Les artistes Alexander Vinogradov et Vladimir Dubossarsky sont un incident historique et social. Il s'agit d'une coopérative née sur les ruines du système soviétique, qui a survécu avec succès aux années 90 et est devenue l'une des unités créatives les plus rentables du marché de l'art russe moderne. Leurs immenses toiles avec des images kitsch d'oligarques, de top models et d'alcooliques près de Moscou sont compréhensibles pour tout spectateur, quelle que soit son éducation et son implication dans l'art contemporain. Il semble que le secret de leur succès réside dans le fait qu’à une époque d’individualisme extrême, ils ont trouvé la recette d’une nouvelle collectivité.
Propagande visuelle
L'atelier du tandem d'artistes russes le plus célèbre après les Kabakov - Vinogradov et Dubossarsky - est situé à proximité de la plate-forme ferroviaire de Khimki. A proximité se trouvent « Réparation de bijoux », « Copie, photos, télécommandes » et « Kesh's Pet Shop ». De la fenêtre de l'atelier, on peut voir les kiosques à salades « Kostroma le soutien de famille » et une ligne de bus Mostransavto. Paysage inspirant.
Le coin du magasin me semble étrangement familier depuis la fenêtre. Quelque part, j'ai déjà vu ce banc, cette poubelle et l'inscription « Boutique pour adultes ». C'est le nom d'une des peintures de l'exposition « Sur la Zone-2 » à la Galerie Triumph : elle poursuit le thème de l'exposition « Sur la Zone-1 ». Elle était dédiée à Khimki.
Il s'agit d'une série de toiles rayonnantes, même si les sujets sont ce qui dans l'art est considéré comme sombre ou (c'est un euphémisme) « social » : des filles en sandales bon marché dans la rue, des chiens près des garages, des stands de fleurs, des handicapés manchots. des gens fumant sur un banc, une fille de bureau sur fond de dossiers et d'un portrait de Dmitri Medvedev.
Vinogradov, Dubossarski. "Magasin pour adultes", 2010
Cette réalité typique de Vinogradov et Dubossarsky - quelques lignes électriques, des cours, des demoiselles en pantoufles qui, sur fond de verdure assourdissante, entrent par l'entrée indéfinissable d'une maison grise - a, comme avant, de la vitalité. Mais neuf. C'était comme si l'ironie avec laquelle les artistes peignaient auparavant des toiles sur des personnages glamour et des héros de la pop - au paradis, avec des animaux, des enfants et femmes nues. Puis il y avait le paradis, l'Olympe, les dieux, les animaux, les roses, Jeunesse éternelle, la beauté et la nudité. Et maintenant - des paroles urbaines : moins de fantaisie, plus de réalité.
Vinogradov et Dubossarsky travaillent ensemble depuis les années 90. C’est lorsque les hiérarchies officielles se sont effondrées et que tout artiste a eu la possibilité de s’engager dans un art nouveau, inconnu, individuel, quel que soit l’art moderne de son choix, qu’il s’est soudainement tourné vers le réalisme socialiste.
"Je n'avais aucune envie d'être artiste", explique Vinogradov. Dubossarsky n’est pas encore là. Sur une table en bois se trouve un sac de café moulu avec une oreille déchirée et du sucre dans le sac. — Je voulais être beaucoup de choses. Et un pilote, un médecin, un concierge et un architecte. Puis après école d'art J'ai essayé d'entrer à l'école. Je ne suis pas entré. Et la deuxième fois, Volodia et moi sommes entrés ensemble et avons étudié dans le même groupe pour devenir restaurateurs. Autrement dit, notre première éducation est la restauration. Nous sommes allés sur des sites - nous avons pratiqué : le monastère de Yuryev, Rostov, Solovki. Nous étions restaurateurs peinture monumentale- fresques, peintures murales. Beaucoup de nos gars se sont lancés dans la profession de restaurateurs. Et immédiatement après l’université, tout le monde a été enrôlé dans l’armée.
— Avez-vous également servi dans l'armée ensemble ?
Ici, Vinogradov soupire lourdement. Parce que depuis près de deux décennies, on lui demande à Dubossarsky et à lui : comment travaillent-ils ensemble, tiennent-ils ensemble leur pinceau et leur palette ? Ils sont généralement considérés soit comme des jumeaux siamois, soit comme une seule personne.
«Non», dit-il. - Tu sais, nous vivons séparément, nous avons des appartements différents, les familles, les enfants ne sont pas communs...
— Où avez-vous servi dans l'armée ?
- En Allemagne. 1984 Notre unité était stationnée près de la ville de Halle, parfois nous y allions. Eh bien, nous avons vu quelque chose par la fenêtre de la voiture. Plus précisément, depuis la fenêtre d'un char. On croyait que servir quelque part à l’étranger était plus prestigieux, ou quelque chose du genre. Les officiers reçurent en conséquence. Nous avons très la plupart de il y avait, tout était là : des canons, des chars et des canons automoteurs. Et j'ai servi au siège en tant que commis, artiste - tout le monde dessinait, écrivait de ses mains et faisait de la propagande visuelle. Et tout devait être repeint une fois par an, mis à jour.
- Et puis?
— Puis il est revenu, a travaillé dans une usine de meubles, également en tant qu'artiste : avant, toute entreprise avait besoin de propagande visuelle. Les idées du parti prennent vie. Temple de la renommée. Vous pouvez désormais prendre et imprimer n’importe quoi depuis votre ordinateur. Et puis, déjà dans salle d'exposition, nous enseignions : nous avions des studios d'art pour enfants et adultes. Volodia et moi l'avons divisé, ce qui signifie qu'il enseignera aux adultes et moi aux enfants. Trois enfants sont venus vers moi et m'ont immédiatement détruit. Et les adultes étaient dévoués à cette cause et l’aimaient beaucoup. Et il y a même eu quelques victoires créatives. Nous avions un géologue, par exemple, un blaster ; il a dessiné des explosions. Très beau.
Génération de squats
Voici Dubossarsky. Vinogradov lui dit en riant :
- Eh bien, pendant ton absence, je t'ai déjà raconté toute ma vie.
Il semble que le collectivisme soit dans leur sang. Le collectivisme est toujours soviétique : école, armée, atelier, enfants, géologues. Et celui post-soviétique - le célèbre squat de Trekhprudny Lane à Moscou, où traînait Dubossarsky.
"C'était en 91-93", se souvient Dubossarsky. — J'ai rencontré un groupe d'artistes de Rostov - Avdey Ter-Oganyan, Valera Koshlyakov, Seva Lisovsky, qui était leur producteur et ami. Il y avait aussi Pacha Aksenov d'Ijevsk, Kitup Ilya de Vilnius, des gars d'Ukraine. Je pense qu'il y avait là un Moscovite, moi et une ou deux autres personnes. A cette époque, beaucoup vivaient dans des squats : les artistes venaient à Moscou et occupaient appartements vides— nous sommes allés voir où les lumières étaient éteintes le soir et où les fenêtres étaient cassées. Tout le monde communiquait entre eux et savait où se trouvaient les endroits brûlés et où se trouvaient ceux non brûlés, et essayait de les capturer. Et tenir le coup était la chose la plus difficile.
La police nous a rapidement identifiés : ces appartements de Trekhprudny viennent d'être incendiés. Avant cela, nous sortions avec un musicien de « Défense civile« Et quand nous nous sommes arrêtés à Trekhprudny, la police est arrivée. Mais ils avaient alors moins de pouvoir. Et ils étaient apparemment contents que nous vivions là-bas. D'une part, ils nous ont facturé dix roubles une fois par mois pour cela et ont inscrit tout le monde, soumis des rapports indiquant qu'ils travaillaient. D'un autre côté, il était bénéfique pour eux qu'il n'y ait pas là des alcooliques ou des toxicomanes, mais des artistes.
Et puis cette maison appartenait à MOST, Gusinsky. Le gérant de cette maison est venu et nous avons déjà commencé à le payer officiellement. C’est un plan qu’Olga Sviblova a ensuite mis en œuvre : elle est venue, a apporté des tableaux dans la collection de la banque et la banque a payé le loyer pour nous. Et puis le rouble a tellement chuté que nous avons nous-mêmes payé ces centimes jusqu'à ce que la maison soit reconstruite. Et nous avons déménagé ailleurs, puis à Baumanskaya, et là nous avons loué de grands appartements à deux alcooliques. Je pense que c'était le dernier squat à Moscou. Tout s'est terminé en 2002 ou 2003.
