Français le romantisme
Mouvement artistique né à la fin du XVIIIe et au début du XIXe siècle. d'abord en littérature (Allemagne, Grande-Bretagne, autres pays d'Europe et d'Amérique), puis en musique et autres arts. Le concept de « romantisme » vient de l'épithète « romantique » ; jusqu'au 18ème siècle il a souligné certaines caractéristiques des œuvres littéraires écrites en langues romanes (c'est-à-dire pas dans les langues de l'Antiquité classique). Il s'agissait de romans (roman espagnol), ainsi que de poèmes et de romans sur les chevaliers. En con. 18ème siècle « Romantique » est compris plus largement : non seulement comme aventureux, divertissant, mais aussi comme un folk ancien et original, lointain, naïf, fantastique, spirituellement sublime, fantomatique, ainsi qu'étonnant, effrayant. « Les romantiques ont romancé tout ce qu'ils aimaient du passé récent et ancien », a écrit F. Blume. Ils perçoivent comme « les leurs » les œuvres de Dante et W. Shakespeare, P. Calderon et M. Cervantes, J. S. Bach et J. W. Goethe, très anciennes ; Ils sont également attirés par la poésie du Dr. Minnesingers orientaux et médiévaux. Sur la base des caractéristiques mentionnées ci-dessus, F. Schiller a qualifié sa « Pucelle d'Orléans » de « tragédie romantique », et dans les images de Mignon et du Harpiste, il voit le roman des « Années d'enseignement de Wilhelm Meister » de Goethe.
Le romantisme en tant que terme littéraire apparaît pour la première fois dans Novalis et en tant que terme musical chez E. T. A. Hoffmann. Cependant, dans son contenu, elle n'est pas très différente de l'épithète correspondante. Le romantisme n’a jamais été un programme ou un style clairement défini ; Il s'agit d'un large éventail de tendances idéologiques et esthétiques dans lesquelles la situation historique, le pays et les intérêts de l'artiste ont créé certains accents et déterminé divers objectifs et moyens. Cependant, l'art romantique de différentes formations présente également d'importantes caractéristiques communes liées à la fois à la position idéologique et au style.
Ayant hérité de nombreux traits progressistes du siècle des Lumières, le romantisme est en même temps associé à une profonde déception à la fois à l'égard des Lumières elle-même et des succès de la nouvelle civilisation dans son ensemble. Pour les premiers romantiques, qui ne connaissaient pas encore les résultats de la Grande Révolution française, le processus général de rationalisation de la vie, sa subordination à la « raison » sobre moyenne et à l’aspect pratique sans âme était décevant. Par la suite, surtout pendant les années de l’Empire et de la Restauration, la signification sociale de la position des romantiques – leur antibourgeoisisme – est devenue de plus en plus claire. Selon F. Engels, « les institutions sociales et politiques établies par la victoire de la raison se sont révélées être une caricature maléfique et amèrement décevante des brillantes promesses des Lumières » (Marx K. et Engels F., On Art, vol. 1, M., 1967, p.387).
Dans les œuvres des romantiques, le renouveau de la personnalité, l'affirmation de sa force spirituelle et de sa beauté se conjuguent avec la révélation du royaume des philistins ; le pleinement humain et créatif contraste avec le médiocre, l'insignifiant, embourbé dans la vanité, la vanité et les calculs mesquins. À l'époque de Hoffmann et J. Byron, V. Hugo et George Sand, G. Heine et R. Schumann, la critique sociale du monde bourgeois était devenue l'un des principaux éléments du romantisme. À la recherche de sources de renouveau spirituel, les romantiques idéalisaient souvent le passé et tentaient d'insuffler une nouvelle vie aux mythes religieux. C'est ainsi qu'est née une contradiction entre l'orientation progressiste générale du romantisme et les tendances conservatrices qui ont émergé dans son propre courant dominant. Ces tendances n'ont pas joué un rôle notable dans le travail des musiciens romantiques ; ils se manifestaient principalement dans les motifs littéraires et poétiques de certaines œuvres, mais dans l'interprétation musicale de ces motifs, le principe vivant et réel de l'homme l'emportait généralement.
Le romantisme musical, qui s'est manifesté de manière significative dans la deuxième décennie du XIXe siècle, était un phénomène historiquement nouveau et révélait en même temps des liens profonds et continus avec les classiques de la musique. L'œuvre de compositeurs remarquables de l'époque précédente (y compris non seulement les classiques viennois, mais aussi la musique des XVIe et XVIIe siècles) a servi de support pour le développement d'un rang artistique élevé. C'est ce genre d'art qui devint le modèle des romantiques ; selon Schumann, « seule cette source pure peut nourrir les forces de l'art nouveau » (« De la musique et des musiciens », vol. 1, M., 1975, p. 140). Et cela est compréhensible : seuls les nobles et les parfaits pouvaient s'opposer avec succès aux bavardages musicaux du salon profane, à la virtuosité spectaculaire de la scène et de l'opéra et au traditionalisme indifférent des musiciens artisans.
Les classiques musicaux de l'ère post-Bach ont servi de base au romantisme musical et en relation avec son contenu. À partir de C. F. E. Bach, l'élément sentimental se manifeste de plus en plus librement, la musique maîtrise de nouveaux moyens qui permettent d'exprimer à la fois la force et la subtilité de la vie émotionnelle, le lyrisme dans sa version individuelle. Ces aspirations rapprochent de nombreux musiciens dans la 2e moitié du XVIIIe siècle. avec le mouvement littéraire Sturm und Drang. L’attitude d’Hoffmann envers K.V. Gluck, W.A. Mozart et surtout L. Beethoven en tant qu’artistes de type romantique était tout à fait naturelle. De telles évaluations reflétaient non seulement le parti pris de la perception romantique, mais aussi l'attention portée aux caractéristiques du « pré-romantisme » réellement inhérentes aux plus grands compositeurs de la seconde moitié du XVIIIe et du début du XIXe siècle.
Le romantisme musical a également été historiquement préparé par le mouvement du romantisme littéraire qui l'a précédé en Allemagne parmi les romantiques de « Jena » et de « Heidelberg » (W. G. Wackenroder, Novalis, les frères F. et A. Schlegel, L. Tieck, F. Schelling, L. Arnim, C. Brentano, etc.), d'un écrivain proche d'eux, Jean Paul, plus tard d'Hoffmann, en Grande-Bretagne des poètes de ce qu'on appelle. La « Lake School » (W. Wordsworth, S. T. Coleridge, etc.) avait déjà pleinement développé les principes généraux du romantisme, qui furent ensuite interprétés et développés à leur manière dans la musique. Par la suite, le romantisme musical a été considérablement influencé par des écrivains tels que Heine, Byron, Lamartine, Hugo, Mickiewicz et d'autres.
Les domaines de créativité les plus importants des musiciens romantiques comprennent les paroles, la fantaisie, l'originalité folklorique et nationale, le naturel et la caractéristique.
L'importance primordiale des paroles dans la littérature romantique. l’art, notamment la musique, s’en basait fondamentalement. théoriciens R. Pour eux, « romantique » est avant tout « musical » (dans la hiérarchie de l'art, la musique a reçu la place la plus honorable), car dans la musique le sentiment règne en maître, et donc l'œuvre d'un artiste romantique trouve sa place. objectif le plus élevé. La musique, ce sont donc des paroles. Dans l'aspect abstrait-philosophique, selon la théorie de la littérature. R., permet à une personne de fusionner avec « l'âme du monde », avec « l'univers » ; Dans l’aspect de la vie concrète, la musique est par nature l’antipode du prosaïque. en réalité, elle est la voix du cœur, capable de raconter avec la plus grande intégralité une personne, sa richesse spirituelle, sa vie et ses aspirations. C'est pourquoi dans le domaine de la musique lyrique. R. a le mot le plus brillant. Le lyrisme, la spontanéité, l'expression et l'individualisation du lyrisme réalisés par les musiciens romantiques étaient nouveaux. déclarations, transmission de données psychologiques le développement d'un sentiment plein de nouveaux détails précieux à toutes ses étapes.
La fiction comme contraste avec la prose. la réalité s’apparente aux paroles et est souvent, surtout en musique, liée à ces dernières. La fantaisie elle-même révèle différentes facettes, tout aussi significatives pour R. Elle agit comme liberté d'imagination, libre jeu des pensées et des sentiments, et en même temps. comme liberté de connaissance, se précipitant hardiment dans le monde de « l’étrange », du merveilleux, de l’inconnu, comme au mépris du sens pratique philistin, du misérable « bon sens ». La fantaisie est aussi un type de beauté romantique. En même temps, la science-fiction permet, sous une forme indirecte (et donc avec un maximum de généralité artistique), de faire entrer en collision le beau et le laid, le bien et le mal. Dans les arts. R. a grandement contribué au développement de ce conflit.
