Sandro Botticelli (italien : Sandro Botticelli, de son vrai nom Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (italien : Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi ; 1er mars 1445 - 17 mai 1510) était un grand peintre italien de la Renaissance, représentant de l'école florentine de peinture.

Botticelli est né dans la famille du tanneur Mariano di Giovanni Filipepi et de son épouse Smeralda dans le quartier Santa Maria Novella de Florence. Le surnom de « Botticelli » (tonneau) lui vient de son frère aîné Giovanni, qui était un gros homme.

Formation artisanale (1445-1467)

Botticelli n'est pas venu à la peinture tout de suite : il a d'abord été apprenti chez l'orfèvre Antonio pendant deux ans (il existe une version selon laquelle le jeune homme a reçu son nom de famille de lui). En 1462, il commence à étudier la peinture avec Fra Filippo Lippi, dans l'atelier duquel il passe cinq ans. A l'occasion du départ de Lippi à Spolète, il s'installe à l'atelier Andrea Verrocchio.

Les premières œuvres indépendantes de Botticelli - plusieurs images de Madones - démontrent dans leur manière d'exécution une proximité avec les œuvres de Lippi et Masaccio, les plus célèbres sont : "La Vierge à l'Enfant, deux anges et le jeune Jean-Baptiste" (1465-1470), " Vierge à l'Enfant et deux anges" (1468-1470), "Madone à la Roseraie" (vers 1470), "Madone de l'Eucharistie" (vers 1470).

"Madone de l'Eucharistie"

Premiers travaux (1470-1480)

À partir de 1470, il possédait son propre atelier près de l'église de Tous les Saints. Le tableau "Allégorie de la Force" (Fortitude), peint en 1470, marque l'acquisition du style propre de Botticelli. En 1470-1472, il écrivit un diptyque sur l'histoire de Judith : « Le retour de Judith » et « La découverte du corps d'Holoferne ».

En 1472, le nom de Botticelli est mentionné pour la première fois dans le Livre rouge de la Compagnie de Saint-Luc. Il précise également que son élève est Filippino Lippi.

Lors de la fête en l'honneur du saint du 20 janvier 1474, le tableau « Saint Sébastien » fut placé avec une grande solennité sur l'un des piliers de l'église florentine de Santa Maria Maggiore, ce qui explique son format allongé.

Vers 1475, le peintre peint pour le riche citadin Gaspare del Lama le célèbre tableau «L'Adoration des Mages», dans lequel, outre les représentants de la famille Médicis, il se représente également. Vasari a écrit : « En vérité, cette œuvre est le plus grand miracle, et elle est portée à une telle perfection en termes de couleur, de design et de composition que chaque artiste en est encore émerveillé aujourd'hui. »

"Adoration des Mages" (vers 1475)

À cette époque, Botticelli devient célèbre en tant que portraitiste. Les plus significatifs sont le « Portrait d'un inconnu avec une médaille de Cosme Médicis » (1474-1475), ainsi que les portraits de Giuliano Médicis et de dames florentines.

En 1476, Simonetta Vespucci décède, selon plusieurs chercheurs, Amour secret et le modèle de plusieurs tableaux de Botticelli, qui ne s'est jamais marié.

"Portrait d'un inconnu avec la médaille de Cosme de Médicis l'Ancien"

Julien Médicis

Portrait d'une jeune femme

Séjour à Rome (1481-1482)

La renommée de Botticelli, qui se répandit rapidement, dépassa les frontières de Florence. Depuis la fin des années 1470, l'artiste reçoit de nombreuses commandes. "Et puis il s'est acquis... à Florence et au-delà de ses frontières une telle renommée que le pape Sixte IV, qui a construit une chapelle dans son palais romain et voulait la peindre, lui a ordonné de se charger des travaux."

En 1481, le pape Sixte IV convoque Botticelli à Rome. Avec Ghirlandaio, Rosselli et Perugino, Botticelli a décoré de fresques les murs de la chapelle papale du Vatican, connue sous le nom de chapelle Sixtine. Après que Michel-Ange ait peint le plafond et le mur de l'autel sous Jules II en 1508-1512, l'édifice va acquérir une renommée mondiale.

Botticelli a réalisé trois fresques pour la chapelle : « Le Châtiment de Coré, Daphné et Abiron », « La Tentation du Christ » et « L'Appel de Moïse », ainsi que 11 portraits papaux.

"Tentation du Christ"

"L'appel de Moïse"

Œuvres profanes des années 1480

Botticelli a fréquenté l'Académie platonicienne de Laurent le Magnifique, où il a rencontré Ficin, Pico et Poliziano, tombant ainsi sous l'influence du néoplatonisme, qui se reflète dans ses peintures sur des thèmes profanes.

L'œuvre la plus célèbre et la plus mystérieuse de Botticelli est « Le Printemps » (Primavera) (1482). Le tableau, avec « Pallas et le Centaure » (1482-1483) de Botticelli et « La Vierge à l'Enfant » d'un auteur inconnu, était destiné à décorer le palais florentin de Lorenzo di Pierfrancesco, représentant de la famille Médicis. Le peintre s’est notamment inspiré pour créer le tableau d’un fragment du poème de Lucrèce « De la nature des choses » :

Voici le printemps, et Vénus arrive, et Vénus est ailée

Le messager arrive en tête et, après Zéphyr, devant eux

Flore la Mère marche et, dispersant des fleurs le long du chemin,

Remplit tout de couleurs et d'une douce odeur...

Les vents, déesse, courent devant toi ; avec votre approche

Les nuages ​​​​quittent les cieux, la terre est un maître luxuriant

Un tapis de fleurs s'étend, les vagues de la mer sourient,

Et le ciel azur brille de lumière diffuse.

Le caractère allégorique du « Printemps » donne lieu à de nombreuses discussions quant à l'interprétation du tableau.

En 1483, le marchand florentin Antonio Pucci chargea Botticelli de créer quatre tableaux allongés représentant des scènes histoire d'amour du Décaméron de Boccace sur Nastagio degli Onesti.

"L'Histoire de Nastagio degli Onesti" du Décaméron de Boccace. Épisode 2

Nouvelle de Nastagio degli Onesti, banquet dans une forêt de pins.

Nouvelle de Nastagio degli Onesti

Le tableau « Vénus et Mars » (vers 1485) est dédié au thème de l’amour.

"Vénus et Mars"

Vers 1485 également, Botticelli réalise le célèbre tableau « La Naissance de Vénus ». «...Qu'est-ce qui distingue l'œuvre de Sandro Botticelli du style de ses contemporains - les maîtres du Quattrocento et, bien sûr, les peintres de tous les temps et de tous les peuples ? C'est une mélodie particulière de la ligne dans chacun de ses tableaux, un sens du rythme extraordinaire, exprimé dans les nuances les plus fines et dans la belle harmonie de son « Printemps » et de sa « Naissance de Vénus ». La coloration de Botticelli est musicale, le leitmotiv de l'œuvre y est toujours clair. Peu de gens dans la peinture mondiale sonnent ainsi avec la plasticité de la ligne, le mouvement et l'excitation, profondément lyrique, loin des intrigues mythologiques ou autres. L'artiste lui-même est le réalisateur et compositeur de ses créations. Il n’utilise pas de canons guindés, c’est pourquoi ses peintures excitent tant le spectateur moderne par leur poésie et la primauté de leur vision du monde.

"Naissance de Vénus"

En 1480-1490, Botticelli réalise une série d’illustrations à la plume pour la Divine Comédie de Dante. "Sandro dessinait exceptionnellement bien, à tel point que longtemps après sa mort, tous les artistes ont essayé de récupérer ses dessins."

Dante Alighieri

Peintures religieuses des années 1480

"L'Adoration des Mages" (1478-1482), "La Vierge et l'Enfant intronisés" (Retable de Bardi) (1484), "L'Annonciation" (1485) - Les œuvres religieuses de Botticelli de cette époque sont les plus hautes réalisations créatives du peintre.

"Vierge et enfant intronisés"

Adoration des Mages

Annonciation

Au début des années 1480, Botticelli réalise la Madone Magnificat (1481-1485), tableau déjà célèbre du vivant de l’artiste, comme en témoignent de nombreuses copies. Elle est l'un des tondos de Botticelli. Des peintures similaires en forme de cercle étaient très populaires à Florence au XVe siècle. Le fond du tableau est un paysage, comme dans « Vierge au livre » (1480-1481), « Vierge à l'enfant, six anges et Jean-Baptiste » (vers 1485), « Vierge à l'enfant et cinq anges » (1485). -1490).

"Madonna Magnificat"

Vierge à l'Enfant, Six Anges et Jean-Baptiste

En 1483, avec le Pérugin, Ghirlandaio et Filippino Lippi, il peint des fresques dans la villa de Laurent le Magnifique près de Volterra.

Vers 1487, Botticelli peint la Madone à la Grenade. La Madone tient dans sa main une grenade, qui est un symbole chrétien (à l’origine, la Madone Sixtine de Raphaël avait aussi une grenade à la main au lieu d’un livre).

Œuvres ultérieures (1490-1497)

En 1490, le moine dominicain Girolamo Savonarola apparaît à Florence, dont les sermons sonnent un appel au repentir et au renoncement à une vie pécheresse. Botticelli était fasciné par ces sermons et, selon la légende, il regardait même ses tableaux brûler au bûcher de la vanité. Dès lors, le style de Botticelli change radicalement, il devient ascétique, la gamme de couleurs est désormais restreinte, avec une prédominance des tons sombres.

La nouvelle approche de l’artiste dans la création d’œuvres est clairement visible dans le « Couronnement de Marie » (1488-1490), la « Lamentation du Christ » (1490) et un certain nombre d’images de la Vierge à l’Enfant. Les portraits réalisés par l'artiste à cette époque, par exemple le portrait de Dante (vers 1495), sont dépourvus de paysage ou de fonds intérieurs.

Les changements de style sont particulièrement visibles lorsque l’on compare « Judith quittant la tente d’Holoferne » (1485-1490) avec un tableau du même sujet créé environ vingt-cinq ans plus tôt.

En 1491, Botticelli participe aux travaux de la commission chargée de revoir les projets de la façade de la cathédrale de Santa Maria del Fiore.

Le seul peinture tardive la « Calomnie d'Apelles » parut sur un sujet profane (vers 1495).

"Judith quittant la tente d'Holoferne"

"Calomnie"

Le roi-juge Midas comme une allégorie de la stupidité entourée de suspicion et d'ignorance similaires

La calomnie, tirant les cheveux de l'Innocence, accompagnée de ses compagnons - Ruse et Mensonges

La Vérité, qui personnifie la pureté par sa nudité, et la Repentance, qui avec son regard interrogateur et mauvais est plutôt l'Envie.

Derniers travaux (1498-1510)

En 1498, Savonarole fut capturée, accusée d'hérésie et condamnée à mort. Ces événements ont profondément choqué Botticelli.

En 1500, il réalise « La Nativité mystique », la seule œuvre signée et datée de sa main, qui contient l'inscription en grec : « Moi, Alessandro, j'ai peint ce tableau à la fin de 1500, dans les troubles de l'Italie, la moitié du temps après l'époque où [ce qui est dit au chapitre] onze de Jean, à propos de la deuxième montagne de l'Apocalypse, à l'époque où le diable était libéré pour trois ans et demi. Puis il fut enchaîné conformément au douzième, et nous le verrons [piétiné à terre] comme sur cette image.

Parmi les dernières œuvres de l'artiste de cette période figurent des scènes des histoires des femmes romaines Virginie et Lucrèce, ainsi que des scènes de la vie de saint Zénobe.

"Noël mystique"

Baptême de St. Zinovy ​​​​​​et sa nomination au poste d'évêque

Scènes de la vie de saint Zénobe

Scènes de la vie de saint Zénobe

Trois miracles de saint Zénobe

Scènes de la vie de saint Zénobe

En 1504, le peintre participe aux travaux de la commission d’artistes chargée de choisir un lieu pour installer le « David » de Michel-Ange.

Botticelli « s'est retiré du travail et a fini par vieillir et s'appauvrir à tel point que si son vivant n'avait pas été rappelé par Lorenzo de' Medici, pour qui, sans parler de bien d'autres choses, il a beaucoup travaillé dans un petit hôpital à Volterra, et derrière lui ses amis et de nombreuses personnes riches, admirateurs de son talent, aurait pu mourir de faim. Le 17 mai 1510, à l'âge de 66 ans, mourut Sandro Botticelli. Le peintre a été enterré au cimetière de l'église de Tous les Saints de Florence.

