Le parcours créatif de Dmitri Dmitrievich Chostakovitch (1906-1975) est inextricablement lié à l'histoire de toute la culture artistique soviétique et s'est activement reflété dans la presse (même de son vivant, de nombreux articles, livres, essais, etc. ont été publiés sur le compositeur ). Dans les pages de la presse, il était qualifié de génie (le compositeur n'avait alors que 17 ans) :
« Le jeu de Chostakovitch... a la confiance joyeuse et calme d'un génie. Mes paroles s’appliquent non seulement au jeu exceptionnel de Chostakovitch, mais aussi à ses compositions » (W. Walter, critique).
Chostakovitch est l'un des artistes les plus originaux, originaux et brillants. Toute sa biographie créative est le parcours d'un véritable innovateur, qui a fait de nombreuses découvertes dans le domaine à la fois du figuratif et des genres et des formes, du modal et de l'intonation. Dans le même temps, son œuvre absorbe organiquement les meilleures traditions de l'art musical. La créativité a joué pour lui un rôle énorme, dont le compositeur a apporté les principes (opéra et chant de chambre) à la sphère de la symphonie.
De plus, Dmitry Dmitrievich a poursuivi la lignée du symphonisme héroïque de Beethoven, le symphonisme lyrique-dramatique. L'idée vivifiante de son œuvre remonte à Shakespeare, Goethe, Beethoven, Tchaïkovski. Par nature artistique
« Chostakovitch est un « homme de théâtre », il le connaissait et l'aimait » (L. Danilevich).
En même temps, son chemin de vie en tant que compositeur et en tant que personne est lié aux pages tragiques de l'histoire soviétique.
Ballets et opéras de D. D. Chostakovitch
Les premiers ballets – « L'âge d'or », « Bolt », « Bright Stream »
Le héros collectif de l'œuvre est une équipe de football (ce qui n'est pas un hasard, puisque le compositeur aimait le sport, comprenait professionnellement les subtilités du jeu, ce qui lui donnait l'opportunité d'écrire des reportages sur les matchs de football, était un fan actif et diplômé de l'école des arbitres de football). Vient ensuite le ballet « Bolt » sur le thème de l'industrialisation. Le livret a été écrit par un ancien soldat de cavalerie et, en soi, d'un point de vue moderne, était presque une parodie. Le ballet a été créé par le compositeur dans l'esprit du constructivisme. Les contemporains ont rappelé la première différemment : certains disent que le public prolétaire n'a rien compris et a hué l'auteur, d'autres rappellent que le ballet a été ovationné. La musique du ballet « Bright Stream » (première – 04/01/35), qui se déroule dans une ferme collective, est pleine d'intonations non seulement lyriques, mais aussi comiques, qui ne pouvaient qu'affecter le sort du compositeur. .
Chostakovitch a beaucoup composé dans ses premières années, mais certaines de ses œuvres ont été détruites de ses propres mains, comme le premier opéra « Tsiganes » basé sur Pouchkine.
Opéra "Le Nez" (1927-1928)
Il a suscité une vive controverse, à la suite de laquelle il a été longtemps retiré du répertoire théâtral, puis ressuscité. Selon les propres mots de Chostakovitch, il :
«... était surtout guidé par le fait que l'opéra est avant tout une œuvre musicale. Dans « The Nose », les éléments d’action et de musique sont égaux. Ni l’un ni l’autre n’occupent une place prédominante.
Dans un effort de synthèse de la musique et de la performance théâtrale, le compositeur a combiné de manière organique sa propre individualité créatrice et diverses tendances artistiques dans l'œuvre (« L'amour des trois oranges », « Wozzeck » de Berg, « Jumping Over the Shadow » de Kshenek). L'esthétique théâtrale du réalisme a eu une énorme influence sur le compositeur. En général, « Le Nez » pose les bases, d'une part, de la méthode réaliste et, d'autre part, de la direction « gogolienne » dans la dramaturgie lyrique soviétique.
Opéra « Katerina Izmailova » (« Lady Macbeth de Msensk »)
Elle a été marquée par une transition brutale de l'humour (dans le ballet Bolt) à la tragédie, même si des éléments tragiques étaient déjà évidents dans The Nose, constituant son sous-texte.
Ce - «... l'incarnation du sentiment tragique de la terrible absurdité du monde décrit par le compositeur, dans lequel tout ce qui est humain est piétiné et où les gens sont des marionnettes pathétiques ; Son Excellence Nose s'élève au-dessus d'eux » (L. Danilevich).
Dans ce genre de contrastes, le chercheur L. Danilevich voit leur rôle exceptionnel dans l'activité créatrice de Chostakovitch, et plus largement dans l'art du siècle.
L'opéra « Katerina Izmailova » est dédié à l'épouse du compositeur N. Varzar. Le plan initial était à grande échelle : une trilogie illustrant le sort des femmes à différentes époques. "Katerina Izmailova" en serait le premier volet, décrivant la protestation spontanée de l'héroïne contre le "royaume des ténèbres", qui la pousse sur la voie du crime. L'héroïne de la partie suivante aurait dû être une révolutionnaire et, dans la troisième partie, le compositeur voulait montrer le sort d'une femme soviétique. Ce plan n'était pas destiné à se réaliser.
D'après les appréciations de l'opéra par les contemporains, les propos de I. Sollertinsky sont révélateurs :
"Nous pouvons affirmer en toute responsabilité que dans l'histoire du théâtre musical russe, après La Dame de Pique, aucune œuvre d'une telle ampleur et d'une telle profondeur que Lady Macbeth n'est apparue."
Le compositeur lui-même a qualifié l'opéra de « tragédie-satire », combinant ainsi les deux aspects les plus importants de son œuvre.
Cependant, le 28 janvier 1936, un article « La confusion au lieu de la musique » sur l'opéra (qui avait déjà reçu des éloges et une reconnaissance du public) parut dans le journal Pravda, dans lequel Chostakovitch était accusé de formalisme. L'article s'est avéré être le résultat d'une mauvaise compréhension des questions esthétiques complexes soulevées par l'opéra, mais le nom du compositeur a été clairement identifié de manière négative.
Durant cette période difficile, le soutien de nombreux collègues s'est avéré inestimable pour lui et, qui ont déclaré publiquement avoir salué Chostakovitch avec les paroles de Pouchkine à propos de Baratynsky :
"Il est original chez nous - parce qu'il pense."
(Même si le soutien apporté par Meyerhold au cours de ces années ne pouvait guère être un simple soutien. Au contraire, il créait un danger pour la vie et l’œuvre du compositeur.)
Pour couronner le tout, le 6 février, le même journal a publié un article « Ballet Falsity », qui biffait en fait le ballet « Bright Stream ».
En raison de ces articles, qui ont porté un coup dur au compositeur, son travail de compositeur d'opéra et de ballet a pris fin, malgré le fait qu'ils aient constamment essayé de l'intéresser à divers projets pendant de nombreuses années.
Symphonies de Chostakovitch
Dans son œuvre symphonique (le compositeur a écrit 15 symphonies), Chostakovitch utilise souvent la technique de la transformation figurative, basée sur une profonde refonte des thématiques musicales, qui acquiert ainsi une pluralité de sens.
- À PROPOS Première Symphonie Un magazine musical américain écrivait en 1939 :
Cette symphonie (ouvrage de thèse) complète la période d’apprentissage de la biographie créative du compositeur.
- Deuxième Symphonie- c'est un reflet de la vie contemporaine du compositeur : il s'intitule « Octobre », commandé pour le 10e anniversaire de la Révolution d'Octobre par le département de propagande du secteur musical de la Maison d'édition d'État. A marqué le début de la recherche de nouvelles voies.
- Troisième Symphonie marqué par la démocratie et le chant du langage musical par rapport à la Seconde.
Le principe de dramaturgie du montage, de théâtralité et de visibilité des images commence à être clairement visible.
- Quatrième Symphonie- une symphonie tragique, marquant une nouvelle étape dans le développement de la symphonie de Chostakovitch.
Comme « Katerina Izmailova », elle a souffert d'un oubli temporaire. Le compositeur annula la première (qui devait avoir lieu en 1936), estimant qu’elle aurait lieu « au mauvais moment ». Ce n'est qu'en 1962 que l'œuvre fut interprétée et accueillie avec enthousiasme, malgré la complexité, la netteté du contenu et du langage musical. G. Khubov (critique) a déclaré :
« Dans la musique de la Quatrième Symphonie, la vie elle-même bouillonne et bouillonne. »
- Cinquième Symphonie souvent comparé au drame de type shakespearien, en particulier avec Hamlet.
"doit être imprégné d'une idée positive, comme, par exemple, le pathos vivifiant des tragédies shakespeariennes."
Ainsi, à propos de sa Cinquième Symphonie, il dit :
« Le thème de ma symphonie est la formation de la personnalité. C’est l’homme avec toutes ses expériences que j’ai vu au centre du concept de cette œuvre.
- Vraiment emblématique Septième Symphonie (« Leningrad »), écrit à Leningrad assiégée sous l'impression directe des terribles événements de la Seconde Guerre mondiale.
Selon Koussevitzky, sa musique
« immense et humain et comparable à l’humanité universelle du génie de Beethoven, qui, comme Chostakovitch, est né à une époque de bouleversement mondial… ».
La première de la Septième Symphonie a eu lieu à Leningrad assiégée le 08/09/42 avec le concert retransmis à la radio. Maxim Chostakovitch, le fils du compositeur, pensait que cette œuvre reflétait non seulement l’antihumanisme de l’invasion fasciste, mais aussi l’antihumanisme de la terreur stalinienne en URSS.
- Huitième Symphonie(création le 04.11.1943) - le premier point culminant de la ligne tragique de l'œuvre du compositeur (le deuxième point culminant est la Quatorzième Symphonie), dont la musique a suscité la controverse avec des tentatives pour en minimiser la signification, mais elle est reconnue comme l'une des plus remarquables œuvres du XXe siècle.
- Dans la Neuvième Symphonie(achevé en 1945) le compositeur (il existe une telle opinion) a réagi à la fin de la guerre.
Dans un effort pour se débarrasser de cette expérience, il a tenté de faire appel à des émotions sereines et joyeuses. Cependant, à la lumière du passé, cela n’était plus possible : la ligne idéologique principale est inévitablement assombrie par des éléments dramatiques.
- Dixième Symphonie a continué la ligne tracée dans la symphonie n ° 4.
Après cela, Chostakovitch s’est tourné vers un autre type de symphonie, incarnant l’épopée populaire révolutionnaire. Ainsi, une dilogie apparaît - les symphonies n° 11 et 12, portant les noms « 1905 » (symphonie n° 11, dédiée au 40e anniversaire de la Révolution d'Octobre) et « 1917 » (symphonie n° 12).
- Symphonies treizième et quatorzièmeégalement marqué par des caractéristiques particulières du genre (caractéristiques de l'oratorio, influence du théâtre d'opéra).
Il s'agit de cycles vocal-symphoniques en plusieurs parties, où se manifeste pleinement la tendance à la synthèse des genres vocaux et symphoniques.
L'œuvre symphonique du compositeur Chostakovitch est multiforme. D'une part, ce sont des œuvres écrites sous l'influence de la peur de ce qui se passe dans le pays, certaines d'entre elles ont été écrites sur ordre, d'autres ont été écrites pour se protéger. D'un autre côté, ce sont des réflexions véridiques et profondes sur la vie et la mort, des déclarations personnelles d'un compositeur qui ne pouvait parler couramment que le langage de la musique. C'est Quatorzième Symphonie. Il s'agit d'une œuvre vocale-instrumentale dans laquelle sont utilisés des poèmes de F. Lorca, G. Apollinaire, W. Kuchelbecker, R. Rilke. Le thème principal de la symphonie est la réflexion sur la mort et l'homme. Et bien que Dmitry Dmitrievich lui-même ait déclaré lors de la première qu'il s'agissait de musique et de vie, le matériau musical lui-même parle du chemin tragique de l'homme, de la mort. En vérité, le compositeur s’élève ici au sommet de la réflexion philosophique.
