, incarnait ces mêmes principes dans la musique. Ce qu'on lui demandait était : l'équilibre des parties de l'œuvre, une finition soignée des détails, le développement des canons de base de la forme musicale. Au cours de cette période, la forme sonate fut finalement formée et la composition classique des parties de sonate et de symphonie fut déterminée.
Bien entendu, le chemin de la musique vers le classicisme n’a pas été simple ni sans ambiguïté. Il y a eu la première étape du classicisme - la Renaissance du XVIIe siècle. Certains musicologues considèrent même la période baroque comme une manifestation particulière du classicisme. Ainsi, l'œuvre d'I.S. peut également être classée comme classicisme. Bach, G. Handel, K. Gluck avec ses opéras réformateurs. Mais les plus hautes réalisations du classicisme musical sont toujours associées aux travaux des représentants de l'école classique viennoise : J. Haydn, W. A. Mozart et L. van Beethoven.
Note
Il faut distinguer les concepts "musique du classicisme" Et "musique classique". Le concept de « musique classique » est beaucoup plus large. Elle comprend non seulement la musique de l’époque classique, mais aussi la musique du passé en général, qui a résisté à l’épreuve du temps et est reconnue comme exemplaire.
La littérature de l’époque de Pierre le Grand rappelle à bien des égards la littérature du siècle dernier. De nouvelles idées étaient exprimées dans une langue ancienne - dans des sermons religieux, des pièces de théâtre scolaires, des histoires manuscrites. Ce n'est que dans les années 30 et 40 qu'il a été complètement révélé dans la littérature russe. nouvelle page- le classicisme. Cependant, comme la littérature de l’époque de Pierre le Grand, l’œuvre des écrivains classiques (Kantemir, Sumarokov et autres) est étroitement liée à la littérature actuelle. vie politique des pays.
Le classicisme est apparu dans la littérature russe plus tard que dans la littérature d'Europe occidentale. Il était étroitement associé aux idées des Lumières européennes, telles que : l'établissement de lois fermes et justes s'imposant à tous, l'illumination et l'éducation de la nation, le désir de pénétrer les secrets de l'univers, l'affirmation de l'égalité des personnes. de toutes les classes, la reconnaissance de la valeur de la personne humaine quelle que soit sa position dans la société.
Le classicisme russe se caractérise également par un système de genres, un appel à l'esprit humain et des conventions. images artistiques. Il était important de reconnaître le rôle décisif du monarque éclairé. L'idéal d'un tel monarque pour le classicisme russe était Pierre le Grand.
Après la mort de Pierre le Grand en 1725, une réelle possibilité s'est présentée de freiner les réformes et de revenir à l'ancien mode de vie et de gouvernement. Tout ce qui constituait l’avenir de la Russie était en danger : la science, l’éducation, le devoir de citoyen. C'est pourquoi la satire est particulièrement caractéristique du classicisme russe.
La plus importante des premières figures de la nouvelle ère littéraire écrivant dans ce genre fut le prince Antioche Dmitrievitch Cantemir (1708-1744). Son père, un aristocrate moldave influent, était. un écrivain célèbre et un historien. Le prince Antiochus lui-même, bien que, dans sa modestie d'écrivain, ait qualifié son esprit de « fruit immature d'une science éphémère », était en fait un homme très instruit selon les normes européennes les plus élevées. Latin, français et poésie italienne il le savait parfaitement. En Russie, ses amis étaient l'archevêque Feofan Prokopovich et l'historien V.N. Tatishchev. Pendant les douze dernières années de sa vie, Cantemir fut envoyé à Londres et à Paris.
Dès sa jeunesse, Antiochus souhaitait voir la société noble qui l'entourait instruite, libre de préjugés. Il considérait que suivre les anciennes normes et coutumes était un préjugé.
Cantemir est mieux connu comme l'auteur de neuf satires. Ils exposent divers vices, mais les principaux ennemis du poète sont le saint et le fainéant - le dandy. Ils sont exposés dans les lignes de la première satire « De ceux qui blasphèment l’enseignement ». Dans la deuxième satire, « De l'envie et de la fierté des nobles maléfiques », le fainéant bon à rien Eugène est présenté. Il dilapide la fortune de ses ancêtres en enfilant une camisole valant tout un village, et en même temps il envie le succès des gens ordinaires qui ont réussi rangs élevés par ses services au roi.
L'idée de l'égalité naturelle des personnes est l'une des idées les plus audacieuses de la littérature de cette époque. Cantemir croyait qu'il était nécessaire d'éduquer la noblesse afin d'éviter que le noble ne descende à l'état de paysan non éclairé :
"Ça ne sert à rien de t'appeler fils du roi,
Si vous ne différez pas d'une disposition vile de celle d'un chien. "
Kantemir a spécifiquement consacré une de ses satires à l'éducation :
"L'essentiel de l'éducation est que
Pour que le cœur, ayant chassé les passions, mûrisse
Établir de bonnes mœurs pour qu'à travers cela cela soit utile
Votre fils était une aubaine pour la patrie, gentil avec les gens et toujours le bienvenu. "
Cantemir a également écrit dans d'autres genres. Parmi ses œuvres, il y a les « hautes » (odes, poèmes), « moyennes » (satires, lettres poétiques et chansons) et « basses » (fables). Il a essayé de trouver des moyens dans la langue d'écrire différemment dans différents genres. Mais ces fonds ne lui suffisaient toujours pas. La nouvelle langue littéraire russe n’était pas établie. La différence entre une syllabe « haute » et une syllabe « basse » n'était pas tout à fait claire. Le style de Cantemir est coloré. Il écrit dans de longues phrases, construites selon le modèle latin, avec des changements syntaxiques brusques ; il n'y a aucune crainte que les limites des phrases coïncident avec les limites du vers ; Il est très difficile de lire ses œuvres.