Nom de cinq siècles Raphaël entouré d'une aura d'admiration et d'adoration. Les contemporains, qui appréciaient grandement son talent, appelaient l’artiste « le divin Raphaël ». Et ce n’était pas une exagération. Comme aucun autre peintre, il a su convaincre de la véracité de ses images et en même temps inculquer dans l'âme le désir de beauté.

Raphaël a vécu exactement 37 ans. Est né en Bon vendredi 6 avril 1483, décédé le 6 avril 1520, également le Vendredi Saint. Raphaël est né dans la petite ville italienne d'Urbino de Giovanni et Maggia Santi. Son père était « un artiste médiocre, mais un homme sensé », et en plus, il était aussi un poète qui écrivait des chroniques de poésie. Le père est devenu le professeur de son fils. Et tout allait bien dans leur maison jusqu'à la mort de Majia. Rafael n’avait alors que 8 ans et trois ans plus tard, il perdit son père. L'atelier de Giovanni Santi, comme déjà mentionné, était décoré d'une fresque peinte par lui-même sur le mur : une belle mère (Madonna) avec un bébé sur ses genoux et un livre à la main. Raffaello considérait cette fresque comme une représentation de Maggia et passait parfois de longues heures près du mur. L'adolescence de Raphaël coïncide avec le début de la Renaissance.

Contrairement à Leonardo, Raphaël était complètement de son époque. Il n’y a rien d’étrange, de mystérieux ou d’énigmatique dans ses œuvres. Tout y est clair et transparent, tout est beau et parfait. Il incarnait le plus puissamment l’idéal positif d’une belle personne. Un principe d'affirmation de la vie règne dans son œuvre. Le thème principal de son travail était le thème de la Madone, dont il a trouvé une incarnation idéale et inégalée.

Il n'avait pas encore 19 ans lorsqu'il peignit son chef-d'œuvre, Madonna Conestabile. Dans un cercle exactement inscrit dans un carré, Raphaël représente une jeune femme recouverte d'un foulard bleu. Elle reste à l'intérieur main droite livre, de sa main gauche il serre son petit fils contre lui et ensemble ils - le garçon nu et sa mère - regardent le livre. "Ici Raphaël apparaît comme un maître du début de la Renaissance, comme un conteur qui a peur de rater le moindre détail de l'histoire." La jeunesse et la timidité du style de l'artiste, un doute à peine perceptible et tous les signes d'une maturité proche confèrent à cette première des Madones de Raphaël un charme très particulier, un peu instable, elle semble prête à disparaître, à se dissoudre dans le lointain lointain, là où le printemps les champs sont à peine verts et les arbres sont toujours sans feuillage...

Ces peintures ont été suivies de toute une série de variations sur le même thème - « Madone au chardonneret », « Le beau jardinier », « Madone parmi les verts », « Madone au Joseph imberbe », « Madone sous le dais ». A. Benois définit ces variations comme de « charmants sonnets pittoresques ». Tous élèvent et idéalisent une personne, glorifient la beauté, l'harmonie et la grâce.
En 1504, Raphaël, à la suite de son professeur Pérugin, peint le retable « Les Fiançailles de Marie » - une image d'une beauté absolument étonnante, d'une tristesse et d'une sagesse éclairées, ce qui est particulièrement choquant si l'on imagine clairement que le voyant et le voyant qui ont créé les « Fiançailles » est un jeune homme d'une vingtaine d'années.
Le thème de l'humilité, de l'abandon complet de soi au pouvoir d'un principe supérieur, de l'humilité devant lui, qui était le thème spirituel principal de Raphaël, révélé le plus pleinement dans de très nombreuses images de ses Madones, semble ici étonnamment clair. Marie debout devant le grand prêtre, tendant la main à Joseph, le pieux Joseph, le grand prêtre-patriarche à la barbe grise ont été peints par le jeune Raphaël avec une telle profondeur et une telle habileté, semblables, en fait, plus à la connaissance qu'à l'habileté. , qui ne peut pas être expliqué uniquement par le génie artistique - il y a certainement quelque chose derrière cela, une expérience humaine (personnelle), et nous ne pourrons presque jamais résoudre complètement son énigme...

Voici les étapes ultérieures du parcours créatif de Raphaël : son séjour à Florence (1504-1508) - une période d'étude approfondie des œuvres de Léonard de Vinci, de l'anatomie, de la perspective, une période d'auto-éducation intense, dont la nature du génie besoins urgents au seuil de la maturité finale. Ensuite - travail sur les « strophes » (peintures des salles d'apparat) du Palais du Vatican à Rome, où Raphaël se rendit à l'invitation du pape Jules II (de l'automne 1508 au milieu de 1510) ; c'est là que Raphaël découvre véritablement l'Antiquité et lui, déjà maître célèbre, s'y intéresse avec l'enthousiasme d'un néophyte. Elle a réveillé en lui le talent jusqu'alors caché de sculpteur et le talent d'architecte. Enfin, la dernière période, également romaine, dont le couronnement était le chef-d'œuvre de Raphaël - « La Madone Sixtine » (1515-1519), probablement le tableau le plus célèbre de toute la peinture mondiale. La Madone est représentée flottant légèrement sur les nuages. Tenant son bébé dans ses bras, elle descend au sol parmi les gens, et son mouvement, à peine perceptible, est transmis par Raphaël avec une habileté exceptionnelle. À gauche du spectateur se trouve le pape Sixte, patron du monastère, submergé de respect et de joie à la vue de la Madone ; à droite se trouve Sainte Barbe, considérée comme la patronne de la ville de Plaisance. Le bébé, tranquillement assis dans les bras de la Madone, est plein d'un sérieux enfantin, son regard est attentif et attentif.
La mesure règne dans le tableau. Equilibre et harmonie. Il se distingue par des lignes douces et arrondies, des motifs doux et mélodiques, la richesse et la richesse des couleurs. Madonna elle-même rayonne d'énergie et de mouvement. Avec cette œuvre, Raphaël a créé l'image la plus sublime et poétique de la Madone dans l'art de la Renaissance.

Raphaël est considéré comme un artiste des éléments féminins et célestes, pour qui « les sons du ciel ne pouvaient être remplacés... par les chants ennuyeux de la terre ». Et cela est vrai dans une certaine mesure. Mais il serait faux de penser que la raison en est son ignorance ou son incompréhension de la vie et des gens. La meilleure preuve en est ses portraits. Cet artiste de Madonna était un brillant portraitiste, et à une époque où « un portrait sculptural ou pictural en disait plus que la meilleure biographie ». Raphaël, tout d'abord, a révélé sa compréhension des gens avec son « Autoportrait » de 1506 : un beau visage est écrit à moitié tourné, dans les yeux immenses il y a une tristesse sans fin, voire un détachement, mais ne vous y trompez pas : le regard de ces yeux est perspicace - rien qu'il daigne remarquer.

Raphaël a peint de nombreux portraits, masculins et féminins. Citons-en deux autres : « Portrait d'Agnolo Doni » - un jeune homme, un personnage complètement opposé à Raphaël lui-même : impérieux, sobre, peut-être dur, et le célèbre portrait du « Pape Léon X avec deux cardinaux » - ce Pape fut un admirateur et un patron de Raphaël dans les dernières années de sa vie. Mais l'artiste ne le flattait pas : un visage potelé, un regard méfiant, des mains qui trahissaient une secrète inquiétude, l'incarnation d'une vérité stricte et impartiale...

En 1508, il vient à Rome où, avec des artistes célèbres, il peint les chambres du Pape au Vatican. Déjà à l'âge de trente ans, Raphaël est devenu une célébrité, créant des fresques inégalées en termes de monumentalité, d'ampleur, de perfection de composition et de profondeur de contenu, qui sont ensuite entrées dans l'histoire de l'art mondial.
Les architectes et les sculpteurs ont créé leurs œuvres à partir des croquis du grand artiste. En tant qu'architecte à partir de 1515, Raphaël supervisa la construction de la cathédrale Saint-Pierre. Pétra.

À partir des peintures anciennes découvertes lors de fouilles archéologiques, il crée un magnifique ensemble décoratif de loggias du Vatican. D’après les croquis de l’artiste, d’immenses tapis auraient été tissés à Bruxelles pour décorer la Chapelle Sixtine.

Un artiste exceptionnel, reconnu comme le chef de l'école d'art romaine, mourut en pleine épanouissement de sa puissance créatrice. Il fut enterré au panthéon romain. La tombe est décorée d'une statue en marbre de la Madone avec l'inscription "Ici repose ce Raphaël, pendant la vie duquel la grande nature avait peur d'être vaincue, et après sa mort elle avait peur de mourir".

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Établissement d'enseignement privé

"INSTITUT DE LA CONNAISSANCE MODERNE NOMMÉ D'APRÈS A.M. SHIROKOV"

Département d'études culturelles

Àtravail de cours

Discipline : Études culturelles fondamentales

Sur le thème : "La beauté féminine dans les tableaux de Botticelli, Léonard de Vinci, Raphaël et Titien : une analyse comparative"

Étudiant

Kouznetsova N.O.

Superviseur

Karaulova R.Z.

INTRODUCTION

CHAPITRE 1. RENAISSANCE

2.2 Description des travaux

2.3 Analyse comparative

CONCLUSION

LITTÉRATURE

INTRODUCTION

C'était une époque de grandes découvertes et de gens formidables. Il semblait que l’humanité, débarrassée de la torpeur et de l’antiquité du Moyen Âge, retrouvait avec joie et surprise le monde dans lequel elle vivait. Cette époque sera appelée la Renaissance. Après des siècles d’oubli, les hommes ont redécouvert l’art et la sagesse du monde antique. Mais la principale découverte de la Renaissance fut l’homme lui-même. L'homme est grand et beau. Il a des possibilités créatives et spirituelles illimitées - lorsqu'une personne crée, elle est comme le Créateur Suprême. Après tout, le Seigneur a créé ce monde, tout comme un artiste crée ses créations. Et même si les affaires humaines de cette époque lointaine n’étaient pas toujours « magnifiques » et que les épées continuaient de tinter et que le sang coulait sur les champs de bataille, la Renaissance était souvent comparée à un beau printemps.

L'art de cette époque a donné à toute l'humanité de nombreux noms célèbres d'artistes, sculpteurs, architectes : Giotto et Brunelleschi, Donatello et Piero della Francesca, Botticelli et Bramante, Michel-Ange et Léonard de Vinci, Titien et Véronèse, ces personnes sont appelées « les titans de la Renaissance." C'est pourquoi j'ai pris ce sujet de réflexion. À quoi ressemblait une femme avant, quel était l'idéal, comment les artistes représentaient la belle moitié, en quoi la beauté féminine est-elle différente de la beauté moderne ? Dans mon travail, j'essaierai de comprendre ces problèmes. Et mener une analyse des artistes de la même époque.

La Renaissance était avant tout un phénomène spirituel. Cela a marqué un tournant dans l’évolution de la culture et de la civilisation occidentales. Cela signifiait le début d’une nouvelle tendance – une tendance de la culture à la civilisation.

Pertinence du sujet :

Il me semble que ce sujet est toujours d'actualité, et il est aussi très intéressant, unique et inimitable. Il est pertinent que la question se pose toujours de savoir à quoi devrait ressembler une femme, car elle était et restera du beau sexe, avec une beauté qui sauvera le monde. C'est intéressant parce que ces peintures ont survécu jusqu'à nos jours, et nous pouvons regarder et voir de nos propres yeux ce qui a été représenté plus tôt, c'est une œuvre d'art très précieuse pour nous. C'est unique dans la mesure où ces peintures sont uniques, inestimables, vivantes, personne d'autre ne créera une telle beauté. Et inimitable car il n'y aura aucune analogie avec ces belles peintures, ce que ces artistes ont créé avec amour restera à jamais dans nos cœurs.

La Renaissance a soulevé le concept de l’esprit humain et de sa capacité à comprendre le monde. Le développement rapide de la science est caractéristique de cette période. Attention particulièreÀ la recherche d’un idéal, les humanistes se sont tournés vers l’histoire de l’humanité. La culture ancienne s’est avérée la plus proche de leurs aspirations. Beaucoup de gens instruits de cette époque se montraient indifférents à la religion. Et même si les artistes peignaient principalement sur des thèmes religieux, ils voyaient images religieuses expression poétique accumulé au fil des siècles expérience de la vie de personnes.

