Peut-être le tout premier que l’humanité ait connu. Sans le savoir, les gens portaient toute l’année du cuir, de la fourrure et des plumes, faute de quoi que ce soit d’autre. La Société pour la Protection des Animaux n’existait pas encore à cette époque ; il y avait suffisamment d’animaux sur la planète, donc la population en profitait pleinement. Ainsi, selon les idées actuelles, nos ancêtres étaient des gens plutôt stylés et à la mode).
Le style animalier est directement lié à l’utilisation du cuir et de la fourrure de divers animaux comme matériau. Et comme il existe tout au long du développement de la civilisation humaine, il peut à juste titre être considéré comme unique et éprouvé.
Son nom vient du mot latin Animalie(animaux) ou anglais animal(animaux). Il existe aujourd’hui des fermes spécialisées où les animaux sont élevés spécifiquement à ces fins. En traitant leur peau d'une manière spéciale, les gens les utilisent pour fabriquer une grande variété de choses : des chaussures aux chapeaux. En un mot, on peut dire que s'habiller dans ce style de la tête aux pieds n'est pas difficile pour une personne moderne.
Dans différents lieux de résidence, les gens utilisaient différents types de cuir et de fourrure, en fonction des animaux trouvés dans la région. Mais lorsque les voyages sur de longues distances sont devenus possibles, de nombreux peuples ont commencé à faire le commerce de ce produit précieux. Cela n'a jamais été bon marché, donc seules les personnes riches pouvaient se permettre d'acheter du cuir de bonne qualité ou des fourrures rares.
Ces matériaux possèdent de nombreuses qualités précieuses et c’est pourquoi ils sont appréciés. Tout d'abord, c'est la commodité et l'hygroscopique. Comme toutes les matières naturelles, le cuir « respire » et la fourrure procure une excellente chaleur. Dans certains cas, il s'agit d'une circonstance très importante et, en cas de gel intense, une personne se sentira plus protégée dans un manteau de fourrure que dans d'autres vêtements. Bien qu'avec l'aide des technologies modernes, ils créent des produits assez chaleureux, la fourrure ne perd pas sa place et jouit d'une popularité constante. L'une des confirmations les plus claires en est le port de produits en fourrure même pendant la saison relativement chaude, quand on n'en a pas besoin, mais c'est beau et chic !)
Un promoteur actif et amoureux de ce style original fut Yves Saint Laurent, couturier français né en Algérie. Il a passé son enfance en Afrique, donc l'esprit et la diversité des couleurs de la savane lui ont toujours été proches. Il a créé plus d'une fois des collections sur des thèmes africains, grâce auxquelles il est né à la fin des années 60, et la collection animalière a reçu une nouvelle suite mise à jour.
Les créateurs continuent d'exploiter ces matériaux naturels et créent à partir d'eux un grand nombre de produits, de vêtements et d'accessoires. Mais grâce à la production moderne, la fourrure et le cuir, qui incarnent le luxe, sont devenus accessibles à tous. Un vaste choix de cuir artificiel, d'excellente qualité, parfois impossible à distinguer du cuir naturel, permet à une femme de tout revenu d'élargir sa garde-robe. Et pour apprendre à les distinguer, vous devez le faire. Avec la fourrure, à cet égard, c'est un peu plus compliqué. L’artificiel du naturel peut encore être distingué sans trop de difficulté.
La mode moderne est allée encore plus loin ; elle a complété ce style avec une variété de tissus imitant la peau des animaux et des reptiles. Des imprimés originaux qui reproduisent intégralement des motifs d'animaux, des imprimés dont la palette de couleurs peut être si variée qu'elle étonne l'imagination par sa diversité. Les femmes ont un excellent choix à cet égard, des matières tricotées aux mousselines légères et transparentes.
À propos, faites attention aux créateurs qui nous invitent à nous souvenir de la fourrure injustement oubliée aux couleurs inhabituelles et des robes fluides pour l'automne aux motifs animaliers.
Il convient de noter que les vêtements de cette direction ne sont toujours pas tous les jours. C'est assez accrocheur et mémorable. Si vous vous présentez dans une robe à imprimé léopard ou serpent à une fête, vous pouvez vite l'oublier, car tout le monde ne l'oubliera certainement pas. Les dessins animaliers laissent une certaine impression sur l'image. Ils lui ajoutent du sex-appeal et du charisme. Ils ne feront que décorer et transformer une femme au caractère bien trempé, mais ils rendront encore plus sans défense une femme indécise et fragile. Si les oiseaux gazouillent dans votre âme et que vous vous sentez comme une jolie fleur, alors porter des vêtements avec de la « peinture de guerre » vous fera vous sentir ridicule et sans protection. Si vous souhaitez vraiment rejoindre ce style mémorable, alors mieux vaut commencer par de petits accessoires : foulards, chaussures ou sacs.
Mais il existe un compromis qui permet d'apprivoiser les vêtements d'animaux pour les occasions normales du quotidien. En créant des versions modérées, c'est-à-dire des décors dans lesquels il n'y aura pas plus de deux éléments de style animalier, combinés à de simples éléments monochromes, l'image peut s'avérer très originale et élégante. Dans ce cas, le look total semblera agressif et ambigu. Ne vous laissez pas tenter par les ensembles flashy que les créateurs présentent sur le podium. Ils ne sont pas très appropriés dans la vie.
Les divas célèbres, comme toujours, soutiennent les tendances populaires, même si elles ne le font souvent pas très bien.
Le style animalier ne se démode jamais ; il est constamment mis à jour avec des trouvailles intéressantes. Chaque femme a probablement un animal préféré et un motif préféré de cette tendance. Essayez la peau de serpent, la fourrure de léopard ou de zèbre. Il n'est pas nécessaire d'acheter un produit fabriqué à partir de matériaux naturels. Il est tout à fait possible de reconstituer votre garde-robe avec de l'imitation ; cela ajoutera du piquant et de l'extravagance à votre image. Avez-vous remarqué que les femmes préfèrent porter des imprimés animaliers plus que les hommes ? Selon vous, quelle en est la raison ?
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Au XVIIe siècle, une division des genres picturaux en « haut » et « bas » a été introduite. Le premier comprenait des genres historiques, de combat et mythologiques. La seconde comprenait des genres banals de peinture de la vie quotidienne, par exemple le genre quotidien, la nature morte, la peinture animalière, le portrait, le nu, le paysage.
Genre historique
Le genre historique en peinture ne représente pas un objet ou une personne spécifique, mais un moment ou un événement spécifique qui a eu lieu dans l'histoire des époques passées. Il est inclus dans le principal genres de peinture dans l'art. Les genres du portrait, des batailles, du quotidien et de la mythologie sont souvent étroitement liés à l'histoire.
"Conquête de la Sibérie par Ermak" (1891-1895)
Vassili Sourikov
Les artistes Nicolas Poussin, Le Tintoret, Eugène Delacroix, Peter Rubens, Vasily Ivanovich Surikov, Boris Mikhailovich Kustodiev et bien d'autres ont peint leurs tableaux dans le genre historique.
Genre mythologique
Contes, légendes et mythes anciens, folklore - la représentation de ces sujets, héros et événements a trouvé sa place dans le genre mythologique de la peinture. Peut-être peut-on le distinguer dans les peintures de n'importe quel peuple, car l'histoire de chaque groupe ethnique est pleine de légendes et de traditions. Par exemple, une intrigue de la mythologie grecque telle que la romance secrète du dieu de la guerre Ares et de la déesse de la beauté Aphrodite est représentée dans le tableau « Parnassus » d'un artiste italien nommé Andrea Mantegna.
"Parnasse" (1497)
Andrea Mantegna
La mythologie en peinture s'est finalement formée à la Renaissance. Les représentants de ce genre, outre Andrea Mantegna, sont Rafael Santi, Giorgione, Lucas Cranach, Sandro Botticelli, Viktor Mikhailovich Vasnetsov et d'autres.
Genre de bataille
Les peintures de bataille décrivent des scènes de la vie militaire. Le plus souvent, diverses campagnes militaires sont illustrées, ainsi que des batailles maritimes et terrestres. Et comme ces batailles sont souvent tirées de l’histoire réelle, les genres bataille et historique trouvent ici leur point d’intersection.