L'intérêt des romantiques pour la vie « à l'extérieur » est inextricablement lié au concept général de concepts tels que l'originalité populaire et nationale, le naturel, la caractéristique. C'était un désir de recréer l'authenticité, la primauté et l'intégrité perdues dans la réalité environnante ; d’où l’intérêt pour l’histoire, le folklore, le culte de la nature, interprétée comme nature primordiale, comme l’incarnation la plus complète et la plus intacte de « l’âme du monde ». Pour un romantique, la nature est un refuge contre les maux de la civilisation ; elle console et guérit l'homme agité. Les romantiques ont apporté une énorme contribution au savoir et aux arts. renaissance des gens poésie et musique des époques passées, ainsi que des pays « lointains ». Selon T. Mann, R. est « une nostalgie du passé et en même temps une reconnaissance réaliste du droit à l'originalité pour tout ce qui a réellement existé avec sa propre saveur locale et sa propre atmosphère » (Œuvres collectives, vol. . 10 , M., 1961, p. 322), En Grande-Bretagne, cela a commencé au XVIIIe siècle. rassemblement national le folklore s'est poursuivi au 19e siècle. W.Scott ; En Allemagne, ce sont les romantiques qui ont été les premiers à collectionner et à rendre publics les trésors du peuple. créativité de son pays (le recueil de L. Arnim et C. Brentano « Le cor magique du garçon », « Contes d'enfants et de famille » des frères Grimm), qui était d'une grande importance pour la musique. Le désir de la transmission fidèle du national-national. arts le style (« couleur locale ») est une caractéristique commune aux musiciens romantiques de différents pays et écoles. On peut en dire autant de la musique. paysage. Créé dans ce domaine par des compositeurs du XVIIIe - début. 19ème siècles largement dépassé par les romantiques. En musique dans l'incarnation de la nature, R. a atteint un caractère concret figuratif jusqu'alors inconnu ; Cela était dû aux expressions nouvellement découvertes. moyens de musique, principalement harmonique et orchestrale (G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner).
« Caractéristique » a attiré les romantiques dans certains cas comme distinctifs, intégraux, originaux, dans d'autres - comme étranges, excentriques, caricaturaux. Remarquer la caractéristique, l'exposer, signifie briser le voile gris nivelant de la perception ordinaire et toucher la vie réelle, bizarrement colorée et bouillonnante. Dans la poursuite de cet objectif, un art littéraire typique des romantiques s’est développé. et de la musique portrait. Un tel art était souvent associé à la critique de l’artiste et conduisait à la création de portraits parodiques et grotesques. De Jean Paul et Hoffmann, le penchant pour les portraits caractéristiques s'est transmis à Schumann et Wagner. En Russie, non sans l'influence du romantisme. traditions musicales Le portrait s'est développé parmi les compositeurs nationaux. réaliste. écoles - de A. S. Dargomyzhsky à M. P. Mussorgsky et N. A. Rimsky-Korsakov.
R. a développé des éléments de dialectique dans l'interprétation et la réflexion du monde, et à cet égard était proche de son allemand contemporain. classique philosophie. L'art renforce la compréhension de la relation entre l'individu et le général. Selon F. Schlegel, romantique. la poésie est « universelle », elle « contient tout ce qui est poétique, depuis le plus grand système des arts, qui comprend lui aussi des systèmes entiers, jusqu'au soupir, au baiser, tels qu'ils s'expriment dans le chant naïf d'un enfant » (« Fr. Schlegels Jugendschriften», hrsg von J. Minor, Bd 2, S. 220). Variété infinie avec des éléments internes cachés. l’unité est ce que les romantiques apprécient, par exemple. dans Don Quichotte de Cervantes ; F. Schlegel appelle le tissu hétéroclite de ce roman « la musique de la vie » (ibid., p. 316). Il s'agit d'un roman aux « horizons ouverts », note A. Schlegel ; selon son observation, Cervantes recourt à des « variations infinies », « comme s'il était un musicien sophistiqué » (A. W. Schlegel. Sämtliche Werke, hrsg. von E. Böcking, Bd 11, S. 413). Tellement artistique. Ce poste suscite une attention particulière tant au sein du département. impressions, et à leurs connexions, à la création d'un concept commun. Directement en musique. l'effusion du sentiment devient philosophique, paysage, danse, scène de genre, portrait s'imprègnent de lyrisme et conduisent à des généralisations. R. montre un intérêt particulier pour le processus de la vie, pour ce que N. Ya Berkovsky appelle « le flux direct de la vie » (« Le romantisme en Allemagne », Leningrad, 1973, p. 31) ; cela s'applique également à la musique. Pour les musiciens romantiques, il est typique de s'efforcer de transformer sans fin la pensée originale, de développer un développement « sans fin ».
Puisque R. voyait dans toutes les revendications un seul sens et un seul chapitre. le but est de fusionner avec l'essence mystérieuse de la vie, l'idée de synthèse de l'art a acquis un nouveau sens. « L’esthétique d’un art est l’esthétique d’un autre ; seul le matériau est différent », note Schumann (« De la musique et des musiciens », vol. 1, M., 1975, p. 87). Mais la combinaison de « différents matériaux » augmente la puissance impressionnante de l’ensemble artistique. Dans la fusion profonde et organique de la musique avec la poésie, avec le théâtre, avec la peinture, de nouvelles opportunités se sont ouvertes à l'art. Dans le domaine des outils musique, le principe de programmaticité acquiert un rôle important, c’est-à-dire l’inclusion à la fois dans le projet du compositeur et dans le processus de perception de la musique. et d'autres associations.
R. est particulièrement largement représenté dans la musique d'Allemagne et d'Autriche. À un stade précoce - les travaux de F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, L. Spohr, G. Marschner ; puis l'école de Leipzig, principalement F. Mendelssohn-Bartholdy et R. Schumann ; en 2ème mi-temps. 19ème siècle - R. Wagner, J. Brahms, A. Bruckner, Hugo Wolf. En France, R. apparaît déjà dans les opéras de A. Boildieu et de F. Aubert, puis sous une forme beaucoup plus développée et originale chez Berlioz. En Italie, c'est romantique. les tendances se reflétaient sensiblement chez G. Rossini et G. Verdi. paneuropéen La créativité des ordinateurs polonais a gagné en importance. F. Chopin, Hung. - F. Liszt, italien. - N. Paganini (le travail de Liszt et Paganini a également montré le summum de l'interprétation romantique), allemand. - J. Meyerbeer.
Dans les conditions nationales Les écoles de R. conservaient beaucoup de points communs et montraient en même temps une originalité notable dans les idées, les intrigues, les genres préférés ainsi que dans le style.
Dans les années 30 des créatures ont été découvertes. désaccords entre lui. et français écoles. Il y a eu différentes idées sur la mesure acceptable de stylisticité. innovation; La question de l'admissibilité de l'esthétique était également controversée. les compromis de l’artiste pour plaire aux goûts de la « foule ». L'antagoniste de l'innovation de Berlioz était Mendelssohn, qui défendait fermement les normes du style modéré « classique-romantique ». Schumann, qui défendait avec ardeur Berlioz et Liszt, n'acceptait toujours pas ce qui lui semblait les extrêmes des Français. écoles; Il préférait Chopin, beaucoup plus équilibré, à l'auteur de la « Symphonie fantastique » ; il évaluait Mendelssohn et ses proches compositeurs A. Henselt, S. Heller, W. Taubert, W. S. Bennett et d'autres avec une critique extraordinaire de Meyerbeer. acuité, ne voyant dans sa théâtralité spectaculaire que la démagogie et la poursuite du succès. Heine et Berlioz apprécient au contraire le caractère dynamique de l'auteur des Huguenots. musique dramaturgie. Wagner développe la critique. Les motivations de Schumann, cependant, dans son œuvre, s'éloignent des normes du romantisme modéré. style; adhérant (contrairement à Meyerbeer) à des critères esthétiques stricts. sélection, il suit la voie de réformes audacieuses. Tout R. 19ème siècle en opposition à l'école de Leipzig, la soi-disant. Nouvelle école allemande ou de Weimar ; Liszt en devint le centre pendant ses années de Weimar (1849-61) ; parmi ses adeptes figuraient R. Wagner, H. Bülow, P. Cornelius, J. Raff et d'autres. Les « Weimariens » étaient des partisans de la musique à programme, des muses. des drames de type wagnérien et d'autres types de musique nouvelle radicalement réformés. procès Depuis 1859, les idées de la nouvelle école allemande étaient représentées par le « General German Verein » et la revue créée en 1834 par Schumann. « Neue Zeitschrift für Musik », la Crimée était dirigée par K. F. Brendel à partir de 1844. Dans le camp opposé, à côté du critique E. Hanslick, du violoniste et compositeur J. Joachim et d'autres, il y avait J. Brahms ; ce dernier ne recherchait pas la polémique et ne défendait ses principes que dans son œuvre (en 1860, Brahms apposa pour la seule fois sa signature sous un article polémique - une déclaration collective contre certaines idées des « Weimarites », publiée dans le magazine berlinois « Écho"). Ce que les critiques avaient tendance à considérer comme du conservatisme dans l’œuvre de Brahms était en fait un art vivant et original, où le romantique. la tradition se renouvelle, subissant une nouvelle influence puissante du classique. musique du passé. Les perspectives de cette voie ont été montrées par le développement de l’Europe. musique ensuite décennies (M. Reger, S. Frank, S. I. Taneyev, etc.). Les idées des « Weimariens » se sont révélées tout aussi prometteuses. Par la suite, les conflits entre les deux écoles deviennent historiquement obsolètes.
