Le Moyen Âge – le plus long ère culturelle dans l'histoire de l'Europe occidentale. Il couvre neuf siècles – du VIe au XIVe siècle. C’était l’époque de la domination de l’Église catholique, qui, dès les premiers pas, était la protectrice des arts. Parole d'église (prière) dans différents pays L'Europe et les différentes couches sociales étaient inextricablement liées à la musique : psaumes, hymnes, chorals résonnaient - des mélodies concentrées et détachées, loin de l'agitation quotidienne.

Aussi, sur ordre de l'église, des temples majestueux ont été érigés, décorés de sculptures et de vitraux colorés ; Grâce au mécénat de l'église, architectes et artistes, sculpteurs et chanteurs se sont consacrés à leur art absolument adoré, c'est-à-dire. église catholique les a soutenus financièrement. Ainsi, la partie la plus importante de l’art en général et de la musique en particulier relevait de la religion catholique.

Le chant religieux dans tous les pays d'Europe occidentale sonnait au sens strict Latin et afin de renforcer davantage l'unité et la communauté du monde catholique, le pape Grégoire Ier, qui monta sur le trône au début du IVe siècle, rassembla tous les hymnes de l'église et prescrit un jour précis pour l'exécution de chacun d'eux. calendrier de l'église. Les mélodies recueillies par le pape étaient appelées chants grégoriens, et la tradition chantée qui en découle est appelée chant grégorien.

D'un point de vue mélodique, le chant grégorien est orienté vers l'octoiche, un système de huit modes. C'était le mode qui restait souvent la seule indication sur la manière dont le choral devait être interprété. Tous les modes constituaient une octave et étaient une modification de l'ancien système des tricordes. Les frettes n'avaient que la numérotation, les concepts de « Dorian », « Lydian » et ainsi de suite. ont été exclus. Chaque frette représentait la connexion de deux tétracordes.

Les chorals grégoriens correspondaient idéalement à leur objectif de prière : les mélodies tranquilles étaient composées de motifs imperceptibles s'enchaînant les uns dans les autres, la ligne mélodique était limitée en tessiture, les intervalles entre les sons étaient petits, le motif rythmique était également fluide, les chorals étaient construits sur la base de une échelle diatonique. Les chants grégoriens étaient chantés par un chœur d'hommes à une seule voix et étaient enseignés principalement dans la tradition orale. Les sources écrites du grégorianisme sont un exemple de notation non numérique (symboles spéciaux placés au-dessus du texte latin), cependant, ce type de notation musicale n'indiquait que la hauteur approximative du son, la direction générale de la ligne mélodique et ne touchait pas au côté rythmique du tout et était donc considéré comme difficile à lire. Les chanteurs qui interprétaient des chorals d'église n'étaient pas toujours éduqués et n'apprenaient pas leur métier oralement.

Le chant grégorien est devenu le symbole d'une époque immense, qui reflétait sa compréhension de la vie et du monde. Le sens et le contenu des chorals reflétaient l'idée de l'homme médiéval sur l'essence de l'existence. En ce sens, le Moyen Âge est souvent appelé « jeunesse ». culture européenne"Quand, après la chute Rome antique en 476, des tribus de barbares, de Gaulois et de Germains envahissent l'Europe et commencent à reconstruire leur vie. Leur croyance aux saints chrétiens était caractérisée par la naïveté, la simplicité, et les mélodies des chants grégoriens étaient basées sur le même principe de naturel. Une certaine monotonie des chorals reflète la conception de l’espace de l’homme médiéval, limitée par son champ de vision. Aussi, l'idée de temps était associée à l'idée de répétition et d'immuabilité.

Le chant grégorien comme courant dominant style musical, au IXe siècle, elle fut finalement établie dans toute l'Europe. A la même époque, dans l'art musical, se produisit la plus grande découverte, qui a influencé toute son histoire ultérieure : le moine-scientifique et musicien italien Guido d'Arezzo (Aretinsky) a inventé la notation musicale que nous utilisons encore aujourd'hui. Désormais, le chant grégorien peut être chanté sur les notes et entre dans une nouvelle phase de son développement.

Du VIIe au IXe siècle, les notions de « musique » et de « chant grégorien » existaient de manière indissociable. En étudiant la mélodie des chorals, des musiciens et chanteurs médiévaux voulaient les décorer, mais changer le chant religieux n'était pas autorisé. Une solution a été trouvée : au-dessus de la mélodie du choral, à égale distance de tous ses sons, une deuxième voix a été ajoutée, qui répétait exactement le schéma mélodique du choral. La mélodie semblait épaissie, doublée. Ces premières compositions à deux voix étaient appelées organums, puisque la voix inférieure dans laquelle sonnait le choral s'appelait vox principalis (voix principale), et la voix supérieure ajoutée s'appelait vox organalis (voix supplémentaire). Le son des organums évoquait des associations avec l'acoustique du temple : il était retentissant et profond. De plus, au cours des XIe et XIIIe siècles, le système à deux voix est passé à trois voix (triptum) et à quatre voix.

Les formes rythmiques des organums sont un exemple de rythme modal. Il y en a six : iambique (l ¡), trochée (trochee) (¡ l), dactyle (¡ . l¡), anapeste (l¡¡ . ), spondée (¡ . ¡ . ), tritrachium (l l l).

Outre l’art religieux, avec le développement des villes et des économies européennes, le Moyen Âge voit naître un nouvel art. Des gens simples(citadins, paysans) voyaient souvent dans leurs colonies des acteurs et des musiciens errants qui dansaient et jouaient des représentations théâtrales sur différents sujets: sur les anges et la Bienheureuse Vierge Marie ou sur les diables et les tourments infernaux. Ce nouvel art profane n'était pas du goût des ministres ascétiques de l'Église, qui découvraient les machinations du diable dans des chants et des spectacles frivoles.

L'épanouissement des cités médiévales et des châteaux féodaux, l'intérêt pour l'art profane qui s'étend à toutes les classes, conduisent à l'émergence de la première école professionnelle de poésie et de musique laïque - l'école des troubadours, née dans le sud de la France au XIIe siècle. . Similaire poètes allemands et les musiciens étaient appelés minnesingers (meistersingers), les français du nord - trouvères. En tant qu'auteurs de poésie, les poètes troubadours agissaient simultanément comme compositeurs et chanteurs.

La musique des chants des troubadours est née de la poésie et l'a imité par sa simplicité, son caractère ludique et son insouciance. Le contenu de ces chansons a été discuté par tout le monde sujets de vie: l'amour et la séparation, l'arrivée du printemps et ses joies, avoir une vie amusante les écoliers errants, les farces de la Fortune et son caractère capricieux, etc. Rythme, division claire en phrases musicales, emphase, périodicité - tout cela était caractéristique des chants des troubadours.

Le chant grégorien et les paroles des troubadours sont deux courants indépendants de la musique médiévale, cependant, malgré tout leur contraste, on peut aussi noter caractéristiques communes: affinité interne avec le mot, tendance à une voix douce et fleurie.