L'œuvre pour piano de Chostakovitch
La nouvelle direction stylistique de la musique pour piano du XXe siècle, niant à bien des égards les traditions du romantisme et de l'impressionnisme, cultivait la présentation graphique (parfois délibérément sèche), mettait parfois l'accent sur la netteté et la sonorité ; la clarté du rythme acquiert une importance particulière. Prokofiev a joué un rôle important dans sa formation et beaucoup de choses sont caractéristiques de Chostakovitch. Il utilise par exemple largement différents registres et compare des sonorités contrastées.
Déjà dans son œuvre pour enfants, il tentait de répondre à des événements historiques (la pièce pour piano « Soldat », « Hymne à la liberté », « Marche funéraire à la mémoire des victimes de la révolution »).
N. Fedin note, rappelant les années de conservatoire du jeune compositeur :
« Sa musique parlait, bavardait, parfois de manière assez malicieuse. »
Le compositeur a détruit certaines de ses premières œuvres et, à l'exception des Danses fantastiques, n'a publié aucune des œuvres écrites avant la Première Symphonie. « Danses fantastiques » (1926) gagne rapidement en popularité et s'impose solidement dans le répertoire musical et pédagogique.
Le cycle « Préludes » est marqué par la recherche de nouvelles techniques et de nouvelles voies. Le langage musical est ici dépourvu de prétention et de complexité délibérée. Certaines caractéristiques du style de chaque compositeur sont étroitement liées aux mélodies russes typiques.
La Sonate pour piano n° 1 (1926) s'appelait à l'origine « Octobre » et représente un défi audacieux aux conventions et à l'académisme. L'œuvre montre clairement l'influence du style pianistique de Prokofiev.
Le caractère du cycle de pièces pour piano « Aphorismes » (1927), composé de 10 pièces, est au contraire marqué par l'intimité et la présentation graphique.
Dans la Première Sonate et dans les « Aphorismes », Kabalevsky voit « une évasion de la beauté extérieure ».
Dans les années 30 (après l'opéra « Katerina Izmailova ») paraissent 24 préludes pour piano (1932-1933) et le Premier Concerto pour piano (1933) ; dans ces œuvres se forment les caractéristiques du style pianistique individuel de Chostakovitch qui seront plus tard clairement identifiées dans la Deuxième Sonate et dans les parties pour piano du Quintette et du Trio.
En 1950-51 le cycle « 24 Préludes et Fugues » op. 87, qui dans sa structure fait référence au HTC de Bach. De plus, aucun des compositeurs russes n’a créé de tels cycles avant Chostakovitch.
La deuxième sonate pour piano (op. 61, 1942) a été écrite sous l'impression de la mort de L. Nikolaev (pianiste, compositeur, professeur) et dédiée à sa mémoire ; en même temps, il reflétait les événements de la guerre. Non seulement le genre, mais aussi la dramaturgie de l’œuvre sont marqués par l’intimité.
«Peut-être nulle part ailleurs Chostakovitch n'a-t-il été aussi ascétique dans le domaine de la texture du piano qu'ici» (L. Danilevich).
Créativité de chambre
Le compositeur a créé 15 quatuors. De son propre aveu, il a commencé à travailler sur le Premier Quatuor (op. 40, 1938) « sans aucune pensée ni sentiment particulier ».
Cependant, le travail de Chostakovitch non seulement l’a captivé, mais a donné naissance à l’idée de créer un cycle de 24 quatuors, un pour chaque tonalité. Cependant, la vie a décrété que ce plan n’était pas destiné à se réaliser.
L'œuvre phare qui complète sa créativité d'avant-guerre est le Quintette pour deux violons, alto, violoncelle et piano (1940).
C'est « le royaume des réflexions calmes, couvertes de poésie lyrique. Voici un monde de pensées élevées, de sentiments sobres et chastement clairs, combinés avec des divertissements festifs et des images pastorales » (L. Danilevich).
Plus tard, le compositeur ne put plus trouver une telle paix dans son œuvre.
Ainsi, le Trio à la mémoire de Sollertinsky incarne à la fois les souvenirs d'un ami disparu et les pensées de tous ceux qui sont morts au cours d'une terrible guerre.
Créativité cantate-oratorio
Chostakovitch a créé un nouveau type d'oratorio dont les caractéristiques résident dans l'utilisation généralisée du chant et d'autres genres et formes, ainsi que du journalisme et des affiches.
Ces caractéristiques ont été incarnées dans l'oratorio ensoleillé et lumineux « Chanson des forêts », créé « juste après les événements » liés à l'intensification de la « construction verte » - la création de brise-vent forestiers. Son contenu se dévoile en 7 parties
(« Quand la guerre a pris fin », « Habillons la Patrie de forêts », « Souvenirs du passé », « Les pionniers plantent des forêts », « Les Stalingraders se manifestent », « Marche vers l'avenir », « Gloire »).
La cantate « Le soleil brille sur notre patrie » (1952) sur paroles est proche du style de l'oratorio. Dolmatovsky.
Tant dans l’oratorio que dans la cantate, il y a une tendance vers une synthèse des lignes chant-chorales et symphoniques de l’œuvre du compositeur.
À peu près à la même époque paraît un cycle de 10 poèmes pour chœur mixte sans accompagnement, basé sur les paroles de poètes révolutionnaires du début du siècle (1951), qui constitue un exemple exceptionnel d'épopée révolutionnaire. Le cycle est la première œuvre dans l’œuvre du compositeur où il n’y a pas de musique instrumentale. Certains critiques estiment que les œuvres créées selon les mots de Dolmatovsky, médiocres, mais qui occupaient une place importante dans la nomenklatura soviétique, ont aidé le compositeur à s'engager dans la créativité. Ainsi, l'un des cycles basés sur les paroles de Dolmatovsky a été créé immédiatement après la 14e symphonie, comme pour s'y opposer.
Musique de film
La musique de film joue un rôle important dans l’œuvre de Chostakovitch. Il est l'un des pionniers de ce type d'art musical, réalisant son éternel désir de tout ce qui est nouveau et inconnu. À cette époque, le cinéma était encore muet et la musique de film était considérée comme une expérimentation.
En créant de la musique pour des films, Dmitry Dmitrievich n'a pas cherché à illustrer réellement les visuels, mais à avoir un impact émotionnel et psychologique, lorsque la musique révèle le sous-texte psychologique profond de ce qui se passe à l'écran. De plus, le travail au cinéma a incité le compositeur à se tourner vers des couches jusqu'alors inconnues de l'art populaire national. La musique de film a aidé le compositeur lorsque ses œuvres principales n'étaient pas interprétées. Tout comme les traductions ont aidé Pasternak, Akhmatova et Mandelstam.
Certains des films avec la musique de Chostakovitch (c'étaient des films différents) :
« La Jeunesse de Maxime », « La Jeune Garde », « Le Taon », « Hamlet », « Le Roi Lear », etc.
Le langage musical du compositeur ne correspondait souvent pas aux normes établies et reflétait largement ses qualités personnelles : il appréciait l'humour et les paroles pleines d'esprit et se distinguait par son esprit.
«Le sérieux chez lui se combinait avec la vivacité de caractère» (Tyulin).
Cependant, il convient de noter que le langage musical de Dmitry Dmitrievich est devenu de plus en plus sombre au fil du temps. Et si nous parlons d'humour, alors en toute confiance nous pouvons appeler cela du sarcasme (cycles vocaux basés sur des textes de la revue "Crocodile", sur des poèmes du capitaine Lébiadkine, le héros du roman "Démons" de Dostoïevski)
Compositeur, pianiste, Chostakovitch était également professeur (professeur au Conservatoire de Leningrad), qui a formé un certain nombre de compositeurs exceptionnels, dont G. Sviridov, K. Karaev, M. Weinberg, B. Tishchenko, G. Ustvolskaya et d'autres.
Pour lui, l'étendue de ses horizons était d'une grande importance, et il a toujours ressenti et noté la différence entre le côté extérieurement spectaculaire et le côté émotionnel profondément intérieur de la musique. Les mérites du compositeur ont reçu la plus haute appréciation : Chostakovitch a été parmi les premiers lauréats du Prix d'État de l'URSS et a reçu l'Ordre du Drapeau rouge du travail (qui n'était alors accessible qu'à très peu de compositeurs).
Pourtant, le destin même humain et musical du compositeur est une illustration de la tragédie du génie.
Avez-vous apprécié? Ne cachez pas votre joie au monde - partagez-laEnfance et famille de Dmitri Chostakovitch
Dmitri Chostakovitch est né à Saint-Pétersbourg en 1906. Ses parents étaient originaires de Sibérie, où le grand-père paternel du futur compositeur fut exilé pour avoir participé au mouvement Volonté du Peuple.Le père du garçon, Dmitry Boleslavovich, était ingénieur chimiste et mélomane passionné. Mère, Sofya Vasilievna, a étudié au conservatoire à une époque, était une bonne pianiste et professeur de piano pour débutants.
En plus de Dmitry, la famille avait deux autres filles. La sœur aînée de Mitya, Maria, est devenue plus tard pianiste et la jeune Zoya est devenue vétérinaire. Quand Mitya avait 8 ans, la Première Guerre mondiale éclata. En écoutant les conversations constantes des adultes sur la guerre, le garçon a écrit son premier morceau de musique, "Soldier".
En 1915, Mitya fut envoyée étudier au gymnase. Au cours de la même période, le garçon s’intéresse sérieusement à la musique. Sa mère est devenue son premier professeur et, quelques mois plus tard, le petit Chostakovitch a commencé à étudier à l'école de musique du célèbre professeur I. A. Glyasser.
En 1919, Chostakovitch entre au Conservatoire de Petrograd. Ses professeurs de piano étaient A. Rozanova et L. Nikolaev. Dmitry est diplômé du conservatoire dans deux classes à la fois : en 1923 en piano et deux ans plus tard en composition.
Activité créatrice du compositeur Dmitri Chostakovitch
La première œuvre significative de Chostakovitch fut la Symphonie n° 1, œuvre de fin d'études d'un diplômé du conservatoire. En 1926, la symphonie fut créée à Leningrad. Les critiques musicaux ont commencé à parler de Chostakovitch comme d'un compositeur capable de compenser la perte par l'Union soviétique de Sergueï Rachmaninov, Igor Stravinsky et Sergueï Prokofiev qui ont émigré du pays.Le célèbre chef d'orchestre Bruno Walter fut ravi de la symphonie et demanda à Chostakovitch de lui envoyer la partition de l'œuvre à Berlin.
Le 22 novembre 1927, la symphonie fut créée à Berlin et un an plus tard à Philadelphie. Les premières à l'étranger de la Symphonie n°1 ont rendu le compositeur russe célèbre dans le monde entier.
Inspiré par le succès, Chostakovitch a écrit les Deuxième et Troisième Symphonies, les opéras « Le Nez » et « Lady Macbeth de Mtsensk » (basés sur les œuvres de N.V. Gogol et N. Leskov).
Chostakovitch. Valse
Les critiques ont accueilli l’opéra « Lady Macbeth de Msensk » de Chostakovitch avec presque enthousiasme, mais le « chef des peuples » ne l’a pas aimé. Naturellement, un article très négatif paraît immédiatement : « La confusion au lieu de la musique ». Quelques jours plus tard, paraît une autre publication - "Ballet Falsity", dans laquelle le ballet "The Bright Stream" de Chostakovitch fait l'objet de critiques dévastatrices.