Définir l'interprétation beauté féminine. Découvrez la femme idéale de cette époque.

Considérez les images féminines à l'aide de l'exemple des œuvres de Léonard de Vinci « Madonna Litta », « Portrait de la Joconde » ; Sandro Botticelli « Printemps », « Naissance de Vénus » ; Raphaël « Madone Sixtine », « Madone Calestabile » ; Titien "Vénus au miroir", "Madeleine pénitente". Réaliser une analyse comparative des œuvres des artistes de la Renaissance.

La Renaissance était avant tout italienne. Il n’est donc pas surprenant que ce soit en Italie que l’art ait atteint son apogée et son épanouissement au cours de cette période, surtout l’épanouissement de l’art. F. Engels a écrit à propos de la Renaissance : « Ce fut la plus grande révolution progressiste de tout ce que l'humanité a connu jusqu'à cette époque, une époque qui avait besoin de titans et qui a donné naissance à des titans dans le pouvoir de la pensée, de la passion et du caractère, dans la polyvalence et apprentissage."

La peinture italienne du XVe siècle est majoritairement monumentale. Elle a été réalisée sur les murs selon la technique de la fresque et, de par sa nature même, a été conçue pour être perçue de loin. Les maîtres italiens ont su donner à leurs images un caractère universellement significatif. Ils ont laissé de côté les bagatelles et les détails et ont regardé le monde à travers les yeux de personnes qui savaient voir l'essence d'une personne dans ses gestes, ses mouvements corporels et sa posture.

Dans mon travail j'ai utilisé les œuvres suivantes : « Dictionnaire encyclopédique jeune artiste"N.I. Platonova, V.D. Sinyukov (1983) dans ce livre, les auteurs ont réussi à expliquer clairement et clairement ce qu'est la Renaissance. Il y avait de très bons exemples de peintures et d'artistes. "Raphael" de A. B. Clients (2004) - ce livre contient toute la biographie du grand artiste avec de belles et très lumineuses illustrations. Magazine « Smena », rédacteur en chef M.I. Kizilov (août 1998), le titre contient toute l'essence de la façon dont une chose est remplacée par une autre. Et une autre source importante que j'ai le plus utilisée est « Leonardo », traduction de l'italien par E. K. Arkhipova (1986). Ce livre parle non seulement du brillant artiste, mais aussi de l'époque dans laquelle il a vécu, il décrit ce qui se passait à cette époque. temps .

CHAPITRE 1. RENAISSANCE

1.1 Définition de la Renaissance

Renaissance ou Renaissance - (« née de nouveau ») - une époque de l'histoire de la culture européenne, qui a remplacé le Moyen Âge et précédé la culture des temps modernes. Un cadre chronologique approximatif est le début du XIVe siècle - le dernier quart du XVIe siècle et, dans certains cas, les premières décennies du XVIIe siècle (par exemple, en Angleterre et surtout en Espagne). Un trait distinctif de la Renaissance est le caractère laïc de la culture et son anthropocentrisme (c'est-à-dire l'intérêt avant tout pour l'homme et ses activités). L’intérêt pour la culture ancienne apparaît, sa « renaissance » se produit pour ainsi dire – et c’est ainsi qu’est apparu le terme. DANS sens moderne le terme a été inventé par l'historien français du XIXe siècle Jules Michelet. De nos jours, le terme Renaissance est devenu une métaphore de l’épanouissement culturel.

Nouveau paradigme culturel est le résultat de changements fondamentaux dans les relations sociales en Europe.

La croissance des cités-républiques entraîne une augmentation de l'influence des classes qui ne participent pas aux relations féodales : artisans et artisans, marchands, banquiers. Le système hiérarchique de valeurs créé par la culture médiévale, en grande partie ecclésiale, et son esprit ascétique et humble leur étaient tous étrangers. Cela a conduit à l'émergence de l'humanisme - un mouvement socio-philosophique qui considérait l'homme, sa personnalité, sa liberté, son activité active et créatrice comme la valeur et le critère d'évaluation les plus élevés des institutions publiques.

Des centres laïques de science et d'art ont commencé à émerger dans les villes, dont les activités échappaient au contrôle de l'Église. La nouvelle vision du monde s'est tournée vers l'Antiquité, y voyant un exemple de relations humanistes et non ascétiques. L’invention de l’imprimerie au milieu du XVe siècle a joué un rôle majeur dans la diffusion du patrimoine ancien et des nouvelles perspectives dans toute l’Europe.

L'art de la Renaissance, comme celui des époques précédentes, visait à donner une idée de la structure du monde, terrestre et céleste. Ce qui était nouveau, c'est que les idées sur la divinité et les pouvoirs célestes ne sont plus interprétées comme un mystère incompréhensible et effrayant et, plus important encore, cet art est imprégné de foi en l'homme, en raison de son intelligence et de ses capacités créatrices. .

La vie à la Renaissance était étroitement liée à l’art. Il en constitue une partie indissociable, non seulement comme objet de contemplation, mais aussi comme œuvre et créativité. L'art semblait s'efforcer non seulement de remplir les églises et les palais, mais aussi de trouver sa place sur les places des villes, aux carrefours des rues, sur les façades des maisons et dans les intérieurs. Il était difficile de trouver une personne indifférente à l'art. Les princes, les marchands, les artisans, le clergé et les moines étaient souvent des gens connaissant l'art, des clients et des mécènes des artistes.

Le développement de l'art a été grandement facilité par le fait que les richesses rapidement acquises s'accumulaient dans les grandes. Mais un succès facile n'a pas gâché même les artistes les plus avides de gloire et de profit, puisque les principes stricts de l'organisation des guildes travail artistiqueétaient encore forts. Les jeunes étaient formés en travaillant comme assistants d'un maître mûr. C’est pourquoi de nombreux artistes connaissaient si bien le métier d’art. Les œuvres d'art ont été créées avec soin et amour. Même dans les cas où ils ne portent pas l’empreinte du talent ou du génie, nous sommes invariablement admirés par la qualité de l’artisanat. .

La Renaissance est née en Italie, où ses premiers signes étaient visibles aux XIIIe et XIVe siècles, mais elle ne s'est solidement implantée que dans les années 20 du XVe siècle. En France, en Allemagne et dans d’autres pays, ce mouvement a commencé bien plus tard. À la fin du XVe siècle, elle atteint son apogée. Au XVIe siècle, une crise des idées de la Renaissance se préparait, entraînant l'émergence du maniérisme et du baroque.

1.2 Périodes de la Renaissance italienne

La Renaissance italienne se divise en 5 étapes :

1-Proto-Renaissance (2e moitié du XIIIe siècle - 14e siècle)

2-Début de la Renaissance (1410/1425 du XVe siècle – fin du XVe siècle)

3-Haute Renaissance (fin du XVe siècle - 20 premières années du XVIe siècle)

4-Fin de la Renaissance (milieu du XVIe - années 90 du XVIe siècle)

5-Renaissance du Nord - XVIème siècle

La Renaissance a eu un énorme valeur positive dans l'histoire de la culture mondiale. L’art de la Renaissance incarnait l’idéal d’une existence humaine harmonieuse et libre, qui nourrissait sa culture.

1-Proto-Renaissance (« première » Renaissance - « Renaissance ») - une étape de l'histoire de la culture italienne précédant la Renaissance. Elle est considérée comme une transition entre le Moyen Âge et la Renaissance. Le terme a été introduit pour la première fois par l'historien suisse J. Burckhardt.

Dans la culture italienne des XIII-XIV siècles. Dans le contexte des traditions byzantines et gothiques encore fortes, les traits d'un nouvel art ont commencé à apparaître : l'art futur de la Renaissance. C'est pourquoi cette période de son histoire a été appelée la Proto-Renaissance. Il n’y a pas eu de période de transition similaire dans aucun des pays pays européens. En Italie même, l’art de la proto-Renaissance n’existait qu’en Toscane et à Rome. La culture italienne entrelaçait les caractéristiques de l'ancien et du nouveau.

La deuxième période de la « Première Renaissance » couvre la période de 1420 à 1500 en Italie. Au cours de ces quatre-vingts années, l'art n'a pas encore complètement abandonné les traditions du passé récent, mais a tenté d'y mêler des éléments empruntés à l'Antiquité classique. Ce n'est que plus tard, et seulement peu à peu, sous l'influence de conditions de vie et de culture de plus en plus changeantes, que les artistes abandonnent complètement les fondements médiévaux et utilisent avec audace des exemples de l'art ancien, tant dans le concept général de leurs œuvres que dans leurs détails.

Alors que l'art en Italie suivait déjà résolument la voie de l'imitation de l'Antiquité classique, dans d'autres pays, il adhéra longtemps aux traditions du style gothique. Au nord des Alpes, ainsi qu'en Espagne, la Renaissance ne commence qu'à la fin du XVe siècle et sa première période dure jusqu'au milieu du siècle suivant environ.

La troisième période de la Renaissance - l'époque du développement le plus magnifique de son style - est communément appelée la « Haute Renaissance ». Elle s'étend en Italie de 1500 environ à 1527. A cette époque, le centre d'influence de l'art italien de Florence s'installe à Rome, grâce à l'accession au trône papal de Jules II - un homme ambitieux, courageux et entreprenant, qui attirait à sa cour les meilleurs artistes d'Italie. avec des œuvres nombreuses et importantes et a donné aux autres un exemple d'amour pour l'art. Sous ce Pape et sous ses successeurs immédiats, Rome devient pour ainsi dire la nouvelle Athènes du temps de Périclès : de nombreux édifices monumentaux y sont construits, de magnifiques œuvres sculpturales, des fresques et des peintures sont peintes, qui sont encore considérées comme les perles de la peinture ; en même temps, les trois branches de l’art vont harmonieusement de pair, s’entraident et s’influencent mutuellement. L'Antiquité est désormais étudiée de manière plus approfondie, reproduite avec plus de rigueur et de cohérence ; le calme et la dignité remplacent la beauté enjouée qui était l'aspiration de la période précédente ; les souvenirs du Moyen Âge disparaissent complètement et une empreinte tout à fait classique tombe sur toutes les créations artistiques. Mais l'imitation des anciens ne noie pas l'indépendance des artistes, et ceux-ci, avec une grande ingéniosité et une vivacité d'imagination, retravaillent et appliquent librement à leur travail ce qu'ils jugent approprié d'emprunter pour eux-mêmes à l'art gréco-romain antique.

La fin de la Renaissance en Italie couvre la période des années 1530 aux années 1590-1620. Certains chercheurs considèrent également que les années 1630 font partie de la fin de la Renaissance, mais cette position est controversée parmi les critiques d'art et les historiens. L'art et la culture de cette époque sont si divers dans leurs manifestations qu'il n'est possible de les réduire à un seul dénominateur qu'avec un grand degré de convention. Par exemple, l'Encyclopedia Britannica écrit que « la Renaissance en tant que période historique cohérente s'est terminée avec la chute de Rome en 1527 ». En Europe du Sud, a triomphé la Contre-Réforme, qui s’est méfiée de toute libre pensée, y compris de la glorification du corps humain et de la résurrection des idéaux de l’Antiquité comme pierres angulaires de l’idéologie de la Renaissance. Les contradictions de la vision du monde et un sentiment général de crise ont conduit Florence à l'art « nerveux » des couleurs artificielles et des lignes brisées - le maniérisme.

Cinquième Nord - La Renaissance italienne a eu peu d'influence sur les autres pays jusqu'en 1450. Après 1500, le style s'est répandu à travers le continent, mais de nombreuses influences du gothique tardif ont persisté même jusqu'à l'époque baroque.

La Renaissance aux Pays-Bas, en Allemagne et en France est généralement identifiée comme un mouvement de style distinct, qui présente quelques différences avec la Renaissance en Italie, et est appelée « Renaissance du Nord ».

Les différences stylistiques les plus notables concernent la peinture : contrairement à l'Italie, les traditions et les compétences de l'art gothique ont longtemps été préservées dans la peinture, moins d'attention a été accordée à l'étude du patrimoine antique et à la connaissance de l'anatomie humaine.