Depuis, il y a eu une recherche réussie du national dans le lit de la rivière. authenticité, sociale et psychologique. vérité, les idéaux de ce mouvement étaient étroitement liés à l’idéologie du réalisme. Ce type de lien est évident, par exemple, dans les opéras de Verdi et de Bizet. Le même complexe est typique pour un certain nombre de nationalités. musique écoles du 19ème siècle En russe Musique romantique les éléments sont déjà clairement représentés chez M.I. Glinka et A.S. Dargomyzhsky, en 2ème mi-temps. 19ème siècle - des compositeurs de "The Mighty Handful" et de P. I. Tchaïkovski, plus tard de S. V. Rachmaninov, A. N. Scriabin, N. K. Medtner. Les jeunes muses se sont développées sous la forte influence de R. cultures de Pologne, République tchèque, Hongrie, Norvège, Danemark, Finlande (S. Moniuszko, B. Smetana, A. Dvorak, F. Erkel, K. Sinding, E. Grieg, N. Gade, E. Hartman, K. Nielsen, I . Sibelius et autres), ainsi que l'espagnol. musique 2ème mi-temps 19 - début 20e siècles (I. Albéniz, E. Granados, M. de Falla).
Musique R. a activement contribué au développement des paroles vocales de chambre et de l'opéra. Conformément aux idéaux de R. dans la réforme du wok. musique ch. l’approfondissement de la synthèse de l’art joue un rôle. Wok. la mélodie répond avec sensibilité à l'expressivité de la poétique. les mots deviennent plus détaillés et individuels. Instr. la fête perd son caractère d’« accompagnement » neutre et est de plus en plus saturée de contenu figuratif. Dans les œuvres de Schubert, Schumann, Franz, Wolf, on peut tracer le chemin d'une chanson basée sur l'intrigue à la « musique ». poème." Parmi les woks. genres, le rôle de la ballade, du monologue, de la scène, du poème augmente ; chansons au pluriel les cas sont regroupés en cycles. En romantique opéra, qui s'est développé dans divers directions, le lien entre la musique, les paroles et le théâtre se renforce progressivement. Actions. Cet objectif est servi par : un système de musique. caractéristiques et leitmotivs, développement des intonations de la parole, fusion de la logique de la musique. et scène développement, utilisation de riches opportunités symphonie. orchestre (les partitions de Wagner appartiennent aux plus hautes réalisations de l'opéra symphoniste).
Dans l'instruction. En musique, les compositeurs romantiques sont particulièrement enclins au php. miniature. Une courte pièce de théâtre devient une fixation souhaitée d'un moment pour un artiste romantique : une esquisse rapide d'une ambiance, d'un paysage, d'une image caractéristique. Il est valorisé et respecté. la simplicité, la proximité avec les sources vitales de la musique - le chant, la danse, la capacité de capturer une saveur fraîche et originale. Variétés populaires de romantique. pièces courtes : « chanson sans paroles », nocturne, prélude, valse, mazurka, ainsi que des pièces avec titres de programme. Dans l'instruction. la miniature atteint un contenu élevé et des images en relief ; tandis que la forme est compressée, elle se distingue par son expression lumineuse. Comme dans un wok. paroles, il y a ici une tendance à combiner les départements. pièces en cycles (Chopin - Préludes, Schumann - "Scènes d'enfants", Liszt - "Années d'errances", etc.) ; dans certains cas, il s'agit de cycles d'une structure « de bout en bout », où entre les cycles individuels, ils sont relativement indépendants. différentes pièces se présentent. genre d'intonation connexions (Schumann - « Papillons », « Carnaval », « Kreisleriana »). De tels cycles « de bout en bout » donnent déjà une idée des grandes tendances du romantisme. interprétations d'instruments majeurs formes. D'une part, il met l'accent sur le contraste et la diversité des départements. les épisodes, en revanche, l’unité de l’ensemble est renforcée. Sous le signe de ces tendances, une nouvelle créativité se donne. interprétation du classique sonates et cycles de sonates; les mêmes aspirations déterminent la logique des formes « libres » en un seul mouvement, qui combinent généralement les caractéristiques d'un allegro de sonate, d'un cycle de sonate et d'une variation. Les formes « gratuites » étaient particulièrement pratiques pour la musique à programme. Dans leur développement, dans la stabilisation du genre de la « symphonie » en un seul mouvement. poème", un grand mérite revient à Liszt. Le principe constructif qui sous-tend les poèmes de Liszt - la libre transformation d'un thème (monothématicisme) - crée une expression. contrastes et assure en même temps une unité maximale de l'ensemble de la composition («Préludes», «Tasso», etc.).
Dans le style de la musique. R. les moyens modaux et harmoniques acquièrent le rôle le plus important. La recherche d'une nouvelle expressivité est associée à deux processus parallèles et souvent interconnectés : au renforcement de la dynamique fonctionnelle. côtés d'harmonies et avec mode-harmonique accru. couleur. Le premier de ces processus est la saturation croissante des accords avec des altérations et des dissonances, ce qui a exacerbé leur instabilité et leur tension accrue, qui ont nécessité une résolution harmonieuse à l'avenir. mouvement. De telles propriétés de l'harmonie exprimaient le mieux la « langueur » typique de R., le flux de sentiments se développant « sans fin », qui s'incarnait avec une intégralité particulière dans le « Tristan » de Wagner. Des effets colorés étaient déjà évidents dans l’utilisation des capacités du système de modes majeur-mineur (Schubert). De nouvelles palettes de couleurs très diversifiées. les nuances ont été extraites de ce qu'on appelle. modes naturels, à l'aide desquels la langue vernaculaire a été mise en valeur. ou archaïque la nature de la musique ; Un rôle important - en particulier dans la science-fiction - a été attribué aux modes avec des gammes de tons entiers et « tons-demi-tons ». Les propriétés colorées se sont également révélées dans des accords dissonants et chromatiquement compliqués, et c'est à ce moment-là que les processus mentionnés ci-dessus sont clairement entrés en contact. De nouveaux effets sonores ont également été obtenus grâce à divers. comparaisons d'accords ou de modes au sein du diatonique. échelle.
En romantique Les chapitres suivants étaient en vigueur dans la mélodie. tendances : dans la structure - le désir d'ampleur et de continuité du développement, en partie pour « l'ouverture » de la forme ; en rythme - surmonter les traditions. métrique de régularité accents et tout automatique répétition; en intonation composition - détaillant, remplissant d'expressivité non seulement les motifs initiaux, mais aussi l'ensemble de la mélodique. dessin. L'idéal de la « mélodie sans fin » de Wagner incluait toutes ces tendances. L'art des plus grands mélodistes du XIXe siècle y est également lié. Chopin et Tchaïkovski. Musique R. a grandement enrichi et individualisé les moyens de présentation (texture), ce qui en fait l'un des éléments les plus importants de la musique. imagerie. Il en va de même pour l’utilisation des outils. compositions, notamment symphoniques. orchestre. R. a développé le colorisme. moyens de l'orchestre et dramaturgie de l'orchestre. développement à une hauteur inconnue de la musique des époques précédentes.
Musique tardive R. (fin du XIXe - début du XXe siècle) donnait encore des « pousses riches » et ses plus grands successeurs avaient une attitude romantique. la tradition exprimait encore les idées progressistes et humanistes. art (G. Mahler, R. Strauss, C. Debussy, A. N. Scriabine).
La nouvelle créativité est associée au renforcement et à la transformation qualitative des tendances de R.. réalisations en musique. Une imagerie nouvellement détaillée est cultivée - à la fois dans le domaine des impressions extérieures (couleurs impressionnistes) et dans le transfert extrêmement subtil des sentiments (Debussy, Ravel, Scriabine). Les possibilités de la musique s'élargissent. figurativité (R. Strauss). Le raffinement, d'une part, et l'expressivité accrue, d'autre part, créent une échelle plus large d'expressivité émotionnelle de la musique (Scriabin, Mahler). Parallèlement, à la fin de R., étroitement liée aux nouvelles tendances du tournant des XIXe et XXe siècles. (impressionnisme, expressionnisme), les symptômes de crise se sont accrus. Au début. 20ième siècle L'évolution de R. révèle une hypertrophie du principe subjectif, une dégénérescence progressive de la sophistication vers l'amorphisme et l'immobilité. La musique a été une réaction polémiquement vive à ces phénomènes de crise. anti-romantisme des années 10-20. (I. F. Stravinsky, le jeune S. S. Prokofiev, compositeurs des « Six » français, etc.) ; feu R. s'opposait au désir d'objectivité du contenu et de clarté de la forme ; une nouvelle vague de « classicisme » surgit, le culte des maîtres anciens, ch. arr. ère pré-Beethoven. Milieu du 20e siècle a cependant montré la viabilité des traditions les plus précieuses de R. Malgré les tendances destructrices croissantes de la musique occidentale, R. a conservé sa base spirituelle et s'est enrichie de nouveaux styles. éléments, a été développé par beaucoup. compositeurs marquants du XXe siècle. (D.D. Chostakovitch, Prokofiev, P. Hindemith, B. Britten, B. Bartok, etc.).