Chostakovitch fut sauvé d’autres ennuis grâce à la parution de la Cinquième Symphonie, que Staline lui-même commenta : « La réponse de l’artiste soviétique à une critique juste ».
Symphonie de Leningrad de Dmitri Chostakovitch
La guerre de 1941 a trouvé Chostakovitch à Léningrad. Le compositeur a commencé à travailler sur la Septième Symphonie. L'œuvre, appelée Symphonie de Leningrad, a été créée le 5 mars 1942 à Kuibyshev, où le compositeur a été évacué. Quatre jours plus tard, la symphonie était jouée dans la salle des colonnes de la Maison des syndicats de Moscou.Symphonie de Leningrad de Dmitri Chostakovitch
Le 9 août, la symphonie a été jouée à Leningrad assiégée. Cette œuvre du compositeur est devenue un symbole de la lutte contre le fascisme et de la résilience des Léningraders.
Les nuages se rassemblent à nouveau
Jusqu’en 1948, le compositeur n’a eu aucun démêlé avec les autorités. De plus, il a reçu plusieurs prix Staline et titres honorifiques.Mais en 1948, dans la résolution du Comité central du Parti communiste des bolcheviks de toute l'Union, qui parlait de l'opéra « La Grande Amitié » du compositeur Vano Muradeli, de la musique de Prokofiev, de Chostakovitch, Khatchatourian fut reconnu comme « étranger à le peuple soviétique.
Se soumettant aux diktats du parti, Chostakovitch « se rend compte de ses erreurs ». Des œuvres à caractère militaro-patriotique apparaissent dans son œuvre et les « frictions » avec les autorités cessent.
Vie personnelle de Dmitri Chostakovitch
Selon les souvenirs de proches du compositeur, Chostakovitch était timide et incertain quant à ses interactions avec les femmes. Son premier amour était une fille de 10 ans, Natasha Kube, à qui Mitya, 13 ans, a dédié un court prélude musical.En 1923, l'aspirant compositeur rencontre sa collègue Tanya Glivenko. Un garçon de dix-sept ans tombe follement amoureux d'une belle fille bien éduquée. Les jeunes ont entamé une relation amoureuse. Malgré son amour ardent, Dmitry n'a pas pensé à proposer à Tatiana. Finalement, Glivenko a épousé un autre admirateur. Seulement trois ans plus tard, Chostakovitch a invité Tanya à quitter son mari et à l'épouser. Tatiana a refusé - elle attendait un enfant et a demandé à Dmitry de l'oublier pour toujours.
Réalisant qu'il ne pouvait pas rendre sa bien-aimée, Chostakovitch épousa Nina Varzar, une jeune étudiante. Nina a donné à son mari une fille et un fils. Ils ont vécu mariés pendant plus de 20 ans, jusqu’à la mort de Nina.
Après la mort de sa femme, Chostakovitch se maria encore deux fois. Le mariage avec Margarita Kayonova fut de courte durée et la troisième épouse, Irina Supinskaya, s'occupa du grand compositeur jusqu'à la fin de sa vie.
La muse du compositeur est finalement devenue Tatiana Glivenko, à qui il a dédié sa Première Symphonie et Trio pour piano, violon et violoncelle.
Les dernières années de la vie de Chostakovitch
Dans les années 70 du XXe siècle, le compositeur a écrit des cycles vocaux basés sur des poèmes de Marina Tsvetaeva et de Michel-Ange, les 13e, 14e et 15e quatuors à cordes et la Symphonie n°15.La dernière œuvre du compositeur fut la Sonate pour alto et piano.
À la fin de sa vie, Chostakovitch souffrait d'un cancer du poumon. En 1975, la maladie entraîne le compositeur dans sa tombe.
Chostakovitch a été enterré au cimetière de Novodievitchi à Moscou.
Prix Dmitri Chostakovitch
Chostakovitch n’a pas seulement été réprimandé. De temps en temps, il recevait des récompenses gouvernementales. À la fin de sa vie, le compositeur avait accumulé un nombre important de commandes, médailles et titres honorifiques. Il était un héros du travail socialiste, possédait trois Ordres de Lénine, ainsi que les Ordres de l'Amitié des Peuples, de la Révolution d'Octobre et du Drapeau Rouge du Travail, la Croix d'Argent de la République Autrichienne et l'Ordre Français des Arts et des Lettres.Le compositeur a reçu les titres d'Artiste émérite de la RSFSR et de l'URSS, Artiste du peuple de l'URSS. Chostakovitch a reçu le prix Lénine et cinq prix Staline, prix d'État de la RSS d'Ukraine, de la RSFSR et de l'URSS. Il a été lauréat du Prix international de la paix et du Prix qui porte son nom. J. Sibelius.
Chostakovitch était docteur honoris causa en musique des universités d'Oxford et d'Evanston Northwestern. Il fut membre des Académies des Beaux-Sciences française et bavaroise, des Académies Royales de Musique anglaise et suédoise, de l'Académie des Arts Santa Cecilia en Italie, etc. Tous ces prix et titres internationaux parlent d'une chose : la renommée mondiale du grand compositeur du 20e siècle.
Dmitri Dmitrievich Chostakovitch (12 (25) septembre 1906, Saint-Pétersbourg - 9 août 1975, Moscou) - compositeur, pianiste, professeur et personnalité publique soviétique russe, l'un des compositeurs les plus importants du XXe siècle, qui a eu et continue avoir une influence créatrice sur les compositeurs. Dans ses premières années, Chostakovitch fut influencé par la musique de Stravinsky, Berg, Prokofiev, Hindemith et plus tard (au milieu des années 1930) par Mahler. Étudiant constamment les traditions classiques et d'avant-garde, Chostakovitch a développé son propre langage musical, chargé d'émotion et touchant le cœur des musiciens et des mélomanes du monde entier.
Au printemps 1926, l'Orchestre Philharmonique de Leningrad, dirigé par Nikolai Malko, joua pour la première fois la Première Symphonie de Dmitri Chostakovitch. Dans une lettre adressée à la pianiste de Kiev L. Izarova, N. Malko a écrit : « Je viens de rentrer d'un concert. Dirigé pour la première fois la symphonie du jeune Leningrader Mitya Chostakovitch. J’ai l’impression d’avoir ouvert une nouvelle page de l’histoire de la musique russe.
L'accueil de la symphonie par le public, l'orchestre et la presse ne peut pas être simplement qualifié de succès, c'était un triomphe. De même, sa procession à travers les scènes symphoniques les plus célèbres du monde. Otto Klemperer, Arturo Toscanini, Bruno Walter, Hermann Abendroth, Leopold Stokowski se sont penchés sur la partition de la symphonie. Pour eux, chefs d’orchestre-penseurs, la corrélation entre le niveau de compétence et l’âge de l’auteur semblait invraisemblable. J'ai été frappé par la totale liberté avec laquelle le compositeur de dix-neuf ans disposait de toutes les ressources de l'orchestre pour réaliser ses idées, et les idées elles-mêmes frappaient d'une fraîcheur printanière.
La symphonie de Chostakovitch fut véritablement la première symphonie du Nouveau Monde, balayée par l'orage d'octobre. Le contraste était saisissant entre la musique pleine de gaieté, l’épanouissement exubérant des jeunes forces, les paroles subtiles et timides et l’art expressionniste sombre de nombreux contemporains étrangers de Chostakovitch.
Dépassant le stade habituel de la jeunesse, Chostakovitch entra avec confiance dans la maturité. Cette excellente école lui a donné cette confiance. Originaire de Léningrad, il a fait ses études au Conservatoire de Léningrad dans les classes du pianiste L. Nikolaev et du compositeur M. Steinberg. Leonid Vladimirovitch Nikolaev, qui a élevé l'une des branches les plus fructueuses de l'école pianistique soviétique, était en tant que compositeur l'élève de Taneyev, qui à son tour était l'élève de Tchaïkovski. Maximilian Oseevich Steinberg est un élève de Rimski-Korsakov et un adepte de ses principes et méthodes pédagogiques. Nikolaev et Steinberg ont hérité de leurs professeurs une haine totale de l'amateurisme. Dans leurs classes régnait un esprit de profond respect pour le travail, pour ce que Ravel aimait désigner par le mot métier. C'est pourquoi la culture de la maîtrise était déjà si élevée dans la première œuvre majeure du jeune compositeur.
De nombreuses années se sont écoulées depuis. Quatorze autres ont été ajoutés à la Première Symphonie. Quinze quatuors, deux trios, deux opéras, trois ballets, deux concertos pour piano, deux pour violon et deux pour violoncelle, des cycles de romance, des recueils de préludes et fugues pour piano, des cantates, des oratorios, de la musique pour de nombreux films et performances dramatiques sont apparus.
La première période de la créativité de Chostakovitch coïncide avec la fin des années vingt, une époque de discussions animées sur les questions cardinales de la culture artistique soviétique, lorsque les fondements de la méthode et du style de l'art soviétique - le réalisme socialiste - se sont cristallisés. Comme de nombreux représentants de la jeune génération, et pas seulement de la jeune génération de l'intelligentsia artistique soviétique, Chostakovitch rend hommage à sa passion pour les œuvres expérimentales du metteur en scène V. E. Meyerhold, les opéras d'Alban Berg (Wozzeck), d'Ernst Kshenek (Sautant par-dessus l'ombre , Johnny) , productions de ballet de Fiodor Lopukhov.
La combinaison du grotesque aigu et de la tragédie profonde, typique de nombreux phénomènes de l'art expressionniste venus de l'étranger, a également attiré l'attention du jeune compositeur. En même temps, l’admiration pour Bach, Beethoven, Tchaïkovski, Glinka et Berlioz l’habite toujours. À une époque, il s'inquiétait de la grandiose épopée symphonique de Mahler : de la profondeur des problèmes éthiques qu'elle contenait : l'artiste et la société, l'artiste et la modernité. Mais aucun des compositeurs des époques révolues ne le choque autant que Moussorgski.
Au tout début de la carrière créative de Chostakovitch, à une époque de recherches, de passe-temps et de disputes, est né son opéra «Le Nez» (1928), l'une des œuvres les plus controversées de sa jeunesse créative. Dans cet opéra basé sur l'intrigue de Gogol, à travers les influences tangibles de « L'Inspecteur général » de Meyerhold, des traits musicaux excentriques et brillants étaient visibles qui rendent « Le Nez » similaire à l'opéra « Mariage » de Moussorgski. « Le Nez » a joué un rôle important dans l’évolution créative de Chostakovitch.
Le début des années 30 est marqué dans la biographie du compositeur par un flot d'œuvres de genres différents. Voici les ballets « L'âge d'or » et « Bolt », la musique de la production par Meyerhold de la pièce de Maïakovski « La punaise de lit », la musique de plusieurs représentations du Théâtre de la jeunesse ouvrière de Leningrad (TRAM), et enfin, la première entrée de Chostakovitch dans le cinéma, la création de musique pour les films « Alone », « Golden Mountains », « Counter » ; musique pour le spectacle de variétés et de cirque du Music Hall de Leningrad « Conditionally Killed » ; communication créative avec les arts connexes : ballet, théâtre dramatique, cinéma ; l’émergence du premier cycle romantique (basé sur des poèmes de poètes japonais) témoigne du besoin du compositeur de concrétiser la structure figurative de la musique.