Le summum de la première polyphonie (polyphonie) était l'école Notre-Dame. Les musiciens qui en faisaient partie travaillaient à Paris à la cathédrale Notre-Dame aux XIIe-XIIIe siècles. Ils ont réussi à créer de telles structures polyphoniques, grâce auxquelles l'art musical est devenu plus indépendant, moins dépendant de la prononciation du texte latin. La musique n'était plus perçue comme son support et sa décoration ; elle était désormais destinée spécifiquement à l'écoute, même si les organums des maîtres de cette école étaient encore joués à l'église. L'école Notre-Dame était dirigée par des compositeurs professionnels : dans la seconde moitié du XIIe siècle - Léonin, au tournant des XIIe-XIIIe siècles - son élève Perotin.

Le concept de « compositeur » au Moyen Âge existait dans le contexte des cultures musicales et le mot lui-même venait de « composer » - c'est-à-dire combiner, créer quelque chose de nouveau à partir d'éléments connus. Le métier de compositeur n'apparaît qu'au XIIe siècle (dans les œuvres des troubadours et des maîtres de l'école Notre-Dame). Par exemple, les règles de composition trouvées par Léonine sont uniques car, à partir de recherches approfondies matériel musical, créé avant lui, le compositeur a ensuite su combiner les traditions du chant grégorien strict avec les normes libres de l'art troubadour.

Déjà dans les organums de Perotin, une méthode d'extension forme musicale. Ainsi, le tissu musical a été découpé en motifs courts construits sur le principe de similitude (ils représentent tous des versions assez proches les unes des autres). Pérotine transfère ces motifs d'une voix à une autre, créant une sorte de chaîne de motivations. En utilisant de telles combinaisons et permutations, Perotin a permis aux organums de croître en taille. Les sons du chant grégorien, placés dans la voix du cantus firmus, sont très éloignés les uns des autres - ce qui contribue également à l'expansion de la forme musicale. C'est comme ça que c'est né nouveau genre– MOTET ; En règle générale, il s'agit d'une composition à trois voix qui s'est répandue au XIIIe siècle. La beauté du nouveau genre était combinaison simultanée des lignes mélodiques différentes, bien qu'elles soient en fait une variante, une duplication, un reflet de la mélodie principale - le cantus firmus. De tels motets étaient appelés « ordonnés ».

Cependant, les motets étaient plus populaires auprès du public qui, contrairement aux motets sur le cantus firmus, exagérait les principes de discordance : certains d'entre eux étaient même composés sur des textes en différentes langues.

Les motets médiévaux pouvaient avoir un contenu à la fois spirituel et profane : amour, satire, etc.

La polyphonie ancienne existait non seulement sous forme art vocal, mais aussi comme instrument. Composé pour les carnavals et les jours fériés musique de danse, les chants des troubadours étaient également accompagnés de jeux d'instruments. Les fantaisies instrumentales uniques, semblables aux motets, étaient également populaires.

XIVe siècle Art d'Europe occidentale appelé « l’automne » du Moyen Âge. Une nouvelle ère est déjà arrivée en Italie : la Renaissance ; déjà créé par Dante, Pétrarque, Giotto - grands maîtres début de la renaissance. Le reste de l'Europe fait le point sur le Moyen Âge et ressent la naissance nouveau sujet en art – thèmes de l’individualité.

L'entrée de la musique médiévale dans nouvelle ère a été marquée par la parution du traité « Ars Nova » de Philippe de Vitry - « Art nouveau ». Dans ce document, le scientifique et musicien a tenté de décrire Nouvelle image musicalement belle. Le nom de ce traité a donné son nom à toute la culture musicale du XIVe siècle. Désormais, la musique doit abandonner les sons simples et grossiers et rechercher la douceur et le charme du son : au lieu des harmonies vides et froides de l'Ars antiqua, il est prescrit d'utiliser des harmonies pleines et mélodieuses.

Il a été recommandé d'abandonner le rythme monotone (modal) et d'utiliser la notation mensurale (mesure) nouvellement découverte, lorsque les sons courts et longs se rapportent les uns aux autres sous la forme 1:3 ou 1:2. Il existe de nombreuses durées de ce type - maxima, longa, brevis, semibrevis ; chacun d'eux a son propre contour : les sons plus longs ne sont pas ombrés, les plus courts sont représentés en noir.

Le rythme est devenu plus souple, varié et la syncope peut être utilisée. La restriction sur l'utilisation de modes autres que les modes d'église diatoniques est devenue moins stricte : des modifications, des augmentations et des diminutions de tonalités musicales peuvent être utilisées.

Musique époque médiévale - période de développementculture musicale, couvrant une période de temps d'environ V au XIVe siècles après JC .
Au Moyen Âge en Europe un nouveau type de culture musicale émerge - féodal , alliant art professionnel, création musicale amateur et folklore Parce que l'église domine dans tous les domaines de la vie spirituelle, la base de l'art musical professionnel est l'activité des musiciens dans temples et monastères . L'art professionnel profane n'était initialement représenté que par des chanteurs qui créaient et interprétaient des contes épiques à la cour, dans les maisons de la noblesse, parmi les guerriers, etc. bardes, scaldes et etc.). Au fil du temps, des formes de jeu musical amateur et semi-professionnel se développent chevalerie : en France - l'art des troubadours et des trouvères (Adam de la Halle, XIIIe siècle), en Allemagne - les minnesingers ( Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, XIIe - XIIIe siècles ), ainsi qu'urbain artisans Dans les châteaux féodaux et dans les villes toutes sortes de genres sont cultivés, genres et formes de chansons (épique, « aube », rondo, le, virele, ballades, canzones, laudas, etc.).
De nouveaux arrivent dans la vie quotidienneinstruments de musique, y compris ceux qui venaient de Est (viole, luth etc.), des ensembles (de compositions instables) surgissent. Le folklore fleurit parmi les paysans. Il existe aussi des « professionnels populaires » : conteurs , artistes synthétiseurs itinérants ( jongleurs, mimes, ménestrels, shpilmans, bouffons ). La musique remplit à nouveau des fonctions principalement appliquées et spirituelles et pratiques. La créativité agit en unité avecperformance(généralement une personne).
Tant dans le contenu de la musique que dans sa forme, elle domine collectivité ; le principe individuel est subordonné au principe général, sans s'en démarquer (un maître musicien est le meilleur représentant communautés ). Des règnes stricts sur tout traditionalité et canonicité . Consolidation, préservation et distribution traditions et normes.
Peu à peu, bien que lentement, le contenu de la musique s'enrichit, son genres, formes , des moyens d'expression. DANS Europe occidentale du VIe au VIIe siècle . un système strictement réglementé est en train d’émerger monophonique ) musique d'église basé modes diatoniques ( chant grégorien), mêlant récitation (psalmodie) et chant (hymnes ). Au tournant des Ier et IIe millénaires, polyphonie . De nouveaux se forment vocal (choral ) et vocal-instrumental (choeur et orgue) genres : organum, motet, direction, puis messe. En France au XIIe siècle le premier est forméécole de compositeur (création) à cathédrale Notre Dame de Paris (Léonine, Pérotine). Au tournant de la Renaissance (style ars nova en France et en Italie, XIVe siècle) en musique professionnelle la monophonie est supplantée polyphonie , la musique commence à s'affranchir progressivement des fonctions purement pratiques (service religieux rituels ), cela renforce le sens séculier genres, y compris les chansons ( Guillaume de Machaut).