Fragment du panorama « Bataille de Borodino » (1912)
François Roubaud
La peinture de bataille a pris forme pendant la Renaissance italienne dans les œuvres des artistes Michel-Ange Buonarroti, Léonard de Vinci, puis Théodore Géricault, Francisco Goya, Franz Alekseevich Roubaud, Mitrofan Borisovich Grekov et de nombreux autres peintres.
Genre quotidien
Des scènes de la vie quotidienne, publique ou privée des gens ordinaires, qu'il s'agisse de la vie urbaine ou paysanne, sont représentées dans le genre quotidien de la peinture. Comme beaucoup d'autres genres de peinture, les peintures du quotidien se retrouvent rarement sous leur forme propre, devenant une partie du genre du portrait ou du paysage.
"Vendeur d'instruments de musique" (1652)
Karel Fabricius
L'origine de la peinture quotidienne remonte au Xe siècle en Orient et elle ne s'est répandue en Europe et en Russie qu'aux XVIIe et XVIIIe siècles. Jan Vermeer, Karel Fabricius et Gabriel Metsu, Mikhail Shibanov et Ivan Alekseevich Ermenev sont les artistes les plus célèbres de la peinture quotidienne de cette période.
Genre animalier
Les principaux objets du genre animalier sont les animaux et les oiseaux, sauvages et domestiques, et en général tous les représentants du monde animal. Initialement, la peinture animalière faisait partie des genres de la peinture chinoise, puisqu’elle est apparue pour la première fois en Chine au VIIIe siècle. En Europe, la peinture animalière ne s'est formée qu'à la Renaissance - les animaux étaient alors représentés comme l'incarnation des vices et des vertus humaines.
"Chevaux dans le pré" (1649)
Paulus Potter
Antonio Pisanello, Paulus Potter, Albrecht Durer, Frans Snyders, Albert Cuyp sont les principaux représentants de la peinture animalière dans les beaux-arts.
Nature morte
Le genre des natures mortes représente des objets qui entourent une personne dans la vie. Ce sont des objets inanimés regroupés en un seul groupe. De tels objets peuvent appartenir au même genre (par exemple, seuls les fruits sont représentés sur l'image) ou être différents (fruits, ustensiles, instruments de musique, fleurs, etc.).
"Fleurs dans un panier, papillon et libellule" (1614)
Ambrosius Bosshart l'Ancien
La nature morte en tant que genre indépendant a pris forme au XVIIe siècle. Les écoles flamande et hollandaise de nature morte se distinguent particulièrement. Des représentants d'une grande variété de styles ont peint leurs tableaux dans ce genre, du réalisme au cubisme. Certaines des natures mortes les plus célèbres ont été peintes par les peintres Ambrosius Bosschaert l'Ancien, Albertus Jonah Brandt, Paul Cézanne, Vincent Van Gogh, Pierre Auguste Renoir, Willem Claes Heda.
Portrait
Le portrait est un genre de peinture qui est l’un des plus répandus dans les beaux-arts. Le but d'un portrait en peinture est de représenter une personne, mais pas seulement son apparence, mais aussi de transmettre les sentiments intérieurs et l'humeur de la personne représentée.
Les portraits peuvent être simples, en couple, en groupe, ainsi qu'un autoportrait, qui est parfois distingué comme un genre distinct. Et le portrait le plus célèbre de tous les temps est peut-être le tableau de Léonard de Vinci intitulé "Portrait de Madame Lisa del Giocondo", connu de tous sous le nom de "Mona Lisa".
"Mona Lisa" (1503-1506)
Léonard de Vinci
Les premiers portraits sont apparus il y a des milliers d'années dans l'Égypte ancienne : il s'agissait d'images de pharaons. Depuis lors, la plupart des artistes de tous les temps se sont essayés d'une manière ou d'une autre à ce genre. Le portrait et les genres historiques de la peinture peuvent également se chevaucher : l'image d'un grand personnage historique sera considérée comme une œuvre du genre historique, même si en même temps elle transmettra l'apparence et le caractère de cette personne sous forme de portrait.
Nu
Le but du genre nu est de représenter le corps humain nu. La période de la Renaissance est considérée comme le moment de l'émergence et du développement de ce type de peinture, et l'objet principal de la peinture devient alors le plus souvent le corps féminin, qui incarne la beauté de l'époque.
"Concert champêtre" (1510)
Titien
Titien, Amedeo Modigliani, Antonio da Correggio, Giorgione, Pablo Picasso sont les artistes les plus célèbres qui ont peint des nus.
Paysage
Le thème principal du genre paysager est la nature, l’environnement – ville, campagne ou nature sauvage. Les premiers paysages sont apparus dans l'Antiquité lors de la peinture de palais et de temples, de la création de miniatures et d'icônes. Le paysage a commencé à émerger comme genre indépendant au XVIe siècle et est depuis devenu l’un des genres les plus populaires. genres de peinture.
Elle est présente dans les œuvres de nombreux peintres, à commencer par Peter Rubens, Alexei Kondratyevich Savrasov, Edouard Manet, en passant par Isaac Ilitch Levitan, Piet Mondrian, Pablo Picasso, Georges Braque et en terminant par de nombreux artistes contemporains du XXIe siècle.
"Automne doré" (1895)
Isaac Lévitan
Parmi les peintures de paysages, on peut distinguer des genres tels que les paysages marins et urbains.
Véduta
Veduta est un paysage dont le but est de représenter l'apparence d'une zone urbaine et de transmettre sa beauté et sa saveur. Plus tard, avec le développement de l’industrie, le paysage urbain se transforme en paysage industriel.
"Place Saint-Marc" (1730)
Canaletto
Vous pourrez apprécier les paysages urbains en vous familiarisant avec les œuvres de Canaletto, Pieter Bruegel, Fyodor Yakovlevich Alekseev, Sylvester Feodosievich Shchedrin.
Marina
Un paysage marin, ou marina, représente la nature de l’élément marin, sa grandeur. Le peintre de marine le plus célèbre au monde est peut-être Ivan Konstantinovich Aivazovsky, dont le tableau « La Neuvième Vague » peut être qualifié de chef-d'œuvre de la peinture russe. L'apogée de la marina s'est produite simultanément avec le développement du paysage en tant que tel.
"Voilier dans une tempête" (1886)
James Buttersworth
Katsushika Hokusai, James Edward Buttersworth, Alexey Petrovich Bogolyubov, Lev Felixovich Lagorio et Rafael Monleon Torres sont également célèbres pour leurs paysages marins.
Si vous souhaitez en savoir encore plus sur la façon dont les genres de peinture dans l'art sont apparus et se sont développés, regardez la vidéo suivante :
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Résumé sur le sujet : Le genre animalier des beaux-arts et les méthodes pour le présenter aux élèves d'une école spéciale (correctionnelle).
Complété par : étudiante LZU 13-03 Natalya Vladimirovna Botashova
Vérifié:
Kostikova Dina Alekseevna
Novokouznetsk 2013
1. Genre animalier des beaux-arts………………….3
2. Histoire de l'émergence du genre animalier…………………………….4
3. La peinture animalière dans l'art russe………………………………………………………...5
4. L'animalisme dans les pays du monde……………………………………………………………10
5. Méthodologie d'introduction au genre animalier aux élèves d'une école spéciale (correctionnelle)………………………………………………………..11
6. Littérature utilisée…………………………………………………...16
1. Genre animalier des beaux-arts.
Genre animalier -(du latin animal - animal) - un genre d'art visuel associé à la représentation d'animaux dans la peinture, le graphisme, la sculpture et les arts décoratifs. Un artiste spécialisé dans ce genre s’appelle un peintre animalier. Il se concentre sur les caractéristiques artistiques et figuratives de l'animal, mais transmet en même temps sa structure anatomique avec une précision scientifique.
Dans les graphismes de livres, les illustrations de contes de fées, les fables, les œuvres allégoriques et satiriques, l'animal est souvent « humanisé », c'est-à-dire doté de traits, d'actions et d'expériences inhérentes à l'homme, et habillé de costumes.
Pour la sculpture et les petits arts plastiques, les arts décoratifs et populaires (sculpture du bois, des os, de la pierre, des jouets en argile, broderie), l'expressivité décorative de la figure, de la silhouette, de la texture et de la couleur de l'animal est particulièrement importante.