La place centrale parmi les œuvres de Chostakovitch de la première moitié des années 30 est occupée par l'opéra « Lady Macbeth de Msensk » (« Katerina Izmailova »). La base de sa dramaturgie est l'œuvre de N. Leskov, dont l'auteur a désigné le genre par le mot « essai », comme pour souligner ainsi l'authenticité, la fiabilité des événements et le caractère portraitiste des personnages. La musique de « Lady Macbeth » est une histoire tragique sur une époque terrible de tyrannie et d'anarchie, où tout ce qui est humain chez une personne, sa dignité, ses pensées, ses aspirations, ses sentiments, a été tué ; lorsque les instincts primitifs étaient mis à l’épreuve et gouvernaient les actions et la vie elle-même, enchaînée, parcourait les routes sans fin de la Russie. Sur l'un d'eux, Chostakovitch a vu son héroïne - l'épouse d'un ancien marchand, une condamnée, qui a payé le prix fort pour son bonheur criminel. Je l'ai vu et j'ai raconté avec enthousiasme son destin dans mon opéra.
La haine du vieux monde, du monde de la violence, du mensonge et de l’inhumanité se manifeste dans de nombreuses œuvres de Chostakovitch, dans différents genres. Elle est l’antithèse la plus forte des images positives, des idées qui définissent le credo artistique et social de Chostakovitch. La foi dans le pouvoir irrésistible de l'Homme, l'admiration pour la richesse du monde spirituel, la sympathie pour ses souffrances, une soif passionnée de participer à la lutte pour ses idéaux brillants - tels sont les traits les plus importants de ce credo. Cela se manifeste particulièrement pleinement dans ses œuvres clés et marquantes. Parmi elles se trouve l’une des plus importantes, la Cinquième Symphonie, parue en 1936, qui marque le début d’une nouvelle étape dans la biographie créative du compositeur, un nouveau chapitre de l’histoire de la culture soviétique. Dans cette symphonie, que l'on peut qualifier de « tragédie optimiste », l'auteur aborde le profond problème philosophique de la formation de la personnalité de son contemporain.
À en juger par la musique de Chostakovitch, le genre symphonique a toujours été pour lui une plate-forme à partir de laquelle seuls les discours les plus importants et les plus enflammés visant à atteindre les objectifs éthiques les plus élevés doivent être prononcés. La tribune symphonique n’a pas été érigée pour l’éloquence. C’est un tremplin pour une pensée philosophique militante, luttant pour les idéaux de l’humanisme, dénonçant le mal et la bassesse, comme pour affirmer une fois de plus la célèbre position goethéenne :
Lui seul est digne du bonheur et de la liberté,
Qui va se battre pour eux tous les jours !
Il est significatif qu’aucune des quinze symphonies écrites par Chostakovitch ne s’écarte de la modernité. Le premier a été mentionné ci-dessus, le deuxième est une dédicace symphonique à octobre, le troisième est le « 1er mai ». Dans ceux-ci, le compositeur se tourne vers la poésie de A. Bezymensky et S. Kirsanov afin de révéler plus clairement la joie et la solennité des festivités révolutionnaires qui y flambent.
Mais déjà à partir de la Quatrième Symphonie, écrite en 1936, une force étrangère et maléfique entre dans le monde de la compréhension joyeuse de la vie, de la bonté et de la convivialité. Elle prend différentes apparences. Quelque part, elle marche brutalement sur le sol couvert de verdure printanière, avec un sourire cynique elle souille la pureté et la sincérité, elle est en colère, elle menace, elle préfigure la mort. Il est intérieurement proche des thèmes sombres qui menacent le bonheur humain dans les pages des partitions des trois dernières symphonies de Tchaïkovski.
Tant dans le Cinquième que dans le IIe mouvement de la Sixième Symphonie de Chostakovitch, cette force formidable se fait sentir. Mais ce n’est que dans la Septième Symphonie de Leningrad qu’elle atteint toute sa hauteur. Soudain, une force cruelle et terrible envahit le monde des pensées philosophiques, des rêves purs, de la vigueur athlétique et des paysages poétiques à la Lévitan. Elle est venue balayer ce monde pur et établir les ténèbres, le sang et la mort. De manière insinuante, de loin, vient le bruissement à peine audible d'un petit tambour, et sur son rythme clair émerge un thème dur et anguleux. Se répétant onze fois avec une mécanique sourde et gagnant en force, il acquiert des sons rauques, grognants, en quelque sorte hirsutes. Et maintenant, dans toute sa nudité terrifiante, l’homme-bête marche sur la terre.
Contrairement au « thème de l’invasion », le « thème du courage » émerge et se renforce en musique. Le monologue du basson est extrêmement saturé de l’amertume de la perte, rappelant les vers de Nekrasov : « Ce sont les larmes des mères pauvres, elles n’oublieront pas leurs enfants morts dans le champ sanglant ». Mais aussi tristes que soient les pertes, la vie s’impose à chaque minute. Cette idée imprègne le Scherzo - Partie II. Et à partir de là, par la réflexion (Partie III), cela mène à une fin aux sonorités triomphales.
Le compositeur a écrit sa légendaire Symphonie de Leningrad dans une maison constamment secouée par les explosions. Dans l'un de ses discours, Chostakovitch a déclaré : « J'ai regardé ma ville bien-aimée avec douleur et fierté. Et il se tenait debout, brûlé par les incendies, aguerri au combat, ayant vécu les profondes souffrances d'un combattant, et était encore plus beau dans sa grandeur austère. Comment pourrais-je ne pas aimer cette ville construite par Pierre et ne pas parler au monde entier de sa gloire, du courage de ses défenseurs... Mon arme était la musique.
Détestant passionnément le mal et la violence, le compositeur citoyen dénonce l'ennemi, celui qui sème les guerres qui plongent les nations dans les abîmes du désastre. C’est pourquoi le thème de la guerre a longtemps fasciné les pensées du compositeur. Cela sonne dans la Huitième, d'ampleur grandiose, dans la profondeur des conflits tragiques, composée en 1943, dans les Dixième et Treizième symphonies, dans le trio avec piano, écrit à la mémoire de I. I. Sollertinsky. Ce thème pénètre également dans le Huitième Quatuor, dans la musique des films « La Chute de Berlin », « Rencontre sur l'Elbe », « Jeune Garde ». Dans un article consacré au premier anniversaire du Jour de la Victoire, Chostakovitch écrit : « La victoire n’oblige pas moins que la guerre menée au nom de la victoire. La défaite du fascisme n’est qu’une étape dans le mouvement offensif imparable de l’homme, dans la mise en œuvre de la mission progressiste du peuple soviétique.»
La Neuvième Symphonie, la première œuvre de Chostakovitch d'après-guerre. Elle fut jouée pour la première fois à l'automne 1945 ; dans une certaine mesure, cette symphonie ne fut pas à la hauteur des attentes. Il n'y a pas de solennité monumentale qui pourrait incarner en musique les images de la fin victorieuse de la guerre. Mais il y a autre chose là-dedans : une joie immédiate, des blagues, des rires, comme si un poids énorme tombait des épaules, et pour la première fois depuis tant d'années, il était possible d'allumer la lumière sans rideaux, sans s'assombrir, et toutes les fenêtres des maisons s'éclairaient de joie. Et ce n’est que dans l’avant-dernière partie qu’apparaît un rappel sévère de ce qui a été vécu. Mais l'obscurité règne pendant une courte période - la musique revient dans le monde de la lumière et du plaisir.
Huit années séparent la Dixième Symphonie de la Neuvième. Il n’y a jamais eu une telle interruption dans la chronique symphonique de Chostakovitch. Et encore une fois, nous avons devant nous une œuvre pleine de collisions tragiques, de problèmes idéologiques profonds, captivante par ses récits pathétiques sur une époque de grands bouleversements, une époque de grands espoirs pour l'humanité.
Les Onzième et Douzième occupent une place particulière dans la liste des symphonies de Chostakovitch.
Avant de passer à la Onzième Symphonie, écrite en 1957, il faut rappeler Dix Poèmes pour chœur mixte (1951) basés sur les paroles de poètes révolutionnaires du XIXe et du début du XXe siècle. Les poèmes des poètes révolutionnaires : L. Radin, A. Gmyrev, A. Kots, V. Tan-Bogoraz ont inspiré Chostakovitch pour créer une musique dont chaque mesure a été composée par lui, et en même temps semblable aux chansons du révolutionnaire. des rassemblements souterrains d'étudiants, qui ont été entendus dans les cachots de Butyrok, à Shushenskoye et à Lynjumo, à Capri, sur des chansons qui étaient également une tradition familiale dans la maison des parents du compositeur. Son grand-père, Boleslav Boleslavovitch Chostakovitch, fut exilé pour avoir participé au soulèvement polonais de 1863. Son fils, Dmitri Boleslavovitch, le père du compositeur, pendant ses années d'études et après avoir obtenu son diplôme de l'Université de Saint-Pétersbourg, était étroitement associé à la famille Loukachevitch, dont l'un des membres, avec Alexandre Ilitch Oulianov, préparait une tentative d'assassinat contre Alexandre III. Loukachevitch a passé 18 ans dans la forteresse de Shlisselburg.
L’une des impressions les plus marquantes de toute la vie de Chostakovitch est datée du 3 avril 1917, jour de l’arrivée de V.I. Lénine à Petrograd. C'est ainsi que le compositeur en parle. «J'ai été témoin des événements de la Révolution d'Octobre, j'étais parmi ceux qui écoutaient Vladimir Ilitch sur la place devant la gare Finlande le jour de son arrivée à Petrograd. Et même si j’étais très jeune à l’époque, cela est resté gravé à jamais dans ma mémoire.
Le thème de la révolution est entré dans la chair et le sang du compositeur dès son enfance et a mûri en lui avec la croissance de la conscience, devenant l'un de ses fondements. Ce thème s'est cristallisé dans la Onzième Symphonie (1957), intitulée « 1905 ». Chaque partie a son propre nom. À partir d'eux, vous pouvez clairement imaginer l'idée et la dramaturgie de l'œuvre : « Place du Palais », « 9 janvier », « Mémoire éternelle », « Alarme ». La symphonie est imprégnée des intonations des chansons de l'underground révolutionnaire : « Écoutez », « Prisonnier », « Vous êtes tombé victime », « Rage, tyrans », « Varshavyanka ». Ils donnent au riche récit musical une excitation particulière et l'authenticité d'un document historique.
Dédiée à la mémoire de Vladimir Ilitch Lénine, la Douzième Symphonie (1961) - une œuvre d'une puissance épique - poursuit le récit instrumental de la révolution. Comme dans la Onzième, les noms des parties du programme donnent une idée tout à fait claire de son contenu : « Petrograd révolutionnaire », « Razliv », « Aurora », « L'aube de l'humanité ».
La Treizième Symphonie de Chostakovitch (1962) est proche par son genre de l'oratorio. Il a été écrit pour une composition inhabituelle : un orchestre symphonique, un chœur de basses et un soliste de basse. La base textuelle des cinq parties de la symphonie est constituée des vers d'Evg. Yevtushenko : « Babi Yar », « Humour », « Dans le magasin », « Peurs » et « Carrière ». L'idée de la symphonie, son pathétique est la dénonciation du mal au nom de la lutte pour la vérité, pour l'homme. Et cette symphonie révèle l’humanisme actif et offensif inhérent à Chostakovitch.
Après une interruption de sept ans, en 1969, est créée la Quatorzième Symphonie, écrite pour un orchestre de chambre : cordes, un petit nombre de percussions et deux voix - soprano et basse. La symphonie contient des poèmes de Garcia Lorca, Guillaume Apollinaire, M. Rilke et Wilhelm Kuchelbecker. Dédiée à Benjamin Britten, la symphonie a été écrite, selon son auteur, sous l'influence des « Chants et danses de la mort » de M. P. Moussorgski. Dans le magnifique article « Des profondeurs des profondeurs », consacré à la Quatorzième Symphonie, Marietta Shaginyan écrivait : « … La Quatorzième Symphonie de Chostakovitch, le point culminant de son œuvre. La quatorzième symphonie - je voudrais l'appeler la première « Passions humaines » de la nouvelle ère - parle de manière convaincante de combien notre époque a besoin à la fois d'une interprétation approfondie des contradictions morales et d'une compréhension tragique des épreuves spirituelles (« passions »). , par lequel passe l’humanité.