La relance.

La musique à l'époque des XVe-XVIIe siècles.
Au Moyen Âge, la musique était l'apanage de l'Église, c'est pourquoi la plupart des œuvres musicales étaient sacrées, basées sur des chants d'église (chant grégorien), qui font partie de la religion depuis le tout début du christianisme. Au début du XVIIe siècle, les airs cultes, avec la participation directe du pape Grégoire Ier, sont enfin canonisés. Le chant grégorien était interprété par des chanteurs professionnels. Après le développement de la polyphonie dans la musique religieuse, le chant grégorien reste la base thématique des œuvres religieuses polyphoniques (messe, motets, etc.).

Le Moyen Âge a été suivi par la Renaissance, qui a été une ère de découverte, d'innovation et d'exploration pour les musiciens, une ère de renaissance de toutes les couches de manifestations culturelles et scientifiques de la vie, de la musique et de la peinture à l'astronomie et aux mathématiques.
Même si la musique reste largement religieuse, l’affaiblissement du contrôle de l’Église sur la société ouvre une plus grande liberté aux compositeurs et aux interprètes pour exprimer leurs talents.
Avec l’invention de l’imprimerie, il est devenu possible d’imprimer et de distribuer des partitions, et à partir de ce moment a commencé ce que nous appelons la musique classique.
Durant cette période, de nouveaux instruments de musique apparaissent. Les instruments les plus populaires étaient ceux dont les mélomanes pouvaient jouer facilement et simplement, sans nécessiter de compétences particulières.
C’est à cette époque qu’apparaît la viole, prédécesseur du violon. Grâce aux frettes (bandes de bois sur le manche), il était facile à jouer et son son était calme, doux et sonnait bien dans les petites salles.
Les instruments à vent étaient également populaires : flûte à bec, flûte et cor. La musique la plus complexe a été écrite pour le clavecin nouvellement créé, le virginel (un clavecin anglais se distinguant par sa petite taille) et l'orgue. Dans le même temps, les musiciens n'ont pas oublié de composer une musique plus simple qui ne nécessitait pas de compétences d'interprétation élevées. Dans le même temps, des changements se produisent dans l'écriture musicale : les lourds blocs d'impression en bois sont remplacés par des caractères mobiles en métal inventés par l'Italien Ottaviano Petrucci. Les œuvres musicales publiées se sont rapidement épuisées et de plus en plus de personnes ont commencé à s'impliquer dans la musique.
La fin de la Renaissance est marquée par l'événement le plus important de histoire musicale- la naissance de l'opéra. Un groupe d'humanistes, de musiciens et de poètes s'est réuni à Florence sous le patronage de leur chef, le comte Giovanni De Bardi (1534 - 1612). Le groupe s'appelait la "camerata", ses principaux membres étaient Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (père de l'astronome Galileo Galilei), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri et Ottavio Rinuccini dans sa jeunesse.
La première réunion documentée du groupe a eu lieu en 1573, et les années de travail les plus actives"Camerata florentine "étaient 1577 - 1582. Ils pensaient que la musique était "gâtée" et cherchaient à revenir à la forme et au style la Grèce ancienne, convaincu que l’art de la musique peut être amélioré et que, par conséquent, la société s’améliorera également. Camerata a critiqué la musique existante pour son utilisation excessive de la polyphonie au détriment de l'intelligibilité du texte et de la perte de la composante poétique de l'œuvre, et a proposé la création d'un nouveau style musical dans lequel le texte de style monodique était accompagné de musique instrumentale. Leurs expériences ont conduit à la création d'une nouvelle forme vocale et musicale - le récitatif, utilisé pour la première fois par Emilio de Cavalieri, qui fut ensuite directement liée au développement de l'opéra.
Le premier officiellement reconnuopéra , correspondant aux normes modernes, était l'opéra "Daphné" (Daphné), présenté pour la première fois en 1598. Les auteurs de "Daphné" étaient Jacopo Peri et Jacopo Corsi, livret d'Ottavio Rinuccini. Cet opéra n'a pas survécu. Le premier opéra survivant est "Eurydice" (1600) des mêmes auteurs - Jacopo Péri et Ottavio Rinuccini. Cette union créatrice a également donné naissance à de nombreuses œuvres dont la plupart sont perdues.

Musique du premier baroque (1600-1654)

La création par le compositeur italien Claudio Monteverdi (1567-1643) de son style récitatif et le développement cohérent de l'opéra italien peuvent être considérés comme le point de transition conventionnel entre les époques baroque et Renaissance. Le début des représentations d’opéra à Rome et surtout à Venise signifiait déjà la reconnaissance et la diffusion du nouveau genre dans tout le pays. Tout cela n'était qu'une partie d'un processus plus vaste qui englobait tous les arts et se manifestait particulièrement clairement dans l'architecture et la peinture.
Les compositeurs de la Renaissance prêtaient attention à l'élaboration de chaque partie d'une œuvre musicale, ne prêtant pratiquement aucune attention à la comparaison de ces parties. Séparément, chaque partie pouvait sonner excellentement, mais le résultat harmonieux de l'addition était plus une question de hasard que de régularité. L'apparition de la basse chiffrée indiquait un changement significatif dans la pensée musicale : l'harmonie, qui est « l'assemblage de parties en un tout », était aussi importante que les parties mélodiques (polyphonie) elles-mêmes. De plus en plus, la polyphonie et l'harmonie ressemblaient aux deux faces d'une même idée de composition de musique euphonique : lors de la composition, les séquences harmoniques recevaient la même attention que les tritons dans la création de dissonance. La pensée harmonique existait également chez certains compositeurs de l'époque précédente, par exemple Carlo Gesualdo, mais à l'époque baroque, elle est devenue généralement acceptée.
Il a qualifié les parties d'œuvres où la modalité et la tonalité ne peuvent pas être clairement séparées de majeures mixtes ou de mineures mixtes (plus tard, il a introduit les termes « monal majeur » et « monal mineur » pour ces concepts, respectivement). Le tableau montre comment l'harmonie tonale, déjà au début de la période baroque, supplante pratiquement l'harmonie de l'époque précédente.
L'Italie devient le centre du nouveau style. La papauté, bien que prise dans la lutte contre la Réforme, mais possédant néanmoins d'énormes ressources financières reconstituées par les campagnes militaires des Habsbourg, cherchait des opportunités pour diffuser la foi catholique à travers l'expansion de son influence culturelle. Avec le faste, la grandeur et la complexité de l’architecture, des beaux-arts et de la musique, le catholicisme semblait rivaliser avec le protestantisme ascétique. Les riches républiques et principautés italiennes rivalisaient également activement dans le domaine des beaux-arts. L'un des centres importants de l'art musical était Venise, qui était à cette époque sous le patronage à la fois laïc et ecclésial.
Une figure importante du début de la période baroque, dont la position était du côté du catholicisme, s'opposant à l'influence idéologique, culturelle et sociale croissante du protestantisme, était Giovanni Gabrieli. Ses œuvres appartiennent au style « Haute Renaissance » (l'apogée de la Renaissance). Cependant, certaines de ses innovations dans le domaine de l'instrumentation (attribuant ses propres tâches spécifiques à un instrument donné) indiquent clairement qu'il était l'un des compositeurs qui ont influencé l'émergence d'un nouveau style.
L'une des exigences imposées par l'Église à la composition de musique sacrée était que les textes des œuvres vocales soient lisibles. Cela nécessitait de s'éloigner de la polyphonie pour se tourner vers des techniques musicales où les mots prenaient le dessus. Le chant est devenu plus complexe et plus fleuri que l'accompagnement. C'est ainsi que l'homophonie s'est développée.
Monteverde Claudio(1567-1643), compositeur italien. Rien ne l'attirait plus que l'exposition de l'intérieur, tranquillité d'esprit l'homme dans ses collisions et conflits dramatiques avec le monde extérieur. Monteverdi est le véritable fondateur de la dramaturgie conflictuelle à caractère tragique. C'est un véritable chanteur des âmes humaines. Il recherchait constamment l'expressivité naturelle de la musique. « La parole humaine est la maîtresse de l’harmonie et non sa servante. »
"Orphée" (1607) - La musique de l'opéra se concentre sur la révélation monde intérieur héro tragique. Son rôle est inhabituellement multiforme, fusionnant divers courants et lignes de genre émotionnels et expressifs. Il appelle avec enthousiasme ses forêts et ses côtes natales ou pleure la perte de son Eurydice dans des chansons folkloriques naïves.