CHAPITRE 2. GRANDS ARTISTES ITALIENS DE LA RENAISSANCE

2.1 Biographie et créativité des artistes

Sandro Botticelli(1er mars 1445 - 17 mai 1510) - un homme profondément religieux, a travaillé dans toutes les grandes églises de Florence et dans la chapelle Sixtine du Vatican, mais est resté dans l'histoire de l'art principalement comme auteur de poésies grand format des toiles sur des sujets inspirés de l'Antiquité classique - "Printemps" et "Naissance de Vénus". .

Botticelli resta longtemps dans l'ombre des géants de la Renaissance qui travaillèrent après lui, jusqu'à ce qu'il soit redécouvert au milieu du XIXe siècle par les préraphaélites britanniques, qui vénéraient la linéarité fragile et la fraîcheur printanière de ses toiles de la maturité. point culminant du développement de l’art mondial.

Né dans la famille d'un riche citadin, Mariano di Vanni Filipepi. Reçu une bonne éducation. Il a étudié la peinture avec le moine Filippo Lippi et a adopté de lui cette passion pour représenter des motifs touchants qui distinguent peintures historiques Lippi. Puis il travaille pour le célèbre sculpteur Verrocchio. En 1470, il organisa son propre atelier.

Il adopte la subtilité et la précision des lignes de son deuxième frère, bijoutier. Il étudie quelque temps avec Léonard de Vinci dans l'atelier de Verrocchio. L’originalité du talent de Botticelli est son penchant pour le fantastique. Il fut l'un des premiers à introduire les mythes et allégories antiques dans l'art de son temps et il travailla avec un amour particulier sur des sujets mythologiques. Particulièrement impressionnante est sa Vénus, qui flotte nue sur la mer dans une coquille, et les dieux des vents la couvrent d'une pluie de roses et chassent la coquille jusqu'au rivage.

Les fresques qu'il commença en 1474 dans la chapelle Sixtine du Vatican sont considérées comme la meilleure création de Botticelli. Il a réalisé de nombreuses peintures commandées par les Médicis. Il peint notamment la bannière de Julien de Médicis, frère de Laurent le Magnifique. Dans les années 1470-1480, le portrait devient un genre indépendant dans l’œuvre de Botticelli (« L’Homme à la médaille », vers 1474 ; « Jeune homme », années 1480). Botticelli est devenu célèbre pour son goût esthétique subtil et ses œuvres telles que « L'Annonciation » (1489-1490), « L'Abandonné » (1495-1500), etc. dernières années Botticelli aurait abandonné la peinture tout au long de sa vie.

Sandro Botticelli est enterré dans le tombeau familial de l'église d'Ognisanti à Florence. Selon son testament, il a été enterré près de la tombe de Simonetta Vespucci, qui a le plus inspiré Belles images maîtrise

Léonard de Ser Piero da Vinci(15 avril 1452, village d'Anchiano, près de la ville de Vinci, près de Florence - 2 mai 1519 - grand artiste italien(peintre, sculpteur, architecte) et scientifique (anatomiste, naturaliste), inventeur, écrivain, l'un des plus grands représentants de l'art Haute Renaissance, un excellent exemple " homme universel» . .

Nos contemporains connaissent Léonard avant tout en tant qu'artiste. En outre, il est possible que Léonard de Vinci ait également été sculpteur : des chercheurs de l'Université de Pérouse - Giancarlo Gentilini et Carlo Sisi - affirment que la tête en terre cuite qu'ils ont trouvée en 1990 est la seule œuvre sculpturale de Léonard de Vinci qui soit parvenue à nous. Cependant, Léonard lui-même, à différentes périodes de sa vie, se considérait avant tout comme un ingénieur ou un scientifique. Il a donné beaux-Arts pas beaucoup de temps et j'ai travaillé assez lentement. Par conséquent, le patrimoine artistique de Léonard n’est pas important et un certain nombre de ses œuvres ont été perdues ou gravement endommagées. Cependant, sa contribution au monde culture artistique est extrêmement important, même dans le contexte de la cohorte de génies que la Renaissance italienne a produite. Grâce à ses œuvres, l'art de la peinture est passé à une étape qualitativement nouvelle de son développement. Les artistes de la Renaissance qui ont précédé Léonard ont rejeté de manière décisive bon nombre des conventions de l’art médiéval. Il s’agissait d’un mouvement vers le réalisme et beaucoup avait déjà été réalisé dans l’étude de la perspective, de l’anatomie et d’une plus grande liberté dans les solutions de composition. Mais en termes de peinture, de travail de la peinture, les artistes étaient encore assez conventionnels et contraints. La ligne sur l’image délimitait clairement l’objet et l’image ressemblait à un dessin peint. Le plus conventionnel était le paysage, qui jouait un rôle secondaire. .

Léonard a réalisé et incarné une nouvelle technique de peinture. Sa ligne a le droit d’être floue, car c’est comme ça qu’on la voit. Il a réalisé le phénomène de diffusion de la lumière dans l'air et l'apparition du sfumato - une brume entre le spectateur et l'objet représenté, qui adoucit les contrastes de couleurs et les lignes. En conséquence, le réalisme en peinture a atteint un niveau qualitativement nouveau. . peinture de la renaissance Botticelli Renaissance

Rafael Santi(28 mars 1483 - 6 avril 1520) - grand peintre, graphiste et architecte italien, représentant de l'école ombrienne.

Le fils du peintre Giovanni Santi a suivi une formation artistique initiale à Urbino avec son père Giovanni Santi, mais dès son plus jeune âge, il s'est retrouvé dans l'atelier de l'artiste exceptionnel Pietro Perugino. C’est le langage artistique et l’imagerie des peintures du Pérugin, avec leur attrait pour une composition symétrique et équilibrée, la clarté des solutions spatiales et la douceur des couleurs et de l’éclairage, qui ont eu une influence primordiale sur le style du jeune Raphaël.

Il faut également préciser que le style créatif de Raphaël comprenait une synthèse des techniques et des découvertes d’autres maîtres. Au début, Raphaël s'est appuyé sur l'expérience du Pérugin, puis, plus tard, sur les découvertes de Léonard de Vinci, Fra Bartolomeo et Michel-Ange. .

Les premières œuvres (« Madonna Conestabile » 1502-1503) sont empreintes de grâce et de doux lyrisme. L'existence terrestre de l'homme, l'harmonie du spirituel et force physique glorifié dans les peintures des salles du Vatican (1509-1517), obtenant un sens impeccable des proportions, du rythme, des proportions, de l'euphonie des couleurs, de l'unité des figures et des fonds architecturaux majestueux.

A Florence, entré en contact avec les œuvres de Michel-Ange et de Léonard, Raphaël apprit d'eux la représentation anatomiquement correcte du corps humain. A l'âge de 25 ans, l'artiste arrive à Rome, et à partir de ce moment commence la période d'apogée de sa créativité : il réalise des peintures monumentales au Palais du Vatican (1509-1511), dont le chef-d'œuvre incontesté du maître - la fresque « L'École d'Athènes », écrit des compositions d'autel et peintures de chevalet, qui se distingue par l'harmonie de la conception et de l'exécution, travaille comme architecte (Raphaël a même dirigé pendant quelque temps la construction de la cathédrale Saint-Pierre). Dans une recherche inlassable de son idéal, incarné pour l'artiste à l'image de la Madone, il crée sa création la plus parfaite - la « Madone Sixtine » (1513), symbole de maternité et d'abnégation. Les peintures et peintures murales de Raphaël furent reconnues par ses contemporains et Santi devint rapidement une figure centrale vie artistique Rome. De nombreuses personnes nobles d’Italie souhaitaient se lier à l’artiste, notamment le cardinal Bibbiena, ami proche de Raphaël. L'artiste est décédé à l'âge de trente-sept ans d'une insuffisance cardiaque. Peintures inachevées de la Villa Farnesina, Loggias du Vatican et d'autres travaux ont été réalisés par les étudiants de Raphaël conformément à ses croquis et dessins.

L'un des plus grands représentants de l'art de la Haute Renaissance, dont les peintures se caractérisent par un équilibre et une harmonie accentués de l'ensemble, une composition équilibrée, un rythme mesuré et une utilisation délicate des capacités des couleurs. Une maîtrise impeccable de la ligne et la capacité de généraliser et de mettre en évidence l'essentiel ont fait de Raphaël l'un des plus maîtres exceptionnels dessins de tous les temps. L'héritage de Raphaël a été l'un des piliers de la formation de l'académisme européen. Les adeptes du classicisme - les frères Carracci, Poussin, Mengs, David, Ingres, Bryullov et bien d'autres artistes - ont vanté l'héritage de Raphaël comme le phénomène le plus parfait de l'art mondial...

Titien Vecellio(1476/1477 ou 1480-1576) - Peintre italien de la Renaissance. Le nom de Titien se classe parmi les artistes de la Renaissance tels que Michel-Ange, Léonard de Vinci et Raphaël. Titien a peint des peintures basées sur la Bible et histoires mythologiques, il devient également célèbre comme portraitiste. Il recevait des ordres des rois et des papes, des cardinaux, des ducs et des princes. Titien n'avait pas trente ans lorsqu'il fut reconnu comme le meilleur peintre de Venise.

Selon son lieu de naissance (Pieve di Cadore dans la province de Belluno), il est parfois appelé da Cadore ; également connu sous le nom de Titien le Divin...

Titien est né dans la famille de Gregorio Vecellio, homme d'État et chef militaire. À l'âge de dix ans, il fut envoyé avec son frère à Venise pour étudier avec le célèbre mosaïste Sebastian Zuccato. Quelques années plus tard, il entre comme apprenti dans l'atelier de Giovanni Bellini. Il a étudié avec Lorenzo Lotto, Giorgio da Castelfranco (Giorgione) et plusieurs autres artistes qui deviendront plus tard célèbres.

En 1518, Titien peint le tableau "L'Ascension de Notre-Dame", en 1515 - Salomé avec la tête de Jean-Baptiste. De 1519 à 1526, il peint plusieurs autels, dont le retable de la famille Pesaro.

Titien a vécu longue vie. Jusqu'à ses derniers jours, il n'a pas arrêté de travailler. Mon dernière image, Lamentation du Christ, Titien a écrit pour sa propre pierre tombale. L'artiste mourut de la peste à Venise le 27 août 1576, infecté par son fils alors qu'il s'occupait de lui.

L'empereur Charles Quint convoqua Titien chez lui et l'entoura d'honneur et de respect et dit plus d'une fois : « Je peux créer un duc, mais où puis-je trouver un deuxième Titien ? Lorsqu'un jour l'artiste laissa tomber son pinceau, Charles Quint le ramassa et dit : « C'est un honneur même pour l'empereur de servir Titien. » Les rois d'Espagne et de France invitèrent Titien à vivre à leur cour, mais l'artiste, après avoir exécuté ses commandes, retournait toujours dans sa Venise natale. Un cratère sur Mercure fut nommé en l'honneur de Titien. .

2.2 Description des travaux

Peinture de Sandro Botticelli (1445-1510) "Printemps"

Les images du tableau sont inspirées de la poésie ancienne et ont des connotations mythologiques. Mais il ne s’agit pas seulement d’une allégorie poétique. Botticelli a donné à son œuvre une signification philosophique complexe. Afin de révéler l’idée principale du « Printemps », tournons-nous vers le contenu et la structure de composition de l’image..

Le mouvement dans l’image est dirigé de droite à gauche. Une silhouette vert bleuâtre dans une cape fluide fait irruption du coin supérieur droit. Aux joues et aux ailes gonflées on comprend que c'est le vent. Les troncs d'arbres étaient pliés à cause de son vol. Il attrapa fermement la nymphe qui courait vers la gauche. Elle tourna vers lui son visage effrayé et toucha le troisième personnage avec ses mains, comme pour lui demander protection. Mais elle, comme si elle ne s'en rendait pas compte, se dirige vers le bord inférieur de l'image, regardant le spectateur, et avec le geste d'un semeur prenant une nouvelle poignée de graines, abaisse sa main droite dans les plis de la robe, débordante de roses. . Une fille au visage maigre, avec une couronne sur ses cheveux dorés, dans longue robe, brodé de fleurs, était souvent appelé Printemps. C'est la déesse des fleurs et des plantes Flora.