Suivant un représentant éminent Le classicisme russe, dont le nom est connu de tous sans exception, est M.V. Lomonossov (1711-1765). Lomonossov, contrairement à Kantemir, ridiculise rarement les ennemis des Lumières. Dans ses odes solennelles, le principe « affirmatif » prévalait. Le poète glorifie les succès de la Russie sur les champs de bataille, dans le commerce pacifique, dans les sciences et les arts.
"Notre littérature commence avec Lomonosov... il en était le père, c'est Pierre le Grand." C’est ainsi que V.G. a déterminé la place et l’importance de l’œuvre de Mikhaïl Vassilievitch Lomonossov pour la littérature russe. Belinsky.
M.V. est né. Lomonossov près de la ville de Kholmogory, sur les rives de la Dvina du Nord, dans la famille d'un paysan riche mais analphabète engagé dans la navigation. Le garçon ressentait un tel besoin d'apprendre qu'à l'âge de 12 ans, il marchait de son village natal à Moscou. Le poète N. Nekrassov nous a raconté « comment l’homme d’Arkhangelsk, par sa propre volonté et celle de Dieu, est devenu intelligent et grand ».
À Moscou, Mikhail est entré à l'Académie slave-grec-latine et, malgré le fait qu'il vivait dans le besoin, il a brillamment obtenu son diplôme. Parmi les meilleurs diplômés de l'Académie, Lomonosov fut envoyé étudier à Saint-Pétersbourg, puis, en 1736, en Allemagne. Là, Lomonossov a suivi un cours dans toutes les sciences, tant mathématiques que verbales. En 1741, Mikhaïl Vassilievitch retourna en Russie, où il servit à l'Académie des sciences jusqu'à la fin de sa vie. Il était patronné par le comte I.I. Chouvalov, bien-aimé de l'impératrice Elisabeth. Par conséquent, Lomonossov lui-même était en faveur, ce qui lui a permis de véritablement déployer ses talents. Il a fait beaucoup travaux scientifiques. En 1755, selon sa proposition et son plan, l'Université de Moscou fut ouverte. Les fonctions officielles de Lomonossov comprenaient également la composition de poèmes pour les vacances de la cour, et la plupart de ses odes étaient écrites à de telles occasions.
« Paysan d'Arkhangelsk », la première des figures de la culture russe à conquérir renommée mondiale, l'un des éducateurs les plus remarquables et l'homme le plus éclairé de son temps, l'un des plus grands scientifiques du XVIIIe siècle, le merveilleux poète Lomonosov est devenu un réformateur de la versification russe.
En 1757, le scientifique écrivit une préface aux ouvrages rassemblés « Sur l'utilisation des livres paroissiaux dans langue russe», dans lequel il expose la célèbre théorie des « trois calmes », que Lomonossov avance comme base. langue littéraire langue nationale. Dans la langue russe, selon Lomonossov, les mots selon leur coloration stylistique peuvent être divisés en plusieurs genres. Au premier, il a inclus le vocabulaire du slave d'Église et du russe, au second - familier des livres et des mots slaves d'Église compréhensibles, mais rares dans la langue parlée, au troisième - des mots de discours vivant qui ne figurent pas dans les livres d'église. Un groupe distinct était constitué de gens ordinaires, qui ne pouvaient être utilisés que dans une mesure limitée dans les écrits. Lomonossov exclut presque complètement de l'écriture littéraire les mots slaves d'Église obsolètes, les vulgarismes et les barbarismes empruntés de manière inappropriée aux langues étrangères.
En fonction du mélange quantitatif de mots de trois sortes, l'un ou l'autre style est créé. C'est ainsi que se sont développés les « trois calmes » de la poésie russe : « élevé » - mots slaves de l'Église et russe,
"médiocre" (moyen) - mots russes avec un petit mélange de mots slaves de l'Église, "bas" - mots russes de la langue familière avec l'ajout de mots courants et un petit nombre de mots slaves de l'Église.
Chaque style a ses propres genres : « haut » - poèmes héroïques, odes, tragédies, « moyen » - drames, satires, lettres amicales, élégies, « bas » - comédies, épigrammes, chansons, fables. Une distinction aussi claire, très simple en théorie, a conduit en pratique à l'isolement des genres élevés.
Lomonosov lui-même a écrit principalement dans des genres « élevés ».
Ainsi, « Ode le jour de l'accession au trône de l'impératrice Elizabeth Petrovna, 1747 » est écrite dans un « grand calme » et glorifie la fille de Pierre le Grand. Après avoir rendu hommage aux vertus de l'impératrice, à sa « voix douce », à son « visage aimable et beau » et à son désir de « développer la science », le poète commence à parler de son père, qu'il appelle « un homme tel qu'il n'y en a pas eu ». entendu parler depuis des lustres. Pierre est l'idéal d'un monarque éclairé qui consacre toutes ses forces à son peuple et à son État. L'ode de Lomonossov donne une image de la Russie avec ses vastes étendues et ses énormes richesses. C’est ainsi qu’apparaît le thème de la patrie et de son service, le thème principal de l’œuvre de Lomonossov. Le thème de la science et de la connaissance de la nature est étroitement lié à ce sujet. Il se termine par un hymne à la science, un appel aux jeunes hommes à oser pour la gloire de la terre russe. Ainsi, les idéaux éducatifs du poète ont trouvé leur expression dans « l’Ode de 1747 ».