Musique du baroque mature (1654-1707)

La période de centralisation du pouvoir suprême en Europe est souvent appelée absolutisme. L'absolutisme atteint son apogée sous le roi de France Louis XIV. Pour toute l’Europe, la cour de Louis était un modèle. Y compris la musique jouée à la cour. La disponibilité accrue d'instruments de musique (en particulier de claviers) a donné une impulsion au développement de la musique de chambre.
Le baroque mature se distingue du baroque primitif par la large diffusion du nouveau style et la séparation accrue des formes musicales, en particulier dans l'opéra. Comme dans la littérature, la possibilité de diffuser des œuvres musicales a conduit à un public élargi ; les échanges entre les centres de culture musicale se sont intensifiés.
Un représentant éminent des compositeurs de la cour de Louis XIV fut Giovanni Battista Lulli (1632-1687). Dès l’âge de 21 ans, il reçut le titre de « compositeur de cour de musique instrumentale ». Travail créatif Lully fut dès le début étroitement lié au théâtre. Suite à l'organisation de la musique de chambre de cour et à la composition d'airs de cour, il commence à écrire de la musique de ballet. Louis XIV lui-même dansait dans des ballets, qui étaient alors le divertissement favori de la noblesse de cour. Lully était un excellent danseur. Il a eu l'occasion de participer à des productions, en dansant avec le roi. Il est connu pour sa collaboration avec Molière, pour les pièces duquel il a écrit de la musique. Mais l’essentiel dans l’œuvre de Lully reste l’écriture d’opéras. Étonnamment, Lully a créé un type complet opéra français; la soi-disant tragédie lyrique en France (tragédie lyrique française), et a atteint une maturité créative incontestable dans les toutes premières années de son travail dans Opéra. Lully utilise souvent le contraste entre le son majestueux de la section orchestrale et les simples récitatifs et airs. Langage musical Lully n'est pas très complexe, mais certainement nouveau : la clarté de l'harmonie, l'énergie rythmique, la clarté de la division de la forme, la pureté de la texture parlent de la victoire des principes de la pensée homophonique. Dans une large mesure, son succès a également été facilité par sa capacité à sélectionner les musiciens de l'orchestre et son travail avec eux (il dirigeait lui-même les répétitions). L'attention portée à l'harmonie et à l'instrument soliste faisait partie intégrante de son travail.
En Angleterre, la maturité baroque est marquée par le génie brillant d'Henry Purcell (1659-1695). Il meurt jeune, à l'âge de 36 ans, après avoir écrit de nombreux ouvrages et s'être fait connaître de son vivant. Purcell connaissait l'œuvre de Corelli et d'autres compositeurs baroques italiens. Cependant, ses clients et ses clients étaient des personnes d'un genre différent de celui de la noblesse laïque et ecclésiastique italienne et française, de sorte que les écrits de Purcell sont très différents de l'école italienne. Purcell a travaillé dans un large éventail de genres ; des simples hymnes religieux à la musique de marche, des œuvres vocales de grand format à la musique de scène. Son catalogue contient plus de 800 œuvres. Purcell est devenu l'un des premiers compositeurs de musique pour clavier, dont l'influence s'étend jusqu'aux temps modernes.
Contrairement aux compositeurs ci-dessus, Dietrich Buxtehude (1637-1707) n'était pas un compositeur de cour. Buxtehude travailla comme organiste, d'abord à Helsingborg (1657-1658), puis à Elseneur (1660-1668), puis, à partir de 1668, dans l'église Saint-Pierre. Marie à Lübeck. Il gagnait de l'argent non pas en publiant ses œuvres, mais en les interprétant, et il préférait composer de la musique basée sur des textes religieux et interpréter ses propres œuvres pour orgue au patronage de la noblesse. Malheureusement, toutes les œuvres de ce compositeur n’ont pas survécu. La musique de Buxtehude est en grande partie construite sur l'ampleur de ses projets, la richesse et la liberté d'imagination, un penchant pour le pathétique, le drame et une intonation quelque peu oratoire. Son œuvre a eu une forte influence sur des compositeurs tels que J. S. Bach et Telemann.

Musique du baroque tardif (1707-1760)