Le genre animalier est probablement le style artistique le plus ancien qui ait jamais existé sur terre. Le genre animalier combine les sciences naturelles et l'art et développe l'observation et l'amour de la nature. L'artiste animalier accorde une attention particulière aux caractéristiques artistiques et figuratives de l'animal, à ses habitudes et à son habitat : l'expressivité décorative de la figure, de la silhouette et des couleurs est particulièrement significative dans la sculpture du parc, les peintures et les petites sculptures ; souvent l'animal est « humanisé », doté de traits, d'actions et d'expériences inhérents à l'homme. Souvent, la tâche principale d'un peintre animalier est la précision de l'image de l'animal. Les images d’animaux se retrouvent souvent dans les sculptures anciennes, les peintures sur vases et les mosaïques. Au Moyen Âge, les images allégoriques, folkloriques et féeriques d’oiseaux et d’animaux étaient courantes en Europe. À la Renaissance, les artistes ont commencé à dessiner des animaux d’après nature.
À l’admiration romantique pour la force et la dextérité de la bête s’ajoute le désir d’une étude précise des animaux, souvent dans le cadre naturel de leur vie ou pour leurs caractéristiques plastiques éclatantes. Le travail des principaux peintres animaliers soviétiques (peinture, sculpture, gravure, illustrations de livres scientifiques et pour enfants, etc.) est marqué par une connaissance subtile du monde animal, une combinaison de tâches cognitives avec une caractérisation pointue et une expressivité décorative des images.
Les images stylisées, parfois magiques, d'animaux étaient répandues dans l'art des peuples d'Océanie, d'Afrique, d'Amérique et de l'Orient ancien.
Dans l’Europe médiévale, les images d’animaux étaient tirées du folklore, des contes et des légendes, où ils étaient présentés sous une forme fabuleusement grotesque. Peu à peu, ils ont commencé à passer des représentations allégoriques d’animaux à des représentations réalistes. Déjà à la Renaissance, les artistes commençaient à dessiner des animaux d’après nature.
Le genre animalier s'est finalement formé en Hollande et en Belgique au XVIIe siècle. À cette époque, les artistes animaliers essayaient de transmettre à la fois la grâce naturelle et la plasticité des animaux, ainsi que l'admiration romantique pour leur dextérité et leur force.
Le monde animal revêtait une grande importance dans la vie de l'homme primitif.
2. L'histoire de l'émergence du genre animalier.
Le genre animalier est né à l’époque primitive, comme en témoignent les peintures rupestres préservées dans de nombreuses régions du monde. Les artistes les plus anciens ont laissé sur les parois des grottes des dessins colorés de cerfs, de bisons et de mammouths, qui étonnent encore aujourd'hui par leur authenticité. Au 1er millénaire avant JC. e. des figurines magiques d'oiseaux et d'animaux en argile, en métal et en os ont donné naissance au style dit animal dans l'art des tribus scythes, des Carpates jusqu'aux frontières de la Chine occidentale. La spontanéité de la forme vivante, alliée à l’ornementation des compositions, restera longtemps dans les arts décoratifs et appliqués de nombreux peuples. Les images d’animaux atteignent une monumentalité et une grandeur inégalées dans l’Égypte ancienne. Après tout, les Égyptiens considéraient de nombreux animaux comme des dieux. Les sphinx, divinités humanoïdes à tête d'animaux et d'oiseaux, incarnaient le lien entre les principes humains et animaux dans la nature. La même idée de l'unité du monde a incité les anciens habitants du Pérou et du Mexique à combiner des figures de personnes et d'animaux en groupes bizarres dans la décoration de récipients décoratifs. Les peintures rupestres représentaient des animaux, des oiseaux et des scènes de chasse. C'était en Chine au 8ème siècle. L'art mondial a commencé avec la peinture animalière, lorsqu'à l'époque paléolithique, il y a plus de 30 000 ans, les gens ont commencé à représenter des animaux sur des rochers. La tradition de préservation des images d’animaux domestiques, ainsi que d’animaux et d’oiseaux considérés comme sacrés, est également enracinée dans un passé profond. Nous sommes parvenus avec des bas-reliefs de chiens, lions, taureaux et chevaux de l'Assyrie antique, des bas-reliefs et des fresques avec des chiens, des chats, des ibis, des crocodiles, des babouins, des serpents, des chacals, des faucons de l'Egypte ancienne, des céramiques avec des dessins de chiens. et des chevaux de la Grèce antique et de la Rome antique, des images sculpturales de jaguars, de serpents et d'autres animaux chez les Aztèques et les Mayas.
Le terme « animalisme » a été utilisé pour la première fois en relation avec la sculpture en 1831, lorsque trois jeunes sculpteurs français - Antoine Louis Bari, Christophe Fratin et Alexandre Jouillonnet - ont exposé de petites figures animalières au Salon d'Art de Paris. L'art animalier a commencé à se différencier par sa grande variété de motifs, de sujets et de types au XXe siècle. L'art mondial a commencé avec l'art animalier, lorsqu'à l'époque paléolithique, il y a plus de 30 000 ans, les gens ont commencé à représenter des animaux sur des rochers. La tradition de préservation des images d’animaux domestiques, ainsi que d’animaux et d’oiseaux considérés comme sacrés, est également enracinée dans un passé profond. Nous sommes parvenus à des bas-reliefs de chiens, lions, taureaux et chevaux de l'Assyrie antique, des bas-reliefs et des fresques avec des chiens, des chats, des ibis, des crocodiles, des babouins, des serpents, des chacals, des faucons de l'Egypte ancienne, des céramiques avec des dessins de chiens. et des chevaux de la Grèce antique et de la Rome antique, des images sculpturales de jaguars, de serpents et d'autres animaux chez les Aztèques et les Mayas.
Dans les produits du « style animal » scythe, des figures d’animaux et de personnes sont tissées dans un ornement bizarre. Des motifs en relief représentant des animaux fabuleux décorent les murs d'anciennes églises russes en pierre blanche (cathédrale Dmitrov à Vladimir, église de l'Intercession sur la Nerl). Dans l’art médiéval, les animaux et les oiseaux sont devenus des symboles « parlants » : un chien signifiait loyauté et protection, une colombe signifiait la paix et l’espoir, les singes signifiaient les passions et les désirs humains vils. Une place particulière était occupée par l'image d'un agneau (agneau) - symbole du sacrifice innocent du Christ. Ce symbolisme a été préservé, mais en même temps la soif de nouvelles connaissances a incité les artistes à étudier de près l'apparence et les habitudes des animaux, en les dessinant d'après nature. Les animaux apparaissent dans les croquis et les peintures des albums ; A. Dürer, avec la précision d'un scientifique, recrée chaque poil de la peau duveteuse d'un lièvre et dessine avec enthousiasme l'animal exotique. (A. Durer. « Petit lapin »).
L'animalisme est devenu un genre indépendant au XVIIe siècle. en Hollande et en Flandre (Belgique), au XVIIIe siècle. - en France, Angleterre, Russie.
Dans les illustrations des fables de I. A. Krylov, créées par V. A. Serov, les animaux étaient humanisés. Cette tradition s'est poursuivie dans les œuvres des illustrateurs de livres pour enfants N. A. Tyrsa, E. I. Charushin, A. F. Pakhomov. Les chemins de l'animalisme au XXe siècle. déterminé par V. A. Vatagin et I. S. Efimov.
3. La peinture animalière dans l'art russe.
Avec l'établissement de l'art « profane » en Russie au XVIIIe siècle, l'attention des artistes, parallèlement à leur intérêt pour l'image de l'homme, se tourne également vers le monde animal. À la cour royale, des portraits d'animaux de compagnie à quatre pattes étaient créés et des animaux « de haut rang » étaient immortalisés en porcelaine. Dans la Russie du XVIIIe siècle, il existait même un diplôme de « maître en art animalier ». Le dessin d'après nature, désir de représentation authentique des animaux et des oiseaux des maîtres du XVIIIe siècle, prépare l'épanouissement de la peinture animalière au siècle suivant.