La quinzième symphonie de D. Chostakovitch a été composée à l'été 1971. Après une longue pause, le compositeur revient à une partition purement instrumentale pour la symphonie. La coloration claire du « scherzo jouet » du premier mouvement est associée à des images de l'enfance. Le thème de l’ouverture de « Guillaume Tell » de Rossini « s’intègre » organiquement dans la musique. La musique lugubre du début de la deuxième partie au son sombre d'une fanfare fait naître des pensées de perte, du premier chagrin terrible. La musique de la deuxième partie est remplie d'une fantaisie inquiétante, rappelant à certains égards le monde féerique de Casse-Noisette. Au début de la quatrième partie, Chostakovitch recourt à nouveau à la citation. Cette fois, c'est le thème du destin de Valkyrie qui prédétermine le point culminant tragique du développement ultérieur.
Quinze symphonies de Chostakovitch constituent quinze chapitres de la chronique épique de notre temps. Chostakovitch a rejoint les rangs de ceux qui transforment activement et directement le monde. Son arme, c'est la musique devenue philosophie, la philosophie devenue musique.
Les aspirations créatives de Chostakovitch couvrent tous les genres musicaux existants - du chant de messe du "Comptoir" à l'oratorio monumental "Le chant des forêts", en passant par les opéras, les symphonies et les concerts instrumentaux. Une partie importante de son œuvre est consacrée à la musique de chambre, dont l'un des opus, « 24 Préludes et Fugues » pour piano, occupe une place particulière. Après Jean-Sébastien Bach, peu de gens ont osé toucher à un cycle polyphonique d'une telle nature et d'une telle ampleur. Et ce n’est pas une question de présence ou d’absence d’une technologie appropriée, d’un type particulier de compétence. Les « 24 Préludes et Fugues » de Chostakovitch ne constituent pas seulement un corpus de sagesse polyphonique du XXe siècle, ils constituent l’indicateur le plus clair de la force et de la tension de la pensée, pénétrant dans les profondeurs des phénomènes les plus complexes. Ce type de pensée s'apparente à la puissance intellectuelle de Kurchatov, Landau, Fermi, et donc les préludes et fugues de Chostakovitch étonnent non seulement par le haut académisme de la révélation des secrets de la polyphonie de Bach, mais surtout par la pensée philosophique qui pénètre véritablement dans le « profondeurs des profondeurs » de son contemporain, forces motrices, contradictions et pathétiques de l'ère des grandes transformations.
À côté des symphonies, une place importante dans la biographie créative de Chostakovitch est occupée par ses quinze quatuors. Dans cet ensemble modeste par le nombre d'interprètes, le compositeur se tourne vers un cercle thématique proche de celui dont il parle dans ses symphonies. Ce n'est pas un hasard si certains quatuors apparaissent presque simultanément avec les symphonies, étant leurs « compagnons » originels.
Dans les symphonies, le compositeur s'adresse à des millions de personnes, poursuivant en ce sens la ligne du symphonisme de Beethoven, tandis que les quatuors s'adressent à un cercle de chambre plus restreint. Avec lui, il partage ce qui l'excite, ce qui lui plaît, ce qui le déprime, ce dont il rêve.
Aucun des quatuors n'a de titre spécial pour aider à comprendre son contenu. Rien qu'un numéro de série. Et pourtant, leur signification est claire pour tous ceux qui aiment et savent écouter la musique de chambre. Le premier quatuor a le même âge que la Cinquième Symphonie. Dans sa structure joyeuse, proche du néoclassicisme, avec une sarabande réfléchie du premier mouvement, un final pétillant de Haydn, une valse palpitante et un chœur d'alto russe émouvant, long et clair, on sent la guérison des pensées lourdes qui ont submergé le héros de la Cinquième Symphonie.
Nous nous rappelons combien le lyrisme était important dans les poèmes, les chansons et les lettres pendant les années de guerre, comment la chaleur lyrique de quelques phrases sincères doublait la force spirituelle. La valse et la romance du Deuxième Quatuor, écrit en 1944, en sont imprégnées.
Comme les images du Troisième Quatuor sont différentes les unes des autres. Il contient l'insouciance de la jeunesse, les visions douloureuses des « forces du mal », la tension du champ de la résistance et les paroles adjacentes à la réflexion philosophique. Le Cinquième Quatuor (1952), qui précède la Dixième Symphonie, et plus encore le Huitième Quatuor (1960), sont remplis de visions tragiques, souvenirs des années de guerre. Dans la musique de ces quatuors, comme dans les Septième et Dixième symphonies, les forces de la lumière et les forces des ténèbres s'opposent nettement. La page de titre du Huitième Quatuor dit : « À la mémoire des victimes du fascisme et de la guerre ». Ce quatuor a été écrit pendant trois jours à Dresde, où Chostakovitch est allé travailler sur la musique du film Cinq jours, cinq nuits.
Outre les quatuors qui reflètent le « grand monde » avec ses conflits, ses événements, ses collisions de la vie, Chostakovitch propose des quatuors qui sonnent comme les pages d'un journal intime. Dans le premier, ils sont joyeux ; dans le Quatrième, ils parlent d'égocentrisme, de contemplation, de paix ; dans le sixième, des images d'unité avec la nature et de profonde tranquillité sont révélées ; dans les Septième et Onzième - dédiés à la mémoire des êtres chers, la musique atteint une expressivité presque verbale, notamment dans les apogées tragiques.
Dans le Quatorzième Quatuor, les traits caractéristiques des mélos russes sont particulièrement visibles. Dans la première partie, les images musicales captivent par leur manière romantique d'exprimer un large éventail de sentiments : de l'admiration sincère pour la beauté de la nature aux accès de troubles mentaux, en passant par le retour à la paix et à la tranquillité du paysage. L'Adagio du Quatorzième Quatuor rappelle l'esprit russe du chœur d'altos du Premier Quatuor. Dans III - la partie finale - la musique est soulignée par des rythmes de danse, plus ou moins clairs. Évaluant le Quatorzième Quatuor de Chostakovitch, D. B. Kabalevsky parle du « début de Beethoven » et de sa haute perfection.
Le quinzième quatuor fut créé à l’automne 1974. Sa structure est inhabituelle : elle se compose de six parties qui se succèdent sans interruption. Tous les mouvements sont à un tempo lent : Élégie, Sérénade, Intermezzo, Nocturne, Marche funèbre et Épilogue. Le quinzième quatuor surprend par la profondeur de la pensée philosophique, si caractéristique de Chostakovitch dans de nombreuses œuvres de ce genre.
L'œuvre pour quatuor de Chostakovitch représente l'un des sommets du développement du genre dans la période post-Beethoven. Tout comme dans les symphonies, règne ici un monde d’idées, de réflexions et de généralisations philosophiques élevées. Mais contrairement aux symphonies, les quatuors ont cette intonation de confiance qui éveille instantanément une réponse émotionnelle de la part du public. Cette propriété des quatuors de Chostakovitch les rend similaires aux quatuors de Tchaïkovski.
À côté des quatuors, l'une des places les plus élevées du genre de chambre est à juste titre occupée par le Quintette avec piano, écrit en 1940, une œuvre qui allie un intellectualisme profond, particulièrement évident dans le Prélude et la Fugue, et une émotivité subtile, rappelant quelque part celui de Levitan. paysages.
Dans les années d’après-guerre, le compositeur se tourne de plus en plus vers la musique vocale de chambre. Six romans paraissent basés sur les paroles de W. Raleigh, R. Burns, W. Shakespeare ; cycle vocal « De la poésie populaire juive » ; Deux romances sur des poèmes de M. Lermontov, Quatre monologues sur des poèmes de A. Pouchkine, des chansons et des romances sur des poèmes de M. Svetlov, E. Dolmatovsky, le cycle « Chansons espagnoles », Cinq satires sur les paroles de Sasha Cherny, Cinq humoresques sur des mots de la revue « Crocodile » », Suite basée sur des poèmes de M. Tsvetaeva.
Une telle abondance de musique vocale basée sur des textes de classiques de la poésie et de poètes soviétiques témoigne du large éventail d'intérêts littéraires du compositeur. Dans la musique vocale de Chostakovitch, on est frappé non seulement par la subtilité du sens du style et de l'écriture du poète, mais aussi par la capacité de recréer les caractéristiques nationales de la musique. Ceci est particulièrement frappant dans les « Chansons espagnoles », dans le cycle « De la poésie populaire juive », dans les romans basés sur des poèmes de poètes anglais. Les traditions des paroles de romance russe, provenant de Tchaïkovski, Taneyev, sont entendues dans les Cinq Romans, « Cinq Jours » basés sur les poèmes d'E. Dolmatovsky : « Le Jour de la Rencontre », « Le Jour des Confessions », « Le Jour des ressentiments », « Le jour de la joie », « Le jour des souvenirs » .
Une place particulière est occupée par les « Satires » basées sur les paroles de Sasha Cherny et les « Humoresques » de « Crocodile ». Ils reflètent l’amour de Chostakovitch pour Moussorgski. Il est né dans sa jeunesse et est apparu d'abord dans son cycle « Les Fables de Krylov », puis dans l'opéra « Le Nez », puis dans « Katerina Izmailova » (notamment dans l'acte IV de l'opéra). À trois reprises, Chostakovitch se tourne directement vers Moussorgski, réorchestre et éditant « Boris Godounov » et « Khovanshchina » et orchestrant pour la première fois « Chants et danses de mort ». Et encore une fois, l'admiration pour Moussorgski se reflète dans le poème pour soliste, chœur et orchestre - «L'exécution de Stepan Razin» sur les vers d'Evg. Evtouchenko.
Combien fort et profond doit être l'attachement à Moussorgski, si, possédant une individualité si brillante, qui peut être reconnue sans équivoque par deux ou trois phrases, Chostakovitch si humblement, avec un tel amour - n'imite pas, non, mais adopte et interprète le style d'écrire à sa manière un grand musicien réaliste.
Il était une fois Robert Schumann, admiratif du génie de Chopin qui venait d’apparaître sur l’horizon musical européen : « Si Mozart était vivant, il aurait écrit un concerto de Chopin. » Pour paraphraser Schumann, on peut dire : si Moussorgski avait vécu, il aurait écrit « L’exécution de Stepan Razin » de Chostakovitch. Dmitri Chostakovitch est un maître exceptionnel de la musique de théâtre. Il est proche de différents genres : opéra, ballet, comédie musicale, spectacles de variétés (Music Hall), théâtre dramatique. Ils comprennent également des musiques de films. Citons quelques œuvres de ces genres parmi plus de trente films : « Les Montagnes d'Or », « Le Comptoir », « La Trilogie Maxim », « La Jeune Garde », « Rencontre sur l'Elbe », « La Chute de Berlin ». », « Le Taon », « Cinq » jours - cinq nuits », « Hamlet », « Roi Lear ». De la musique de représentations dramatiques : « The Bedbug » de V. Mayakovsky, « The Shot » de A. Bezymensky, « Hamlet » et « King Lear » de V. Shakespeare, « Salute, Spain » de A. Afinogenov, « The Comédie humaine » d'O. Balzac.
Peu importe à quel point les œuvres de Chostakovitch au cinéma et au théâtre sont différentes en termes de genre et d'échelle, elles sont unies par une caractéristique commune : la musique crée sa propre « série symphonique » d'incarnation d'idées et de personnages, influençant l'atmosphère du film. ou des performances.