C'est pour ça que j'habitais là, dans ce squat ? D’une part, j’y ai étudié, c’était un environnement intéressant. D’un autre côté, c’était un moyen de promotion et de survie, car c’est là seulement qu’on pouvait vendre quelque chose. Parce que nous ne l'étions pas artistes célèbres, et personne n'est venu nous voir personnellement ou n'a voulu y aller. Et les soi-disant acheteurs y sont allés. Et il y avait des gens à Moscou qui emmenaient ensuite des étrangers dans des ateliers et recevaient 10 % en échange. Alors téléphones portables il n'y en avait pas, ils ont appelé tout le monde d'une manière ou d'une autre. Si quelqu'un n'était pas à la maison, alors nous étions stricts : tout le monde était toujours montré. Vous n'étiez pas là, vous ne pouviez pas, vous le saviez, vous ne le saviez pas - ce n'est pas grave : ils l'ont montré à tout le monde.
— Quels étaient alors les prix ?
- De deux cents à mille dollars, le plus populaire est de trois cents à quatre cents. Des collectionneurs inconnus, pas de grands collectionneurs ni de musées, ont acheté chez nous. C'étaient des gens pour qui la toile était comme un souvenir. Et pour nous, c’était un système de protection circulaire : nous savions toujours lequel d’entre nous avait de l’argent. Nous savions à qui, pour combien et ce que nous achetions ! Et il était clair qui pouvait emprunter combien à qui, et tout le monde donnait toujours, car ils comprenaient que demain ils devraient eux-mêmes emprunter. C’était un modèle d’existence économiquement solide. De plus, la créativité collective nous a beaucoup fait progresser : vous avez une idée, vous vous promenez avec elle, et vos amis sont assis ici, la critiquent, se disputent, et vous y pensez, et puis vous devez trouver un nouveau. C’était un véritable incubateur d’idées.
- Et maintenant, le temps du collectivisme est-il révolu ? L’heure est-elle aux contacts individuels avec les galeristes ?
— Oui, les artistes fonctionnent différemment maintenant. Toutes les galeries courent partout, à la recherche d'artistes – il n'y a pas d'artistes ! Ils ne peuvent pas établir de plan pour l'année, car il n'y a pas assez d'artistes pour douze galeries à Moscou. Et puis, au contraire, il y avait plus d’artistes, mais très peu de salles. Mais le modèle collectif est le modèle des jeunes artistes. Ils vivent toujours ainsi, à Londres comme à New York. Après tout, nous avons aussi eu une génération : même plus tard, lorsque nous avons cessé d'entrer en conflit idéologiquement, il s'est avéré que Tolya Osmolovsky, Oleg Kulik et nous formions tous une sorte de champ unifié.
Art, affaires et politique
Vinogradov et Dubossarsky se sont lancés dans le réalisme socialiste, expliquent-ils, à la recherche d'une nouvelle idéologie : l'ancienne institutions sociales s'est effondré, et la seule grande mythologie commune à tous était associée à style soviétique même visuellement : immeubles de grande hauteur staliniens, scènes d'été, panneaux de mosaïque dans les piscines et les centres culturels.
« Nous n’avions pas vraiment notre propre langue », explique Vinogradov. - Sur scène moderne l'artiste utilise toutes les langues : il peut prendre Matisse, ou peut-être les Italiens. D'un point de vue formel, le développement de la peinture est terminé : il est impossible de créer avec de la peinture et un pinceau quelque chose qui n'existe pas encore. En 1994, je me souviens, on considérait que faire de la peinture était du gaspillage. Mais le réalisme socialiste était une telle profanation, et nous avons au contraire décidé de lui insuffler un nouveau sens. Nous voulions faire de l'art contemporain. Mais à cette époque, nous avons pris un risque, car on ne savait pas exactement où se trouvait ce tableau – des tableaux de trois par quatre ?
"Dans les années 90, il y a eu un échec parce qu'il n'y avait pas d'argent et de nombreux artistes se sont lancés dans le design, les affaires et les livres", reprend Dubossarsky. — Il y a eu un exode des arts vers le monde des affaires et de l'argent. Et en 2000, une sorte de marché de l'art est apparu, des galeries qui ont commencé à vendre... Si les galeries dans les années 90 n'étaient qu'un lieu d'exposition, dans les années 2000 elles sont devenues un business. Auparavant, chaque galerie avait son propre créneau : si vous aviez un projet politique, vous alliez chez Gelman, s'il s'agissait d'un projet expérimental, vous alliez chez XL.
Et les artistes tournaient en rond. Et en 2000, les galeristes disaient : « D’accord, réparons-nous. » Et les artistes s'installent dans les galeries. Et s’ils sont partis, c’était déjà un départ concret : je te quitte et je viens à toi. Tout comme en Occident. Nous travaillons désormais avec Triumph et PaperWorld. En principe, nous avons tous le même âge que les galeries et les galeristes. Quand il n’y avait pas d’argent, c’était une histoire plus conviviale. Et puis les galeristes sont devenus des hommes d’affaires et ont commencé à dicter leur loi aux artistes. Et c'est pourquoi il y avait départs scandaleux. Mais pas chez nous.
— Vous êtes l'un des artistes les plus prospères commercialement. Je me souviens d'un article dans Forbes il y a quelques années, avant la crise, sur la façon dont vos prix augmentaient terriblement : 300 000 euros, 400 000 euros...
- Pas vraiment. — Vinogradov et Dubossarsky froncent les sourcils et agitent les mains. - Parfois, le travail fait trois mètres sur vingt - cela coûte beaucoup plus cher. Les prix ont augmenté en fonction du marché. Un homme d'affaires nous a expliqué que s'ils vendent facilement, cela signifie que les prix sont bas. Il faut les vendre comme par force : un nombre d'œuvres par an.
Avant la crise, ils ont même commandé des portraits d'oligarques à Vinogradov et Dubossarsky, par exemple Abramovich sur fond de toundra avec un loup et un renard. Et le propriétaire de la station Pirogovo près de Moscou a acheté peinture célèbre"Troïka" et a fabriqué une bannière basée sur celle-ci, qui a été accrochée sur le territoire de son propre centre de service automobile à Mytishchi. Aujourd’hui, disent les artistes, l’écume s’est dissipée et la folie des riches a cessé.
— Les politiciens ont-ils ordonné quelque chose ?
— Non, nous sommes assez apolitiques. Mais nous avons une photo avec Eltsine et Lebed. C'est la période où Eltsine se rendit aux deuxièmes élections et Lebed lui donna ses voix. Et nous avons brossé un tableau entre le premier et le deuxième tour des élections : Eltsine et Swan, le soleil, les arcs-en-ciel, les enfants, les animaux. Eh bien, une photo pré-électorale. L'exposition avait lieu à la galerie Gelman, appelée « Triumph ». Quand Eltsine a gagné, une grande table avec des plats y était dressée et cette photo y était accrochée. Nous voulions aussi faire une biographie de Jirinovski en images - enfin, comment il lave ses bottes océan Indien. Jirinovski avait aussi une image héroïque. Ensuite, la politique était largement connue, tout le monde s'y intéressait, c'était l'adrénaline. Pas plus.
Troïka avec Kalachnikov
Vinogradov, Dubossarski. Comment allez-vous, mesdames et messieurs, 2000
Vinogradov et Dubossarsky peignent depuis de nombreuses années ce qui est probablement le tableau le plus long au monde. Lors du projet parisien « Urgent Painting », dans le cadre duquel ceux venus de différents pays Les artistes avaient besoin de peindre rapidement quelque chose sur place ; ils ont eu l'idée de placer de plus en plus de toiles sur une toile d'un mètre et demi sur deux - d'un côté et de l'autre.
Certaines parties du tableau le plus long sont familières au public moscovite et occidental. Certains ont été achetés. Vinogradov et Dubossarsky ont dit un jour : « Nous ne créons pas de chefs-d'œuvre ; certains sont meilleurs, d'autres sont pires. Il est important de créer constamment quelque chose.
Ils fonctionnent comme une usine d'art, qui époque soviétique des panneaux mythologiques reproduits à l'infini - et reflétaient en un sens l'époque : les aspirations des gens, la réalité derrière la fenêtre, passaient alors à travers les images héroïques des ouvriers et des kolkhoziens, et maintenant à travers les médias et le glamour. Enregistrez l'époque.
- Tu veux que je te le montre ? - demande soudain Vinogradov. J'acquiesce, puis il trouve un livret d'accordéon et disperse le ruban dans l'atelier. On parcourt le livret : même sous une forme très réduite, le plus longue photo s'étend sur des mètres. De nombreux fragments années différentes connus de ceux qui fréquentent les galeries : Akhmatova et Tsvetaeva nues dans les champs au bord de l'Ob, Madonna, la reine d'Angleterre, les « Beatles à Moscou ».