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D. V. Jitomirski
Un mouvement idéologique et artistique qui s'est développé dans tous les pays d'Europe et du Nord. L'Amérique en escroquerie. 18 - 1er étage. 19ème siècles R. a exprimé le mécontentement de la société bourgeoise. changements, s'opposant au classicisme et aux Lumières. F. Engels a noté que « ... les institutions sociales et politiques établies par la « victoire de la raison » se sont révélées être une caricature maléfique et amèrement décevante des brillantes promesses des Lumières. » La critique du nouveau mode de vie, apparue dans le sillage des Lumières parmi les sentimentaux, se manifesta encore plus chez les romantiques. Le monde leur semblait manifestement déraisonnable, plein de gens mystérieux, incompréhensibles et hostiles. personnalité. Pour les romantiques, les aspirations élevées étaient incompatibles avec le monde qui les entourait, et la discorde avec la réalité s'est avérée presque la plus grande. Une caractéristique de R. R. opposait la bassesse et la vulgarité du monde réel à la religion, à la nature, à l'histoire et à la fantaisie. et exotique sphères, adv. la créativité, mais surtout la vie intérieure d'une personne. Les idées de R. à son sujet étaient extrêmement enrichies. Si l'idéal du classicisme était l'Antiquité, alors R. était guidé par l'art du Moyen Âge et des temps modernes, considérant A. Dante, W. Shakespeare et J. V. Goethe comme ses prédécesseurs. R. affirmait l'art, non prévu par des modèles, mais créé par le libre arbitre de l'artiste, incarnant son monde intérieur. N'acceptant pas la réalité environnante, R. l'a en fait comprise plus profondément et plus pleinement que le classicisme. La musique, en tant qu'incarnation de l'élément libre de la vie, est devenue pour R. l'art le plus élevé. Elle a connu un énorme succès à cette époque. R. fut également une période de développement inhabituellement rapide et significatif du ballet. Les premiers pas sont romantiques. des ballets ont été réalisés en Angleterre, en Italie, en Russie (C. Didelot, A. P. Glushkovsky, etc.). Cependant, R. s'est formé de manière plus complète et cohérente en français. théâtre de ballet dont l'influence se fait sentir dans d'autres pays. L'une des conditions préalables à cela était le fort développement de la technologie classique en France à cette époque. la danse, en particulier la danse féminine. Très clairement romantique. des tendances apparaissent dans les ballets de F. Taglioni (La Sylphide, 1832, etc.), où l'action se déroule généralement en parallèle dans le monde réel et fantastique. La science-fiction a libéré la danse du besoin de justifications privées quotidiennes, a ouvert la voie à l'utilisation de la technologie accumulée et à son développement ultérieur afin de révéler dans la danse les propriétés essentielles des personnages représentés. Dans la danse féminine, qui occupait la première place dans le ballet de R., le saut était de plus en plus introduit, et la danse sur pointes apparaissait, etc. , qui correspondait parfaitement à l'apparition de créatures surnaturelles - jeeps, sylphes. La danse dominait le ballet de R. De nouvelles formes de composition classiques sont apparues. Danse, le rôle de la danse féminine à l'unisson du corps de ballet s'est fortement accru. Développement de danses d'ensemble, de duo et de solo. Le rôle de la ballerine principale s'est accru, à commencer par M. Taglioni. La tunique apparaissait comme le costume permanent du danseur. Le rôle de la musique s'est accru, auparavant souvent celui d'une équipe nationale. La danse symphonique a commencé. Actions. Le summum du romantisme ballet - "Giselle" (1841), mis en scène J. Coralli et J. Perrault. L'œuvre de Perrault marque une nouvelle étape dans le ballet R. La représentation s'appuie désormais fortement sur la lumière. la source originale ("Esmeralda" selon Hugo, "Corsair" selon Byron, etc.), et par conséquent, la danse était plus dramatisée, le rôle des compositions efficaces (pas d'action) augmentait et le folklore de la danse était plus largement utilisé Des aspirations similaires se sont manifestées dans le travail des dates les plus marquantes du ballet d'août. Danseurs F. Elsler, C. Grisi, F. Cerrito, E. I. Andreyanova, E. A. Sankovskaya.
Type romantique la performance, qui s'est développée dans les ballets de Taglioni, Perrot, Bournonville, a continué d'exister jusqu'au bout. 19ème siècle Cependant, la structure interne de ces représentations réside avant tout dans le travail des ballets. M.I. Petipa, transformé.
Le désir d'un renouveau romantique. le ballet sous sa forme originale est apparu dans le travail de certains chorégraphes du XXe siècle. M. M. Fokin a donné à R. de nouvelles caractéristiques de l'impressionnisme au ballet.
Ballet. Encyclopédie, SE, 1981
La musique de l’époque romantique est probablement le modèle de style le plus populaire dans la société moderne. Le romantisme, compris comme une époque, se manifeste par un changement de dominante dans la conscience artistique et, par conséquent, dans le système artistique. Le romantisme est un concept proposé par les poètes de l'école dite d'Iéna, considérés comme ses fondateurs (L. Tieck et Novalis).
C’est la poésie combinée à la musique qui contribue à la formation de nouvelles régulations pour les relations des gens avec le monde et entre eux. La principale différence avec l'époque précédente réside dans le nouveau visage des rituels socialement significatifs : la musique de salon prend la forme d'un concert lyrique intime spécifique. Le musicien romantique devient un objet de culte public, un personnage et un héros d’un certain drame de la vie : éloignant du culte la figure de l’empereur couronné et divin, le roi, il devient lui-même « l’oint » de Dieu. La chanson romantique est le genre le plus important pour caractériser le style ; tous les compositeurs romantiques (à l'exception de F. Chopin) lui rendent hommage en composant des centaines d'œuvres. Les arrangements de chansons pour piano deviennent extrêmement populaires, mettant en œuvre la tradition des variations sur des thèmes d'opéra populaires du siècle dernier.
Le genre des « chansons sans paroles » - un arrangement unique d'un texte de chanson inexistant - attire extrêmement les auditeurs par sa combinaison de maîtrise virtuose de l'instrument et de profondeur lyrique et psychologique de la musique. L'expression la plus élevée de cette tendance est la naissance d'un nouveau genre : la miniature lyrique elle-même, associée principalement au piano. Une branche particulière de cette sphère de genre est créée par la musique de danse quotidienne, toujours en équilibre à la limite de la danse appliquée, de l'arrangement d'échantillons populaires et de la miniature lyrique-confessionnelle elle-même (de nombreux exemples dans les œuvres de Chopin, Schumann, Brahms, Grieg, Tchaïkovski). ). La valse (qui remplace le menuet) devient la danse emblématique de l’époque.
À l'époque romantique, les genres dits didactiques, notamment les études virtuoses, ont acquis une importance considérable.
La construction de salles de concert publiques stimule le développement des genres de concerts symphoniques, dont la direction a été fixée par L. Beethoven - une symphonie brillamment dramatique et profondément littéraire et programmatique, un poème symphonique et un concert symphonisé.
D'une manière générale, on peut dire que le système des genres musicaux est en train de se transformer de manière assez fondamentale tant dans son contenu que dans son sens et sa perception par la société.
Genre de chanson en Europe occidentale et en Russie
La poésie est un art sonore. La lecture publique de poésie dans les salons, les salons et simplement dans la vie intime de tous les jours constitue son existence vivante. La mode de la lecture de poésie dans le salon donne naissance à un genre particulier : la récitation sur l'accompagnement musical d'un piano s'appelle déclamation mélodique.
Par conséquent, la logique de l’émergence et de la diffusion totale du genre de la chanson romantique en tant qu’incarnation intonative de la poésie est tout à fait évidente. C'est la musique à travers le chant qui permet de reconstruire l'idée de formes intonatives de lecture : un certain rôle appartient ici au récit - « récit » - récitation. Mais la « découverte » musicale du romantisme est expressive catégorique intonation. C'est elle qui détermine la couche d'intonation du style de chanson romantique, en cultivant arioso. Ce type de vocalisme représente une combinaison de la flexibilité du récitatif avec la beauté et l'expressivité de la cantilène, obtenue dans l'opéra baroque et surtout dans le classicisme (dans le genre comique).
Le thème emblématique de la poésie romantique est bien entendu le thème de l’amour. Les confessions d'amour - les louanges lyriques - sont extrêmement diverses non seulement dans les chansons, mais aussi dans tous les genres instrumentaux du romantisme.
Le premier et le plus prolifique compositeur romantique du genre chanson est Franz Schubert. Au cours de sa courte vie (1797-1828), il écrivit plus de 600 chansons. Sa renommée dans ce genre a commencé avec la ballade « Le roi de la forêt » basée sur les vers de I. Goethe (1816). Il s'agit d'une scène de chanson-monologue avec des épisodes contrastés représentant différents personnages. Son image principale – la figure symbolique de la mort – occupera une place particulière dans la musique vocale des romantiques.
Schubert a utilisé des textes d'une centaine de poètes dans ses chansons.
Dans une atmosphère d'intérêts poétiques sérieux, le cycle « La belle femme de Miller » est né sur la base des poèmes du poète allemand W. Müller (1823). Dans un certain nombre de chansons, l'intrigue d'une sorte de nouvelle poétique surgit sur l'amour d'un apprenti pour la femme d'un meunier : des premiers délices naïfs en passant par la douleur de la trahison et de la séparation jusqu'à la résignation légère et triste.