Le sort des ballets fut malheureux. Ici, la faute incombe entièrement à la mauvaise écriture du scénario. Mais la musique, dotée d'images vives et d'humour, qui résonne avec brio dans l'orchestre, a été conservée sous forme de suites et occupe une place prépondérante dans le répertoire des concerts symphoniques. Le ballet « La Jeune Dame et le Voyou » sur la musique de D. Chostakovitch d'après le livret de A. Belinsky, qui a basé le scénario du film de V. Maïakovski, est joué avec un grand succès sur de nombreuses scènes de théâtres musicaux soviétiques.
Dmitri Chostakovitch a apporté une grande contribution au genre du concerto instrumental. Le premier à être écrit fut un concerto pour piano en do mineur avec trompette seule (1933). Avec sa jeunesse, sa malice et son angulaire charmante et juvénile, le concert n'est pas sans rappeler la Première Symphonie. Quatorze ans plus tard, paraît un concerto pour violon, profond dans sa pensée, magnifique dans sa portée et d'un éclat virtuose ; suivi, en 1957, du Deuxième Concerto pour piano, dédié à son fils Maxim, conçu pour être interprété par des enfants. La liste de la littérature de concert signée Chostakovitch est complétée par les concertos pour violoncelle (1959, 1967) et le Deuxième Concerto pour violon (1967). Ces concerts ne sont pas avant tout conçus pour « l’ivresse du génie technique ». En termes de profondeur de pensée et d'intensité dramatique, ils se classent à côté des symphonies.
La liste des œuvres donnée dans cet essai ne comprend que les œuvres les plus typiques des genres principaux. Des dizaines de titres dans différentes sections de créativité sont restés en dehors de la liste.
Son chemin vers la renommée mondiale est celui de l'un des plus grands musiciens du XXe siècle, établissant avec audace de nouveaux jalons dans la culture musicale mondiale. Son chemin vers la renommée mondiale, le chemin de l'un de ces gens pour qui vivre signifie être au cœur des événements de chacun pour son temps, approfondir le sens de ce qui se passe, prendre une position équitable dans les différends, des conflits d'opinions, en lutte et pour répondre avec toutes les forces de ses dons gigantesques à tout ce qui s'exprime dans un grand mot - Vie.
Compositeur russe de la période soviétique, pianiste, personnalité musicale et publique, docteur en histoire de l'art, enseignant, professeur
Dmitri Chostakovitch
courte biographie
Dmitri Dmitrievitch Chostakovitch(25 septembre 1906, Saint-Pétersbourg - 9 août 1975, Moscou) - Compositeur soviétique russe, pianiste, personnalité musicale et publique, docteur en histoire de l'art, enseignant, professeur. En 1957-1974. - Secrétaire du Conseil de l'Union des Compositeurs de l'URSS, en 1960-1968 - Président du Conseil de l'Union des Compositeurs de la RSFSR.
Héros du travail socialiste (1966). Artiste du peuple de l'URSS (1954). Lauréat du prix Lénine (1958), de cinq prix Staline (1941, 1942, 1946, 1950, 1952), du prix d'État de l'URSS (1968) et du prix d'État de la RSFSR du nom de M. I. Glinka (1974). Membre du PCUS depuis 1960.
Dmitri Chostakovitch est l'un des plus grands compositeurs du XXe siècle, auteur de 15 symphonies, 6 concerts, 3 opéras, 3 ballets, de nombreuses œuvres de musique de chambre, de musique pour films et productions théâtrales.
Origine
L'arrière-grand-père paternel de Dmitri Dmitrievich Chostakovitch - le vétérinaire Piotr Mikhaïlovitch Chostakovitch (1808-1871) - se considérait dans les documents comme un paysan ; Il est diplômé de l'Académie médico-chirurgicale de Vilna en tant que bénévole. En 1830-1831, il participa au soulèvement polonais et, après sa répression, fut exilé avec son épouse, Maria Jozefa Jasinskaya, dans l'Oural, dans la province de Perm. Dans les années 40, le couple vivait à Ekaterinbourg, où est né le 27 janvier 1845 leur fils, Boleslav-Arthur.
A Ekaterinbourg, Piotr Chostakovitch accède au rang d'assesseur collégial ; en 1858, la famille déménage à Kazan. Ici, même au cours de ses années de lycée, Boleslav Petrovitch est devenu proche des dirigeants de « Terre et Liberté ». Après avoir obtenu son diplôme du gymnase, à la fin de 1862, il se rendit à Moscou, suivant les « atterrisseurs » de Kazan Yu. M. Mosolov et N. M. Shatilov ; a travaillé dans la direction du chemin de fer de Nijni Novgorod, a participé activement à l'organisation de l'évasion de prison du révolutionnaire Yaroslav Dombrovsky. En 1865, Boleslav Chostakovitch retourna à Kazan, mais déjà en 1866, il fut arrêté, transporté à Moscou et traduit en justice dans l'affaire N. A. Ishutin - D. V. Karakozov. Après quatre mois dans la forteresse Pierre et Paul, il fut condamné à l'exil en Sibérie ; a vécu à Tomsk, en 1872-1877 - à Narym, où est né le 11 octobre 1875 son fils, nommé Dmitry, puis à Irkoutsk, il était directeur de la succursale locale de la Banque commerciale de Sibérie. En 1892, Boleslav Chostakovitch, alors déjà citoyen d'honneur d'Irkoutsk, reçut le droit de vivre partout, mais choisit de rester en Sibérie.
Dmitri Boleslavovitch Chostakovitch (1875-1922) s'est rendu à Saint-Pétersbourg au milieu des années 90 et est entré au département des sciences naturelles de la Faculté de physique et de mathématiques de l'Université de Saint-Pétersbourg, après quoi, en 1900, il a été embauché par la Chambre des Poids et mesures, créés peu avant par D.I. Mendeleev. En 1902, il fut nommé vérificateur principal de la Chambre et en 1906, chef de la tente de vérification de la ville. La participation au mouvement révolutionnaire de la famille Chostakovitch était déjà devenue une tradition au début du XXe siècle, et Dmitry ne faisait pas exception : selon les témoignages de la famille, le 9 janvier 1905, il participa à la procession jusqu'au Palais d'Hiver, et des proclamations ultérieures furent imprimées dans son appartement.
Le grand-père maternel de Dmitri Dmitrievitch Chostakovitch, Vasily Kokoulin (1850-1911), est né, comme Dmitri Boleslavovitch, en Sibérie ; Après avoir obtenu son diplôme de l'école municipale de Kirensk, à la fin des années 1860, il s'installe à Bodaibo, où beaucoup sont attirés par la « ruée vers l'or » de cette époque, et en 1889, il devient directeur d'un bureau de mine. La presse officielle a noté qu'il « a trouvé le temps de se pencher sur les besoins des employés et des ouvriers et de satisfaire leurs besoins » : il a introduit l'assurance et les soins médicaux pour les ouvriers, a établi pour eux le commerce de produits moins chers et a construit des casernes chaleureuses. Son épouse, Alexandra Petrovna Kokoulina, a ouvert une école pour les enfants des ouvriers ; Il n'y a aucune information sur son éducation, mais on sait qu'à Bodaibo, elle a organisé un orchestre amateur largement connu en Sibérie.
L'amour de la musique a été hérité de sa mère par la fille cadette des Kokoulin, Sofya Vasilievna (1878-1955) : elle a étudié le piano sous la direction de sa mère et à l'Institut des Nobles Maidens d'Irkoutsk, et après avoir obtenu son diplôme, à la suite de son frère aîné Yakov, elle se rendit dans la capitale et fut acceptée au Conservatoire de Saint-Pétersbourg, où elle étudia d'abord avec S. A. Malozemova, puis avec A. A. Rozanova. Yakov Kokoulin a étudié au département des sciences naturelles de la Faculté de physique et de mathématiques de l'Université de Saint-Pétersbourg, où il a rencontré son compatriote Dmitri Chostakovitch ; Leur amour pour la musique les a rapprochés. Yakov a présenté Dmitri Boleslavovitch à sa sœur Sophia comme une excellente chanteuse et leur mariage a eu lieu en février 1903. En octobre de la même année, le jeune couple eut une fille, Maria, en septembre 1906, un fils nommé Dmitry, et trois ans plus tard, une plus jeune fille, Zoya.
Enfance et jeunesse
Dmitri Dmitrievitch Chostakovitch est né dans la maison n°2 de la rue Podolskaya, où D. I. Mendeleev a loué le premier étage de la tente d'étalonnage de la ville en 1906.
En 1915, Chostakovitch entre au gymnase commercial Maria Shidlovskaya, et ses premières impressions musicales sérieuses remontent à cette époque : après avoir assisté à une représentation de l'opéra de N. A. Rimsky-Korsakov « Le Conte du tsar Saltan », le jeune Chostakovitch déclare son désir de se lancer dans la musique. sérieusement. Ses premières leçons de piano lui furent données par sa mère, et après plusieurs mois de cours, Chostakovitch put commencer à étudier à l'école de musique privée du célèbre professeur de piano de l'époque, I. A. Glyasser.
Alors qu’il étudiait avec Glasser, Chostakovitch obtint quelques succès au piano, mais il ne partagea pas l’intérêt de son élève pour la composition et, en 1918, Chostakovitch quitta son école. Au cours de l'été de l'année suivante, A.K. Glazunov a écouté le jeune musicien, qui a parlé avec approbation de son talent de compositeur. À l'automne 1919, Chostakovitch entre au Conservatoire de Petrograd, où il étudie l'harmonie et l'orchestration sous la direction de M. O. Steinberg, le contrepoint et la fugue avec N. A. Sokolov, tout en étudiant également la direction d'orchestre. Fin 1919, Chostakovitch écrit sa première grande œuvre orchestrale : Scherzo fis-moll.
L'année suivante, Chostakovitch entre dans la classe de piano de L.V. Nikolaev, où se trouvaient parmi ses camarades Maria Yudina et Vladimir Sofronitsky. Au cours de cette période, le « Cercle Anna Vogt » a été formé, guidé par les dernières tendances de la musique occidentale de l'époque. Chostakovitch est également devenu un participant actif de ce cercle ; il a rencontré les compositeurs B.V. Asafiev et V.V. Shcherbachev, le chef d'orchestre N.A. Malko. Chostakovitch a écrit "Deux fables de Krylov" pour mezzo-soprano et piano et "Trois danses fantastiques" pour piano.
Au conservatoire, il étudie avec assiduité et avec un zèle particulier, malgré les difficultés de l'époque : la Première Guerre mondiale, la révolution, la guerre civile, la dévastation, la famine. Il n'y avait pas de chauffage au conservatoire en hiver, les transports étaient médiocres et beaucoup abandonnaient la musique et sautaient les cours. Chostakovitch « a rongé le granit de la science ». Presque tous les soirs, on pouvait le voir aux concerts de la Philharmonie de Petrograd, qui rouvrit ses portes en 1921.
Une vie difficile avec une existence à moitié affamée (les rations des conservateurs étaient très petites) a conduit à un grave épuisement. En 1922, le père de Chostakovitch mourut, laissant la famille sans moyens de subsistance. Quelques mois plus tard, Chostakovitch subit une grave opération qui faillit lui coûter la vie. Malgré sa santé défaillante, il cherche du travail et obtient un emploi de pianiste-pianiste dans un cinéma. Glazunov a apporté une aide et un soutien considérables au cours de ces années, qui a réussi à obtenir des rations supplémentaires et une allocation personnelle pour Chostakovitch.
années 1920
En 1923, Chostakovitch est diplômé du conservatoire en piano (avec L. V. Nikolaev) et en 1925 - en composition (avec M. O. Steinberg). Son travail de fin d'études était la Première Symphonie. Alors qu'il étudiait au conservatoire en tant qu'étudiant diplômé, il enseignait la lecture de partitions à l'école de musique du nom de M. P. Moussorgski. Dans une tradition remontant à Rubinstein, Rachmaninov et Prokofiev, Chostakovitch entendait poursuivre une carrière à la fois de pianiste concertiste et de compositeur. En 1927, au premier Concours international de piano Chopin à Varsovie, où Chostakovitch interprète également une sonate de sa propre composition, il reçoit un diplôme honorifique. Heureusement, le célèbre chef d’orchestre allemand Bruno Walter a remarqué le talent inhabituel du musicien encore plus tôt, lors de sa tournée en URSS ; Après avoir entendu la Première Symphonie, Walter demanda immédiatement à Chostakovitch de lui envoyer la partition à Berlin ; La première étrangère de la symphonie eut lieu le 22 novembre 1927 à Berlin. À la suite de Bruno Walter, la Symphonie fut interprétée en Allemagne par Otto Klemperer, aux États-Unis par Leopold Stokowski (création américaine le 2 novembre 1928 à Philadelphie) et Arturo Toscanini, rendant ainsi célèbre le compositeur russe.