Au XIXe siècle, dans les œuvres d’art, la précision de la reproduction de l’apparence et la réflexion objective des manifestations de la nature animale étaient d’une importance capitale. La vision impartiale de l’artiste sur le « modèle animal » s’est maintenue pendant de nombreuses décennies. Durant cette période, les images d'animaux domestiques prédominent dans les compositions de chevalet - ce sont des scènes de la vie paysanne, des images de guerres et de défilés. Les animaux et les oiseaux sauvages apparaissent dans des récits de chasse ou des croquis de voyage.
Le développement de la peinture animalière en peinture est principalement associé aux noms de N.E. Sverchkov, qui a élevé le thème zoologique dans ses œuvres au niveau des portraits et des peintures de genre. P.P. Sokolov, dans les peintures et aquarelles représentant des scènes de chasse, les animaux occupent toujours une place prépondérante. Dans les dessins et peintures d'A.S. Stepanov, peintre animalier et paysagiste, la vie des animaux se révèle dans leur habitat naturel. Sokolov et Stepanov ont apporté leur vision de la nature à l'art de l'illustration de livres.
Les « images d’animaux » apparaissent également dans l’art des médailles, où les animaux apparaissent non seulement comme représentants d’une race spécifique, mais aussi comme porteurs de caractères, parfois spécifiques.
Une nouvelle étape dans l’histoire de la peinture animalière commence au tournant des XIXe et XXe siècles, lorsque la représentation des « frères mineurs » commence à se baser sur le besoin de l’artiste de faire preuve d’empathie et d’exprimer son attitude envers les animaux. A cette époque, A.L. Ober crée ses meilleures œuvres ("Polar Bear", 1898). dans le travail duquel apparaît pour la première fois un intérêt pour la transmission des caractères individuels des animaux.
Dans les années 1900-1910, les animaux de compagnie sont devenus des acteurs à part entière des scènes urbaines. Les images d’animaux domestiques sont mises en avant par les peintres, quelle que soit l’affiliation de l’artiste à l’un ou l’autre mouvement artistique, qu’il s’agisse d’une histoire de conflits quotidiens. Les animaux et les oiseaux sauvages cessent progressivement d'être les héros des scènes de chasse dramatiques et apparaissent de plus en plus comme des objets de soins humains, vivant dans la nature ou vivant dans un zoo.
Le deuxième maître peintre animalier inégalé, qui a joué un rôle important dans le développement du genre tout au long du XXe siècle, est I.S. Lui, élève de V.A. Serov, était surnommé le « roi des animaux ». Dans les années 1930, Efimov a trouvé un nouveau matériau pour le dessin : le crayon lithographique doux et le crayon italien. Et son attitude envers les matériaux sculpturaux a contribué au rapprochement des arts plastiques et décoratifs, qui s'est manifesté plus tard dans le genre animalier. Au milieu des années 1920, une galaxie de jeunes créateurs ont commencé à travailler activement à Detgiz sous la direction de V.V. Lebedev, parmi lesquels E.I. Charushin et V.I. Kurdov peuvent être appelés peintres animaliers par vocation. Devenu écrivain pour enfants, Charushin a créé une collection unique d'images véridiques et touchantes de petits animaux dans des dessins, des lithographies et même en porcelaine. Charushin est considéré comme l'un des fondateurs de la gravure pour enfants. Les feuilles lithographiées réalisées dans les années 1930 étaient destinées à décorer un intérieur « d’enfant ».
La fascination pour les chevaux était commune à de nombreux artistes du XXe siècle, et pas seulement aux peintres animaliers, qui leur rendaient hommage dans leur travail. Il s'agit de R.R. Frenz ("La chasse du XVe siècle, "Bityug", 1922), V.I. Tyulenev ("Spring Morning. Dawn", 1976), K.M. Simun ("Cheval", années 1960), D.V. Prasolov ("Tabun", 2002 ). N.A. Tyrsa était un cosaque héréditaire, c'est probablement pourquoi il connaissait si bien toutes les habitudes des chevaux.
Et depuis les années 1970, les chiens et les chats attirent de plus en plus l'attention des artistes (A.I. Khaustov. « Chat », 1976 ; O.Yu. Skarainis. « Chat », 1982 ; D.N. Tugarinov. « Chien de berger du Caucase », 1987) et commencent à jouer des rôles principaux même dans des portraits ou des compositions avec la participation de personnes.
Depuis la fin des années 1970, la perception de l’animal en tant que création précieuse de la nature joue un rôle de moins en moins important. Les images d'animaux sont remplies de signification métaphorique, devenant ainsi l'expression des pensées d'artistes de différentes directions sur la vie, le destin et l'homme. Le triptyque de N.V. Bogushevskaya « La vie d'un oiseau » (1980) est essentiellement une parabole sur la vie et la mort. De plus en plus, les gens s’identifient aux animaux, et pas nécessairement de manière dramatique. Dans les années 1990, toutes ces pensées étaient unies par le thème global de l’écologie (V.A. Danilov, « Fish », 1992). Désormais, la distinction entre sauvage et domestique n’a plus d’importance, puisque l’homme est aussi un animal. Tout le monde ressent et souffre de la même manière. Les animaux sauvages viennent en ville, les animaux domestiques se personnifient et s'élèvent au-dessus de leurs propriétaires (V.A. Danilov, « Le chat et le poisson », 1993).
Des noms intéressants
Vasily Alekseevich Vataguine. Il a reçu une formation de biologiste. Il est diplômé de la Faculté des sciences naturelles de l'Université de Moscou. Cependant, sa profession principale était celle d'artiste. Il faut ajouter que dans ce dessin le rôle principal était attribué aux animaux et on ne peut que s'étonner de l'étonnante fidélité de Vatagin à sa passion d'enfance, puisque toute la vie de l'artiste a été consacrée à l'étude et à la représentation du monde animal. Le style des œuvres de Vatagin au début des années 1900 a été influencé par ses nombreux voyages à travers la Russie et à l’étranger. Il a voyagé dans le nord et le sud de la Russie, a peint dans des zoos en Europe pendant plusieurs années, a collecté du matériel sur les animaux exotiques pour l'Université de Moscou et a visité la Grèce, la Sicile et Constantinople. Les pages de ses albums sont remplies de dessins d'animaux entrecoupés de croquis des ruines de l'Acropole, d'Olympie, de Mycènes et de paysages aquarellés de Palerme, Naples et Pompéi. Il a laissé plusieurs dizaines de lourds dossiers contenant des dessins et des aquarelles ; à partir d'eux, on peut retracer toute la « géographie » complexe et diversifiée de sa vie.
Efimov Boris Efimovitch Je n'ai jamais pensé que je deviendrais artiste, même si j'aime dessiner depuis mon enfance. Sa capacité à dessiner a été découverte très tôt, dès l’âge de 5-6 ans. Sur papier, il préférait représenter non pas la nature environnante - maisons, arbres, chats ou chevaux, mais des figures et des personnages nés de sa propre imagination, des histoires de son frère aîné et du contenu des livres qu'il lisait. Très vite, ce passe-temps enfantin a cédé la place à un désir conscient de mettre sur papier les choses amusantes dans les habitudes et les caractères des gens. Le premier dessin d’Efimov a été publié en 1916 dans le magazine illustré « Soleil de Russie », populaire à l’époque. Les mérites de Boris Efimov pendant la Grande Guerre patriotique ont été récompensés par les médailles « Pour la défense de Moscou » et « Pour la victoire sur l'Allemagne ». Dans la période d'après-guerre, Boris Efimov continue de travailler activement dans divers genres. En 1948, un recueil de ses dessins, « M. Dollar », a été publié, et en 1950, un album de dessins, « Pour une paix durable, contre les bellicistes » a été publié.
Charouchine Evgueni Ivanovitch- Graphiste et écrivain soviétique, artiste émérite. En plus de ses propres livres (« Volchishko et autres », « Vaska », « À propos de la pie »), E. I. Charushin a illustré les œuvres de V.V. Bianchi, S. Ya. Marshak, K. I. Chukovsky, M. M. Prishvin et d'autres Dans les illustrations de E. I. Charushin, un artiste animalier, le monde des animaux est révélé dans des images vives, avec beaucoup de chaleur et d'humanité. Il possède ses propres techniques pour transmettre la forme, la couleur et la texture. Ses personnages sont réalistes et fabuleux à la fois. Il s'efforce d'exprimer de manière laconique le caractère de chaque animal, de transmettre la joie de communiquer avec les vivants. Charushin a étudié en détail et spécifiquement les animaux qui, lors de la création de ses dessins, ne pouvaient pas penser à l'exactitude du transfert de forme ou de proportion, cela était donc déjà implicite en soi. Cette approche a permis de se concentrer sur la création d’images. Chaque illustration est différente des autres, chacune a sa propre image émotionnelle - un certain personnage dans un certain état. Il considérait que l'essentiel était la création d'une image, « et s'il n'y a pas d'image, il n'y a rien à représenter.