— Il s'avère même qu'il ne s'agit pas d'une fresque, mais d'un film. Il s’agit d’une performance qui s’étend dans le temps et dans l’espace. Le tableau est mobile : on peut toujours remplacer quelque chose, ajouter quelque chose, le déchirer à un endroit, insérer un morceau. Dans un sens, cela ne finit jamais », explique Vinogradov.
"Et il y a aussi des espèces spéciales dessus", ajoute Dubossarsky. — C'est l'hôtel Intourist, qui n'existe plus. Le tableau qui se dégage est historique.
"En général, le contexte est plus important pour le spectateur", commence à raisonner Vinogradov. — Sans connaître le contexte, vous ne comprendrez jamais l'œuvre elle-même. Et nous voulions juste faire de l’art ouvert et direct. Un homme vient et voit, je ne sais pas, une femme nue dessinée. Et tout est clair pour lui. Ou Madonna, Schwarzenegger et les enfants...
— Et vous avez rencontré directement le spectateur - avec un tel une personne simple?
- Oui, cent fois. Nous avons une photo avec une troïka, nous l'avons aussi fait en 1995. Cela veut dire qu’il y a une troïka russe là-bas…
-Où est le vampire ?
"Oui, il y a des forces obscures de tous côtés", rit Dubossarsky. - Et le chauffeur - une fille en manteau de fourrure et avec un fusil d'assaut Kalachnikov - riposte. Et un type qui accrochait des tableaux lors d'une exposition est venu et a dit : "Écoutez, quelle belle photo, comme une fille - elle personnifie la Russie, elle tire et elle n'a pas assez de cartouches." Par Dieu, nous n’y avons pas donné une telle signification. Mais nous n'expliquons jamais nos peintures. Parce qu'une personne comprend à sa manière. Il proposera lui-même quelque chose que nous ne pourrons jamais imaginer.
Glamour insaisissable
Vinogradov, Dubossarski. D&G, 2010
Vinogradov, Dubossarski. "Natacha", 2010
Vinogradov, Dubossarski. "Cité", 2010
Le glamour a disparu des peintures de Vinogradov et de Dubossarsky aussi imperceptiblement et soudainement qu'il a disparu du temps. Les étoiles nues dans les fleurs et les bouleaux, la Barbie chauve, Cindy Crawford avec le tigre dans le bosquet ont disparu. Il ne reste qu'une fille aux mollets forts et un sac de D&G, marchant sur les trottoirs inondés de soleil de Khimki, une policière qui ressemble à Britney Spears, souriant de manière invitante sur une grande toile, sans maquillage Natalya Vodianova, qui est sur le le train va vers elle Nijni Novgorod.
"Mais vous ne savez peut-être même pas qu'il s'agit de Natalia Vodianova, rien ne changera", déclare Dubossarsky. — Les années 2000 ont été une époque de glamour, de brillance, de prospérité portée par la vague des pétrodollars. Les magazines, la nouvelle télévision, la mode, le design, la propreté, la beauté, une tentative de rendre tout cher, beau, occidental. Dans un sens, il s'agissait d'une assimilation de tout ce qui avait été fait en Occident : le contexte russe a fusionné avec le contexte occidental, et est apparu quelque chose que nous avions hier encore : la Russie, que nous avons encore perdue. Parce que maintenant, après la crise, nous ne pouvions plus faire cela. Même si nous travaillions beaucoup avec des magazines de mode, avec des images dictées par le gloss.
"Nous les avons tous achetés, il en reste même quelques-uns", dit Vinogradov en désignant le présentoir rempli de magazines sur papier glacé. - Mais le gloss est aussi mobile, ils ont aussi commencé à réfléchir et à changer. Et on sentait que cela ne nous intéressait plus. Et ils ont commencé à passer à quelque chose de plus vie intéressante. Et puis il y a eu juste une crise - et le passage à la réalité s'est fait en quelque sorte naturellement. Parce qu’on ne peut rien sortir de nulle part, il faut toujours regarder la vie. Tu ne peux pas t'asseoir et dire : maintenant j'y penserai nouvelle technologie, nouvelle histoire, je vais créer quelque chose de complètement nouveau. Il naît toujours à l’intérieur du monde et en vous, puis se connecte.
Derrière Vinogradov et Dubossarsky se trouvent d'immenses toiles avec des dames inachevées. C'est un nu sur fond d'appartements en location plutôt misérables. Une dame en bas noirs, une autre avec des bas à lacets, la troisième avec une guitare.
— Ce sont des filles qui publient leurs photos sur Internet. À des fins intimes », explique Dubossarsky.
- Est-ce que ça les dérange que vous les ayez ici ?. - Je demande.
"Je pense qu'ils devraient être heureux."
— Vous aviez toutes sortes de célébrités dans vos peintures, vous utilisez à la fois vos propres photographies et celles des autres. Il n’y a pas encore eu de procès. Que se passe-t-il si vous utilisez les œuvres d’art et les images de quelqu’un d’autre à des fins commerciales ?
- Nous avons eu une bonne affaire. A la Biennale de Venise, nous avons peint grande image sous l'eau - trois mètres sur vingt, nous avons utilisé la photographie de mode. Et puis des correspondants sont arrivés, et une Allemande s'est accrochée à nous et a filmé très longtemps : alors, reste là, reste là... Une telle tante a environ soixante ans. Il faisait chaud, nous étions déjà là, mouillés. Et elle dit : « Ça y est, merci beaucoup d’avoir prêté attention à moi. Au fait, ceci, ceci, ceci et ceci sont mes photographies. Nous nous sommes immédiatement tendus, mais elle a dit : non, non, qu'est-ce que tu fais, "Je suis très heureuse que tu aies utilisé mon image."
"En général, il y avait des précédents", poursuivent les artistes. - Voici notre Zhora Pusenkov - Helmut Newton l'a poursuivi en justice pour quatre nudités célèbres. Pusenkof a gagné le procès. Parce que s’il a repris la photo et l’a vendue comme photographie, alors oui. Et il en a fait un tableau, une œuvre originale, la sienne. Après tout, imaginez : je suis venu peindre un paysage - une église, la maison de quelqu'un ; tu t'y promenais avec le chien - il t'a dessiné. Et puis tout le monde m'a revendiqué : le patriarcat, le propriétaire de la maison et vous, que le chien était à vous. C’est comme faire une réclamation à Andy Warhol : j’ai acheté une canette de Coca-Cola ou une canette de soupe Campbell’s, et je comprends que maintenant c’est à moi. Mais je ne le vends pas en canette Campbell’s, c’est deux fois plus cher. Je vends mon travail.
- Oui, cent fois plus cher"Je ris.
"Eh bien, pas cent, probablement, mais mille", précisent calmement les artistes. — Nous utilisons nos propres photographies comme moyen de capturer l'image, et celles des autres. L'artiste - il développe maintenant non pas une image, mais une idée. Petlyura (Alexander Petlyura, artiste de performance et créateur de mode contemporain. - "RR") a eu une telle histoire avec la photographe Vita Buivid. Petlyura a fait une grande production, environ vingt-cinq personnes : les gens se tenaient dans le style des années 30 - en baskets, T-shirts, chapeaux, avec des sortes de banderoles. Tout ce que Petliura collectionne depuis vingt ans - costumes, décors - tout est dans le cadre. Vita, qui filme tout ça, vient et dit : "La lumière vient d'ici, tu bouges un peu ici..." Je n'étais pas à cette séance photo et je ne sais pas qui était en charge là-bas, mais alors Vita semblait le présenter comme son œuvre, et Petlyura comme la leur. Le conflit n'est pas encore résolu. Qui est l'auteur de ces ouvrages ? Pour moi, l'auteur est Petliura. Eh bien, quelle différence cela fait-il de savoir qui a filmé ce moment ? L'ensemble de la structure figurative est le monde de Petlyura. Et n’importe qui peut être le photographe de cette photo. Est-ce important de savoir qui a appuyé sur le bouton ?
Il semble que ni l'intervieweur (« Russian Reporter »), ni les personnes interrogées elles-mêmes ne comprennent quel est le secret du succès de deux artistes qui peignent depuis de nombreuses années, même si c'est le plus long, mais le même tableau...Vinogradov, Dubossarski. "Magasin pour adultes", 2010
Les artistes Alexander Vinogradov et Vladimir Dubossarsky sont un incident historique et social. Il s'agit d'une coopérative née sur les ruines du système soviétique, qui a survécu avec succès aux années 90 et est devenue l'une des unités créatives les plus rentables du marché de l'art russe moderne. Leurs immenses toiles avec des images kitsch d'oligarques, de top models et d'alcooliques près de Moscou sont compréhensibles pour tout spectateur, quelle que soit son éducation et son implication dans l'art contemporain. Il semble que le secret de leur succès réside dans le fait qu’à une époque d’individualisme extrême, ils ont trouvé la recette d’une nouvelle collectivité.