En 1927, deux autres événements importants se produisirent dans la vie de Chostakovitch. En janvier, le compositeur autrichien de la Nouvelle École de Vienne, Alban Berg, s'est rendu à Leningrad. L'arrivée de Berg était due à la première russe de son opéra "Wozzeck", qui est devenu un événement majeur dans la vie culturelle du pays et a également inspiré Chostakovitch à commencer à écrire un opéra "Nez", basé sur l'histoire de N.V. Gogol. Un autre événement important fut la rencontre de Chostakovitch avec I. I. Sollertinsky, qui, au cours de ses nombreuses années d’amitié avec le compositeur, enrichit Chostakovitch de la connaissance de l’œuvre de grands compositeurs du passé et du présent.
Parallèlement, à la fin des années 1920 et au début des années 1930, les deux symphonies suivantes de Chostakovitch furent écrites - toutes deux avec la participation d'un chœur : La Seconde ( "Dédicace symphonique à octobre", selon les mots de A. I. Bezymensky) et Troisième ( "Pervomaïskaïa", selon les mots de S. I. Kirsanov).
En 1928, Chostakovitch rencontre V. E. Meyerhold à Leningrad et, à son invitation, travaille pendant quelque temps comme pianiste et chef du département musical du Théâtre V. E. Meyerhold de Moscou. En 1930-1933, il travailla comme chef du département musical du TRAM de Leningrad (aujourd'hui le Baltic House Theatre).
années 1930
Son opéra « Lady Macbeth de Mtsensk » d'après l'histoire de N. S. Leskov (écrit en 1930-1932, mis en scène à Leningrad en 1934), initialement accueilli avec enthousiasme, ayant déjà existé sur scène pendant une saison et demie, fut détruit en 1934. Presse soviétique ( article « La confusion au lieu de la musique » dans le journal « Pravda » du 28 janvier 1936).
Dans le même 1936, devait avoir lieu la première de la Quatrième Symphonie - une œuvre d'une portée beaucoup plus monumentale que toutes les symphonies précédentes de Chostakovitch, combinant le pathétique tragique avec les épisodes grotesques, lyriques et intimes, et, peut-être, aurait dû a commencé une nouvelle période de maturité dans l'œuvre du compositeur . Chostakovitch a suspendu les répétitions de la Symphonie avant la première en décembre. La Quatrième symphonie n’a été créée qu’en 1961.
En mai 1937, Chostakovitch achève la Cinquième Symphonie - une œuvre dont le caractère dramatique, contrairement aux trois symphonies « d'avant-garde » précédentes, est extérieurement « caché » dans la forme symphonique généralement acceptée (4 mouvements : avec une forme sonate du premier mouvement , un scherzo, un adagio et un finale avec une fin apparemment triomphante) et d'autres éléments « classiques ». Dans les pages de la Pravda, Staline a commenté la première de la Cinquième Symphonie avec la phrase : « La réponse créative et professionnelle de l’artiste soviétique à une critique juste ».
Depuis 1937, Chostakovitch enseigne la composition au Conservatoire de Leningrad. En 1939, il devient professeur.
années 1940
Membre des pompiers volontaires du corps enseignant du Conservatoire D. D. Chostakovitch pendant son service. Archivé le 26 mai 2013.
Alors qu'il était à Leningrad pendant les premiers mois de la Grande Guerre patriotique (jusqu'à l'évacuation vers Kuibyshev en octobre), Chostakovitch commença à travailler sur la 7e symphonie – « Leningrad ». La symphonie a été créée pour la première fois sur la scène du Théâtre d'opéra et de ballet Kuibyshev le 5 mars 1942 et le 29 mars 1942 - dans la salle des colonnes de la Maison des syndicats de Moscou. Le 19 juillet 1942, la Septième Symphonie est jouée (pour la première fois) aux États-Unis sous la direction d'Arturo Toscanini (première radio). Et finalement, le 9 août 1942, la symphonie fut jouée à Leningrad assiégée. L'organisateur et chef d'orchestre était le chef de l'Orchestre Symphonique du Bolchoï du Comité de la Radio de Leningrad, Karl Eliasberg. L'exécution de la symphonie est devenue un événement important dans la vie de la ville combattante et de ses habitants.
Un an plus tard, Chostakovitch écrit la Huitième Symphonie (dédiée à Mravinsky), dans laquelle il rend hommage au néoclassicisme - sa partie III est écrite dans le genre de la toccata baroque, la IV - dans le genre de la passacaille. Ces deux mouvements, exemples de la réfraction spécifiquement « Chostakovitch » du genre, restent toujours les plus populaires de la Huitième Symphonie.
En 1943, le compositeur s'installe à Moscou et jusqu'en 1948, il enseigne la composition et l'instrumentation au Conservatoire de Moscou (à partir de 1943, professeur). V. D. Bibergan, R. S. Bunin, A. D. Gadzhiev, G. G. Galynin, O. A. Evlakhov, K. A. Karaev, G. V. Sviridov ont étudié avec lui (au Conservatoire de Leningrad), B. I. Tishchenko, A. Mnatsakanyan (aux études supérieures au Conservatoire de Leningrad), K. S. Khachaturyan, B. A. Tchaïkovski, A. G. Chugaev.
Pour exprimer ses idées, pensées et sentiments les plus intimes, Chostakovitch a utilisé les genres de la musique de chambre. Dans ce domaine, il crée des chefs-d'œuvre tels que le Quintette avec piano (1940), le Deuxième Trio avec piano (à la mémoire de I. Sollertinsky, 1944 ; Prix Staline, 1946), les Quatuors à cordes n° 2 (1944), n° 3 (1946). ) et n ° 4 (1949 ). En 1945, après la fin de la guerre, Chostakovitch écrit la Neuvième Symphonie.
En 1948, une résolution du Politburo fut publiée dans laquelle Chostakovitch, ainsi que d’autres compositeurs soviétiques, était accusé de « formalisme », de « décadence bourgeoise » et de « rampement devant l’Occident ». Chostakovitch a été accusé d'incompétence professionnelle, déchu de son titre de professeur aux conservatoires de Moscou et de Leningrad et licencié. Le principal accusateur était le secrétaire du Comité central du Parti communiste bolchevik de toute l’Union, A. A. Zhdanov. En 1948, le compositeur écrit le cycle vocal « De la poésie populaire juive », mais le laisse sur la table (à cette époque, une campagne de « lutte contre le cosmopolitisme » est lancée dans le pays). Le Premier Concerto pour violon, écrit en 1948, n’était pas non plus publié à cette époque. Dans la même année 1948, Chostakovitch commença à écrire une pièce musicale parodique satirique « Paradis antiformaliste », non destinée à la publication, basée sur son propre texte, dans laquelle il ridiculisait la critique officielle du « formalisme » et les déclarations de Staline et de Jdanov sur l'art.
Malgré les accusations, Chostakovitch s'est rendu aux États-Unis l'année suivante après le décret (1949) en tant que membre de la délégation de la conférence mondiale pour la défense de la paix, qui s'est tenue à New York, et a présenté un long rapport à cette conférence, et l'année suivante (1950), il reçut le prix Staline pour la cantate « Le chant des forêts » (écrite en 1949) - un exemple du « grand style » pathétique de l'art officiel de l'époque.
années 1950
Les années cinquante ont commencé avec un travail très important pour Chostakovitch. Participant en tant que membre du jury au Concours Bach de Leipzig à l'automne 1950, le compositeur fut tellement inspiré par l'atmosphère de la ville et la musique de son grand résident - J. S. Bach - qu'à son arrivée à Moscou, il commença à composer 24 Préludes et Fugues pour piano.
En 1952, il écrit un cycle de pièces « Dancing Dolls » pour piano sans orchestre.
En 1953, après une interruption de huit ans, il se tourne à nouveau vers le genre symphonique et crée la Dixième Symphonie.
En 1954, il écrit « Ouverture festive » pour l'ouverture de l'Exposition agricole panrusse et a reçu le titre d'Artiste du peuple de l'URSS.
De nombreuses œuvres de la seconde moitié de la décennie sont empreintes d’optimisme. Il s'agit du sixième quatuor à cordes (1956), du deuxième concerto pour piano et orchestre (1957) et de l'opérette « Moscou, Cheryomushki ». La même année, le compositeur crée la Onzième Symphonie, baptisée « 1905 », et poursuit son travail dans le genre du concert instrumental (Premier Concerto pour violoncelle et orchestre, 1959). Dans ces mêmes années, le rapprochement de Chostakovitch avec les autorités officielles commence. En 1957, il devient secrétaire du Comité d'enquête de l'URSS, en 1960 - du Comité d'enquête de la RSFSR (en 1960-1968 - premier secrétaire). Dans la même année 1960, Chostakovitch rejoint le PCUS.
années 1960
En 1961, Chostakovitch achève la deuxième partie de sa duologie symphonique « révolutionnaire » : en conjonction avec la Onzième Symphonie « 1905 », il écrit la Symphonie n° 12. "1917"- une œuvre de nature « fine » (et qui rapproche en fait le genre symphonique de la musique de film), où, comme avec de la peinture sur une toile, le compositeur peint des images musicales de Petrograd, du refuge de V.I. Lénine sur le lac Razliv et des événements d'octobre. eux-mêmes. Malgré son programme « idéologique » clairement exprimé, la Douzième Symphonie n'a pas reçu de reconnaissance officielle en URSS et n'a pas reçu (contrairement à la Onzième Symphonie) de prix gouvernementaux.
Chostakovitch s'est fixé une tâche complètement différente un an plus tard dans la Treizième Symphonie, en se tournant vers la poésie de E. A. Yevtushenko. Sa première partie se compose de « Babi Yar » (pour basse soliste, chœur de basses et orchestre), suivi de quatre autres parties poétiques décrivant la vie de la Russie moderne et son histoire récente. Le caractère vocal de la composition la rapproche du genre cantate. La Symphonie n° 13 a été créée en novembre 1962.
Également en 1962, Chostakovitch visita (avec G. N. Rozhdestvensky, M. L. Rostropovich, D. F. Oistrakh, G. P. Vishnevskaya et d'autres musiciens soviétiques) le Festival d'Édimbourg, dont le programme était composé principalement de ses compositions. Les représentations de la musique de Chostakovitch en Grande-Bretagne ont provoqué un tollé général.