Stepanov Alexeï Stepanovitch. Dans la seconde moitié des années 1880. Stepanov a travaillé pendant plusieurs saisons d'été avec I. I. Levitan - d'abord près de Zvenigorod, puis sur la Volga. Avec Levitan, il est considéré comme l'un des créateurs de ce qu'on appelle le paysage d'humeur, lorsque l'artiste recherche non seulement dans la nature un motif qui correspond à son état intérieur, mais psychologise également le paysage, transfère ses propres pensées et expériences dans il. Les œuvres de Stepanov sont de nature plein air, elles sont peintes de manière large, sommaire, avec un coup de pinceau liquide transparent, très doucement, avec quelques couleurs (« Moins de couleurs », conseilla-t-il plus tard à ses étudiants). Stepanov aimait représenter une route de village le long de laquelle des chevaux de paysans tiraient des traîneaux ou des charrettes. Il aimait représenter les enfants des paysans observant le monde qui les entourait – nus, pauvres, automnaux, mais chers, etc. Il peint avec enthousiasme des scènes de chasse. Stepanov aimait les animaux et avait une rare capacité à transmettre leurs habitudes et même leur psychologie. M. V. Nesterov considérait Stepanov comme le meilleur peintre animalier après V. A. Serov. Serov appréciait également beaucoup ce don de l'artiste, c'est pourquoi il a insisté pour inviter Stepanov comme professeur à l'École de peinture et de peinture de Moscou. Pendant une vingtaine d'années, Stepanov y a dirigé la « classe des animaux ». Les étudiants l'aimaient jusqu'à l'adoration.
Khlebnikov Valéry Ivanovitch. Né le 16 mai 1950 dans la ville de Vyshny Volochek, région de Tver. Père - Khlebnikov Ivan Prokofievich - pilote militaire. Mère - Maria Ivanovna - une femme au foyer. En 1951, mon père fut transféré au Père. Sakhaline, où la famille a vécu 4 ans. C'est là que Valera, à l'âge de trois ans, réalise ses premiers croquis... de chat ! Les parents ont déclaré que cela s'était avéré inhabituel. En 1955, la famille a de nouveau déménagé, cette fois dans la ville de Lukhovitsy, dans la région de Moscou. Comme il s'est avéré plus tard - définitivement et irrévocablement. Jusqu'à l'âge de 16 ans, Valéry dessinait seul, puis dans l'atelier d'art organisé au centre culturel local « Start » sous la direction d'Erosh Vladimir Vasilyevich. En 1969, Khlebnikov entre à l'École d'art de Moscou en 1905. Mais presque immédiatement, il part pour servir dans la flotte du Nord. Valery Ivanovitch s'est rendu directement au bureau d'enregistrement et d'enrôlement militaire... derrière le chevalet. C'est là, et non en compagnie d'amis bruyants, que Khlebnikov, terminant un autre travail, passa sa dernière soirée dans la vie civile. En 1972, après avoir été démobilisé, il est transféré à l'école d'art de Riazan. G.K. Wagner, où il est admis sans examen. Diplômé en 1976, il réalise immédiatement sa première exposition personnelle dans la ville de Lukhovitsy, qui à cette époque était déjà devenue la maison de l'artiste.
L'art de Valery Khlebnikov combinait avec bonheur ses deux passions : son amour des animaux et son amour du dessin. Khlebnikov crée un monde étonnamment attrayant d’images de « nos petits frères », dans lequel la réalité et la reconnaissance des personnages sont étroitement liées à la fantaisie complexe de l’artiste. Ses animaux sont dotés de toutes les caractéristiques des caractères, émotions et sentiments humains. Ils sont tristes et en colère, pensifs et rieurs. Ses œuvres dégagent un élan de gentillesse et de plaisir sournois.
4. L'animalisme dans les pays du monde.
La Grèce et Rome. Pour les artistes de la Grèce antique et de la Rome antique, l’objet principal de l’art devient une personne ; les images d'animaux ne jouent pas un rôle important dans l'art ancien.
Lionne blessée. Fragment du relief « La Grande Chasse au Lion » provenant du palais du roi Assurbanipal à Ninive. Calcaire. Musée anglais. Londres.
Dans leur désir de refléter le monde réel dans toute sa diversité, les artistes de la Renaissance européenne ont largement pratiqué les croquis d'animaux vivants, dont les images se retrouvent dans la sculpture, les fresques et les peintures de chevalet. L’un des premiers à se tourner vers de telles images remonte au XVe siècle. A. Pisanello, et au XVIe siècle. Léonard de Vinci et Albrecht Dürer ont créé des dessins d'animaux remarquables par leur puissance et leur précision.
Chine. La représentation des animaux a atteint son plus haut niveau dans la Chine ancienne. Il existe des images connues de chiens semblables à des chow-chows datant de plus de deux mille ans. Aujourd’hui encore, nous admirons les graphismes animaliers des maîtres chinois. Un genre s'est formé. Il est arrivé en Europe et en Russie un peu plus tard, aux XVIIe et XVIIIe siècles.
Le genre animalier et les artistes animaliers sont apparus en Chine pendant les périodes Tang et Song.
La technique du «guohua» (littéralement - peinture chinoise) - peintures à l'eau sur rouleaux de soie et de papier. Cette technique est issue des techniques de la peinture traditionnelle chinoise (représentation d'un objet à l'aide de taches de couleur et de traits fins sur un fond neutre).
Dans la peinture Guohua, il existe traditionnellement une division en styles, consacrée par des siècles de tradition. Les styles les plus populaires incluent « fleurs et oiseaux », « montagnes et eaux », des images d'animaux, de chevaux, ainsi que des carpes, des crevettes, des insectes et des scènes de tous les jours.
Contrairement à la peinture européenne, les peintures chinoises sont appréciées non pas tant pour leur beauté que pour le sentiment spécial, presque insaisissable, présent dans la pièce où le tableau est accroché. Les peintures, conformément aux idées des Chinois, créent une ambiance, portent chance, protègent des ennuis, chassent les forces et influences maléfiques. L'évaluation d'un tableau dépend en grande partie de la personnalité de l'artiste : un maître doté d'une grande force spirituelle, cultivée et perfectionnée au cours de nombreuses années de pratique de son métier, est capable de traduire une partie de sa force dans une peinture. Et par conséquent, les Chinois valorisent non seulement la beauté extérieure visible dans une peinture, mais aussi la beauté intérieure, la force et « l’énergie ». La peinture chinoise présente deux caractéristiques distinctives : le « yijing », c'est-à-dire le transfert d'une idée, et le « bimo », c'est-à-dire l'utilisation de l'encre et du pinceau.
Il existe des images connues de chiens semblables à des chow-chows datant de plus de deux mille ans. Aujourd’hui encore, nous admirons les graphismes animaliers des maîtres chinois.
Hollande. En Hollande au XVIIe siècle. l'image des animaux s'impose comme un genre à part. Ses fondateurs A. Cape et P. Potter montrent habilement des animaux domestiques sur fond de fermes et de pâturages. Chaque animalier choisit sa gamme de thèmes et d'images préférées. Au XIXe siècle, l'éminent sculpteur A.L. Bari reflétait son admiration pour l'amour de la liberté et la grâce particulière des animaux dans des groupes dynamiques de prédateurs. Et C. Troyon a peint des paysages poétiques avec des vaches et des moutons entourés d'une nature rurale et paisible aux proches des artistes de l'école de Barbizon. Au tournant des XIXe et XXe siècles. le Suédois B. Liljefors représente des animaux sauvages dans leur habitat naturel, le sculpteur français F. Pompon s'intéresse aux qualités décoratives et plastiques des oiseaux et des animaux, et le peintre allemand F. Mark, dans ses œuvres, fait revivre l'héroïsme des images de animaux sauvages.