Propagande visuelle
L'atelier du tandem d'artistes russes le plus célèbre après les Kabakov - Vinogradov et Dubossarsky - est situé à proximité de la plate-forme ferroviaire de Khimki. A proximité se trouvent « Réparation de bijoux », « Copie, photos, télécommandes » et « Kesh's Pet Shop ». De la fenêtre de l'atelier, on peut voir les kiosques à salades « Kostroma le soutien de famille » et une ligne de bus Mostransavto. Paysage inspirant.
Le coin du magasin me semble étrangement familier depuis la fenêtre. Quelque part, j'ai déjà vu ce banc, cette poubelle et l'inscription « Boutique pour adultes ». C'est le nom d'une des peintures de l'exposition « Sur la Zone-2 » à la Galerie Triumph : elle poursuit le thème de l'exposition « Sur la Zone-1 ». Elle était dédiée à Khimki.
Il s'agit d'une série de toiles rayonnantes, même si les sujets sont ce qui dans l'art est considéré comme sombre ou (c'est un euphémisme) « social » : des filles en sandales bon marché dans la rue, des chiens près des garages, des stands de fleurs, des handicapés manchots. des gens fumant sur un banc, une fille de bureau sur fond de dossiers et d'un portrait de Dmitri Medvedev.
Cette réalité typique de Vinogradov et Dubossarsky - quelques lignes électriques, des cours, des demoiselles en pantoufles qui, sur fond de verdure assourdissante, entrent par l'entrée indéfinissable d'une maison grise - a, comme avant, de la vitalité. Mais neuf. C'était comme si l'ironie avec laquelle les artistes peignaient auparavant des toiles sur des personnages glamour et des héros de la pop - au paradis, avec des animaux, des enfants et des femmes nues - y avait été supprimée. Puis il y avait le paradis, l'Olympe, les dieux, les animaux, les roses, la jeunesse éternelle, la beauté et la nudité. Et maintenant - des paroles urbaines : moins de fantaisie, plus de réalité.
Vinogradov et Dubossarsky travaillent ensemble depuis les années 90. C’est lorsque les hiérarchies officielles se sont effondrées et que tout artiste a eu la possibilité de s’engager dans un art nouveau, inconnu, individuel, quel que soit l’art moderne de son choix, qu’il s’est soudainement tourné vers le réalisme socialiste.
"Je n'avais aucune envie d'être artiste", explique Vinogradov. Dubossarsky n’est pas encore là. Sur une table en bois se trouve un sac de café moulu avec une oreille déchirée et du sucre dans le sac. — Je voulais être beaucoup de choses. Et un pilote, un médecin, un concierge et un architecte. Puis, après l’école d’art, j’ai essayé d’entrer à l’université. Je ne suis pas entré. Et la deuxième fois, Volodia et moi sommes entrés ensemble et avons étudié dans le même groupe pour devenir restaurateurs. Autrement dit, notre première éducation est la restauration. Nous sommes allés sur des sites - nous avons pratiqué : le monastère de Yuryev, Rostov, Solovki. Nous étions restaurateurs de peintures monumentales – fresques, peintures murales. Beaucoup de nos gars se sont lancés dans la profession de restaurateurs. Et immédiatement après l’université, tout le monde a été enrôlé dans l’armée.
— Avez-vous également servi dans l'armée ensemble ?
Ici, Vinogradov soupire lourdement. Parce que depuis près de deux décennies, on lui demande à Dubossarsky et à lui : comment travaillent-ils ensemble, tiennent-ils ensemble leur pinceau et leur palette ? Ils sont généralement considérés soit comme des jumeaux siamois, soit comme une seule personne.
«Non», dit-il. - Tu sais, nous vivons séparément, nous avons des appartements différents, les familles, les enfants ne sont pas communs...
— Où avez-vous servi dans l'armée ?
- En Allemagne. 1984 Notre unité était stationnée près de la ville de Halle, parfois nous y allions. Eh bien, nous avons vu quelque chose par la fenêtre de la voiture. Plus précisément, depuis la fenêtre d'un char. On croyait que servir quelque part à l’étranger était plus prestigieux, ou quelque chose du genre. Les officiers reçurent en conséquence. Nous en avions une très grande partie, tout y était : des canons, des chars et des canons automoteurs. Et j'ai servi au siège en tant que commis, artiste - tout le monde dessinait, écrivait de ses mains et créait de la propagande visuelle. Et tout devait être repeint une fois par an, mis à jour.
- Et puis?
— Puis il est revenu, a travaillé dans une usine de meubles, également en tant qu'artiste : avant, toute entreprise avait besoin de propagande visuelle. Les idées du parti prennent vie. Temple de la renommée. Vous pouvez désormais prendre et imprimer n’importe quoi depuis votre ordinateur. Et puis, déjà dans la salle d'exposition, nous enseignions : nous avions des studios d'art pour enfants et adultes. Volodia et moi l'avons divisé, ce qui signifie qu'il enseignera aux adultes et moi aux enfants. Trois enfants sont venus vers moi et m'ont immédiatement détruit. Et les adultes étaient dévoués à cette cause et l’aimaient beaucoup. Et il y a même eu quelques victoires créatives. Nous avions un géologue, par exemple, un blaster ; il a dessiné des explosions. Très beau.
Génération de squats
Voici Dubossarsky. Vinogradov lui dit en riant :
- Eh bien, pendant ton absence, je t'ai déjà raconté toute ma vie.
Il semble que le collectivisme soit dans leur sang. Le collectivisme est toujours soviétique : école, armée, atelier, enfants, géologues. Et celui post-soviétique - le célèbre squat de Trekhprudny Lane à Moscou, où traînait Dubossarsky.
"C'était en 91-93", se souvient Dubossarsky. — J'ai rencontré un groupe d'artistes de Rostov - Avdey Ter-Oganyan, Valera Koshlyakov, Seva Lisovsky, qui était leur producteur et ami. Il y avait aussi Pacha Aksenov d'Ijevsk, Kitup Ilya de Vilnius, des gars d'Ukraine. Je pense qu'il y avait là un Moscovite, moi et une ou deux autres personnes. A cette époque, beaucoup vivaient dans des squats : les artistes venaient à Moscou et occupaient des appartements vides - ils allaient voir où les lumières étaient éteintes le soir et où les fenêtres étaient cassées. Tout le monde communiquait entre eux et savait où se trouvaient les endroits brûlés et où se trouvaient ceux non brûlés, et essayait de les capturer. Et tenir le coup était la chose la plus difficile.
La police nous a rapidement identifiés : ces appartements de Trekhprudny viennent d'être incendiés. Avant cela, nous traînions avec un musicien de la Défense civile, et lorsque nous nous sommes arrêtés à Trekhprudny, la police est arrivée. Mais ils avaient alors moins de pouvoir. Et ils étaient apparemment contents que nous vivions là-bas. D'une part, ils nous ont facturé dix roubles une fois par mois pour cela et ont inscrit tout le monde, soumis des rapports indiquant qu'ils travaillaient. D'un autre côté, il était bénéfique pour eux qu'il n'y ait pas là des alcooliques ou des toxicomanes, mais des artistes.
Et puis cette maison appartenait à MOST, Gusinsky. Le gérant de cette maison est venu et nous avons déjà commencé à le payer officiellement. C’est un plan qu’Olga Sviblova a ensuite mis en œuvre : elle est venue, a apporté des tableaux dans la collection de la banque et la banque a payé le loyer pour nous. Et puis le rouble a tellement chuté que nous avons nous-mêmes payé ces centimes jusqu'à ce que la maison soit reconstruite. Et nous avons déménagé ailleurs, puis à Baumanskaya, et là nous avons loué de grands appartements à deux alcooliques. Je pense que c'était le dernier squat à Moscou. Tout s'est terminé en 2002 ou 2003.
C'est pour ça que j'habitais là, dans ce squat ? D’une part, j’y ai étudié, c’était un environnement intéressant. D’un autre côté, c’était un moyen de promotion et de survie, car c’est là seulement qu’on pouvait vendre quelque chose. Parce que nous n’étions pas des artistes célèbres et que personne ne venait nous voir personnellement ou ne voulait y aller. Et les soi-disant acheteurs y sont allés. Et il y avait des gens à Moscou qui emmenaient ensuite des étrangers dans des ateliers et recevaient 10 % en échange. Il n’y avait pas de téléphone portable à l’époque, on appelait tout le monde d’une manière ou d’une autre. Si quelqu'un n'était pas à la maison, alors nous étions stricts : tout le monde était toujours montré. Vous n'étiez pas là, vous ne pouviez pas, vous le saviez, vous ne le saviez pas - ce n'est pas grave : ils l'ont montré à tout le monde.