La frontière précise entre le baroque mature et tardif est un sujet de débat ; il se situe quelque part entre 1680 et 1720. Dans une large mesure, la complexité de sa définition est due au fait que dans différents pays, les styles ont changé de manière asynchrone ; les innovations qui étaient déjà acceptées en règle générale dans un endroit étaient de nouvelles découvertes dans un autre
Les formes découvertes par la période précédente ont atteint une maturité et une grande variabilité ; concert, suite, sonate, concerto grosso, oratorio, opéra et ballet n'ont plus de caractéristiques nationales clairement définies. Les modèles d'œuvres généralement acceptés s'établissent partout : la forme répétée en deux parties (AABB), la forme simple en trois parties (ABC) et le rondo.
Antonio Vivaldi (1678-1741) - Compositeur italien, né à Venise. En 1703, il fut ordonné prêtre catholique. C’est à ces genres instrumentaux, alors encore en développement (sonate baroque et concerto baroque), que Vivaldi a apporté sa contribution la plus significative. Vivaldi a composé plus de 500 concertos. Il a également donné des titres programmatiques à certaines de ses œuvres, comme les fameuses « Saisons ».
Domenico Scarlatti (1685-1757)était l'un des principaux compositeurs et interprètes de clavier de son époque. Mais le compositeur de cour le plus célèbre était peut-être Georges-Frédéric Haendel (1685-1759). Il est né en Allemagne, a étudié trois ans en Italie, mais en 1711 il quitte Londres, où il commence sa brillante carrière commerciale. carrière réussie un compositeur d'opéra indépendant exécutant des commandes pour la noblesse. Possédant une énergie infatigable, Haendel retravailla le matériel d'autres compositeurs et retravailla constamment le sien. propres compositions. Par exemple, il est connu pour avoir retravaillé le célèbre oratorio « Le Messie » à tant de reprises qu'il n'existe aujourd'hui aucune version pouvant être qualifiée d'« authentique ».
Après sa mort, il fut reconnu comme l'un des principaux compositeurs européens et fut étudié par des musiciens de l'époque classique. Haendel a mélangé les riches traditions de l'improvisation et du contrepoint dans sa musique. L'art de la décoration musicale atteint un très haut niveau de développement dans ses œuvres. Il a voyagé dans toute l'Europe pour étudier la musique d'autres compositeurs et avait donc un très large cercle de connaissances parmi des compositeurs d'autres styles.
Jean-Sébastien Bach né le 21 mars 1685 à Eisenach en Allemagne. Au cours de sa vie, il a composé plus de 1000 œuvres en divers genres sauf l'opéra. Mais de son vivant, il n’obtint aucun succès significatif. Ayant déménagé à plusieurs reprises, Bach a occupé des postes peu élevés les uns après les autres : à Weimar, il a été musicien à la cour du duc de Weimar Johann Ernst, puis est devenu gardien de l'orgue de l'église Saint-Pierre. Boniface à Arnstadt, accepta quelques années plus tard le poste d'organiste dans l'église Saint-Pierre. Blasius à Mühlhausen, où il n'a travaillé qu'un an environ, après quoi il est retourné à Weimar, où il a pris la place d'organiste de la cour et d'organisateur de concerts. Il est resté à ce poste pendant neuf ans. En 1717, Léopold, duc d'Anhalt-Köthen, engagea Bach comme chef d'orchestre et Bach commença à vivre et à travailler à Köthen. En 1723, Bach s'installe à Leipzig, où il reste jusqu'à sa mort en 1750. Dans les dernières années de sa vie et après la mort de Bach, sa renommée de compositeur commença à décliner : son style était considéré comme démodé par rapport au classicisme naissant. Il était mieux connu et connu comme interprète, professeur et père des jeunes Bach, en particulier de Carl Philipp Emmanuel, dont la musique était plus célèbre.
Seule l’interprétation de la Passion selon Saint Matthieu par Mendelssohn, 79 ans après la mort de J. S. Bach, raviva l’intérêt pour son œuvre. Aujourd'hui, J. S. Bach est l'un des compositeurs les plus populaires
Classicisme
Classicisme - style et orientation dans l'art XVII - début XIX des siècles
Ce mot vient du latin classicus – exemplaire. Le classicisme reposait sur la croyance en la rationalité de l'existence, dans le fait que la nature humaine est harmonieuse. Les classiques voyaient leur idéal dans l'art ancien, qu'ils considéraient forme la plus élevée la perfection.
Au XVIIIe siècle, une nouvelle étape dans le développement de la conscience sociale a commencé : le siècle des Lumières. L’ancien ordre social est en train d’être détruit ; les idées de respect de la dignité humaine, de liberté et de bonheur acquièrent une importance primordiale ; l'individu gagne en indépendance et en maturité, utilise son esprit et Esprit critique. Les idéaux de l'époque baroque avec son faste, son faste et sa solennité sont remplacés par un nouveau style de vie basé sur le naturel et la simplicité. L'heure est venue des vues idéalistes de Jean-Jacques Rousseau, appelant au retour à la nature, à la vertu naturelle et à la liberté. Avec la nature, l'Antiquité est idéalisée, car on pensait que c'était durant l'Antiquité que les hommes parvenaient à réaliser toutes les aspirations humaines. L'art ancien est appelé classique, il est reconnu comme exemplaire, le plus véridique, le plus parfait, le plus harmonieux et, contrairement à l'art de l'époque baroque, est considéré comme simple et compréhensible. L'accent, parmi d'autres aspects importants, est mis sur l'éducation, la position des gens ordinaires dans l'ordre social et le génie en tant que propriété humaine.

La raison règne aussi dans l’art. Voulant souligner la finalité élevée de l'art, son rôle social et civique, le philosophe et éducateur français Denis Diderot a écrit : « Toute œuvre de sculpture ou de peinture doit exprimer une grande règle de vie, doit enseigner. »

Le théâtre était à la fois un manuel de vie et de vie elle-même. De plus, au théâtre, l'action est très ordonnée et mesurée ; il est divisé en actes et en scènes, qui, à leur tour, sont divisés en répliques individuelles des personnages, créant ainsi l'idéal de l'art si cher au XVIIIe siècle, où chaque chose est à sa place et soumise à des lois logiques.
La musique du classicisme est extrêmement théâtrale ; elle semble copier l'art du théâtre, l'imiter.
Diviser une sonate et une symphonie classiques en grandes sections - des parties dans chacune desquelles se trouvent de nombreux « événements » musicaux - est similaire à diviser une pièce de théâtre en actions et en scènes.
En musique âge classique Souvent, une intrigue est implicite, une certaine action qui se déroule devant le public de la même manière qu'une action théâtrale se déroule devant le public.
Il suffit à l’auditeur de faire appel à son imagination et de reconnaître les personnages dans les « habits musicaux » comédie classique ou une tragédie.
L’art du théâtre contribue également à expliquer les grands changements intervenus dans l’interprétation musicale au XVIIIe siècle. Auparavant, le principal endroit où résonnait la musique était le temple : dans celui-ci, une personne se trouvait en bas, dans un immense espace, où la musique semblait l'aider à lever les yeux et à consacrer ses pensées à Dieu. Aujourd'hui, au XVIIIe siècle, la musique se fait entendre dans un salon aristocratique, dans la salle de bal d'un domaine noble ou sur une place de ville. L'auditeur du siècle des Lumières semble traiter la musique par son prénom et n'éprouve plus la joie et la timidité qu'elle lui inspirait lorsqu'elle sonnait à l'église.
La musique n'a plus le son puissant et solennel de l'orgue et le rôle du chœur a diminué. Musique Style classique Cela semble léger, cela a beaucoup moins de sons, comme si cela « pesait moins » que la musique lourde et multicouche du passé. Le son de l'orgue et du chœur a été remplacé par le son d'un orchestre symphonique ; les airs sublimes ont laissé place à une musique légère, rythmée et dansante.
Grâce à la foi illimitée dans les capacités de l'esprit humain et dans le pouvoir de la connaissance, le XVIIIe siècle a commencé à être appelé le siècle de la raison ou le siècle des Lumières.
L'apogée du classicisme a commencé dans les années 80 du XVIIIe siècle. En 1781, J. Haydn crée plusieurs œuvres innovantes, dont son Quatuor à cordes op. 33 ; La première de l’opéra de V.A. a lieu. « L'Enlèvement au Sérail » de Mozart ; Le drame "Les Voleurs" de F. Schiller et la "Critique de la raison pure" de I. Kant sont publiés.