L'artiste avait besoin de trois figures pour raconter le mythe selon lequel le vent printanier Zéphyr, avec son amour, transforma une nymphe nommée Chloris (qui signifie « vert » ou « vert ») en déesse de la floraison, Flore. Sur la façon dont la nature fleurit au printemps. Et avec quelle poésie la transformation est montrée. Avec son souffle, des fleurs s'envolent des lèvres ouvertes de la nymphe, elles s'écoulent sous sa main, recouvrant son ourlet d'un motif fin. On dirait que les fleurs qui poussent dans un pré brillent à travers le tissu. Le troisième personnage en partant de la droite est Chloris déjà transformée dans sa nouvelle apparence. Elle est devenue une déesse vêtue d’une tenue magnifique. Et comme les motifs brodés de sa robe (par exemple sur son col) prennent vie et deviennent de véritables fleurs, rappelant au public les choses réelles dont parle ce beau conte de fées. Les trois chiffres de droite symbolisent le premier mois du printemps, car le premier souffle du Zéphyr était considéré comme son début.

La quatrième en partant de la droite, légèrement en retrait, se trouve Vénus dans le tableau. Elle se révèle simple, calme et modeste. Ce n’est pas une déesse d’une beauté brillante, habituée à commander. Nous n'aurions pas deviné qu'il s'agissait de Vénus si Cupidon n'avait pas plané dans les airs avec un arc et une flèche enflammée au-dessus de sa tête. Et si seulement les arbres qui remplissent l’arrière-plan de l’image ne s’ouvraient pas autour d’elle comme un espace semi-circulaire, montrant qu’il s’agit là du centre sémantique de l’image. Inclinant la tête sur le côté, elle regarde dans notre direction d'un air pensif, légèrement inquisiteur. Du mouvement de sa main droite, comme arrêtée dans les airs, Vénus bénit le groupe de Grâces. Un geste bienveillant et protecteur. Il retient notre attention, nous rend plus conscients de la pause rythmique claire au centre de l'image, puis dirige notre regard vers la gauche. Vénus et ses compagnes les Grâces symbolisent le deuxième mois du printemps – avril.

Enfin, le dernier personnage de l'image est Mercure (le chiffre extrême à gauche). Digne compagnon des Grâces, puisqu'il est la divinité de la raison et de l'éloquence, l'inventeur des arts. Mais le plus important est que dans l’ancien calendrier romain, le mois de mai du printemps était dédié à Mercure. Il porte le nom de la mère de Mercure – Maya. Ce mois était considéré comme la fin du printemps et le début de l'été. C’est peut-être pour cela que Mercure, qui sert de symbole du mois de mai sur la photo, tourne le dos aux autres divinités du printemps.

Le monde représenté dans la peinture de Botticelli est inhabituel et mystérieux. Arbres féeriques sont déjà couverts de fruits mûrs et la prairie est encore pleine de fleurs printanières. Chaque figure du « Printemps » a son propre horizon. On les regarde soit un peu d'en haut, soit un peu d'en bas. Certains d'entre eux peuvent sembler se tenir sur le flanc d'une colline, mais à d'autres moments, la prairie sous leurs pieds semble plate. Pendant ce temps, une brèche parmi les arbres, une bande ondulée traversant toute l'image, sur le côté droit de celle-ci montre le ciel où l'on s'attendrait à voir une continuation de la surface de la prairie. Il semble que Botticelli abandonne délibérément les réalisations de la perspective de la Renaissance afin de créer une atmosphère d'excitation et de pathétique.

Le rythme de composition de « Spring » est fréquent et comprimé. L'artiste a disposé un certain nombre de figures en vagues, soit en les rapprochant les unes des autres, soit en augmentant l'intervalle, en les entourant d'un fond sombre de verdure et en créant un second rythme fractionné de couleurs et d'ornements. Les lignes de contours et de plis sont dominées par des diagonales assez raides s'élevant vers la gauche, et presque pas d'horizontales.

Dans la plupart des figures, le regard et les gestes sont déconnectés, comme s'ils étaient montrés à un moment où le mouvement précédent se poursuit encore en raison de l'inertie et où l'attention se porte sur un nouvel objet. Ainsi, par exemple, la Grace moyenne bouge encore dans la danse en rond de ses amis, mais l'oublie déjà, plongée dans la contemplation de Mercure. Il semble que les mouvements et les gestes du tableau soient oubliés à l'instant même par ceux qui les exécutent ou par ceux à qui ils s'adressent. Les moments, comme les lignes, se font écho, mais ne sont pas connectés, mais séparés. D'où l'ambiance de contemplation profonde, grâce à laquelle un thème plus important que l'allégorie qui le sous-tend - le thème de la vie spirituelle - entre en scène.

Certains critiques d’art estiment que le tableau était censé renforcer l’attachement de l’adolescent aux idéaux moraux que ses professeurs lui avaient inculqués. Vénus dans le « Printemps » de Botticelli symbolise très probablement non seulement l’amour et la beauté, mais aussi « l’humanitas » – une appartenance digne à l’humanité, l’humanité. Il est utile de rappeler ici que le mot « grâce » en italien fait référence non seulement à la beauté, mais aussi à la bonté et à la miséricorde.

Je voudrais également parler un peu des aspects du contenu de « Printemps » qui n’étaient clairs que pour les contemporains les plus instruits de l’artiste. Botticelli a montré Flora-Chloris dans le tableau à deux reprises. Mais ce n’est pas la seule répétition du tableau. Au XVe siècle, trois manifestations différentes d'une seule divinité ont été observées dans les Grâces : Vénus ; Ils croyaient que les Grâces étaient elle-même. Les érudits discutent beaucoup sur les noms et les différences des Grâces de Botticelli ; il s'avère qu'au XVe siècle les Italiens appelaient souvent l'une des Grâces « Verdura » (vert, jeunesse). Cela ne ressemble-t-il pas à une traduction du nom Chloris ? Certains poètes identifiaient directement Vénus à Flore. Quant à Mercure, il était, entre autres choses, considéré comme le dieu du vent et à ce titre était appelé Zéphyr. Ainsi, dans la composition de huit figures, seuls deux symboles poétiques généralisés sont représentés : l'un personnifiant le vent, l'esprit, l'esprit, l'autre - l'amour, la nature, la floraison...

Sandro Botticelli"Naissance de Vénus" (1482-1483)

Le célèbre tableau de l'artiste Sandro Botticelli « La Naissance de Vénus ». Dimensions de l'œuvre 172,5 x 278,5 cm, tempera sur toile. Le tableau a été commandé par Lorenzo di Pierfrancesco Medici, pour qui le Printemps a également été réalisé. Le tableau était destiné à décorer la même Villa Castello. Apparemment, ils étaient considérés comme des compositions appariées et il y avait un certain lien entre eux. .

Le tableau représente la naissance de la Vénus céleste de l'écume de la mer, ou le mystère de l'apparition de la Beauté au monde. Sous le souffle du Zéphyr, balayant la mer dans les bras de son Aura bien-aimée, la déesse navigue sur une coquille jusqu'au rivage. Elle rencontre Ora, prête à jeter un manteau brodé de fleurs sur le corps nu de Vénus. Si le « Printemps » est associé à une fête dans le royaume de la déesse de l’amour, alors cette composition représente la théophanie. Comme d’habitude dans les tableaux de Botticelli, l’exaltation des sentiments confine ici à la réflexion mélancolique, donnant lieu à une atmosphère émotionnelle imprégnée de lumière. Tout dans la composition porte l’empreinte du monde subjectif de l’artiste.

Botticelli a transmis de manière expressive l’élément des vents soufflant sur les eaux. Les robes tourbillonnantes, les lignes avec lesquelles sont écrits les cheveux et les ailes - tout cela est rempli d'une impulsion dynamique, personnifiant l'un des éléments fondamentaux de l'univers. Les vents - Zephyr et Aura - balancent visiblement l'étendue d'eau. Contrairement aux vents, dont l'élément est l'air, l'espace d'Ora est la terre. Dans une robe blanche brodée de bleuets, ornée de guirlandes de myrtes et de roses, elle, debout sur le rivage, est prête à envelopper Vénus d'un manteau dont la couleur rouge symbolise l'amour. Les deux ailes latérales de la composition - les vents volants et Ora, dont le volume est visiblement augmenté par la robe balancée par le vent, l'arbre et le manteau de Vénus - sont quelque chose comme un rideau qui, une fois ouvert, se présente au monde. le mystère de l'apparition de la Beauté. Dans le tableau « La Naissance de Vénus », chaque détail est retrouvé avec une précision étonnante, et la composition dans son ensemble laisse l’impression d’une parfaite harmonie. Avec des lignes tendues, saccadées et mélodiques, dessinant une arabesque complexe, l'artiste dessine les figures et dénote l'environnement aux contours plus généralisés. Seule une étroite bande de côte est visible, et le reste de l’espace est occupé par le ciel et la mer brillants de l’intérieur. Vénus est peut-être l'image la plus captivante de Botticelli. L'artiste donne sa propre interprétation idéal classique beauté..

Botticelli représente une silhouette avec des épaules gracieusement inclinées, une petite tête sur un long cou magnifique, des proportions de corps allongées et des contours de formes mélodieux et lisses. Les irrégularités dans la transmission de la structure de la figure et dans la fixation de ses contours ne font que renforcer l'expression remarquable de l'image. Face à la déesse, des écarts par rapport à l'exactitude classique sont également perceptibles, mais elle est belle et attrayante par sa qualité touchante. Il n'y a aucune certitude dans son expression, tout comme la pose d'une déesse qui vient de venir au monde est dépourvue de stabilité. Les yeux de Vénus semblent légèrement surpris, ne s'arrêtant devant rien. La tête est couronnée d'une luxueuse cascade de cheveux dorés. À la suite des anciens poètes romains, Botticelli représente des cheveux divisés en mèches et balancés par le vent marin. Ce spectacle est captivant. Vénus couvre son corps d'un geste timide. L'artiste a doté l'apparence sensuelle de la belle déesse de l'amour et de la beauté d'une pureté et d'une sublimité presque sacrée. La pluie de roses tombant en rythme dans la mer est véhiculée dans un langage clair de lignes et de couleurs. Botticelli ne recherche pas l’exactitude scientifiquement vérifiée de leurs contours et de leurs formes. L'admiration pour la beauté d'une fleur dicte ses contours simples et gracieux de boutons et de roses ouvertes, tournés sous différents angles. Leur coloration délicate, la fragilité de leur structure et le rythme de cette pluie tranquille de fleurs soulignent la tonalité émotionnelle de la composition.

Léonard de Vinci "Madonna Litta"(1490-1491)

L'artiste Léonard de Vinci a peint le tableau « Madonna Litta » au début des années 90 du XVe siècle. Format du tableau 42 x 33 cm, bois, détrempe. Dans le tableau « Madonna Litta », œuvre d'un peintre italien d'une nature différente et plus intime que ses œuvres antérieures, les éléments du nouvel art de la Haute Renaissance s'expriment clairement. Le concept général du tableau remonte sans aucun doute au maître lui-même, ce qui est confirmé par son propre dessin d'une tête de femme pour la tête de la Madone, conservé au Louvre, et par la beauté particulière de la solution compositionnelle, qui dans ces années était inaccessible à quiconque sauf Léonard de Vinci.

Cependant, l’exécution picturale du tableau est moins parfaite. Cela est apparemment dû au fait qu’Ambrogio de Predis, élève de Léonard, a participé aux travaux sur le tableau. Le tableau « Madonna Litta » par son type suggère une comparaison avec la « Madone à la fleur », par rapport à laquelle le saut qualitatif décisif intervenu dans l'œuvre de Léonard de Vinci devient particulièrement clair.

La structure compositionnelle du tableau est étonnamment claire et parfaite. Il suffit de faire attention à la beauté avec laquelle la silhouette extrêmement généralisée et en même temps vivante de la figure de la Madone se combine avec les contours géométriquement stricts de deux ouvertures de fenêtre situées symétriquement ou à la précision indubitable, mais en même temps naturellement sa tête est placé dans la cloison entre ces fenêtres. Le doux modelage de son visage bénéficie de la juxtaposition contrastée avec le ciel bleu visible à travers les fenêtres.