5. Méthodologie d'introduction au genre animalier aux élèves d'une école spéciale (correctionnelle).
Enseigner les arts visuels aux enfants d'une école correctionnelle est d'une grande importance pour le développement mental global de l'enfant et pour la formation d'une nature créative. Dans le processus d'apprentissage du dessin aux enfants, les enseignants utilisent différents thèmes : famille, maison, ville natale, nature, saisons, vacances, etc. L'un des sujets les plus appréciés dans le travail des jeunes artistes est le dessin d'animaux.
Le monde animal est très intéressant pour un enfant. Les animaux bougent, ont du caractère, se distinguent par un comportement particulier et suscitent donc chez les enfants un intérêt cognitif, une perception active et une vive réponse émotionnelle. Il est nécessaire d’inculquer l’amour des animaux dès l’enfance, d’attirer l’attention de l’enfant sur la beauté de l’animal, sur ses bienfaits, sur les soins de la mère pour les petits, sur le sentiment d’affection avec lequel il répond à toute attitude bienveillante.
Initier les enfants d'âge préscolaire au genre animalier leur permet de résoudre des tâches à la fois cognitives (l'apparence, les habitudes et le comportement des animaux, leur caractère) et éducatives (l'amour et une attitude attentive et sensible envers le monde animal, le désir de protéger et de préserver la nature) . La formation d'une attitude esthétique envers le monde animal se produit également dans les cours d'éducation environnementale lors de la rencontre d'animaux domestiques et sauvages, lors de l'observation d'objets vivants et dans d'autres types d'activités. En conséquence, les enfants accumulent une variété d’impressions qu’ils s’efforcent d’exprimer dans leur créativité. L’enseignement des arts visuels peut les y aider. L’activité visuelle de l’enfant acquiert progressivement un caractère artistique et créatif. Le produit de l'activité artistique et créative est une image expressive. Lors de la création d'un dessin, l'enfant utilise des actions visuelles, les contrôle en représentant l'image représentée et les évalue comme correctes ou incorrectes. Les mouvements de la main visant à réaliser un dessin ne sont pas générés par le processus de dessin lui-même. Il faut apprendre aux enfants à dessiner.
Le processus d’apprentissage de la représentation animale est long, il peut être divisé en deux directions : la réalisation d’activités pour développer les connaissances des enfants sur les animaux et l’apprentissage de la représentation animale. La mise en œuvre d'activités pour développer les connaissances des enfants sur les animaux, la compétence de l'enfant d'âge préscolaire par rapport à la nature, se développe dans différents types d'activités : dans les classes « Je découvre le monde », « Apprendre à parler », en travail, design, en activités de soins aux plantes et aux animaux, en observations . Le contenu des histoires sur la nature, des poèmes, des contes de fées sur les animaux, des observations lors de promenades, des excursions fournissent un matériau riche pour représenter les animaux domestiques et sauvages, pour clarifier leurs caractéristiques. Correctement organisées par l'enseignant, l'observation, l'examen de jouets, de tableaux, d'illustrations représentant un animal, permettent de se faire une idée de la structure de l'animal, des caractéristiques de son apparence.
Les caractéristiques des élèves d’une école correctionnelle nécessitent de renforcer tout type d’activité productive avec des mots, des mouvements plastiques, du playback, etc. Sans cela, il est difficile pour un enfant de révéler l'image souhaitée. L'enfant se transforme, communique activement et rejoint le jeu avec intérêt.
Une grande importance dans le développement de l'activité visuelle est accordée au mot. C'est le mot qui est nécessaire non seulement pour décrire l'apparence d'un animal, mais aussi pour caractériser les caractéristiques de sa vie et son comportement dans les conditions dans lesquelles il vit. Pour ce faire, vous pouvez largement recourir à des jeux de dramatisation, des soirées d'énigmes, en organisant des expositions en classe, y compris des excursions ; histoires éducatives, etc.
La technique du dessin doit être maîtrisée par l'enfant dès la période initiale d'apprentissage du dessin afin d'acquérir une totale liberté d'action lors de l'exécution de tâches plus complexes qui devront être résolues lors des prochaines étapes de maîtrise du dessin.
Dessiner des animaux est un processus assez complexe et long, qui a ses propres caractéristiques dans chaque tranche d'âge. Ainsi, au début de l'apprentissage du dessin, les enfants savent seulement tenir un crayon ou un pinceau et travailler avec eux, en décrivant des lignes verticales et horizontales, ils ne sont pas encore capables de représenter un animal crédible ; Les dessins de ces enfants n’ont souvent aucun sens. A ce stade, l'enseignant apprend à reconnaître et à nommer des objets, des images dans des dessins et à établir un lien entre le dessin et le processus de dessin. Les enfants apprennent à représenter des objets individuels. Dans le même temps, l'enseignant utilise des techniques et des méthodes d'enseignement telles que l'explication et la démonstration étape par étape de ce qui est représenté, l'explication en général ; affichage partiel de l'image ; explication verbale; travail individuel; terminer le dessin d’un objet (par exemple, une queue de chien).
Lors de l'enseignement ultérieur du dessin d'animaux, les élèves sont d'abord invités à nommer la forme du corps et de la tête de l'animal, puis à montrer la séquence de dessin, en nommant les parties du corps et leur forme (le corps est ovale, la tête est ronde, le bec, la queue). , etc.). Les jouets de forme et de structure simples sont pris comme modèles d'animaux.
L'enseignant analyse la structure du corps de l'animal en montrant un jouet ou un dessin.
Un exemple de schéma algorithmique pour dessiner un animal de compagnie - un chat utilisant une figure géométrique - un cercle. Dessinez un cercle, à l'intérieur du cercle en bas, dessinez un cercle plus petit - c'est la tête. Dessinez les oreilles sur la tête à l'aide de petits triangles. Nous dessinons le museau - deux points parallèles - les yeux, un point gras en bas - le nez. En utilisant des lignes horizontales, nous dessinons une moustache. Nous utilisons une ligne arquée pour représenter la bouche. À l'aide de petits ovales, ajoutez deux pattes et une queue. Les lignes supplémentaires doivent être effacées, le dessin doit être coloré selon les souhaits de l'enfant.
Dessiner des animaux implique l'utilisation d'une variété de techniques méthodologiques qui permettent de prendre en compte les caractéristiques de ces enfants et de développer leurs capacités créatives, ce qui a un effet positif sur le résultat d'une activité visuelle productive.
La tâche principale de l'enseignant n'est pas seulement d'apprendre à dessiner divers animaux, de leur présenter les meilleures œuvres des maîtres du genre animalier, mais aussi d'inculquer à leurs élèves la capacité de voir, de comprendre, de chérir et d'aimer le monde diversifié et étonnant d’êtres vivants. Dans une école correctionnelle, un enfant développe une attitude différente envers le monde, il est donc important de l'amener à comprendre le rôle particulier et la place de l'homme dans la nature, de transmettre à la conscience des enfants que dans la nature il y a un royaume d'animaux; Le règne animal est intéressant et étonnant.
Utiliser des techniques non traditionnelles pour apprendre à dessiner des animaux
Les thèmes animaliers occupent une place assez importante dans le processus d'apprentissage du dessin des élèves. À cet égard, la question se pose de l’utilisation, à côté des techniques traditionnelles, de techniques et de techniques de dessin non traditionnelles, grâce auxquelles il est possible de maintenir l’intérêt constant de l’enfant pour la créativité et de cultiver l’amour et le respect du monde qui l’entoure.
Il existe de nombreuses techniques de dessin non traditionnelles ; leur particularité réside dans le fait qu'elles permettent aux enfants d'obtenir rapidement le résultat souhaité. Par exemple, quel enfant ne serait pas intéressé à dessiner avec ses doigts, à faire un dessin avec sa propre paume, à mettre des taches sur du papier et à obtenir un dessin amusant. L'enfant aime obtenir rapidement des résultats dans son travail.
Les activités visuelles utilisant des matériaux et des techniques non traditionnelles contribuent au développement de l’enfant :
motricité fine et perception tactile ;
orientation spatiale sur une feuille de papier, perception oculaire et visuelle ;
compétences et capacités visuelles, observation, perception esthétique, réactivité émotionnelle.