"Les sciences nourrissent la jeunesse,
La joie est servie aux vieux,
DANS une vie heureuse décorer,
En cas d'accident, ils s'en occupent ;
Il y a de la joie dans les problèmes à la maison
Et les longs voyages ne sont pas un obstacle.
La science est utilisée partout
Parmi les nations et dans le désert,
Dans le bruit de la ville et seul,
Doux au calme et au travail."
La foi dans l'esprit humain, le désir de connaître les « secrets de nombreux mondes », d'accéder à l'essence des phénomènes à travers le « petit signe des choses » - tels sont les thèmes des poèmes « Réflexion du soir », « Deux astronomes se sont produits ensemble lors d’un festin… ».
Pour que le pays profite, il faut non seulement un travail acharné, mais aussi une éducation, dit Lomonossov. Il écrit sur « la beauté et l’importance de l’enseignement » qui fait d’une personne un créateur. « Utilisez votre propre raison », exhorte-t-il dans le poème « Écoutez, je demande »….
Sous Catherine II, l’absolutisme russe a acquis une puissance sans précédent. La noblesse reçut des privilèges inouïs, la Russie devint l'une des premières puissances mondiales. Le renforcement du servage devint la principale cause de la guerre paysanne de 1773-1775, sous la direction d'E.I. Pougatcheva
Contrairement au classicisme européen, le classicisme russe est plus étroitement lié au traditions folkloriques et l'art populaire oral. Il utilise souvent des éléments de l’histoire russe plutôt que de l’Antiquité.
Gabriel Romanovich Derzhavin était le dernier des plus grands représentants du classicisme russe. Il est né le 3 juillet 1743 dans la famille d'un petit noble de Kazan. La fortune entière de la famille Derzhavin se composait d'une douzaine d'âmes de serfs. La pauvreté a empêché le futur poète de recevoir une éducation. Ce n'est qu'à l'âge de seize ans qu'il put entrer au gymnase de Kazan, et même alors, il n'y étudia que peu de temps. En 1762, Gabriel Derjavin fut appelé à service militaire. Ici aussi, la pauvreté a eu son effet : contrairement à la plupart des mineurs nobles, il a été contraint de commencer à servir comme soldat et n'a reçu que dix ans plus tard le grade d'officier. Dans ces années-là, il était déjà poète. N'est-ce pas une étrange combinaison : privé armée tsariste et un poète ? Mais le fait d'être dans un environnement de soldat plutôt que d'officier a permis à Derjavin de s'imprégner de ce qu'on appelle l'esprit du peuple russe. Il était particulièrement respecté par les soldats ; des conversations intimes avec des paysans russes lui ont appris à percevoir les besoins et le chagrin du peuple comme un problème d'État. La renommée n'est venue à Derjavine qu'à l'âge de quarante ans, en 1783, lorsque Catherine II a lu son « Ode à la sage princesse kirghize-Kaisat Felitsa ». Peu de temps auparavant, dans un conte moral, Catherine se présentait sous le nom de princesse Felitsa. Le poète s'adresse à la princesse Felitsa, et non à l'impératrice :
Vous n'offenserez tout simplement pas le seul,
N'insulte personne
Tu vois la bêtise à travers tes doigts,
La seule chose que vous ne pouvez pas tolérer, c’est le mal ;
Tu corriges les méfaits avec indulgence,
Comme un loup, tu n'écrases pas les gens,
Vous connaissez tout de suite leur prix.
Les plus grands éloges sont donnés aux plus ordinaires langue parlée. L’auteur se présente comme un « murza paresseux ». Dans ces strophes moqueuses, les lecteurs discernaient des allusions très caustiques aux nobles les plus puissants :
Puis, ayant rêvé que j'étais un sultan,
Je terrifie l'univers avec mon regard,
Puis soudain, séduit par la tenue,
Je pars chez le tailleur pour un caftan.
C’est ainsi qu’est décrit le tout-puissant favori de Catherine, le prince Potemkine. Selon les règles de l'étiquette littéraire, tout cela était impensable. Derjavin lui-même avait peur de son insolence, mais l'impératrice aimait l'ode. L'auteur est immédiatement devenu poète célèbre et tomba en faveur à la cour.
Catherine a répété à plusieurs reprises à Derjavin qu'elle attendait de lui de nouvelles odes dans l'esprit de "Felitsa". Cependant, Derjavin fut profondément déçu lorsqu'il vit de près la vie de la cour de Catherine II. Sous une forme allégorique, le poète montre ses sentiments qu'il éprouve dans la vie de cour dans le petit poème « À l'oiseau ».
Et bien, serrez-le avec votre main.