Une vie pleine de travail dur et épuisant et de pauvreté désespérée conduit Schubert à des humeurs de mélancolie et de solitude, qui se reflètent également dans son dernier cycle dans les poèmes de W. Müller « Winterreise » (1827). Sa vie a toujours été dure, sa musique était toujours lumineuse et joyeuse. Aujourd'hui, il aspire et écrit sur la souffrance de la solitude et devient encore plus un romantique, pour qui l'aveu de la douleur mentale est l'un des thèmes principaux. Le dernier cycle « Swan Song » (1828) basé sur les textes de six poèmes de G. Heine, ainsi que des poètes L. Relyptab et A. Seidl, est tragique.
Et une autre découverte importante de Schubert, reprise par tous les romantiques, est la nature chantante de la musique dans tous les genres. Il arrange ses propres chansons sous des formes instrumentales - le quatuor s, dans la deuxième partie dont le thème de la chanson "Death and the Maiden" varie, le quintette avec piano "Trout" (dans la quatrième partie il y a une variation sur le thème de la chanson du même nom), une fantaisie pour piano sur le thème de la chanson "Wanderer"". Mais ses symphonies sont aussi imprégnées de chants, dans lesquels résonne une intonation poétique personnelle, exprimant l'attitude d'une personne d'une nouvelle ère envers le monde. Les images de la nature occupent une place importante dans l’écriture de Schubert, qui se reflète également dans ses compositions instrumentales. Et cela devient un manifeste de compositeurs romantiques, révélant les pulsions de l’âme à travers des métaphores de paysages, de fleurs et d’éléments naturels.
Créativité musicale Robert Schumann (1810-1856) - le plus passionné et le plus respectueux des romantiques - occupe une place centrale dans les paroles vocales du XIXe siècle. Sa carrière créative était d'abord liée à la musique pour piano : il rêvait lui-même d'être un virtuose du concert et ce, au milieu des années 1830. crée ses chefs-d'œuvre immortels pour piano - « Etudes symphoniques », « Carnaval », Fantasia en do majeur, « Kreisleriana ». En 1840, son tournant vers le genre de la chanson commence - cette seule année-là, il écrit 134 chansons, dont les célèbres cycles « L'amour d'un poète » basé sur des poèmes de G. Heine, « L'amour et la vie d'une femme » basé sur des poèmes. de A. von Chamisso et « Myrtes » sur des poèmes de divers poètes. Il y développe la tradition du chant de Schubert, mais crée un style unique, dont la base est la subtilité et la profondeur de la pénétration dans le sens du texte poétique.
C’est dans l’écriture de Schumann qu’émerge la forme intonative de la récitation romantique de la poésie, théâtralement lumineuse et intimement lyrique. Un rôle énorme appartient à la partie de piano, qui peut difficilement être qualifiée d'accompagnement - une harmonie riche et une texture inventive créent une image vivante qui révèle le sous-texte émotionnel du vers.
Dans le cycle « L'Amour d'un poète », Schumann utilise les poèmes de Heine de l'« Intermezzo lyrique », mais pas tous - le compositeur les sélectionne de manière à créer une histoire d'amour tragique, comme celle de Schubert.
La chanson la plus célèbre du cycle est probablement « Je ne suis pas en colère ». Il vaut la peine de l’écouter uniquement dans la langue originale pour s’étonner de l’habileté du compositeur, qui « prononce » les paroles d’un pardon confus avec douleur, joie et douceur.
Une beauté similaire d'intonations mélodieuses et de monologue déclamatoire expressif distingue la chanson "Cher ami, tu es gêné que je pleure" du cycle "L'amour et la vie d'une femme". Si la poésie de Heine est belle, alors Chamisso ne fait pas partie des poètes de premier ordre. Schumann a immortalisé ses créations poétiques avec son don extraordinaire d'entendre les nuances émotionnelles les plus subtiles de l'énoncé d'un texte simple.
Les dithyrambes calmes et sublimement rêveurs de Schumann sont particulièrement attrayants - les chansons « Comme un muguet tu es belle » et « Lotus » basées sur les poèmes de Heine du cycle « Myrtes », « Silent Tears » basées sur les poèmes de l'opus de J. Kerner 35 (1840). Les confessions d’amour enthousiastes et impétueuses, si caractéristiques de Schumann dans la musique pour piano, représentent l’autre pôle des sentiments amoureux. Un excellent exemple est la célèbre « Dédicace » aux paroles de F. Rückert du cycle « Myrte », entièrement dédiée à « mon épouse bien-aimée ».
L’histoire de la chanson romantique est un vaste sujet. Les compositeurs allemands avaient une oreille particulière pour l’intonation et un talent pour l’incarnation de la poésie. Schubert, Schumann, Liszt, Brahms, Wolf, Mahler - ces noms font aujourd'hui partie du trésor mondial du répertoire vocal. Leur héritage chanté, qui pour les écoles romantiques d'Europe occidentale et de Russie était la norme de l'amour de la poésie et de la subtilité de son audition, ne s'est pas effacé même des siècles plus tard.
Et les compositeurs russes, admiratifs de Goethe et Heine, ont écrit leurs œuvres vocales sur la base de leurs textes traduits en russe par Joukovski, Pouchkine, Lermontov, Tioutchev. Fêta. Comparer des compositions à un seul texte est une perspective fascinante pour le travail indépendant. En général, le genre de la chanson est extrêmement populaire en Russie, bien qu'il représente une variété spécifique appelée « romance ». Les différences entre une chanson et une romance sont extrêmement subtiles ; elles doivent être recherchées dans le style musical national et en général dans la mélodie de l'intonation du discours russe. Mikhaïl Ivanovitch Glinka (1804-1857), créateur de l'opéra national russe, avait une oreille exceptionnellement fine, une bonne voix et fut le fondateur de la romance classique, romantique dans son essence. L’une de ses premières romances, « Don’t Tempt », s’est avérée être un véritable chef-d’œuvre de lyrisme vocal. Sensible, romantique, Glinka est captivée par la poésie de V. Joukovski, qui l'a touché « jusqu'aux larmes ». Et bien sûr, il admire la poésie de A. Pouchkine, sur la base des poèmes duquel il a écrit plusieurs magnifiques romans. L'un d'eux est "Ne chante pas, beauté, devant moi" - sur la mélodie d'une chanson folklorique géorgienne rapportée en 1828 du Caucase par A. Griboïedov. L'incarnation subtile de la déclamation se distingue également par la romance miniature « Marie » - un exemple de dithyrambe d'amour de jeunesse. L'amour émeut les sentiments et les pensées : Glinka dédie la merveilleuse romance « Doute », pleine de mélancolie triste et de tendresse, à son élève K. Kolkovskaya. Tombée amoureuse d'Ekaterina Kern, la fille d'Anna Petrovna Kern, la célèbre « destinataire » du poème de Pouchkine « Je me souviens d'un moment merveilleux », Glinka écrit son chef-d'œuvre immortel sur la base de ce texte. Ici, le talent et l'inspiration du compositeur se fondent dans une harmonie étonnante - les compositeurs sont rarement capables de créer une incarnation adéquate d'un vers brillant.
Les romances sont écrites par de nombreux compositeurs russes - la mode de la poésie est aussi répandue en Russie qu'en Europe occidentale. Elle a ses propres réalisations nationales, parmi lesquelles il faut bien sûr mentionner Alexandre Sergueïevitch Dargomyjski (1813-1869) et Modeste Petrovitch Moussorgski (1839-1881).
Les œuvres de Dargomyzhsky basées sur les poèmes de Lermontov « À la fois ennuyé et triste » et « Je suis triste » représentent des monologues lyriques avec des détails expressifs sur l'incarnation de l'intonation de la parole. La satire sociale caustique est totalement nouvelle dans le genre, qui révèle le principe de base du compositeur, qui dit : « Je veux que le son exprime directement le mot, je veux la vérité ».
Moussorgski, qui gravitait vers un reflet réaliste des images de la vie populaire, a écrit sur ses propres textes des poèmes de N. Nekrasov, A. Ostrovsky ("Svetik Savishna", "Kalistrat", "Berceuse à Eremushka", "Dors, dors, Fils de Paysan", "Orphelin", "Séminaire"). Ses chansons étaient des « esquisses » originales pour des opéras, qui sont devenus un mot complètement nouveau dans le genre de l'opéra, le théâtre dramatique musical (Boris Godunov, Khovanshchina). Dans les années 1870. des cycles vocaux « Sans soleil » (1874), « Chants et danses de la mort » (1875-1877), ainsi que « Enfants » basés sur ses propres paroles (1872) ont été créés. Le langage musical de Moussorgski a captivé l'imagination de nombreux compositeurs du XXe siècle. - les images étaient si nouvelles qu'elles nécessitaient de nouveaux moyens d'expression musicale.
Le summum d'une chanson romantique dans la musique russe est la créativité Piotr Ilitch Tchaïkovski (1840-1893).