Dessiner des animaux peut être une activité assez difficile pour un enfant scolarisé dans une école spécialisée. À cet égard, en classe, il est important d’activer l’attention de l’élève et de le motiver à l’activité à l’aide d’incitations supplémentaires. De telles incitations peuvent être : un jeu ; un moment de surprise (un personnage de conte de fées ou de dessin animé préféré vient lui rendre visite et invite l'enfant à partir en voyage) ; accompagnement musical, etc.
De plus, il est conseillé d'expliquer de manière vivante et émotionnelle aux enfants les méthodes d'action et de montrer les techniques de représentation.
Compte tenu des caractéristiques des écoliers et de la maîtrise de différentes compétences à différents stades d'âge, il est recommandé d'utiliser des techniques et techniques spéciales pour dessiner des animaux.
Ainsi, pour commencer, lors du dessin d'animaux, il convient d'utiliser le dessin avec les doigts et les paumes, en tamponnant avec des tampons de pomme de terre. Ensuite, vous pouvez introduire des techniques plus complexes : piquer avec un pinceau dur semi-sec, imprimer avec du caoutchouc mousse ; impression sur liège; crayons de cire + aquarelle ; empreintes de feuilles; dessins de paumes; dessiner avec des cotons-tiges; cordes magiques. Et à l'avenir, les enfants pourront maîtriser des méthodes et des techniques encore plus difficiles : la peinture sur sable ; dessiner avec des bulles de savon ; dessiner avec du papier froissé; blotographie avec un tube; impression au pochoir.
Chacune de ces techniques est un petit jeu. Leur utilisation permet aux enfants de se sentir plus détendus, plus audacieux, plus spontanés, développe leur imagination et leur donne une totale liberté d'expression.
En conclusion, je voudrais ajouter que dans chaque cas particulier, l'enseignant de l'école correctionnelle sélectionne indépendamment les méthodes et techniques, réfléchit et travaille soigneusement chaque étape de la leçon, qui correspondra pleinement au niveau de développement et aux besoins de chaque enfant. . Après tout, de nombreux aspects importants de la vie des enfants dépendent du travail compétent et de qualité de l’enseignant.
Livres d'occasion :
Penova V.P. "Dessiner avec un crayon." M. : « Club de loisirs en famille », 2008. – 112 p.
Davydova G.N. Techniques de dessin non conventionnelles. Partie 2. – M. : Maison d'édition Scriptorium 2003, 2007. – 72 p.
Art. Programmes de travail. Manuel pour les enseignants des établissements d'enseignement général. M. : « Lumières », 2011.
Peinture : Encyclopédie. M. : 1999.
Plotnikova N. Encyclopédie de l'art. M. : ROSMEN-2007.
Créativité pédagogique n°9 A.V. Merzlov. M. : 2007.
). Cependant, pour les besoins de cet article, nous ne considérerons que l’art objet.
Historiquement, tous les genres étaient divisés en haut et bas. À genre élevé ou la peinture historique comprenait des œuvres de nature monumentale, porteuses d'une sorte de moralité, d'une idée significative, démontrant des événements historiques et militaires associés à la religion, à la mythologie ou à la fiction artistique.
À genre faible comprenait tout ce qui concernait la vie quotidienne. Ce sont des natures mortes, des portraits, des peintures domestiques, des paysages, de l'animalité, des images de personnes nues, etc.
Animalisme (lat. animal - animal)
Le genre animalier est apparu dans l'Antiquité, lorsque les premiers peuples peignaient des animaux prédateurs sur les rochers. Peu à peu, cette direction est devenue un genre indépendant, impliquant une représentation expressive de tous les animaux. Les animaliers ont généralement un grand intérêt pour le monde animal, par exemple, ils peuvent être d'excellents cavaliers, élever des animaux de compagnie ou simplement étudier leurs habitudes pendant longtemps. Grâce aux intentions de l'artiste, les animaux peuvent apparaître de manière réaliste ou sous forme d'images artistiques.
Parmi les artistes russes, beaucoup connaissaient bien les chevaux, par exemple, et. Ainsi, dans le célèbre tableau « Bogatyrs » de Vasnetsov, les chevaux héroïques sont représentés avec la plus grande habileté : les couleurs, le comportement des animaux, les brides et leur lien avec les cavaliers sont soigneusement pensés. Serov n'aimait pas les gens et considérait un cheval à bien des égards meilleur qu'une personne, c'est pourquoi il le représentait souvent dans diverses scènes. bien qu'il peignait des animaux, il ne se considérait pas comme un peintre animalier, c'est pourquoi les ours de son célèbre tableau « Matin dans une forêt de pins » ont été créés par le peintre animalier K. Savitsky.
À l'époque tsariste, les portraits d'animaux de compagnie, chers à l'homme, devinrent particulièrement populaires. Par exemple, dans le tableau, l'impératrice Catherine II apparaît avec son chien bien-aimé. Les animaux étaient également présents dans les portraits d'autres artistes russes.
Exemples de peintures d'artistes russes célèbres du genre quotidien
Peinture d'histoire
Ce genre implique des peintures monumentales conçues pour transmettre à la société un projet grandiose, une certaine vérité, une moralité ou pour démontrer des événements importants. Il comprend des œuvres sur des thèmes historiques, mythologiques, religieux, folkloriques ainsi que des scènes militaires.
Dans les États anciens, les mythes et les légendes ont longtemps été considérés comme des événements du passé et étaient donc souvent représentés sur des fresques ou des vases. Plus tard, les artistes ont commencé à séparer les événements survenus de la fiction, qui s'exprimait principalement dans la représentation de scènes de bataille. Dans la Rome antique, en Égypte et en Grèce, des scènes de batailles héroïques étaient souvent représentées sur les boucliers des guerriers victorieux afin de démontrer leur triomphe sur l'ennemi.
Au Moyen Âge, en raison de la domination des dogmes de l'Église, les thèmes religieux prédominaient ; à la Renaissance, la société se tournait vers le passé principalement dans le but de glorifier ses États et ses dirigeants, et depuis le XVIIIe siècle, ce genre s'est souvent tourné vers dans le but d'éduquer la jeunesse. En Russie, le genre s'est répandu au XIXe siècle, lorsque les artistes tentaient souvent d'analyser la vie de la société russe.
Dans les œuvres d'artistes russes, la peinture de bataille a été présentée, par exemple, et. Il aborde des sujets mythologiques et religieux dans ses peintures. Parmi eux, la peinture historique prédominait, le folklore parmi eux.
Exemples de peintures d'artistes russes célèbres dans le genre de la peinture historique
Nature morte (nature française - nature et morte - morte)
Ce genre de peinture est associé à la représentation d'objets inanimés. Il peut s'agir de fleurs, de fruits, de plats, de gibier, d'ustensiles de cuisine et d'autres objets, à partir desquels l'artiste crée souvent une composition selon son plan.
Les premières natures mortes sont apparues dans les pays anciens. Dans l’Egypte ancienne, il était d’usage de représenter les offrandes aux dieux sous forme d’aliments divers. Dans le même temps, la reconnaissance de l'objet passait en premier, de sorte que les artistes anciens ne se souciaient pas particulièrement du clair-obscur ou de la texture des objets de nature morte. Dans la Grèce antique et à Rome, les fleurs et les fruits étaient trouvés dans les peintures et dans les maisons pour la décoration intérieure, ils étaient donc représentés de manière plus authentique et pittoresque. La formation et l'épanouissement de ce genre ont eu lieu aux XVIe et XVIIe siècles, lorsque les natures mortes ont commencé à contenir des significations religieuses et autres cachées. Parallèlement, de nombreuses variétés d'entre elles apparaissent, selon le sujet de l'image (floral, fruitier, scientifique, etc.).
En Russie, la peinture de natures mortes n'a prospéré qu'au XXe siècle, car auparavant elle était principalement utilisée à des fins éducatives. Mais cette évolution a été rapide et captivante, y compris l'art abstrait dans toutes ses directions. Par exemple, il crée de belles compositions de fleurs, préfère, travaille et souvent « revitalise » ses natures mortes, donnant au spectateur l'impression que les plats étaient sur le point de tomber de la table ou que tous les objets étaient sur le point de commencer à tourner. .