— Quels étaient alors les prix ?
- De deux cents à mille dollars, le plus populaire est de trois cents à quatre cents. Des collectionneurs inconnus, pas de grands collectionneurs ni de musées, ont acheté chez nous. C'étaient des gens pour qui la toile était comme un souvenir. Et pour nous, c’était un système de protection circulaire : nous savions toujours lequel d’entre nous avait de l’argent. Nous savions à qui, pour combien et ce que nous achetions ! Et il était clair qui pouvait emprunter combien à qui, et tout le monde donnait toujours, car ils comprenaient que demain ils devraient eux-mêmes emprunter. C’était un modèle d’existence économiquement solide. De plus, la créativité collective nous a beaucoup fait progresser : vous avez une idée, vous vous promenez avec elle, et vos amis sont assis ici, la critiquent, se disputent, et vous y pensez, et puis vous devez trouver un nouveau. C’était un véritable incubateur d’idées.
- Et maintenant, le temps du collectivisme est-il révolu ? L’heure est-elle aux contacts individuels avec les galeristes ?
— Oui, les artistes fonctionnent différemment maintenant. Toutes les galeries courent partout, à la recherche d'artistes – il n'y a pas d'artistes ! Ils ne peuvent pas établir de plan pour l'année, car il n'y a pas assez d'artistes pour douze galeries à Moscou. Et puis, au contraire, il y avait plus d’artistes, mais très peu de salles. Mais le modèle collectif est le modèle des jeunes artistes. Ils vivent toujours ainsi, à Londres comme à New York. Après tout, nous avons aussi eu une génération : même plus tard, lorsque nous avons cessé d'entrer en conflit idéologiquement, il s'est avéré que Tolya Osmolovsky, Oleg Kulik et nous formions tous une sorte de champ unifié.
Art, affaires et politique
Vinogradov et Dubossarsky ont adopté le réalisme socialiste, comme ils l'expliquent, à la recherche d'une nouvelle idéologie : les anciennes institutions sociales s'étaient effondrées et la seule grande mythologie commune à tous était liée au style soviétique, même visuellement : les immeubles de grande hauteur staliniens. , scènes d'été, panneaux de mosaïque dans les piscines et les centres culturels.
« Nous n’avions pas vraiment notre propre langue », explique Vinogradov. — Au stade actuel, l'artiste utilise toutes les langues : il peut prendre Matisse, ou peut-être les Italiens. D'un point de vue formel, le développement de la peinture est terminé : il est impossible de créer avec de la peinture et un pinceau quelque chose qui n'existe pas encore. En 1994, je me souviens, on considérait que faire de la peinture était du gaspillage. Mais le réalisme socialiste était une telle profanation, et nous avons au contraire décidé de lui insuffler un nouveau sens. Nous voulions faire de l'art contemporain. Mais à cette époque, nous avons pris un risque, car on ne savait pas exactement où se trouvait ce tableau – des tableaux de trois par quatre ?
"Dans les années 90, il y a eu un échec parce qu'il n'y avait pas d'argent et de nombreux artistes se sont lancés dans le design, les affaires et les livres", reprend Dubossarsky. — Il y a eu un exode des arts vers le monde des affaires et de l'argent. Et en 2000, une sorte de marché de l'art est apparu, des galeries qui ont commencé à vendre... Si les galeries dans les années 90 n'étaient qu'un lieu d'exposition, dans les années 2000 elles sont devenues un business. Auparavant, chaque galerie avait son propre créneau : si vous aviez un projet politique, vous alliez chez Gelman, s'il s'agissait d'un projet expérimental, vous alliez chez XL.
Et les artistes tournaient en rond. Et en 2000, les galeristes disaient : « D’accord, réparons-nous. » Et les artistes s'installent dans les galeries. Et s’ils sont partis, c’était déjà un départ concret : je te quitte et je viens à toi. Tout comme en Occident. Nous travaillons désormais avec Triumph et PaperWorld. En principe, nous avons tous le même âge que les galeries et les galeristes. Quand il n’y avait pas d’argent, c’était une histoire plus conviviale. Et puis les galeristes sont devenus des hommes d’affaires et ont commencé à dicter leur loi aux artistes. Et c’est pour cela qu’il y a eu des départs scandaleux. Mais pas chez nous.
— Vous êtes l'un des artistes les plus prospères commercialement. Je me souviens d'un article dans Forbes il y a quelques années, avant la crise, sur la façon dont vos prix augmentaient terriblement : 300 000 euros, 400 000 euros...
- Pas vraiment. — Vinogradov et Dubossarsky froncent les sourcils et agitent les mains. - Parfois, le travail fait trois mètres sur vingt - cela coûte beaucoup plus cher. Les prix ont augmenté en fonction du marché. Un homme d'affaires nous a expliqué que s'ils vendent facilement, cela signifie que les prix sont bas. Il faut les vendre comme par force : un nombre d'œuvres par an.
Avant la crise, ils ont même commandé des portraits d'oligarques à Vinogradov et Dubossarsky, par exemple Abramovich sur fond de toundra avec un loup et un renard. Et le propriétaire de la station balnéaire de Pirogovo, près de Moscou, a acheté le célèbre tableau « Troïka » et a réalisé une bannière basée sur celui-ci, qu'il a accrochée sur le territoire de son propre centre de service automobile à Mytishchi. Aujourd’hui, disent les artistes, l’écume s’est dissipée et la folie des riches a cessé.
— Les politiciens ont-ils ordonné quelque chose ?
— Non, nous sommes assez apolitiques. Mais nous avons une photo avec Eltsine et Lebed. C'est la période où Eltsine se rendit aux deuxièmes élections et Lebed lui donna ses voix. Et nous avons brossé un tableau entre le premier et le deuxième tour des élections : Eltsine et Swan, le soleil, les arcs-en-ciel, les enfants, les animaux. Eh bien, une photo pré-électorale. L'exposition avait lieu à la galerie Gelman, appelée « Triumph ». Quand Eltsine a gagné, une grande table avec des plats y était dressée et cette photo y était accrochée. Nous voulions également faire une biographie de Jirinovski en images - enfin, comment il lave ses bottes dans l'océan Indien. Jirinovski avait aussi une image héroïque. Ensuite, la politique était largement connue, tout le monde s'y intéressait, c'était l'adrénaline. Pas plus.
Troïka avec Kalachnikov
Vinogradov, Dubossarski. Comment allez-vous, mesdames et messieurs, 2000
Vinogradov et Dubossarsky peignent depuis de nombreuses années ce qui est probablement le tableau le plus long au monde. Lors du projet parisien « Urgent Painting », dans le cadre duquel des artistes venus de différents pays devaient peindre rapidement quelque chose sur place, ils ont eu l'idée de placer de plus en plus de toiles sur une toile un an et demi. de deux mètres - d'un côté et de l'autre.
Certaines parties du tableau le plus long sont familières au public moscovite et occidental. Certains ont été achetés. Vinogradov et Dubossarsky ont dit un jour : « Nous ne créons pas de chefs-d'œuvre ; certains sont meilleurs, d'autres sont pires. Il est important de créer constamment quelque chose.
Ils fonctionnent comme une usine d'art qui, à l'époque soviétique, reproduisait sans cesse des panneaux mythologiques - et reflétait en un sens l'époque : les aspirations des gens, la réalité par la fenêtre, puis filtrée à travers les images héroïques des ouvriers et des kolkhoziens, et maintenant à travers les médias et le glamour. Enregistrez l'époque.
- Tu veux que je te le montre ? - demande soudain Vinogradov. J'acquiesce, puis il trouve un livret d'accordéon et disperse le ruban dans l'atelier. On parcourt le livret : même sous une forme très réduite, le tableau le plus long s'étend sur des mètres. De nombreux fragments de différentes années sont connus de ceux qui fréquentent les galeries : Akhmatova et Tsvetaeva nues dans les champs au bord de l'Ob, Madonna, la reine d'Angleterre, « Les Beatles à Moscou ».
— Il s'avère même qu'il ne s'agit pas d'une fresque, mais d'un film. Il s’agit d’une performance qui s’étend dans le temps et dans l’espace. Le tableau est mobile : on peut toujours remplacer quelque chose, ajouter quelque chose, le déchirer à un endroit, insérer un morceau. Dans un sens, cela ne finit jamais », explique Vinogradov.
"Et il y a aussi des espèces spéciales dessus", ajoute Dubossarsky. — C'est l'hôtel Intourist, qui n'existe plus. Le tableau qui se dégage est historique.