Le sentiment de joie de la maternité dans le tableau « Madonna Litta » s'est approfondi grâce au contenu de l'image même de Marie - le type de beauté féminine léonardienne y a trouvé son expression mature. Le visage mince et beau de la Madone est doté d'une spiritualité particulière grâce à ses yeux mi-clos et à son sourire subtil - il semble qu'elle sourit à ses rêves. Le tableau "Madonna Litta" a été peint par l'artiste non pas à l'huile, mais à la détrempe - sa meilleure conservation s'explique probablement par la consonance coloristique un peu plus intense du manteau bleu bordé de doublure dorée (dont l'écho plus léger est perçu ciel bleu avec de légers nuages) et la riche robe rouge de la Madone. .

Léonard de Vinci"Joconde» (Mona Lisa)

Étant le point culminant, le summum de la créativité de Léonard, ce tableau est comme une cristallisation de son génie, de ses pensées les plus intimes et de son inspiration. On sait très peu de choses sur la Joconde, à l'exception de quelques faits mineurs, et il est donc difficile de répondre à une question très importante, souvent posée et discutée : était-elle juste un beau modèle pour Léonard ou était-elle sa muse et même son amour. , comme beaucoup voudraient le croire . Certains faits confirment l'exactitude de la dernière hypothèse, ce qui peut expliquer la magie particulière de l'image. Mais quelle que soit la vérité, quelle personne remarquable elle a dû être pour faire ressortir le meilleur de ce géant de la Renaissance. Elle a aidé ce génie à laisser à ses descendants un chef-d’œuvre unique qui a inspiré des milliers et des milliers de personnes au fil des siècles.

L’énorme influence de leur entourage sur les artistes n’est que trop connue, même si ces personnes elles-mêmes sont restées dans l’ombre. L'interaction entre les personnalités du modèle et de l'artiste, surtout si elles sont liées par une sympathie et une attirance mutuelles, conduit souvent à la création de chefs-d'œuvre.

Dans ce cas, la Joconde a reçu le pouvoir d'éveiller une telle inspiration chez Léonard qu'il a créé l'un des plus beaux trésors du monde. L'auréole immortelle qui entoure toutes les créations de ce plus grand génie confirme son propres mots: « Si une personne est vertueuse, ne la chassez pas, mais honorez-la pour qu'elle n'ait aucune raison de vous quitter. Si vous rencontrez de telles personnes, honorez-les, car ce sont des Dieux sur cette Terre et sont dignes du même culte. comme des statues et des images sacrées". Bien qu'il y ait encore un débat sur l'image que le maître a capturée sur sa toile. Il est généralement admis que le prototype de la femme représentée dans le portrait est l'épouse du florentin Francesco di Giocondo, dont le nom - Mona Lisa - est devenu le deuxième titre quotidien du tableau. .

Le portrait de Mona Lisa est l'apogée de l'œuvre de Léonard de Vinci. Par rapport aux portraits précédents ce travail beaucoup plus parfait. Pour la première fois dans l’histoire de la peinture, une image de portrait a été exécutée de manière aussi significative que les images d’autres genres picturaux. La profondeur artistique de l’œuvre est étonnante. La technique de peindre un portrait a été perfectionnée par le maître.

Mona Lisa regarde attentivement et sans cesse le spectateur. Son regard calme rayonne d'intelligence et de volonté. Le sourire de Gioconda est exceptionnellement attrayant, charmant, séduisant. Non seulement elle sourit, mais elle intrigue le spectateur. Souriante, Gioconda ne fait preuve ni de dédain ni de supériorité, elle est simplement calme, pleine de sang-froid et sûre d'elle. La force de la personnalité humaine, l'unité de l'esprit et de l'esprit - telle est l'une des caractéristiques du portrait de Léonard. De Gioconda vient un sentiment de liberté intérieure, d’harmonie spirituelle et de conscience de sa propre signification. .

Le paysage qui s'ouvre derrière Mona Lisa est réalisé dans des couleurs claires et semble être une continuation de son image. La silhouette de la jeune fille se fond harmonieusement dans le paysage naturel environnant, ce qui contribue à exprimer l'idée principale du tableau : monde intérieur l’être humain est multiforme, beau et vaste, tout comme le monde naturel. Cependant, l’homme n’est pas destiné à comprendre pleinement le monde qui l’entoure. Ce sont peut-être ces vaines tentatives de l’homme de pénétrer dans l’essence de tous les êtres vivants qui font apparaître son célèbre sourire sur les lèvres de Gioconda. Les contemporains de Léonard ont été étonnés de la similitude obtenue et de l'extraordinaire vitalité du portrait. .

Parfois, il semble que vous puissiez sentir le souffle de Mona Lisa si vous vous approchez d'elle. En fait, le sens de cette œuvre est bien plus large : le portrait de Mona Lisa peut être vu comme l'image d'un homme de la Renaissance. Imaginons que Gioconda ait disparu, il ne reste que son mystérieux sourire... Et même si l'on suppose que la civilisation entière a disparu, et qu'il ne reste que le sourire de Mona Lisa, pouvoir magique il pourrait être ressuscité par l’humanité. .

Ayant achevé les travaux sur le portrait de Gioconda, l'auteur ne s'en est jamais séparé. Après sa mort, le tableau passa au roi de France François Ier, qui le plaça dans son palais, le Louvre, où il se trouve toujours. Mona Lisa donne encore aux gens son sourire mystérieux, nous faisant réfléchir à l'immensité de notre monde, aux valeurs et priorités de la vie, à la fusion harmonieuse de l'homme avec la nature et l'art.

Raphaël"Madone Sixtine"

Est l'une des œuvres les plus célèbres Renaissance italienne. La toile a été réalisée par Raphaël en 1512-1513 pour l'autel de l'église du monastère Saint-Sixte de Plaisance, commandée par le pape Jules II en l'honneur de la victoire sur les Français qui ont envahi l'Italie et donnant à Plaisance le statut de papale. États.

Le tableau représente la Vierge à l'Enfant entourée du pape Sixte II, qui ressemble au pape Jules II, de sainte Barbe et de deux anges en dessous, sous la Madone, regardant sa descente. Les personnages forment un triangle, le rideau relevé ne fait que souligner la structure géométrique de la composition.

Le saint, aux pieds duquel est représentée la tiare papale, soulignant son rang élevé, pointe la main vers l'observateur, et la Vierge et l'Enfant regardent dans la direction qu'il a indiquée, tandis que Sainte Barbe incline la tête. L'emplacement original du tableau était devant un grand crucifix, de sorte que les expressions faciales et les poses des personnages du tableau sont dues à leurs sentiments à la vue de la souffrance et de la mort du Christ.

On pense que le modèle de Madonna était l'amant de Rafael Fornarin. Il semble que Sixte II, le Pape, soit représenté par Raphaël dans le tableau avec six doigts sur sa main droite, puisqu'il s'appelle Sixte, qui signifie Sixième en latin. En fait, le « sixième doigt » apparent (« petit doigt ») fait partie de la face interne de la paume.

Les deux anges représentés dans le tableau sont le motif de nombreuses cartes postales et affiches. Certains historiens de l'art affirment que ces anges s'appuient sur le couvercle du cercueil.

L'ange de gauche en bas de la photo n'a qu'une seule aile visible. Si vous regardez attentivement, vous pouvez voir que le fond de nuages ​​clairs en haut de l’image est constitué de visages et de têtes d’anges.

Raphaël« Madone Conestabile» ( 1502--04 )

Toile (traduite du bois), tempera. 17,5×18 cm

« Madonna Conestabile » est une image miniature et probablement inachevée de la Vierge Marie et de l'enfant Christ, peinte par Raphaël, 20 ans. Traditionnellement considérée comme la dernière œuvre créée par Raphaël en Ombrie, avant de déménager à Florence (l'artiste l'a probablement laissée inachevée en raison du déménagement).

Le tableau, autrefois appelé « Madone au livre », provient de la famille du comte Conestabile de Pérouse, de qui il fut acquis par Alexandre II en 1871. Le tsar l'a offert à son épouse, Maria Alexandrovna. Depuis, le tableau est exposé dans la collection de l'Ermitage à Saint-Pétersbourg.

Les œuvres de l'Ermitage des maîtres anciens ont beaucoup souffert lors du transfert du carton sur la toile - une pratique courante dans de nombreux musées du XIXe siècle. Cependant, ce processus a également apporté ses propres découvertes. Aujourd'hui, le tableau représente la Madone lisant un livre - probablement les Saintes Écritures. En 1881, lorsque le tableau fut transféré sur toile, on découvrit qu'au début elle tenait dans ses mains non pas un livre, mais une grenade - symbole du sang versé et du sacrifice du Christ. La procédure de traduction elle-même est décrite par V. V. Stasov dans l’essai « Chirurgie artistique ».

Lors des ventes de l'Ermitage de l'époque soviétique, le tableau ainsi que la Madone Alba ont été transportés en Europe, mais malgré le prix modeste demandé, aucun acheteur n'a pu être trouvé pour l'œuvre « douteuse ». Grâce à cela, « Madonna Conestabile » est restée le seul tableau de Raphaël dans les collections russes.

Avant d'être transféré sur toile, le tableau faisait partie intégrante d'un cadre luxuriant avec des grotesques, créé en même temps que la toile, probablement d'après un dessin de Raphaël lui-même.

Titien"Vénusavec un miroir"

Vénus se regarde dans le miroir que Cupidon tient devant elle.

La date exacte de la peinture est inconnue. On pense qu'elle fut achevée vers 1647-1651. Vraisemblablement, il a écrit « Vénus avec un miroir » lors de sa visite en Italie, car l’Inquisition en Espagne avait interdit de peindre le corps féminin nu. .

L'intrigue de ce tableau est inspirée Peinture vénitienne Renaissance. Des peintures similaires peuvent être trouvées chez Giorgione (« Vénus endormie ») et Titien (« Vénus d'Urbino »). Dans son travail, Velazquez a combiné deux poses bien établies dans lesquelles Vénus était représentée : allongée et avec un miroir.

"Vénus avec un miroir" est la seule image survivante d'un nu corps féminin pinceaux de Velazquez. Jusqu'en 1813, le tableau fut conservé dans des collections privées en Espagne, puis il fut transporté dans le Yorkshire. En 1906, il fut acheté par le National Collections Trust pour la National Gallery de Londres. En 1914, le tableau fut endommagé par la suffragette Mary Richardson, mais fut entièrement restauré et retourné à la galerie, où il se trouve encore aujourd'hui.

Titien"Marie-Madeleine pénitente» (1560)

Peinture de l'artiste Tiziano Vecellio « Marie-Madeleine pénitente ». Format du tableau 119 x 98 cm, huile sur toile. Avec cohérence et avec une grande puissance picturale, les idées esthétiques du défunt Titien sur la vie trouvent leur expression dans sa « Madeleine pénitente », l'un des chefs-d'œuvre de la collection de l'Ermitage. Ce tableau a été peint sur un sujet très caractéristique de l'époque de la Contre-Réforme. .

En effet, dans ce tableau, Titien affirme une fois de plus la base humaniste et « païenne » de son œuvre. Le grand réaliste, repensant de manière décisive l'intrigue religieuse et mystique, crée une œuvre dont le contenu est ouvertement hostile à la ligne mystique réactionnaire du développement de la culture italienne de la fin de la Renaissance. Pour Titien, le sens du tableau n'est pas dans le pathétique du repentir chrétien, ni dans la douce langueur de l'extase religieuse, et surtout pas dans l'affirmation de la corruption de la chair, du « cachot » dont « l'âme désincarnée » » de l’homme se précipite vers Dieu. Dans "Madeleine", le crâne - symbole mystique du caractère périssable de tout ce qui est terrestre - n'est pour Titien qu'un accessoire imposé par les canons de l'intrigue, c'est pourquoi il le traite plutôt sans ménagement, le transformant en support pour un livre ouvert. Avec enthousiasme, presque avidité, l'artiste nous transmet la figure de Madeleine, pleine de beauté et de santé, sa belle Cheveux épais, ses seins tendres qui respirent rapidement.

Le regard passionné est plein de tristesse terrestre et humaine. Titien recourt à des coups de pinceau qui transmettent impeccablement de véritables relations de couleurs et de lumière. Agité, tendu accords de couleurs, le scintillement dramatique de la lumière et de l'ombre, la texture dynamique, l'absence de contours rigides isolant le volume avec la définition plastique de la forme dans son ensemble créent une image pleine de mouvement interne. Les cheveux ne mentent pas mais tombent, la poitrine respire, la main est en mouvement, les plis de la robe se balancent avec excitation. .