Les représentants les plus brillants de la période classique sont les compositeurs de l'école classique de Vienne. Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart et Ludwig van Beethoven. Leur art admire la perfection de la technique de composition, l'orientation humaniste de la créativité et le désir, particulièrement visible dans la musique de W. A. Mozart, d'afficher la beauté parfaite à travers la musique.

Le concept même de l’École classique de Vienne est né peu après la mort de L. Beethoven. L’art classique se distingue par un équilibre délicat entre sentiments et raison, forme et contenu. La musique de la Renaissance reflétait l'esprit et le souffle de son époque ; à l’époque baroque, le sujet de la musique était la condition humaine ; la musique de l'ère classique glorifie les actions et les actes de l'homme, les émotions et les sentiments qu'il éprouve, l'esprit humain attentif et holistique.

Ludwig Van Beethoven (1770-1827)
Compositeur allemand souvent considéré comme le plus grand compositeur de tous les temps.
Son œuvre est classée à la fois dans le classicisme et dans le romantisme.
Contrairement à son prédécesseur Mozart, Beethoven avait du mal à composer. Les cahiers de Beethoven montrent comment peu à peu, pas à pas, émerge une composition grandiose d'esquisses incertaines, marquée par une logique de construction convaincante et une beauté rare. C'est la logique - source principale La grandeur de Beethoven, sa capacité incomparable à organiser des éléments contrastés en un tout monolithique. Beethoven efface les césures traditionnelles entre les sections de forme, évite la symétrie, fusionne des parties du cycle et développe des constructions étendues à partir de motifs thématiques et rythmiques qui, à première vue, ne contiennent rien d'intéressant. En d'autres termes, Beethoven crée un espace musical grâce à la puissance de son esprit, par sa propre volonté. Il a anticipé et créé ces mouvements artistiques qui sont devenus décisifs pour l'art musical du XIXe siècle.

Le romantisme.
couvre à peu près les années 1800-1910
Les compositeurs romantiques ont essayé d’exprimer la profondeur et la richesse du monde intérieur d’une personne à l’aide de moyens musicaux. La musique devient plus importante et individuelle. Des genres de chansons se développent, notamment les ballades.
Les principaux représentants du romantisme en musique sont : L'Autriche - Franz Schubert ; en Allemagne - Ernest Théodor Hoffmann, Carl Maria Weber, Richard Wagner, Félix Mendelssohn, Robert Schumann, Ludwig Spohr ; V
etc.................

Le Moyen Âge est la période culturelle la plus longue de l’histoire de l’Europe occidentale. Il couvre neuf siècles – du VIe au XIVe siècle. C’était l’époque de la domination de l’Église catholique, qui, dès les premiers pas, était la protectrice des arts. La parole d'église (prière) dans différents pays d'Europe et dans différentes couches sociales était inextricablement liée à la musique : psaumes, hymnes, chorals résonnaient - des mélodies concentrées et détachées, loin de l'agitation quotidienne.

Aussi, sur ordre de l'église, des temples majestueux ont été érigés, décorés de sculptures et de vitraux colorés ; Grâce au mécénat de l'Église, architectes et artistes, sculpteurs et chanteurs se sont consacrés à leur art indivisible, c'est-à-dire que l'Église catholique les a soutenus financièrement. Ainsi, la partie la plus importante de l’art en général et de la musique en particulier relevait de la religion catholique.

Le chant religieux dans tous les pays d'Europe occidentale sonnait en latin strict, et afin de renforcer davantage l'unité et la communauté du monde catholique, le pape Grégoire Ier, qui monta sur le trône au début du IVe siècle, rassembla tous les hymnes religieux et prescrit pour l'exécution de chacun d'eux un jour spécifique sur le calendrier de l'église. Les mélodies recueillies par le pape étaient appelées chants grégoriens, et la tradition chantée qui en découle est appelée chant grégorien.

Le chant grégorien est devenu le symbole d'une époque immense, qui reflétait sa compréhension de la vie et du monde. Le sens et le contenu des chorals reflétaient l'idée de l'homme médiéval sur l'essence de l'existence. En ce sens, le Moyen Âge est souvent appelé la « jeunesse de la culture européenne », lorsque, après la chute de la Rome antique en 476, des tribus de barbares, de Gaulois et de Germains envahirent l’Europe et commencèrent à reconstruire leur vie. Leur croyance aux saints chrétiens était caractérisée par la naïveté, la simplicité, et les mélodies des chants grégoriens étaient basées sur le même principe de naturel. Une certaine monotonie des chorals reflète la conception de l’espace de l’homme médiéval, limitée par son champ de vision. Aussi, l'idée de temps était associée à l'idée de répétition et d'immuabilité.

Le chant grégorien, en tant que style musical dominant, s'est finalement établi dans toute l'Europe au IXe siècle. Dans le même temps, la plus grande découverte a eu lieu dans l'art de la musique, qui a influencé toute son histoire ultérieure : le moine-scientifique et musicien italien Guido d'Arezzo (Aretinsky) a inventé la notation musicale, que nous utilisons encore aujourd'hui. Désormais, le chant grégorien peut être chanté sur les notes et entre dans une nouvelle phase de son développement.

Outre l’art religieux, avec le développement des villes et des économies européennes, le Moyen Âge voit naître un nouvel art. Les gens ordinaires (citadins, paysans) voyaient souvent dans leurs colonies des acteurs et des musiciens errants qui dansaient et jouaient des représentations théâtrales sur divers sujets : sur les anges et la Bienheureuse Vierge Marie ou sur les diables et les tourments de l'enfer. Ce nouvel art profane n'était pas du goût des ministres ascétiques de l'Église, qui découvraient les machinations du diable dans des chants et des spectacles frivoles.

L'épanouissement des cités médiévales et des châteaux féodaux, l'intérêt pour l'art profane qui s'étend à toutes les classes, conduisent à l'émergence de la première école professionnelle de poésie et de musique laïque - l'école des troubadours, née dans le sud de la France au XIIe siècle. . Des poètes et musiciens allemands similaires étaient appelés minnesingers (meistersingers), et ceux du nord de la France étaient appelés trouvères. En tant qu'auteurs de poésie, les poètes troubadours agissaient simultanément comme compositeurs et chanteurs.

La musique des chants des troubadours est née de la poésie et l'a imité par sa simplicité, son caractère ludique et son insouciance. Le contenu de ces chansons abordait tous les sujets de la vie : l'amour et la séparation, l'arrivée du printemps et ses joies, la vie joyeuse des écoliers errants, les farces de la Fortune et son caractère capricieux, etc. Rythme, division claire en phrases musicales, emphase , périodicité - tout cela était des chants typiques des troubadours.