La pauvrette couine au lieu de siffler,
Et ils n’arrêtent pas de lui dire : « Chante, oiseau, chante ! »
Il fut favorisé par Catherine II - Felitsa - et fut bientôt nommé au poste de gouverneur de la province des Olonets. Mais la carrière bureaucratique de Derjavin, bien qu’il n’ait pas été abandonné par la faveur royale et ait obtenu plus d’un poste, n’a pas fonctionné. La raison en était l’honnêteté et la franchise de Derjavin, son zèle réel, et non traditionnellement feint, pour le bien de la Patrie. Par exemple, Alexandre Ier a nommé Derjavin ministre de la Justice, mais l'a ensuite retiré des affaires, expliquant sa décision par l'inadmissibilité d'un tel « service zélé ». Renommée littéraire et la fonction publique a fait de Derjavin un homme riche. Il passa ses dernières années dans la paix et la prospérité, vivant alternativement à Saint-Pétersbourg et dans son propre domaine près de Novgorod. L'œuvre la plus brillante Derjavin est devenu la « Felitsa » qui l'a rendu célèbre. Il combine deux genres : l'ode et la satire. Ce phénomène était véritablement révolutionnaire pour la littérature de l'ère du classicisme, car, selon la théorie classique des genres littéraires, l'ode et la satire appartenaient à des « calmes » différents, et leur mélange était inacceptable. Cependant, Derzhavin a réussi à combiner non seulement les thèmes de ces deux genres, mais aussi le vocabulaire : « Felitsa » combine organiquement les mots de « grand calme » et de langue vernaculaire. Ainsi, Gabriel Derzhavin, qui a pleinement développé les possibilités du classicisme dans ses œuvres, est devenu simultanément le premier poète russe à surmonter les canons classiques.
Au cours de la seconde moitié du XVIIIe siècle, parallèlement au classicisme, d’autres mouvements littéraires se sont formés. À l'époque où le classicisme dominait mouvement littéraire, la personnalité se manifeste principalement dans service publique. À la fin du siècle, une vision de la valeur de l’individu s’était formée. "L'homme est riche de ses sentiments."
Le terme « classique » en musique est principalement utilisé pour définir une musique sérieuse et artistique, c'est-à-dire musique qui n'est pas folk, populaire, jazz, rock, etc. Mais il existe aussi une période « classique » dans l’histoire de la musique, appelée classicisme.
L'ÈRE DU CLASSICISME - Le classicisme, qui a remplacé la Renaissance en plusieurs étapes, a pris forme en France à la fin du XVIIe siècle, reflétant dans son art en partie la montée sérieuse de la monarchie absolue, en partie le changement de vision du monde du religieux au laïc. Au XVIIIe siècle, un nouveau cycle de développement de la conscience sociale a commencé : le siècle des Lumières a commencé. La pompe et la grandeur du baroque, prédécesseur immédiat du classicisme, ont été remplacées par un style basé sur la simplicité et le naturel. L'art du classicisme repose sur le culte de la raison - rationalisme, harmonie et logique. Le nom « classicisme » est à l'origine associé au mot latin classicus, qui signifie « exemplaire ». Le modèle idéal pour les artistes de cette tendance était l’esthétique ancienne avec sa logique et son harmonie harmonieuses. Dans le classicisme, la raison l'emporte sur les sentiments, l'individualisme n'est pas le bienvenu et dans tout phénomène, les caractéristiques générales et typologiques acquièrent une importance primordiale. Chaque œuvre d’art doit être construite selon des canons stricts. L'exigence de l'ère du classicisme est devenue l'équilibre des proportions, excluant tout ce qui est superflu et secondaire. Le classicisme se caractérise par une division stricte en genres « élevés » et « bas ». Les œuvres « hautes » sont des œuvres qui font référence à des sujets anciens et religieux, écrites dans un langage solennel (tragédie, hymne, ode). Et les genres « bas » sont les œuvres qui sont présentées dans une langue vernaculaire et reflètent la vie populaire (fable, comédie). Le mélange des genres était inacceptable.
CLASSICISME EN MUSIQUE - CLASSIQUES DE VIENNE
Le développement d'une nouvelle culture musicale au milieu du XVIIIe siècle a donné lieu à l'émergence de nombreux salons privés, sociétés musicales et orchestres, ainsi qu'à l'organisation de concerts ouverts et de représentations d'opéra. La capitale du monde de la musique à cette époque était Vienne. Les compositeurs les plus éminents du classicisme étaient les grands Autrichiens - Joseph Haydn et Wolfgang Amadeus Mozart. Haydn a créé une fantastique musique chorale, lyrique, orchestrale et instrumentale, mais sa plus grande réussite fut ses symphonies, dont il a écrit plus d'une centaine.
Mozart- le compositeur le plus brillant de tous les temps et de tous les peuples. Ayant vécu courte vie, il a laissé un héritage musical incroyable (par exemple, 41 symphonies). Les opéras sont considérés comme sa plus grande réussite, dans laquelle il s'est montré et comment grand musicien et en tant que dramaturge talentueux, certains de ses plus beaux opéras sont Don Giovanni, Les Noces de Figaro et La Flûte enchantée.
À la fin du XVIIIe siècle, une autre star de la musique classique est apparue - Ludwig van Beethoven, un compositeur qui a commencé à composer de la musique dans le style classique hérité de Mozart et Haydn, mais qui a fini par le dépasser et s'est littéralement divisé. Style classique, marquant l’aube d’une nouvelle ère connue sous le nom de période romantique en musique.
Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart et Ludwig van Beethoven sont trois grands noms entrés dans l'histoire comme des classiques viennois. Les compositeurs de l'école viennoise maîtrisaient magistralement une variété de genres musicaux - des chansons de tous les jours aux symphonies. Le style musical élevé, dans lequel un riche contenu figuratif s'incarne dans une forme artistique simple mais parfaite, est la principale caractéristique de l'œuvre des classiques viennois. La culture musicale du classicisme, comme la littérature, ainsi que les beaux-arts, glorifie les actions de l'homme, ses émotions et ses sentiments, sur lesquels règne la raison. Les artistes créatifs dans leurs œuvres se caractérisent par une pensée logique, une harmonie et une clarté de forme. Chacun des classiques viennois avait une personnalité brillante et unique. Haydn et Beethoven se tournaient davantage vers la musique instrumentale – sonates, concertos et symphonies. Mozart était universel en tout - il créait avec aisance dans tous les genres. Il a eu une influence considérable sur le développement de l'opéra, créant et améliorant ses différents types - de l'opéra bouffe au drame musical. En termes de préférences des compositeurs pour certaines sphères figuratives, Haydn est plus typique des esquisses objectives de genre folklorique, du pastoralisme, de la galanterie ; Beethoven est proche de l'héroïsme et du drame, ainsi que de la philosophie et, bien sûr, de la nature et d'un petit mesure, un lyrisme raffiné. Mozart couvrait peut-être toutes les sphères figuratives existantes.
Haydn. Symphonie n°45.
GENRES DE CLASSICISME MUSICAL
La culture musicale du classicisme est associée à la création de nombreux genres de musique instrumentale, tels que la sonate, la symphonie et le concert. À l'ère du classicisme, les principaux types d'ensembles de chambre sont apparus : les trios et les quatuors à cordes. Le système de formes développé par l'école viennoise est toujours d'actualité. Le genre sonate existait au début du XVIIe siècle, mais la forme sonate s'est finalement formée dans les œuvres de Haydn, Mozart et Beethoven.
Mozart. Concert de piano №13.
Beethoven. Sonate n°5 pour violon et piano op.24
L’ère classique était une époque où les compositeurs introduisaient une touche d’élégance dans la musique. Celui-ci est clair et musique pure, apportant paix et détente, est en réalité beaucoup plus profond et vous pouvez y trouver un noyau dramatique et des sentiments touchants.
Texte provenant de diverses sources.
Àlassicisme. un phénomène dans toute l'Europe, complexe en France (série 17) L'ordonnancement de toutes les époques de la vie a remplacé le chaos. Une nouvelle harmonie basée sur les diktats de la raison, du devoir. Une personne qui porte des traits communs : héros-canaille, héros-avare. Typologue, classification, clarté, commodité, norme, règles. 3 catégories d'esthétique : raison, modèle, goût. La doctrine des styles, la hiérarchie des genres. L'ère du sentimentalisme normatif est terminée. le romantisme– première décennie des années 19, l’ère de la conscience artistique individuelle, de l’homme au centre de l’image du monde, de la personnalité, de l’autosuffisance, de la liberté personnelle, du conflit entre les rêves et les actions. Deux mondes romantiques : les actions. et les rêves (le monde des idées). Le temps est un processus d'évolution de l'histoire et des gens, de l'estime de soi, de la qualité personnelle des époques. Le problème de l'auteur-créateur, de l'auteur-personnalité, un nouveau style d'écriture : la Ballade. chaos du fantastique, fiction ; poétique du mystère, de l'au-delà, poèmes ironiques.
Classicisme (fr. classicisme, depuis lat. classique- exemplaire) - style artistique et direction esthétique dans l'art européen XVIIIe-XIXème des siècles
Le classicisme est basé sur des idées rationalisme, qui se sont formés simultanément avec ceux en philosophie Descartes. Une œuvre d'art, du point de vue du classicisme, doit être construite sur la base de canons stricts, révélant ainsi l'harmonie et la logique de l'univers lui-même. Le classicisme n'intéresse que l'éternel, l'immuable - dans chaque phénomène, il s'efforce de reconnaître uniquement les caractéristiques typologiques essentielles, en écartant les caractéristiques individuelles aléatoires. L'esthétique du classicisme attache une grande importance à la fonction sociale et éducative de l'art. Le classicisme reprend de nombreuses règles et canons de l'art ancien ( Aristote, Horace).
Le classicisme établit une stricte hiérarchie des genres, qui sont divisés en hauts ( Oh ouais, la tragédie, épique) et faible ( comédie, satire,fable). Chaque genre a des caractéristiques strictement définies dont le mélange n'est pas autorisé.
Comment s'est formée une certaine direction en France, au XVIIe siècle. Le classicisme français a libéré l'homme de l'influence religieuse et ecclésiale, affirmant la personnalité comme la valeur la plus élevée de l'existence. Le classicisme russe a non seulement adopté la théorie de l’Europe occidentale, mais l’a également enrichie de caractéristiques nationales.
Le fondateur de la poétique du classicisme est considéré comme un Français François Malherbe(1555-1628), qui procéda à une réforme de la langue et des vers français et élabora des canons poétiques. Les principaux représentants du classicisme dramatique étaient des tragédiens. Corneille Et Racine(1639-1699), dont le principal sujet de créativité était le conflit entre le devoir public et les passions personnelles. Les genres « bas », comme la fable (J. La Fontaine), la satire ( Boileau), comédie ( Molière 1622-1673).
Boileau est devenu célèbre dans toute l’Europe comme « législateur Parnasse", le plus grand théoricien du classicisme, qui a exprimé son point de vue dans le traité poétique " Art poétique" Les poètes de Grande-Bretagne ont été influencés par lui John Dryden Et Alexandre Pape qui a constitué la forme principale de la poésie anglaise alexandrins. Pour la prose anglaise de l'ère du classicisme ( Addison, Rapide) se caractérise également par une forme latinisée syntaxe.