La lumière scintille doucement cheveux volumineux, se reflète dans les yeux couverts d'humidité, réfracté dans le verre du flacon, combat les ombres épaisses, sculpte avec assurance et jutosité la forme du corps, le tout environnement spatial peintures. Une représentation précise de la réalité se combine avec la transmission de son mouvement éternel, avec ses caractéristiques figuratives et émotionnelles vives. Mais quel est le sens ultime de l’image créée avec une telle puissance picturale ? L'artiste admire Madeleine : la personne est belle, ses sentiments sont vifs et significatifs. Mais il souffre. .

L’ancien bonheur clair et serein est irrévocablement brisé. L’environnement qui entoure une personne, le monde dans son ensemble, n’est plus ce fond calme, soumis à l’homme, comme nous le voyions auparavant. Des ombres sombres parcourent le paysage qui s'étend au-delà de Madeleine, le ciel est couvert de nuages ​​d'orage et, dans la faible lumière des derniers rayons du jour déclinant, apparaît l'image d'un homme affligé.

2.3 Analyse comparative

Sur la base de la description des peintures, nous pouvons dire que les artistes dépassent les limites de l'intrigue traditionnelle et donnent à l'image un sens plus large et universel, celui de la timidité et de l'amour maternels. Beaucoup d’œuvres de ces créateurs comptent parmi les chefs-d’œuvre les plus rares de l’art.

La femme apparaissait très belle dans les tableaux ; des images d’une beauté inédite à l’époque l’obligeaient à regarder le tableau sans quitter les yeux. Ces œuvres ont un effet captivant. Un désir de beauté naît dans l'âme. Dans tous les tableaux il y a des regards étonnamment vifs, dans certains tableaux il y a des sourires mystérieux et énigmatiques. Presque toutes les femmes se ressemblent d'une manière ou d'une autre, peut-être parce qu'elles ont toutes été représentées avec des formes objectives, elles ont toutes une certaine expressivité psychologique dans leurs visages. Les peintures contiennent équilibre et harmonie, juxtapositions spécifiques de figures, demi-teintes douces, immobilité figée et fluidité générale. On peut aussi dire de ces chefs-d'œuvre que les auteurs ont fait preuve d'une composition claire des figures, d'un désir de brièveté, d'un désir de généralisation, ont joué sur les contrastes et les ont parfois rendus nets.

Les artistes créent des images vibrantes et vibrantes. L'humanité, l'amour de l'authentique se voient. Ils imprègnent leurs œuvres d'art des sentiments vivants des gens. Par exemple, dans le tableau « Madonna Litta » de Léonard de Vinci, il y a un enfant plein de santé et d’énergie inconsciente, bougeant dans les bras de sa mère, bougeant ses jambes. Elle l'admire, plongée dans ses pensées, concentrant toute la force de ses sentiments et la concentration de son humeur sur l'enfant. Le regard devineur crée cette impression de spiritualité que Léonard aimait tant et savait évoquer.

Ces peintures aident à créer une image émouvante et édifiante d’une personne.

CONCLUSION

L'ouvrage examine 8 tableaux représentant des femmes de Léonard de Vinci « Madonna Litta », « Portrait de Mona Lisa » ; Sandro Botticelli « Printemps », « Naissance de Vénus » ; Raphaël « Madone Sixtine », « Madone Calestabile » ; Titien "Vénus au miroir", "Madeleine pénitente". Les objectifs ont été atteints, l'image de la beauté féminine est décrite. L'œuvre a été analysée.

Ce sont des gens extraordinaires, ils savaient tout et pouvaient tout faire. La gloire légendaire a vécu pendant des siècles et non seulement ne s'est pas estompée, mais elle brille également plus fort. Les œuvres sont remplies d'amour pour les femmes, d'amour pour les enfants, d'amour pour la beauté, d'amour pour la beauté, d'amour pour tout ce qui nous entoure. Chaque œuvre, à sa manière, fait réfléchir à de nombreux enjeux de la vie. Vous regardez le tableau du Titien « La Madeleine pénitente » et votre cœur se brise. Il montre des yeux étonnants, ils sont profonds comme la mer. Toute personne sans formation artistique dirait qu’il s’agit d’une photographie, il est impossible de représenter une personne de cette façon. Mais les artistes de la Renaissance l’ont très bien fait, chaque ligne était tracée. Ces images sont si vivantes que même en les regardant sur la couverture d’un livre, on pénètre immédiatement dans la dimension où vivaient ces gens. artistes exceptionnels. Après un travail aussi incroyable, vous commencez à regarder le monde différemment. Et je suis très heureux d'avoir choisi ce sujet particulier pour travailler, j'ai non seulement appris tout ce qui est nouveau et intéressant, mais j'ai également appris à connaître le monde de cette excellente époque et le monde d'excellents artistes. La beauté et les belles femmes et les belles femmes et la beauté méritent d'être louées et valorisées par-dessus tout par tout le monde, car belle femme est le plus bel objet qu'on puisse admirer, et la beauté est le plus grand bien que Dieu ait accordé au genre humain, car par ses propriétés nous orientons l'âme vers la contemplation, et par la contemplation vers le désir des choses célestes, c'est pourquoi elle a été envoyé parmi nous comme échantillon et garantie.

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Madones de Léonard de Vinci et Raphaël Santi

M a d o n s

Léonard de Vinci et Raphaël Santi

Léonard de Vinci- l'un des plus grands représentants de l'art de la Haute Renaissance, un exemple d'« homme universel ».

Il était artiste, sculpteur, architecte, scientifique (anatomiste, naturaliste), inventeur, écrivain, musicien.
Son nom complet est Léonard de Seri Piero da Vinci, traduit de langue italienne cela signifie "Léonard, fils de M. Piero de Vinci".
DANS sens moderne Léonard n'avait pas de nom de famille – « da Vinci » signifie simplement « (à l'origine) de la ville de Vinci ».
Nos contemporains connaissent Léonard avant tout en tant qu'artiste.

Mona Lisa - 1503-1506 Léonard de Vinci

Qui ne connaît pas « La Gioconda » - le célèbre chef-d'œuvre de Léonard de Vinci ?! Le visage de Gioconda est familier au monde entier ; son image est encore l'image la plus fréquemment reproduite. Cependant, malgré sa popularité et sa diffusion, La Gioconda reste pour nous un mystère.

Cette image est entourée de mystère, et chaque fois que nous la regardons, nous éprouvons un sentiment incroyable de découvrir quelque chose de nouveau, inexploré auparavant - tout comme nous redécouvrons un paysage bien connu de l'été, en le voyant un automne immergé dans une mystérieuse brume brumeuse. ...

À une époque, Vasari affirmait que « Mona Lisa » (abréviation de « Madonna Lisa ») avait été peinte par la troisième épouse d'un riche florentin nommé Francesco di Bartolomee del Giocondo, d'où le deuxième nom du tableau, « La Gioconda ».

Le « sfumato » typique du style pictural de Léonard de Vinci met ici l’accent sur le pouvoir mystérieux de la nature, qu’une personne ne peut que voir, mais ne peut pas comprendre avec son esprit.

Ce conflit entre le visible et l'existant fait naître un vague sentiment d'anxiété, intensifié par l'impuissance face à la nature et au temps : une personne ne sait pas où aller, car sa vie - comme cette route sinueuse du paysage sombre derrière Mona Lisa - sort de nulle part et se précipite vers nulle part...

Leonardo s'inquiète de la question de la place de l'homme dans ce monde, et il semble qu'il exprime une des réponses possibles dans le sourire de l'incomparable Mona Lisa : ce sourire ironique est le signe d'une pleine conscience du court-termisme. existence humaine sur terre et soumission à l’ordre éternel de la nature. C'est la sagesse de Gioconda.

Comme le notait le philosophe allemand Karl Jaspers (1883-1969), La Gioconda « soulage la tension entre la personnalité et la nature, et brouille également les frontières entre la vie et la mort ».

Écrite en Italie, La Gioconda est restée à jamais en France - probablement comme une sorte de bonus pour l'hospitalité témoignée à son auteur.

Léonard de Vinci : Madonna Litta

Litta - Famille aristocratique milanaise des XVIIe-XIXe siècles. Le tableau a fait partie de la collection privée de cette famille pendant plusieurs siècles, d'où son nom. Le titre original du tableau était « Madonna and Child ». La Madone fut acquise par l'Ermitage en 1864.
On pense que le tableau a été peint à Milan, où l'artiste s'est installé en 1482.
Son apparition marque une nouvelle étape dans l'art de la Renaissance : l'établissement du style Haute Renaissance.
Dessin préparatoire La toile de l'Ermitage est conservée à Paris au Louvre.

"Madone aux Rochers" (1483-1486) Arbre transféré à l'huile sur toile. 199x122 cm.Persienne (Paris)

Madone à la Grotte

« La Madone à la Grotte » est la première œuvre de Léonard de Vinci datant de la période milanaise de son œuvre. Initialement, ce tableau était censé décorer l'autel de la chapelle de la Confrérie de l'Immaculée Conception de la cathédrale San Francesco Grande de Milan et constitue un excellent témoignage de la compétence inégalée de Léonard de Vinci dans le domaine de la modélisation en clair-obscur des figures et de l'espace.

Léonard de Vinci : La Dame à l'hermine

Léonard de Vinci : Madonna Benois

Léonard de Vinci : Ginevra de' Benci

"Belle Ferronière" - portrait féminin au Louvre, considérée comme l'œuvre de Léonard de Vinci ou de ses élèves.

« La Madone à l'Œillet » est un tableau que de nombreux historiens de l'art attribuent au jeune Léonard de Vinci. Vraisemblablement, il a été créé par Léonard alors qu’il était son élève dans l’atelier de Verrocchio. 1478-1480

Cette collection contient les peintures les plus célèbres Raphaël, dédié à l'image de la Mère de Dieu (Madonna).

Suivre ton professeurArtiste pérugin Rafael Santi(1483-1520) a créé une vaste galerie d'imagesMarie et l'Enfant , qui se distinguent par une grande variété de techniques de composition et d'interprétations psychologiques.

Les premières Madones de Raphaël suivent des modèles célèbresPeinture ombrienne Quattrocento . Les images idylliques ne sont pas dénuées de contrainte, de sécheresse et de hiératisme. L'interaction des personnages sur les Madones de la période florentine est plus directe. Ils se caractérisent par des paysage arrière-plans. Les expériences universelles de la maternité sont mises en avant : le sentiment d’anxiété de Marie et en même temps de fierté pour le sort de son fils. Cette beauté de la maternité est le principal accent émotionnel des Madones réalisées après le déménagement de l'artiste à Rome. Le pic absolu est considéré comme "Madone Sixtine " (1514), où délice triomphal et notes d'anxiété éveillée s'entremêlent harmonieusement.

Madone à l'Enfant" (Madonna di Casa Santi) est le premier appel de Raphaël à l'image qui deviendra la principale de l'œuvre de l'artiste. Le tableau date de 1498. L'artiste n'avait que 15 ans au moment de la peinture. Le tableau est maintenant au Musée Raphaël ville italienne Urbin.

"Madonna Connestabile" a été peinte en 1504 et a ensuite été nommée en l'honneur du propriétaire du tableau, le comte Conestabile. Le tableau a été acquis par l'empereur russe Alexandre II. Aujourd'hui, "Madonna Conestabile" se trouve à l'Ermitage (Saint-Pétersbourg). "
Madonna Conestabile" est considérée comme la dernière œuvre créée par Raphaël en Ombrie, avant de s'installer à Florence.

"Vierge à l'Enfant avec les saints Jérôme et François" (Madonna col Bambino tra i santi Girolamo e Francesco), 1499-1504. Le tableau se trouve maintenant à la galerie d'art de Berlin.

"La Petite Madone de Cowper" (Piccola Madonna Cowper) a été écrite en 1504-1505. Le tableau porte le nom de son propriétaire, Lord Cowper. Le tableau se trouve maintenant à Washington (National Gallery of Art).

"Madonna Terranuova" a été écrite en 1504-1505. Le tableau tire son nom de l'un des propriétaires, le duc italien de Terranuva. Le tableau se trouve maintenant à la galerie d'art de Berlin.