Le chant grégorien et les paroles des troubadours sont deux tendances indépendantes de la musique médiévale, cependant, malgré tout leur contraste, des traits communs peuvent être notés : une affinité interne avec le mot, une tendance à l'interprétation vocale douce et ornée.

Le concept de « compositeur » au Moyen Âge existait dans le contexte des cultures musicales et le mot lui-même venait de « composer » - c'est-à-dire combiner, créer quelque chose de nouveau à partir d'éléments connus. Le métier de compositeur n'apparaît qu'au XIIe siècle (dans les œuvres des troubadours et des maîtres de l'école Notre-Dame). Par exemple, les règles de composition trouvées par Léonine sont uniques car, à partir d'une étude approfondie du matériau musical créé avant lui, le compositeur a ensuite pu combiner les traditions du chant grégorien strict avec les normes libres de l'art troubadour.

Déjà, dans les organums de Pérotin, on inventait une manière de prolonger la forme musicale. Ainsi, le tissu musical a été découpé en motifs courts construits sur le principe de similitude (ils représentent tous des versions assez proches les unes des autres). Pérotine transfère ces motifs d'une voix à une autre, créant une sorte de chaîne de motivations. En utilisant de telles combinaisons et permutations, Perotin a permis aux organums de croître en taille. Les sons du chant grégorien, placés dans la voix du cantus firmus, sont très éloignés les uns des autres - ce qui contribue également à l'expansion de la forme musicale. C'est ainsi qu'est né un nouveau genre : le MOTET ; En règle générale, il s'agit d'une composition à trois voix qui s'est répandue au XIIIe siècle. La beauté du nouveau genre réside dans la combinaison simultanée de différentes lignes mélodiques, bien qu'elles soient en fait une variante, une duplication, un reflet de la mélodie principale - le cantus firmus. De tels motets étaient appelés « ordonnés ».

Les motets médiévaux pouvaient avoir un contenu à la fois spirituel et profane : amour, satire, etc.

Les premières polyphonies existaient non seulement comme art vocal, mais aussi comme art instrumental. De la musique de danse était composée pour les carnavals et les fêtes, et les chants des troubadours étaient également accompagnés d'instruments. Les fantaisies instrumentales uniques, semblables aux motets, étaient également populaires.

Le XIVe siècle dans l’art d’Europe occidentale est appelé « l’automne » du Moyen Âge. Une nouvelle ère est déjà arrivée en Italie : la Renaissance ; Dante, Pétrarque, Giotto - les grands maîtres du début de la Renaissance - avaient déjà créé. Le reste de l'Europe résumait les conséquences du Moyen Âge et sentait naître un nouveau thème dans l'art : le thème de l'individualité.

L'entrée de la musique médiévale dans une nouvelle ère est marquée par la parution du traité « Ars Nova » de Philippe de Vitry - « Art nouvel ». Dans ce document, le scientifique et musicien a tenté d'esquisser une nouvelle image de la beauté musicale. Le nom de ce traité a donné son nom à toute la culture musicale du XIVe siècle. Désormais, la musique doit abandonner les sons simples et grossiers et rechercher la douceur et le charme du son : au lieu des harmonies vides et froides de l'Ars antiqua, il est prescrit d'utiliser des harmonies pleines et mélodieuses.

La culture musicale professionnelle du Moyen Âge en Europe était principalement associée à l'église, c'est-à-dire au domaine de la musique culte. Plein de religiosité, l’art est canonique et dogmatique, mais il n’est néanmoins pas figé ; il est détourné de la vanité du monde vers le monde détaché du service du Seigneur. Cependant, à côté de cette musique « supérieure », il y avait du folklore et de la créativité. musiciens itinérants, ainsi qu'une noble culture chevaleresque.

Culture musicale sacrée du haut Moyen Âge

Au début du Moyen Âge, la musique professionnelle n'était entendue que dans les cathédrales et les écoles de chant qui y étaient rattachées. Le centre de la culture musicale du Moyen Âge en Europe occidentale était la capitale de l'Italie - Rome - la même ville où se trouvaient les « autorités ecclésiastiques suprêmes ».

En 590-604, le pape Grégoire Ier procède à une réforme du chant religieux. Il a organisé et rassemblé divers chants dans la collection « Antiphonaire Grégorien ». Grâce à Grégoire Ier, une direction appelée chant grégorien s'est formée dans la musique sacrée d'Europe occidentale.

Choral- Il s'agit généralement d'un chant à une seule voix, qui reflète les traditions séculaires des peuples d'Europe et du Moyen-Orient. C'est cette douce mélodie monophonique qui était destinée à guider les paroissiens pour qu'ils comprennent les fondements du catholicisme et acceptent une volonté unique. Le choral était principalement interprété par un chœur et seulement certaines parties par des solistes.

La base du chant grégorien était un mouvement progressif le long des sons des modes diatoniques, mais parfois dans le même choral il y avait aussi des psalmodies lentes et sévères et des chants mélismatiques de syllabes individuelles.

L'interprétation de telles mélodies n'était pas confiée à n'importe qui, car elle nécessitait des compétences professionnelles. compétence vocale. Tout comme la musique, le texte des chants, dans une langue latine incompréhensible pour de nombreux paroissiens, évoque l'humilité, le détachement de la réalité et la contemplation. Souvent, le fait de suivre le texte déterminait également la conception rythmique de la musique. Le chant grégorien ne peut pas être considéré comme une musique idéale ; il s’agit plutôt du chant d’un texte de prière.

Masse – genre principal compositeur de musique du Moyen Âge

messe catholique - le culte principal de l'église. Il combine des types de chant grégorien tels que :

antiphonaire (quand deux chœurs chantent alternativement) ;
répondeur (chantant alternativement solistes et chœur).

La communauté ne participait qu'au chant des prières communes.
Plus tard, au XIIe siècle. des hymnes (psaumes), des séquences et des chemins sont apparus dans la messe. Il s'agissait de textes supplémentaires comportant une rime (par opposition au choral principal) et une mélodie spéciale. Ces textes à rimes religieuses étaient bien mieux mémorisés par les paroissiens. En chantant avec les moines, ils variaient la mélodie et des éléments folkloriques commençaient à s'infiltrer dans la musique sacrée et servaient de motif à une créativité originale (Notker Zaika et moine Tokelon - monastère de Saint-Golen). Plus tard, ces airs ont complètement remplacé les parties psalmodiques et ont considérablement enrichi le son du chant grégorien.

Les premiers exemples de polyphonie sont venus des monastères, comme l'organum - mouvement en quartes ou quintes parallèles, gimel, faubourdon - mouvement en accords de sixtes, conduction. Les représentants de cette musique sont les compositeurs Léonin et Perotin (Cathédrale Notre-Dame - XII-XIII siècles).

Culture musicale laïque du Moyen Âge

Le côté laïc de la culture musicale du Moyen Âge était représenté par : en France - jongleurs, mimes, ménestrels , en Allemagne - talons aiguilles, en Espagne - hoglars, en Russie - bouffons. Tous étaient des artistes itinérants et combinaient dans leur créativité le jeu des instruments, le chant, la danse, la magie, spectacle de marionnettes, art du cirque.