"En général, le contexte est plus important pour le spectateur", commence à raisonner Vinogradov. — Sans connaître le contexte, vous ne comprendrez jamais l'œuvre elle-même. Et nous voulions juste faire de l’art ouvert et direct. Un homme vient et voit, je ne sais pas, une femme nue dessinée. Et tout est clair pour lui. Ou Madonna, Schwarzenegger et les enfants...
— Avez-vous directement rencontré le spectateur, une personne aussi simple ?
- Oui, cent fois. Nous avons une photo avec une troïka, nous l'avons aussi fait en 1995. Cela veut dire qu’il y a une troïka russe là-bas…
-Où est le vampire ?
"Oui, il y a des forces obscures de tous côtés", rit Dubossarsky. - Et le chauffeur - une fille en manteau de fourrure et avec un fusil d'assaut Kalachnikov - riposte. Et un type qui accrochait des tableaux lors d'une exposition est venu et a dit : "Écoutez, quelle belle photo, comme une fille - elle personnifie la Russie, elle tire et elle n'a pas assez de cartouches." Par Dieu, nous n’y avons pas donné une telle signification. Mais nous n'expliquons jamais nos peintures. Parce qu'une personne comprend à sa manière. Il proposera lui-même quelque chose que nous ne pourrons jamais imaginer.
Glamour insaisissable
Vinogradov, Dubossarski. D&G, 2010
Vinogradov, Dubossarski. "Natacha", 2010
Vinogradov, Dubossarski. "Cité", 2010
Le glamour a disparu des peintures de Vinogradov et de Dubossarsky aussi imperceptiblement et soudainement qu'il a disparu du temps. Les étoiles nues dans les fleurs et les bouleaux, la Barbie chauve, Cindy Crawford avec le tigre dans le bosquet ont disparu. Il ne reste qu'une fille aux mollets forts et un sac de D&G, marchant sur les trottoirs baignés de soleil de Khimki, une policière qui ressemble à Britney Spears, souriant de manière invitante sur une grande toile, et Natalya Vodianova, démaquillée, qui passe par là. s'entraîner pour elle à Nijni Novgorod.
"Mais vous ne savez peut-être même pas qu'il s'agit de Natalia Vodianova, rien ne changera", déclare Dubossarsky. — Les années 2000 ont été une époque de glamour, de brillance, de prospérité portée par la vague des pétrodollars. Les magazines, la nouvelle télévision, la mode, le design, la propreté, la beauté, une tentative de rendre tout cher, beau, occidental. Dans un sens, il s'agissait d'une assimilation de tout ce qui avait été fait en Occident : le contexte russe a fusionné avec le contexte occidental, et est apparu quelque chose que nous avions hier encore : la Russie, que nous avons encore perdue. Parce que maintenant, après la crise, nous ne pouvions plus faire cela. Même si nous travaillions beaucoup avec des magazines de mode, avec des images dictées par le gloss.
"Nous les avons tous achetés, il en reste même quelques-uns", dit Vinogradov en désignant le présentoir rempli de magazines sur papier glacé. - Mais le gloss est aussi mobile, ils ont aussi commencé à réfléchir et à changer. Et on sentait que cela ne nous intéressait plus. Et ils ont commencé à se tourner vers une vie plus intéressante. Et puis il y a eu juste une crise - et le passage à la réalité s'est fait en quelque sorte naturellement. Parce qu’on ne peut rien sortir de nulle part, il faut toujours regarder la vie. Vous ne pouvez pas vous asseoir et dire : maintenant je vais inventer une nouvelle technologie, une nouvelle histoire, je vais créer quelque chose de complètement nouveau. Il naît toujours à l’intérieur du monde et en vous, puis se connecte.
Derrière Vinogradov et Dubossarsky se trouvent d'immenses toiles avec des dames inachevées. C'est un nu sur fond d'appartements en location plutôt misérables. Une dame en bas noirs, une autre avec des bas à lacets, la troisième avec une guitare.
— Ce sont des filles qui publient leurs photos sur Internet. À des fins intimes », explique Dubossarsky.
- Est-ce que ça les dérange que vous les ayez ici ?. - Je demande.
"Je pense qu'ils devraient être heureux."
— Vous aviez toutes sortes de célébrités dans vos peintures, vous utilisez à la fois vos propres photographies et celles des autres. Il n’y a pas encore eu de procès. Que se passe-t-il si vous utilisez les œuvres d’art et les images de quelqu’un d’autre à des fins commerciales ?
- Nous avons eu une bonne affaire. À la Biennale de Venise, nous avons peint un grand tableau sous l'eau - trois mètres sur vingt, en utilisant la photographie de mode. Et puis des correspondants sont arrivés, et une Allemande s'est accrochée à nous et a filmé très longtemps : alors, reste là, reste là... Une telle tante a environ soixante ans. Il faisait chaud, nous étions déjà là, mouillés. Et elle dit : « Ça y est, merci beaucoup d’avoir prêté attention à moi. Au fait, ceci, ceci, ceci et ceci sont mes photographies. Nous nous sommes immédiatement tendus, mais elle a dit : non, non, qu'est-ce que tu fais, "Je suis très heureuse que tu aies utilisé mon image."
"En général, il y avait des précédents", poursuivent les artistes. - Voici notre Zhora Pusenkov - Helmut Newton l'a poursuivi en justice pour quatre nudités célèbres. Pusenkof a gagné le procès. Parce que s’il a repris la photo et l’a vendue comme photographie, alors oui. Et il en a fait un tableau, une œuvre originale, la sienne. Après tout, imaginez : je suis venu peindre un paysage - une église, la maison de quelqu'un ; tu t'y promenais avec le chien - il t'a dessiné. Et puis tout le monde m'a revendiqué : le patriarcat, le propriétaire de la maison et vous, que le chien était à vous. C’est comme faire une réclamation à Andy Warhol : j’ai acheté une canette de Coca-Cola ou une canette de soupe Campbell’s, et je comprends que maintenant c’est à moi. Mais je ne le vends pas en canette Campbell’s, c’est deux fois plus cher. Je vends mon travail.
- Oui, cent fois plus cher"Je ris.
"Eh bien, pas cent, probablement, mais mille", précisent calmement les artistes. — Nous utilisons nos propres photographies comme moyen de capturer l'image, et celles des autres. L'artiste - il développe maintenant non pas une image, mais une idée. Petlyura (Alexander Petlyura, artiste de performance et créateur de mode contemporain. - "RR") a eu une telle histoire avec la photographe Vita Buivid. Petlyura a fait une grande production, environ vingt-cinq personnes : les gens se tenaient dans le style des années 30 - en baskets, T-shirts, chapeaux, avec des sortes de banderoles. Tout ce que Petliura collectionne depuis vingt ans - costumes, décors - tout est dans le cadre. Vita, qui filme tout ça, vient et dit : "La lumière vient d'ici, tu bouges un peu ici..." Je n'étais pas à cette séance photo et je ne sais pas qui était en charge là-bas, mais alors Vita semblait le présenter comme son œuvre, et Petlyura comme la leur. Le conflit n'est pas encore résolu. Qui est l'auteur de ces ouvrages ? Pour moi, l'auteur est Petliura. Eh bien, quelle différence cela fait-il de savoir qui a filmé ce moment ? L'ensemble de la structure figurative est le monde de Petlyura. Et n’importe qui peut être le photographe de cette photo. Est-ce important de savoir qui a appuyé sur le bouton ? .
L'artiste Vladimir Dubossarsky a commencé à exposer pendant la perestroïka et ses tableaux sont désormais exposés au Musée russe, à la Galerie Tretiakov, au Centre Pompidou à Paris et dans une douzaine d'autres. les plus grands musées et des galeries. Dans le même temps, il affirme lui-même que le rôle de l'artiste dans la vie est très exagéré et que le monde n'aurait rien perdu s'il n'y avait pas eu de Rembrandt. Depuis 1994, il travaille en collaboration avec Alexandre Vinogradov - leurs toiles monumentales pseudo-réalistes, où, selon leur propre définition, ils « n'hésitent pas à peindre un nouveau paradis », sont achetées en Russie et en Occident (et sont même déjà contrefait). Ensemble, les artistes ont créé la galerie Art Strelka et le festival Art Klyazma, que Dubossarsky a supervisé pendant plusieurs années. En outre, l'artiste est le fondateur, copropriétaire et directeur créatif de la chaîne de télévision Internet « TV-Click ». Aime les loisirs extrêmes et la cuisine chinoise, et fiction préfère les mémoires. Membre du projet Snob depuis décembre 2008.