Le classicisme du XVIIIe siècle se développe sous l'influence des idées Éclaircissement. Création Voltaire (1694 -1778 ) est dirigé contre le fanatisme religieux, l’oppression absolutiste et est rempli du pathos de la liberté. Le but de la créativité est de changer le monde pour le mieux, de construire la société elle-même selon les lois du classicisme. L'Anglais a passé en revue la littérature contemporaine du point de vue du classicisme Samuel Johnson, autour duquel s'est formé un cercle brillant de personnes partageant les mêmes idées, dont l'essayiste Boswell, historien Gibbon et acteur Garrick.
En Russie, le classicisme est né au XVIIIe siècle, après les transformations Pierre Ier. Lomonossov une réforme du vers russe a été réalisée, une théorie a été développée "trois calmes", qui était essentiellement une adaptation des règles classiques françaises à la langue russe. Les images du classicisme sont dépourvues de caractéristiques individuelles, car elles sont conçues principalement pour capturer des caractéristiques génériques stables qui ne se transmettent pas dans le temps, agissant comme l'incarnation de forces sociales ou spirituelles.
Le classicisme en Russie s'est développé sous la grande influence de Éclaircissement- les idées d'égalité et de justice ont toujours été au centre de l'attention des écrivains classiques russes. Par conséquent, dans le classicisme russe, les genres qui nécessitent une évaluation obligatoire de la réalité historique par l'auteur ont connu un grand développement : comédie (D. I. Fonvizine), satire (A.D. Kantemir), fable(A.P. Sumarokov, I. I. Khemnitser), Oh ouais (Lomonossov, G.R. Derjavin).
En relation avec la déclaration Rousseau avec l'appel à la proximité avec la nature et au naturel dans le classicisme de la fin du XVIIIe siècle, les phénomènes de crise s'amplifient ; l'absolutisation de la raison est remplacée par le culte des sentiments tendres - sentimentalisme. Le passage du classicisme à pré-romantisme reflété le plus clairement dans la littérature allemande de l'époque " Sturm et Drang", représenté par les noms J. W. Goethe(1749-1832) et F. Schiller (1759 -1805 ), qui, à la suite de Rousseau, considérait l'art comme la principale force d'éducation d'une personne.
G.N.Pospelov // Introduction au LP
DIRECTIONS LITTÉRAIRES. CLASSICISME
Un tournant à cet égard a commencé à se produire au XVIIe siècle, principalement dans la littérature française. Et ce n’était pas un hasard. XVII et XVIII siècles en général, c'était cette période de la vie des peuples européens socialement développés où leur pensée avancée, scientifique, philosophique et donc politique, a connu un grand succès, où elle est devenue beaucoup plus fondamentale qu'avant et les principes rationnels de classification des connaissances accumulées. Cela a conduit à la domination d’une compréhension métaphysique de la vie de la nature et de la société.
« Pour un métaphysicien », écrivait Engels à ce sujet, « les choses et leurs réflexions mentales, les concepts, sont des objets séparés, immuables, figés, une fois pour toutes donnés, sujets à être étudiés les uns après les autres et les uns indépendamment des autres. Il pense en termes d'opposés immédiats et continus... Pour lui, une chose existe ou n'existe pas, et de la même manière une chose ne peut pas être elle-même et en même temps différente. (3, 21).
L'atmosphère générale de la pensée métaphysique a également influencé la fiction, notamment en France, où la situation politique correspondante y a contribué. Ici, dans la vie des deux classes privilégiées - la noblesse et la bourgeoisie - prédominaient spontanément les tendances centripètes et nationales, dont l'exposant était le pouvoir royal, qui atteignit l'absolutisme politique. Au cours d’un siècle, sous les règnes de Louis XIII et XIV, ce pouvoir devint le « centre organisateur et civilisateur » (Marx) du pays et eut, dans une certaine mesure, une signification progressiste nationale.
Dans ces conditions, dans de larges cercles de la noblesse et en partie de l'intelligentsia commune, une vision du monde correspondante s'est développée, affirmant idéologiquement le système existant, qui est essentiellement conservateur-féodal, bien que s'efforçant encore timidement de faire avancer le pays sur les voies du développement bourgeois. . Compte tenu de son objectif, la nouvelle vision du monde ne pouvait qu’être rationaliste.
Sur la base de cette vision du monde, un mouvement littéraire très puissant a émergé en France, appelé classicisme. Pour la première fois dans l'histoire, un groupe entier d'écrivains a atteint le niveau de conscience de ses principes créatifs.
La force de ce mouvement résidait dans le fait que ses adhérents possédaient un système très complet et distinct de croyances civilo-morales et l'exprimaient de manière cohérente dans leur travail. Ils ont donc créé un programme littéraire correspondant. DANS période au début développement du classicisme français, son « législateur » créateur fut F. Malherbe, puis, dans la seconde moitié du XVIIe siècle, N. Boileau en devint un théoricien hors pair.
Malherbe écrivit des odes solennelles. Il exalta en eux - au nom de la nation entière - le pouvoir royal, son activité civile, censée profiter à l'ensemble de la société, lui ouvrant la possibilité d'une prospérité pacifique. Cette activité de pouvoir était, selon Malherbe, une manifestation des lois humaines universelles de l'esprit, et tous ceux qui l'exerçaient et y contribuaient procédaient ainsi d'une conscience morale civile raisonnable, opposée à tout ce qui était vicieux, égoïste, antisocial.
La poésie devrait également servir ces objectifs raisonnables. Il doit lui-même être imprégné des principes de rationalité - rigueur et clarté de la pensée, harmonie de la composition, pureté du discours. Ces mêmes idées de devoir moral envers la société, de service public et d'organisation raisonnable de la création artistique furent ensuite exprimées avec une grande clarté théorique par Boileau dans son traité poétique « L'art poétique » (« L'art poe-tique », 1674), qui est devenu un manifeste du classicisme français.