Une autre composante de la musique profane était la musique chevaleresque, dite culture courtoise . Le code chevaleresque spécial formé stipulait que chacun des chevaliers devait non seulement avoir du courage et de la bravoure, mais aussi des manières raffinées, une éducation et être dévoué à la Belle Dame. Tous ces aspects de la vie des chevaliers se reflètent dans les œuvres troubadours(sud de la France - Provence), Trouvères (nord de la France), Minnesingers(Allemagne).

Leurs travaux sont présentés principalement dans paroles d'amour, son genre le plus courant était la canzona (albes - « Chansons du matin » chez les Minnesingers). Utilisant largement l'expérience des troubadours, les trouvères ont créé leurs propres genres : « chansons de mai », « chansons de tissage ».

Le domaine le plus important des genres musicaux des représentants de la culture courtoise était le chant et genres de danse, comme rondo, virele, ballade, épopée héroïque. Le rôle des instruments était très insignifiant ; il se réduisait à encadrer des mélodies vocales avec une introduction, un interlude et un postlude.

Moyen Âge mature XI-XIII siècles.

Un trait caractéristique de la maturité du Moyen Âge est le développement culture bourgeoise . Son orientation était l'anti-église, la libre pensée et le lien avec le folklore humoristique et carnavalesque. De nouveaux genres de polyphonie apparaissent : le motet, qui se caractérise par la dissemblance mélodique des voix de plus, différents textes sont chantés simultanément dans le motet et même ; différentes langues; madrigal - chanson langue maternelle(italien), caccia - pièce vocale avec un texte décrivant la chasse.

Du XIIe siècle à art folklorique Des vagabonds et des Goliards les rejoignirent, qui, contrairement aux autres, étaient alphabétisés. Les universités sont devenues porteuses de la culture musicale du Moyen Âge. Depuis que le système de modes du Moyen Âge a été développé par des représentants de la musique sacrée, ils ont commencé à être appelés modes d'église (mode ionien, mode éolien).

La doctrine des hexacordes a également été mise en avant - seuls 6 pas ont été utilisés dans les modes. Le moine Guido Aretinsky a élaboré un système d'enregistrement de notes plus avancé, qui consistait en la présence de 4 lignes, entre lesquelles il y avait un troisième rapport et signe clé ou coloration des lignes. Il a également introduit un nom syllabique pour les marches, c'est-à-dire que la hauteur des marches a commencé à être indiquée par des signes alphabétiques.

Ars Nova XIII-XV siècles.

La période de transition entre le Moyen Âge et la Renaissance se situe au XIVe siècle. Cette période en France et en Italie s’appelait Ars Nova, c’est-à-dire « l’art nouveau ». Le temps est venu de nouvelles expériences artistiques. Les compositeurs commencent à composer des œuvres dont le rythme devient beaucoup plus complexe que les précédentes (Philippe de Vitry).

De plus, contrairement à la musique sacrée, des demi-tons ont été introduits ici, à la suite desquels des augmentations et des diminutions aléatoires des tons ont commencé à se produire, mais il ne s'agit pas encore d'une modulation. À la suite de telles expériences, des œuvres intéressantes ont été obtenues, mais pas toujours harmonieuses. Le musicien expérimental le plus brillant de cette époque était Solazh. Culture musicale Le Moyen Âge est plus développé par rapport à la culture Ancien monde, malgré les limites des fonds et contient les conditions préalables à l'épanouissement de la musique à la Renaissance.

Résumé sur le thème « Musique », 7e année

Au Moyen Âge, un nouveau type de culture musicale est apparu en Europe : la culture féodale, combinant l'art professionnel, la création musicale amateur et le folklore. Puisque l'Église domine tous les domaines de la vie spirituelle, la base de la formation professionnelle art musical constitue les activités des musiciens dans les églises et les monastères. L'art professionnel profane n'était initialement représenté que par des chanteurs qui créaient et interprétaient des contes épiques à la cour, dans les maisons de la noblesse, parmi les guerriers, etc. (bardes, scaldes, etc.). Au fil du temps, des formes amateurs et semi-professionnelles de création musicale chevaleresque se sont développées : en France - l'art des troubadours et des trouvères (Adam de la Halle, XIIIe siècle), en Allemagne - les minnesingers (Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, XII-XIII siècles), ainsi que des artisans urbains. Dans les châteaux et les villes féodales, toutes sortes de genres, genres et formes de chants sont cultivés (épopée, « aube », rondo, ballades, etc.).

De nouveaux arrivent dans la vie quotidienne instruments de musique, y compris ceux venus d'Orient (viole, luth, etc.), des ensembles (de composition instable) surgissent. Le folklore fleurit parmi les paysans. Il existe aussi des « professionnels du folk » : conteurs, artistes ambulants (jongleurs, mimes, ménestrels, shpilmans, bouffons). La musique remplit principalement des fonctions appliquées et spirituelles-pratiques. La créativité apparaît en unité avec la performance (généralement chez une seule personne) et avec la perception. La collectivité domine à la fois dans le contenu de la musique et dans sa forme ; le principe individuel est subordonné au principe général, sans s'en démarquer (un maître musicien est le meilleur représentant de la communauté). La tradition stricte et la canonicité règnent en tout. La consolidation, la préservation et la diffusion des traditions et des standards (mais aussi leur actualisation progressive) ont été facilitées par le passage des neumas, qui n'indiquaient qu'approximativement la nature du mouvement mélodique, à la notation linéaire (Guido d'Arezzo, XIe siècle), qui a permis d'enregistrer avec précision la hauteur des tons, puis leur durée.

Peu à peu, bien que lentement, le contenu de la musique, ses genres, ses formes et ses moyens d'expression s'enrichissent. DANS Europe de l'Ouest des VI-VII siècles. Un système strictement réglementé de musique d'église à une voix (monodique) basé sur des modes diatoniques (chant grégorien) émergeait, combinant récitation (psalmodie) et chant (hymnes). Au tournant des Ier et IIe millénaires, la polyphonie commence à émerger. De nouveaux genres vocaux (choral) et vocaux-instrumentaux (choeur et orgue) se forment : organum, motet, direction, puis messe. En France, au XIIe siècle, la première école de compositeurs (créatifs) s'est formée à la cathédrale Notre-Dame (Léonine, Perotin). Au tournant de la Renaissance (style ars nova en France et en Italie, XIVe siècle) dans la musique professionnelle, la monophonie est remplacée par la polyphonie, la musique commence à s'affranchir progressivement des fonctions purement pratiques (service des rites religieux), l'importance des genres profanes , y compris les chansons, y augmente (Guillaume de Masho). De nombreux musicologues (dont Pierre Aubry) ont consacré leurs travaux à la musique médiévale en Europe.

Littératie financière : tout ce que vous devez savoir

Héros de la guerre de Troie : hommes courageux, hommes rusés, hommes impudents