Les romans de Tchaïkovski révèlent son incroyable don d'expressivité mélodique et de beauté. Son style ariot est individuel et unique - dès que « trois notes » retentissent, nous identifions sans équivoque l'auteur, mais son choix de textes poétiques semble peu exigeant (ce qui a été noté à plusieurs reprises dans la littérature critique), bien que Tchaïkovski ait subtilement ressenti le musical nature des poèmes de Pouchkine, Fet a écrit à ce sujet. Le thème principal est constitué de paroles d'amour, de poèmes originaux et traduits d'A.K. Tolstoï, A.N. Pleshcheeva, L.A. Meya. « Pas un mot, oh mon ami », « Non, seulement celui qui savait », « Emportez mon cœur » et d'autres merveilleux exemples de créativité précoce préparent les paroles de l'opéra « Eugène Onéguine ». A la fin des années 1870. des sketchs vocaux passionnés et enthousiastes apparaissent - "Je vous bénis, forêts", "Le jour règne-t-il". «Parmi le bal bruyant», selon les mots d'A. Tolstoï, est une expérience exceptionnelle du lyrisme vocal russe, un exemple de portrait féminin au rythme d'une valse et d'une subtile rêverie poétique. La charmante romance sur les poèmes de K.R. (Konstantin Romanov) « J'ai ouvert la fenêtre » a été admirée par plus d'une génération d'interprètes et d'auditeurs. Les romances du dernier opus (1893) sur les paroles de D. Ratgaus - "Nous nous sommes assis avec vous", "Le soleil se couche", "En cette nuit au clair de lune", "Parmi les jours sombres", "De nouveau seul, comme avant » - reflètent les thèmes du chagrin, de la mélancolie et de la tristesse caractéristiques de la dernière Sixième Symphonie avec son thème tragique de la vie, du destin et de la mort.
La vision romantique du monde se caractérise par un conflit aigu entre la réalité et les rêves. La réalité est basse et non spirituelle, elle est imprégnée de l'esprit du philistinisme, du philistinisme et ne mérite que d'être déniée. Un rêve est quelque chose de beau, de parfait, mais inaccessible et incompréhensible à la raison.
Le romantisme opposait la prose de la vie au magnifique royaume de l’esprit, la « vie du cœur ». Les romantiques croyaient que les sentiments constituent une couche plus profonde de l’âme que la raison. Selon Wagner, « l’artiste fait appel au sentiment et non à la raison ». Et Schumann disait : « l’esprit s’égare, les sentiments jamais ». Ce n'est pas un hasard si la forme d'art idéale a été déclarée comme la musique, qui, de par sa spécificité, exprime le plus pleinement les mouvements de l'âme. C'est la musique à l'ère du romantisme qui a pris une place prépondérante dans le système artistique.
Si, dans la littérature et la peinture, le mouvement romantique achève son développement au milieu du XIXe siècle, la vie du romantisme musical en Europe est beaucoup plus longue. Le romantisme musical en tant que mouvement est apparu au début du XIXe siècle et s'est développé en étroite relation avec divers mouvements littéraires, picturaux et théâtraux. L'étape initiale du romantisme musical est représentée par les œuvres de F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, G. Rossini ; l'étape suivante (années 1830-1850) - les travaux de F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner, G. Verdi.
La phase tardive du romantisme s'étend jusqu'à la fin du XIXe siècle.
Le principal problème de la musique romantique est le problème de la personnalité, et sous un nouveau jour - dans son conflit avec le monde extérieur. Le héros romantique est toujours seul. Le thème de la solitude est peut-être le plus populaire de tout l’art romantique. Très souvent, la pensée d'une personnalité créative y est associée : une personne est seule lorsqu'elle est une personne extraordinaire et douée. L'artiste, le poète, le musicien sont les héros favoris des œuvres des romantiques (« L'Amour d'un poète » de Schumann, « Symphonie fantastique » de Berlioz avec son sous-titre « Un épisode de la vie d'un artiste », le poème symphonique de Liszt « Tasse »).
Le profond intérêt pour la personnalité humaine inhérent à la musique romantique s'exprimait dans la prédominance d'un ton personnel. La révélation du drame personnel acquiert souvent chez les romantiques une touche autobiographique, ce qui apporte une sincérité particulière à la musique. Par exemple, de nombreuses œuvres pour piano de Schumann sont liées à l'histoire de son amour pour Clara Wieck. Wagner a souligné par tous les moyens le caractère autobiographique de ses opéras.
L'attention portée aux sentiments conduit à un changement de genre - les paroles, dans lesquelles prédominent les images d'amour, acquièrent une position dominante.
Le thème de la nature est très souvent mêlé au thème de la « confession lyrique ». En résonance avec l’état d’esprit d’une personne, il est généralement teinté d’un sentiment de disharmonie. Le développement du genre et du symphonisme lyrique-épique est étroitement lié aux images de la nature (l’une des premières œuvres est la « grande » symphonie en do majeur de Schubert).
Le thème de la fantaisie est devenu une véritable découverte des compositeurs romantiques. Pour la première fois, la musique a appris à incarner des images fabuleuses et fantastiques par des moyens purement musicaux. Dans les opéras des XVIIe et XVIIIe siècles, des personnages « surnaturels » (comme la Reine de la nuit de « La Flûte enchantée » de Mozart) parlaient dans un langage musical « généralement accepté », se démarquant peu du milieu des personnes réelles. Les compositeurs romantiques ont appris à transmettre le monde fantastique comme quelque chose de complètement spécifique (à l'aide de couleurs orchestrales et harmoniques inhabituelles).
L’intérêt pour l’art populaire est très caractéristique du romantisme musical. Comme les poètes romantiques, qui ont enrichi et actualisé le langage littéraire à travers le folklore, les musiciens se sont largement tournés vers le folklore national - chansons folkloriques, ballades, épopées. Sous l’influence du folklore, le contenu de la musique européenne s’est radicalement transformé.
L'aspect le plus important de l'esthétique du romantisme musical était l'idée d'une synthèse des arts, qui a trouvé son expression la plus vivante dans l'œuvre lyrique de Wagner et dans la musique à programme de Berlioz, Schumann et Liszt.
Hector Berlioz. "Symphonie Fantastique" - 1. Rêves, passions...
Le contenu de la symphonie est lié à l'amante de Berlioz, l'actrice anglaise Harriet Smithson. En 1847, lors d'une tournée en Russie, l'auteur dédie la Symphonie Fantastique à l'empereur Nicolas Ier.
Robert Schumann - « Dans le rayonnement... », « Je croise le regard.. »
Extrait du cycle vocal "L'Amour du Poète"
Robert Schumann Heinrich Heine "À la lueur des chaudes journées de mai"
Robert Schumann - Heinrich "Je croise le regard de tes yeux"
Robert Schumann. "Pièces fantastiques".
Schumann Fantasiestücke, op. 12 partie 1 : non. 1 Des Abend et no. 2 Aufschwung
Feuille. Poème symphonique "Orphée"
Frédéric Chopin - Prélude n°4 en mi mineur
Frédéric Chopin - Nocturne n°20 en do - dièse mineur
Schubert a ouvert la voie à de nombreux nouveaux genres musicaux - impromptus, moments musicaux, cycles de chansons, symphonie lyrique-dramatique. Mais quel que soit le genre que Schubert a écrit - traditionnel ou créé par lui - il apparaît partout comme le compositeur d'une nouvelle ère, l'ère du romantisme.
Essai dans la discipline académique "Culturologie"
sur le thème : "Le romantisme en musique".
Plan
1. Introduction.
2. Caractéristiques caractéristiques de l'ère du romantisme en musique.
3. Géographie de la musique romantique.
5. Conclusion.
6. Liste des références.
1. Introduction.
Le romantisme est un nouveau mouvement artistique du XIXe siècle. Il a remplacé le classicisme et ses signes ont commencé à apparaître dès la fin du XVIIIe siècle. Le berceau du romantisme est l’Allemagne, mais il s’est rapidement répandu et a pénétré dans d’autres pays européens, ainsi qu’en Russie et en Amérique. Le terme « romantisme » lui-même est apparu pour la première fois dans la littérature, grâce aux travaux de l'écrivain allemand Novalis (1772 - 1801). Il a été introduit dans la musique par E.T. A. Hoffmann (1776 - 1882). Le romantisme s'est développé dans la lutte et en même temps en étroite interaction avec ses prédécesseurs - le classicisme et le sentimentalisme. C'est au plus profond de ces mouvements littéraires qu'elle est née. Les écrivains classiques étaient convaincus que seuls ceux qui le comprennent clairement, qui sont capables de maîtriser leurs passions - intérêts et aspirations personnels, peuvent remplir leur devoir civique. Mais cela, pensaient-ils, était le lot de quelques personnes « nobles », principalement des nobles. Ils devaient être prêts à servir leur patrie de manière altruiste et sacrificielle. Le devoir civique, à leur avis, consiste avant tout en un noble honneur et une vertu.
Les romantiques cherchaient à romantiser tout ce qui les entourait, tous les phénomènes de la vie. Ils ont adopté certains principes de l'ère précédente du classicisme, mais l'essence même du romantisme est une protestation contre les principes des Lumières, une déception à leur égard. Les représentants du romantisme ne pouvaient accepter le culte de la raison, du rationalisme, de la logique et de l'aspect pratique. Pour eux, l'âme et l'individualité d'une personne, ses sentiments étaient importants.
L'originalité du romantisme réside aussi dans le fait qu'ils ne cherchaient pas à une division claire de l'art en types et en genres. Ils ont été impressionnés par l’idée d’une synthèse des arts et l’ont mise en œuvre avec succès. Le romantisme appartient à l’une des époques culturelles les plus intéressantes et les plus fécondes.