Pour Boileau, la question de la « pureté des genres » de la littérature - « haute » (odes, poèmes, tragédies) ou « basse » (satires, fables, comédies) revêtait une importance particulière pour Boileau. Chaque genre, selon lui, devrait avoir sa propre orientation idéologique et émotionnelle particulière et une forme artistique qui lui correspond. En développant ce système holistique de genres, les poètes et dramaturges français devraient, selon lui, s'appuyer sur les réalisations créatives de la littérature ancienne. Les œuvres d'Homère, Pindare, Sophocle ou Horace, Phèdre, Aristophane devraient devenir pour eux des modèles classiques, à partir desquels peuvent être dérivées certaines « règles » pour créer des œuvres de chaque genre. Le désir d’une telle spécification rationaliste de la créativité était très caractéristique de tout le programme théorique du classicisme, de toute son esthétique.
Les classiques français étaient prêts à imiter les écrivains anciens, mais, bien entendu, ils ne pouvaient pas écrire de la même manière. Ils avaient une vision du monde différente et des problèmes de créativité différents, qui se posent naturellement à un stade complètement différent du développement social. Ils pouvaient habiller leurs héros avec les costumes de l'Antiquité, mais ces héros, complètement soumis aux pensées rationalistes des auteurs, ne se comportaient pas comme les anciens Grecs et Romains, mais comme les Français de l'ère de l'absolutisme éclairé.
Boileau lui-même a créé principalement des satires. Mais les principales dispositions de son programme créatif étaient partagées, à un degré ou à un autre, par d'autres écrivains, notamment les célèbres créateurs de la dramaturgie du classicisme français - P. Corneille, J. Racine, J. Molière. Le théâtre, sous sa forme scénique, était généralement le meilleur moyen de démontrer au public de ses propres yeux la grandeur des vertus civiques et le caractère destructeur des vices civils. Compte tenu de son importance, il a nécessité le développement le plus minutieux des « règles » créatives correspondantes.
Il était alors particulièrement important d’exiger que les œuvres dramatiques contiennent une unité de temps, de lieu et d’action. Cela signifiait qu'un seul conflit devait se développer dans la pièce et que son développement dans l'intrigue devait être aussi compact dans le temps (ne pas occuper plus d'une journée dans la vie des personnages) et dans l'espace (se dérouler entièrement dans une ville ou même dans une maison). Ce principe de construction de l'intrigue était tout à fait conforme au contenu idéologique des pièces des dramaturges classiques : après tout, ils ne révélaient dans les personnages de leurs héros que leurs vertus ou vices civiques et étaient largement distraits des détails psychologiques et quotidiens de la vie des héros. vies. L’unité du conflit et le cadre spatio-temporel étroit de l’intrigue ont pleinement contribué à une telle compréhension des personnages des personnages et à l’imposition d’une « phrase » claire par l’auteur moraliste.
Mais tout cela n’a pas contribué au développement du réalisme dans la dramaturgie des classiques. Chacun de leurs héros a parlé et agi sur scène afin de révéler en lui-même une vertu ou un vice compris abstraitement par l'auteur, de sorte que le processus vivant de ses pensées et de ses expériences a été grandement appauvri et a reçu un contenu rationnel unilatéral et a souvent acquis un orientation journalistique.
Le développement du conflit a reçu le même sens tendancieux. Les événements qui se déroulent sur scène devraient évidemment, selon les idées rationalistes de l’écrivain, conduire la vertu au triomphe et le vice au châtiment. Les collisions possibles de ces principes dans l'esprit d'un héros n'avaient généralement qu'une signification rationnelle. Le dramaturge créait toujours le résultat dont il avait besoin dans un conflit, au moins grâce à l'intervention inattendue de forces extérieures. Les anciens Romains appelaient cette technique l’apparition du « dieu sorti de la machine » (« deus ex machina »).
Dans une plus large mesure, ce caractère didactique de la dramaturgie du classicisme s'est manifesté dans le genre « élevé » des tragédies civiles qu'ont écrit Corneille et Racine. Beaucoup de leurs œuvres - « Le Cid » et « Horace » de Corneille, « Iphigénie en Aulis » de Racine, etc. - ont été construites sur le conflit entre le devoir civique et les sentiments personnels dans l'esprit du protagoniste.
Mais les dramaturges classiques ont créé des tragédies d’un type différent. En eux, ils ont dénoncé de mauvais dirigeants qui utilisent leur pouvoir non pas pour le bien de la société, mais pour un arbitraire cruel, au nom de leurs passions personnelles. Tels sont par exemple « Rodogunda » et « Héraclius » de Corneille, « Andromaque », « Athalie », « Britannicus » de Racine. Ce dernier représente l'empereur romain Néron recherchant les faveurs de Julia, qui aime son frère Britannicus. Néron influence la jeune fille avec des discours flatteurs et des menaces inquiétantes, puis, n'atteignant pas son objectif, empoisonne son frère lors d'un festin à la cour.