Le tableau de Raphaël "La Sainte Famille sous un palmier" (Sacra Famiglia con palma) remonte à 1506. Comme dans le tableau précédent, celui-ci représente la Vierge Marie, Jésus-Christ et saint Joseph (cette fois avec une barbe traditionnelle). Le tableau se trouve à la National Gallery of Scotland à Édimbourg.

La "Madonna in Greenery" (Madonna del Belvedere) remonte à 1506. Le tableau se trouve maintenant à Vienne (Kunsthistorisches Museum). Dans le tableau, la Vierge Marie tient l'enfant Christ, qui prend la croix des mains de Jean-Baptiste.

"Madonna Aldobrandini" remonte à 1510. Le tableau porte le nom des propriétaires - la famille Aldobrandini. Le tableau se trouve maintenant à la National Gallery de Londres.

"Madonna with Candelabra" (Madonna dei Candelabri) date de 1513-1514. Le tableau représente la Vierge Marie avec l'Enfant Jésus entouré de deux anges. Le tableau est en Musée d'art Walters à Baltimore (États-Unis).

La Madone Sixtine est datée de 1513-1514. Le tableau représente la Vierge Marie avec l'enfant Christ dans ses bras. À gauche de la Mère de Dieu se trouve le pape Sixte II, à droite se trouve Sainte Barbe. La Madone Sixtine se trouve à la Galerie des Maîtres Anciens de Dresde (Allemagne).

"Madonna dans un fauteuil" (Madonna della Seggiola) est datée de 1513-1514. Le tableau représente la Vierge Marie avec l'enfant Christ dans ses bras et Jean-Baptiste. Le tableau se trouve à la Galerie Palatina à Florence.

Le grand créateur Raphael Santi a eu la chance de naître dans une belle « ville-palais ». Son travail était vénéré, il était beau et riche. Mais pourquoi ne s'est-il pas marié ? Il a longtemps vécu et travaillé à Rome, mais n'a jamais oublié la ville de son enfance : Urbino. Il n’avait que 37 ans lorsqu’une mystérieuse maladie le rattrapa.

L'un des modules d'approvisionnement polyvalents de l'ISS porte le nom de Raphaël. Les deux autres ont été nommés en l'honneur d'autres figures de la Renaissance italienne : Léonard de Vinci et Donatello.

Le 28 mars 1483, le Vendredi Saint, un garçon naquit dans la famille de l'artiste Giovanni Santi. Élevé dans la maison de son père dans la gentillesse et l'affection, qui n'a pas entendu un seul mot grossier dans son enfance, Raffaello (comme on appelait cet enfant) a réussi à conserver jusqu'à la fin de ses jours une étonnante clarté spirituelle, qui, associée à un grand talent , lui a permis de créer des chefs-d'œuvre qui ont immortalisé son nom à travers les siècles et le nom de sa patrie est la ville d'Urbino.

Le parcours artistique de Raphaël est étonnamment fluide. Nous ne verrons pas ici l'alternance de hauts et de bas, de souffrances et de recherches douloureuses, si familières lorsque nous parlons deà propos de tout créateur brillant. Non, Raphaël développe progressivement son talent, évoluant régulièrement vers la perfection, et la dernière œuvre réalisée par l'artiste est Madone Sixtine- est le couronnement de sa créativité. Était-ce parce que la mort de Raphaël l'avait emporté si tôt que son chemin vers le sommet était trop direct, une fois arrivé au sommet, le grand maître n'avait plus rien à faire sur cette terre ?

En regardant le tableau de Raphaël «La Madone Sixtine», il semble à beaucoup que le pape Sixte II a six doigts sur la main (ce sentiment est renforcé par la traduction du nom Sixte - «sixième»). En fait, cet endroit fait partie du palmier.

La vie de Raphaël, comme son parcours créatif, était dépourvue de couleurs sombres. perdre ses parents dans jeune âge ce n'est que plus tôt qu'elle a amené le garçon, qui avait hérité de son père artiste l'adoration de la beauté et le désir de perfection, à sa véritable maison - le monde de l'art. Possédant une apparence presque angélique, un caractère égal et bienveillant, Raphaël fut toujours entouré d'amis, souvent riches et influents, et plus tard d'étudiants adorés qui l'accompagnèrent partout ; il n'avait presque pas d'ennemis ni d'envieux, il n'en a jamais connu le besoin - même dans sa jeunesse, l'artiste recevait des commandes, et dans la période de maturité de son travail, il y avait tellement de travail qu'il est difficile d'imaginer comment une seule personne a réussi créer autant de chefs-d’œuvre dans un intervalle de temps relativement court.

Ses fresques sont pleines de fantaisie poétique et ses portraits de ses contemporains frappent par leur ressemblance avec l'original et la vivacité de tout ce qui est représenté. On raconte que le chancelier de Léon X, Baltasar Turini, trompé par une illusion, s'est agenouillé devant le portrait du pape, lui donnant plume et encre pour signer une bulle. Avec ce portrait, Raphaël rend hommage à Léon X, qui a joué un rôle important dans l'exaltation, la réussite et le bonheur. En plus de l'énorme travail de l'artiste Raphaël au Vatican, le pape l'a nommé, après la mort de Bramante, directeur principal de la construction de la cathédrale Saint-Pierre, indiquant dans sa brève « À Raphaël d'Urbino » qu'il faisait ceci conformément à la dernière volonté de feu Bramante, dont la haute opinion du talent de Raphaël l'architecte, ce dernier confirma son modèle de ce temple. Le temps a montré que Léon X ne s'était pas trompé dans son choix.

Raphaël était appelé le Maître des Madones. Les Madones florentines de Raphaël sont de jeunes mamans belles, jolies, touchantes et enchanteresses.

Il semble étrange à première vue que Rafael, aimé de tous, n'ait jamais été marié. Lui-même rejeta obstinément des propositions de mariage très flatteuses : le cardinal Bibbiena, l'un de ses principaux mécènes et admirateurs, voulait que Raphaël soit l'époux de sa nièce ; Son oncle bien-aimé Simone Ciarla, que son neveu appelait son « deuxième père », lui a également trouvé une épouse. Cependant, selon la légende, Raphaël aimait une seule femme, Fornarina. Selon la légende, cette jeune fille était la fille d'un boulanger et vivait non loin de l'église Sainte-Cécile sur le Tibre, dans une maison avec un jardin entouré d'un muret. La première fois que Raphaël vit Fornarina, c'était pendant qu'elle se promenait dans le jardin, alors qu'elle s'amusait à se baigner les pieds dans l'eau froide de la source. Il tomba passionnément amoureux de la belle et ne trouva la paix que lorsqu'il l'appela sienne.

On pense que deux tableaux de Raphaël représentent Fornarina. Dans le premier portrait, la bien-aimée de l’artiste apparaît comme une très jeune fille, dans l’autre, comme une belle femme romaine, royale et gracieuse. L'amour de Raphaël a ennobli Fornarina, a développé en elle de nouveaux sentiments et a rempli son cœur de grandeur et de fierté - telle est l'opinion de ceux qui croient que les deux portraits représentent le même visage. Personne ne sait avec certitude si Fornarina a réellement existé, mais est-ce vraiment important ? L'un des biographes du grand artiste écrit que «le génie de Raphaël était plein d'une imagination si merveilleuse que ce ne serait pas un péché d'illuminer son nom du rayonnement légendaire avec lequel il entourait ses saints».

Étant un peu plus jeune que Michel-Ange, Raphaël a beaucoup appris de lui, étudiant attentivement l'œuvre de ce plus grand maître de la Renaissance. Cependant, le destin a voulu que les chemins des deux génies se soient croisés à Rome, où tous deux furent appelés par le pape Jules II, qui n'épargna aucune dépense pour « des structures grandioses et des créations du ciseau et du pinceau, qui pourraient redonner de l'éclat ». à l’Église et au Vatican.

Il est difficile d'imaginer des natures humaines plus différentes les unes des autres : Raphaël, jeune, heureux, chantant la beauté surnaturelle et l'harmonie de l'âme et du corps, et Michel-Ange, un titan malade brisé par la vie, portant dans son cœur la souffrance de son pays et peuple, et donc toujours plein de protestation et d'indignation. D'autant plus intéressants sont les témoignages qui nous sont parvenus de leurs contemporains à propos de relation difficile deux grands maîtres qui ont longtemps travaillé côte à côte.

Ils ne pouvaient pas s'entendre en bons termes, mais chacun se rendait mutuellement respect et admiration. Michel-Ange, qui n'aimait pas Raphaël en raison de sa noblesse, ne pouvait se permettre de dénigrer son adversaire et était le juge le plus impartial de ses œuvres.

Un jour Raphaël, ayant réalisé plusieurs fresques sur commande pour cinq cents écus, en demanda le double. une grande quantité. Face à l’étonnement suscité par ce « caprice fou », l’artiste propose de faire appel à des experts qui témoigneraient de la « modération de ses propos ». Connaissant l'aversion de Michel-Ange pour Raphaël, le client l'a invité à l'évaluer. Michel-Ange, voyant à quel point les fresques étaient belles, montra du doigt la tête de la Sibylle et dit que cette tête valait cent écus et que les autres n'étaient pas pires que celle-ci. Le client, ayant pris connaissance d'un tel avis par Michel-Ange, a été contraint de payer à Raphaël le montant requis.

Les célèbres anges du tableau « La Madone Sixtine », personnages de nombreuses cartes postales et affiches, reposent sur une surface horizontale sombre. Certains historiens de l'art prétendent qu'il s'agit d'un couvercle de cercueil.

Il n'y a aucune preuve de rivalité directe entre les deux plus grands maîtres, mais on dit que Michel-Ange a secrètement aidé son ami, l'artiste Sebastian del Piombo, dans son travail, qui lui-même pouvait difficilement rivaliser avec Raphaël. Ce dernier, s'en rendant compte, remarqua avec humour : « Je suis profondément touché par l'honneur que m'a fait Michel-Ange, car je vois qu'il me considère digne de combattre avec lui, et non avec Sébastien.

Il existe cependant d'autres histoires qui montrent, à en croire, qu'une certaine hostilité mutuelle l'a parfois emporté sur le sentiment de respect de l'autre. On dit, par exemple, que Michel-Ange, lorsqu'il s'est disputé avec le pape et a décidé de quitter Rome, a ordonné de cacher la clé de la chapelle Sixtine afin que Raphaël ne puisse pas voir son œuvre. On raconte aussi qu'une fois dans les salles du Vatican, Michel-Ange, marchant seul dans la chapelle Sixtine, rencontra Raphaël, entouré d'étudiants, et remarqua ironiquement qu'il marchait avec sa suite, comme un général. Ce à quoi Raphaël lui répondit : « Et tu es comme un bourreau. » Cette réponse, peut-être spirituelle, mais mauvaise, indique qu'un génie ne comprenait pas suffisamment l'âme de l'autre. Quoi qu'il en soit, Raphaël a certainement été influencé par Michel-Ange et ne s'en est pas caché. Il a déclaré qu’il était « particulièrement reconnaissant envers Dieu de lui avoir donné le bonheur de naître du vivant d’un si grand maître ».

Il convient de raconter une autre mission confiée par le pape Léon X à Raphaël. La construction de la basilique Saint-Pierre a nécessité une énorme quantité de matériaux, dont la source provenait en grande partie des ruines et des catacombes de Rome. La pierre était extraite au hasard, personne ne se souciait de la préservation des structures anciennes et des dommages irréparables étaient parfois causés à la mémoire de la grande ville. Raphaël, indigné par cette destruction progressive de la Rome antique, se voit confier la direction des travaux d'extraction de pierre et il se met au travail avec ardeur. Raphaël prévoyait de redonner à la ville antique sa forme, sa grandeur et son ordre d'origine. Plusieurs collines formées de décombres ont été détruites, les fondations d'édifices ont été fouillées... Ce qui est apparu devant le peuple admiratif et le pape Léon X leur a fait croire que le Seigneur lui-même avait envoyé Raphaël pour sauver la Rome antique. Le secrétaire papal a écrit à propos du brillant maître : « Il est maintenant occupé à une grande œuvre qui étonnera le monde futur » ; il écrivit aussi un impromptu qui fut alors transmis dans toute la ville : Tant de héros ont bâti Rome pendant longtemps, Et combien de barbares l'ont détruite au cours de plusieurs siècles !

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14.09.17 Sergueï ICE NAT