2. Caractéristiques caractéristiques de l'ère du romantisme en musique.
Le romantisme a régné dans la culture musicale pendant plus de cent ans (1800 - 1910). C'est dans cet art qu'il s'est avéré être un foie long, alors qu'en littérature et en peinture, il n'a pu durer que cinquante ans. Cela ne peut pas être qualifié d’accident. Dans la compréhension des romantiques, la musique est l’art le plus spirituel et celui qui possède la plus grande liberté. L’une des caractéristiques les plus importantes de la musique de l’époque romantique est sa synthèse avec d’autres formes d’art. De plus, les romantiques n’étaient pas partisans d’une division stricte et claire des genres.
Les catégories esthétiques étaient également mélangées. La tragédie coexistait facilement avec la comédie ; le laid avec le beau ; le banal avec le sublime. De tels contrastes ne semblaient ni peu convaincants ni artificiels. Le dispositif artistique le plus important - l'ironie romantique - a permis de relier l'incompatible. Grâce à elle, une image particulière du monde a émergé, inhérente au romantisme.
Malgré la tendance au mélange des genres, nombre d'entre eux ont bien sûr eu droit à une existence indépendante et ont réussi à se développer de manière significative au cours de cette période ; Des genres spécifiques ont également émergé. Tout d'abord, il s'agit du genre du poème musical et de la ballade romantique (le représentant le plus brillant est F. Schubert) ; Chansons; miniatures pour piano.
Une mention spéciale doit être faite à la miniature du piano. Il s'agissait de transmettre une image qui impressionnait l'auteur ou son humeur. Une miniature pour piano pourrait avoir une spécification de genre : valse, chanson, chanson sans paroles, mazurka, nocturne. Les compositeurs se tournaient souvent vers la musique à programme et combinaient leurs œuvres en cycles.
Le célèbre cycle pour piano de R. Schumann « Carnaval » est caractéristique de l'ère du romantisme, reflétant le caractère libre de l'esthétique du romantisme. "Carnival" contient vingt et un numéros. Ce sont des croquis qui se remplacent, différant les uns des autres par leur humeur, leurs images, leurs portraits, mais beaucoup d'entre eux sont unis par une seule intrigue. Le compositeur peint une fête imaginaire à laquelle sont conviés des invités masqués. Parmi eux se trouvent les personnages habituels du carnaval - le timide Pierrot, l'espiègle Arlequin, Columbine et Pantalone qui se grognent (tout cela est superbement transmis par des moyens musicaux).
« Carnaval » regorge d'un concept très original. Le compositeur lui-même a appelé son cycle « scènes miniatures sur 4 notes », puisque toute la mélodie est construite sur elles. Le compositeur a pris quatre notes dans diverses séquences et combinaisons et, par conséquent, elles ont formé un semblant de thème sous-jacent à chaque morceau.
Du point de vue de la composition, Carnival démontre le plus haut degré de compétence en composition. Toutes les chansons du cycle se distinguent par une finition parfaite, un éclat et une virtuosité. En général, l'ensemble du cycle est un exemple de combinaison harmonieuse et d'intégrité.
Si nous parlons plus en détail de la musique à programme, nous pouvons ici souligner une caractéristique telle que le lien avec d'autres genres : littérature, peinture. La forme de l'essai dépend de l'intrigue. À cet égard, des poèmes symphoniques, des concerts en un mouvement et des sonates naissent ; symphonies en plusieurs mouvements. Ainsi, à l’ère du romantisme, se sont développées à la fois la musique de chambre vocale et la musique de chambre instrumentale.
L'opéra est également devenu spécial durant cette période. Elle commence à s'orienter vers le symphonisme ; il existe un lien étroit et justifiable entre le texte et la musique ; L’action sur scène avait pour eux une importance égale.
Les romantiques avaient des thèmes de prédilection. Les intrigues étaient principalement basées sur le thème de la solitude et de l'amour, car au centre de l'esthétique du romantisme se trouvait une personne fière et solitaire, dans l'âme de laquelle faisaient rage de fortes passions. Le héros romantique a toujours été opposé à la société, au monde entier. Il est donc tout à fait logique qu'à l'époque du romantisme, les auteurs se soient tournés vers des thèmes proches de l'image d'un tel héros : le thème de la mort, le thème de la route et de l'errance, le thème de la nature. Dans les œuvres romantiques, une grande place était consacrée aux éléments de fantaisie envahissant le monde matériel ennuyeux.
Les compositeurs qui ont travaillé à l’époque du romantisme avaient leur propre langage musical. Ils ont accordé une grande attention à la mélodie, en soulignant le sens du mot et l'expressivité artistique (cette dernière remarque s'applique également à l'accompagnement).
L'harmonie s'est sensiblement transformée et enrichie. A travers l'harmonie, les passions, la langueur, le contraste des humeurs, la tension et le début fantastique des œuvres ont été véhiculés. Ainsi, la mélodie, la texture et l’harmonie sont d’égale importance.
Ainsi, les principales caractéristiques de la musique de l’époque romantique peuvent être qualifiées de synthèse des arts et des genres ; expressivité particulière et relation étroite entre mélodie, accompagnement et harmonie ; contraste; fantastique; une émotivité et une expression accrues.
3. Géographie de la musique romantique.
Le romantisme couvrait un territoire assez vaste : de l'Europe et de la Russie à l'Amérique, et partout son développement s'effectuait de manière spécifique. En Europe, l'art musical de cette période présentait dans certains pays à la fois des points communs et des différences culturelles. Par exemple, la musique autrichienne et allemande s’est développée à peu près dans la même direction. Le romantisme musical de ces pays a été influencé par l’École de musique de Vienne, qui a puissamment démontré sa littérature. Un langage commun les rapprochait également. Le romantisme germano-autrichien se distinguait non seulement par des œuvres avancées de divers genres, mais aussi par une illumination active. La caractéristique déterminante du romantisme allemand et autrichien est la chanson.
Le romantisme en Pologne est une combinaison de vocalité et d'instrumentalité - un trait caractéristique de la musique folklorique polonaise. Ainsi, dans les intonations de F. Chopin, on entend très clairement les échos du genre épique de la musique folklorique polonaise - la Douma polonaise. Ce genre dans la période de maturité de son développement se caractérise par un lent refrain épique, souvent d'un ton triste. Et des épisodes ultérieurs d'une intensité dramatique, alternant avec le retour de la mélodie du refrain initial. Il ne fait aucun doute que ce sont les dumas slaves occidentaux qui ont servi de prototype aux ballades et œuvres similaires de Chopin. Ainsi, la base du romantisme polonais est l’art populaire.
Le romantisme italien est une floraison sans précédent de l’art de l’opéra ; Décollage du Bel Canto. Ainsi, l'opéra italien est devenu le leader dans ce sens à travers le monde. En France aussi, l'opéra acquiert l'une des significations les plus importantes. Une grande partie du mérite en revient à G. Berlioz (1803 - 1869), qui fut le créateur d'un phénomène aussi intéressant que l'opéra-comique, qui reflétait directement les spécificités nationales de ce pays.
En Russie, le romantisme s'est développé sous l'influence des idées des décembristes, de la Grande Révolution française et de la guerre napoléonienne de 1812, c'est-à-dire qu'il était associé aux événements sociaux mondiaux. Les principes de citoyenneté et de service à la patrie ont été transférés à l'art de la musique, dans lequel l'idée de conscience nationale était clairement entendue. Ainsi, le romantisme musical de tous les pays était uni par des traits communs : le désir d'une haute spiritualité, des rêves de beauté et le reflet de la sphère sensorielle de l'homme.
4. Grands compositeurs et musiciens de l'époque romantique.
Le romantisme a donné à la culture musicale de nombreux compositeurs magnifiques : F. Liszt (1811 - 1886, Hongrie), R. Schumann (1810 - 1856, Allemagne), F. Schubert (1797 - 1828, Autriche), K. Weber (1786 - 1826, Allemagne). ), R. Wagner (1813 - 1883, Allemagne), J. Bizet (1838 - 1875, France), N. Paganini (1782 - 1840, Italie), E. Grieg (1843 - 1907, Norvège), G. Verdi ( 1813 - 1901, Italie), F. Chopin (1810 - 1849), L. van Beethoven (dernière étape de la créativité, Allemagne), etc. Caractérisons brièvement le travail de certains d'entre eux.
Franz Liszt, comme W.A. Mozart, jeune virtuose, a très tôt fait parler de lui en Europe en se produisant devant le public en tant que pianiste. Son don de compositeur s’est manifesté tout aussi tôt. Par la suite, F. Liszt combine ses activités de tournée et de composition. Il a également réalisé des transcriptions de musique symphonique pour piano et peut à juste titre être considéré comme un grand pédagogue.
Les œuvres originales de F. Liszt se caractérisent par la virtuosité et la profondeur, l'expression et la frénésie. Ce sont ses célèbres œuvres cycliques : « Années d'errance », « Etudes de performance transcendantale », « Grandes études d'après les Caprices de Paganini », « Rhapsodies hongroises ». F. Liszt a apporté une énorme contribution à la vulgarisation et au développement de la culture musicale hongroise.
Franz Schubert est considéré comme le premier compositeur de l’époque romantique à figurer parmi les grands compositeurs. Sa musique est pure, joyeuse, poétique et à la fois triste, froide, désespérée. Comme c'est typique des romantiques, la musique de F. Schubert est contrastée, mais elle étonne par sa liberté et sa facilité, la beauté des mélodies.