Après le retrait du pouvoir de N. S. Khrouchtchev et le début de l’ère de stagnation politique en URSS, la musique de Chostakovitch acquit à nouveau un ton sombre. Ses quatuors n°11 (1966) et n°12 (1968), les concertos Deuxième violoncelle (1966) et Deuxième violon (1967), Sonate pour violon (1968), cycle vocal sur les paroles de A. A. Blok, sont empreints d'inquiétude, douleur et mélancolie incontournable. Dans la Quatorzième Symphonie (1969) - encore une fois « vocale », mais cette fois de chambre, pour deux chanteurs solistes et un orchestre composé uniquement de cordes et de percussions - Chostakovitch a utilisé des poèmes de G. Apollinaire, R. M. Rilke, V. K. Kuchelbecker et F. Garcia Lorca. , qui sont reliés par un thème - la mort (ils parlent de mort injuste, précoce ou violente).
années 1970
Au cours de ces années, le compositeur a créé des cycles vocaux basés sur des poèmes de M. I. Tsvetaeva et Michel-Ange, les 13e (1969-1970), 14e (1973) et 15e (1974) quatuors à cordes et la Symphonie n° 15, une composition caractérisée par une humeur réfléchie, nostalgie, souvenirs. Chostakovitch y recourt à des citations d’œuvres célèbres du passé (technique du collage). Le compositeur a utilisé, entre autres, la musique de l'ouverture de l'opéra "Guillaume Tell" de G. Rossini et le thème du destin de la tétralogie de l'opéra "L'Anneau du Nibelung" de R. Wagner, ainsi que des allusions musicales à la musique de M. I. Glinka, G. Mahler et, enfin, sa propre musique déjà écrite. La symphonie a été créée à l'été 1971 et créée le 8 janvier 1972. La dernière composition de Chostakovitch était la Sonate pour alto et piano.
Au cours des dernières années de sa vie, le compositeur était très malade, souffrant d'un cancer du poumon. Il souffrait d'une maladie très complexe associée à des lésions des muscles des jambes. En 1970-1971 il est venu trois fois dans la ville de Kourgan et y a passé au total 169 jours pour se faire soigner dans le laboratoire (à l'Institut de recherche en orthopédie de Sverdlovsk) du Dr G. A. Ilizarov.
Dmitri Chostakovitch est décédé à Moscou le 9 août 1975 et a été enterré au cimetière de Novodievitchi (parcelle n°2).
Famille
1ère épouse - Chostakovitch Nina Vasilievna (née Varzar) (1909-1954). Elle était astrophysicienne de profession et a étudié avec le célèbre physicien Abram Ioffe. Elle abandonne sa carrière scientifique et se consacre entièrement à sa famille.
Fils - Maxim Dmitrievich Chostakovitch (né en 1938) - chef d'orchestre, pianiste. Étudiant d'A.V. Gauk et G.N. Rozhdestvensky.
Fille - Galina Dmitrievna Chostakovitch.
2e épouse - Margarita Kaynova, employée du Comité central du Komsomol. Le mariage s'est rapidement effondré.
3ème épouse - Supinskaya (Chostakovitch) Irina Antonovna (née le 30 novembre 1934 à Leningrad). La fille d'un scientifique réprimé. Rédacteur en chef de la maison d'édition "Soviet Composer". Elle fut l'épouse de Chostakovitch de 1962 à 1975.
Le sens de la créativité
Un haut niveau de technique de composition, la capacité de créer des mélodies et des thèmes lumineux et expressifs, une maîtrise magistrale de la polyphonie et la plus fine maîtrise de l'art de l'orchestration, combinés à une émotivité personnelle et une efficacité colossale, ont rendu ses œuvres musicales lumineuses, originales et d'énormes valeur artistique. La contribution de Chostakovitch au développement de la musique du XXe siècle est généralement reconnue comme exceptionnelle ; il a eu une influence significative sur nombre de ses contemporains et disciples.
La diversité des genres et des esthétiques de la musique de Chostakovitch est énorme ; elle combine des éléments de musique tonale, atonale et modale ; le modernisme, le traditionalisme, l’expressionnisme et le « grand style » sont étroitement liés dans l’œuvre du compositeur.
Style
Influences
Dans ses premières années, Chostakovitch a été influencé par la musique de G. Mahler, A. Berg, I. F. Stravinsky, S. S. Prokofiev, P. Hindemith, M. P. Mussorgsky. Étudiant constamment les traditions classiques et d'avant-garde, Chostakovitch a développé son propre langage musical, chargé d'émotion et touchant le cœur des musiciens et des mélomanes du monde entier.
Dans l'œuvre de D. D. Chostakovitch, l'influence de ses compositeurs préférés et vénérés est perceptible : J. S. Bach (dans ses fugues et passacaille), L. Beethoven (dans ses derniers quatuors), P. I. Tchaïkovski, G. Mahler et en partie S V. Rachmaninov. (dans ses symphonies), A. Berg (en partie, avec M. P. Mussorgsky dans ses opéras, ainsi que dans l'utilisation de citations musicales). Parmi les compositeurs russes, Chostakovitch avait le plus grand amour pour Moussorgski ; Chostakovitch créait de nouvelles orchestrations pour ses opéras « Boris Godounov » et « Khovanshchina ». L'influence de Moussorgski est particulièrement perceptible dans certaines scènes de l'opéra " Lady Macbeth de Msensk", dans la Onzième Symphonie, ainsi que dans des œuvres satiriques.
Genre
Les genres les plus remarquables de l'œuvre de Chostakovitch sont les symphonies et les quatuors à cordes - il a écrit 15 œuvres dans chacun d'eux. Si des symphonies ont été écrites tout au long de la carrière du compositeur, Chostakovitch a écrit la plupart des quatuors vers la fin de sa vie. Parmi les symphonies les plus populaires figurent les Cinquième et Dixième, parmi les quatuors figurent les Huitième et Quinzième.
Spécificités du langage musical
La caractéristique la plus reconnaissable du langage musical de Chostakovitch est l’harmonie. Bien qu’elle ait toujours été basée sur une tonalité majeure-mineur, le compositeur a systématiquement utilisé, tout au long de sa vie, des gammes spéciales (modalismes), qui ont donné à la tonalité élargie dans la mise en œuvre de l’auteur une caractéristique spécifique. Des chercheurs russes (A.N. Dolzhansky, Yu.N. Kholopov et d’autres) ont généralement décrit cette caractéristique de hauteur comme les « modes de Chostakovitch ».
La coloration sombre et sombre et condensée du mode mineur de Chostakovitch, du point de vue de la technique de composition, est réalisée principalement dans des gammes à 4 niveaux dans le volume d'un quart réduit (« hémiquart »), qui est symboliquement contenu dans le monogramme de Chostakovitch. DSCH ( es-h dans d-es-ch-h). Sur la base de l'hémiquart à 4 temps, le compositeur construit des modes à 8 et 9 temps dans la plage d'une octave réduite (« hémioctave »). Il n’existe pas de type unique de gamme hémioctave particulièrement apprécié dans la musique de Chostakovitch, puisque l’auteur combine ingénieusement l’hémiquart avec différentes gammes diatoniques et mixodiatoniques d’une composition à l’autre.
Ce qui est commun à toutes les variétés de « modes de Chostakovitch » est l’identification indubitable à l’oreille des quartes et des octaves diminuées dans le contexte d’un mode mineur. Exemples de modes hémioctaves (de différentes structures) : Prélude pour piano cis-moll, mouvement II de la Neuvième Symphonie, thème passacaille de « Katerina Izmailova » (entracte à la 5ème scène) et bien d'autres. etc.
Très rarement, Chostakovitch a également eu recours à la technique sérielle (comme par exemple dans le premier mouvement de la Quinzième Symphonie) et a utilisé les grappes comme moyen de coloristique (« illustration » d'un coup à la mâchoire dans la romance « Frank Confession » , op. 121 n° 1, vol. 59-64 ).
Essais (sélection)
- Symphonies n°5, 7, 8, 11 (15 au total)
- Opéras « Le Nez » et « Lady Macbeth de Mtsensk » (« Katerina Izmailova »)
- Ballets « L'âge d'or », « Bolt » et « Bright Stream »
- Oratorio « Chant des forêts »
- Cantate « L'exécution de Stepan Razine »
- Concertos (deux chacun) pour piano, violon et violoncelle avec orchestre
- Musique instrumentale de chambre, dont 15 quatuors à cordes, Quintette avec piano, Trio avec piano n°2 (à la mémoire de Sollertinsky)
- Musique vocale de chambre, dont « Paradis anti-formaliste », le cycle « De la poésie populaire juive », Suite sur des poèmes de Michel-Ange (pour basse et piano)
- "24 Préludes et Fugues pour piano", "Sept danses de poupées", "Trois danses fantastiques" et autres œuvres pour piano
- Musique de films (35 au total), dont Song about the Counter (de la musique du film « Counter »), Romance (de la musique du film « Gadfly »), pour le film « Hamlet », musique pour performances dramatiques
- Opérette « Moscou, Cheryomushki »
- « Tahiti Trot », pour orchestre (d'après la chanson « Tea for two » de V. Youmens)
Dmitri Dmitrievitch Chostakovitch est l'un des compositeurs russes les plus célèbres du XXe siècle. L'œuvre de Chostakovitch est connue dans le monde entier et est extrêmement populaire.
Le compositeur est né début septembre 1906 dans la capitale de l'Empire russe, Saint-Pétersbourg. Sa mère était pianiste et son père chimiste. Dès son plus jeune âge, ma mère a réussi à inculquer à son fils l’amour de la musique et il aimait jouer du piano.
Plus tard, Dmitry a étudié dans une école de musique privée. À l'âge de 13 ans, il tombe amoureux d'une fille pour laquelle le jeune compositeur a écrit un court morceau de musique. Au fil du temps, les sentiments pour mon premier amour ont disparu, mais l'envie de composer de la musique est restée.
En 1919, Dmitry Dmitrievich devient étudiant au Conservatoire de Petrograd. Quatre ans plus tard, il complète sa formation de pianiste. Il lui restait encore deux ans avant d'obtenir son diplôme de compositeur au conservatoire. Le temps a passé vite. En 1925, il devient compositeur certifié. Son travail de fin d'études était la Première Symphonie. Dans sa Première Symphonie, Chostakovitch perpétue les glorieuses traditions de l’école russe des compositeurs.
L'école est finie, une nouvelle vie s'annonce. Il voyage à travers le pays et l'Europe pour donner des concerts de piano. Entre les concerts, Dmitry Dmitrievich écrit de la musique. Il y a une « fermentation » dans l'âme du compositeur russe ; l'auteur est tourmenté et ne sait que faire ensuite. Écrire de la musique ou jouer en tant que pianiste de concert ?
En conséquence, il écrit plusieurs œuvres musicales célèbres et futures. "Deuxième Symphonie", "Première Sonate pour piano", la symphonie "1er Mai", les opéras "Le Nez" et "Lady Macbeth de Mtsensk" - toutes ces œuvres célèbres sont la paternité de Chostakovitch.
Au début de 1936, son œuvre subit une vague de critiques. Staline n'aime pas les opéras du compositeur, il les critique et écrit un article en colère. Des critiques ultérieures se sont également portées sur le ballet de Chostakovitch. En URSS, ses premiers travaux sont désormais interdits. Malgré toutes les difficultés et les critiques injustifiées par autre chose qu'une vague idéologie, Dmitry Dmitrievich continue de créer. Il écrit plusieurs symphonies et diverses autres œuvres musicales.
En 1948, une nouvelle vague de critiques s’abat sur lui. L'œuvre du compositeur est qualifiée d'étrangère pour le peuple soviétique. La critique s'est abattue non seulement sur ses œuvres, mais aussi sur celles de Prokofiev. La situation de Dmitri Chostakovitch était très difficile. À l'avenir, l'auteur écrira la musique de plusieurs films soviétiques à contenu patriotique. Les nouvelles œuvres ont légèrement refroidi les ardentes attaques des critiques.
Le grand compositeur russe est décédé en 1975, début août. Son travail est très populaire en Occident. De nombreux connaisseurs de musique le considèrent comme le plus grand compositeur du XXe siècle. En Russie, le nom de Dmitri Chostakovitch n'est pas si populaire. Dmitry Dmitrievich a apporté une énorme contribution au développement de la musique russe grâce à son activité créatrice.