La ville où je vis
Moscou
Anniversaire
Où il est né
Moscou
Qui est né à
Père - Efim Davydovich, membre de l'Union des artistes de l'URSS.
Où et qu’as-tu étudié ?
Diplômé de l'École d'art de Moscou en mémoire de 1905 et de l'Académie d'art d'État de Moscou du nom. Sourikov.
Où et comment avez-vous travaillé ?
Fondateur, copropriétaire et directeur créatif de la chaîne de télévision Internet « TV-Click »
« Lorsque nous avons commencé en 1994, le monde au moins en Russie, c'était dur et inesthétique, dangereux et grave - dépressif. Et l’art était le même – lourd, déprimant… Et nous avons décidé, sans hésitation, de peindre un nouveau paradis… La positivité est donc l’une des options de notre projet.
Qu'est-ce que tu as fait?
Il a réalisé le long métrage "Full Meter".
« Le film s’est construit naturellement. J'ai l'habitude de filmer... des moments qui m'intéressent... J'ai beaucoup de un grand nombre de informations sur l'ordinateur. Et un jour, j’ai réalisé que cela pouvait se transformer en intrigues.
Organisateur et participant à de nombreuses expositions en Russie et à l'étranger.
Il a incité des hommes d'affaires et des éditeurs à peindre le tableau « Où commence la patrie » mesurant 3x8 m lors de l'exposition « Légèreté de l'être ».
« Nous avons fait... un dessin sur toile, peint certains nœuds et montré comment le faire. Et ils ont choisi chaque pièce et travaillé eux-mêmes. Et ils ont même commencé une sorte de compétition entre eux... Je pense que le fait que, disons, Peter Aven ait participé à ce projet a attiré sur nous l'attention des gens de son entourage, et c'est de la propagande. art contemporain».
Réalisations
Les œuvres font partie des collections de la Galerie nationale Tretiakov, du Musée russe, du Musée d'art moderne (Avignon), du Centre Georges Pompidou (Paris), du Musée d'art moderne (Houston) et bien d'autres.
Marat Gelman, galeriste : « Ces 10 artistes entrés sur le marché mondial sont pour nous une fierté. Par exemple, les œuvres de Vinogradov et Dubossarsky sont déjà en train d’être forgées en Occident.»
Affaires publiques
Membre de l'Union des Artistes.
Engagé dans activités caritatives: participe aux programmes d'assistance médicale aux enfants « Opération Espoir » et « Life Line » (traitement d'enfants gravement malades), aux événements caritatifs du partenariat à but non lucratif « Game 3000 » et au programme « Creative Assistance Center », qui aide les orphelins et les enfants laissés sans soins ; dans le projet Art-Stroyka (construction orphelinatà Souzdal). Organise des master classes.
Acceptation du public
Lauréat du prix professionnel dans le domaine de la photographie « Silver Wreath ».
A reçu la médaille « Digne » à la 1ère Biennale d'art contemporain de Moscou (avec A. Vinogradov).
Lauréat du prix professionnel parmi les artistes travaillant dans le domaine de l'art contemporain « Companion » (avec A. Vinogradov).
Événements importants de la vie
« Union créative est apparu avec Alexander Vinogradov en 1994. Mais nous nous connaissons depuis très longtemps, ensemble... nous avons étudié à école d'art, puis à l'Institut d'art Surikov... Nous avons décidé de réaliser un projet d'exposition commun, mais nous ne pensions pas que cela durerait autant d'années... Depuis, nous travaillons ensemble.
«… l'avion qui devait se rendre à Irkoutsk s'est écrasé. Nous avions déjà des billets pour cela, mais pour une raison quelconque, nous n'avons pas pu prendre l'avion. Ce jour-là, Oleg [Kulik] m'a appelé et m'a dit : « Joyeux anniversaire ! Au début, je n'ai pas compris, j'ai dit : "Oleg, ce n'est pas mon anniversaire aujourd'hui." Il dit : « Vous ne savez pas ? L’avion dans lequel nous étions censés voler s’est écrasé ! » Je me suis assis et j'ai regardé par la fenêtre : le ciel est bleu, les arbres sont verts... C'est bien... Et on ne sait pas quoi faire. Dois-je aller à l'atelier ? - Stupide. Dois-je aller au cinéma ? "C'est aussi comme... Boire ?... On ne sait pas quoi faire... Réjouissez-vous."
Connu pour
Organisation du projet d'exposition « Art-Klyazma » et de la galerie Centre d'exposition"Art Strelka" avec la discothèque Starz.
je suis intéressé
photo
« En général, je ne filme pas avec une caméra vidéo, mais avec un appareil photo. Je l’emporte toujours avec moi et je photographie des moments qui m’intéressent.
J'aime
peintures de Pavel Fedotov
«Je... suis toujours resté particulièrement longtemps près des peintures de Pavel Fedotov. Il y avait toujours une tension entre moi et ces tableaux, que je ne parvenais pas à m’expliquer quand j’étais petite… J’ai déjà plus de quarante ans. Mais quand je suis dedans Galerie Tretiakov, je vais toujours dans le hall de Fedotov... et je reste là pendant une vingtaine de minutes - ironiquement.»
travailler dans votre atelier
« C'est plus pratique pour moi de travailler dans mon atelier à Moscou. Mais parfois, travailler en dehors des murs habituels produit des résultats inattendus. De nouvelles conditions permettent de se mobiliser et de ressentir une énergie différente. J'ai dû beaucoup travailler en Italie, en Allemagne, en France, en Autriche. Mais la maison est ce qu'il y a de mieux"
«J'aime quand une personne parle d'elle-même. C'est pourquoi j'aime les mémoires. ...C'est comme si vous discutiez simplement avec quelqu'un à qui vous ne pourrez plus jamais parler. C’est plus intéressant pour moi maintenant que la fiction.
cuisine chinoise
Eh bien, je n'aime pas ça
vacances à la plage
Famille
Avoir une fille.
Et d'une manière générale
« ... une personne a toujours quelqu'un à qui parler. Tout d’abord, il s’est lui-même. L'auditeur le plus reconnaissant. Je me parle souvent. Et je pense que c'est normal. Je m’appelle par mon prénom dans ces conversations.
«Je préférais une vie risquée. Pourquoi y a-t-il peu d'artistes ? Parce que ce sont des gens qui choisissent une vie risquée, une retraite non garantie, un avenir absolument incompréhensible.»
Vladimir Dubossarski
Artiste
© Mikhaïl Fomichev/TASS
« Chaque internaute a ses propres intérêts : je dessine et recherche constamment sur Internet différentes images qui peuvent m'être utiles. À un moment donné, j'ai commencé à télécharger des photos depuis Facebook. Auparavant, je devais chercher spécifiquement quelque chose sur Internet, mais sur les réseaux sociaux, les gens publient des photos tous les jours, et il n'est même pas nécessaire de chercher ces images ailleurs : je passe toujours du temps sur Facebook et je vois qui écrit quoi. J'ai donc rassemblé tout un dossier de ces images - je pensais juste que cela pourrait être utile un jour.
Il s'est avéré histoire intéressante. En tant qu'artiste, je n'ai plus besoin d'aller faire des croquis et de photographier des modèles et de les mettre dans certaines poses. Je n'ai même pas besoin de perdre du temps à chercher des images sur Internet - j'ai décidé de prendre et de copier des photos directement depuis Facebook, puisque les gens les publient, alors c'est possible. Je ne me souviens même pas qui était le premier - j'ai juste pris et dessiné une photo, puis une seconde. Et à un moment donné, il s’est avéré que j’avais beaucoup de photos provenant de Facebook. Il s'est avéré que dès que j'ai commencé à travailler sur un sujet, je me suis souvenu d'une photo de Facebook qui me convenait exactement à ce sujet. Il y avait beaucoup de photos, mais je n'avais pas prévu de faire l'exposition moi-même, si Lesha Shulgin (conservatrice et directrice de l'Electromuseum. - Note éd.) ne m'a pas proposé de me montrer ces œuvres. L'Electromuseum s'intéresse à la technologie et aux médias, mais ici les nouvelles technologies sont utilisées à l'ancienne : une personne prend, télécharge des images et les peint à l'huile.
Commentaires de Facebook, exprimés par un synthétiseur vocal, pouvant être entendus lors de l'exposition
Pour rendre l'exposition multimédia, nous avons enregistré les conversations de personnes sur Facebook qui commentaient mes œuvres. Quelqu’un me traite de sale type et dit que j’ai volé sa photo et que je n’ai rien payé. Quelqu'un en correspondance personnelle menace de me poursuivre en justice. Et d’autres, au contraire, sont contents : ils pensent qu’ils sont dans l’histoire. Par exemple, la sœur d’Olia Chuchadeeva figurait dans l’une des œuvres. J’ai vendu ce tableau et j’ai donné l’argent à la Fondation Chulpan Khamatova. Ainsi, dans ces conversations de l’exposition, il y aura tous les indices possibles qui ont accompagné cette histoire.