F. Schubert a écrit un grand nombre de chansons qui sont de véritables chefs-d'œuvre. Cela est particulièrement vrai pour les œuvres écrites sur des poèmes de V.I. Goethe (« Le roi de la forêt », « Gretchen au rouet ») et bien d'autres.
Le compositeur a également travaillé dans d'autres genres : opéras, œuvres vocales de chambre et instrumentales. Et pourtant, tout d'abord, le nom de F. Schubert est associé à ses chansons et à ses différents cycles : « La belle femme de Miller », « Winter Reise », « Swan Song ».
Le compositeur français Georges Bizet est entré dans l'histoire de la culture mondiale en tant qu'auteur de l'opéra inégalé Carmen. Dès l'âge de dix ans, il entre au Conservatoire de Paris. Au début de sa carrière créative, le jeune compositeur s'essaye à différents genres, mais l'opéra devient sa véritable passion. En plus de Carmen, il a écrit des opéras tels que The Pearl Fishers, The Beauty of Perth et Jamile. On remarquera également la musique qu’il a écrite pour le drame éponyme de A. Daudet « L’Arlésien ». J. Bizet est à juste titre considéré comme un compositeur exceptionnel de France.
Edvard Grieg est le compositeur le plus célèbre de Norvège, l'un des symboles de ce pays. Sa musique est un phénomène distinctif et original, démontrant l'individualité unique de la pensée créatrice de ce compositeur. Les œuvres de E. Grieg, dont le « Concerto pour piano », les romances, les « Pièces lyriques », la « Deuxième Sonate pour violon » et, bien sûr, « Peer Gynt » - la musique de la pièce de G. Ibsen - sont devenues la propriété de non seulement du norvégien, mais aussi de la musique du monde.
L'une des personnifications du romantisme est le violoniste et compositeur italien Niccolo Paganini. Les définitions les plus précises de son art sont l'éclat, l'éclat, la frénésie, la rébellion. Il a écrit des œuvres virtuoses et passionnées, qui sont encore présentes aujourd'hui dans le répertoire de violonistes célèbres. Nous parlons des premier et deuxième concertos pour violon, « 24 Capricci », « Carnaval de Venise » et « Perpetual Motion ». De plus, N. Paganini était un excellent improvisateur et réalisait des arrangements et des variations de fragments d'opéras pour violon solo. Il a inspiré de nombreuses figures de l’époque romantique.
Parlant de la musique du remarquable compositeur polonais Fryderyk Chopin (1810 - 1849), il convient tout d’abord de dire qu’il s’agit de « l’âme du peuple polonais », qui a trouvé une expression variée dans l’art de Chopin. Sa musique contient des pages de grandeur épique et d'ascension héroïque. Dans les épisodes tragiques de la musique de Chopin, on peut entendre le chagrin d'un cœur courageux. L'art de Chopin est un art profondément populaire d'un artiste patriotique, un artiste humaniste, inspiré par les idéaux progressistes de l'époque dans laquelle il a dû vivre et créer.
La carrière de compositeur de Chopin a commencé avec la composition de danses quotidiennes polonaises (mazurka, polonaise, valse). Il se tourne également vers les nocturnes. Ses « Ballade en sol mineur », « Scherzo en si mineur » et « Etude en do mineur » se sont avérées révolutionnaires pour la musique pour piano. Les études et préludes de F. Chopin (ainsi que les études de F. Liszt) constituent le summum de la technique pianistique de l'époque romantique.
Le romantisme s'est très bien enraciné sur le sol russe. La nouvelle vision du monde a trouvé une réponse dans les esprits et les âmes de l’intelligentsia. Sa conception de la résistance au mal qui a englouti le monde entier s’est révélée très proche de l’art et de la littérature russes.
L'une des manifestations du romantisme était la prose romantique russe. Apparu dans la première moitié du XIXe siècle, il devient lui-même un phénomène unique. Présenté avec les noms non seulement de grands écrivains russes, mais aussi d'auteurs de second rang. Certaines œuvres de ces auteurs démontrent clairement une affinité pour le fantastique, une atmosphère inhabituelle et surréaliste, un rebondissement magique et des personnages étranges. Dans ces œuvres, on sent la trace d'Hoffmann, mais réfractée à travers la réalité russe. Comme en Allemagne, la musique russe de cette époque était étroitement liée à la littérature. Cela peut être vu dans l'exemple des travaux de V.F. Odoevsky (1804 - 1869), qui réussit dans les deux domaines.
En général, l’ère romantique a produit une galaxie de compositeurs exceptionnels. Il s'agit de P. I. Tchaïkovski (1840 - 1893), A. A. Alyabyev (1787 - 1851), A. P. Borodine (1833 - 1887), M. I. Glinka (1804 - 1857), A. S. Dargomyzhsky (1813 - 1869), député. Moussorgski (1839 - 1881), M. A. Balakirev (1837 - 1910), N. A. Rimsky-Korsakov (1844 - 1908), A. N. Scriabine (1872 - 1915), Ts.A. Cui (1835 - 1915), S.V. Rachmaninov (1873 - 1943). Bien entendu, la plupart des compositeurs répertoriés n’étaient que des romantiques. Ils ont apporté une énorme contribution au développement du réalisme dans la culture russe, mais certaines périodes de leur œuvre sont tombées sur la scène du romantisme.
Le représentant de l'idée russe en matière de musique était M.I. Glinka. Son apparition dans la culture musicale russe l’a obligé à emprunter une voie différente. Dans son travail, il a réussi à combiner les traditions nationales européennes et russes. La période romantique de la créativité de M.I. Les Glinka sont de belles romances remplies d'harmonie, de lyrisme et de passion, parfaites dans la forme et le contenu.
Outre les activités des compositeurs, les associations créatives ont joué un rôle important durant cette période. En général, ce fut une époque de changements grands et significatifs pour la Russie, y compris dans la vie musicale. Il y a un développement de la science et de la littérature, qui entraîne avec lui l'art russe. Ses meilleurs représentants commencent à prendre conscience du grand pouvoir social de l’art. Ainsi, les tendances de l'époque capturent également la musique, l'influence de la littérature sur elle augmente et, par conséquent, leur interaction. L'étendue de ses relations avec d'autres formes d'art s'élargit, diverses communautés musicales émergent : le cercle de Dargomyzhsky, le cercle de Rubinstein, le cercle de Belyaev et, enfin, la communauté musicale de Balakirev, appelée la « Grande Poignée ».
L'expression « The Mighty Handful » a été inventée par le critique V.V. Stasov (1824 - 1906). Cette expression oxymorique est ensuite devenue populaire et a été reprise dans des contextes à la fois respectueux et ironiques, en référence aux musiciens regroupés autour de M.A. Balakireva.
Tout d’abord, ils cherchaient à raviver l’intérêt pour l’art populaire russe. Attachant une grande importance à l'originalité nationale de la musique, ils croyaient à juste titre qu'elle ne pourrait être réalisée que si le compositeur se tournait vers les origines des chansons folkloriques. Quiconque n'a été élevé qu'avec des compositions de salon, même les meilleures, ne pourra rien créer de valable. Jusqu'à présent, croyaient les membres du cercle Balakirev, la musique professionnelle, à de rares exceptions près (c'est-à-dire M.I. Glinka, 1804 - 1857), était loin de l'art populaire. Au sens des « kuchkistes », le compositeur est obligé de s'imprégner de l'esprit de la musique folklorique. Ainsi, le romantisme russe est l’art national russe.
5. Conclusion.
Une nouvelle vision romantique du monde dans l'art européen au tournant des XVIIIe et XIXe siècles. Dans le romantisme, le monde quotidien jouxte le monde fantastique, où le héros dramatique court dans l'espoir d'échapper au quotidien. Les romantiques croyaient que l’art est un ; La poésie et la musique sont particulièrement proches. La musique est capable de « raconter » la pensée du poète, de peindre l’image d’un héros littéraire, et la poésie surprend bien souvent par sa musicalité. La tendance de l’art nouveau se reflète également dans l’œuvre des grands compositeurs romantiques.
Le romantisme musical avait ses propres héros, ses propres thèmes, ses propres principes esthétiques et son propre langage artistique. Son objectif était une forme libre, non limitée par des frontières de genre ou de type. Le romantisme musical existe depuis très longtemps et porte de riches fruits.
Cependant, le moment de sa crise est arrivé. Cela s’est produit à une époque où l’approche du XXe siècle, avec ses tendances particulières, commençait à détruire les idéaux du romantisme. Et bien qu'il ait finalement été remplacé par le modernisme, le romantisme n'est pas tombé dans l'éternité et ses traditions ont continué à vivre dans l'art du nouveau siècle et même dans nos temps modernes.
6. Liste des références.
1. Belousova S.S. Le romantisme. - M. : Rosman, 2004. - 115 p.
2. Galatskaïa contre. Compositeur allemand Robert Schumann/W.S. Galatskaïa. - M. : Connaissance, 1956. - 33 p.
3. Gordeeva E.M. Puissant groupe/E.M. Gordeeva. - M. : Musique. - 270 s.
4. Solovtsov A.A. Frédéric Chopin. La vie et l'art. - Maison d'édition musicale d'État/A.A. Solovtsov. - Moscou, 1960. - 504 p.