Dans les comédies de Molière, qui dénoncent les vices de la société moderne, la représentation des personnages est plus précise. Cependant, même chez eux, abstraction de la pensée civilo-moraliste, la sévérité des « règles » de la dramaturgie du classicisme prévalait souvent sur le principe réaliste de reproduction de la vie. Ainsi, dans la comédie «Tartuffe», dans le personnage du protagoniste, carriériste et intrigant qui a atteint ses objectifs à l'aide de l'hypocrisie et de l'hypocrisie, ces traits se révèlent avec une force particulière, au détriment de tous les autres, ce qui rend le schéma d'image. Le dénouement du conflit est également tendancieux, dans lequel Tartuffe, qui a déjà attiré le niais Orgon dans son filet pour s'emparer de ses biens, tombe subitement en état d'arrestation sur ordre du roi et est un exemple de vice puni. Et dans d'autres comédies de Molière - dans "L'Avare", "Le Bourgeois dans la noblesse", "Le Malade imaginaire" - ce didactisme de la créativité se manifeste avec non moins de force.
France 17e siècle fut le berceau du classicisme. Dans d'autres pays européens - en raison des communautés scéniques littératures nationales- il est également apparu, mais a pris forme avec moins de netteté et plus tard - en fonction du développement et du degré de progressivité nationale de l'absolutisme éclairé.
Ainsi, en Allemagne, alors fragmentée en petits États, la progressivité nationale du gouvernement féodal était minime. Mais au début du XVIIIe siècle. et les écrivains allemands, à la suite des Français, cherchèrent à créer leur propre programme théorique du classicisme. Il s’agit de « Une expérience de poésie critique pour les Allemands » de Gottsched (1730), qui a eu une grande influence sur la conscience artistique de ses contemporains, mais ne les a pas inspirés à créer des œuvres littéraires significatives.
En Russie, les réformes menées par Pierre Ier, qui revêtirent une énorme importance nationale, suscitèrent au sein de la société noble un intérêt pour la culture de l'Europe occidentale et un désir de l'assimiler. Déjà dans les années 20 du XVIIIe siècle. Dans l’œuvre de Cantemir, une nouvelle vision du monde laïque, basée sur les idéaux d’un État noble et progressiste, s’est exprimée, jusqu’à présent uniquement dans les genres de la satire et de l’ode (« messages »). Et à la fin des années 40, sur la base de cette vision du monde, grâce aux efforts de Sumarokov (ses lettres - « épistoles » « sur la langue russe » et « sur la poésie russe », 1748) et de Lomonossov (sa « Rhétorique ») , un programme du classicisme russe a été créé, reprenant à bien des égards les principales dispositions du traité de Boileau. Au cours des trente années suivantes, la littérature russe a activement développé les caractéristiques correspondantes du contenu et de la forme, qui se sont manifestées dans les paroles (Lomonossov, Sumarokov, les premiers Derzhavin), le drame (Sumarokov, Fonvizin, Knyazhnin) et dans l'épopée poétique (Trediakovsky, Kheraskov).
L'importance du classicisme pour le développement global de la littérature européenne était très grande. Malgré l'abstraction rationaliste de la reproduction artistique de la vie, le classicisme présentait un avantage très important : il exigeait une haute discipline de créativité, qui faisait souvent défaut dans les œuvres du début du Moyen Âge et de la Renaissance. Le principe de la pensée créatrice, l'imprégnation de tout le système figuratif de l'œuvre avec une seule idée, la profonde correspondance du contenu idéologique et forme artistique- ces « testaments » du classicisme ont été adoptés par les meilleurs écrivains des époques historiques ultérieures et d'autres mouvements littéraires.
Ainsi, un mouvement littéraire est constitué des œuvres d'écrivains d'un pays et d'une époque particuliers qui ont atteint une conscience créatrice élevée et une adhésion à des principes, qui se manifestent par la création d'un programme esthétique correspondant à leurs aspirations idéologiques et créatives, par la publication de des « manifestes » l’exprimant.
La présence de principes esthétiques conscients a généralement un effet positif sur la créativité des écrivains et les aide à atteindre une plus grande perfection. Telle est l'œuvre des poètes et des dramaturges du classicisme français, que les classicistes d'autres pays imitent du mieux qu'ils peuvent. Mais dans la littérature française du XVIIe siècle. Des œuvres sont également apparues avec d'autres propriétés de contenu et de forme, et leurs auteurs n'ont pas atteint le niveau de création de programmes esthétiques correspondants et n'ont donc pas créé d'autres mouvements littéraires. Il s'agissait, par exemple, de la « poésie légère » (poesie legere), créée par un certain nombre de poètes dirigés par Jean La Fontaine, auteur de plusieurs courts poèmes romans (« contes de fées ») et d'un court roman en prose-vers. "L'amour de Psyché et de Cupidon." Dans ces œuvres, La Fontaine, s'exprimant contre l'imitation de la créativité des classiques, contre sa discipline rationaliste, affirme l'indépendance de la créativité et la libre jouissance de la vie - l'amour, l'art, la beauté de la nature. La forme légère, raffinée et ludique de ses poèmes contraste avec le ton sérieux et solennel des odes et tragédies classiques. En Russie, en raison de la communauté scénique des littératures nationales, une place similaire est occupée par l'œuvre de I. Bogdanovich, principalement son poème « Chéri », écrit sur une intrigue empruntée au roman de La Fontaine.
Le classicisme français fut le premier grand mouvement littéraire pleinement établi, marquant un nouveau niveau plus élevé de développement historique de la créativité artistique. Depuis lors, la nature programmatique de la créativité est devenue le principe directeur de la vie littéraire nationale des pays socialement développés d'Europe. Dans les littératures nationales, des tendances différant par leurs principes idéologiques et créatifs ont commencé à prendre forme et sont entrées dans des polémiques programmatiques conscientes entre elles.