Les objets représentés par les artistes étaient bien entendu influencés par leurs points de vue théoriques, leur vision du monde et leur état d’esprit. Il s'agissait donc d'objets représentés selon le principe de perspective sphérique découvert par lui, et de natures mortes expressionnistes émerveillées par leur drame.
De nombreux artistes russes utilisaient la nature morte principalement à des fins pédagogiques. Ainsi, il a non seulement perfectionné ses compétences artistiques, mais a également mené de nombreuses expériences, disposant les objets de différentes manières, travaillant avec la lumière et la couleur. expérimente la forme et la couleur de la ligne, s'éloignant tantôt du réalisme pour se tourner vers le pur primitivisme, tantôt mélangeant les deux styles.
D'autres artistes ont combiné dans des natures mortes ce qu'ils avaient représenté auparavant avec leurs objets préférés. Par exemple, dans les peintures, vous pouvez trouver son vase préféré, des partitions et un portrait de sa femme qu'il avait créé auparavant, et il a représenté ses fleurs préférées de son enfance.
De nombreux autres artistes russes ont travaillé dans le même genre, par exemple, et d'autres encore.
Exemples de peintures d'artistes russes célèbres dans le genre des natures mortes
Nu (français nudite - nudité, abrégé en nu)
Ce genre est destiné à dépeindre la beauté du corps nu et est apparu avant notre ère. Dans le monde antique, une grande attention était accordée au développement physique, car la survie de toute la race humaine en dépendait. Ainsi, dans la Grèce antique, les athlètes concouraient traditionnellement nus afin que les garçons et les jeunes hommes puissent voir leur corps bien développé et lutter pour la même perfection physique. Vers les VIIe-VIe siècles. avant JC e. Des statues d'hommes nus sont également apparues, personnifiant la puissance physique d'un homme. Les figures féminines, au contraire, étaient toujours présentées au public en robe, car il n'était pas d'usage d'exposer le corps féminin.
Au cours des époques suivantes, les attitudes envers la nudité ont changé. Ainsi, durant l’hellénisme (à partir de la fin du VIe siècle avant JC), l’endurance passe au second plan, laissant la place à l’admiration de la figure masculine. Dans le même temps, les premières figures féminines nues commencent à apparaître. À l'époque baroque, les femmes aux formes courbes étaient considérées comme idéales ; à l'époque rococo, la sensualité devenait primordiale et aux XIXe et XXe siècles, les peintures ou sculptures avec des corps nus (surtout masculins) étaient souvent interdites.
Les artistes russes se sont tournés à plusieurs reprises vers le genre nu dans leurs œuvres. Ce sont donc des danseurs aux attributs théâtraux, ce sont des filles ou des femmes qui posent au centre de scènes monumentales. Il y a beaucoup de femmes sensuelles, y compris en couple, il y a toute une série de tableaux représentant des femmes nues dans diverses activités, et cela a des filles pleines d'innocence. Certains, par exemple, représentaient des hommes complètement nus, même si de telles peintures n'étaient pas bien accueillies par la société de leur époque.
Exemples de peintures d'artistes russes célèbres dans le genre nu
Paysage (Paysage français, de pays - terrain)
Dans ce genre, la priorité est la représentation de l'environnement naturel ou artificiel : espaces naturels, vues de villes, villages, monuments, etc. Selon l'objet choisi, on distingue des paysages naturels, industriels, marins, ruraux, lyriques et autres.
Les premiers paysages des artistes anciens ont été découverts dans les peintures rupestres du Néolithique et étaient des images d'arbres, de rivières ou de lacs. Plus tard, le motif naturel fut utilisé pour décorer la maison. Au Moyen Âge, le paysage est presque entièrement remplacé par des thèmes religieux, et à la Renaissance, au contraire, la relation harmonieuse entre l'homme et la nature prend le dessus.
En Russie, la peinture de paysage s'est développée à partir du XVIIIe siècle et était initialement limitée (les paysages, par exemple, ont été créés dans ce style), mais plus tard, toute une galaxie d'artistes russes talentueux ont enrichi ce genre avec des techniques de styles et de mouvements différents. a créé ce qu'on appelle le paysage discret, c'est-à-dire qu'au lieu de rechercher des vues spectaculaires, il a dépeint les moments les plus intimes de la nature russe. et est arrivé à un paysage lyrique qui a émerveillé le public par son ambiance subtilement transmise.
Et c'est un paysage épique, où le spectateur voit toute la grandeur du monde environnant. sans cesse tourné vers l'Antiquité, E. Volkov savait transformer n'importe quel paysage discret en une image poétique, émerveillait le spectateur par sa merveilleuse lumière dans les paysages, et pouvait admirer sans fin les coins de forêt, les parcs, les couchers de soleil et transmettre cet amour au spectateur.
Chacun des peintres paysagistes a concentré son attention sur le paysage qui le fascinait particulièrement. De nombreux artistes ne pouvaient ignorer les projets de construction à grande échelle et peignaient de nombreux paysages industriels et urbains. Parmi eux se trouvent des œuvres d’autres artistes. fasciné par les monuments, et
Le genre animalier est loin d'être le plus populaire dans le monde de la peinture, puisque les œuvres ne sont pas aussi demandées que l'impressionnisme ou le romantisme. Dans le même temps, de nombreux artistes dessinent habilement des animaux et créent des peintures lumineuses et magnifiques. Souvent, les peintres animaliers ajoutaient des animaux aux dessins d'autres artistes, comme ce fut le cas avec le célèbre tableau de Shishkin, dans lequel Savitsky peignait des ours.
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Robert Batman
Robert a pratiqué le dessin d'oiseaux depuis son enfance et est aujourd'hui devenu célèbre en peignant des animaux et des oiseaux dans des décors naturels. Les œuvres de Robert occupent une place de choix dans des collections privées et des musées célèbres. Il valorise la nature et s'implique dans des organismes de conservation.
Artiste bulgare Karl Brenders
L'artiste a passé beaucoup de temps à étudier, il travaille maintenant sur des croquis au crayon, puis complète son travail à la gouache et à l'aquarelle. De ce fait, chacune des œuvres étonne par son réalisme ; elles sont très proches des photographies.
Pierre Williams
L'artiste est autodidacte, ayant travaillé comme chauffeur, tuteur et analyste informatique. Il a toujours fait de la peinture en parallèle. Mais en 2002, Peter a commencé à peindre professionnellement et en 2010, le magazine Wildlife Artist lui a décerné un prix. À l'heure actuelle, Peter est vénéré et ses dessins sont publiés dans des publications
Terry Isaac - artiste animalier américain
L'artiste a commencé par des illustrations de livres pour enfants, mais est ensuite devenu fasciné par la beauté de la nature sauvage. Il estime que pour ce style de dessin, il est très important de pouvoir observer la nature et ses habitants. Il a été élu meilleur de Floride en 1998, a travaillé sur des guides d'oiseaux et a exposé son travail dans des musées renommés.
Aquarelles de Susan Bordet
Peindre à l'aquarelle est très difficile, mais Susan parvient à transmettre une véritable anatomie, en complétant les images avec un fond impressionniste doux. Cette technique s’est développée au cours de deux décennies de travail de l’artiste. Elle expose activement et est publiée dans l'album « The Charm of Nature ».
L'animaliste David Stribbling
C'est un leader dans son domaine au Royaume-Uni. En 1996, il installe un atelier dans les combles et commence à travailler sérieusement. L'artiste préfère peindre la nature sauvage ; ses œuvres représentent le plus souvent des espaces et des animaux africains.
Cristina Penescu de Roumanie
Les œuvres saisissantes de l’artiste sont créées selon la technique du grattage. Elle réalise des images en utilisant une base spéciale et des scratchs. Christina n'a pas étudié, maîtrisant la technique par elle-même. Chaque image nécessite environ 1 000 coups d'argile blanche sur carton pressé. Ensuite, les œuvres sont recouvertes d'encre noire et des demi-teintes réalistes sont créées. Certaines peintures sont décorées à l'aide de peintures acryliques.
Œuvres de Paul Krapf
L'artiste américain est né dans l'ouest de la Pennsylvanie. Pour apprendre à refléter la nature et les animaux, il étudie la peinture. D'abord au lycée, puis à Pittsburgh, dans un institut d'art. Avant de se consacrer entièrement à la peinture, l'artiste a travaillé à la NASA en tant qu'ingénieur d'études.