Je souhaite également organiser des performances avec la participation de mes amis Facebook. Ils montreront exactement ce qu'ils représentent sur Facebook. Par exemple, l'un d'eux écrit de la poésie, un autre fait l'imbécile, quelqu'un aime prendre des selfies avec tout le monde - et ainsi de suite. Les gens feront ce qu’ils font sur Facebook – seulement en réalité.
Après l'exposition, il y aura une vente aux enchères et une partie de l'argent sera versée aux enfants malades et une partie aux personnages dont je dessinais les images. Et en même temps, on veut faire un projet avec un robot : ils essaient de lui apprendre à dessiner comme moi. Bien que je n'aie pas un style distinct comme Rembrandt ou Van Gogh, un tel langage est facile à lire, alors que mon style est plus moderne et neutre, il n'est pas si facile à lire. Mais le robot essaiera quand même de traiter certaines de mes œuvres à partir de ces archives.
Que pensent les utilisateurs de Facebook du fait que leurs photos soient transformées en peintures ?
"En été", 2014
Pavel Otdelnov: « Ce n'est pas ma photo, je viens partagé, mais je suis sur la photo. L'auteur est Lena Kholkina, elle est artiste et a même utilisé les œuvres de Vinogradov et Dubossarsky pour certains de ses projets. Par conséquent, elle n’avait aucune plainte contre Vladimir.
Je pense que se tourner vers les photos des autres est naturel. Le volume d'images qui nous entourent est si énorme qu'il devient progressivement impossible de le distinguer de la réalité environnante. Ce n’est plus la deuxième, mais la première réalité. Mes photos ont également été utilisées à plusieurs reprises, et j’ai moi-même utilisé les photos d’autres personnes à plusieurs reprises, mais j’ai demandé la permission. DANS dernière fois J'ai réalisé ma propre peinture à partir de ma photographie artiste américain Alex Kanevski. Il m'a contacté en premier. Je crois que pour utiliser le matériel de quelqu'un d'autre, il est nécessaire de demander la permission de l'auteur. C'est une question d'éthique."
«Portrait de l'artiste Sveta Shuvaeva», 2014-2016
Sveta Chouvaeva: « J'ai vu mon portrait dessiné par Dubossarsky sur une photo de son atelier. Un de mes amis m'a tagué et la photo semble inachevée - ce sera intéressant de voir la version finale. Je ne suis en aucun cas offensé par l'auteur, et je n'ai pas encore l'intention de lui faire un portrait en réponse, peut-être un jour plus tard, qui sait. Il est préférable d'interroger l'auteur lui-même sur le sens et la signification de l'œuvre. Personnellement, depuis longtemps, je n'ai pas vu le problème de dessiner d'après nature, d'après la nature de Facebook, ou simplement d'inventer. J’essaie généralement de combiner les deux.
«Portrait de A. Monastyrsky avec le chien Absolute», 2014
Daria Novgorodskaya, auteur photo: « Si une publication était volée sans lien ni autorisation, je serais ennuyé, mais l'artiste va bien. Et c'est tout bons artistes, je connais leur travail depuis les années 1990. Si c'était Nikas Safronov, aurais-je des objections ? Mais d’un autre côté, Nikas Safronov n’utilisera jamais le portrait de Monastyrsky sur Facebook. Et bien sûr, je ne modifierai pas mes paramètres de confidentialité.
Histoire avec ma photoà Dubossarsky - il ne s'agit pas de savoir comment il l'a volé. C’est une autre ironie qui est toujours évidente dans ses œuvres. Comment peinture soviétique, alors maintenant ces photos de Facebook, transférées vers exposition d'art, - huile sur toile, Facebook. Il convient de rappeler que le ready-made a été inventé il y a cent ans. Et maintenant, avec l’avènement des nouveaux médias, il est surprenant que les artistes tentent de les ignorer, et non pas lorsqu’ils les utilisent.
«Lagon Bleu-1», «Lagon Bleu-2», 2014-2016
(Anglais) Vladimir Dubossarski, R. 1964) - moderne artiste russe. Depuis 1994, il travaille en duo artistique avec Alexander Vinogradov.
Biographie, créativité
Vladimir Dubossarski né à Moscou le 8 janvier 1964. En 1980-84, il a étudié à l'École d'art de Moscou en mémoire de 1905, en 1988-91 à l'Institut d'art d'État de Moscou du nom de V. I. Surikov. En 1994, il rejoint l'Union des artistes de Moscou.
En 1991-93 Les œuvres de Dubossarsky ont été exposées dans la galerie de Trekhprudny Lane. Au cours des mêmes années, Dubossarsky a participé à un certain nombre de représentations (par exemple, « Tout Moscou », avec A. Ter-Oganyan et A. Gormatyuk, 1992). En 1994, il commence à travailler en collaboration avec Alexander Vinogradov. Actuellement, les œuvres des artistes font partie des collections des plus grands musées du monde ( Galerie nationale Tretiakov galerie (Moscou), Musée national russe (Saint-Pétersbourg), Musée d'art moderne de Moscou, Centre Georges Pompidou (Paris), Musée d'art moderne (Avignon), Musée beaux-Arts(Houston), etc.). Dans une interview pour M24.ru le 27 août 2015, Dubossarsky a déclaré : « la créativité collective est un phénomène assez courant, car l'art contemporain, contrairement à l'art classique, est basé sur des projets. Kukryniksy, maintenant il y en a beaucoup groupes créatifs, où l'individualité et le style de l'artiste sont subordonnés certains paramètres. Et en ce sens, notre métier était conceptuel : les paramètres ont été pensés ensemble dès le début, certaines idées sont venues au cours du travail. Il nous était donc facile de nous mettre d’accord, et l’ego n’était pas individuel, mais collectif. »
Le travail du duo Dubossarsky-Vinogradov se distingue par l'utilisation de formes traditionnelles de peinture dans le cadre de l'art contemporain. Les artistes travaillent à la limite du kitsch et du conceptualisme ; ils peignent des peintures de grand format, qui semblent à première vue s'inscrire dans la continuité de la tradition. réalisme soviétique, mais en même temps avoir un message conceptuel. Dans une interview avec Milena Orlova sur le projet « Dynamic Pairs » de M. Gelman, Dubossarsky a commenté le plan initial : « Il a été immédiatement conçu comme un projet inscrit dans un certain cadre. D'une part, c'est comme un projet russe et national. , dans lequel se trouve le langage de la peinture russe, et d'autre part - les stratégies occidentales. Nous devons expliquer n'importe quel morceau de papier, n'importe quelle image - cela peut être expliqué par le langage du réalisme, qui était compréhensible pour tout le monde. nous nous sommes opposés au conceptualisme, qui était en vigueur (lorsque nous avons débuté en 1994), où tout était très intelligent, dans le conceptualisme, le sous-texte était plus important que le texte, au contraire, le contexte n'a pas d'importance. il est plus important que le texte soit immédiatement compréhensible, contrairement aux radicalistes - Osmolovsky, Brener, Kulik (ils étaient les stars en 1993), notre art est aussi, pour ainsi dire, agressif, mais agressif dans l'image. dit - Je ne suis pas la vie, mais l'art, limité par certaines frontières, à l'intérieur se trouvent pour ainsi dire des valeurs positives (femmes paradisiaques, fruits, fleurs, animaux, livres), de bonnes. Et l’agressivité des tableaux était qu’ils étaient grands et qu’il y en avait beaucoup. Si nous étions dix, nous les submergerions de volumes."
En 2002, Vladimir Dubossarsky est devenu l'initiateur et le leader idéologique du festival Art-Klyazma. En 2007, le duo Dubossarsky-Vinogradov reçoit le Prix Compagnon d'art contemporain. En 2013, au Musée d'art moderne de Moscou, Vladimir Dubossarsky a présenté la performance « Chroniques 13 », au cours de laquelle il a créé ses œuvres dans les salles du musée pendant 14 jours. En 2014, cela a eu lieu exposition personnelle Dubossarsky "Maison de l'artiste" sur les rives du réservoir Klyazma sur le site du festival Art-Klyazma.
En septembre 2018, Vladimir Dubossarsky a organisé une représentation au Musée républicain des beaux-arts d'Oudmourtie (Ijevsk). Dans le cadre du festival Ijevsk.Da, l’artiste a peint le tableau « Nouvelles de Corée » d’Arkady Plastov en présence du public.
